colophon team direzione artistica La Cappella Underground coordinamento del progetto Daniele Terzoli programmazione Chiara Barbo Lorenzo Bertuzzi Luca Luisa Science+Fiction festival della fantascienza trieste, 22-28 novembre 2009 – scienceplusfiction.org con la consulenza di Lorenzo Codelli comitato fanta-scientifico Carlos Aguilar Lorenzo Codelli Manlio Gomarasca Alan Jones Giuseppe Lippi Kim Newman Fabio Pagan Alena Shumakova immagine del festival, web design e allestimenti Marco Stulle, S lab daily e testi web Sara Stulle, S lab ufficio stampa web Gianfranco Terzoli Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia Direzione Centrale Formazione Istruzione, Cultura European Fantastic Film Festivals Federation, Brussels Alpe Adria Cinema – Trieste Film Festival [email protected] lacappellaunderground.org Comune di Trieste Assessorato ai Beni e alle Attività Culturali [email protected] scienceplusfiction.org C.C.I.A.A. Camera di Commercio di Trieste Teatro Miela – Bonawentura Università degli Studi di Trieste fantascienza.com SISSA – Scuola Internazionale di Studi Superiori Avanzati Film4 Frightfest con la collaborazione di Julien Inglin assistenza ospiti Lorenzo Acquaviva Daniele Braida Pietro Crosilla Davide Del Degan segreteria organizzativa Tania Piccoli con la collaborazione di Marco Basso Sofia Cova ufficio stampa Cristina Borsatti La Cineteca del Friuli, Gemona ospitalità Stefania Lenarduzzi comunicazione e promozione Giovanni Barbo Thomas Lenardi Francesco Cappellotto traduzioni Martina Palaskov-Begov Eleonora Sonnellini Ministero per i Beni e le Attività Culturali Direzione Generale Cinema fotografo ufficiale Giuliano Koren segreteria Loris Zecchin grafica catalogo Marco Stulle con la collaborazione di via Economo 12/9 I-34123 Trieste T +39 040 3220551 F +39 040 3225220 sottotitolatura Intertitula catalogo e riprese video Diego Cenetiempo entro ricerche e sperimentazioni cinematografiche e audio/visive enti promotori Provincia di Trieste Assessorato alla Cultura Archives Françaises du Film du CNC, Bois d’Arcy BFI/NFTVA, London La Cinémathèque Française, Paris Nocturno Cinema sede delle proiezioni Urania Teatro Miela Cineteca Nazionale Roma Multiplex Cinecity Centro commerciale Torri d’Europa Univerza Na Primorskem Alliance Française, Trieste Associazione Italo Americana Centro commerciale Torri d’Europa Multiplex Cinecity Toyota/Futurauto, Trieste Spin Internetworking premio urania d’argento La via degli Artisti Viaggi, Trieste manifattura del premio ispirata alla copertina di Kharel Thole, Urania n° 596 realizzazione Renato Chicco Gioielli Libreria Minerva, Trieste Urban Hotel Design, Trieste Audace Café, Trieste ByBus Trieste Centostazioni premio asteroide opera di Marco Milcovich Music Movies, Trieste Catalogo finito di stampare nel mese di novembre 2009. Stampa Graphart, Trieste Graphart, Trieste Yavin 4 Fan club italiano di Star Wars ringraziamenti neon 01 Distribution Luigi Lonigro, Francesco Ria ABS Film Company Loris Curci Agung Inc. Kiyoshi Inoue Atmo Kristina Åberg Blu Cinematografica G.F. Srl Maria Chiara Lombardi La Casa de Cine Francisco Laresgoiti Celluloid Dreams Pascale Ramonda, Anne-Sophie Lehec Europacorp Jennifer Fattell Gold View Co. Ltd. Kiyo Joo Icon Entertainment International Isabelle Lhérondel Jinga Films Rosana Coutinho, Julian Richards Liberty Films UK Duncan Jones Likely Story Anthony Bregman Magyar Filmunió Dorottya Szörényi Molot Entertainment Film Todd Brown Paramount Vantage Francisco De La Vara Protagonist Pictures David Bartholomew Sony Pictures Releasing Italia Ilaria Iozza Swedish Film Institute Gunnar Almermn Scarfilm/Alfred Katarina Capanna Filmoteka Narodowa Tadeusz Kowalski, Maciej Prawdzic-Kornacki Tobina Films François Cognard Uncut Films Katia Olivier HAVC - Hrvatski Adiovizualni Centra Goran Kovac, Ivana Ivisic Truckbeef LLC Jennifer Glynn Claudio Tacchi Magyar Nemzeti Filmarchivum Blanka Szilagyi, Vera Gyürey Wild Bunch Esther Davos shorts 15minutespictures Nebojsa Nenadic Anthead Films Matt Simpson Greatzmedia Simon Temple Illusion Debbis Cabella, Marcello Ercole, Fabio Prati La Femis Thibault Emin Lily island films ltd Uisdean Murray David Lilley Dragan Rokvic Fabian Ribezzo Fabio Calmieri Giuseppe de Feo Roberto de Feo Tommaso Colognese Cooper Films Eduard Ferrer Films Sans Frontieres Christophe Calmels Hollywood Classics Geraldine Higgings New Horizons Cynthia Brown La Milanesiana Enrico Ghezzi, Elisabetta Sgarbi NFA Narodni Filmovy Archiv Karel Zima NIFFF Anais Emery Progress Film Miriam Mai Spectre Films Daniel Cohen, Consuelo Holtzer Zagreb Film Andrijana Vidacek extra Spazio Nocturno / Enzo G. Castellari Archivio Storico del Cinema Italiano Graziano Marraffa Lost Astronaut Producciones Sebastian Peroni Nocturno Cinema Mauro Gervasini, Manlio Gomarasca, Davide Pulici Neue Filme GbR Nik Sentenza urania d’argento Christopher Lee Frightfest Alan Jones, Paul McEvoy Norwegian Film Institute Toril Simonsen BFI National Library, London John Oliver Olympia Film Festival Shade Rupe Phi Group Inc. Catherine Chagnon Tamasa Distribution, Paris Philippe Chevassu. VeniceFilm Production srl Alessandro Centenaro Riviera Film Johan Lundh Phillip Bergson Roxbury Pictures Marta Marcè Sator Production Valentina Bertuzzi Kim Newman marx attacks! Alpe Adria Cinema Annamaria Percavassi Fantastisk Filmfestival Lars Diurlin un ringraziamento particolare a Giuliano Abate, Lucia Barbo, Brian Aldiss, Alan D. Altieri, Christian Alvart, Mauro Battista, Gianfranco Battisti, Alice Bensi, Michela Berlot, Marta Biagini, Massimiliano Bonaccorsi, Sabina Bonfanti, Isidoro Brizzi, Teresa Bradamante, Alberto Bucci, Paola Cabas, Daniela Camerino, Fabrizio Comel, Valentina Cordelli, Piero Colussi, Tommaso Contessi, Paola Corazza, Roberto Cosolini, Franco Clun, Pierpaolo Crali, Sergio Crechici, Claudio Curcio, Andrea De Candido, Luciano De Giusti, Fabio Del Mistro, Francesco De Luca, Steve Della Casa, Ruggero Deodato, Mario de Luyk, Georges Delmote, Jean Demerliac, Jacopo Desogus, Rodrigo Diaz, Jean-Pierre Dionnet, Cristiano Ercolani, Céline Dupond, Ivan Engler, Beatrice Falaschi, Stefano Fantoni, Elena Faro, Paolo Fedrigo, Tiziana Finzi, Giannantonio Furlan, Sebastiano Fusco, Ivo Gaido, Chiara Gamboz, Claudia Gerini, Filippo Giorgi, Luca Giuliani, Elisa Grando, Elizabeth Griffin, Sergio Grmek Germani, Gianluca Guerra, Christian Hallmann, Phil Hardy, Alessandro Hoffer, Elisabetta Illich, Angelo La Rocca, Cecilia Leoni, Davide Longfils, Giuseppe Longo, Paolo Lughi, Ugo Malaguti, Alessandro Malcangi, Maria Masau Dan, Diego Matuchina, Paul Mc Evoy, Roy Menarini, Paolo Mereghetti, Lorenzo Michelli, Sandro Mizzi, Nicolò Molea, Giovanni Mongini, Gianni Montanari, Marco Müller, Olivier Muller, Antonio José Navarro, Vincenzo Natali, Piergiorgio Nicolazzini, Marina Norbedo, Fabio Novel, Chiara Omero, Davide Ordigoni, Fabio Pagan, Luciano Panella, Giancarlo Pellegrin, Annamaria Percavassi, Margherita Pevere, Cesare Picotti, Rosella Pisciotta, Leopoldo Pitali, Davide Pulici, Roberto Quaglia, Andrea Rimbaldo, Romain Roll, George Romero, Javier Romero, Nicoletta Romeo, Rina Anna Rusconi, Fabio Ruzzier, Cosetta G. Saba, Cristina Sain, Stefano Savio, Orfeo Sbaizero, Francesca Schirru, Silvio Sosio, Massimiliano Spanu, Federico Spoletti, Paola Sponda, Flora Staglianò, Michele Sumberaz Sotte, Quentin Tarantino, Jasmina Tešanović, Elisabeth Thole, Gianni Torrenti, Daniele Trani, Laura Trentinaglia, Douglas Trumbull, Gianni Ursini, Andrea Massimo Valcher, Paolo Vascotto, Ernesto Vegetti, Paolo Venier, Lucia Vivian, Giorgia Visintin, Brian Yuzna, Matteo Zambetti, Paolo Zelati. evento apertura / Massimo Volume Emidio Clementi, Egle Sommacal, Vittoria Burattini, Lorenzo Ori Cooperativa Estragon Alessandro Ceccarelli Un ringraziamento sentito a tutti i soci, gli stagisti e i volontari che collaborano al festival. saluti istituzionali Si rinnova a Trieste l’appuntamento con Science+Fiction, il Festival Internazionale della Fantascienza, dedicato all’esplorazione del fantastico e dei linguaggi sperimentali. In programma anteprime, retrospettive, eventi speciali, ospiti d’eccezione, incontri con autori e anticipazioni “futuristiche”, frutto dell’alleanza tra arte, scienza e tecnologia. Un nutrito ventaglio di proposte che, oltre a rendere omaggio alla miglior science fiction mondiale, celebra anche due significative ricorrenze: i quarant’anni del primo viaggio sulla luna e il bicentenario della nascita di Edgar Allan Poe, i cui capolavori hanno conosciuto celebri trasposizioni sul grande schermo. Un festival dunque capace di saldare cinematografia e letteratura, creando una continuità tra passato e futuro attraverso un’originale esplorazione del presente. Al centro ricerche e sperimentazioni cinematografiche La Cappella Underground il più vivo apprezzamento per aver promosso e realizzato una rassegna che non mancherà di stupire gli appassionati e di coagulare l’interesse di un vasto pubblico. Science+Fiction, il Festival Internazionale della Fantascienza, torna puntuale anche quest’anno a segnalarci la ricchezza delle proposte culturali, soprattutto nell’ambito cinematografico, della nostra Provincia. Sostenere e promuovere una manifestazione come questa è compito delle istituzioni perché, in un momento di grandi difficoltà economiche come quello che sta vivendo il nostro paese ed ovviamente la nostra Provincia, la cultura deve essere salvaguardata in quanto è lo specchio della civiltà di un territorio. Quando parlo di cultura, intendo segnalare quelle manifestazioni che promuovono la nostra Provincia con creatività e intelligenza, come da anni fa il Festival Internazionale della Fantascienza. Anche quest’anno, scorrendo il programma, si possono trovare appuntamenti di grande innovazione creativa e tecnologica splendidamente combinati con la memoria storica del grande cinema italiano. La nostra Provincia non può che essere grata a tutta la struttura organizzativa ed in particolar modo ad una pietra miliare della cultura cittadina come La Cappella Underground, che resta un patrimonio storico culturale cinematografico di inestimabile valore e che segnala il nostro territorio a tutti gli amanti del cinema a livello internazionale. In una manifestazione rivolta, per definizione e per programmazione, al mondo che sarà, colpisce favorevolmente la capacità degli organizzatori di saper guardare anche al passato. Certo, un passato non del tutto incoerente all’impianto di “Science fiction”, perché è un passato chiamato Futurismo. Nell’anno del centenario, proprio con riferimento a un movimento che a inizio ‘900 seppe genialmente intrecciare arte e tecnologia, una serie di iniziative, ospitate al Museo Revoltella, ripercorreranno aspetti significativi di quella straordinaria stagione. Quasi a preparare il terreno all’esposizione che, sempre al Revoltella, ci racconterà, sul versante artistico, come Futurismo e avanguardie seppero esprimersi nell’area giuliana. Once again the appointment with Science+Fiction, the International Science Fiction Festival in Trieste, devoted to the exploration of fantasy and experimental languages, is renewed. The program features premieres, retrospectives, special events, guest artists, meetings with authors and “futuristic” appetizers: a result of the alliance between art, science and technology. A large number of proposals that, in addition to paying tribute to the best science fiction in the world, celebrates two significant anniversaries: forty years from the first voyage to the moon and the bicentenary of the birth of Edgar Allan Poe, whose works are known also throughout famous transpositions to the big screen. An event therefore able to weld film and literature, creating a continuity between past and future through a unique exploration of the present. To the Center for Research and Experimental Filmmaking La Cappella Underground goes our greatest appreciation for having promoted and carried out a survey that will not fail to impress fans and certainly concentrate the interest of a wide audience. Science+fiction, the International Science Fiction Film Festival, returns prompt this year indicating the wealth of cultural resources, especially in cinema, of our Province. Responsibility of the institutions is to support and promote such for, in times of great economic difficulty as that which is experiencing our country and of course our Province, culture should be preserved because it mirrors our region’s civilization. When I talk about culture, I intend to report those events that promote our province with creativity and intelligence, as for years does the International Science Fiction Film Festival in Trieste. Scrolling this year’s program, you can find events of great creative and technological innovation combined beautifully with the historical memory of great Italian cinema. Our province can be therefore grateful to the entire organizational structure and especially to a milestone of urban culture such as La Cappella Underground, which remains a historical and cultural heritage of inestimable value that hints at our territory to all film lovers of international cinema. For an event that by definition and programming investigates the world that “will be”, we are favorably struck by the ability of organizers to like wise explore the past. Sure enough, a past not altogether inconsistent to the system of “Science fiction” for it is a past called Futurism. On its centenary, with specific reference to a movement that was able, at the beginning of the past century, to brilliantly interweave art and technology, a number of initiatives, hosted at the Museum Revoltella, will span significant aspects of this extraordinary season. As if to prepare