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50x50DTIROL
ART
SÜ
Festung Franzensfeste
Forte di Fortezza
13.07. - 01.09. 2013
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50x50x50
50x50x50
ART SÜDTIROL 2013
ART SÜDTIROL 2013
Festung Franzensfeste
Forte di Fortezza
13.07. - 01.09.2013
13.07. - 01.09.2013
Die erste 50x50x50 ART SÜDTIROL 2011 hat überzeugt: durch ihre
künstlerische Breite und Dichte, durch die Unterstützung ihrer privaten
Partner, durch ihre mediale Präsenz und den Zuspruch des Publikums.
Die 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 will das bei vielen Südtirolern geweckte Interesse an ihren Künstlerpersönlichkeiten und deren Werk dazu
nutzen, die entstandene Verbindung zu stärken und weitere interessierte
Besucher hinzuzugewinnen.
La prima 50x50x50 ART SÜDTIROL 2011 ha convinto tutti: per la sua
intensità e varietà artistica, per la presenza di partner importanti, per
l’ottima presenza mediatica e per la risonanza positiva del pubblico.
50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 vuole ora approfittare dell’interesse
suscitato dagli artisti e dalle loro opere fra i visitatori per rafforzare i
connubi creati e per intensificare ancora di più l’interesse nei confronti
della mostra.
Die 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 präsentiert 54 der wichtigsten
Südtiroler Künstler in einer großen Übersichtsausstellung.
50 Tage lang präsentieren sie in 50 Räumen ihre Werke.
La 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 presenta 54 importanti artisti altoatesini in una grande esposizione. Per 50 giorni, in 50 stanze, gli artisti
selezionati presentano le loro opere.
Ihr Werk und ihre Persönlichkeit, das ist das Thema der Ausstellung.
La mostra non si presenta con un leitmotiv definito, ma tende a dare
spazio principalmente alla personalità e all‘opera complessiva degli artisti.
Jeder Künstler gestaltet seinen eigenen Raum, präsentiert seine eigene
künstlerische Welt und Welterklärung. Kombinierte Formen, komplexe,
spartenübergreifende Projekte wechseln mit traditionellen Ausdrucksformen. Ein Raum mit klassischen Tafelbildern grenzt an einen performativen Aktionsraum. Videoinstallationen, Fotografien und Konzept betonte
Kollagen werden neben Skulpturen in klassischen Ausführungstechniken
gezeigt. Die Intensität der gezeigten Werke, ihre Vielfalt und ihre Originalität ermöglichen einen einzigartigen Rundgang durch das zeitgenössische Kunstschaffen Südtirols.
Hartwig Thaler, der Künstlerische Leiter, erklärt: “Aus der architektonisch
und militärhistorisch bedrohlichen Festung Franzensfeste wird eine spannende Bühne für die Leidenschaftlichkeit, die Tiefe und die Lebendigkeit
der Kunst.
In einer konfliktgeladenen, Grenzen ziehenden Provinz nutzen die Künstler die universelle Sprache der Kunst, um neue äußere und innere Horizonte aufzutun“.
Ognuno presenta il suo mondo artistico, il suo messaggio, spaziando dalle forme combinate ai progetti interattivi, dalle varie tipologie
d‘espressione artistica all‘arte cosidetta tradizionale, ai dipinti in stile
classico accanto alle azioni „performance“, installazioni video, fotografie, collage concezionali, sculture realizzate con tecniche tradizionali. L‘intensità, la varietà e l‘originalità delle opere esposte permettono
un‘ampia visione panoramica sull‘operato artistico dell‘Alto Adige.
Il direttore artistico della mostra, Hartwig Thaler, dichiara:
“La massiccia e visualmente minacciosa fortezza storica si trasforma in brillante palcoscenico per la passione, la profondità e la vitalità
dell‘espressione artistica.
In una provincia di confine, piena di conflitti storici, gli artisti interpretano il linguaggio universale dell‘arte per aprire nuovi orizzonti interni ed
esterni”.
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Hartwig Thaler
Thomas Klapfer
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Hartwig Thaler
Im Namen der Künstler der 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 danke
ich allen Mitarbeitern des Trägervereins OPPIDUM aus Franzensfeste,
ich danke der Vereinspräsidentin Milena Greifenberg und dem für OPPIDUM verantwortlichen Koordinator, dem Vizepräsidenten Herrn Thomas Klapfer. Danke dir Thomas. Ich danke den Verantwortlichen und
den Angestellten der Festung Franzensfeste. Ich danke allen Partnern
der 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 für ihr großzügiges Handreichen
und ich danke all jenen, die im Hintergrund dieses Projekt unterstützt,
verteidigt und ermöglicht haben. Vor allen aber danke ich den Künstler
der 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013. Ich danke jedem einzelnen.
In nome degli artisti presenti alla ART SÜDTIROL 2013 ringrazio tutti i
collaboratori dell’associazione Oppidum di Fortezza, organizzatrice della
mostra. Grazie alla presidentessa dell’associazione Milena Greifenberg e
al coordinatore dell’esposizione, il vicepresidente Thomas Klapfer. Grazie
a te, Thomas. Un sentito grazie anche ai responsabili e ai dipendenti della fortezza, grazie anche a tutti i partner della 50x50x50 ART SÜDTIROL
2013 per il generoso aiuto dato. Ringrazio anche tutti coloro che hanno
contribuito a realizzare e a far crescere il nostro progetto. In particolar
modo ringrazio tutti gli artisti della 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013.
Grazie ad ognuno di loro.
Wozu soll dieser ganze Kunstauftrieb eigentlich gut sein? Wozu eine Festung voller Kunst? Haben wir nicht genug zu tun mit der Instandhaltung,
der Sicherung und Verteidigung unserer Festungen? Wozu also weitere
Verwirrung, weiteren Kummer, unnötigen Glanz, untaugliche Apparate,
nicht einzuordnende Dinge?
Weil eine Festung voller Kunst besser ist als eine Festung voller Kanonen,
weil ein offenes, unsicheres Herz besser ist als ein Aufmarsch voller
Vorurteile und Gewalt, weil das Leben freier und weiter ist als jedes
Mauerwerk aus Macht und Anmaßung.
Die 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 macht aus einer Kriegsmaschine
ein Haus der Fantasie, der Freiheit und des Friedens.
Weil Kunst keine Festung ist, die Menschen gegen Menschen stellt,
sondern ihnen hilft, sich füreinander zu entscheiden. Kunst ist eine versöhnende Kraft.
A cosa serve questo proliferare di manifestazioni artistiche? Perchè una
fortezza „riempita“ d’arte? Ma non ci basta tutto il lavoro investito nella
manutenzione, la messa in sicurezza e la difesa della nostra fortezza?
Perchè allora altra confusione, preoccupazioni, splendore inutile, macchine senza utilizzo e altre cose non classificabili?
Perchè una fortezza piena d’arte è meglio di una fortezza piena di cannoni, perchè un cuore insicuro è meglio che un‘offensiva di pregiudizi e
violenza, perche la vita è più grande e importante che muraglioni a difesa
del potere e dell‘arroganza.
La 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 trasforma un marchingegno bellico
in una casa della fantasia, della libertà, della pace.
L’arte non è una fortezza che mette uomini contro uomini ma che aiuta la
comprensione reciproca. L’arte è una forza riappacificatrice.
Thomas Klapfer
Die Künstler der 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 können uns helfen,
den einen Schritt aus unserer eigenen inneren Festung hinaus ins Ungewisse zu tun. Diesen einen Schritt, den es schon immer gebraucht
hat und immer brauchen wird, um das Gewohnte zu verlassen und zu
erkennen, dass draußen Licht ist und Leben und Platz für alle.
Liebe Künstler,
erneut können wir mit Freude und Genugtuung auf eine gelungene
Ausstellung blicken. Der Schritt, diese Ausstellung ein zweites Mal zu
eröffnen, war ein sehr wichtiger, aber auch ein schwieriger. Daher freut
es mich besonders, dass die Begeisterung der teilnehmenden Künstler
für dieses Projekt auch heuer sehr groß war und vor allem auch, dass
deren Anzahl und somit auch die kreative Palette der 50x50x50 ART
SÜDTIROL 2013 zugenommen hat.
Mein ganz besonderer Dank gilt unseren Partnern aus der Wirtschaft,
welche durch ihre finanzielle und logistische Unterstützung diese Ausstellung erst ermöglicht haben. Danken möchte ich auch den Freiwilligen
des Vereins OPPIDUM, die tatkräftig geholfen haben, dieses Projekt zu
verwirklichen.
Es freut mich, dass die Festung Franzensfeste erneut ein Ort der Kunst
ist und wünsche euch und der Ausstellung viel Erfolg und alles Gute.
Klapfer Thomas
Beauftragter OPPIDUM Verein
Gli artisti della 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 possono aiutarci a
fare un passo al di fuori del nostro forte interiore, per andare incontro
all‘ignoto. Questo unico passo è sempre servito e sempre servirá per
lasciare le nostre abitudini e per apprendere che lì fuori c‘è luce e spazio
per tutti.
Cari artisti,
è con gioia e soddisfazione che possiamo prospettare, anche per questa
edizione, la riuscita della mostra. La scelta di realizzare, per la seconda volta, questa esposizione è stata importante ma anche difficile. Per
questo motivo sono molto contento nel vedere come, anche quest’anno,
l’entusiasmo degli artisti che partecipano a questo progetto sia notevole
e soprattutto constatare di quanto sia aumentato il loro numero e, di
conseguenza, anche la gamma creativa della 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013. Un particolare ringraziamento va ai nostri Partner del mondo
dell’economia che hanno reso possibile la realizzazione di questo evento,
grazie al loro sostegno economico e logistico. Vorrei ringraziare inoltre
anche i volontari dell’Associazione Oppidum che, con determinazione,
si sono impegnati nella realizzazione di questo progetto. Sono felice
nel vedere come il Forte di Fortezza si presti nuovamente ad accogliere
l’arte. Auguro a tutti un grande successo di pubblico e consensi da parte
della critica.
Klapfer Thomas
Associazione Oppidum
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Partner
5 0 x 5 0 x 5 0 A R T S Ü D T I R O L 2 0 13
Einzigartig wie durch ihre künstlerische Breite und Dichte ist die
50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 auch durch ihr auf private Partner
basierendes Finanzierungskonzept. Angeführt von der Firma Leitner Ropeways und der Stiftung Südtiroler Sparkasse beteiligen sich über 30
führende Südtiroler Unternehmen an der Ausstellung. Sie formen das
neue Miteinander zwischen Wirtschaft und Kunst und fördern durch ihren
Einsatz die kulturelle Entwicklung Südtirols.
Ebenso tragen die Medienpartner der 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013
wesentlich zum Erfolg der Veranstaltung bei.
Wir danken allen Partnern der 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013
für ihre großzügige Unterstützung.
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Interessante e unico della 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013 è, oltre alla
varietà delle presenze e alla densità espressiva, il concetto del finanziamento privato della manifestazione. Partendo dalla ditta Leitner Ropeways e dalla Fondazione Cassa di Risparmio, quasi 30 ditte e imprese
sponsorizzano in vari modi la grande esposizione, formando un importantissimo connubio fra economia ed arte, fungendo anche da traino allo
sviluppo artistico e culturale della provincia.
Anche i nostri partner nell‘ambito mediatico con la loro preziosa collaborazione hanno dato un contributo importante al successo della manifestazione.
Ringraziamo tutti i partner per il loro prezioso sostegno.
Partner in GOLD
Partner in SILVER
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www.brigl.it
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und der Logistik ...
... l’arte del trasporto e
della logistica ...
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Mediapartner
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Die Künstler der 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013
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Gli artisti della 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013
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DIE WERKE
LE OPERE
UNTERE FESTUNG
FORTE BASSO
Festung Franzensfeste
Forte di Fortezza
13.07. - 01.09. 2013
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Markus Kiniger
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Erich Dapunt
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Hartwig Thaler
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Sara Stuflesser
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Silvia Maccariello
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Erwin Dariz
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Erika Inger
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Thea Blaas
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Letizia Werth
20
Sylvie Riant
21
Johannes Inderst
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Edith Plattner
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Markus Moling
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Cristina Vignocchi
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Martin Pardatscher
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Friedrich Sebastian Feichter
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Maria Walcher
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DIE WERKE
LE OPERE
UNTERE FESTUNG
FORTE BASSO
Festung Franzensfeste
Forte di Fortezza
2. OBERGESCHOß
2. PIANO
13.07. - 01.09. 2013
1. OBERGESCHOß
1. PIANO
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Markus Damini
30
Monika Costabiei
31
Franziska Egger
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Walter Dalfovo
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Maria Christina Hilber
50x50x50 ART SÜDTIROL – die Zweite
Im Parlament der inneren Nasen
von Maria C. Hilber
Es bietet sich an, die Franzensfeste als Entität zu betrachten. Als Anfangssatz klingt das genauso schwer, wie es dieser graue Steinkörper
scheinbar ist, wenn er von der einen Talseite durch Brixner Granit in
die Talsohle fließt. Tatsächlich hat er aber doch etwas Liquides an sich,
wenn bloß die Kanten nicht wären. Schreibend, im Versuch mich um das
Wort „massiv“ zu drücken, zieht ein Gefühl der Besenreinheit ein, die im
Gefälle zwischen Felsenkletterern oben und dem Stausee unten durch
die inneren und äußeren Gänge der Festungsräume zieht. Das ist gut.
Das verspricht Frische.
Als 2011 der Verein Oppidum und die Franzensfeste sich auf das Starterprojekt von Ideator Hartwig Thaler einließen, ist ein Projekt autonomer
Künstlerorganisation entstanden, das mit der 50x50x50 ART SÜDTIROL
2013 in die zweite Beziehungsrunde tritt.
Sagen wir`s gleich, die Zweite hat`s nicht immer leicht. Die Zweite könnte
ganz schnell wie das Beta im Schatten des Alphas stehen. Zeitlich näher
dem Jetzt ist sie diejenige, die es schaffen muss, die Grundspannung der
Ersten, ihren Zauber weiter zu tragen. Im Vorfeld setzt sie sich reflektierend hin, das Gelungene wird von der Spreu getrennt. Da helfen viele
Täubchen mit. Das ist nicht immer angenehm.
Sie nennt sich eine Übersichtsausstellung und ist es auch. 50x50x50
ART SÜDTIROL- die Zweite, wird von 54 KünstlerInnen getragen, welche an die 50 Räume bespielen. Die Beziehungen zwischen den drei
Akteuren KünstlerIn – Raum - Werk formt sich ohne äußere Einwirkungen, deshalb umso spannender und in der Werkbetrachtung mit zu
berücksichtigen. Die Ausstellenden bilden einen Metakörper, der sich
vielleicht auf den ersten Blick in den einzelnen Werken nicht vernetzt,
da die Schöpfungsprozesse unabhängig voneinander stattfinden (was
aber nicht notwendigerweise so bleiben muss). Wichtiger im Moment
ist das gleichzeitige Betreten einer Öffentlichkeit. Diese Gleichzeitigkeit
trägt, abgesehen von ihrer immanenten Verbindungskraft, die spannende
Möglichkeit der Bewusstseinsbildung für die KünstlerInnen als auch für
das Publikum in sich, mit dem Versprechen: Das sind sie! So arbeiten
sie! Es gibt noch mehr!
Im Vorfeld waren künstlerische Abgänge zu beobachten und viele Neuzugänge, die das gesamte Wesen der Ausstellung verändert haben. Eine
innere Formwandlung passiert, sprich: die wilde Lebendigkeit und Vielfältigkeit lokaler KünstlerInnen „kriecht aus den Löchern, vom Knotten in
die Täler und aus den Wäldern.“ Hier ein leichter Schwenk zur Alpenmythologie, an sich ein spannender Schritt in Richtung innere und äußere
Etablierung des Südtiroler Künstlerseins.
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Die meisten sind oder waren in der Welt jenseits des Brenners verstreut,
haben sich dort gebildet und ausgetauscht, sich aus dem Geburtskontext
gelöst um das Eigene zu finden, die eigene, innere Nase zu entwickeln.
Es braucht Zeit und Ausdauer um dieses bemerkenswerte Sinnesorgan
kennen zu lernen. Denn die innere Nase ist weit größer als ihr äußeres
Pendant. Sie ist der intuitive Resonanzmesser, der Impulse aufnimmt,
reagiert, zurückspielt und sich auf Verbindungen einlässt. Verbindungen
wie Ausstellungskonzepte und ihre Räumlichkeiten. Dort kommt dann
die „Topophilie, die Liebe zum Raum“ ins Spiel. Danke Gaston Bachelard
für das schöne Wort.
Die 54 KünstlerInnen nutzen ihre innere Nase mit Sicherheit und trauen
ihr. Das sich trauen heißt, eine Vertrauensgrundlage, also so etwas wie
Umsetzungskompetenz zu haben. Sich trauen heißt, sich der Diskussion
zu stellen und damit angreifbar zu machen. Sich trauen heißt, offen zu
sein und zu bleiben, auch wenn mal die Türen fliegen, weil unbequem.
Im Sich Trauen liegt auch das Risiko und mit ihm die Frage, manchmal
auch die verborgene Kritik in Richtung Bravheit: Wie viel wirst du riskieren? Diese Frage stellt sich im Kontext Südtirol. Diese Frage stellt sich
eigentlich immer.
Im Sinne einer strategischen Weiterentwicklung von Ressourcen und
Konzept, lässt eine Ausstellungsfolge - die Erste, die Zweite, die Dritte...Schlüsse ziehen und Hypothesen für eine mögliche Weiterentwicklung
aufstellen. Wo liegen potentielle Andockpunkte? Was heißt Rahmenprogramm?
Was die finanziellen Ressourcen betrifft, wurden wieder bemerkenswert
viele private Förderer gefunden, wieder partnerschaftliche Beziehungen
geknüpft, wieder gegenseitige Sichtbarkeit geschaffen. Auch wenn. Obwohl. Weil. 2013.
