Sala Verdi del Conservatorio – Via Conservatorio, 12 – Milano Lunedì 9 giugno 2014 – ore 21.00 SERIE «Festival Omaggio a Milano» 2014 «Il Genio è Donna» Pianista SA CHEN (Premio Chopin; Premio Leeds; Premio van Cliburn) «AFTER MYRA HESS» - «SUONARE CON ANIMA» FREDERIC CHOPIN (1810-1849) PRELUDIO IN RE BEMOLLE MAGGIORE OP. 28 N. 15 CÉSAR FRANCK (1822 – 1890) PRELUDIO CORALE E FUGA IN SI MINORE Prélude: Moderato; Choral: Poco più lento; Fugue FREDERIC CHOPIN NOTTURNO IN SI MAGGIORE OP.62 N.1 BARCAROLA IN FA DIESIS MAGGIORE OP. 60 FRANZ LISZT (1811-1886) SONATA IN SI MINORE Lento assai; Allegro energico; Andante sostenuto; Allegro energico; Andante sostenuto; Lento assai SA CHEN - Nata a Chongqing, Cina, ha studiato al Sichuan Conservatory of Music, alla Shenzhen School of Arts con Dan Zhaoyi e nel ‘94 è stata ascoltata e interrogata dal Presidente Cinese Jiang Zemin. Si è diplomata alla Guildhall School of Music & Drama di Londra con Joan Havill e dal 2001 ha frequentato la Hochschule für Musik und Theater di Hannover con Arie Vardi. Ha vinto il primo premio al China International Piano Competition e nel 1996 è stata premiata al Leeds Piano Competition (la più giovane partecipante al concorso), al 14° Concorso Chopin di Varsavia e al 12° Van Cliburn Competition, divenendo così l’unica premiata in tre tra i massimi concorsi pianistici al mondo. Nel 2010 le è stato conferito il “Chopin Art Passport” dal Governo Polacco per l’esecuzione di Chopin durante il bicentenario chopiniano del 2010; nello stesso anno ha ricevuto il China’s Classical Elite Award sia a Shanghai che a Pechino nelle categorie “Top Ten Best Concerts of the Year” e “Best Recital Concert of the Year” ed è stata nominata, unica artista donna, nella top ten degli artisti cinesi del 2009 dalla rivista L’OFFICIEL. Ha debuttato nel 1996 in un concerto trasmesso live dalla BBC con City of Birmingham Symphony Orchestra e Sir Simon Rattle; da allora ha collaborato con direttori quali Bychkov, de Waart, Slatkin, Conlon, Petrenko, Harth-Bedoya, Volkov, Sokiev, Kaspezek, etc... suonando con Los Angeles Philharmonic, Israel Philharmonic, Pittsburgh Symphony, City of Birmingham Symphony, Camerata Salzburg, WDR Symphony Orchestra, Bremen Philharmonic, Warsaw Philharmonic, Polish National Radio Symphony, Orchestre National du Capitole in Toulouse, e in Asia la China Philharmonic, China National Symphony, Shanghai Symphony, Hong Kong Philharmonic, Singapore Symphony. Ha tenuto concerti con Tokyo Metropolitan Symphony nella Suntory Hall, un tour con la Royal Liverpool Philharmonic e Petrenko in Spagna, un recital al Louvre, un concerto con London Philharmonic Orchestra e Tortelier all’NCPA di Pechino; New York (Carnegie Hall), Washington D.C. (Kennedy Center), Londra (Barbican Centre, Wigmore Hall, Purcell Room and Cadogan Hall), Varsavia (Philharmonic Hall), Milano (Sala Verdi), Berlino (Broadcast Hall), Zurigo (Tonhalle), Linz (Bruckner Hall), Basilea (Foundation Beyeler Museum e Vitra Design Museum), Copenhagen (Louisiana Museum), Boston (Symphony Hall), Hong Kong, Taiwan, Tel Aviv e Australia. Ha partecipato al Duszniki Chopin Festival in Polonia, Louisiana Museum Festival in Danimarca, Lockenhaus Music Festival in Austria, Le Musiques festival in Svizzera e al Beijing Music Festival in Cina. È stata selezionata per suonare a Tokyo nel prestigioso ciclo “The 100 Great Pianists of the Twentieth Century”. Ha tenuto un tour negli Stati Uniti con il Takacs Quartet ed è stata invitata molte volte da Gidon Kremer come sua partner al pianoforte.Del 2008 la sua prima incisione con i due Concerti di Chopin, è stata distribuita in tutto il mondo; nel 2009 è stato pubblicato un CD con musiche di Rachmaninov e Mussorgsky, dell’autunno del 2011 è la registrazione del 2° Concerto di Rachmaninov e del Concerto di Grieg. Sa Chen è ospite di Serate Musicali, che l’hanno scoperta per l’Italia, dal 2002. ******* NOTA DI PASSAGGIO Ancora una volta evochiamo il fantasma del più misconosciuto! Del malcapito e del male-amato quale fu l’amico