the ground for the exhibition that will describe, artistically speaking, how avant-garde and Futurism were able to express themselves in our geographic area. Roberto Molinaro Maria Teresa Bassa Poropat Massimo Greco Roberto Molinaro Maria Teresa Bassa Poropat Massimo Greco Assessore regionale all’istruzione, formazione e cultura della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia Presidente della Provincia di Trieste Assessore alla cultura del Comune di Trieste Regional councillor for education, training and culture President of the Province of Trieste Councillor for Culture Municipality of Trieste intro Science+Fiction 2009 La Cappella Underground Nel 40esimo della sua fondazione, La Cappella Underground festeggia questo importante traguardo con un’edizione di Science+Fiction formato de luxe. È davvero un onore per il nostro festival poter annunciare che due leggende del cinema fantastico arrivano a Trieste per ritirare il premio Urania alla carriera: the King of b-movies Roger Corman, che ha con la città un legame speciale, poiché il suo X: The Man with X Ray Eyes fu uno dei film premiati alla primissima edizione del festival nel 1963; e l’icona dell’horror britannico Sir Christopher Lee, assurto a una seconda giovinezza artistica negli anni Duemila, offrendo il suo volto e il suo carisma agli universi sci-fi e fantasy di Star Wars e The Lord of the Rings. L’edizione del 2009 rimarrà fondamentale nella storia del festival anche per il primo concorso Méliès per lungometraggi, che va ad affiancare quello per gli Shorts, organizzato all’interno della European Fantastic Film Festivals Federation. Il network ha invitato Trieste a raggiungere i festival maggiori (Amsterdam, Bruxelles, Espoo, Leeds, Lund, Neuchatel, Sitges) fra le manifestazioni che ogni anno aggiudicano il premio per il miglior film fantastico realizzato nel vecchio continente, e Science+Fiction risponde con una prima selezione che allarga il panorama dei film in selezione ufficiale oltre i confini della fantascienza. Nessuna preoccupazione per i puristi: il nucleo centrale della sezione Neon e il concorso ufficiale rimangono sempre territorio privilegiato della produzione sci-fi mondiale. E il film simbolo del programma 2009, che arriverà in chiusura di manifestazione, scioglierà ogni dubbio. Ci riferiamo a Moon di Duncan Jones, autentico fenomeno cinematografico dell’anno, asso pigliatutto nei festival di genere ma anche Best New British Feature a Edimburgo. Quale miglior omaggio al mondo dei seleniti nel 40esimo dell’allunaggio? E la sezione art&scienza, che si inaugura nell’auditorium del Museo Revoltella, vuole essere occasione per parlare espressamente di scienza e di nuove tecnologie, attorno a temi come le missioni Apollo, la cosmologia, il futurismo a 100 anni dal primo manifesto di Marinetti... e di scienza e fantascienza con Bruce Sterling, lo scrittore americano profeta del cyberpunk che sarà ospite d’onore e presidente di giuria. È fantascienza doc quella della retrospettiva Marx Attacks!, dedicata al cinema di science fiction dell’Europa dell’Est negli anni fra i ’60 e gli ’80; e forse qualche sintomo di ciò che sarebbe accaduto a Berlino nel 1989 era già intuibile nelle space-opera, nei mondi distopici e fra gli scenari post-apocalittici di questi film, che a Trieste facevano incetta di sigilli e asteroidi, scorrendo sugli schermi del Castello di San Giusto. Acquista nuove forme da quest’anno la partnership con Nocturno cinema, l’indispensabile e unico magazine italiano sul cinema di genere. L’ospite nocturniano di questa edizione è il monumentale Enzo G. Castellari, regista di gloriosi spaghetti western, poliziotteschi e post-atomici, invocato da Tarantino sistematicamente come Maestro; un premio speciale intitolato alle “nuove visioni” e pensato per le opere emergenti di maggior impatto nel panorama europeo, incorona Shadow e il suo autore Federico Zampaglione, per un thriller italiano con fattura internazionale che potrebbe finalmente segnare una chiave di volta per la rinascita del genere; infine, il ricchissimo dossier pubblicato sul mensile cult incentrato sul ciclo dei film di Corman tratti dai racconti di Edgar Allan Poe, a cui Science+Fiction 2009 dedica un tributo nel bicentenario della nascita. Non a caso, l’apertura delle danze è appannaggio dei Massimo Volume e della loro ormai classica sonorizzazione del surreale capolavoro del 1928 firmato da Jean Epstein La Chute de la Maison Usher. Nella più verde delle nostre valli che da angeli benigni era abitata un maestoso castello ergea la fronte bella e splendente un dì. Di Re Pensiero nei domini s’ergea. Mai serafino sopra il compagno dispiegò le piume che, a mezzo sol, di lui fosse più bello. E.A. Poe In the 40th anniversary of its founding, La Cappella Underground celebrates this important milestone with a special edition of Science+Fiction in “de luxe format”. It’s really an honour for our festival to announce that two legends of fantastic cinema will be in Trieste to receive the Lifetime achievement award “Urania”: The King of B-movies Roger Corman, who has a special bond with the city as its X: The Man with X Ray Eyes was one of the winning films at the very first edition of the festival in 1963, and the icon of British horror cinema, Sir Christopher Lee, who is today, living his second artistic youth, having given his face and his charisma to the sci-fi and fantasy universes of Star Wars and The Lord of the Rings. This 2009 edition is crucial for the festival’s history also because the Méliès competition organized within the European Fantastic Film Festivals Federation, until today for short films only in Trieste, is, this year, extended to the feature films section. The federation has called Trieste to join the festivals (Amsterdam, Brussels, Espoo, Leeds, Lund, Neuchatel, Sitges) and events that every year assign the award for best fantasy film made in the old continent. Science+Fiction responds with a first selection that broadens the panorama of the films in official selection going beyond the boundaries of science fiction. Purists, don’t worry: the central core of Neon and the official competition section always remain privileged territory of sci-fi productions. And the film symbol of this 2009 program, offered as closing event, removes all doubts. We refer to Moon by Duncan Jones, authentic movie phenomenon of the year, dab hand for genre festivals but also Best New British Feature at Edinburgh. What better tribute for the 40th anniversary of the moon landing? Moreover, the art & science section, which opens at the Revoltella Museum’s auditorium wants to be an opportunity to talk specifically about science and technology, covering themes such as the Apollo missions, cosmology, futurism at 100 years from Marinetti’s first manifesto... and about science and science fiction with Bruce Sterling, the American cyberpunk prophet writer who will be the guest of honour and president of the jury. First class science fiction instead is presented by the retrospective Marx Attacks! dedicated to science fiction films from Eastern Europe produced in the years between the 60s and 80s. Perhaps some of the symptoms of what would have happened in Berlin in 1989 were already assumable in the space operas, in the dystopian worlds of postapocalyptic scenarios described in these films, which bought up in Trieste seals and asteroids, running on the screens of the San Giusto Castle. The partnership with Nocturno cinema, the vital and unique magazine on Italian genre cinema, this edition, obtains new tones. This year’s “Nocturnian Guest”s is the monumental Enzo G. Castellari, director of glorious spaghetti westerns, poliziotteschi and postatomi pics, routinely invoked by Tarantino as a Maestro. A special award called the “new vision” and intended for first time directors bearing great impact on the European scene, crowns Frederick Zampaglione for Shadow: an Italian thriller of international structure that may finally mark a key to the rebirth of this genre in our country. And finally, the very rich dossier published by Nocturno, focuses on Corman’s program and his films based on Edgar Allan Poe stories. To Poe the festival this year dedicates a tribute for the bicentenary of his birth. It is not accidental that the opening night is left to the band Maximum Volume and its, by now, classic sound of Jean Epstein’s surreal 1928 masterpiece, La Chute de la Maison Usher. In the Greenest of our Valleys, By good angels tenanted, Once a fair and stately palace – Radiant palace – reared its head. In the monarch Thought’s dominion – It stood there! Never seraph spread a pinion Over fabric half so fair. E.A. Poe sommario corti/shorts urania d’argento Roger Corman 48 extra 100 Roger Redux @ Trieste 51 Spazio Nocturno: Enzo G. Castellari 102 Biografia di Roger Corman 52 Enzo G. Castellari 103 39 Roger Corman: Wild Angel 56 Fuga dal Bronx 106 39 Corman e Poe: cronaca di una liberazione senza seguito 60 Quel maledetto treno blindato 107 Art&Scienza 108 Roger Corman e Edgar Allan Poe 65 Massimo Volume 112 The Fall of the House of Usher 67 La chute de la maison Usher 113 The Masque of the Red Death 68 Moon 114 The Pit and the Pendulum 69 Commento del regista 114 The Raven 70 Moon 117 X: The Man with the X-Ray Eyes 71 72 indici 118 Indice alfabetico dei film 119 Indice produzioni, distribuzioni e archivi 120 38 Giuria 12 neon 14 50 Years on the Moon 39 1 17 Breed 2033 18 Cíclope 20th Century Boys: Beginning of the End 19 Danse Macabre 40 european fantastic shorts 20 Century Boys: Chapter Two – The Last Hope 20 20th Century Boys: Chapter Three – Redemption 21 The Age of Stupid 22 Amer 23 Banlieue 13 – Ultimatum 24 Carriers 25 The Children 26 The Clone Returns Home 27 First Squad - The Moment of Truth 28 Goemon 29 Infestation 30 Metropia 31 Salvage 32 Shadow 33 TiMER 34 Valhalla Rising 35 Zone of the Dead 36 th 12 Else 40 H5N1 40 In chambers 41 Konvex 41 La Main des Maîtres 41 Man still Goes to the Moon 42 Mauvaise Error 42 Phatos 42 urania d’argento Cristopher Lee Plague 43 Sir Christopher Lee: Knight of Terror 73 The Room 43 Triage 80 A Star Call Three 43 The Wicker Man 81 The Traveller 44 Ubermensch 44 marx attacks! 82 Marx Attacks! Cinema di fantascienza dell’Europa dell’Est 85 The Silent Star 87 Ikarie XB 1 88 Who Wants to kill Jessie? 89 The End of August at the Hotel Ozone 90 Eolomea 91 In the Dust of the Stars 92 The Rat Savior 93 The Fortress 94 Ferat Vampire 95 Visitors from the Galaxy 96 The War of the World: Next Century 97 Sexmission 98 O-Bi, O-Ba - The End of Civilization 99 Vespers 44 Virtual Dating 45 When It Will Be Silent 45 spazio italia Città nel cielo 46 Corporate 46 L’estate fredda 47 L’estraneo 47 The Genesis of Evil 47 13 neon / Le più recenti produzioni science fiction, fantasy e horror / The most recent productions in science fiction, fantasy and horror. corti shorts / Cortometraggi fantastici dall’Italia e dall’Europa / Fantastic short films from Italy and Europe. urania d’argento Roger Corman + Christopher Lee / Premio alla carriera / Life achievement award. fant’america / Programma speciale dedicato a Edgar Allan Poe / Special program on Edgar Allan Poe. marx attacks! / Cinema Sci–fi dell’Est Europa / Sci–Fi cinema from Eastern Europe. extra / Chicche dal passato, omaggi a celebri registi e film-eventi speciali / Gems from the past, tributes to legendary director, special films and events. neon concorso/competition Giuria/Jury Bruce Sterling Antonio Serra Gilles Esposito Enzo G. Castellari Marcello Rossi Andrea Magnani Bruce Sterling è autore di undici romanzi, tre dei quali sono entrati nella lista annuale del “New York Times” come New York Times Notable Books of the Year. “La macchina della realtà”, scritto a quattro mani con William Gibson, è stato un vero e proprio bestseller. Ha pubblicato inoltre quattro antologie di racconti brevi e quattro libri di saggistica. Ha scritto per molte riviste tra cui “Time”, “Newsweek”, “Fortune”, “Technology Review” e “Wired”, per il quale lavora come contributing editor sin dal primo numero. Vive a Austin, Texas. Antonio Serra è un autore di fumetti italiano. Muove i suoi primi passi nel mondo dell’editoria alla fine degli anni Settanta. Nel 1982 conosce Michele Medda e Bepi Vigna con i quali realizza per Sergio Bonelli Editore alcune sceneggiature per “Martin Mystère” e per “Dylan Dog” ed elabora il progetto di “Nathan Never” e “Legs Weaver”. Dal 2005, insieme a Gianmauro Cozzi, è al lavoro sul progetto che, nell’autunno del 2009, esordisce in edicola con il titolo “Greystorm”. Gilles Esposito è un giornalista e critico cinematografico francese. Dopo aver collaborato con testate prestigiose come “Sofa” e “La Lettre du cinéma” oggi lavora presso “Mad Movies”, magazine specializzato in cinema fantastico e di genere attivo fin dal 1972. Enzo G. Castellari, all’anagrafe Enzo Girolami, è un regista, sceneggiatore, attore, montatore e produttore cinematografico italiano. Considerato uno dei migliori registi italiani di film d’azione, si è cimentato con vari generi, dallo spaghettiwestern al poliziottesco, dal post-atomico all’avventuroso. Ha diretto film divenuti cult, come La polizia incrimina, la legge assolve, 1990: I Guerrieri del Bronx, Keoma, L’ultimo squalo e Quel maledetto treno blindato. Completati gli studi in Ingegneria, si dedica professionalmente alla fantascienza. Pubblica l’“Enciclopedia della fantascienza in TV”, vincitrice di due premi Italia. Fonda la società di produzione Serenity, con la quale realizza il programma Wonder Stories (Jimmy-SKY), che gli vale il terzo premio Italia. Lavora nell’home video occupandosi di centinaia di titoli, tra cui Ai confini della realtà, UFO e Spazio 1999. Dal 2005 è consulente di Sci Fi, emittente mondiale dedicata al fantastico. Andrea Magnani, produttore e responsabile dello sviluppo della Pilgrim Film, società che opera nell’ambito della produzione e della distribuzione di film di genere e di documentari, ha una lunga esperienza come sceneggiatore. Nel 2002 ha vinto il Premio Solinas con il soggetto La lunga corsa e il suo cortometraggio The Screenwriter è stato selezionato per il Berlinale Talent Campus. Bruce Sterling is the author of eleven novels, three of which were selected as “New York Times” Notable Books of the Year. “The Difference Engine”, co-written with William Gibson, was a national bestseller. He has also published four short-story collections and four nonfiction books. He has written for many magazines, including “Time”, “Newsweek”, “Fortune”, “Technology Review”, and “Wired”, where he has been a contributing editor since its inception. Sterling lives in Austin, Texas. Antonio Serra is an Italian comic designer. He starts moving his first steps in the publishing world in the late seventies. In 1982 he meets Michele Medda and Bepi Vigna with whom he creates for Sergio Bonelli Editore some scripts for “Martin Mystery” and “Dylan Dog” and prepares the draft for “Nathan Never” and “Legs Weaver.” Since 2005, along with Gianmauro Cozzi, he has been working on the project that, in the fall 2009, will debut on the newsstands with the title “Greystorm. 