Im April 2013 fand in Berlin eine Konferenz, mit dem Titel „the future
of Crowdfunding“ fast zeitgleich mit dem Crowdfunding Day in Amsterdam statt. Zu diesem Zeitpunkt hatte 50x50x50 ART SÜDTIROL - die
Zweite ihre Sponsorensuche bereits abgeschlossen und war kurz vor
Eintritt in die Endphase der Ausstellungsvorbereitung. Was das eine mit
dem anderen zu tun hat? Konzepte der Schwarmfinanzierungen werden
diskutiert und praktiziert. Menschen trauen ihrer inneren Nase zum einen
und machen sich ihre Rechnung zum anderen. Das Ergebnis ist ein Vertrauensvorschuss oder im Falle der 50x50x50 ART SÜDTIROL eine Vertrauensbestätigung, die dazu führt, dass finanzielle Rahmenbedingungen
geschaffen werden, um ein Großprojekt wie dieses passieren zu lassen.
Auch im Raum steht, hier nur angeschnitten aber zeitgenössisch betrachtet sehr spannend, die Frage nach den Schwärmen von Sichtbarkeiten
in der digitalisierten Öffentlichkeit. Im Pendat dazu steht die Festung
mit ihren haptisch erfahrbaren Künstlerwelten auf massivem Gestein, ein
bisschen wie ein analoger Gegenpol auch für all jene KünstlerInnen, die
auf „ihre“ Webpräsenz verzichten.
Auf der Zugfahrt über den Brenner fährt die Bahn, vor oder nach Sterzing an einer Miniaturinsel im oberen Eisack vorbei, auf welcher eine
kleine Statue steht. Eine Frauenstatuette, hierzulande vermutlich eine
Marienfigur, muss aber nicht sein. In meiner Erinnerung steht sie im
Morgenlicht. Mit mir saß ein Mädchen im Abteil, das sich gleich nach der
Bahnhof FFeste an die Fensterscheibe gedrückt hatte, um ihren Anblick
ja nicht zu verpassen. „Ich mache das immer“, sagte sie. Mir fühlte sich
Sehnsucht, daraufhin. Sehnsucht. Als sie das erste Mal auftauchte, da
war ich selber noch ein Mädchen. Da stellte sich die Frage nach dem
„wonach“ noch nicht. Wenn man als junger Mensch eine erste Ahnung
davon erhält, dass auch die äußere Welt aus einem Gewebe besteht,
dessen bloßer Anblick zwischen Poesie und abgründischer Trivialität alles
zu bieten hat, wie faszinierend ist dann die Möglichkeit, in die inneren
Welten so vieler KünstlerInnen eintauchen zu dürfen, die noch dazu im
engen Kreis der eigenen Prägungen aufgewachsen sind. Ich finde es
erhebend. Zart, mutig, verbindend.
Zurück zur Ausstellung: Die Festung, das Konzept, der Ideator, die Umsetzer, der Verein, die Künstler sind da, um in Beziehung zu treten, Reibungen entstehen zu lassen. Diskussionen, bitte Diskussionen! Damit
Neues, Zartes, Radikales in die Welt kommt und sich als gleichwertige
Entität neben Organisationsstrukturen, neben Marketing, neben die Finanzen stellt. An dieser Stelle: Falls die zahlenmäßig geringe Beteiligung von KünstlerInnen italienischer Muttersprache tatsächlich auf die
praktizierte Kulturenpolitik der letzten Jahrzehnte schließen lässt, ecco
per voi: „Ci mancate!“
Und falls die Debatte nach Heimat- und Kulturpolitik aufkommt, dann
hoffentlich im Sinne gegenseitiger, wertschätzender Selbstbewusstheit:
Wir sind diese Heimat! Wir sind diese Kultur! Wir zeigen uns! Und ein
WIR funktioniert über das DU. In all unseren Topophilien. In all unseren
Lieben.
Erst unlängst wurde aus dem Vinschgau vom jungen Verein für Wahrnehmung „kognitiv“ die Frage nach einer Landflucht der Kreativen gestellt
und reflektiert. Hier kehrt sich die Frage um. Welchen Effekt hat die
gegenseitige Sichtbarmachung auf die Kulturlandschaft? Passiert eine
Erstarkung? Und abgelöst vom Künstler, als Forscher, Kritiker, Ästhet,
Schöpfer einer Arbeit – welche Stimme haben die Arbeiten an sich?
Denn ein Werk spricht zurück und greift durch seine Präsenz bereits
ein - in die Welt. Es flieht nicht. Im Gegenteil, es stäubt und pflanzt sich
fort. Es vernetzt sich von ganz allein. Nachts, in der Stille, ist es sicherlich
spannend in der Festung - im Spannungsparlament zwischen Tafelbild
und performativem Aktionsraum...
So viele Formen der Verbindungen sind möglich. Wissenschaftliche,
wirtschaftliche Modelle öffnen sich. Erst 2012 wurde mit dem Ziel der
“Organisationsentwicklung mit künstlerischen Interventionen” in Wien
das Institut für Kunst und Wirtschaft gegründet. Immense Entwicklungskapazitäten liegen in der Bereitschaft für eine gegenseitige Befruchtung
zwischen allen Arten von Kulturen. Dabei funktioniert jede gestalterische
Initiative als Interventionsschaufel, die sich an der Kulturerosion beteiligt.
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Thomas Fleischmann
36
Lars Klauser
37
Ursula Huber
38
Andreas Zingerle
39
Giancarlo Lamonaca
40
Peter Kaser
41
Elisabeth Oberrauch
42
Sabine Auer
43
Oswald Auer
44
Markus Gasser
45
Harald Kastlunger
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Festung Franzensfeste
Forte di Fortezza
13.07. - 01.09. 2013
47
Lissy Pernthaler
48
Wolfgang Thomas Wohlfahrt
49
Johanna Meßner
50
Sepp Alber
51
Maria Theresia Stockner
52
Margit Klammer
53
Peter Chiusole
54
Walter Kuenz
55
Alois Steger
56
Lukas Zanotti
57
Arthur Kostner
58
Martina Stuffer Tarhan
59
Andrea M. Varesco
60
Werner Moser Dorfmann
61
Robert Engl
62
Ivo Mahlknecht
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Elisabeth Weiss
64
Manfred Mureda
65
Sonya Hofer
66
Ingrid H Klauser
67
Thomas Sterna
68
Wolfgang Zingerle
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Marion Oberhofer
„dumadum Friedn“ (Maridl Innerhofer)
50 KünstlerInnen, 50 Räume, 50 Tage - lautet das Konzept der Ausstellung 50X50X50 Art Südtirol. Zum 2. Mal versammelt die Kunstschau
- in deren Mittelpunkt die KünstlerInnen und ihre Werke stehen - ein
weites Spektrum des zeitgenössischen Südtiroler Kunstschaffens in der
Franzensfeste. Bei ihrer Fertigstellung im Jahr 1838 hatte die Festung,
die von den Habsburger Monarchen aus Furcht vor einem Angriff aus
dem Süden errichtet wurde, ihre strategische Bedeutung bereits verloren und bis heute drohte dem imposanten Bollwerk aus Granit und
Ziegeln nie ernsthaft Gefahr. Die gigantische Anlage galt als ein Kunstwerk Kriegsarchitektur, denn sie markierte den Beginn einer seriellen
Bauweise, die erst später in der sogenannten Ingenieursbaukunst üblich werden sollte – die Funktion stand im Vordergrund dieses damals
überaus fortschrittlichen Bauwerks. Seit der Begriff des Fortschritts in
die Krise geraten ist, ist mit ihm auch ein ganzes Geschichtsmodell ins
Wanken gekommen. Jede Behauptung von Fortschritt bedeutet immer
auch eine Neubewertung des Alten im Licht des Neuen. Wenn wie T.W.
Adorno schreibt, Kunst zu produzieren heißt, „Dinge [zu] machen, von
denen wir nicht wissen, was sie sind“(1), dann bedeutet dies auch, dass
zum Gelingen von Kunst nicht nur technischer Fortschritt gehört. Welche
Konsequenzen dies für den Begriff von Kunst hat, lotet die Ausstellung
auf schöpferische Weise aus.
Dass die Festung nun von Kunst bevölkert wird - uns in diesem riesigen
Labyrinth verschiedene ästhetische Gegenstände begegnen, die sich auf
ein gesellschaftliches oder kulturelles Außen, sowie ein künstlerisches
Vorhergehendes, Anderes oder Entgegengesetztes beziehen, ist eine
Entwicklung, über die man sich sehr wohl freuen darf. Die KünstlerInnen
besetzen mit ihren Werken den ehemaligen kriegerischen Ort und eröffnen damit einen Raum für Debatten jenseits von Gegnerschaft und Streit.
Der einen großen Erzählung, die seit jeher von den Siegern geschrieben wird, setzen sie ihre Vielstimmigkeit entgegen. Mit partikularen und
subjektiven Ansätzen unterwandern sie das Konzept der Geschichte als
kohärenten Entwurf. Das Zusammenspiel zwischen den Kunstwerken und
der Festung wird dabei zum Auslöser für einen Blick über die Mauern eines linearen Denkens. Es entstehen unerwartete Verbindungen zwischen
Vergangenheit und Gegenwart, die vielleicht flüchtig sind wie jene Bilder,
die Walter Benjamin in seinen Thesen Über den Begriff der Geschichte
beschreibt: „Das wahre Bild der Vergangenheit huscht vorbei. Nur als
Bild, das auf Nimmerwiedersehen im Augenblick seiner Erkennbarkeit
eben aufblitzt, ist die Vergangenheit festzuhalten.“(2)
Die Franzensfeste ist Architektur, Inszenierung, Exponat und Narration
zugleich. Für die Ausstellung wurden die Räume unter den KünstlerInnen
verlost und individuelle Anknüpfungspunkte an das vertrackte Ausstellungsdisplay gesucht. Die Werke nehmen nun teils ihre geschichts
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trächtige Umgebung zum Ausgangspunkt, oder setzen Narrationen und
Objekte aus entfernten physischen und psychischen Regionen in die
Befestigungsanlage und entwerfen dadurch auch verschiedene Visionen
der Zukunft. Produktiv ist eine solche Montage, wenn wir durch sie etwas erfahren, was in den einzelnen Teilen selbst gar nicht gezeigt wird.
„Kunst ist in erster Linie dadurch politisch, dass sie ein raum-zeitliches
Sensorium schafft, durch das bestimmte Weisen des Zusammen- oder
Getrenntseins, des Innen oder Aussen, (...) festgelegt werden.“(3) Für
den französischen Philosophen Jacques Rancière liegt die Beziehung
von Politik und Kunst auf derselben Ebene, das heisst auf der Ebene
der Aufteilungen des Sichtbaren. Politik setzt für ihn ein, wenn ein Abstand eingeführt wird, der einem Körper einen anderen Ort als den ihm
vorgesehenen zuteilt. Der politische Raum eröffnet sich für Rancière im
künstlerischen Eingriff, welcher diese Bewegung der Politik aufzeigt und
im Kunstwerk sichtbar macht.
Die Bedeutungen der Kunst sind nicht vorgefertigt, sondern müssen immer wieder neu mit dem Publikum ausgehandelt werden. Die Kunst lebt
vom Publikum, daß sich einfühlt und am Spiel der Kunst teilnimmt. Sie
kann eine aktivierende Kommunikationsform sein; soziale und kreative
Prozesse nicht nur darstellen, sondern auch in Gang setzen. Auf der
Kunst- und Zeitreise, zu der 50X50X50 Art Südtirol einlädt, verschieben
sich begriffliche Oppositionen zusehends: zwischen Dokumentarischem
und Fiktionalem, Authentizität und Fälschung, Gegenständlichkeit und
Abstraktion, Realität und Vorstellung. Sie zeigt eine mediale Vielfalt, die
von Malerei über Skulptur, räumlicher Installation, Sound, Video und Fotografie reicht und vermag dadurch auch mediale Gleichwertigkeit zu
veranschaulichen. Sie erschafft einen Ort der Reflexion und ist gleichsam
bestrebt Utopien und Horizonte zu entwerfen.
(1) T.W., Adorno: Vers une musique informelle. Gesammelte Schriften.
Bd.16. Frankfurt/M, 1978.
(2) Benjamin, Walter: Über den Begriff der Geschichte. Werke und Nachlaß. Kritische Gesamtausgabe., Bd.19, Berlin,2010.
(3) Rancière, Jacques: Die Aufteilung des Sinnlichen. Die Politik der
Kunst und ihre Paradoxien., Berlin, 2008.
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Die Künstler und ihre Werke
Gli artisti e le loro opere
Sepp Alber_ Seite/pagina 51
Holzskulpturen
Bronze als Abguss
Ölbilder
Aquarelle
Sculture in legno
Sculture in calco di bronzo
Dipinti a olio
Acquerelli
Sowohl in der Malerei als auch in den Skulpturen hat der Autodidakt
Sepp Alber eine ureigene Art sich auszudrücken. Er entwickelt eine
eigenwillige Formen- und Farbensprache, die authentisch ist. Mit Holz
schafft er etwas einzigartig Ursprüngliches, indem er die im Rohling noch verborgenen Formen erspürt und zum Leben erweckt. Der
malerische Weg beginnt grafisch mit starker Formensprache und entwickelt sich schrittweise und in beinahe zyklischen Abschnitten zu einer
eigenen malerischen Dimension.
L`artista autodidatta Sepp Alber non prende impulsi da movimenti artistici, bensì trova sia nella pittura come anche nella scultura il suo modo
autentico e proprio di esprimersi. Crea le sculture di legno facendo
rivivere le forme, fino a quel momento non visibili, ma già presenti nella
materia prima. Partendo dalla grafica e passando attraverso sperimentazioni proprie alla pittura, trova in essa una nuova dimensione artistica.
Sepp Alber
Autodidakt, geb. 1940 im Vinschgau,
freischaffender Künstler seit 1972,
gestorben 2010 in Meran.
Studienaufenthalte - Viaggi di studio
Wien, London, Griechenland
Ausstellungen - Mostre
Zürich, Florenz, Rom, Schwetzingen, Bozen, Brixen
[email protected]
Tel.: +39 331 3163131
4.-November-Straße 56 - Meran
Oswald Auer_ Seite/pagina 44
Mandelbrot Fraktal I
Frattale di Mandelbrot I
2013, 48 x 48 cm, Bleistiftzeichnung
2013, 48 x 48 cm, disegno a matita
Mandelbrot Fraktal II
Frattale di Mandelbrot II
2013, 48 x 48 cm, Bleistiftzeichnung
2013, 48 x 48 cm, disegno a matita
Mandelbrot Fraktal III
Frattale di Mandelbrot III
2013, 48 x 48 cm, Bleistiftzeichnung
2013, 48 x 48 cm, disegno a matita
Oswald Auer wurde 1970 in Bruneck geboren. Auer besuchte die
Kunstlehranstalt in St. Ulrich in Gröden. Er studierte von 1990-96
Bildhauerei an der Universität für angewandte Kunst Wien und Philosophie an der Universität Wien. Oswald Auer lebt und arbeitet in Wien.
Studienaufenthalte führen ihn nach Osteuropa und Israel. Auer arbeitet
in den Medien Radierung, Zeichnung und Stein. 1997 wurde ihm der
Georg-Eisler-Preis verliehen, 2002 der Theodor-Körner-Preis.
Oswald Auer nasce nel 1970 a Brunico e frequenta la scuola d’arte di
Ortisei (Val Gardena). Studia scultura all’Universitá delle arti applicate a
Vienna e frequenta la facoltá di filosofia all’Universitá di Vienna. Vive e
lavora a Vienna con soggiorni di studio nell’Europa dell’Est e in Israele.
Oltre al disegno e alla grafica realizza le sue opere in pietra.
1997 Premio Georg Eisler, 2002 Premio Theodor Körner.
Tel.: +43 (0) 699 1891 56 91
Sabine Auer_ Seite/pagina 43
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without story/ohne namen
2009, ca. 140 x 250 cm
Öl, Tempera, Tusche auf Bettlaken
without story/ohne namen
2009, ca. 140 x 250 cm
inchiostro e olio su lenzuolo
Sabine Auer, geboren 1975, lebt und arbeitet in Verdins/Schenna.
„without story/ohne namen“ ist eine Serie von Zeichnungen auf Bettlaken. Erstmals werden die Arbeiten assoziativ dem Ausstellungsraum
folgend an ihren ursprünglichen Ort zurückgebracht. Zuvor wurden
Sabine Auer, nata nel 1975, vive e lavora a Verdins/Scenna.
Espone lavori della serie „without story/ohne namen”, disegni su lenzuola. Per la prima volta verranno esposte come lenzuola su dei letti,
associandole al luogo espositivo, che era il dormitorio dei
soldati mentre
sie wie Wäsche auf Wäscheleinen präsentiert und nun werden sie
eingebettet. Den Betrachter möchte ich auffordern, das Gewohnte
zu verlassen, und als Künstlerin möchte ich das Neue innerhalb des
Ausstellungsraumes spüren. Ich arbeite mit Polaritäten. In meinen
Arbeiten spiegeln sich die unbewussten Mechanismen menschlichen
Zusammenlebens. In der Arbeitsweise bewege ich mich von der
Zeichnung zur Installation. Grundgedanken kommen aus der Psychologie und Philosophie. Theorien, deren Aussagen klar und deutlich
sind und dennoch im alltäglichen Leben anderen Dynamiken unterworfen sind. So entstehen Arbeiten, in denen makabre Schönheiten
eine intime Welt offenlegen und bei dem Betrachter Anziehung und
Abschreckung hervorrufen. Durch Material und Raumbesetzung tritt
der Betrachter in eine Gedankenwelt von Emotionen und Fragen.
Eine subtile Gradwanderung.
nelle esposizioni precedenti erano stese come dei panni all´aria aperta. Il mio invito all´osservatore é di abbandonare la visuale abituale
mentre io come artista voglio sentire il nuovo che si sprigiona dal
luogo espositivo.