nostro Shura (Cherkassky), che sempre ci chiedeva se avessimo notizie di qualcuno che suonasse con anima. Il padre di Sviatoslaw Richter, musicista eccellente e pianista (Odessa, Teatro), aveva battezzato il polacco Ignaz Friedman “numero uno” al mondo, per analoghi motivi “di anima”. Un mondo che poteva allora contare sul polacco Paderewski, sul russo Rachmaninov, su Joseph Hoffman e su altre “anime” (anche Horowitz, naturalmente, aveva un’anima). Altra cosa, altro mondo la noblesse di Friedman, (che noi postumi chiamammo “la prima lama di Polonia”). Scomparso il quale ci consolammo mettendogli vicino Cherkassky, misconosciuto quanto Friedman. Loro due soli, nel secolo. Sa Chen, che viene dalla Cina, non lo sa ma, ci ha fatto tornare col pensiero “all’anima”. E fu esattamente quello il giorno, quando Sa Chen suonò il Preludio detto della “Goccia d’acqua”, dal resoconto che ne dà la Sand (in “Histoire de ma vie”). Suonava quel Preludio durante il concorso Chopin-Varsavia. Suonare con segreta commozione, s’è mai udito nel nobile consesso che si riunisce nel nome di Chopin? Nel dubbio, il Primo Premio del concorso andava a Sa Chen e alla suo “Goccia”. Ma un Concorso, così famoso, ha mille leggi e mille ingranaggi. Mille clausole e mille convenienze. Come ci si aspettava, dovette appagarsi di un terzo Premio, o fors’anche d’un Premio “per la miglior Mazurca”. Si sa, le mazurche sono la vetta d’ogni recitazione. Inviolabile vetta. Sa Chen ebbe il Primo Premio “da noi”. E da allora suonò sempre per noi. E non vendette l’anima al diavolo, per grandissima nostra fortuna. Se la tiene, e nel caso ce la presta. Se il rito è chopiniano, come ha da essere. (H.F.) SI RACCOMANDA DI SPEGNERE I TELEFONI CELLULARI É VIETATO REGISTRARE SENZA L’AUTORIZZAZIONE DELL’ARTISTA E DELL’ORGANIZZAZIONE FREDERIC CHOPIN – Preludio in re bemolle maggiore op. 28 n. 15 La “Goccia” (Preludio n. 15) ha di certo un primato: ha fatto scorrere fiumi d’inchiostro. Quasi il più lungo (il 17 ha una misura in più). Biografico, grazie alla Sand (Histoire de ma vie). Dovendo raggiungere Palma, la Sand parte di buon mattino con i figli, lasciando Chopin di buon umore a Valldemosa. Ma il tempo si guasta ed è diluvio. La Sand e figli non possono tornare che in piena notte e trovano Chopin al pianoforte, annichilito. Come li vede grida: «Lo sapevo che siete tutti morti!». Riavutosi Chopin racconta un sogno: d’essere annegato in mezzo a un lago e sentire sul petto gocce d’acqua, fredde, gelate, che cadevano ritmicamente. In realtà, le gocce si sentono cadere sul tetto della cella. É il 4.01.1839. La sentiamo la voce della Sand: «C. non riusciva a padroneggiare gli effetti della sua fantasia. Il chiostro era fatto di fantasmi, anche se stava bene». Nel Preludio il rapporto è tra due sezioni: re bemolle maggiore e do diesis minore (enarmonico di re bemolle). Come altrove (p.e. Scherzo op. 39, Improvviso op. 66). Nella prima una cellula melodica tipica di C. (sonate op. 35 e58, i Concerti). C. amava suonare il Preludio anche in pubblico e lo fece sei volte. CÉSAR FRANCK - Preludio Corale e Fuga in si minore È curioso ma non incomprensibile il fatto che dalla prima composizione per pianoforte, le Variations brillantes sur l'air du "Pré aux Clercs" del 1834, passino cinquantanni perché possiamo trovare la vera prima opera pianistica importante, Preludio, corale e fuga del 1884, seguita due anni dopo da un altro trittico, Preludio, aria e finale. Ma è un vuoto, strano per un compositore dell'Ottocento, che si spiega con l'importante produzione organistica che non solo lascerà in qualche modo il segno sul suo pianismo ma che, portando avanti in qualche modo lo spirito dell'opera in programma, giungerà ad ideale coronamento nel 1890 con un capolavoro assoluto come i Tre corali. Sin dalla prima esecuzione di questo lavoro, il 25 gennaio 1885 per la Société Nationale de Musique nella interpretazione di Marie Poitevin, i giudizi furono entusiasti, anche se l'analisi fatta da d'Indy, sintetica sul piano musicale, non si sbilanciava