14 méliès concorso/competition Gilles Esposito is a Franch journalist and film critic. After collaborating with prestigious magazines such as “Sofa” and “La Lettre du cinéma”, today he works for “Mad Movies”, a magazine focusing on fantastic and genre films, founded in 1972. Enzo G. Castellari, born Enzo Girolami, is a director, screenwriter, actor, editor and Italian film producer. Considered one of the best Italian directors of action movies, he has experimented various genres, from spaghetti westerns to Poliziotteschi, from post-nuclear to adventure. He directed films become cult, High Crime, 1990: The Bronx Warriors, Keoma, The great white, The Inglorious Bastards. After completing his studies in Engineering, he devotes professionally to science fiction. Publishes the “Encyclopedia of science fiction on TV”, winner of two “Italia prizes”. He founds the production company Serenity, and one of his first projects is the TV program Wonder Stories (Jimmy-SKY), which earns him the third “Italia prize”. He now works with home videos dealing with hundreds of titles, including The Twilight Zone, UFO and Space 1999. In 2005 he became consultant of the Sci Fi, international TV channel dedicated to the fantastic and science fiction. 15 Andrea Magnani works as a producer and head of development with his company, Pilgrim Film, a production and distribution company specialized in genre movies and documentaries. He has a long time experience as a scriptwriter. In 2002 his treatment for a feature film, La lunga corsa, has been awarded with the Solinas prize. His short film The Screenwriter has been selected for the Berlinale Talent Campus. Science+Fiction festival della fantascienza neon _ concorso ufficiale concorso méliès neon concorso/competition + méliès concorso/competition 1 Pater Sparrow (Zoltán Verebes) è nato a Budapest nel 1978. Diplomato alla London Film School, si è poi specializzato in production design ed è regista di numerosi corti. 1 è il suo debutto cinematografico che gli è valso numerosi premi all’Hungarian Film Week. Regia/Direction Pater Sparrow Pater Sparrow (Zoltán Verebes) born 1978 in Budapest. A London Film School graduate, he specialized in production design and is the director of several short films. He debuted in cinema with 1, winner of several awards at the Hungarian Film Week. Ungheria, 2009, colore, 35 mm, 90’ Sceneggiatura/Screenplay Judit Góczán, Pater Sparrow Director of photography Máté Tóth Widamon Montaggio/Editing Wanda Kiss Musiche/Music Dom with Spaso, Szesztay Dávid Interpreti/Cast Zoltán Mucsi, László Sinkó, Vica Kerekes, Pál Mácsai, Krzysztof Rogacewicz Produttore/Producer Zoltán Kamondi Distribuzione/Distribution Magyar Filmunió Sito ufficiale/Official site www.1film.hu Al termine di un’altra giornata di lavoro in una libreria rinomata per la sua vasta scelta di titoli rari, si presenta un misterioso cliente dicendo di aver viaggiato in lungo e in largo alla ricerca di un libro e di aver sognato di trovarlo in questa libreria. In seguito a questo strano episodio si scopre che nel magazzino tutti i libri sono stati sostituiti da migliaia di copie di uno stesso volume che non ha autore né editore, ma un semplice “1” come titolo. At the end of another working day in a bookshop renowned for its vast collection of rare works, a mysterious customer suddenly appears, claiming to have travelled the globe in search of a book that he dreamt of being in this shop. In the storeroom they discover that all the books have been replaced by thousands of copies: they have all been replaced by a book with no author and no publisher that carries the simple title “1”. 19 neon concorso/competition 2033 neon Messico, 2009, colore, super 35 mm, 90’ Francisco Laresgoiti è un ingegnere civile, e ha studiato cinema alla New York University. Meglio noto come “Chisco”, ha diretto più di venti spot pubblicitari e due cortometraggi, oltre ad aver creato video sperimentali e prodotto un documentario. 2033 è il suo primo lungometraggio. Francisco Laresgoiti is a civil engineer and studied cinematography at NYU in New York. Better known as “Chisco”, he has directed more than 20 commercials, 2 shortcuts, and elaborated experimental videos, as well as having produced a documentary. 2033 is his first feature film. Regia/Direction Francisco Laresgoiti Sceneggiatura/Screenplay Jordi Mariscal Fotografia/Cinematography Luís Sansans Montaggio/Editing Pedro G. García, Carlos Puente Musiche/Music Daniel Hidalgo, Tomás Barreiro [20-seiki shônen: Honkaku kagaku bôken eiga] Giappone, 2008, colore, 35 mm, 142’ Interpreti/Cast Claudio Lafarga, Sandra Echeverría, Raúl Méndez, Marco Treviño, Luis Ernesto Franco Produttore/Producer Yvette Gurza Distribuzione/Distribution La Casa de Cine Sito ufficiale/Official site www.2033.com. Corre l’anno 2033 a Città del Messico, ora chiamata Villaparaíso. La società è controllata da un governo militare, che ne ha soffocato la fede religiosa e la libertà d’espressione. Pablo, giovane economista, abbandona la propria esistenza da privilegiato per dedicarsi all’aiuto dei bisognosi e abbattere il sistema, che controlla la gente attraverso la “Pactia”, una bevanda mescolata a droghe. Combatte assieme ai “credenti” per ribaltare il regime. Sulla sua strada incontra Lucia, che diventa per lui una ragione di vita. It is the year 2033 in Mexico City, now called Villaparaíso. A military government controls the society, taking from it its religious faith and freedom of expression. Pablo, a young financial, and a “hidden” priest, leaves his privileged life in order to aid the helpless and destroy this system, which controls the people through an addictive drink called “Pactia.” He fights alongside the “believers’ to bring down the regime. Along the way, he meets Lucía, who gives him a reason to live. 20 20th Century Boys: Beginning of the End Yukihiko Tsutsumi debutta nel 1980 e si trasferisce negli USA, dove gira numerosi videoclip, tra cui Homeless, con Yoko Ono. Nel 1994 diventa membro della Office Crescendo production company. Nella sua filmografia si ricordano Crying Out Love... (2004) e Memories of Tomorrow (2006). Yukihiko Tsutsumi debuted in 1980 and moved to the USA where he made several video clips, among them Homeless with Yoko Ono. In 1994 he went on to become a part of the Office Crescendo production company. Select movies: Crying Out Love... (2004) and Memories of Tomorrow (2006). Regia/Direction Yukihiko Tsutsumi Interpreti/Cast Toshiaki Karasawa, Etsushi Toyokawa, Takako Tokiwa Sceneggiatura/Screenplay Yasushi Fukuda Produttore/Producer Nobuyuki Iinuma Fotografia/Cinematography Satoru Karasawa Distribuzione/Distribution Nippon Television Network Corporation (NTV) Montaggio/Editing Nobuyuki Ito Sito ufficiale/Official site www.20thboys.com Musiche/Music Ryomei Shirai La storia ruota attorno a un “Libro delle Profezie”, scritto da Kenji e i suoi amici. Da bambini sognavano un eroe che avrebbe affrontato un’organizzazione creata per distruggere il mondo. Trent’anni dopo, si abbattono sul una serie di catastrofi analoghe a quelle descritte nel libro, minacciando la stessa sopravvivenza del pianeta. The story will revolve around a “Book of Revelations” written by the boy Kenji and his friends, who dreamed of a hero who would stand up to an evil organization bent on destroying the world. Thirty years later, in Japan, a series of catastrophes occur exactly as they were described in the book, setting the world off on the path to extinction. 21 neon 20th Century Boys: Chapter Two–The Last Hope neon [20-seiki shônen: Dai 2 shô-Saigo no kibô] Giappone, 2009, colore, 35 mm, 139’ Yukihiko Tsutsumi debutta nel 1980 e si trasferisce negli USA, dove gira numerosi videoclip, tra cui Homeless, con Yoko Ono. Nel 1994 diventa membro della Office Crescendo production company. Nella sua filmografia si ricordano Crying Out Love... (2004) e Memories of Tomorrow (2006). Yukihiko Tsutsumi debuted in 1980 and moved to the USA where he made several video clips, among them Homeless with Yoko Ono. In 1994 he went on to become a part of the Office Crescendo production company. Select movies: Crying Out Love... (2004) and Memories of Tomorrow (2006). Regia/Direction Yukihiko Tsutsumi Sceneggiatura/Screenplay Yasushi Fukuda Fotografia/Cinematography Satoru Karasawa Montaggio/Editing Nobuyuki Ito Musiche/Music Ryomei Shirai Interpreti/Cast Toshiaki Karasawa, Etsushi Toyokawa, Takako Tokiwa, Muneyoshi Abiko, Hirofumi Araki Produttore/Producer Nobuyuki Iinuma Distribuzione/Distribution Nippon Television Network Corporation (NTV) Sito ufficiale/Official site www.20thboys.com È il 2015, 15 anni dopo che il mondo è stato quasi completamente distrutto. La gente adesso crede che Kenji e i suoi amici fossero dei terroristi satanici e Friend, il misterioso leader, è venerato come il salvatore del mondo. It is 2015, 15 years after the world is nearly destroyed. People now believe that Kenji and his friends were satanic terrorists and Friend, the mysterious cult leader, is worshipped as the savior of the world. 22 20th Century Boys: Chapter Three - Redemption [20-seiki shônen: Saishû-shô - Bokura no hata] Giappone, 2009, colore, 35 mm, 155’ Yukihiko Tsutsumi debutta nel 1980 e si trasferisce negli USA, dove gira numerosi videoclip, tra cui Homeless, con Yoko Ono. Nel 1994 diventa membro della Office Crescendo production company. Nella sua filmografia si ricordano Crying Out Love... (2004) e Memories of Tomorrow (2006). Yukihiko Tsutsumi debuted in 1980 and moved to the USA where he made several video clips, among them Homeless with Yoko Ono. In 1994 he went on to become a part of the Office Crescendo production company. Select movies: Crying Out Love... (2004) and Memories of Tomorrow (2006). Regia/Direction Yukihiko Tsutsumi Interpreti/Cast Toshiaki Karasawa, Etsushi Toyokawa, Takako Tokiwa Sceneggiatura/Screenplay Yasushi Fukuda Produttore/Producer Nobuyuki Iinuma Fotografia/Cinematography Satoru Karasawa Distribuzione/Distribution Nippon Television Network Corporation (NTV) Montaggio/Editing Nobuyuki Ito Sito ufficiale/Official site www.20thboys.com Musiche/Music Ryomei Shirai A.D. 2017, terzo anno dell’era Friend, il presidente Friend domina l’umanità. Dopo che Tokyo è stata devastata da un virus mortale, la città viene circondata da un muro e gli abitanti sono costretti a vivere sotto stretto controllo. Friend annuncia che in agosto, gli alieni distruggeranno l’umanità e solo coloro che crederanno in lui si salveranno... ma è in atto un piano per fermare Friend. It is Friend Era Year 3, 2017 A.D., and World President Friend rules humanity. After a deadly virus ravages Tokyo, a wall is built around the city and inhabitants’ lives have been severely restricted. Friend tells everyone that on August, aliens will destroy mankind and only those who believe in him will be saved... but a movement to stop Friend is in motion. 