Lavoro con le polaritá. Nei miei lavori si rispecchiano i meccanismi
inconsci della convivenza umana, accompagnati sempre dalle fonti
di psicologia e filosofia, le cui teorie spesso sono chiare, ma nella
vita quotidiana non vengono sempre vissute. Cosí nascono opere di
una bellezza macabra, che mettono a nudo un mondo intimo, che
evocano attrazione ma anche repulsione. Il materiale e l´occupazione
dello spazio dirigono l´osservatore verso un mondo di emozioni e
domande. Un percorso sottile.
www.sabineauer.com
[email protected]
Tel.: +39 349 6744185
Thea Blaas_ Seite/pagina 19
DIE ANDERE SEITE
DIE ANDERE SEITE
2013, 2 Teile zu 80 x 80 cm,
1 Teil zu 140 x 120 cm,
Digitalfotografie auf Acrylglas
2013, 2 parti da 80 x 80 cm,
1 parte da 140 x 120 cm
Foto digitale su vetro acrilico
Thea Blaas, DIE ANDERE SEITE, 2013
Das Spiegelbild als Abbild der Seele, als zum Scheitern verurteilte
Suche nach der Erkenntnis des eigenen Daseins. Immer wieder beschäftigt Thea Blaas die Frage nach dem, was wir Wirklichkeit nennen
und was gleichzeitig ungreifbar bleibt, der Realität entrückt, verborgen
und rätselhaft.
Metallisch und kühl ist die gezeigte Spiegelung eines Mädchens, dessen eigenes Antlitz sich in der schwarz-glänzenden Oberfläche einer
Lache aus Motoröl verliert. Ein resignierter Blick in die Leere oder das
erstaunte Neu-Entdecken eines anderen Ichs, an dem die Protagonistin
durchaus Gefallen hat? Die ölig-schwarze Flüssigkeit, die fast eindringt
in das ungeschützte Schuhwerk – steht sie für die bedrohliche Unbeständigkeit des Bodens, auf dem wir stehen? Oder wird sie zum
selbst gewählten Wagnis, zur Herausforderung an das eigene Selbst,
das gewohnte Umfeld zu verlassen, um einen anderen Blickwinkel einzunehmen?
Thea Blaas legt sich auf all diese Fragen nicht fest – und überlässt
dem Betrachter, der Betrachterin, den eigenen Raum zum Verhandeln.
Brita Köhler
Thea Blaas, DIE ANDERE SEITE, 2013
L’immagine riflessa come immagine dell’anima, come eterna ricerca destinata a naufragare - dell’essenza del proprio esistere. Da sempre
Thea Blaas si interessa di ciò che noi chiamiamo realtà e di ciò che
alla realtà si sottrae, ció che non riusciamo a cogliere perché nascosto
ed enigmatico.
Metallica e fredda è l’immagine di una ragazza, il cui riflesso si perde
nella superficie nero-lucida di una chiazza d’olio di motore. Si tratta di
uno sguardo rassegnato nel vuoto o piuttosto della scoperta di un altro
Io, del quale la protagonista si compiace? Il liquido nero oleoso, che
quasi penetra nella suola delle scarpe – rappresenta l’insicurezza del
terreno sul quale ci muoviamo? O è piuttosto un’allusione all’audacia,
scommessa del sé che abbandona il mondo conosciuto alla ricerca di
un altro punto di vista?
Thea Blaas lascia queste domande senza risposta, affidando
all’osservatore il compito di trovare il proprio spazio d’azione.
Brita Köhler
Traduzione: Brunella Germini
www.rolbox.it/theablaas
[email protected]
Tel.: +39 340 4739360
73
Peter Chiusole_ Seite/pagina 54
Franzorn
2013, Ton und Fundstücke aus der Franzenfeste,
Töpferscheibe und Holzbrand
Das Franzorn
Das Franzorn ist ein aus Ton geformtes Alphorn. Es erzeugt weittragende, teils wohlklingende, aber je nach Benutzer auch zornige Klänge.
Das Franzorn wurde auf der Töpferscheibe geformt und im Holzofen
bei 1200° C gebrannt. Während der Herstellung werden in die feuchte
Tonmasse Fundstücke aus der Franzensfeste wie alte Kupferdrähte,
Glassplitter und sogar Münzen eingearbeitet. Diese verschmelzen mit
dem Ton und geben so jedem Franzorn seinen individuellen Charakter.
Drei Franzörner sind am nördlichen Aussichtspunkt der mittleren Festung platziert. Sie sind einerseits das Sprachrohr der Besucher, die die
beeindruckende Landschaftskulisse besingen, andererseits Wachposten, die im gemeinsamen Fortissimo Alarm blasen.
Il Franzorn
Il Franzorn é un corno alpino fatto in argilla che produce dei suoni
particolari. Viene eseguito con il tornio e cotto nel forno a legna a
1200° C.
Durante la sua fabbricazione sono stati impressi nell` argilla ancora
morbida oggetti ritrovati nella fortezza, come fili di ferro e rame, cocci
di vetro e piccole monete. Questi oggetti si fondono unendosi all‘argilla
durante la cottura, conferendo così ad ogni corno il suo suono particolare.
Tre corni sono situati nella Fortezza Media sull‘areale panoramico nord.
I visitatori possono suonarli usandoli come elementi di meditazione
sull‘affascinante panorama oppure, prendendo spunto dalla storia della Fortezza, come strumenti d`allarme.
Peter Chiusole 2013
Peter Chiusole 2013
[email protected]
Tel.: +39 340 4878926
Monika Costabiei_ Seite/pagina 31
warten - waiting - aspettare
2013, ca. 500 x 130 cm, Papier
ein wanderer dieser zeit
ein wanderer dieser zeit hat keinen festen glauben im gepäck.
er hat den drang hinter sich gelassen gefallen zu wollen oder geliebt
zu werden.
ein wanderer dieser zeit hat es satt sich zu verleugnen. er beansprucht für sich die anonymität.
ein wanderer dieser zeit flieht vor eingefahrenen bahnen.
er ist auf der suche nach dem bisschen romantik, die einem wanderer
dieser zeit noch bleibt.
in der verbannung.
ein wanderer dieser zeit liebt die leisen töne.
er zieht die melancholisch, leicht geschwungenen pirouetten
den großen sprüngen vor.
ein wanderer dieser zeit begreift seine gedanken als eine flucht. wenn
es anders wäre, müsste er sie internieren und aufhören
ein wanderer dieser zeit zu sein.
paul schenk
[email protected]
Tel.: +39 338 6584201
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UN VIANDANTE DEI NOSTRI TEMPI
UN VIANDANTE DEI NOSTRI TEMPI NON HA UN CREDO FISSO NEL
SUO BAGAGLIO.
LUI HA SUPERATO l‘IMPULSO DI VOLER PIACERE O DI ESSERE AMATO.
UN VIANDANTE DEI NOSTRI TEMPI E‘ STANCO DI RINNEGARSI.
LUI RIVENDICA L‘ANONIMATO PER SE.
UN VIANDANTE DEI NOSTRI TEMPI FUGGE DALLE CORSIE GIÁ RODATE.
LUI É ALLA RICERCA DI QUEL PÓ DI ROMANTICISMO CHE RESTA
ANCORA A UN VIANDANTE
DEI NOSTRI TEMPI NELL‘ ESILIO.
UN VIANDANTE DEI NOSTRI TEMPI AMA I TONI LEGGERI.
LUI PREFERISCE LA PIROETTA MELANCOLICA, LEGGERMENTE OSCILLANTE, AI GRANDI SALTI.
UN VIANDANTE DEI NOSTRI TEMPI COMPRENDE I PROPRI PENSIERI
COME UNA FUGA.
SE FOSSE DIVERSAMENTE, LI DOVREBBE INTERNARE E SMETTERE
DI ESSERE UN VIANDANTE DEI NOSTRI TEMPI.
paul schenk
Walter Dalfovo_ Seite/pagina 33
Triptychon Nr. 1
Trittico Nr. 1
300 x 150 cm, Öl auf Leinwand
300 x 150 cm, olio su tela
Triptychon Nr. 3
Trittico Nr. 3
300 x 150 cm, Öl auf Leinwand
300 x 150 cm, olio su tela
Triptychon Nr. 7
Trittico Nr. 7
300 x 150 cm, Öl auf Leinwand
300 x 150 cm, olio su tela
Portrait Nr. 17
Ritratto Nr. 17
80 x 70 cm, Öl auf Leinwand
80 x 70 cm, olio su tela
Walter Dalfovo
1970 Brixen, College of Arts Arnheim (NL)
Wichtige Ausstellungen:
Schloss Ambras Innsbruck, Internationale EXPO Amsterdam, Kunstund Gewerbehaus Regensburg
In folgenden Sammlungen vertreten: Collection Nord-Ost Netherlands (NL), Graphic collection College of
Arts Arnheim (NL)
Walter Dalfovo
1970 Bressanone, College of Arts Arnheim (NL)
Alcune mostre importanti:
Schloss Ambras Innsbruck, Internationale EXPO Amsterdam, Kunstund Gewerbehaus Regensburg
È presente nelle seguenti collezioni: Collection Nord-Ost Netherlands
(NL), Graphic collection College of Arts Arnheim (NL)
Tel.: +39 328 0365917
Markus Damini_ Seite/pagina 30
“Durch die Haut“
„Attraverso la pelle“
2013, Punzierung und Färbung von Rindleder,
Hautgröße ca. 130 x 80 cm
2013, cuoio dipinto e inciso,
Pelli da ca 130 x 80 cm
Markus Damini ist 1955 in Bozen geboren. Besuch der Staatlichen
Kunstschule in Trient. In den 70er Jahren bildet er sich autodidaktisch im
Kunsthandwerk mit Leder weiter. Nach 20jähriger handwerklicher Tätigkeit in der Herstellung von Lederkreationen setzt Damini sein handwerkliches Können ein, um sich der Bildenden Kunst zu widmen. Ab 1993
Ausstellungen im In- und Ausland. Von 1999 bis 2007 signiert er seine
Werke mit den Majuskelbuchstaben IO. Damini lebt und arbeitet als freischaffender Künstler und Handwerker in Brixen, sein Atelier, Galerie „Art
& accessoires“, in der Stuflergasse 17, ist öffentlich zugänglich.
Markus Damini è nato a Bolzano nel 1955. Dopo le scuole d‘obbligo
frequenta l‘istituto d‘arte di Trento, che però lascia ben presto, per dedicarsi all artigianato del cuoio. Dagli anni 70 lavora con il cuoio e sviluppa
nel tempo un linguaggio artistico e una tecnica personale per dipingere
sulla pelle. Nascono i quadri in pelle. La pelle viene incisa e lavorata,
colorandola con pigmenti minerali puri. Nella sua originale raffigurazione
simbolica del soffione o in altri motivi presi dalla natura, l’artista scopre
i segni dell’armonia cosmica e della perenne ciclicità dell’Essere. Dal
1999 al 2007 Damini firma le sue opere con la sigla in lettere maiuscole:
IO, in cui si cela la duplice valenza di io e di 1 + 0.
Il suo atelier/galleria: „Art & accessoires“ si trova in via Stufles 17 a
Bressanone ed è aperto al pubblico.
Manchmal sind die Grenzen zwischen Handwerk und Kunst sehr vage
und undefinierbar. Man erinnere sich dabei nur an die Malerei der Indianer oder jener der australischen Eingeborenen, welche viel mehr
ausdrücken wollte als bloße Dekoration von Kleidung oder von rituellen
Gegenständen. Jedes Zeichen, wenn mit geschickter Projektion ausgeführt, überschreitet den rein grafischen Ausdruck am Symbol, um als
solches interpretiert zu werden. Das Symbol wurde in der Geschichte als
Nabelschnur verwendet, die den Mikrokosmos mit dem Makrokosmos,
die menschlichen Gefühle mit dem Universum verbindet.
Anstelle von Leinen oder Papier verwendet Markus Damini jenes Material, das er am besten kennt, nämlich das Leder. Es sind die einfachen,
geometrischen Elemente, welche die Phantasie des Damini durch die
Geschichte jenseits der Kontinente führt, um sich mit der universalen,
„primitiven“ Kultur zu vereinen. Jene Kultur eben, welche ihre Dekorationen als Sprungbrett für ihre Reisen durch die Phantasie und zu anderen
parallelen Welten verwendet.
F. Degasperi
Art & accessoires, Stuflergasse 17,
39042 Brixen - Bressanone
Talvolta i confini tra artigianato e arte sono assai labili. Per questo basti
ricordare i dipinti degli indiani pellerossa o degli aborigeni australiani in
cui il senso dell‘astrazione va ben al di là della semplice decorazione di
abiti o strumenti rituali. Ogni segno, se costruito attraverso una sapiente
progettualità, esce dalla semplice rappresentazione grafica per diventare simbolo e come tale è da interpretare, da confrontarsi. Il simbolo è
storicamente il cordone ombelicale che solo può unire il microcosmo al
macrocosmo, i sentimenti dell´uomo con l´universo.
Damini si riallaccia così ad una cultura universale „primitiva“.
F. Degasperi
www.io-damini.it - [email protected]
Tel.: +39 345 3516595
75
Erich Dapunt_ Seite/pagina 13
step by step
step by step
2012, 80 x 120 cm und 140 x 210 cm,
C-Print auf Alu
2012, 80 x 120 cm e 140 x 210 cm,
C-Print su alu, canvas
Die in der Ausstellung gezeigten Bilder sind im letzten Jahr in Frankreich, Deutschland und Schweden entstanden.
Bei diesen Werken geht es in erster Linie um den scheinbaren Aufund Abstieg.
Die Rolltreppen stehen scheinbar still. Menschenleer und abgeschaltet, aber dennoch für jedermann zugänglich.
Kurven und strenge Linien stehen im Dialog.
Es steht dem Betrachter frei, die Richtung zu wählen, die in ihm
angeregt wird. Aufstieg oder Abstieg.
Für mich stellt diese Serie eine Auseinandersetzung mit der derzeitigen gesellschaftlichen und politischen Lage in Europa dar.
Le immagini sono state create negli ultimi anni in Francia, Germania
e Svezia. In queste opere si tratta di dare l´idea della salita e della
discesa.
La scala mobile sembra ferma. Spenta e senza elementi umani.
Allo stesso modo accessibile a tutti.
Curve e linee rigorose dialogano.
La scelta della direzione rimane all`osservatore.
Salita o discesa.
Questa serie rispecchia per me la situazione attuale sociale e politica
dell´Europa.
Per questo ho scelto tre paesi diversi usando un linguaggio simile.
Deshalb habe ich auch drei Länder für meine Auswahl einbezogen.
Ich lebe und arbeite in Bozen. Bin freischaffender Fotograf und Fachlehrer für Fotografie an der Fachschule für Grafik und Medien.
Vivo e lavoro a Bolzano come libero professionista e insegnante di
fotografia alla scuola di grafica e media.
www.erichdapunt.com
[email protected]
Erwin Dariz_ Seite/pagina 17
Magnago/Triptychon
Magnago/trittico
2011, 90 x 120 cm, Öl auf Leinwand
2011, 90 x 120 cm, olio su tela
Magnago hat durch die Unterschrift des „Paketes“ die Vorraussetzungen für unseren Wohlstand geschaffen. Das möchte ich durch dieses
Portrait würdigen.
Firmando il „pacchetto“ Magnago ha gettato le basi per il nostro
benessere. Con questo ritratto ho voluto onorare il fulcro della sua
esistenza.
Tel.: 0472 837581
Franziska Egger_ Seite/pagina 32
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FRANZISKA
FRANZISKA
2009, 70 x 432 cm auf 9 Blätter verteilt,
Mischtechnik auf Papier
2009, 70 x 432 cm suddivisi su 9 fogli,
tecnica mista su carta
Ausgangspunkt des Werkes „F R A N Z I S K A“ ist das persönliche
Geschenk einer Freundin an die Künstlerin, ein Plakat mit den neun
Buchstaben ihres Vornamens. Das Werk ist ein Ensemble von neun
Blättern, wobei jedem ein Buchstabe des Namens Franziska zugeordnet ist, der zugleich die Unterschrift der Künstlerin darstellt.
Die Signatur in dieser Arbeit, wie auch in den meisten anderen
Werken der Künstlerin, ist ein wesentliches und stets unterschiedlich ausformuliertes Merkmal. Es sind ludische und bunte bis wilde
Arbeiten, die sich aus Collage, Zeichnung, Malerei und Druck zusammensetzen.
Punto di partenza per l’opera “F R A N Z I S K A“ è un regalo personale fatto all’artista da un’amica, un cartellone con le nove lettere
che compongono il suo nome. L’opera è un insieme di nove fogli,
ognuno dei quali è associato a una lettera del nome “Franziska“, che
al contempo rappresenta la firma dell’artista.
In questo lavoro, come nella gran parte delle opere dell’artista, la
firma rappresenta un elemento essenziale e formulato sempre in
modo diverso. I suoi lavori sono ludici, variopinti e a volte addirittura
sfrenati, composti da collage, disegni, dipinti e stampe.
La sperimentazione con forme, colori e materiali e il confronto emozionale con la persona che ne risulta formano la base per l’attività
artistica di Franziska Egger.
Das Experimentieren mit Form, Farbe und Material und die daraus resultierende emotionale Auseinandersetzung mit der Person ist Grundlage für die künstlerische Tätigkeit von Franziska Egger.
Sie schafft Farbräume, die meist titellos auf die Betrachter wirken, sie
einfangen, sie mitnehmen in eine Welt des potenziell Erlebten und Erlebbaren.
L’artista crea degli spazi di colore che, nella maggior parte dei casi
senza titolo, colpiscono l’osservatore e lo portano in un mondo del
potenzialmente vissuto ed esperibile.
[email protected]
Tel.: +39 340 6310763
Robert Engl_ Seite/pagina 62
Kapelle
Cappella
2010 – 2013
2010 – 2013
Der Raum wird durch verschiedene Objekte in einen Sakralraum verwandel. Diese kommunizieren mit der Raumsituation und erhalten so
eine starke Aussagekraft.
Es kommen alte Techniken in einer zeitgemäßen Formsprache zur Anwendung.
Im Zentrum des Raumes steht ein «Altar». Seine Grundform ist von
der Mandorla abgeleitet. Dahinter an der Wand hängt ein abstrahiertes
«Kruzifix». An der gegenüberliegenden Wand hängt ein dreiteiliges
Bild mit dem Titel «Trinität».
La stanza viene trasformata in una stanza sacra.
Si trovano diversi oggetti come un altare, un crocefisso e un trittico
d`oro.
Robert Engl
Jahrgang 1967, wurde in Brixen geboren.
Ausbildung zum Bildhauer im Ahrntal und in Gröden.
Ausbildung zum Restaurator für Tafelmalerei und Holzskulptur von
1986-1989 am Landesdenkmalamt Bozen.