troppo e la posizione di Saint-Saëns appariva ancora meno puntuale. All'opposto quest'opera, punta di diamante fra i più belli dell'intera produzione di Franck, non mancherà di esegeti che si lasceranno trascinare a interpretazioni quasi mistiche, suscitando più tardi il disappunto di Cortot, o di altri più portati a interpretare poeticamente la pagina musicale come fa Rivière quando scrive: «É sempre come una mano che si apre lentamente, come l'insensibile introduzione a più luci, come una chiarità che filtri attraverso un maggiore spazio». Per una lettura più attenta credo invece sia oggi il caso di tener presente alcune cose essenziali: per primo il richiamo a Bach, con l'aggiunta di un corale nella zona centrale, di una concezione architettonica che per complessità ed equilibrio trova pochi altri casi nella musica dell'Ottocento; poi l'elemento ciclico, ricorrente anche altrove in Franck, con il tema conduttore dal quale nascerà il tema della fuga, fra innumerevoli sfaccettature interne di interdipendenza; ancora uno spiccato senso cromatico che se in un primo momento ci fa ritornare a Wagner, dall'altro è più giusto attribuire direttamente al suo maestro Reicha; infine uno spirito romantico che si nutre pianisticamente di Liszt ma anche della poesia schumanniana. Il Preludio è costruito, nello spirito classico, su due elementi fondamentali: un movimento veloce di trentaduesimi quasi di carattere improvvisatorio, e una zona "a capriccio" di contrasto, nella quale appare la cellula prima del tema della fuga. Il libero alternarsi di questi due elementi porta al Corale, in tempo poco più lento, costruito su due elementi con autonomia tematica ma con un ulteriore arricchimento dello spunto tematico della fuga. È una pagina ampia, solenne, di intensa poesia, che lascia il posto all'intera esposizione del tema nel Poco Allegro e di lì a poco nella Fuga vera e propria. Ciò avviene come una specie di rivelazione. La Fuga si sviluppa quindi con estremo rigore costruttivo ma ad un certo punto, dopo un concitato crescendo di intensità e di volumi, si blocca sull'accordo arpeggiato della dominante di si minore. A questo punto, nello spirito di una cadenza, si riprende il movimento continuo del Preludio e di lì a poco anche il Corale. Con una logica formale e costruttiva ineccepibile assistiamo alla sovrapposizione delle tre parti della composizione in un mirabile equilibrio fra spirito classico e ripensamento romantico, senza alcuna contraddizione. FREDERIC CHOPIN - Notturno in si maggiore op. 62 n. 1 Composti nel 1846, i due Notturni op.62 sono gli ultimi a essere stati pubblicati per interessamento dello stesso Chopin. Furono dedicati alla von Konneritz, sua allieva. In essi traspare un’atmosfera molto intima e lirica. L’armonia e l’uso del contrappunto sono portati a livelli superiori. Il primo, del classico tipo ABA’, ha la prima sezione costituita da due temi facenti largo uso del contrappunto. Essa è divisa in tre parti: un tema principale inframmezzato da un secondo e una riproposizione del primo con qualche variante. Singolare che il tema principale sia arricchito con una serie di trilli durante la seconda esposizione. La parte centrale si può considerare un’unica melodia di stile cantabile: essa viene proposta una prima volta e poi ripetuta. Successivamente, partendo da un ornamento, la melodia scende per circa due ottave secondo una scala che si risolve in un arpeggio. Infine, sempre con l’ausilio di abbellimenti, si arriva alla Coda. FREDERIC CHOPIN - Barcarola in fa diesis maggiore op. 60 La stupita ammirazione che provavano Ravel e Debussy di fronte alla Barcarola op. 60 potrebbe da sola spiegare molte delle novità formali di tale pagina. Vedasi la coesione fra la nuovissima ispirazione armonica e la linea melodica, tinta di italianismo. Il termine “Barcarola” indica i canti dei gondolieri veneziani: in seguito il termine fu attribuito a composizioni musicali con ritmi in 6/8 o in 12/8: Chopin indica un tempo in 12/8, ma la forma è tripartita così come nei