23 neon The Age of Stupid Regno Unito, 2009, colore, HD, 92’ Franny Armstrong racconta nel suo primo documentario, McLibel (2005), la storia dell’infame processo McDonald’s. Il suo secondo documentario, Drowned Out (2002), segue un famiglia indiana che sceglie di restare nella propria casa e affogare piuttosto che lasciare il passo alla diga Namada. Regia/Direction Franny Armstrong Interpreti/Cast Pete Postlethwaite Sceneggiatura/Screenplay Franny Armstrong Produttore/Producer Lizzie Gillett Fotografia/Cinematography Lawrence Gardner Distribuzione/Distribution Celluloid Dreams Montaggio/Editing David G Hill Sito ufficiale/Official site www.ageofstupid.net Franny Armstrong’s first documentary, McLibel (2005), told the inside story of the infamous McDonald’s libel trial. Franny’s second feature doc, Drowned Out (2002), followed an Indian family who chose to stay at home and drown rather than make way for the Narmada Dam. Musiche/Music Chris Brierley Il candidato all’Oscar Pete Postlethwaite interpreta un uomo che vive da solo nel 2055 in un mondo devastato e che, riguardando alcuni filmati d’archivio datati 2007, non riesce a fare a meno di chiedersi: “perché non abbiamo fermato i cambiamenti climatici quando ne avevamo l’opportunità?” Oscar-nominated Pete Postlethwaite stars as a man living alone in the devasted world of 2055, looking back at “archive” footage from 2007 and asking: why didn’t we stop climate change when we had the chance? neon méliès concorso/competition Amer Hélène Cattet e Bruno Forzani, nati nel 1976, si incontrano a Bruxelles dove co-dirigono e producono corti che finanziano di tasca propria. Tra i loro film ricordiamo Chambre Jaune (2002) e Santos Palace (2006). Amer è il loro primo lungometraggio. Regia/Direction Hélène Cattet, Bruno Forzani Hélène Cattet and Bruno Forzani, born in 1976, met in Brussels where they co-directed and produced short films that they paid for out of their own pockets. Select filmography: Chambre Jaune (2002) and Santos Palace (2006). Amer is their first feature film. Francia/Belgio, 2009, colore, 35 mm, 90’ Sceneggiatura/Screenplay Hélène Cattet, Bruno Forzani Fotografia/Cinematography Manu Dacosse Montaggio/Editing Bernard Beets Produttore/Producer Eve Commenge, François Cognard Distribuzione/Distribution Coach14 Sito ufficiale/Official site www.anonymesfilms.be/film_amer.html Tre momenti chiave, tutti e tre sensuali, scandiscono la vita di Ana. La sua ricerca carnale oscilla tra realtà e variopinte fantasie... diventando sempre più opprimente. Una mano velata di nero le impedisce di urlare. Il vento le alza il vestito e le accarezza le gambe. La lama di un rasoio le sfiora la pelle: dove la porterà questo viaggio caotico e carnivoro? Three key moments, all of them sensual, define Ana`s life. Her carnal search sways between reality and colored fantasies... becoming more and more oppressive. A black laced hand prevents her from screaming. The wind lifts her dress and caresses her thighs. A razor blade brushes her skin: where will this chaotic and carnivorous journey leave her? In collaborazione con ARPA FVG 24 Interpreti/Cast Bianca Maria D`Amato, Marie Bos, Charlotte Eugène Guibeaud, Cassandra Forêt 25 neon méliès concorso/competition Banlieue 13–Ultimatum Patrick Alessandrin, nato nel 1965, è un regista, sceneggiatore e attore francese. Ha scritto e diretto tre film fra cui si ricordano Ainsi soient-elles, 15 août, Mauvais esprit. Ha inoltre diretto il film TV L’aventure du Grand Bleu. Regia/Direction Patrick Alessandrin Patrick Alessandrin, born on 1965, is a french director, screenwriter and actor. He wrote and directed three movies: Ainsi soient-elles, 15 août, Mauvais esprit. He also dirested the TVmovie L’aventure du Grand Bleu. neon concorso/competition Francia, 2009, colore, 35 mm, 101’ Sceneggiatura/Screenplay Luc Besson Fotografia/Cinematography Jean-François Hensgens Montaggio/Editing Julien Rey Musiche/Music Da Octopusss, Trak Invaders Usa, 2009, colore, 35 mm, 84’ Interpreti/Cast David Belle, Cyril Raffaelli, Philippe Torreton, Daniel Duval, Elodie Yung Produttore/Producer Luc Besson Distribuzione/Distribution Europa corp Sito ufficiale/Official site www.b13ultimatum-lefilm.com Banlieue 13 due anni più tardi. Il governo è cambiato. L’isolamento si è esteso intorno alle aree diventate dei veri e propri ghetti, dove ormai la criminalità prolifera. Il traffico di droga è diviso tra cinque etnie, ognuna delle quali controlla un quartiere. Damien, esperto di arti marziali, e Leito, profondo conoscitore delle banlieue, si uniscono per combattere il caos imperante nella città. District 13, two years later. The government’s changed, but nothing else has. Isolation expanded around areas turned into ghettoes, where gangs proliferate. Five ethnic neighbourhoods share out the spoils of all kinds of illegal trade. Damien, a martial arts expert, and Leito, who can slip unnoticed into the seediest corners of the district, team up once more to save the district from chaos. 26 Carriers Àlex e David Pastor sono entrambi nati a Barcellona. Àlex Pastor ha studiato all’ESCAC, specializzandosi in sceneggiatura. Il suo corto La ruta natural (2004) ha riscosso molto successo in numerosi festival. Nel 2006 ha girato il suo secondo corto, Peacemaker. David Pastor ha studiato cinema negli Stati Uniti e ha debuttato con il corto Movie (Theater) Hero (2002). Carriers è il loro primo lungometraggio. Àlex and David Pastor Born in Barcelona. Àlex studied at the ESCAC, specializing in screenwriting. His short, La ruta natural (2004) was highly successful at many festivals. In 2006 he shot his second short, Peacemaker. David studied film in the United States and debuted with the short Movie (Theater) Hero (2002). Carriers is their first feature film. Regia/Direction Àlex Pastor, David Pastor Sceneggiatura/Screenplay Àlex Pastor, David Pastor Fotografia/Cinematography Benoît Debie Montaggio/Editing Craig McKay Musiche/Music Peter Nashel Interpreti/Cast Lou Taylor Pucci, Chris Pine, Piper Perabo, Emily VanCamp, Chris Meloni Produttore/Producer Anthony Bregman, Ray Angelic Distribuzione/Distribution Paramount Vantage Sito ufficiale/Official site www.carriersmovie.com Quattro ragazzi cercano di sopravvivere alla fine del mondo... e a loro stessi. Nessuno è al sicuro dalla pandemia virale che minaccia di spazzar via l’intera umanità. I quattro amici attraversano in macchina gli Stati Uniti in direzione sud per mettersi al sicuro, ma si trovano a fare i conti con scelte morali che nessuno dovrebbe mai essere costretto ad affrontare. Scopriranno che il loro più grande nemico non è il virus che sta attaccando l’umanità, ma le tenebre all’interno di loro stessi. Four kids are trying to outrun the end of the world – and each other. No one is safe from the viral pandemic threatening to wipe out the human race. The four friends speed across the Southwestern U.S. to reach a place of safety while facing moral decisions no human should ever be forced to face. They discover that their greatest enemy is not the microbe attacking humanity, but the darkness within themselves. 27 neon méliès concorso/competition The Children Tom Shankland è un regista, attore e sceneggiatore inglese. È stato candidato a due BAFTA per i corti Bait (1999) e Going Down (2000). Regia/Direction Tom Shankland Tom Shankland is an English director, actor and screenwriter. He earned two BAFTA nominations for the shorts Bait (1999) and Going Down (2000). neon concorso/competition Regno Unito, 2008, colore, 35 mm, 84’ Sceneggiatura/Screenplay Tom Shankland Fotografia/Cinematography Nanu Segal Montaggio/Editing Tim Murrell Musiche/Music James Richardson The Clone Returns Home [Kurôn wa kokyô o mezasu] Giappone, 2008, colore, 35 mm, 110’ Interpreti/Cast Eva Birthistle, Stephen Campbell Moore, Jeremy Sheffield, Rachel Shelley, Hannah Tointon Produttore/Producer Allan Niblo Distribuzione/Distribution Vertigo Films Sito ufficiale/Official site www.thechildrenmovie.com Vacanze di Natale. Quella che comincia come una tranquilla festa a casa di due famiglie che si uniscono per celebrare le festività si trasforma gradualmente in una terrificante lotta per la sopravvivenza, man mano che i bambini si ammalano uno dopo l’altro e si ribellano ai propri genitori, con conseguenze sempre più inquietanti. Christmas holidays. A relaxing home party for two families gathered together to celebrate the festive season gradually turns into a horrifying fight for survival as their children mysteriously fall ill one by one and begin to turn against their parents with increasingly disturbing consequences. Kanjii Nakajima è regista, scrittore, fotografo e musicista. Il suo primo lungometraggio Fe (1994) ha vinto numerosi premi in vari festival internazionali e il suo secondo film The Box (2002) si è aggiudicato una menzione speciale al Torino Film Festival nel 2002. Kanji Nakajima is director, writer, cinematographer, and musician. His first feature, Fe (1994), won numerous awards at film festivals worldwide, and his second film, The Box (2002) won a special mention at the 2002 Torino Film Festival. Regia/Direction Kanji Nakajima Sceneggiatura/Screenplay Kanji Nakajima Fotografia/Cinematography Hideho Urata Montaggio/Editing Ken Mimeta Musiche/Music Yûta Yamashita Produttore/Producer Wim Wenders Distribuzione/Distribution Gold View Co. Ltd. Sito ufficiale/Official site http://clone-homeland.com Kohei, un giovane astronauta, decide di partecipare ad un programma sperimentale di clonazione che dovrà “rigenerare” il suo corpo e la sua memoria qualora egli morisse. Quando Kohei rimane ucciso in una missione spaziale gli scienziati sono quindi in grado rigenerare il suo clone. La sua memoria però regredisce fino all’infanzia di Kohei e fino alla morte accidentale del fratello gemello. Kohei, a young astronaut, agrees to participate in an experimental cloning program that will “regenerate” his body and memory should he die. So when he’s killed during a space mission, scientists are able to regenerate his clone. But problems occur with its memory, which regresses to Kohei’s youth and the accidental death of his twin brother. Evento London FrightFest 28 Interpreti/Cast Mitsuhiro Oikawa, Eri Ishida, Hiromi Nagasaku, Kyusaku Shimada, Toru Shinagawa 29 neon concorso/competition First Squad–The Moment of Truth neon [Faasuto Sukuwaddo] Russia/Giappone/Canada, 2009, colore, 35 mm, 73’ Animazione/animation Yoshiharu Ashino ha lavorato in numerose produzioni d’animazione ed è membro del team artistico dello Studio 4°C. Ha debuttato come regista con la serie Tweeny Witches (2004). Aljosha Klimov studia arti visive a Monaco, per poi lavorare come graphic designer. First Squad è il loro primo film insieme. Misha Shprits compie dapprima studi di architettura, poi si orienta verso le arti visive. Yoshiharu Ashino has worked on numerous animation productions and is a member of the team of artists at Studio 4 °C. He debuted as a filmmaker with the series Tweeny Witches (2004). Aljosha Klimov studied visual arts in Munich and subsequently worked as a graphic designer. First Squad is their first movie together. Misha Shprits first studied architecture and then turned to the visual arts. Regia/Direction Yoshiharu Ashino, Misha Shprits, Aljosha Klimov Musiche/Music Dj Krush Sceneggiatura/Screenplay Hirofumi Nakata, Misha Spirits, Aljosha Klimov Produttore/Producer Eiko Tanaka, Misha Spirits, Aljosha Klimov Fotografia/Cinematography Sergey Akimov, João Da Costa Pinto, Kumiko Sakamoto Distribuzione/Distribution Golden Network Asia Limited Montaggio/Editing Sergey Akimov, João Da Costa Pinto, Kumiko Sakamoto Sito ufficiale/Official site www.first-squad.com È l’anno 1942. L’Armata Rossa mette in campo una violenta resistenza contro gli invasori tedeschi. Nadya, una ragazzina chiaroveggente di quattordici anni, si trova in stato di shock in seguito ad un raid aereo. Durante la convalescenza scopre di avere un nuovo dono: prevedere il “Momento della Verità”, il punto cruciale verso cui tutte le forze convergono, ovvero il momento esatto in cui le azioni di una singola persona possono decidere l’esito della battaglia. Goemon Giappone, 2009, colore, 35 mm, 128’ Kazuaki Kiriya è nato nel 1968 nella prefettura di Kumamoto (Giappone). Fotografo, sceneggiatore e regista, Kiriya ha realizzato numerosi video musicali e nel 2004 ha diretto Casshern, stilizzato film di debutto che rivela la sua passione per gli effetti visivi. Goemon è il suo secondo lungometraggio. Regia/Direction Kazuaki Kiriya Kazuaki Kiriya, born 1968 in Kumamoto prefecture (Japan). Photographer, screenwriter and filmmaker, he has created numerous music videos and in 2004 he directed Casshern a stylized debut movie that revealed his passion for visual effects. Goemon is his second feature film. Musiche/Music Akihiko Matsumoto Sceneggiatura/Screenplay Kazuaki Kiriya Fotografia/Cinematography Kazuaki Kiriya Montaggio/Editing Kazuaki Kiriya Interpreti/Cast Yôsuke Eguchi, Takao Osawa, Ryoko Hirosue, Jun Kaname, Gori Produttore/Producer Takashige Ichise, Kazuaki Kiriya Distribuzione/Distribution Wild Bunch Sito ufficiale/Official site wwws.warnerbros.co.jp/goemon Nel 1582 Oda Nobunaga è sul punto di conquistare l’intero Giappone, ma viene costretto dal generale Akechi Mitsuhide a suicidarsi al Tempio Honno-ji. Toyotomi Hideyoshi, primo generale di Nobunaga, uccide Akechi pochi giorni dopo e realizza il sogno di Nobunaga di unificare il Giappone sotto un unico governo. Il mondo viene pacificato, ma presto il bandito ninja Ishikawa Goemon appare all’improvviso utilizzando i suoi poteri sovrumani per rubare ai ricchi e dare ai poveri. It is 1942. The Red Army is putting up a violent and effective resistance against the German invaders. 