Seit 1989 selbständige Tätigkeit als Restaurator und Bildhauer.
Robert Engl
nato a Bressanone nel 1967.
Terminati gli studi ha frequentato un apprendistato come scultore presso le scuole di intaglio del legno a San Giacomo in Valle Aurina ed in
Val Gardena.
Negli anni 1986-1989 scuola di restauro presso la Sovrintendenza ai
Beni Culturali di Bolzano.
Attività come libero professionista nel 1989.
Diversi simposi in Italia e all`estero.
www.robertengl.it
[email protected]
Tel.: +39 339 5226050
Friedrich Sebastian Feichter_ Seite/pagina 27
„Bruder, weshalb habe ich Dich so lange weggesperrt?“
2013, 280 cm, Holz, Eisen
“Compagno, perché ti ho bandito per tanto tempo?”
2013, 280 cm, legno, ferro
Mit „Alien“ (lateinisch alienus fremd) setzt sich F.S.F. mit dem „uns
Fremden“, genauer gesagt mit unserem Umgang damit auseinander.
Haben die Inka die spanischen Eroberer nicht kommen sehen, weil
jemand wie sie in deren Vorstellung nicht existierte? Ergeht es uns
heute ebenso? Falls ja, wen oder was erkennen wir heute nicht in
dessen Existenz?
Das Fremde ängstigt uns.
Demzufolge bevorzugen wir zwei Mechanismen im Umgang damit:
wir neigen dazu,
1. es von uns fernzuhalten und dessen Existenz zu verleugnen: Was
nicht sein darf, kann nicht sein (Aliens, Lichtnahrung, übernatürliche
Phänomene...),
2. es einzusperren, um uns aus sicherer Position zaghaft anzunähern
Con l’“Alieno” (estraneo), F.S.F. vuole alimentare la curiosità
dell’osservatore per l’ignoto. È un invito ad aprirsi a ciò che non si conosce, a guardare oltre le idee condizionanti in modo da poter spaziare
oltre noti confini. Un simile atteggiamento permette di rapportarsi in
maniera diversa dando spazio alla possibilitä di una novità.
Può essere che gli Inca non abbiano visto arrivare i conquistatori spagnoli solo perché la loro mente razionale non era in grado di considerare l’eventualità della loro esistenza? È possibile che attualmente
viviamo una situazione analoga? Se così fosse, chi o cosa non siamo
in grado di riconoscere nella sua manifestazione?
Ciò che non conosciamo per molti di noi rappresenta una fonte di
timore e questo ci limita nella nostra azione, riducendola a due possibili
modi:
1. mantenerne le distanze e negarne l’esistenza: ciò che non deve
77
und unserem Interesse und unserer Neugier nachzugehen.
Der Mensch als Wesen, das auf Sicherheit setzt, ehe es sich
auf Unbekanntes einlässt.
Und Sie?
www.homosolaris.it
[email protected]
Tel,: +39 348 9030307
essere non può essere (extraterrestri, bretharianesimo, fenomeni paranormali…),
2. segregarlo, in modo da poterci avvicinare in tutta sicurezza, per
soddisfare la nostra curiosità ed il nostro interesse.
L’essere umano preferisce muovere i propri passi su terreno sicuro
piuttosto che inoltrarsi nell’ignoto. Com’è per te?
Thomas Fleischmann_ Seite/pagina 36
koordinaten
koordinaten
2013, 3 Teile je 70 x 100 cm
Mischtechnik auf Papier
2013, 3 parti da cad. 70 x 100 cm
tecnica mista su carta
Mobil: +39 349 3855745
Tel.: 0473 200350
[email protected]
Markus Gasser_ Seite/pagina 45
2 Köpfe
2 Teste
90 x 48 x 49 cm Holz vergoldet
90 x 48 x 49 cm, legno dorato
Kunst ist für mich nicht nur Arbeit, aber auch Arbeit.
Arte per me non è soltanto lavoro, ma è anche lavoro.
Markus Gasser
1970 in Bozen geboren
1984 Besuch der Staatlichen Kunstschule
St. Ulrich in Gröden
1993 Diplom der Bildhauerei an der Akademie
Brera Mailand.
1996 Als freischaffender Bildhauer tätig.
Markus Gasser
1970 nato a Bolzano
1984 frequenta l‘ístituto d‘arte di Ortisei
1993 Diploma di scultura presso l´accademia di
Belle Arti Brera di Milano
1996 Opera come libero scultore
Gasser Markus
Hartmannweg 106
39042 Brixen
Tel.: +39 347 6435047
www.gassermarkus.com
[email protected]
Sonya Hofer_ Seite/pagina 66
Auge
2013, 240 x 400 cm,
Acryl auf Leinwand
„Erst das Auge schafft die Welt“
Christian Morgenstern
Schauen und sehen, Schein und Sein. Ein offenes Auge zu haben
genügt wohl nicht, um das zu finden, was der Geist sucht. Die beschleunigte Bilderflut der heutigen Welt ist kaum entwirrbar. Wie aus
der Pistole sinnlos geschossene Lichtstrahlen treffen auf die Netzhaut,
unvermittelt von einem Augenblick zum andern müssen Linse und Gehirn vermehrt Informationen schärfen und entziffern. Ungefiltertes wird
nicht registriert. Je nach Einfühlungsvermögen nimmt der Mensch
also die Wirklichkeit wahr, wie er sie empfindet und erfasst - er sieht,
wenn dem so ist, nur das, was er sich vorstellen kann. 78
“Alla fine è l’occhio che crea il mondo”
Christian Morgenstern
Guardare e vedere, apparenza ed essere. Avere un solo occhio aperto
probabilmente non è sufficiente per trovare ciò che la mente cerca. La
quantità enorme e accelerata di immagini che ci raggiunge dal mondo
odierno è quasi impossibile da decifrare. Raggi di luce colpiscono
la nostra retina come sparati senza senso alcuno, da un momento
all’altro cristallino e cervello devono farsi più attenti e decifrare le
informazioni. Le cose non filtrate non vengono registrate. A seconda
della capacità di immedesimazione l’uomo percepisce la realtà come
la sente e la comprende personalmente - vede soltanto ciò che può
immaginarsi.
Diese Vorstellungskraft führt bei der Malerin zu einer pointilistischen
Darstellung des menschlichen Sehorgans, nämlich zu einem chromatisch aufgelösten Bildgefüge, welches ihr ermöglicht, die persönliche
Farbpalette „pixelartig“ zu gestalten. Nur so glaubt sie, Vielheit und
Einheit der Erscheinungsformen – je nachdem, ob man sich als Betrachter dem Bild nähert oder entfernt – interpretieren zu können.
Wir sehen das Auge – das Auge sieht uns, dazwischen irgendwo trifft
unser Wesen vermutlich das Wesen der Welt.
Questa forza di immaginazione porta la pittrice a un‘interpretazione
puntiforme dell’organo visivo umano e cioè ad una composizione
d’immagine cromaticamente dispersa che le dà la possibilità di raffigurare la sua paletta di colori come pixel. Soltanto così pensa di
poter interpretare la molteplicità e allo stesso tempo l’insieme delle
forme come manifestazione che cambia a seconda della distanza
dell’osservatore dall’immagine.
Noi guardiamo l’occhio - l’occhio guarda noi; da qualche parte, in
mezzo probabilmente, il nostro essere incontra l’essere del mondo.
[email protected]
Ursula Huber_ Seite/pagina 38
WWW.KOKON
WWW.KOKON
2013
2013
Eine lichtdurchlässige Folie umschließt spiralförmig im ersten Kreis
die Beleuchtung, im zweiten Kreis vier Zement-Kokons und schlussendlich schließt sie als aufrecht stehende Rolle am Boden ab. Masse:
die Länge der Folie ist 13 m, die Höhe beträgt 2,20 m, der Aufbau
der Installation ist variabel.
Una pellicola alta 2,2 m e lunga 13m racchiude come spirale nel
primo raggio i corpi illuminanti, nel secondo raggio quattro bozzoli
di calcestruzzo e finisce per essere un sottolissimo muro traslucido
verso la fine del suo sviluppo architettonico.
WWW.KOKON
Gemeint ist der Kokon als Schutzhülle, die eigene Schutzhülle, in der
sich die Menschen aus unterschiedlichsten Gründen zurückziehen, um
Schutz vor der bedrohlichen Realität zu finden, vor allem in Krisenzeiten, und das als Antwort auf den gesellschaftlichen Wandel. Ein virtueller Ausweg aus diesem Höhlendasein ist das Internet. Durch diese
fantastische, geniale Erfindung wird der Wunsch des Menschen nach
globalem Wissen, totaler Mobilität und Kommunikation virtuell ermöglicht, und sie ist bei so manchen ein Lebensgefühl, ein Fenster zur Welt
geworden. Das Öffnen dieses Fensters ist die Neugier des Menschen.
Das Licht von innen projiziert die Silhouette der Kokons nach außen,
auf die Projektionsfläche und schafft eine ambivalente Verbindung zwischen der realen und der virtuellen Welt.
WWW.KOKON
‘Kokon/Bozzolo’ inteso come involucro di protezione nel quale l’uomo
riesce a rintanarsi, specialmente in tempi di crisi psicosociale e di
forte cambiamento in generale. Un‘uscita virtuale da questa esistenza
cavernosa è Internet. Attraverso questa fantastica invenzione viene
soddisfatto il desiderio dell’uomo di voler accedere a un‘informazione
globale, la mobilità è totale, per molti è diventato un modo di essere, una finestra sul mondo. L’apertura di questa finestra è la curiosità
dell’uomo. La luce proietta dall’interno la silhouette dei bozzoli verso
l’esterno sulla pellicola creando così un collegamento ambivalente e
dialettico tra reale e virtuale, una proiezione ideale di noi stessi.
Ursula Huber, geb. in Meran, als freischaffende Künstlerin in Eppan
wohnhaft.
Ausbildung an der „ACCADEMIA di BELLE ARTI G.B. Cignaroli“ in
Verona; an der „ART GLASS ACADEMY“ in Wien bei Prof. Harvey K.
Littleton; an der GLASS ACADEMY in Zürich bei Narzissus Quagliata;
an der GLASS ACADEMY in Zürich bei Tim O’Neill und Linda Ethier; in
NORD CAROLINA (USA) Stipendium bei Prof. Harvey K. Littleton.
Ursula Huber nata a Merano, vive e lavora ad Appiano come artista
libero professionista.
Studi all’„ACCADEMIA di BELLE ARTI G.B. Cignaroli“ di Verona/
Italy; alla „ART GLASS ACADEMY“ a Vienna/A presso Prof. Harvey
K. Littleton; alla GLASS ACADEMY a Zurigo/CH presso Narzissus
Quagliata; alla GLASS ACADEMY a Zurigo/ CH presso Tim O’Neill und
Linda Ethier; una borsa di studio a NORTH CAROLINA/U.S.A. presso
Prof. Harvey K. Littleton.
www.ursulahuber.it
[email protected]
Tel.: +39 O471 665032
79
Johannes Inderst
in Zusammenarbeit mit/ in collaborazione con Ornela Cekrezi_ Seite/pagina 22
„Casa“
„Casa“
2013, Fotografie/Film/Installation.
Portraits: Kontaktabzüge 5 x 7 inch.
Film: 16 mm, Projektion im Loop
2013, fotografia/video/installazione.
Ritratti: Provini 5x7inch.
Film: 16 mm, proiezione in loop
Installation, Portraits von Musikern, Film
Johannes Inderst (1967), Bozen/Meran,
Ornela Cekrezi (1988), Albanien, Bozen
Installazione, ritratti di musicisti, film
Johannes Inderst (1967), Bolzano/Merano
Ornela Cekrezi (1988), Albania, Bolzano
[email protected] - Tel.: +39 335 297400
Erika Inger_ Seite/pagina 18
Triapla ho
Triapla ho
2012, 4 Stück je 60 x 43 x 8 cm, Stahlrahmen, Fotoobjekt. Installation mit Fotoobjekten, Kuhfladen und... es wird gejodelt.
2012, 4 oggetti 60 x 43 x 8 cm,
installazione con oggetti foto, sterco di vacca e con degli „Jodler“.
„Triapla ho“ ist ein Jodler, ein Juchezer. Die befreienden und einzigartigen Klänge aus dem Alpenraum sind holprig wie die Landschaft, mit
der sie verbunden sind.
Die Fotos zeigen eine temporäre Installation auf dem Schlern im Jahr
2000. Auf 9 m Länge wurden Kuhfladen zum Blumenfeld. Ich beziehe mich mit dieser Arbeit auf das Urtümliche, die Vergänglichkeit und
das Wachstum. Ein natürliches Abfallprodukt wird zum rhythmischen
Impulsgeber. Rhythmisch wie ein Jodler, der uns tief im Inneren berührt, manchmal sanft und geschmeidig, manchmal auch wild und
ungestüm. Jodeln ist ein herrliches Vollbad im puren Klang, der spirituelle Gesang der Alpen und ist Nahrung für die Seele.
Triapla ho è uno „Jodler“, un „Juchezer“. Sono i suoni unici della regione alpina e sono grezzi come il paesaggio. Le fotografie mostrano
un’installazione temporanea sullo Sciliar nell’anno 2000. Allungandolo
per nove metri, lo sterco di mucca è diventato un‘aiuola. Un prodotto
naturale di scarto diventa generatore di impulsi ritmici. Ritmico come
uno „Jodler“ che ci tocca nel profondo, a volte morbido e flessuoso, a
volte anche impetuoso e selvaggio. Lo „Jodler“ è un delizioso bagno
nel suono puro. È il canto spirituale delle Alpi, è cibo per l’anima.
Erika Inger, geboren in Tscherms 1957. Ausbildung: Akademie der Bildenden Künste in Ravenna und Stuttgart. Lebt und arbeitet in Lana und
Wien. Hauptarbeitsbereich: Skulptur, Kunst in der Landschaft und in der Architektur.
Kunstwerke im Öffentlichen Raum (Auswahl):
2011 Seilbrunnen, Skulptur für die Schmittenhöhebahn Zell am See, A, 2009 All Souls Clinic, Einzelausstellung in der Galerie Freihausgasse,
Villach, 2009, 1. Preis Wettbewerb Friedhofskapelle und Eingangsbereich, Leogang, Salzburg, 2007, 1. Preis Wettbewerb Kapelle und Eingangsbereich Seniorenheim Klobenstein. Neben der Teilnahme an zahlreichen internationalen Künstlersymposien, Landschaftskunstprojekten
und Ausstellungen initiierte die Künstlerin im Jahr 2000 den Südtiroler Skulpturenweg in Lana. Freiräume, Landschaften und Steine spielen eine
zentrale Rolle in der künstlerischen Entwicklung von Erika Inger. Ihre künstlerische Arbeit zeichnet sich durch eine intuitive Harmonie mit der
Landschaft aus, wobei Inger durchaus strenge, geordnete Muster einsetzt, die sich wie ein Tuch über die Landschaft legen, mit ihr eine Einheit
bilden und ihr eine neue Textur verleihen. „Natur und Kunst ergänzen sich für mich wie Rhythmus und Klang“. Das Zusammenspiel von Natur und
Kunst erhöht die Aufmerksamkeit für Raum, Ort und Form. „Steine haben immer mit Zeit zu tun. Sie sind Kulminationspunkte der Vorgeschichte
ihrer Herkunft und unserer komplexen Kultur. Wir Menschen sollen uns die Zeit nehmen zu schauen, da wir ohne Anschauung nicht zum wahren
Wesen von Geist und Kunst, Natur und Leben vordringen.“
www.erika-inger.com - [email protected]
Tel.: +39 334 1719091
Peter Kaser_ Seite/pagina 41
“Hangerlen“.05022011
“Hangerlen“.05022011
2011, 61 x 84 x 320 cm,
Öl, Acryl auf Papier, Holz – Blech
2011, 61 x 84 x 320 cm,
Olio, acrilico su carta, legno – latta
[email protected], Tel.: +39 339 185433
80
Harald Kastlunger_ Seite/pagina 46
Augenweide 1/2/3/4
Gioia 1/2/3/4
2012, 4 Teile, 72 x 72 x 4 cm,
vernickelt und vergoldet 2 Micron
2012, 4 pezzi, 72 x 72 x 4 cm,
bronzo dorato 2 micron
Geist der Politik
Spirito della politica
2011, 120 x 35 x 35 cm,
Holz, Titan, teilweise bemalt
2011, 120 x 35 x 35 cm,
legno, titanio, parzialmente dipinto
Karnevaleske Idee
Idea carnevalesca
2011, 45 x 45 x 210 cm,
Holz, Stahl, teilweise bemalt
2011, 45 x 45 x 210 cm,
legno e acciaio parzialmente dipinto
„Cerco di lavorare nel modo più semplice possibile”.
„Ich versuche in meinen Arbeiten so minimalistisch wie möglich zu
bleiben. Weniger ist mehr!“
Harald Kastlunger
Ausstellungen weltweit.
In zahlreichen, bedeutenden Privatsammlungen vertreten.
Harald Kastlunger
Esposizioni in tutto il mondo.
Le sue opere fanno parte di collezioni private in tutto il mondo.
Atelier - Fallmerayerstr. 3, 39042 Brixen
Tel.: +39 0472 830672
Markus Kiniger_ Seite/pagina 12
STRUKTUREN
STRUKTUREN
2013, verschiedene Maße, verschiedene Techniken
2013, diverse misure, diverse tecniche
Alles, was um uns und in uns ist, hat oder ist Teil einer Struktur. Der
Mensch selber ist eine Struktur, körperlich wie auch geistig. Desto
genauer wir lernen Einzelheiten und Eigenschaften wahrzunehmen,
desto mehr werden wir erkennen, dass Strukturen untereinander sehr
ähnlich sind. Besonders interessant finde ich die inneren Strukturen,
die wir aufbauen, um mit der Außenwelt zu kommunizieren, denn die
sind oft sehr individuell und unterschiedlich, auch wenn wir letztendlich
alle eine einzige große Struktur anstreben: die Freiheit. Freiheit, glaube
ich, ist das Wissen, das aus der Erkenntnis der Verschiedenheiten und
dem Erleben der Unabhängigkeit entspringt, uns aber leider nur allzuoft
verborgen bleibt.