Notturni. Pensiamo alle tre brevi Barcarole nei «Lieder ohne Worte» di Mendelssohn. Ma la distanza è anni luce. L’idea che si ha all’ascolto è quella di un incedere in forma improvvisatoria, ma dove ogni elemento trovi la sua perfetta collocazione, come per miracolo: si ascolti la sezione centrale, il fa maggiore, dove agili terzine conducono verso un Poco più mosso appassionato, per poi ritrovare la frase iniziale nella tonalità di fa diesis maggiore, ma modificata leggermente sia nel ritmo, sia nella melodia, come se il passato fosse già lontano e la riproposizione tout court del “già detto” fosse esteticamente impossibile. Il già udito, la memoria sono elementi importantissimi nella poesia di Chopin, elementi che affascineranno anche Proust quando, in alcune centrali pagine della sua Recherche, sarà il primo a comparare l’opera del Polacco con quella dell’astro nascente: Claude Debussy. FRANZ LISZT Sonata in si minore Fu scritta a Weimar tra il 1852 e il 1853 e pubblicata nel 1854 da Breitkopf & Hartel a Lipsia, con dedica a Schumann (il quale aveva a sua volta dedicato a Liszt la Fantasia op. 17). L’annoso problema dell’esaurirsi della vitalità delle forme ampie, quali la Sonata e la Sinfonia, fu molto pressante nella mente di Liszt, soprattutto dopo che questi lasciò la carriera di virtuoso del pianoforte per ritirarsi alla corte di Weimar, dove si dedicò alla composizione e si adoperò per far conoscere le nuove correnti d’avanguardia della musica. La soluzione che si offrì alla sua mente fu la medesima sia per le composizioni orchestrali che per il pianoforte: la forma ciclica, che consentiva di porsi sulla scia della forma-sonata adottandone e al tempo stesso modificandone i principi costitutivi. Un solo movimento di ampie proporzioni riassumeva in sé la tradizionale tripartizione della forma-sonata (esposizione, sviluppo e ripresa), assieme alla suddivisione in più movimenti, trovando una nuova unità e omogeneità attraverso il principio dell’elaborazione tematica (questo un debito nei confronti di Beethoven). Creatore del Poema sinfonico, cioè di qualcosa che si pone decisamente contro la costruzione "illuministica" della forma-sonata (e contro la stessa Sinfonia, che della forma-sonata è talvolta dilatazione), Liszt si cimenta con la composizione di una Sonata tenendo conto solo in minima parte dei presupposti formali che questo tipo di creazione artistica comporta. Egli infatti affronta la composizione pianistica seguendo del tutto modalità timbriche peculiari della scrittura sinfonica (e ciò non è vero solo per la Sonata): il pianoforte non è più semplicemente uno strumento, ma in mano al virtuoso diviene la condensazione di un'orchestra. Liszt condivideva con Schumann la consapevolezza che scrivere una Sonata a metà del XIX secolo aveva un sapore inattuale e di confronto con la storia della musica. Questa propensione ad attribuire uno sviluppo polivalente a un unico nucleo tematico poteva ravvisarsi già nella Fantasia quasi Sonata. Un altro precedente in questo senso può essere indicato nella Fantasia in do maggiore di Franz Schubert, che Liszt trascrisse per pianoforte e orchestra nel 1851. D'altronde quando Liszt affronta la composizione della Sonata ha già al proprio attivo i primi “Studi di esecuzione trascendentale”, le prime raccolte di “Années de Pélerinage” e ancora “Mazeppa” e alcune “Parafrasi” da opere: tutte musiche che hanno al loro interno un programma e non si può non riconoscere che anche la Sonata in si minore sia influenzata da tale prassi. Dunque quest'opera è un vero e proprio "pezzo unico", più affine al poema sinfonico che alla musica pianistica di Beethoven, il quale rifugge sdegnosamente (essendo il romanticismo ai suoi primi vagiti) gli eroici furori lisztiani. Questo è, forse, il milieu creativo nel quale va inquadrato l'ascolto della Sonata in si minore. Soppiantata la forma consueta di Sonata, Liszt inserisce una struttura ciclica - ritroviamo un processo affine in Wagner, al quale la Sonata piacque molto e in Franck - che vede ritornare