14-year-old Nadya is a clairvoyant. In a deadly air raid, the girl is shell-shocked. Recovering from her concussion, Nadya discovers a new gift –the ability to foresee the “Moments of Truth”– the most critical moments of future combat encounters, the very points at which a single person’s actions can decide the outcome of a battle. In 1582 Oda Nobunaga was on the verge of conquering all of Japan, but was forced to commit suicide at Honno-ji Temple by one of his generals, Akechi Mitsuhide. Toyotomi Hideyoshi, Nobunaga’s top general, overthrew Akechi a few days later and completed Nobunaga’s dream of unifying Japan under one ruler. The world was at peace for a time, but soon a ninja bandit named Ishikawa Goemon appeared, using his super-human abilities to steal from the rich and give to the poor. 30 31 neon concorso/competition Infestation Usa, 2009, colore, 35 mm, 93’ Kyle Rankin è un regista di Portland, Maine, USA. Vive a Los Angeles e lavora con la Newborn Pictures. Ha co-diretto The Battle of Shaker Heights nella seconda stagione del Project Greenlight della HBO. Kyle Rankin is a filmmaker from Portland, Maine, USA. He is based in Los Angeles working with Newborn Pictures. He co-directed The Battle of Shaker Heights through the second season of HBO’s Project Greenlight. Regia/Direction Kyle Rankin Sceneggiatura/Screenplay Kyle Rankin Fotografia/Cinematography Ivo Peitchev Montaggio/Editing Larry Ferguson Jr. Musiche/Music Steven Gutheinz Interpreti/Cast Diane Gaeta, Deborah Geffner, VJ Kewl, Chris Marquette, Bru Muller Produttore/Producer Bruce Davey Distribuzione/Distribution Icon Film Distribution Sito ufficiale/Official site www.iconmovies.net/infestation Cooper si sveglia e si sente debole, con un senso di nausea e ricoperto di ragnatele, appeso al soffitto di un ufficio nel quale, fino a qualche momento prima, aveva iniziato il suo nuovo lavoro. Mentre tenta di liberarsi dalla sua viscida prigione si ritrova faccia a faccia con il suo avversario: un insetto grottesco, forte e molto arrabbiato. Cooper awakes to find himself nauseous, weak and covered in webbing, hanging from the ceiling of an office where, just minutes ago, he started his new job. As he struggles out of his slimy prison he comes face to face with his opponent - a grotesque, powerful and very angry bug. 32 neon concorso/competition + méliès concorso/competition Metropia Tarik Saleh, insieme a Erik Gandini, ha diretto numerosi documentari premiati con l’Oscar, tra cui GITMO - Le nuove regole della guerra (2005), miglior documentario al Film Festival di Seattle e Premio Speciale della Giuria al Film Festival di Miami, e Sacrificio – Chi ha tradito Che Guevara? (2001), vincitore del primo premio al Festival Internazionale di Cuba. Regia/Direction Tarik Saleh Musiche/Music Krister Linder Sceneggiatura/Screenplay Stig Larsson Interpreti/Cast (voice) Vincent Gallo, Juliette Lewis, Alexander Skarsgård, Stellan Skarsgård, Udo Kier Tarik Saleh has, together with Erik Gandini, directed several award-winning documentaries including GITMO – New Rules of War (2005), best documentary at the Seattle Film Festival and Special Grand Jury Mention at Miami Film Festival, and Sacrificio – Who betrayed Che Guevara? (2001), first prize in International Film Festivals in Cuba. Svezia, 2009, colore, 35 mm, 80’ Animazione/Animation Animation Director Christian Ryltenius Director of photography Sesse Lind Montaggio/Editing Johan Söderberg Produttore/Producer Kristina Åberg Distribuzione/Distribution Trust Nordisk Sito ufficiale/Official site www.metropiathemovie.com In un futuro prossimo le riserve di petrolio nel mondo sono agli sgoccioli e l’Europa è adesso collegata da una gigantesca rete metropolitana. Roger è un ragazzo di Stoccolma ed ogni volta che entra nel sistema metropolitano sente una strana voce nella sua testa. Cercherà di avvicinare la misteriosa Nina per trovare aiuto a fuggire dalla perturbante rete della Metro. Il loro viaggio è destinato a proseguire fino ad essere coinvolti in un’oscura cospirazione. In a not-so-distant future the world is running out of oil and the underground train systems have been connected into a gigantic subway network beneath Europe. Whenever Roger from Stockholm enters this system he hears a stranger’s voice in his head. He looks to the mysterious Nina to help him escape the disturbing web of the Metro, but the further they travel, the deeper he’s involved in a dark conspiracy. 33 neon concorso/competition Salvage neon Regno Unito, 2009, colore, HD, 80’ Lawrence Gough ha diretto vari corti in passato, vincendo premi tra cui il Best in the Northwest e il Best Drama della Cornerhouse Cinema. Ha tenuto classi di regia alle università di Liverpool e di Manchester. Lawrence Gough has previously directed various short films, winning awards including Best in the Northwest and Best Drama from Cornerhouse Cinema. He has taught filmmaking courses at both Liverpool and Manchester Universities. Regia/Direction Lawrence Gough Sceneggiatura/Screenplay Colin O’Donnell Fotografia/Cinematography Simon Tindall Montaggio/Editing Anthony Ham Musiche/Music Stephen Hilton Italia, 2009, colore, 35 mm, 90’ Interpreti/Cast Neve McIntosh, Shaun Dooley, Linzey Cocker, Dean Andrews, Paul Opacic Produttore/Producer Julie Lau Distribuzione/Distribution Jinga Films Sito ufficiale/Official website www.salvagethefilm.com Quando un container si arena sulla spiaggia, il suo carico mortale esce e semina distruzione in un quartiere di periferia. Si tratta di un attacco terroristico o di qualcosa di ancora più sinistro? Mentre l’esercito ordina la quarantena, una madre deve salvare ad ogni costo sua figlia. When a shipping container washes ashore, its deadly cargo escapes to wreak havoc on a suburban neighborhood. Is this a terrorist attack or something more sinister? As the military enforce a quarantine, a mother must overcome all the odds to save her estranged daughter. Federico Zampaglione, leader dei Tiromancino, prosegue con successo la sua attivita’ di regista con l’horror epidermico Shadow, che arriva a due anni dal suo debutto cinematografico con Nero Bifamiliare. Il film sta già facendo molto parlare di sé tra gli appassionati di horror nel mondo ed e’ interpretato da un cast internazionale. L’uscita nelle sale italiane è prevista nel 2010. Frederick Zampagliene, leader of Tiromancino, successfully pursues his activity as filmmaker with his new “epidermal” horror pic Shadow, performing two years after his film debut with the Black family house. The film is already much talked about among horror fans and sees and array of international actors. Italian theatrical release is scheduled for 2010. Premio Nocturno nuove visioni 2009 34 Shadow Regia/Direction Federico Zampaglione Sceneggiatura/Screenplay Federico Zampaglione Fotografia/Cinematography Bassano Marco Montaggio/Editing Eric Strand Musiche/Music Federico Zampaglione Interpreti/Cast Jake Muxworthy, Karina Testa, Chris Coppola, Emilio De Marchi, Nuot Arquint Produttore/Producer Massimo Ferrero Distribuzione/Distribution Blu Cinematografica Sito ufficiale/Official site www.shadowfilm.net David, un giovane soldato ritornato dall’Iraq, decide di partire per un avventuroso viaggio in bicicletta sulle montagne per dimenticare il suo passato di guerra. Incontra Angelina, una giovane graziosa e misteriosa, e insieme decidono di esplorare i boschi in cui si trovano. Venuto a conoscenza di una leggenda locale, David sarà costretto ad affrontare paure ancora più devastanti di quelle provate durante la guerra, per scoprire infine che la realtà può essere ancora più perversa del peggior incubo. David, a young soldier returning from a tour of duty in Iraq, decides to go on a mountain biking adventure in Europe to forget his battle-weary past. In the woods he meets pretty young stranger Angeline and they team up to explore the picturesque surrounding area. Soon they learn of a mystifying local myth... a legend that will force David to face more shattering fears than he did during wartime. To discover that reality is sicker than any nightmare. 35 neon concorso/competition TiMER Usa, 2009, colore, HD, 99’ Jac Schaeffer si è fatta conoscere nel mondo cinematografico con il suo corto Ava Elderberry (2003) e con la produzione del documentario Foster Stories (2003). Come scrittrice si è occupata di letteratura d’evasione. Jac Schaeffer made a reputation for herself in the movie world with the short film Ava Elderberry (2003) and producing the documentary Foster Stories (2003). As a writer she has contributed to several comedy books. Regia/Direction Jac Schaeffer Sceneggiatura/Screenplay Jac Schaeffer Fotografia/Cinematography Harris Charalambous Montaggio/Editing Peter Samet Musiche/Music Andrew Kaiser Interpreti/Cast Emma Caulfield, Michelle Borth, John Patrick Amedori, Desmond Harrington, Kali Rocha Produttore/Producer Rikki Jarrett, Jac Schaeffer, Jennifer Glynn Distribuzione/Distribution Truckbeef LLC Sito ufficiale/Official site www.timerthemovie.com E se un orologio indicasse quanto tempo manca all’incontro con la propria anima gemella? In una versione alternativa di una moderna Los Angeles un apparecchio rivoluzionario chiamato TiMER realizza questo sogno. Con un piccolo contributo d’installazione e un modesto canone mensile un TiMER verrà installato sul polso e indicherà con precisione i giorni, le ore, i minuti e i secondi che mancano al proprio appuntamento con il destino. Fantastico, vero? Non se ti chiami Oona O’Leary. neon méliès concorso/competition Valhalla Rising Nicolas Winding Refn, di origini danesi, ha scritto e diretto il suo primo lungometraggio Pusher (1996) all’età di 24 anni, seguito poi dallo stilizzatissimo Bleeder, vincitore del prestigioso Premio FIPRESCI al Film Festival di Sarajevo. La prima del suo terzo lungo, Fear X (2003) si è tenuta al Sundance. Regia/Direction Nicolas Winding Refn Nicolas Winding Refn, Danish-born, wrote and directed his first feature Pusher (1996) at the age of 24. It was followed by the highly stylized Bleeder, which won the prestigious FIPRESCI Prize at the Sarajevo Film Festival. His third feature, Fear X (2003), premiered at Sundance. Musiche/Music Peter Kyed, Peter Peter Danimarca, 2009, colore, 35 mm, 100’ Sceneggiatura/Screenplay Nicolas Winding Refn, Roy Jacobsen Fotografia/Cinematography Morten Søborg Montaggio/Editing Matthew Newman, Anne Østerud Interpreti/Cast Mads Mikkelson, Gary Lewis, Jamie Sives, Ewan Stewart, Alexander Morton Produttore/Producer Bo Ehrhardt Distribuzione/Distribution Wild Bunch Sito ufficiale/Official site www.ipsofactofilms.com/films/valhalla_rising.html A.D. 1000. One Eye, un guerriero muto dotato di una forza supernaturale, è tenuto prigioniero da molti anni dal capitano norvegese Barde. Grazie all’aiuto di Are, un giovane schiavo, uccide il suo carceriere e scappa insieme al ragazzo. Durante la fuga, i due si imbarcano su un vascello vichingo ma l’imbarcazione è presto inghiottita da una fitta nebbia che svanisce solo in prossimità di una terra sconosciuta. Mentre il nuovo mondo svela i suoi segreti e i Vichinghi affrontano il loro terribile destino, One Eye scopre il suo vero se stesso. What if a clock could count down to the moment you meet your soul mate? In this alternate version of present day Los Angeles, a revolutionary device called the TiMER fulfils this fantasy. For a reasonable installation fee and moderate monthly charges, a TiMER implanted in the wrist will accurately display the numbers of days, hours, minutes and seconds until the wearer’s date with destiny. Sounds awesome, right? Not if you’re Oona O’Leary. 1000 AD. For years, One Eye, a mute warrior of supernatural strength, has been held prisoner by the Norse chieftain Barde. Aided by Are, a boy slave, One Eye slays his captor and together he and Are escape, beginning a journey into the heart of darkness. On their flight, One Eye and Are board a Viking vessel but the ship is soon engulfed by an endless fog that disintegrates only as they sight an unknown land. As this new world reveals its secrets and the Vikings confront their terrible fate, One Eye discovers his true self. 36 37 neon concorso/competition Zone of the Dead [Zona mrtvih] Serbia, 2009, colore, 35 mm, 96’ Milan Konjevic e Milan Todorovic hanno studiato entrambi cinema e televisione alla Scuola di Arte Drammatica di Belgrado. Konjevic ha girato per la televisione, Todorovic ha realizzato numerosi corti come produttore. Zone of the Dead è il loro primo lungometraggio. Milan Konjevic and Milan Todorovic both studied cinema and television at Dramatic Art School in Belgrade. As a director, Konjevic directed for television. Todorovic has done several shorts and works as a producer. Zone of the Dead is the first feature film for both of them. Regia/Direction Milan Konjevic, Milan Todorovic Sceneggiatura/Screenplay Milan Konjevic Fotografia/Cinematography Steve Brooke Smith Montaggio/Editing Filip Dedic Musiche/Music Stefano Caprioli Interpreti/Cast Ken Foree, Kristina Klebe, Emilio Roso, Miodrag Krstovic, Vukota Brajovic Produttore/Producer Vukota Brajovic, Milan Todorovic, Loris Curci Distribuzione/Distribution Epic Pictures Group Sito ufficiale/Official site www.epic-pictures.com Quando una tossina biochimica infetta la città industriale di Pancevo, gli agenti Mortimer Reyes e Mina Milius dell’Interpol sono costretti a rivolgersi ad un pericoloso criminale se vogliono sopravvivere. When a biochemical toxin infects the industrial town of Pancevo, Interpol agents Mortimer Reyes and Mina Milius have no choice but to turn to the help of a dangerous criminal if they want to survive. 