Deshalb erfinde ich eigene ´Hilfsstrukturen`, die mir einen anderen
Zugang zur Realität verschaffen, und als Brücke zwischen inneren
Welten und der trockenen Außenwelt dienen.
Tutto quello che è intorno e dentro di noi è o fa parte di una struttura.
L‘uomo stesso è una struttura, fisicamente e spiritualmente.
Più riusciamo a riconoscere le peculiarità e le caratteristiche, più riconosceremo che tutte le strutture sono molto simili tra loro. In particolar modo mi interessano le strutture interne che costruiamo per
comunicare col mondo esterno. Esse sono spesso molto individuali
e differenziate, anche se alla fine aspiriamo tutti ad un’unica grande
struttura: la libertà. Credo che la libertà sia la cognizione che deriva
dalla conoscenza delle differenze e l‘esperienza dell‘indipendenza, e
che purtroppo ci rimane preclusa troppo spesso.
Per questo invento apposite “strutture d‘appoggio”, con le quali mi
approccio in maniera diversa alla realtà e che fungono da ponte tra i
miei mondi interiori e un mondo esterno scarno.
L’uomo è una struttura che pensa e percepisce in maniera strutturale. Abbiamo bisogno di strutture per renderci le cose più semplici e
per raccogliere le idee. Spesso le strutture risultano superflue quando
pensavamo fossero indispensabili, altre volte necessitiamo di strutture
che credevamo fossero superflue. Temiamo le strutture, le cerchiamo,
dipendiamo da loro, le costruiamo, abbiamo bisogno di loro e le ammiriamo, le amiamo persino. Credo che la struttura più importante si
chiami libertà, ovvero quella che cerchiamo sempre con l’ausilio di altre strutture. Con questa piccola raccolta di opere vorrei presentare allo
spettatore le mie “strutture d’appoggio” con le quali cerco di sedare la
sete di rivelazioni dei miei mondi interiori.
[email protected]
81
Margit Klammer_ Seite/pagina 53
Schau
Guarda
2013, Porzellan, Erde und Moos
2013, porcellana, terra e muschio
Was ich sehe, hängt davon ab, wo ich mich gerade befinde und wie
ich es betrachte.
Früher oder später wird etwas wachsen.
Ciò che vedo dipende da dove mi trovo e dal modo in cui osservo.
Prima o poi qualcosa crescerà.
www.labers12.com - [email protected]
Tel.: +39 333 8680051
Ingrid H Klauser_ Seite/pagina 67
aqua vita
aqua vita
2003 – 100 x 170 cm und 70 x 100 cm
digitaler Druck
2003 – 100 x 170 cm und 70 x 100 cm
stampa digitale
acqua vita - Wasser des Lebens, der Jungbrunnen…
Nur im Märchen bringt der jüngste Prinz nach vielen Abenteuern seinem kranken Vater das lebensspendende Wasser.
Selbst Faust, dem es mit Hilfe dunkler Mächte gelungen ist, seine
Lebenszeit zu verlängern, ist nicht glücklich geworden.
Heute, in dem Schönheitswahn gefangen, dürsten die Menschen nach
dem Elixier, das ewige Jugend verleiht.
Es ist Symbol für ewig Fließendes, ewiger Kreislauf und ewige Wiederkehr, neues Leben verheißend…
Ingrid H Klauser - Freiberufliche Künstlerin in den Sparten: Objekt,
Installation, Video, Foto, Performance.
Selbständige Trainerin und Beraterin zur Entwicklung individueller Persönlichkeit und Potentiale.
Ausbildung: u.a. Kunsttherapie, Heilkraft der Farben, Farbsynergie,
Corporate Image, Geomantie, Raumenergetik, Natur- und Landschaftsführerin
„…es steht der Kunst an, magisch zu sein. Ingrid H Klauser hat diese
Notwendigkeit erfasst, indem sie uns ihr Imaginäres in fotografischen
Arbeiten einer außergewöhnlichen Qualität wiederspiegelt. Auf diese
Art werden ihre konzeptuellen Installationen wie ein Kriegsschatz eingefangen, der plötzlich den Anschein einer Reliquie annimmt“. Prof.
Guy Vetter, 6. 3. 1993
acqua vita - acqua della vita, la fonte della giovinezza ...
Solo nelle favole il principe porta al padre malato, dopo molte avventure, dell’acqua vivificante. Anche Faust, che è riuscito con l’aiuto delle
forze oscure nell‘intento di prolungare la sua vita, non è diventato
felice.
Oggi, presa dalla mania di bellezza, la gente cerca l’elisir che dona
l‘eterna gioventù. È simbolo di flusso perenne, di ciclo eterno ed
eterno ritorno, che promette nuova vita...
Ingrid H Klauser - artista freelance nei settori: oggetti, installazione,
video, fotografia, performance.
Formatore freelance e consulente per lo sviluppo della personalità e
del potenziale individuale.
Istruzione: arte terapia, sinergia del colore, Corporate Image, geomanzia, energetica dello spazio, guida naturale e paesaggistica.
“...è il diritto dell’arte di essere magica. Ingrid H Klauser ha riconosciuto questa necessità, da noi stessi riflessi nel loro immaginario lavoro
fotografico di qualità eccezionale. In questo modo, le loro installazioni
concettuali prendono subito l’aspetto di una reliquia, come una cassa
di guerra, per essere catturati”.
Prof. Guy Vetter, 6. 3.1993
www.arsmembrana.com - [email protected]
Tel.: 0039 0471 960570 / +39 335 7068118
Lars Klauser_ Seite/pagina 37
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Hugo1
Hugo1
2013, 100 X 100 cm, Öl auf Leinwand
2013, 100 X 100 cm, olio su tela
Hugo2
Hugo2
2013, 100 X 100 cm, Öl auf Leinwand
2013, 100 X 100 cm, olio su tela
O.T.
O.T.
2013, 90 X 70 cm, Öl auf Leinwand
2013, 90 X 70 cm, olio su tela
Der Mensch steht im Zentrum der Arbeiten, in seiner Physis wie in seiner Psyche. Das „Kerkerhafte“ des Raumes hat zudem diese Arbeiten
beeinflusst.
Stilistisch ist die Malerei zwischen altmeisterlich und fotorealistisch
angesiedelt.
Al centro dei miei lavori vi è l’uomo nel suo essere fisico e psichico.
L’atmosfera cupa è fonte d’ispirazione del mio lavoro.
La pittura si colloca come stile tra quello dei vecchi maestri e quello
foto realistico.
Lars Klauser
Geb. 1971 in Bozen, Besuch der Kunstschule in St. Ulrich
1992-94 Akademie in Florenz, 1994-96 Akademie in Mailand
1996-97 Aufenthaltsstipendium in Wien. Seitdem Kunsterzieher an
der Mittelschule. In dieser Zeit Einzelausstellungen auf Schloss Prösels, in der Kommende Lengmoos, in der Buchhandlung am Rienztor
in Bruneck und in der Kleinen Galerie/Bozen.
Lars Klauser
Nato a Bolzano il 1971. Scuola d’arte a Ortisei. 1992-94 Accademia
di Belle Arti, Firenze. 1994-96 Accademia di Belle Arti Brera/Milano.
1996-97 Vienna. Dal 1997 insegnante di educazione artistica nella
scuola media. Mostre: castell Prösels, Kommende Lengmoos, Libreria
am Rienztor/Brunico, piccola galleria/Bolzano.
[email protected] - Tel.: 0471 678830
Mobil: +39 349 8063921
Arthur Kostner_ Seite/pagina 58
Orange Schleife
2013, 300 x 80 cm, Holz lackiert
Tondo
2013, ø 100 cm, Holz lackiert
[email protected] - Tel.: +39 338 4349629
Walter Kuenz_ Seite/pagina 55
ohne Titel
ohne Titel
2013, 300 x 80 cm, Holz lackiert
2013, 300 x 80 cm
Das große Thema von Walter Kuenz ist der Mensch. Der Mensch als
Geistwesen, seine Verflechtung im Kosmos, das heißt sein Eingebundensein in Zeit und Raum. Dabei begibt er sich auf eine Gratwanderung
zwischen Abstraktion und naturalistischer Abbildung. Trotz Abstrahierung
behalten diese Werke immer den Bezug zur Gestalt und Haltung des
Menschen. Dabei spricht die Synthese von Plastik und Raum, von Zeichnerischem und Malerischem, von Organischem und Geometrischem von
Neben-, In- und Gegeneinander der plastischen Grundformen. Köpfe:
Diese präsentieren sich wie Totems. Sie sind eingebettet in Pfähle, Stelen,
die der Künstler bunt bemalt. Die Köpfe stilisiert, in reduzierter Gestaltung,
beschränkt fast auf geometrische, kubistische Grundformen. Das Gesamtvolumen gliedert sich in einzelne Teilbereiche: Nase, Stirnfalte, Kinn,
Hals. Längs- und Querschnitte, der Kopf, der in verschiedene Richtungen
schaut, macht klar: Der Künstler konzentriert sich hier auf Geistiges. Nicht
individuelle Merkmale kennzeichnen diese Köpfe. Jeder, der sich auf das
Werk einlässt, kann hier also Grundlegendes entdecken. Kopf – Mensch
an sich. Auch in der Darstellung des menschlichen Körpers erweist sich
Kuenz als gemäßigter Kubist. Er dehnt und bricht seine Körper, zerlegt sie
fast facettenartig, eignet sich die Naturformen an und verleiht ihnen Lebendigkeit durch die Gliederung. Das Körpervolumen wird zerlegt, wobei
naturalistisch gestaltete Teile gegen geometrische Elemente gestellt sind.
Eva Gratel - Textauszug Katalog Walter Kuenz
Il grande tema di Walter Kuenz è l’uomo. L’uomo come essere spirituale, i suoi intrecci con il cosmo, ossia il suo collegamento con il tempo
e lo spazio. A questo riguardo si muove su un percorso al confine fra
astrazione e immagine naturalistica. Nonostante l’astrazione, queste
opere conservano sempre il riferimento alla forma e all’atteggiamento
dell’uomo. A tale proposito parla la sintesi di plasticità e spazio, di grafico e pittorico, di organico e geometrico, di accostamento, integrazione
e contrapposizione delle fondamentali forme plastiche.
Le teste: queste si presentano come dei totem. Esse sono incassate in
pali e stele che lui dipinge a colori. Le teste stilizzate, in forma ridotta ,
ridotte quasi a fondamentali forme geometriche, cubistiche. Il volume
totale si suddivide in singoli settori parziali: il naso, la ruga della fronte,
il mento, il collo. Sezioni longitudinali e trasversali, la testa che guarda
in un’altra direzione rendono evidente che qui l’artista è incentrato
sulla spiritualità. Non sono caratteristiche individuali che contrassegnano queste teste. Chiunque si interessi a queste opere può dunque
scoprire qualcosa di fondamentale. La testa = l’uomo in se stesso.
Anche nella rappresentazione del corpo umano Kuenz si rivela come
un cubista moderato. Egli dilata e rompe i suoi corpi, li scompone in
diverse sfaccettature, si appropria della forma della natura e conferisce
loro vivacità attraverso le articolazioni. Il volume del corpo viene scomposto contrapponendo le parti rappresentate in modo naturalistico agli
elementi geometrici.
Eva Gratel
Walter Kuenz - Akd. Bildhauer - 39020 Martell - Gand 54
[email protected]
83
Giancarlo Lamonaca_ Seite/pagina 40
Ohne Titel (Festung)
Senza titolo (fortezza)
2013, 385 x 250 cm
2013, 385 x 250 cm
Ein riesiges, ovales Foto am Ende der unzähligen Gänge und Kammern der Festung. Die exakte Reproduktion der Architektur, mit dem
Unterschied, dass es nicht eine direkte, sondern seitliche Sicht der
Perspektive ist. Das in Wandnähe installierte Werk stilisiert die Idee der
Eindringung, der Fortsetzung, wenn nicht gar der Biegung des Raumes.
Der Ort wird umgeleitet, als ob die Fotografie der Realität eine andere
Richtung, einen anderen Weg weisen will.
Es ist das typische, illusionistische Spiel des Giancarlo Lamonaca, der
gleichzeitig verbindet und austauscht, kombiniert und transformiert. Er
liebt wirre Verflechtungen, ähnlich der der antiken Städte: Für ihn ist
das Zentrum der Vision immer extern, anderswo, im Auge des Betrachters: Das Netzwerk ist immer „alle Sichtweisen“. (Luigi Meneghelli)
Una gigantesca foto ovale collocata al termine di uno dei camminamenti della Fortezza. La riproduzione esatta dell’architettura, ma con la
differenza che non si tratta di uno sguardo diretto, ma strabico, obliquo.
Per cui, collocata a ridosso del muro di fondo, essa non solo dà l’idea
di penetrarlo, di continuarlo, ma addirittura di piegarlo. Lo spazio, cioè,
viene fatto deviare, come se la fotografia facesse prendere un altro
senso e un’altra direzione alla realtà.
E’ il tipico gioco da illusionista di Giancarlo Lamonaca, che contemporaneamente connette e scambia, combina e trasforma. Egli ama le
trame fuori registro, simili a quelle delle città antiche: per lui il vero centro della visione è sempre esterno, altrove, nell’occhio di chi osserva: la
trama è sempre „tutti gli sguardi“. (Luigi Meneghelli)
www.lamonaca.it
Silvia Maccariello_ Seite/pagina 16
Gehirnvoll
Gehirnvoll
2011 - 45 x 32 cm,
Öl auf Jute, Schmuckketten, Farben, Gewürze, Blut und Milch
2011 - 45 x 32 cm
collane, colori, spezie, sangue e latte
Die Rückkehr ist ein beständiges Thema im Schaffen von Silvia Maccariello, in der Heimkehr der Seefahrer, der Wiederkehr ihrer Bild-Archetypen. Ihre Werke - Erinnerungen an Erlebnisse, Völker und Situationen. Die Malerei von Silvia Maccariello vereint extreme Dekorativität
mit gleichzeitig ihr zugrunde liegender Ambivalenz. Wenn man so will,
ist die Künstlerin mit ihren Erinnerungen zurückgekehrt, mit den Geschenken aus ihren Welten: Schmuckketten, Farben, Gewürzen, Blut,
Milch, dem Gold der Götter. Text (Auszug) von Vincenzo Mazzarella,
Übersetzung: Gudrun Leyendecker
Il ritorno è una costante di Silvia Maccariello, nel ritorno dei navigatori,
nel ritorno delle immagini archetipe. La pittura di Silvia Maccariello
unisce un‘estrema decoratività, mettendone nel contempo in luce un‘
ambiguità di fondo. Volendo vedere, lei è tornata portando a noi i suoi
ricordi, i regali dei suoi mondi: collane, colori, spezie, sangue, latte,
l’oro degli dei. Testo (estratto): Vincenzo Mazzarella
http://maccariellosilvia.blogspot.de/ - [email protected]
Ivo Mahlknecht_ Seite/pagina 63
84
Kronleuchter 1
Kronleuchter 1
2010, 200 x 160 cm, Öl auf Leinwand
2010, 200 x 160 cm, olio su tela
Kronleuchter 2
Kronleuchter 2
2011, 200 x 160 cm, Öl auf Leinwand
2011, 200 x 160 cm, olio su tela
Ausgang
Ausgang
2011, 412 x 279 cm, Acryl auf Pappkarton
2011, 412 x 279 cm, acrilico su cartone
Kathedrale in der Festung
Nicht das Defilee` der Staatsgäste auf dem Weg zum Ballsaal, sondern
einen imaginären Ausgang aus den Festungsmauern zeigt uns der
Künstler unter den Treppenrampen und verweist damit auf sein Ausbrechen aus allen Konventionen. Als Mittel zum Zweck dienen anbei zwei
Ölgemälde mit überdimensionierten Kronleuchtern. Eine fremde, barocke Atmosphäre schleicht sich ein und verwirft die angestandene militärische Szenerie. Was ist hier Kulisse und was wird hier zur Bühne? In
Relation zu diesem Blickpunkt formuliert und bewältigt Ivo Mahlknecht
mit seinem Statement diesen Raum in der Festung Franzensfeste.
La basilica nella fortezza
Non il defileé degli ospiti d´onore verso la sala da ballo ma un´uscita
immaginaria dai muri della fortezza ci mostra l´artista sotto il portico
delle scale, dimostrandoci il suo desiderio di evasione dalle mura. Allo
scopo vengono usate due grandi tele raffiguranti due enormi candelabri. Un´atmosfera barocca, estranea, si miscuglia e respinge la
cupa atmosfera militare. Che cos´é scenografia e dove comincia il
palco-scenico? In relazione a questo punto di vista, Ivo Mahlknecht
formula e domina con la sua posizione artistica questo spazio nel forte
di Fortezza.
[email protected]
Johanna Meßner_ Seite/pagina 50
17
17
2013, 140 x 40 x 30 cm,
Biene, Lack, Metall, Holz
2013, 140 x 40 x 30 cm,
ape, vernice, ferro, legno
Die in der Arbeit sichtbaren 17 Honigbienen entstammen einem Bienenstock, welcher sich im Dach der Wiener Secession unter der goldenen Lorbeer-­Kuppel befindet. Im Bienenstock leben rund 70.000
Bienen. Der Charakter der Honigbiene ist geprägt von einer streng
hierarchisch organisierten Lebensstruktur.
Die Wiener Secession, erbaut 1898, ist das älteste, ausdrücklich der
zeitgenössischen Kunst gewidmete, unabhängige Ausstellungshaus.
Das Ausstellungsprogramm wird von Künstlern der Vereinigung Wiener
Secession in demokratischen Entscheidungsprozessen und nach ausschließlich künstlerischen Gesichtspunkten festgelegt.
Nell‘opera sono visibili 17 api provenienti da un‘arnia che si trova nel
tetto dell‘edificio della Secessione viennese, sotto la cupola di foglie
d‘alloro in bronzo dorato. Nell‘arnia vivono all‘incirca 70.000 api e la
loro vita è regolata da un sistema strettamente gerarchico.
L‘edificio della Secessione viennese è stato costruito nel 1898 come
spazio espositivo ufficiale dove allestire periodicamente le mostre degli
artisti secessionisti, diventando ben presto il centro dei più importanti e
innovativi avvenimenti legati all‘arte contemporanea dell’epoca. Il programma espositivo era deciso di comune accordo dagli artisti e dalle
artiste della Secessione.