spunti e temi per tutta l'opera, che combina al suo interno gli elementi musicali del recitativo, della fantasia e della variazione. Nelle prime diciassette battute della Sonata è già esposto il materiale melodico su cui si fonda l’intera composizione lisztiana. Questa creazione risulta innovativa anche per l'intelaiatura dei quattro temi principali, che si frantumano in una successione agogica che annovera quattordici stacchi di tempo diversi. Infine, le innumerevoli indicazioni dinamiche indugiano sui cromatismi ed evitano le cadenze. La composizione termina con un nuovo Lento assai, che riprende l'apertura con scala ungherese discendente, ma in pianissimo: quasi un arrendersi del pensiero musicale di fronte al silenzio. Un finale problematico, moderno, inquietante: del resto tutta la Sonata ha un tono drammatico, a tratti macabro, con rari momenti lirici. La musica si estingue in maniera cupa, spettrale, con lo stesso spunto tematico con cui era iniziata. In un primo momento Liszt aveva ideato un altro finale, in fortissimo, sfavillante e cristallino, di tono trionfalistico; poi optò per la soluzione in pianissimo che si ricollega all’inizio del brano. Assimilabile per la concezione ai Poemi sinfonici scritti da Liszt negli stessi anni, in questa Sonata è stato spesso cercato un programma letterario e molti vi hanno riconosciuto un riferimento ai personaggi faustiani di Goethe. La Sonata sarebbe ispirata da un tema caro al compositore: quello del dualismo, dello sdoppiamento della personalità in Faust-Mefisto che ritorna in altre sue composizioni (la Faust Symphonie del 1857 e i Mephisto Valzer). INFORMIAMO CHE ALLA BIGLIETTERIA SERALE DEL CONSERVATORIO SONO DISPONIBILI, PER IL PUBBLICO DI “SERATE MUSICALI”, I BUONI SOSTA PER IL PARCHEGGIO DI VIA MASCAGNI. ASSOCIAZIONE «AMICI DELLE SERATE MUSICALI» Presidente Onorario ICALI» Alvise Braga Illa Fondazione Rocca Ulla Gass Thierry le Tourneur d’Ison Società del Giardino Camilla Guarneri Miriam Lanzani Lucia Lodigiani Mario Lodigiani Paolo Lodigiani Maria Candida Morosini Rainera e Mario Morpurgo GianBattista Origoni Della Croce Pagel Italiana srl Ede Palmieri Adriana Ragazzi Ferrari Giovanna e Antonio Riva Elisabetta Riva Giovanni Rossi Alessandro Silva Maria Luisa Sotgiu Marco Valtolina Beatrice Wehrlin Giovanni Astrua Testori Maria Enrica Bonatti Luigi Bordoni - Centromarca Luigi Crosti Roberto Fedi Anna Ferrelli Ugo Friedmann Jacopo Gardella Giorgio Babanicas Denise Banaudi Umberto e Giovanna Bertelè Elisabetta Biancardi Mimma Bianchi Claudio Bombonato Valeria Bonfante Isabella Bossi Fedrigotti Hans Fazzari *** Soci Fondatori Carla Biancardi Franco Cesa Bianchi Giuseppe Ferreri Emilia Lodigiani Enrico Lodigiani Luisa Longhi Stefania Montani Gianfelice Rocca Luca Valtolina Amici Benemeriti Amici Fedele Confalonieri Mediaset Giuseppe Barbiano di Belgiojoso Ugo Carnevali Roberto De Silva Roberto Formigoni Gaetano Galeone Società del Giardino Gianni Letta Mario Lodigiani Roberto Mazzotta Francesco Micheli Arnoldo Mosca Mondadori Silvio Garattini Robert Parienti Soci Maria Brambilla Marmont Giancarlo Cason Egle Da Prat Piero De Martini Fabio De Michele Maya Eisner Donatella Fava Carlo e Anna Ferrari Maria Teresa Fontana Bianca e Roberto Gabei Matilde Garelli Felicia Giagnotti Giuseppe Gislon Maria Clotilde Gislon Fernanda Giulini Yasunory Gunji Ferruccio Hurle Industria dei Beni di Consumo Vincenzo Jorio Giuliana e Vittorio Leoni Maurizia Leto di Priolo Giuseppe Lipari Maria Giovanna Lodigiani Gabriella Magistretti Eva Malchiodi Giuseppina Maternini Luisa Migliavacca Guya Mina «SERATE MUSICALI» Paolo Pillitteri Fulvio Pravadelli Quirino Principe Gianfelice Rocca Fondazione Rocca Carlo Sangalli Fondazione Cariplo Luigi Venegoni Giuseppe Ferreri Banca Popolare di Milano Camera di Commercio di Milano Publitalia ***** Diana Bracco Martha Argerich AMICI STORICI Marina Berlusconi Cecilia Falck Vera e Fernanda Giulini Emilia Lodigiani Maria Grazia Mazzocchi Conservatorio G. 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