38 european fantastic shorts 50 Years on the Moon Argentina , 2009, 23’ / fuori concorso Regia/Direction Mariano Santilli Sceneggiatura/Screenplay Mariano Santilli Fotografia/Cinematography Gabriela Chirife Montaggio/Editing Mariano Santilli Interpreti/Cast Roman Tsymbal, Mykola Dykky, Yana Solomajina, Agustin Sampayo Nazar per tutta la sua vita ha avuto uno speciale rapporto con la Luna. Nel 2010 quando ne inizia la colonizzazione Nazar vuole diventare un volontario ma viene scartato... Nazar, throughout his life, has had a special relationship with Moon. In 2010 when colonization of the moon begins Nazar volunteers to be a pioneer but is summarily rejected... Breed Cíclope Spagna, 2008, 20’ Spagna, 2009, 10’ Regia/Direction Antonio Trashorras Regia/Direction Carlos Morett Sceneggiatura/Screenplay Antonio Trashorras Sceneggiatura/Screenplay Carlos Morett Fotografia/Cinematography Unax Mendia Fotografia/Cinematography Rafa Roche Montaggio/Editing Jose Luis Romeu Montaggio/Editing J. Ignacio Garrido Musiche/Music Eugenio Mira Musiche/Music Omar M. Albores Interpreti/Cast Cristina Pons, Eduardo Espinilla, Joan Minguell, Monica Pérez, Ona Casamiquela Interpreti/Cast Iván Sánchez, Roberto Hoyas, Emilio Buale, Lucia Hoyos, Laura Sánchez Questa è una storia claustrofobica di degrado psicologico ed emotivo, una tragica immersione nella follia che ammicca al puro cinema horror. Un poliziotto soffre di orribili incubi e comincia a porsi dei dubbi sulla sua posizione nelle Forze di Polizia, il tutto a causa di uno sbaglio che rischia di perseguitarlo per il resto della sua vita. This is the story of a psychological and emotional degradation in a claustrophobic tone, a tragic immersion in the madness with some wink to the pure Horror Cinema. A Policeman suffers terrible nightmares, who begins to question his position in the Police Force, all due to a mistake that will probably haunt the rest of his life. Science+Fiction festival della fantascienza corti/shorts _ european fantastic shorts spazio italia 41 european fantastic shorts Danse Macabre Else H5N1 In Chambers Konvex Canada , 2009, 9’ / fuori concorso Francia, 2009, 16’ Italia, 2008, 20’ Norvegia, 2008, 10’ Svezia, 2009, 18’ Regia/Direction Pedro Pires Regia/Direction Thibault Emin Regia/Direction Roberto Defeo Regia/Direction Aleksander Leines Nordaas Regia/Direction Johan Lundh Sceneggiatura/Screenplay Pedro Pires Sceneggiatura/Screenplay Thibault Emin Sceneggiatura/Screenplay Roberto Defeo Sceneggiatura/Screenplay Aleksander Leines Nordaas Sceneggiatura/Screenplay Johan Lundh Fotografia/Cinematography Pedro Pires Fotografia/Cinematography Senda Bonnet Fotografia/Cinematography Daniele Baldacci Fotografia/Cinematography Trygve Hov Fotografia/Cinematography Aril Wretblad Montaggio/Editing Pedro Pires Montaggio/Editing Marie Dubois Montaggio/Editing Fabio Bianchini Montaggio/Editing Aleksander Leines Nordaas Montaggio/Editing Peter Wendin Interpreti/Cast Annebruce Falconer Musiche/Music Dominique Spagnolo Musiche/Music Andrea Bonini Musiche/Music Dreamscores Musiche/Music Adam Nordén Interpreti/Cast Caroline Breton Interpreti/Cast Eros Galbiati, Rocco Capri Chiumarulo, Francesca Di Bari, Christian Sagittario Interpreti/Cast Silije Reinåmo, Erlend Nervold, Morten Anderson, Jon Sigve Skard Interpreti/Cast Felix Herngren, Tuva-Lisa Rangstr Visual Effects Adrien Toupet Alfio vive con i suoi figli in una casa isolata sulle colline. Da un po’ di giorni però la TV e la radio non funzionano: decidono, quindi, di andare in città per scoprirne il motivo e fanno una scoperta terribile. Vivono tutti in questo buio e malandato corridoio d’albergo. Uomini pallidi, donne e bambini vengono messi insieme, vivi o morti, dallo staff vestito di rosso e verde. Non c’è scampo per ciò che sta arrivando. Un operaio non ha nessun interesse per la ragazza dei suoi sogni, finché non sviluppa una curiosa ciste, una ciste che sembra riprodursi... Nel pieno di una rivoluzione, due giovani operai cercano di reclamare le loro vite... Alfio lives with his children in an isolated house in the hills. For the last few days their telephone, TV and radio have not been working. They decide to head into town to find out why and make a terrible discovery. They’re all inhabitants in this dark and shabby hotel corridor. Pale men, women and children are being collected, dead or alive, by the red and greenclothed staff. There’s no escape for what’s coming. Per un lasso di tempo, anche se crediamo sia immobile, la carne senza vita reagisce, si muove e si contorce in un ultima danza macabre. Queste contrazioni sono soltanto dei movimenti imprevedibili oppure il riflesso delle numerose curve della vita passata? For a period of time, while we believe it to be perfectly still, lifeless flesh responds, stirs and contorts in a final macabre ballet. Are these spasms merely erratic motions or do they echo the chaotic twists and turns of a past life? A causa di un’assurda epidemia, la gente viene risucchiata nell’ambiente circostante, e una giovane coppia lotta per mantenere la loro identità mentre il mondo si mescola a loro. A bizarre epidemic has people absorbed into their surroundings, and one young couple fights to maintain their identities as the world blends around them. 42 A factory worker holds no interest for the girl of his dreams until he develops a curious cyst on his body, a cyst which seems to reproduce... 43 La Main des Maîtres Francia, 2008, 4’ Regia/Direction Clément Delatre, Looky Sceneggiatura/Screenplay Clément Delatre, Looky Montaggio/Editing Clément Delatre, Looky Musiche/Music Sébastien Renault In the middle of a revolution, two young workers try to claim their existences... european fantastic shorts Man Still Goes to the Moon Bosnia/Herzegovina, 2008, 12’ Regia/Direction Dragan Rokvic Sceneggiatura/Screenplay Dragan Rokvić Montaggio/Editing Mauvaise Error Phatos Plague The Room A Star Called Three Belgio, 2009, 6’ Italia, 2009, 15’ / fuori concorso Regno Unito, 2009, 17’ Germania, 2009, 13’ Serbia, 2009, 19’ Regia/Direction Xavier Hibon Regia/Direction Dennis Cabella, Marcello Ercole, Fabio Prati Regia/Direction Matt Simpson, Joseph Avery Regia/Direction Nik Sentenza Regia/Direction Nebojša Nenadić Sceneggiatura/Screenplay Xavier Hibon Sceneggiatura/Screenplay Dennis Cabella, Marcello Ercole, Fabio Prati Sceneggiatura/Screenplay Matt Simpson Sceneggiatura/Screenplay Nik Sentenza Sceneggiatura/Screenplay Nebojša Nenadić Fotografia/Cinematography Pierre Gordower Interpreti/Cast Fabio Prati, Grant Mountjoy, Daniele Gatti, Silvia Quarantini, Giorgio Viaro Fotografia/Cinematography Matt Simpson Fotografia/Cinematography Piotr Gregorowicz Montaggio/Editing Feđa Hadžić Montaggio/Editing Matt Simpson Montaggio/Editing Lilo Behnke Musiche/Music Nebojša Nenadić Musiche/Music Mark Shrimpton, Anthony Briggs Musiche/Music Chang–Yun Yoo Interpreti/Cast Mateja Popović, Nina Lazarević, Vladimir Tešović Interpreti/Cast Joseph Avery, Shakira Brooking, Justin Ince, Rick Livermore, Frances Moylan Interpreti/Cast Christian Wewerka, Anke Steinkemper, Linda Chang Redžinald Šimek Montaggio/Editing Philippe Geus Musiche/Music Enes Zlatar Suono/Sound Benoit Salin È il 2096 e la Guerra per la Luna è appena finita. Quando un Viaggiatore della Luna torna a Sarajevo, i fantasmi dei suoi amici uccisi in guerra saranno lì ad incontrarlo. It is 2096 and the War for the Moon has just ended. When a Moon Traveller returns to Sarajevo, ghosts of his friends killed in the war will be there to meet him. Interpreti/Cast Anne Gaelle Ponche Sophie non ha più paura dei film horror, almeno fino a... Sophie’s not scared of horror movies any more, that is until... 44 In un futuro indeterminato, il surriscaldamento globale rende la superficie inabitabile ed ostile. Ma il Genere Umano ha dato vita alla sua più grande invenzione, Pathos, sistema meccanico che controlla i loro cinque sensi ed offre loro una vita perfetta a pagamento. In a indeterminate future, global warming makes the surface uninhabitable and hostile. But Mankind gave life to its greatest invention, Pathos, a mechanical system that controls their five senses and gives them a perfect life with fee. Un solitario profugo di nome Vilhelmprova a sfuggire ad un oscuro passato di trafficante d’armi. La realtà che trova è un inferno, i morti sono risorti per consumare i vivi. Vilhelm, a lone refugee, tries to escape a shady past of trafficking guns. The reality he finds is a living nightmare, the dead have risen to consume the living. Il famoso attore Thomas van Boys si registra in un hotel... ordina una squillo, apre la posta, si fa la doccia e poi si rade... e poi accende la TV. Lo schermo mostra la sua stanza. Deve esserci una telecamera nella stanza... The famous actor, Thomas van Boys, checks into a hotel...He orders a call girl, opens his mail, showers, and shaves... Then he turns on the TV. The screen shows his room. There must be a camera somewhere in the room... 45 Un’antica profezia dice che nelle remote profondità dello spazio c’è una stella che ha portato sfortuna e disgrazie alla Serbia. Oggi, anno 2309, un’astronave serba è diretta verso questa stella maligna con la sacra missione di distruggerla. An ancient Serbian prophecy says that in far reaches of space there is a star that causes ill-luck and misfortune for Serbia. Now, in the year 2309, a Serbian royal spaceship is heading towards that evil star, on the holy mission to destroy it. european fantastic shorts The Traveller Ubermensch Vespers Virtual Dating Regno Unito, 2009, 5’ Australia, 2009, 15’ / fuori concorso Regno Unito, 2008, 6’ Francia, 2009, 15’ Regia/Direction Uisdean Murray Regia/Direction Simon Temple Regia/Direction David Lilley, Stephen Gray Regia/Direction Katia Olivier Sceneggiatura/Screenplay Uisdean Murray Sceneggiatura/Screenplay Daniel Poole Sceneggiatura/Screenplay David Lilley Sceneggiatura/Screenplay Katia Olivier Fotografia/Cinematography Jason Weidner Fotografia/Cinematography Mark Broadben Fotografia/Cinematography Stephen Gray Fotografia/Cinematography Philippe Thérasse Montaggio/Editing Uisdean Murray Montaggio/Editing Daniel Graetz Montaggio/Editing David Lilley, Stephen Gray Montaggio/Editing Youssef Seniora Musiche/Music Philip Kovac Musiche/Music Caleb James Musiche/Music Kubilay Uner Musiche/Music Ludovic Nees Interpreti/Cast Cassandra MacLean, Angus MacPhail Interpreti/Cast David Clendinning, Jacqueline Duncan, Nicolas G Cooper Interpreti/Cast Georgia Blake, Kevin Norcross Interpreti/Cast Marie Colapietro, Frédéric Simon Un uomo è alla ricerca di sopravvissuti fra i resti dell’umanità. Una ragazza alla ricerca di amore trova la felicità comprando un robot: “Principe Affascinante”. Il robot esaudisce tutte le sue fantasie per il suo piacere, fino al giorno in cui diventa incontrollabile, trasformandosi nel suo peggior incubo... Una ragazza di nome Seonag viaggia indietro nel tempo per trovare il nonno, scomparso da poco. A young girl, Seonag, travels back in time to visit her recently deceased Grandfather. Quando Ubermensch, eroe del Terzo Reich, si trova di fronte al più grande cacciatore di taglie nazista, viene a contatto con la verità e con una possibilità di redenzione. When Ubermensch, hero of the Third Reich is confronted by the world’s leading nazi hunter he is presented with the truth and the possibility of redemption. 46 One man’s search for survivors in the remains of humanity. When It Will Be Silent Israele, 2009, colore, 7’ / fuori concorso Regia/Direction Dan Sachar Sceneggiatura/Screenplay Dan Sachar Fotografia/Cinematography Dan Sachar Montaggio/Editing Joseph Cohen Interpreti/Cast Miko Ben Porat, Nili Sachar All’indomani di un’apocalisse, la tragica perdita di un uomo lo spinge ad una decisione irreversibile. In the aftermath of an apocalypse, a man’s tragic loss lead him to an unequivocal decision. A young woman in need of love finds happiness by buying a robot: “Prince Charming”. It fulfils her every fantasy to her greatest pleasure until the day it becomes incontrollable and transforms into her worst nightmare... 47 spazio italia La città nel cielo Corporate L’estate fredda L’estraneo The Genesis of Evil Italia, 2009, 28’ Italia, 2009, 10’ Italia, 2009, 9’ Italia, 2008, 9’ Italia, 2008, 11’ Regia/Direction Giacomo Cimini Regia/Direction Valentina Bertuzzi Regia/Direction Claudio Tacchi Regia/Direction Fabian Ribezzo Regia/Direction Fabio Palmieri Sceneggiatura/Screenplay Leonardo Rizzi, Giacomo Cimini Sceneggiatura/Screenplay Francesca Bertuzzi, Valentina Bertuzzi Sceneggiatura/Screenplay Claudio Tacchi, PierLuigi Siena Sceneggiatura/Screenplay Fabian Ribezzo, Michele Cogo Sceneggiatura/Screenplay Fabio Palmieri Fotografia/Cinematography Gareth Munden Fotografia/Cinematography Beppe Gallo Fotografia/Cinematography Claudio Tacchi, PierLuigi Siena Fotografia/Cinematography Federico Shlatter Musiche/Music Fabio Palmieri Montaggio/Editing Kerry O’Brien Musiche/Music Dimitri Scarlato Montaggio/Editing Luca Tontodonati Montaggio/Editing Claudio Tacchi Montaggio/Editing Fabian Ribezzo, Dario Zanasi Interpreti/Cast Valentina Lodovini, Luigi Diberti, Mirta Pepe, Lorenzo Bugliesi Suono/Sound Paolo Smbuchi Suono/Sound Gigi Busachi, Vasco Belletini Interpreti/Cast Francesco Lemma, Luca Vagnini, Raffaella Dragomanni, Paolo Sambuchi Interpreti/Cast Maureen St Jones, Moreno Mari, Annaick Nicolazik Interpreti/Cast Valentina Izumi, Massimo Triggiani, Stefano Fresi, Taiyo Yamanouchi Siamo alla fine del XXI secolo. Le città sono state abbandonate, l’aria è ormai tossica e il sole è perennemente oscurato da una coltre di smog. Il giovane Quinto è in fuga dal suo spietato padrone e sta cercando rifugio nella leggendaria e irraggiungibile Città nel Cielo. At the end of the 21st century, cities have fallen into ruin, the air is toxic and the sun is obscured by pollution. Quinto is on the run from his malevolent master and seeking sanctuary in the fabled City in the Sky. 48 Roma. In un presente alternativo l’EN (Emotional Navigator) è un bene di uso comune, un life trainer digitale che aiuta ogni persona a raggiungere qualunque obiettivo. Vera, giovane manager di una multinazionale, inizia a vivere senza il suo EN. Rome. In an alternative present the EN (Emotional Navigator) is a common good, a digital life trainer helping all the people to get to all goals. Vera, the young manager of a multinational company, starts to live without her EN. I morti sono tornati in vita. Un uomo fugge dalla città per rifugiarsi nella più (apparentemente) tranquilla campagna... ma scampare alla morte non è così semplice come sembra. Un uomo aiuta un’anziana signora a portare le borse della spesa fino alla sua casa e poi è così gentile che le pulirà tutta la cucina. Perché lo fa non lo sa nemmeno lui, ma lo scoprirà molto presto. Dead people are back to life. A man escapes from town to seek refuge in the apparently quiet countryside... still, escaping death is not as easy as it seems. A man helps an old lady carry her shopping bags home, then he is so nice that he cleans her kitchen. He has no clue why he’s doing it, but he’ll soon discover. 