Johanna Meßner studiert seit 2008 an der Akademie der Bildenden
Künste Wien Kunst und Kommunikation und seit 2013 in der Klasse
von Florian Reither Kunst mit erweitertem malerischem Raum (Aktion/
Skulptur/Installation im öffentlichen Raum).
Johanna Messner lebt und arbeitet derzeit in Wien.
Johanna Meßner studia dal 2008 arte e comunicazione
all‘Accademia delle Belle Arti Vienna e dal 2013 con il professore Florian Reither si specializza in arte allargata (azioni/sculture/installazioni
negli spazi pubblici).
[email protected]
Markus Moling_ Seite/pagina 24
Arbeitszyklus zum Thema “Durchsicht“
Ciclo sul tema “Trasparenza“
2013, Bilder: Mischtechnik auf Holzfaserplatte
Kompositionen 1 und 2: Gravur und
Mischtechnik auf Gips
2013, Quadri: tecnica mista su faesite
Composizioni 1 e 2: incisione e tecnica mista
su gesso
Die von Markus Moling gemalten Bilder sind meist Landschaften, die
er mit anderen Sujets kombiniert bzw. überlagert. Es handelt sich dabei
um Seelenlandschaften, die den poetischen Dialog zwischen dem natürlichen Lebensraum und die Erinnerung zwischen der geistigen und
der realen Welt darstellen. Es sollen wertvolle Objekte der Ruhe sein.
Die raffinierte und zeitaufwendige Maltechnik unterstreicht diesen Aspekt auch in einem langsamen und reflektierten Malprozess.
Der Maler überlagert Schicht für Schicht in dünnen und lasierenden
Malschichten, für die er Spachtelmasse, Ölfarben und Kunstharz verwendet. Feine Bleistiftlinien, die dem Bild Form und Struktur verleihen,
werden zwischen den Farbschichten eingearbeitet. Durch die meist
helle Farbharmonie erhalten die Werke einen nostalgischen Charakter.
Die Spannung zwischen Abstraktion und Figuration gibt dem Betrachter einige Anhaltspunkte, lässt aber wichtige Möglichkeiten für eine
individuelle Interpretation.
I quadri dipinti da Markus Moling sono in genere paesaggi abbinati con
altri soggetti, spesso sovrapposti. Sono paesaggi dell’anima nei quali
si scorge un dialogo poetico tra il mondo nel quale viviamo e i ricordi,
tra il mondo reale e quello spirituale. I lavori di Markus Moling sono
oggetti preziosi che rappresentano il silenzio.
La tecnica raffinata accentua questo aspetto quasi spirituale in un processo pittorico basato sulla lentezza e sulla riflessione.
Il pittore sovrappone strati sottili di colore ad olio, pasta acrilica e
resina sintetica. Segni fini a matita traspaiono tra gli strati di colore,
dando al quadro struttura e forma. I colori chiari danno ai lavori un
carattere nostalgico. Il linguaggio pittorico, a confine tra astrazione e
figurativo, concede allo spettatore punti di riferimento ma anche libertà
interpretativa.
www.markus-moling.it - [email protected]
85
Werner Moser Dorfmann_ Seite/pagina 61
Notation #43
Notation #43
2013, 220 x 240 cm, Mischtechnik
Version 5
»one man’s trash is another man’s treasure«
2013, 220 x 240 cm, tecnica mista
Version 5
»one man’s trash is another man’s treasure«
In einer komplexer werdenden Welt bleibt der kreative Impuls maßgebend für Erneuerung. Nicht nur in der Kunst. Die Zeit ist ein wesentlicher Teil des Experiments. Sein Ausgang ist ungewiss und Überraschungen gehören zum Spiel. Diese Offenheit des künstlerischen
Prozesses ist die Basis für Notation #43, das die Grenzen der Malerei
über ein Setting absteckt. Durch die Überhöhung einzelner Elemente
der Malerei entstehen Grenzsituationen, die Konzeptionen ins Wanken
bringen können.
Notation #43 ist ein Gedankengang durch die Malerei, eine Reflexion
über den Zustand unserer Gesellschaft und die Weise, in der wir die
Welt in Symbole zu fassen suchen.
La crescente complessitá del mondo richiede una risposta creativa
che dia la spinta al rinnovamento della propria prospettiva sul mondo.
Questi processi creativi non si focalizzano soltanto sull’arte, ma fanno
parte della crescita di ognuno di noi. I periodi di mera sperimentazione
diventano imprescindibili per creare nuove forme. La meta indefinita
del progetto Notation #43 fa parte della ricerca sui confini della pittura,
per cui é situato in un laboratorio mentale fatto di pensieri ed immagini.
Aumentando i singoli elementi che costituiscono la pittura si arriva a
delle forme nuove, forse esagerate, ma comunque emozionanti.
Notation #43 é un ragionamento, una riflessione sullo stato attuale
della nostra societá e sul modo nel quale cerchiamo di farci rima sul
mondo, nonostante il sapere che comunque potremmo fallire.
[email protected] - Tel.: +43 0699 12726303
Manfred Mureda_ Seite/pagina 65
Venus von Muredorf
Venus von Muredorf
2010, 60 x 40 x 86 cm
2 Teile, Bronze
2010, 60 x 40 x 86 cm
2 pezzi in bronzo
Skulptur ist schön
vorne und hinten.
Scultura è bello
davanti e dietro.
Tel.: +39 328 0247678
Elisabeth Oberrauch_ Seite/pagina 42
Landschaftsbild für einen Soldaten
Paesaggio per un soldato
Installation mit Wolken und drei Baumstämmen
2012 - 2013, paperart
Installazione con nuvole e tre tronchi d‘albero
2012 - 2013, paperart
Die Künstler der Romantik im 19. Jhd. entwickelten für die Natur eine
neue Sensibilität und fanden dort einen Quell leidenschaftlichen Gefühls. Maler wie Kaspar David Friedrich suchten in der Landschaft einen transzendentalen Bezug. Wenn die Festung Franzensfeste, geplant
für eine Garnison von 1000 Mann, auch nie in einen Krieg verwickelt
war, so waren hier in dem Zeitraum von 1835 bis 1942 sehr viele
Soldaten stationiert. Meine Installation mit den im Zentrum stehenden
Baumstämmen soll die hier gelebte Sehnsucht des Soldaten sichtbar
machen. Es ist ein Landschaftsbild, das nun im Nachhinein den unbändigen Wunsch nach Natur und Freiheit mildern soll.
Nel XIX secolo gli artisti del Romanticismo svilupparono una nuova
sensibilità nei confronti della natura e trovarono in essa grande fonte d’ispirazione, nutrimento per le loro emozioni. Pittori come Kaspar
David Friedrich cercarono nel paesaggio il vero e proprio tramite verso una dimensione trascendentale. Anche se il forte Franzensfeste fu
pensato per una guarnigione di 1000 uomini e non fu mai coinvolto
in alcuna guerra, nel periodo dal 1835 al 1942 molti soldati finirono
per sostarvi. La mia installazione con tronchi d’albero posti in verticale
al centro della sala vuole far rivivere la presenza di questi soldati. Un
paesaggio per mitigare a posteriori quell’antica e irrefrenabile bramosia
di natura e libertà.
Elisabeth Oberrauch
1950 geboren in Meran
1971/72 Meisterklasse für Malerei an der Höheren Technischen Bundeslehranstalt, Graz. Weitere Ausbildungen in Salzburg und Venedig,
Organisation von Workshops mit mehr als 200 Künstlern, lebt und arbeitet in Meran und St. Konstantin/Völs.
86
Einzelausstellungen (Auswahl)
2013 Naturalien Kabinett, Kunst Meran, Meran, 2009 Luftbrücke, Stadtgalerie Brixen, 2008 Moving Art, Ansitz Rosengarten, Lana, 2007
Kronen Galerie, Zürich, 2006 Die Unendlichkeit der Bilder, Galerie Prisma, Bozen
Gruppenausstellung (Auswahl)
2013 50x50x50 ART SÜDTIROL 2013, Franzensfeste, 2013 born in the dolomites II, Künstlerhaus Wien, 2012 Papier Global 2, Internationale Papierkunst Triennale, Stadtmuseum Deggendorf, 2011 Neue Stofflichkeit, Hofburg Brixen, 2011 50x50x50 artSüdtirol, Franzensfeste
2010 Grammatik des Buches, Galerie Radierverein, München, 2007 Children`s corner, Kunst Meran, Meran
www.webmuseumtirol.at/kuenstler/Oberrauch_Elisabeth/ - [email protected]
Tel.: +39 0473 233220, Mobil: +39 347 3721469
Martin Pardatscher_ Seite/pagina 26
„private memories“
2000 – 2013, “tears”, “white faces”, “after the accident”, “bee kiss”,
“woman with camera”, “backstage”, Polaroid, Inkjet auf Canavas, C –
Print, unterschiedliche Maße
„Obwohl wir davon sprechen, unsere Erinnerungen mit anderen zu teilen, können wir diese wohl ebenso wenig wie den Schmerz teilen.“
(B.S.Benjamin)
Unsere Erinnerung an Vergangenes wird hauptsächlich durch erlebte
Ereignisse bestimmt. Je intensiver ein Ereignis erfahren wird, desto
stärker wird es sich in unserer Erinnerung verankern. Jede private Erinnerung beruht auf rein individueller Erfahrung. Der Umgang mit persönlichen Erinnerungen ist ein besonders schwieriger und reicht von einer
totalen Offenlegung, wie sie zum Beispiel in den sozialen Netzwerken
praktiziert wird, bis hin zur Behandlung unserer Erinnerungswelt, ähnlich einem Privatbesitz, der niemandem zugänglich gemacht wird.
„Erinnerung ist ein zentraler Parameter menschlicher Existenz. Erinnerung ist notwendig, um ein Bewusstsein für das eigene Ich zu entwickeln. Jedes Ich ist verknüpft mit einem Wir, von dem es wichtige
Grundlagen der eigenen Identität bezieht.“ (Regina Michel)
Die Bildserie „private memories“ zeigt 6 Fotografien unterschiedlicher
Fototechnik und Größe, die in einem Bezug zueinander stehen, der
dem Betrachter aber nicht preisgegeben wird. Die Bilder entstanden
im Jahr 2000 und 2012/2013. Die Bilder waren nie für eine Veröffentlichung vorgesehen.
„private memories“
2000 - 2013, “tears”, “white faces”, “after the accident”, “bee
kiss”, “woman with camera”, “backstage”, Polaroid, Inkjet su canavas,
C – Print, diverse misure
„Nonostante parliamo di condividere i nostri ricordi con gli altri, in
realtà riusciamo a farlo così poco come riusciamo a condividere con
loro il nostro dolore.“ (B.S.Benjamin)
I nostri ricordi del passato sono legati soprattutto agli eventi che abbiamo vissuto. L’ intensità decide quanto questi eventi si radicano nella
memoria. Ogni ricordo privato si basa su un’esperienza puramente
individuale.
Il modo di gestire i ricordi è una materia particolarmente complessa
ed implica un atteggiamento che varia dalla più totale apertura, come
per esempio avviene nei social network, fino ad un atteggiamento di
estrema riservatezza, in cui il nostro mondo dei ricordi – quasi fosse
una proprietà privata – rimane inaccessibile agli altri.
„Il ricordo è una funzione centrale dell’esistenza umana. Il ricordo è
necessario per sviluppare la coscienza del proprio Io. Ogni Io è legato
ad un Noi, dal quale trae i fondamenti della propria identità.“ (Regina
Michel)
La serie „private memories“ mostra 6 fotografie di tecniche fotografiche e misure differenti. Le fotografie stanno in un certo rapporto
tra di loro, che però non viene spiegato all´osservatore. Le immagini
sono state create negli anni 2000, 2012 e 2013. La pubblicazione di
queste opere non era prevista.
martinpardatscher.com - [email protected] - Tel.: +39 339 8134389
Edith Plattner_ Seite/pagina 23
„arm aber reich“
„ricco ma povero“
2013, Keramik
2013, ceramica
Das Anliegen ist, eine atmosphärische Dichte herbeizuführen, zur Essenz der Dinge vorzudringen, ohne Spektakularisierung, und dabei die
Dinge in ihrem Wesen zu belassen.
Die Form folgt den Anforderungen des Ortes und einer inneren Bezogenheit zu demselben, zu uns selbst und der uns umgebenen Realität
und Erfahrungswelt.
Es geht um nichts Neues und die Frage bleibt weiterhin: „Warum Einfachheit und Belassen so schwer sind“.
L’obiettivo è evocare un’atmosfera densa di significati, penetrare
nell’essenza delle cose, senza darne spettacolarizzazione e conservandone la natura intrinseca.
La forma obbedisce alle caratteristiche del luogo e all’intima relazione
che si crea con esso, con noi, con la nostra realtà e le nostre esperienze.
Non è nulla di nuovo e la domanda resta sempre la stessa: “Perché la
semplicità e la non trasformazione sono tanto difficili”.
87
Edith Plattner
Geboren 1967 in Bozen, lebt und arbeitet in München.
2012 ‘Walking through…Beograd’, Magacin, Belgrad - ‘ALLES WIRD GUT’, Residenza Ex Enel, Mals - ‘Walking through…Beograd’, nadaLokal, Wien - ‘Jardin extraordinaire’, kunstraum pro arte, Hallein. 2011 Red-Hot, Keramik in der Zeitgenössischen Kunst, Villa Rot, BurgenriedRot, L`ETAT C`EST MOI, Gebrüder, München. 2010 open art, Kunstbüro reillplast, München - CART 2010, Kunstbüro reillplast, München.
2009 Zeichnung heute., Galerie Royal; München, offen 2009, Atelierhaus Klenze-/Baumstraße, München. 2008Zimmer Frei, Hotel Mariandl,
München, Zeichnungen, Barbara Gross Galerie, München, Antinomie, Kunstbüro reillplast, München, 2007 ‘blühend’, Galerie der Stadt Wels,
‘Mandorla’, 7hours Haus 19, Berlin. 2006 ‘Die ersten Jahre der Professionalität 25’, Galerie der Künstler, München, ‘Lieber Friedrich,’, Kunstverein Kassel, ‘Weibliche Vorlieben’, Pasinger Fabrik, München.
[email protected]
Lissy Pernthaler_ Seite/pagina 48
Dark Diary – Mein dunkles Tagebuch | Eine performative Videoinstallation
Dark Diary – Mein dunkles Tagebuch | Eine performative Videoinstallation
2012, Videoinstallation,
Dauer: 20:12 Minuten
Dark Diary - Mein dunkles Tagebuch
Eine autobiografische Video-Performance von Lissy Pernthaler
2012, installazione video,
durata: 20:12 minuti
Dark Diary - Diario oscuro
Una performance video autobiografica di Lissy Pernthaler
„Bäume sind wunderbare Wesen! Lasst mich in den Bäumen leben.
Sie geben mir Luft zum Atmen und lehren mich, vom Licht zu leben,
um Wurzeln zu schlagen.“
Eine Videoinstallation mit drei parallel laufenden Projektionen.
Drei Filme bilden das Konglomerat von „Dark Diary | Mein dunkles
Tagebuch“, in dem die Künstlerin Lissy Pernthaler (*1983) Bilder für
ihre Ängste findet.
Ihre Angst beginnt dann, wenn die Dunkelheit sich wie zähes, schwarzes Pech über sie stülpt und sie zum schwarzen Loch wird. Es ist ein
Kampf mit dem auf-der-Welt sein, ein Kampf mit seinem Spiegelbild,
mit dem Essen und der bleiernen Schwere, die alles begleitet und
Trauer erzeugt. Erzählt wird in 9 intimen Bildern mit einem eigens komponierten Soundtrack, der die Bilder wabern und atmen lässt.
Eine autobiografische Arbeit über das Dableiben, über das Atmen und
Loslassen.
“Gli alberi sono esseri meravigliosi! Lasciami vivere sugli alberi. Mi
danno aria per respirare e mi insegnano a vivere di luce per mettere
radici”.
Un‘installazione video in tre proiezioni che si svolgono parallelamente.
Tre rappresentazioni che unitamente danno vita a „Dark Diary/Diario
oscuro“, in cui l’artista Lissy Pernthaler (nata nel 1983) trova immagini
per descrivere le proprie paure.
La paura inizia quando l’oscurità dilaga su di lei, nera e densa come
la pece e la trasforma in un buco nero. E’ una battaglia con l’essere al
mondo, una battaglia con la propria immagine riflessa nello specchio,
con il cibo e con una tremenda pesantezza che accompagna ogni cosa
e suscita dolore.
Vengono raccontate nove scene intime, accompagnate da una colonna
sonora composta appositamente, che lascia le immagini scorrere e
prender vita.
Un’opera autobiografica sul restare, vivere e abbandonarsi.
Stab, Crew & Darsteller - interpreti
Kamera - camera
Schnitt - montaggio
Musik - musica
Setassistenz - assistenza sul set
Lightgirl - luci
Setfotos - fotografa set
Baumhelfer - assistenti scena albero
Darsteller - interpreti
www.lissy-pernthaler.de | www.bluetenwerfer.com
[email protected]
88
Eren Aksu
Lissy Pernthaler
Tobias Kilian
Stav Arad & Charlotte Marie Meyer
Johanna Lucht
Stav Arad
Stav Arad, Nunzia Mangiacotti, Charlotte Marie
Mayer, Peter Oehmichen, Dominik Pernthaler
Stav Arad, Lea Bohrer, Kai Giersberg, Charlotte
Marie Meyer, Peter Oehmichen, Judy Pietreck, Josef Ulbig
Sylvie Riant_ Seite/pagina 21
„Solo oder für R…“
„Solo oder für R…“
2013,
70 x 70 x 50 cm + environnement,
Gips, Filz, Wachs, Porzellan, Wolle
2013,
70 x 70 x 50 cm + environnement,
gesso, feltro, cera, porcellana, lana
„Solo“ ist eine Plastik, eine Figur aus Gips, Wachs, Stoff und zelebriert
das Zeichnen. „Solo“ vereint diffuse alte Erinnerungen und jüngere
präzise Augenblicke. Ich widme sie R., der sich vielleicht in ihr erkennen wird. Für das Publikum bleibt „R.“ aber nur „R.“. „Solo“ schöpft
seine Inspiration aus Winnicott’s Begriff des playing. Für den englischen Psychoanalytiker gilt das Spielen als Modell für alle menschlichen Handlungen und erinnert dabei an die Freudsche „Sublimierung“. Durch das Spielen bildet sich zwischen Individuum und Welt
eine „transitional area“, ein „Übergangsraum“, der den Mensch mit der
Welt verbindet und es ihm ermöglicht, sie zu begreifen, zu benennen,
zu symbolisieren. Zeichnen ist Spiel. Zeichnen hinterlässt tänzerische
Spuren auf Fläche, Papier, Sand, Boden. Die Linien erobern den Raum,
bilden Netze, Rhizome, expandieren vom Körper aus. Solo heißt allein,
aber im positiven Sinn: das Alleinsein als conditio des Schaffens, des
Subjektseins, welches sich lebendig und lustvoll, improvisierend und
spielend manifestiert.
„Solo“ é un plastico, una figura di gesso, cera e stoffa, che vuole
celebrare il disegno.
„Solo“ viene originato da vecchi e diffusi ricordi, ma anche da più
precisi e piú recenti sguardi.
Io lo dedico a „R“, il quale forse si riconosce in esso. Per il pubblico,
„R“ deve rimanere „R“ e basta. „Solo“ trae ispirazione dal concetto di
„playing“ di Winnicott. Per lo psicoanalista inglese infatti il gioco può
essere assunto come modello per tutte le altre attitvità umane. Ciò
riporta al concetto di sublimazione di Freud. Attraverso il gioco si forma
un’ “area transizionale“ che funge da collegamento tra l’individuo ed il
mondo circostante. Quest’area ci dà la possibilità di comprenderlo, di
conoscerlo, denominarlo e tradurlo in simboli. Disegnare é un gioco, è
lasciare una traccia su una superficie, su un foglio, sulla sabbia o sul
pavimento. Dentro e fuori, avanti e indietro, qua e lá, le linee invadono
lo spazio, come reti e radici, espandendosi fuori dal corpo. „Solo“ va
inteso in senso positivo: la solitudine é „conditio sine qua non“ per
creare e per essere soggetti agenti, vitali e felici, che sanno improvvisare e giocare.
[email protected]
Alois Steger_ Seite/pagina 56
hier
qui
2013, 9-teilige Forexplatten mit Spiegelgoldfolie beklebt, kreuzförmig im unebenen Boden vertieft eingesetzt (460 x 460 x 60 cm),
gebrochenes Glas quaderförmig aufgeschichtet
(110 x 65 x 40 cm)
2013,
verbindung oder trennung durchkreuzt die einsicht, himmel und erde
verdichtet, verbirgt wissen im gneis, zugluft, nord, süd und kulturen,
wo frieden von bergen begrenzt, von misstrauen geprägt, mit angst
und schrecken besetzt in frieden ruht und transporte nie und nimmer
enden, bleierne furcht gelagert, geschichtet in quaderform behauener
granit, gedünkter kalkputz bröckelt von wand und wölbung zu boden,
zu staub zerfallen, getreten, getrampelt, rohe gemäuer lehmgeformt,
gebrannt, vom nass durchdrungen, modergeruch im atem, getränkt
die wucht außen und innen drückt tonnenschwer aufs gemüt, beschränkt aussicht im weitblick des bollwerks auf feucht, irdenen boden, der freiheit beraubt schlummert in sich ruhend der traum, durch
mark und bein fährt kälte über rücken wie über stahlbrücken der zug,
rattert eisern wie einst umsonst kugeln die stille nacht durchschneiden,
verrinnt lautlos zeit, fällt leer ins nichts, drahtverhau überwuchert, blockiert, verschanzt gefangen hinter verriegelten mauern, im geheimnis
vergraben, tappt bei nacht und nebel im dunkel der gähnenden leere
und dauerregen fällt zu see, gewinnbringend mit wassern gewaschen.
collegamento o divisione, approssimando o distanziando incrocia la
vista, il cielo e la terra condensati, cela sapere nel gneis, correnti
d’aria, nord, sud, culture, dove la pace delimitata dai monti, coniata
dalla diffidenza, piena di paura ed orrore dorme in pace mentre ininterrottamente e infinitamente passano dei trasporti, paura di piombo
depositata, accatastata in forma quadrata, granito scavato, intonaco
calcareo sgretolando dalle pareti e dal soffitto sul pavimento, ridotto
in polvere, schiacciato, calpestato, mura argillose cotte nel forno, penetrate dall’umido, odore di marciume nel respiro, impeto imbevuto
dall’esterno e dall’interno di tonnellate gravanti sull’animo, delimita la
visuale nella lungimiranza del bastione su terreno umido, derubato della libertà sonnecchia il sogno, il freddo entra nelle ossa e brividi scorrono lungo la schiena come il treno sull’acciaio dei ponti sfrecciando con
strepito come allora invano le pallottole tagliando la quiete notturna,
passa il tempo in silenzio, il vuoto cade nel nulla, reticolato proliferato,
bloccato, trincerato e imprigionato dietro mura sprangate, sepolto nel
segreto, si muove a tastoni nel vuoto notturno e la pioggia scrosciando
incessantemente sul lago, lucrativo lavato con l’acqua.
Alois Steger - Ahrner Str. 42 - I-39030 Luttach/Ahrntal
[email protected] - Tel.: +39 347 5404352
89
Thomas Sterna_ Seite/pagina 68
HAPPY END
2013, 2 x 120 x 80 cm 2 Schwarz-Weiss-Grossbild-Dias, 2 Leuchtkästen, Diptychon
Die Kunst entfaltet sich am besten, wenn sie nicht durch Interessen von außen eingeschränkt wird. Ein Künstler, der mit
Vorgaben kämpfen muss, ist nicht frei in dem, was er tut, und
ein Rezipient, der ganz bestimmte Erwartungen hat, nimmt nicht
unbefangen wahr, was das jeweilige Werk ihm bietet.
HAPPY END
2013, 2 x 120 x 80 cm 2 gigantografie da diapositive in bianco e nero,
2 quadri luminosi, dittico
L’arte si esprime nel modo migliore quando non viene limitata
da interessi provenienti dall’esterno. Un artista che è costretto a
combattere con parametri imposti non è libero nelle sue creazioni. Inoltre chi ha certe aspettative non è libero di percepire
un’opera d’arte per quello che è e non riesce a cogliere quello
che può offrire.
www.thomas-sterna.de - [email protected]
Tel.: +39 331 8770016
Maria Theresia Stockner_ Seite/pagina 52
Wer weiß wann?
Gedecktes Willkommen.
Chissá quando?
Benvenuto indeciso.
2013, Rauminstallation mit Textilien, Porzellan, Möbel, Bleistiftzeichnungen
2013, installazione con composizioni tessili, stoviglie, mobili, disegni
a matita
Wissend bewahren: sich erinnern, sich befreien.
Ich bin eine Sammlerin.
Schon immer bewahre ich Dinge in Kästen, Schubladen und Schachteln auf: betrachte, berühre, ordne sie.
Meine künstlerische Arbeit ist gekennzeichnet von der Suche nach
dem geeigneten Präsentationsraum für Einzelstücke und Fragmente
aus meinem persönlichen Fundus. Dabei entstehen vorwiegend textile
oder gezeichnete Bilder, die ähnlich wie museale Schaukästen dem
aufmerksamen Betrachter vom Gebrauch bestimmter Dinge erzählen.
Conservare consapevolmente: ricordarsi, liberarsi.
Sin da bambina sto conservando oggetti e frammenti preziosi in scatolette, cassetti ed armadi.
La mia ricerca artistica si dedica in particolare alla creazione di luoghi
che potrebbero in miglior modo dare valore a questi oggetti trovati:
composizioni tessili e disegni a matita, simili a delle vetrine da museo,
raccontano allo spettatore dell‘utilizzo di determinati oggetti.
[email protected] - Tel.: +39 329 4920774
Martina Stuffer Tarhan_ Seite/pagina 59
OT
OT
2012, 100 x100 cm, Acryl auf Leinwand
2012, 100 x100 cm, acrilico su tela
Bei dieser Arbeit geht es um die Auseinandersetzung mit der Yi-KingSchrift, die um 2800 v. Chr. in China entstand. Wahrscheinlich wurde sie aus dem Schafgarbenspiel entwickelt. Ganze und gebrochene
Stäbchen wurden verwendet und auch zu Orakelzwecken eingesetzt.
Das System beruht auf den Dualismus. Meine gemalten Schriftzeichen
können anhand der Tabelle entziffert werden.
“Questo lavoro è ispirato all’esplorazione del carattere della scrittura
cinese Yi-King risalente circa al 2800 a.C. Nata e sviluppatasi probabilmente dal gioco che utilizza bastoncini interi e spezzati interpretati
come oracolo sui disegni che formano quando li si getta. Il sistema si
basa sul sistema dualistico.
I miei segni dipinti possono essere anche decifrati secondo le stesse
tabelle “
Martina Stuffer Tarhan
Martina Stuffer Tarhan
www.atelier-mst.com
[email protected]
90
Sara Stuflesser_ Seite/pagina 15
Society
Society
2013, 130 x 110 x 200 cm,
Installation: Fadenfiguren in einer Holzkonstruktion - Mitarbeit: Arch.
Nadia Moroder, Wolfgang Senoner
2013, 130 x 110 x 200 cm,
installazione: figure in filo in costruzione di legno - collaborazione:
Arch. Nadia Moroder e Wolfgang Senoner
Sara Stuflesser, Jahrgang 1977, erhält ihre Kunstausbildung in der
Kunstschule von St. Ulrich und anschließend in der Kunstakademie
von Urbino in der Sektion Malerei. Sie zeigt eine Installation, deren
räumliche Inszenierung gemeinsam mit Architektin Nadia Moroder geplant und anschließend in Zusammenarbeit mit ihrem (Zimmer-)Mann
Wolfgang Senoner ausgeführt wurde. Kernthemen der Künstlerin sind
die zwischenmenschlichen Beziehungen und deren Begegnungen. Ihre
Auseinandersetzung mit den verschiedenen Gesellschaftsordnungen,
Wechselwirkungen und Verstrickungen unter den Menschen bringt
Sara in ihrer Kunst zum Ausdruck, verstärkt durch den gezielten Gebrauch von Materialien. Hauptmaterial ist der Faden, der die Figuren in
Form einer endlosen Schleife umhüllt. Eine Hülle, die dem Menschen
Geborgenheit verschafft, und ihn vor der Außenwelt schützt. Gleichzeitig steht der Faden für Verknüpfung und Verbindung; das Bedürfnis
nach menschennaher Beziehung und Begegnung. Der Mensch, ein
Ensemble von Gegensätzen, wird unter anderem auch durch den Kontrast zwischen Leichtigkeit und Massivität in ihren Figuren dargestellt.
Der leichte Faden weist durch seine enge Verbundenheit eine kompakte und strukturierte Form auf. Der Stoff, eine Fassade, vor dem sich
Figuren zeigen und hinter dem sie sich zum Teil verbergen. Ziel der
Künstlerin ist es, den Betrachter in das (dreidimensionale) Geschehen
ihrer darstellenden Interaktionen aktiv mit einzubinden, um somit einen
emotionellen Austausch zu erlangen. Sara Stuflesser, nata nel 1977, compie gli studi artistici presso la scuola d’arte di Ortisei ed in seguito all’ Accademia di Urbino nella sezione
di pittura. Espone un’installazione la cui produzione spaziale è stata
progettata insieme all’architetto Nadia Moroder e successivamente
eseguita in collaborazione con suo marito (carpentiere) Wolfgang Senoner. Temi fondamentali dell’artista sono le relazioni interpersonali. La
sua analisi accurata dei diversi sistemi sociali con le loro interazioni
e i coinvolgimenti tra gli uomini viene messa in risalto da una scelta specifica di materiali come il filo e la stoffa trasparente. Materiale
principale è il filo che avvolge le figure in forma di un ciclo infinito. Un
guscio che dà alle persone la sensazione di sicurezza e le protegge
dal mondo esterno. Allo stesso tempo il filo è simbolo di connessione
e congiungimento che dimostra la necessità di uno stretto rapporto
umano. L’uomo, un insieme di opposti, esprime nelle sue figure contemporaneamente leggerezza e solidità. Il leggero filo si trasforma in
una forma compatta e strutturata. Il tessuto, una facciata davanti alla
quale i personaggi si mostrano oppure dietro alla quale si nascondono.
L’intento dell’artista è di coinvolgere attivamente lo spettatore negli
eventi (tridimensionali) in modo da ottenere uno scambio emotivo.
www.vijion.it - [email protected]
Tel.: +39 33359579
Hartwig Thaler_ Seite/pagina 14
Interieur
lichtbringer
Interieur
lichtbringer
Leuchten aus Fiberglas, 2012, 7 Modelle, 7 design,
Fiberglas, Stahl und Edelstahl, Keramikfassung, Leuchtmittel LED,
lampade in fibra di vetro, 2012, 7 modelli,
fibra di vetro, acciaio, acciao inox, presa in ceramica, lampadine LED
Tisch
Tavolo
2011, 80 x 160 cm, Höhe 78 cm, Edelstahl 8 mm
2011, 80 x 160 cm, altezza 78 cm, aciaio inox 8 mm
„Kunst ist ein großes Haus,
das eingerichtet sein will.
Ich möchte dafür Dinge schaffen,
die so noch nicht da waren.
Dinge, die atmen lassen.
Dinge, die Licht bringen.
Schöne Dinge“.
“L’arte è una grande casa
che aspetta di essere arredata.
A questo scopo vorrei creare oggetti.
Oggetti che in questa forma
non sono ancora disponibili.
Oggetti che lasciano respirare.
Oggetti che trasmettono la luce.
Oggetti belli”.
www.hartwigthaler.de - [email protected]
Tel.. +39 347 0606079
91
Andrea M. Varesco_ Seite/pagina 60
2013, 77 x 100 cm, Acryl auf Karton/auf Holz
Work in situ - red colour fields
2013, 77 x 100 cm, acrilici su cartone/su legno
Thematisch setzt sich die Idee des Roten Bildraumes (Ausstellungsbeitrag 2011 – Raum 10/Erdgeschoss im Gebäude 38) fort und bindet
sich in Form von 28 roten Farbfeldern als temporäre Installation direkt
in die Architektur des Raumes ein.
Das Schwingende, die Bewegung der Farben, das Atmen der Farben,
dringt bei Andrea Varesco in den Raum selbst vor. Er wird zu einem
Gegenüber in ihrem Werk. Es gelingt ihr, mit ihren zweidimensionalen
Werken innerhalb des Raumkontextes eine Rückwirkung zu erzeugen,
dadurch ermöglicht sie eine Kommunikation. Ihre künstlerischen Setzungen sind keine Eingriffe in die Substanz des Raumes, sie spielt mit
dem Vorhandenen. Varesco liest die Sprache der Architektur, indem sie
alle vorhandenen Materialien und Elemente mit einbezieht.
Peter H. Forster, Museum Wiesbaden
Viene ripresa la tematica del „Roter Bildraum“ (contributo d’esposizione
2011 – stanza 10/pianoterra, edificio 38), e nella forma di 28 tavole
cromatiche si mescola in qualità di installazione temporanea direttamente nell’archittettura dello spazio.
Il movimento e il respiro dei colori di Andrea Varesco, il loro vibrare, si
diffondono nello spazio. Lo spazio stesso diviene nella sua opera una
dimensione con cui confrontarsi. Varesco riesce con le sue opere bidimensionali a produrre all`interno dello spazio degli effetti che si riflettono sullo spazio stesso, rendendo cosí possibile una comunicazione.
I suoi interventi artistici non sono interventi nella sostanza dello spazio:
l‘artista gioca piuttosto con ció che si trova in esso. Legge il linguaggio
dell`architettura, coinvolgendo tutti i materiali e gli elementi presenti.
Peter H. Forster, Museum Wiesbaden
Work in situ - red colour fields
www.andreavaresco.it
Cristina Vignocchi_ Seite/pagina 25
DEAR MOMA-i am born, (de la mère à le MoMà)
DEAR MOMA-i am born, (de la mère à le MoMà)
2013 per Fortezza, 300 x 300 cm, gemischte Technik,
INSTALLATION MIT MEHREREN BILDERN UND EINEM PHOTO FÜR
EINE EIGENE MAUER
2013 per Fortezza, 300 x 300 cm,
tecnica mista.
L’ installazione a parete racconta una psico-vicenda attraverso una composizione di quadri, foto e oggetti. Un insieme di associazioni d’idee,
dedicato al sistema dell’arte e la regola materna, femminile, da cui tutto ha origine. Una riflessione sullo stato di figlia, e artista, tra la dimensione
privata e quella pubblica. Il mondo dell’arte è come la mamma…?
Approfittando della nicchia della parete, murata dopo essere stata aperta per posizionare le armi, è allestito una specie di altare in cui trova posto
centrale la foto della madre mentre cerca qualcosa che le sfugge, (e dove è applicata in collage la foto dell’artista bambina), scattata sullo stesso
luogo, che rappresenta il perno attorno al quale ruotano come satelliti le altre immagini, specchio/simbolo di situazioni reali. Ogni quadro disegno
o oggetto nasce autonomo ma è collegato al tema di fondo: una riflessione sul procedimento di crescita personale tra autonomia e dipendenza
attraverso il ricordo e il contatto quotidiano, il cercare di „mettersi nei panni di“, o l’essere a propria volta ospitata. La stessa cosa succede con
il mondo e il contesto dell’arte. Non è un lavoro „femminile“, non si vuole pensare l’arte suddivisa in generi, ma come donna, persona, e come
molte altre artiste hanno fatto, decidere di occuparsi di questo tema originario rappresenta un punto di confronto e di arrivo dopo aver vissuto
e superato il conflitto.
„La mia arte sono io e il mondo attorno a me, dall’inizio alla fine, qualsiasi cosa faccia“ (C.V.).