49 Nell’aprile del 2002, la sonda Cassini, avvicinandosi a Saturno, iniziò ad intercettare strane emissioni radio provenienti dal pianeta. Gli scienziati della NASA le resero udibili all’orecchio umano... La “voce” di Saturno li lasciò completamente esterrefatti. In April 2002, the Cassini probe, while getting near Saturn, started to intercept bizarre radio broadcasts coming from the planet. The NASA scientists made them audible by human ears... The “voice” of Saturn had them completely shocked. Science+Fiction festival della fantascienza urania d’argento _ roger corman christopher lee urania d’argento Roger Corman Roger Redux @ Trieste di/by Lorenzo Codelli Nel luglio 1963, alla prima edizione del Festival Internazionale del Film di Fantascienza, il capolavoro di Corman L’uomo dagli occhi a raggi X ottiene l’Astronave d’argento. Ritira il premio il produttore James H. Nicholson, cofondatore dell’American International Film. Nell’autobiografia Corman ricorda con orgoglio quel premio, e ricorda inoltre che fece visita a Trieste lo stesso anno, durante le riprese in Jugoslavia di Cinque per la gloria (The Secret Invasion). Nel luglio 1969 Corman è ospite del festival triestino che gli dedica una personale; in una foto eccolo accanto ad Arthur C. Clarke, presidente della giuria. Nel luglio 1971 Corman, accompagnato da Julie, sposa novella, torna al festival triestino per presentare Gas-s-s-s! In quell’occasione la Cappella Underground, un cineclub sorto nel dicembre ‘68, rapisce Corman nella propria saletta per fargli introdurre L’odio esplode a Dallas (The Intruder); un dibattito assai animato, a nostra memoria. Nel luglio 1995 - mentre il festival triestino giace tuttora “sepolto vivo” - Corman risorge a Trieste, su invito della Cappella Underground, per un articolato seminario di regia al Museo Revoltella (online su www.fucine.com). Nel novembre 2009 a Trieste, il festival Science+Fiction, in collaborazione con la rivista “Urania”, conferisce a Corman il premio Urania d’argento. In July 1963, the first edition of the International Science Fiction Film Festival, Corman’s masterpiece The man with X-ray eyes wins the silver spaceship. The award is received by producer James H. Nicholson, co-founder of American International Film. Corman remembers with pride in his autobiography that prize, and also recalls visiting Trieste that same year, during the filming of The Secret Invasion in Yugoslavia. In July 1969 Corman is the guest of the Trieste festival for a personal retrospective: see him in a picture next to Arthur C. Clarke, president of the jury. In July 1971 Corman, along with his wife Julie, is back to the festival in Trieste to present Gas-s-s-s! On that occasion the Cappella Underground, a film club founded in December ‘68, kidnaps Corman and has him introduce The Intruder; a very animated discussion, to our memory. In July 1995 - while the Trieste festival lies still “buried alive” - Corman comes back to Trieste, invited again by Cappella Underground, to participate to a detailed filmmaking seminar at the Revoltella Museum (see also www.fucine.com). On November 2009 in Trieste, Science+Fiction, the International Science Fiction Film Festival, in collaboration with the monthly “Urania”, Corman receives the prize Silver Urania. A sinistra Roger Corman nel suo studio di Los Angeles. Sopra Roger Corman e Arthur C. Clarke al Festival Internazionale del Film di Fantascienza del 1971. 53 urania d’argento Roger Corman Biografia di Roger Corman La saga del cineasta indipendente Roger Corman è una delle più straordinarie storie di successo del cinema. Avendo prodotto più di 550 film ed avendone diretti altri 50, la sua influenza sul cinema americano va ben oltre i suoi film a basso budget, pieni di energia e creatività. Si tratta senza dubbio di uno dei più talentuosi e capaci filmaker di Hollywood. Celebre per la sua perspicacia nell’ individuare giovani talenti, il suo lascito maggiore rimarrà senza dubbio la legione di produttori, registi, sceneggiatori ed attori che ha fatto crescere. Tra gli altri: Jack Nicholson, Francis Ford Coppola, Peter Fonda, Bruce Dern, Diane Ladd, Talia Shire, Peter Bogdanovich, Robert De Niro, Martin Scorsese, Sally Kirkland, Ron Howard, Charles Bronson, Joe Dante, Jonathan Demme, Gale Ann Hurd, e James Cameron. Nato a Detroit nel 1926, Corman si è diplomato alla Beverly Hills High School. Nel 1947 ha conseguito la laurea in ingegneria alla Stanford University. Dopo un periodo nella marina militare ha trovato lavoro alla 20th Century Fox e nel 1949 era già story analyst. Disilluso dai metodi dello studio, ha lasciato la Fox alla volta dell’Inghilterra, dove ha seguito un corso post universitario di letteratura inglese moderna al Balliol College di Oxford. Subito dopo il suo ritorno ad Hollywood, Corman ha lavorato brevemente come agente letterario. Nel 1953 Roger Corman ha venduto alla Allied Artists la sua prima sceneggiatura, Sotto Roger Corman con Vincent Price sul set di I vivi e i morti (The Fall of the House of Usher). 54 intitolata FBI Operazione Las Vegas (Higway Dragnet) e ha lavorato al film come produttore associato. Con i proventi delle vendite ha realizzato The Monster from the Ocean Floor, suo primo film come produttore indipendente, con un budget di soli 18.000 dollari. Il trionfo del suo primo sforzo ha dimostrato che un film di alta qualità può essere realizzato con pochissimi soldi. Di conseguenza, Corman ha cominciato a produrre per la American International Pictures una vasta gamma di film a basso budget, tutti di grande successo. Ha attraversato generi diversi tra loro come western, gangster movie, fantascienza e film con automobili e rock’n’roll, pensati per un pubblico di teenager: nel solo 1957 Corman ha fatto uscire nove film, alcuni dei quali sono stati completati in due o tre giorni. Grazie a questa sequenza di successi al botteghino, Corman ha cominciato ad ottenere budget più alti. Nel corso degli anni ’60, il ciclo di film horror tratti da Edgar Allan Poe, diretti da Corman e interpretati da Vincent Price, gli è valso il plauso internazionale. Quando il French Film Institute lo ha celebrato con una retrospettiva nel 1964, Roger Corman è divenuto il più giovane produttore/regista a ricevere un simile riconoscimento. Sempre anticipatore delle mode, Corman ha realizzato il primo biker movie, I selvaggi (Wild Angels): interpretato da Peter Fonda e Nancy Sinatra, il film è stato presentato alla Mostra del Cinema di Venezia del 1966, dove ha ricevuto un’accoglienza straordinaria. Nel 1967 Il serpente di fuoco (The Trip), scritto ed interpretato da Jack Nicholson, ha dato il via alla mania del cinema “psichedelico” della fine degli anni ’60. In quanto principale regista della American International Pictures, il successo di Corman ha reso la compagnia una delle principali potenze di Hollywood. Inorridito dalla congenita perdita di tempo e denaro, ma anche dalle intromissioni dei dirigenti, Corman si è, però, chiamato fuori dallo studio system. Nel 1970 ha fondato la sua società di produzione e distribuzione: la New World Pictures. Il primo anno di attività della New World ha sorpreso anche Corman: tutti gli undici film distribuiti hanno generato profitti cospicui. La New World si è rapidamente trasformata nella più grande società di distribuzione degli Stati Uniti. Oltre ad offrire al pubblico divertimento a tutto spiano con titoli come FBI e la banda degli angeli (Big Bad Mama) e Eat My Dust, o cult movie come Rock and Roll High School, la New World è diventata presto leader indipendente nella distribuzione di film stranieri di qualità nel circuito americano. Fra le uscite della New World ci sono stati film premiati con gli Oscar e firmati da Ingmar Bergman, Francois Truffaut, Federico Fellini, Akira Kurosawa, e Werner Herzog. Nel gennaio del 1983, Roger Corman ha deciso di vendere la New World 55 Pictures. La cessione gli ha consentito di continuare a produrre film senza dover contemporaneamente dirigere una gigantesca società di distribuzione. Gli ha anche permesso di produrre più film con budget maggiori. Il giorno dopo aver venduto la New World, Corman ha annunciato la costituzione della sua nuova società, la Concorde-New Horizons. L’anno successivo ha fatto uscire cinque nuovi film: la commedia adolescenziale Screwballs, il film fantascientifico d’avventura Space Raiders, l’epico cappa e spada Deathstalker, Passione fatale (Love Letters) con Jamie Lee Curtis, e il film punk drammatico adolescenziale Suburbia, diretto da Penelope Spheeris. Fra le opere più recenti della Concorde si segnalano Reflections in the Dark, con Mimi Rogers e Billy Zane, e Shopping, diretto da Paul Anderson. Per “Roger Corman Presents” della Showtime, Corman ha proposto film come Alien Avengers con George Wendt, Black Scorpion II con Joan Severence, Humanoids from the Deep con Robert Carradine. e Vampirella con Roger Daltrey. Nel 1990, Roger Corman ha scritto con Jim Jerome la propria autobiografia, intitolata “Come ho fatto cento film a Hollywood senza mai perdere un dollaro” (“How I Made a Hundred Movies in Hollywood and Never Lost a Dime”) e pubblicata da Random House (in Italia da Lindau). Roger Corman vive a Santa Monica con la moglie e produttrice Julie Corman, e quattro figli. urania d’argento Roger Corman Roger Corman biography The saga of independent filmmaker Roger Corman ranks as one of the most amazing motion picture success stories. Having produced more than 550 films and directed fifty others, his influence on American film goes far beyond his own energetic, creative low-budget movies. He is arguably one of Hollywood’s most gifted and masterful film makers. Noted for his keen ability to spot young talents, his most lasting legacy will undoubtedly be the legion of producers, directors, writers, and actors he has fostered, among them: Jack Nicholson, Francis Ford Coppola, Peter Fonda, Bruce Dern, Diane Ladd, Talia Shire, Peter Bogdanovich, Robert DeNiro, Martin Scorsese, Sally Kirkland, Ron Howard, Charles Bronson, Joe Dante, Jonathan Demme, Gale Ann Hurd, and James Cameron. Born in Detroit in 1926, Corman graduated from Beverly Hills High School. In 1947, he received a bachelor’s degree in Engineering from Stanford University. After a stint in the Navy, he took a job at 20th Century Fox and by 1949 was a story analyst at the studio. Disenchanted with a studio protocol, he left Fox for England, where he did postgraduate work in modern English literature at Oxford’s Balliol College. Upon his return to Hollywood Corman worked briefly as a literary agent. In 1953, Roger Corman sold his first screenplay, entitled Highway Dragnet, to Allied Artists and served as associate producer on the film. With the proceeds of the sale he made The Monster from the Ocean Floor the following year, his first film as an independent producer, on the remarkable budget of $18,000. The triumph of his initial endeavor proved that a high quality film can be made with very little money. As a result, Corman began producing a wide array of lowbudget features for American International Pictures; all were extremely successful. He tackled a variety of genres, from Westerns and gangster films to sci-fi, teen-age hot rod and rock’n’roll movies in 1957 alone Corman turned out nine films - some of which were completed in two or three days. With this string of box office hits to hit credit, Corman began to procure larger budgets. Throughout the 1960s, Corman’s cycle of Vincent Price/Edgar Allan Poe horror films earned him international acclaim. When the French Film Institute honored him with a retrospective in 1964, Roger Corman became the youngest producer/director ever to receive such an accolade. Always a trendsetter, Corman made the first “biker” movie with Wild Angels. Starring Peter Fonda and Nancy Sinatra, the film opned the 1966 Venice Film Festival to great acclaim. In 1967, The Trip, written by and starring Jack Nicholson, began the “psychedelic” film craze of the late 1960s. As American International Pictures’ primary director, Corman’s success built the company into a major force in Hollywood. Appalled by the intrinsic waste of time and money, as well as executive interference, Corman opted out of the major studio system. In 1970s, he founded his own production and distribution company, New World Pictures. New World’s first year in operation astonished even Corman, as all eleven pictures distributed showed substantial profits. New World rapidly grew into the largest independent motion picture distribution company in the United States. In addition 56 to providing the public with such fast-paced entertainment as Big Bad Mama and Eat My Dust, or cult films such as Rock And Roll High School, New World soon became the independent leader in presenting highquality foreign films to the American public. New World releases included Academy Award-winning films by Ingmar Bergman, Francois Truffaut, Federico Fellini, Akira Kurosawa, and Werner Herzog. In January of 1983, Roger Corman decided to sell New World Pictures. The sale allowed him to continue producing films without simultaneously managing a gigantic distribution company. It also enabled him to produce more movies with larger budgets. The day after he sold New World, Corman announced the formation of his new company, Concorde-New Horizons. In the year that followed, he released five new films: the teen comedy Screwballs, the sci-fi adventure Space Raiders, the sword and sorcery epic Deathstalker, Love Letters with Jamie Lee Curtis, and the punk teen drama Suburbia, directed by Penelope Spheeris. Concorde’s recent releases include the critically acclaimed Reflections in the Dark, starring Mimi Rogers and Billy Zane and Paul Anderson’s Shopping. For Showtime’s “Roger Corman Presents”, he showcased such films as Alien Avengers starring George Wendt, Black Scorpion II starring Joan Severence, Humanoids from the Deep starring Robert Carradine and Vampirella starring Roger Daltry. In 1990, Roger Corman wrote (with Jim Jerome) his autobiography “How I Made a Hundred Movies in Hollywood and Never Lost a Dime”, published by Random House. Roger Corman lives in Santa Monica with his wife, producer Julie Corman, and four children. 