„tra simbolismo e una vena di surrealtà Cristina Vignocchi mette insieme un universo personale che rispecchia le sue letture, la sua personalità
e anche il suo modo di vedere il mondo dell’arte come un palcoscenico in cui tutto sembra possibile, e chissà se anche legittimo“ Valerio Dehò
per C.V. in „Iceberg“
„…un’arte la sua, che trovo profondamente mediterranea, capace di scavare solchi profondi da aratro nella terra, per seminare ciò che nel
tempo si sviluppa, indagando tratti d’animo e di cultura oscuri, e allo stesso tempo capace di voli icarici alla ricerca ossessiva di altitudini e verità
luminose…“
Predrag Matvejevic per C.V. in „Iceberg“
„…Schrift zeigt sich in den Bildern, Schrift geht in die Bilder ein, nicht zu entscheiden, ob sich Schrift aus schwarzer Indistinktheit entwickelt,
aus der Nebelwolke, die noch alles und jedes ist, ob sie in diese sich stichelt oder ob sie als Palimpsest zu lesen waere als verborgene unter den
Schichten, die das Vergessen ausstrich, um sich an anderer Stelle in anderen Worten oder Zeichen zu setzen…“
Elmar Locher fuer Cristina Vignocchi im „Notausgang“
92
Cristina Vignocchi
Studi di architettura e fotografia, arte, allestimento museale, a Venezia, Vienna, Berlino, Barcellona, Bolzano. Si dedica inoltre alla grafica, scrittura
poetica e giornalismo.
Ha realizzato arte pubblica e permanente per edifici, piazze e istituzioni.
[email protected] - Tel.: +39 320 0342011
Maria Walcher_ Seite/pagina 28
Salz, Wasser, Mehl
Sale, Acqua, Farina
2013, Installation, unterschiedliche Masse
2013. installazione, misure diverse
Mit dem Boot auf dem Weg nach Utopia. In der Festung Europa gestrandet, auf der Suche nach einer Lebensgrundlage.
In Maria Walchers künstlerischen Praxis spielt die Zusammenarbeit mit
verschiedenen Gruppen von Menschen und die Interaktion mit der Öffentlichkeit eine wichtige Rolle. Sie greift ortsspezifische und sozialpolitische Themen auf und versucht durch Interventionen konventionelle
Muster zu brechen und auf sensible Themen aufmerksam zu machen.
Navigando verso Utopia, l‘approdo sulla fortezza Europa, in cerca di
una fonte di vita.
La pratica artistica di Maria Walcher è caratterizzata dalla collaborazione con persone appartenenti a diverse etnie e gruppi sociali e
dall’interazione costante nello spazio pubblico. Attraverso queste forme
di interazione artistica, l’obiettivo è focalizzare l’attenzione sulle particolari questioni sociopolitiche che caratterizzano i luoghi e le situazioni
dove si trova ad operare, con l’intento di rompere gli schemi tradizionali di pensiero e stimolare nuove discussioni su temi sensibili.
mariawalcher.com - [email protected]
Tel.: +39 320 0697172
Elisabeth Weiss_ Seite/pagina 64
Menschenbilder
Menschenbilder
2010 - 2013,
Aluminiumblech verschraubt, genäht, Kunststoff
2010 - 2013,
lamine di alluminio cuciti, avvitati, tessuto sintetico
Sackförmige Köper:
Ich habe Metallbleche zu Hüllen genäht und verschraubt, als wären sie
menschliche Festungen. Nur Ritzen als Öffnungen, kaum durchlässig
für Blicke. Mit dem Äußeren will ich zugleich die Botschaft vom Inneren
vermitteln: Verschlossenheit, Abwehr, Rückzug hinter die eigene Fassade, kein Austausch, kein Nehmen, kein Geben. Diese Metaphern des
Menschseins richten sich an den Betrachter, seine Realität in Bezug
auf zwischenmenschlichen Austausch zu befragen.
Corpi come sacchi:
ho cucito e avvitato lamiere di alluminio e ho costruito degli involucri
come fortezze umane, con poche fessure e aperture appena permeabili agli sguardi. Con l‘aspetto esteriore vorrei trasmettere il messaggio
interiore: difesa, chiusura, rintanarsi dietro la propria facciata, nessuno
scambio, nè dare, nè ricevere. Queste metafore della condizione umana si rivolgono al visitatore, ad interrogare la propria realtà in relazione
agli scambi interpersonali.
[email protected] - Tel.: +39 0471 970585
Letizia Werth_ Seite/pagina 20
a rose is a rose
a rose is a rose
2013, 24 min., Ton, DVD, 2013
2013, 24 min., suoni, DVD, 3013
Meine Arbeiten beschäftigen sich häufig mit dem Material Hausstaub
und Dreck, mich interessieren Widersprüche und das „Unsaubere“,
das unseren Alltag in vielen Formen begleitet, so verwandle ich Staub
in ansprechende Bilder, Umweltverschmutzung zu Postkarten und anonyme Fotos zu persönlichen Zeichnungen. Es entstehen Installationen,
Zeichnungen und Videos, die bei genauerer Betrachtung irritierend und
fehlerhaft sind. Das Video „a rose is a rose“ zeigt, wie ich den Boden
kehre und aus Dreck Buchstaben forme und infolge den Satz: „a rose
is a rose“ schreibe. Der Satz ist eine Hommage auf ein Gedicht von
Gertrude Stein (1913).
Mi interessano le contraddizioni e le imperfezioni che accompagnano
la vita quotidiana e così uso spesso materiali insoliti come la polvere di
casa. Trasformo polvere in immagini attrattive, inquinamento in cartoline postali e foto anonime in disegni personalizzati.
Il video a rose is a rose (una rosa è una rosa) mostra come sto trasformando polvere in lettere. La frase è un omaggio a una poesia di
Gertrude Stein (1913).
www.letiziawerth.at
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Wolfgang Thomas Wohlfahrt_ Seite/pagina 49
Klangreise 5
VIAGGIO SONORO 5
2013, ca. 200 x 200 x 200 cm, Sound-Installation
Soundexpedition Tansania.
Klänge wurden verpackt und in Gepäckstücken hierher transferiert.
Mbozi-Projekt: Meteorit, Lake Malawi, Kilimanjaro.
Raum Nr. 2, G 16 in der Franzensfeste wird für die Dauer der
Ausstellung zum Asyl von Klängen einer Soundexpedition: von Mbozi
über Matema nach Moshi.
„Soundexpedition Tansania“
Sono suoni confezionati in bagagli e trasferiti quí.
Mbozi – progetto meteorite, Lago Malawi, Kilimanjaro
Durante il periodo della mostra la stanza nr. 2 (nell’ edificio 16)
diventa l’asilo di una spedizione di suoni. Da Mbozi via Matema a
Moshi
Wolfgang Thomas Wohlfahrt
Geboren 1957 in Spittal/Drau, Österreich, lebt und arbeitet in Wien
und Lana, Südtirol.
1987-91 Studium an der „Accademia di Belle Arti di Ravenna“ und
der Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart. Seit 1987 Organisation und Teilnahme an internationalen Skulpturen Symposien in Italien, Österreich, Südkorea, VAE Dubai; 2000 Gründungsmitglied von
LANAART, Kuratierung des Südtiroler Skulpturenwanderweges. Künstlerische Interventionen in Architektur und Landschaft, Kunst im öffentlichen Raum, Kunst und Natur, Ausstellungen und Künstlerprojekte.
Wolfgang Thomas Wohlfahrt 1957 nato a Spittal/Drau, Austria, vive e lavora a Vienna e Lana, Alto Adige. 1987-91 studia presso l’Accademia di Belle Arti di Ravenna e l’Accademia di Belle Arti di Stoccarda. Dal 1987 organizza e partecipa a diversi simposi di scultura in Italia, Austria, Corea del Sud e negli Emirati Arabi Uniti, Dubai. Dal 2000 fondatore di LanaArt
e curatore dell Itinerario Scultoreo dell`Alto Adige, Lana. Interventi artistici nell´architettura e nei paesaggi, negli spazi pubblici, arte e natura
e mostre.
www.wolfgang-wohlfahrt.com
[email protected]
Tel.: +39 333 4342747
Lukas Zanotti_ Seite/pagina 57
BUM-PA BZANG-PO
BUM-PA BZANG-PO
2012, Pastell auf Papier
2012, pastello su carta
BUM-PA BZANG-PO
Dieser tibetische Satz bedeutet im Buddhismus das göttliche Gefäß
der Fülle, das die Gabe der spontanen Manifestation besitzt und somit immerwährend voll bleibt, auch wenn es ständig seiner Schätze
entleert wird. Lukas Zanotti hat damit das Gedicht und die Zeichnungen betitelt, die im Lauf des ersten Zyklus von Elektroschockbehandlungen entstanden sind, denen er in der psychiatrischen Anstalt in
Pergine unterzogen worden war. Den Protokollen von Prof. Dr. Heinrich
Kraft-Ebing entnimmt man, dass er in jener Phase behauptete, ein
tibetischer Engel gter ston zu sein, also ein Entdecker von gter ma,
der spirituellen Schätze, die von den einstigen großen buddhistischen
Meistern versteckt und im Universum verstreut worden waren. Naga
selbst, der königliche Wächter des Versunkenen, habe ihm mehrere
sa gter übergeben, Schätze der Erde, mit deren Hilfe er in sich selbst
die dgongs gter erkennen konnte, die von den Meistern in seinem
Bewusstsein verborgenen Schätze des Geistes. Diese habe er dann
kraft eines außergewöhnlichen Aktes der Erinnerung und des intuitiven
Eindringens wiederentdeckt und niedergeschrieben.
Bum-pa bzang-po
Questa frase tibetana indica nel buddismo il divino vaso della pienezza, quello che possiede la qualità della manifestazione spontanea
e che quindi rimane perpetuamente colmo anche se continuamente
svuotato dei suoi tesori. Lukas Zanotti intitolò così il poema e i disegni eseguiti durante il primo ciclo di elettroshock a cui fu sottoposto
nell’ospedale psichiatrico di Pergine. Dalle cartelle dei verbali del Dott.
Prof. Heinrich Kraft-Ebing si evince che in quel periodo egli affermava
di essere un angelo tibetano gter ston, ossia scopritore di gter ma,
i tesori spirituali che i grandi maestri buddisti del passato avevano
nascosto e disseminato nell’universo. Naga stesso, re guardiano del
sommerso, gli avrebbe consegnato diversi sa gter, tesori della terra,
per poter, tramite essi, riconoscere dentro se i dgongs gter, i tesori
della mente che, celati dai maestri nella sua coscienza, egli avrebbe
poi riscoperto e trascritto attraverso uno straordinario atto di memoria
e penetrazione intuitiva.
„Bum-pa bzang-po“ ist somit die getreue Niederschrift, die Zanotti von diesen spirituellen Schätzen gemacht hat, und zwar in Form
eines langen Gedichtes, bestehend aus nicht weniger als 842.000
tibetischen Silben, und eines Zyklus von nicht weniger als 248.000
Pastellzeichnungen.
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“Bum-pa bzang-po” è quindi la trascrizione fedele che Zanotti fece
di tali tesori spirituali, nella forma di un poema, composto da ben
842.000 sillabe tibetane, e di un ciclo di ben 248.000 disegni a
pastello su carta.
Andreas Zingerle_ Seite/pagina 39
Hosen
Hosen
2006 – 2013, 207 x 93 x 10 cm, Stahlbeton
2006 – 2013, 207 x 93 x 10 cm, cemento armato
Andreas Zingerle: 1963 geboren in Brixen, 1993-99 Akademie der Bildenden Künste München. Einzelausstellungen (Auswahl): 2012
squeeze, Galerie Rolando Anselmi, Berlin, 2012 stationär 2012 (mit Will-ma Kammerer), Galerie Prisma, Bozen, 2010 Lucas Carrieri Art Gallery, Berlin, 2009 Galleria Delloro, Roma, 2006 Pasinger Fabrik, München. Gruppenausstellungen (Auswahl): 2013 born in the dolomites
II, Künstlerhaus, Wien, 2012 Esercizi di decapitazione, Delloro Contemporary Art, Roma, 2009 Ehrliche Haut, Pasinger Fabrik, München, 2009
im flug, Shedhalle Tübingen E.V., Tübingen, 2002 Galerie Alfred Knecht, Karlsruhe, 2001 Galerie Timm Gierig, Frankfurt.
Was Andreas Zingerle künstlerisch beschäftigt, ist die Ikonografie des
Alltags. So gesehen sind die Betonobjekte von Zingerle manipulierte Reproduktionen von Alltagsgegenständen. Anstatt die Banalität der Alltagsgegenstände zu betonen, entscheidet sich Zingerle, ihnen künstlerisch
Würde zu verleihen, nicht, indem er sie glamouröser und ästhetischer
macht, sondern in dem er sie als das respektiert, was sie sind.
Stefan Maria Mittendorf
www.zingerleandreas.com - [email protected]
Tel.: +39 392 1743540
Artisticamente Andreas Zingerle è preso dall’iconografia del quotidiano.
Dell’iconografia del quotidiano fanno parte, come modelli figurativi, allo
stesso modo, sia i corpi fotografati di passanti anonimi che i semplici
indumenti. Da questo punto di vista, i quadri e gli oggetti momentanei di
Zingerle sono delle riproduzioni manipolate di oggetti quotidiani. Invece
di sottolineare la banalità o la scarsezza del mezzo democratico della
fotografia e degli oggetti quotidiani, Zingerle si decide a conferire a
entrambi dignità artistica, non rendendoli più ammalianti ed estetici, ma
rispettandoli per ciò che sono. Stefan Maria Mittendorf
Wolfgang Zingerle_ Seite/pagina 69
“IDENTITY“, 2012
“IDENTITY“, 2012
2012, 195 x 53 x 4,5 cm,
Murano-Glas
2012, 195 x 53 x 4,5 cm,
vetro di Murano
“IDENTITY“ - Prämisse: Die Katze ist eines der wenigen Wesen,
das wild oder als Haustier unter uns lebt. Ich frage mich, wäre es möglich, dass eine Katze eine Nationalität hat, wenn sie in jedem Land der
Welt vorkommt? Seit Generationen begleitet sie uns, seit über 10.000
Jahren, ohne dass es uns wichtig erscheint. Die Katze übernimmt seit
jeher auch eine wichtige Rolle in der Kunst.
Identität: Als Künstler und nicht als Politiker entschied ich mich ein
Kunstwerk zu schaffen, das eine Katzenfährte mit dem Wort „IDENTITY“ darstellt. Insgesamt kann man über Identität viel diskutieren. Viel
mehr noch, wenn eine Katze gespenstisch mit ihrer Fährte „IDENTITY“
hinterlässt. Identität ist die Gesamtheit, der eine Entität, einen Gegenstand oder ein Objekt kennzeichnenden und als Individuum von allen
anderen unterscheidenden Eigentümlichkeiten. Mit anderen Worten:
Identität ist, was zwei Dinge identisch oder verschieden macht.
“IDENTITY“ - Premessa: Il gatto è uno dei pochi esseri che vive
tra noi come creatura selvaggia e, allo stesso tempo, come animale
domestico. Mi chiedo: come è possibile che un gatto abbia una nazionalità se questi piccoli felini vivono in ogni paese del mondo? Essi
ci accompagnano da generazioni nella nostra vita quotidiana, da ca.
10.000 anni convivono con noi senza che ci rendessimo veramente
conto della loro importanza. I gatti rivestono anche da sempre un ruolo
importante nell’arte.
L’ identità: Come artista, e non come politico, ho scelto di fare un
lavoro con le impronte di un gatto che tracciano la parola “IDENTITY”.
L’identità, come concetto generale, fa discutere: tanto più se si tratta
di un fantasma di gatto che ci scrive, attraverso le sue impronte casualmente abbandonate, “IDENTITY”. L’identità è qualsiasi cosa che
rende un’entità definibile e riconoscibile, perchè possiede un insieme
di qualità o di caratteristiche che la distingue da altre entità. In altri
termini, identità è ciò che rende due cose identiche oppure differenti.
Einzelausstellungen - Auswahl: 2011 Wolfgang Zingerle, „Murano Glass and Paintings“, „Invisible II“, Berengo Collection Art Gallery, Markusplatz, Venedig, Wolfgang Zingerle, Murano Glass, „Venice Projects“, Dorsoduro, Venedig. Kollektivausstellungen - Auswahl: 2011-2013 Wolfgang Zingerle, „Murano Glass and Paintings“, Palace Laxenburg, Künstlerhaus Wien, Palais Ferstel, Palais Niederösterreich, Wien, Wolfgang Zingerle,
„Glass & Paintings“, Galerie Altesse, Fürstentum Liechtenstein, 2013 „VENTI PER UNA“, Südamerika: Museo de Arte Contemporáneo de La Plata
- Argentinien, Lo Spazio Culturale, Museo delle donne, Córdoba-Argentinien, Centro Culturale Recoleta, Buenos Aires-Argentinien, l‘Espacio de Arte
Contemporáneo, Montevideo, Uruguay, 2012 Wolfgang Zingerle, „Murano Glass“, World‘s Foremost Fairs of Contemporary , Arts & Design, Florida:
Sarasota, Naples, Miami und Chicago, SOFA-New York/Mad Museum of Modern Art, mit namhaften Künstlern wie Jan Fabre, „VENTI PER UNA“, „20
Regionen für ein Italien, „20 Künstler für eine Ausstellung“, Saluzzo, (CN), I, 2009 „Krossing“, Forte Marghera, Parallelevent der 53. Biennale, Venedig, 2008 „GOLD TARGET“, (Der goldene Brückenpfeiler), Parallelevent der Manifesta7, Percha, BZ.
www.wolfgangzingerle.com - [email protected] - Tel.: +39 340 9867010
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Impressum
50x50x50 ART SÜDTIROL 2013
Erscheinungsjahr/Anno: 2013
Erscheinungsort/Luogo: Brixen - Franzensfeste, Italien/Bressanone - Fortezza, Italia
Auflage/Tiratura: 600
Herausgeber/Editore:
OPPIDUM VEREIN - Onlus
Piazza Municipio 2 - Rathausplatz 2
39045 FORTEZZA - FRANZENSFESTE
e-mail: [email protected]
www.franzensfeste-fortezza.it
Gesamtleitung/Direzione: Hartwig Thaler
Grafisches Konzept und Gestaltung/
Concetto grafico e impaginazione:
Eugen Deluggi
Evelyn Harrasser
www.deluggi.it
Eugen
Fotos/Foto:
Georg Hofer, www.georghofer.com
Druck/Stampa:
Weger, Brixen
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