57 urania d’argento Roger Corman Sopra Roger Corman in un’immagine del 2008. Roger Corman: Wild Angel di Kim Newman Una delle storie più note che circolano su Roger Corman dice che girò La piccola bottega degli orrori (The Little Shop of Horrors, 1960) in un weekend perché “pioveva e non potevamo giocare a tennis”. L’altro motivo, leggermente più prosaico, era che i set si potevano utilizzare solo per poco tempo, alcuni attori si erano detti disponibili e Corman si era divertito così tanto a girare Un secchio di sangue (A Bucket of Blood, 1959), che pensò sarebbe valsa la pena chiedere allo sceneggiatore Charles Griffin di buttar giù sul momento una versione dello script sulla falsariga del film precedente, con una pianta assassina come mcguffin invece di usare cadaveri che diventano statue. È surreale ma non inaspettato che un lavoro realizzato con così poca premeditazione come The Little Shop incluso anche un cameo di un giovanissimo Jack Nicholson nel ruolo di un masochista che adora andare dal dentista - abbia avuto, e abbia tutt’ora, tanto successo da ispirare un musical di Broadway e un remake ad altissimo budget. Molti aneddoti su Corman ruotano intorno alla sua parsimonia e alla sua energia: negli anni ’50 e ’60 diresse circa sei film all’anno e ne produsse altrettanti. La leggenda di Corman è ancora così viva, tra racconti di budget drammaticamente sfrondati e scene girate a tempo di record, che i suoi successi come regista tendono a essere dimenticati, e non solo perché iniziò negli anni ’50 con dei lavori brevi e arrangiati, popolati di creature mostruose e dai titoli tutt’altro che divertenti, come L’attacco dei granchi giganti (Attack of the Crab Monsters, 1957) e Il conquistatore del mondo (It Conquered the World, 1956). La sua prima incursione nel mondo della produzione fu Monster from the Ocean Floor (1954), un corto diretto dal trascurabile Wyott Ordung, una storia costruita in fretta intorno a un accordo con la marina militare per avere in prestito un mini sottomarino. A questo seguì un film sulle corse automobilistiche, The Fast and the Furious (1955), che è ancora oggi fonte di guadagno, visto che Corman ha autorizzato l’utilizzo del titolo per la realizzazione della recente serie di film. Quando decise di dirigere e anche produrre i suoi film, si mise subito all’opera e non perse tempo, tanto che diresse quattro western - il migliore dei quali è Il mercenario della morte (Gunslinger, 1956, con Beverly Garland munita di pistola, la prima della lunga serie di donne toste che popolano il cinema di Corman) - prima di rendersi conto che il genere era in calo presso i ragazzini che affollavano i drive-in, che volevano invece mostri e rock’n’roll. Da qui altri titoli in stile Corman come Il mostro del pianeta perduto (Day the World Ended, 1955), Rock tutta la notte (Rock All Night, 1957), Il vampiro del pianeta rosso (Not of This Earth, 1957) e L’adolescente bambola (Teenage Doll, 1957) Mentre altri film di serie z degli anni ’50 erano lì che giacevano sullo schermo e speravano di farla finita presto, prima che il pubblico devastasse le poltrone del cinema per la noia, Corman lavorava duro per non far fermare la giostra. I suoi film, anche i più mediocri, traboccano di idee 58 e di azione. Colpito da Un uomo sbagliato (End as a Man, 1957), intenso film su una scuola militare adattato da uno spettacolo di Broadway ispirato a sua volta a un racconto di Calder Willingham, Corman realizza un remake con al centro della storia una donna invece di un uomo; il film diventerà una soap opera gotica per adolescenti, La ragazza del gruppo (Sorority Girl, 1957). Negli anni ’60 Corman convince la AIP (American International Pictures), che finanziava i suoi film, a investire più soldi per un ciclo di film gotici dai colori sgargianti, tratti dai racconti di Edgar Allan Poe e interpretati dall’istrionico Vincent Price, con eroi decadenti ed elaborati finali ad effetto. Si passa dalla severità di I vivi e i morti (The Fall of the House of Usher, 1960) e Il pozzo e il pendolo (The Pit and the Pendulum, 1961) all’ironia cupa, con Boris Karloff e Peter Lorre reclutati per il parodico I maghi del terrore (The Raven, 1963), per proseguire con Basil Rathbone per Comedy of Terrors (1963). Corman si cimentò in modo energico, innovativo e sorprendentemente acuto con il genere fantascientifico (L’uomo dagli occhi a raggi X: The Man with X-Ray Eyes, 1963), con il tema sociale (L’odio esplode a Dallas - The Intruder, 1963), con il travelogue di controcultura (I selvaggi - The Wild Angels, 1967; Il serpente di fuoco - The Trip 1967) e con il gangster movie d’epoca (Il massacro del giorno di San Valentino - The St. Valentine’s Day Massacre, 1968; Il clan dei Baker - Bloody Mama, 1969). I suoi film hanno la stessa irrequieta energia della sua filmografia, e praticamente ogni aspetto regge il paragone con qualsivoglia sfida dell’epoca: l’horror a basso budget, la fantascienza, la delinquenza giovanile, la guerra, i gangster e i corti d’azione improvvisati sono sempre più vivi di qualunque lavoro di qualsiasi altro artista. E qualche volta Corman si ricordava di inserire pure un significato sociale per “le folle dei college”, oppure qualche invenzione cinematografica per i nascenti cineasti che andavano matti per questo genere di cose anche nei drive-in, fintantoché il box office non veniva compromesso. L’odio esplode a Dallas (The Intruder), con un’interpretazione capolavoro del sinistro William Shatner nei panni di un agitatore fanatico che fomenta l’odio razziale nel Sud, è presumibilmente l’unico fiasco, dal punto di vista economico, per Corman, anche se a questo punto deve per forza aver fatto guadagnare qualcosa, e, contrariamente a quanto dice la leggenda, non ha fermato Corman dal finanziare registi americani come Monte Hellman o dal diventare distributore per promuovere Bergman e Fellini. Dopo Il barone rosso (Von Richthofen und Brown, 1970), che fu uno dei suoi lavori di maggior successo come regista, Corman si è allontanato dalla regia (eccezion fatta per Frankenstein oltre le frontiere del tempo - Frankestein Unbound, 1990) per concentrarsi sulla produzione e sulla distribuzione. Nella sua ricerca di “studenti di cinema disposti a lavorare per poco” ha scoperto molti talenti, impiegandoli in compiti umilianti come doppiare film sovietici di fantascienza o riempire i serbatoi delle motociclette per i 59 film sugli Hells’ Angels prima di finanziare vari lungometraggi di debutto come Terrore alla 13° ora (Dementia 13, 1963) di Francis F. Coppola o Bersagli (Targets, 1968) di Peter Bogdanovich. Tra coloro che si sono laureati alla scuola di Corman ci sono: Martin Scorsese (America 1929: sterminateli senza pietà - Boxcar Bertha, 1972), Robert Towne (che ha scritto e interpretato L’ultima donna sulla Terra - The Last Woman on Earth, 1960, e ha scritto anche l’ultimo film del trio Corman-Price-Poe: La tomba di Ligeia - Tomb of Ligeia, 1964), Joe Dante e Allan Arkush (il cui debutto insieme in Hollywood Blvd, nel 1976, è una meravigliosa finestra sulla vita nella Corman factory), Robert De Niro (un delinquente in Bloody Mama), Ron Howard (Eat My Dust, 1976), Jonathan Demme (Femmine in gabbia - Caged Heat, 1974) e James Cameron (che iniziò realizzando navicelle spaziali giocattolo per Forbidden World e simili). È facile sopravvalutare e sottovalutare Corman, con i suoi film realizzati in fretta e con poca spesa per poter passare al prossimo, ma proprio questo potrebbe essere il prezzo (price or Price) da pagare per il divertimento. Potendo scegliere, preferireste passare una serata guardando Ben-Hur, vincitore, nel 1959-60, dell’Oscar come miglior film, oppure facendo una maratona dal tramonto all’alba con i sei film che Corman ha girato mentre Charlton Heston pativa facendone uno? Io voterei per A Bucket of Blood, The Wasp Woman, The Fall of the House of Usher, The Little Shop of Horrors, Ski Troop Attack e The Last Woman on Earth. urania d’argento Roger Corman Roger Corman: Wild Angel by Kim Newman One of the most often-repeated stories about Roger Corman is that he shot The Little Shop of Horrors (1960) over a long weekend because ‘it was raining and we couldn’t play tennis’. The only slightly more prosaic rationale was that sets were available for a limited period, some actors were on hand and Corman had enjoyed making the horror comedy A Bucket of Blood (1959) so much he thought it’d be worthwhile getting screenwriter Charles Griffith to type out an instant same-butdifferent version of the script, with a killer plant mcguffin instead of corpses-turnedinto-statues. That something as off-the-cuff as Little Shop, even with a young Jack Nicholson cameo as a masochist who loves going to the dentist, should be lasting success, inspiring a Broadway musical and a big-budgeted remake, is strangely surreal but not unexpected. Most Corman anecdotes revolve around his penny-pinching and his energy: in the 1950s and ‘60s, he directed half a dozen pictures a year and produced as many more. The legend of Corman is so bustling, with tales of slashed budgets and corners cut, that his achievements as a director tend to get forgotten, and not only because he started in the ‘50s with creature feature quickies with beyond-a-joke titles like Attack of the Crab Monsters (1957) and It Conquered the World (1956). His first venture into production was Monster From the Ocean Floor (1954), a quickie built around a deal to borrow an experimental mini-sub from the Navy and directed by the dispensible Wyott Ordung. He followed up with a car race picture, The Fast and the Furious (1955), which remains an active franchise since he licensed the title to the current series. When he decided to direct as well as produce, he was so quick off the mark that he directed four Westerns (the best is Gunslinger, 1956, which features the first of Corman’s string of tough female leads, a gun-toting Beverly Garland) before he realised that the cowboy movie was on the way out with the drive-in kids, who wanted monsters and rock ‘n’ roll. Hence, such Corman titles as Day the World Ended (1955), Rock All Night (1957), Not of This Earth (1957) and Teenage Doll (1957). While other 1950s Z-features lie there on screen and hope to get it over with before the kids in the audience slash the seats out of boredom, Corman worked hard to keep things on the move – even his silliest films spark with ideas and action. Taken with End as a Man (1957), a respectable if intense movie about military school adapted from a Calder Willingham Broadway play, he mounted a switched-sex remake which played as a teenage gothic soap opera, Sorority Girl (1957). In the ‘60s, Corman persuaded AIP, his backers, to lavish more funds on a cycle of lushly-coloured widescreen gothics based on the stories of Edgar Allan Poe with archly-eyebrowed Vincent Price as decadent leads and a series of elaborate house-burns-down finales. From the seriousness of The Fall of the House of Usher (1960) and The Pit and the Pendulum (1961), the series became larkish, roping in Boris Karloff and Peter Lorre for the parodic The Raven (1963) and then Basil Rathbone for the aptly-titled Comedy of Terrors (1963). Corman also essayed vibrant, inventive and surprisingly intelligent science fiction (X: The Man With X-Ray Eyes, 1963), social comment (The Intruder, 1963), counterculture travelogue (The Wild Angels, 1967; The Trip, 1967) and period gangster films (The St Valentine’s Day Massacre, 1968, Bloody Mama, 1969). His films have the same restless energy as his filmography, and almost all compare favourably with whatever his competition was at the time – his low-budget horror, science fiction, juvenile delinquency, war, gangster and action quickies are consistently livelier than anyone else’s, and he sometimes remembered to include social significance ‘for the college crowd’ or cinematic invention for the burgeoning cineastes who were hip to such things even in drive-ins just so long as it didn’t compromise the box office. The Intruder, featuring stellar work from a sinister William Shatner as an outisde agitator stirring up race hate in the South, is reputedly Corman’s only money-loser, though by now it must have turned a profit, and contrary to the legend didn’t deter him from backing American art filmmakers like Monte Hellman or becoming a distributor to promote Bergman and Fellini. Since Von Richthofen and Brown (1970), one of his few major studio credits, he has stayed away from directing (save for the blip of Frankenstein Unbound, 1990) 60 and concentrated on production and distribution. In his quest to find ‘some film student who’ll work cheap’, he discovered a many talents, using them in menial capacities like dubbing Soviet science fiction films or fuelling bikes on Hells’ Angel movies before backing debut features like Francis Coppola’s Dementia 13 (1963) or Peter Bogdanovich’s Targets (1968). Among those who have graduated from the Corman school are Martin Scorsese (Boxcar Bertha, 1972), Robert Towne (who scripted and starred in The Last Woman on Earth, 1960, and wrote the last of the great Corman-Price-Poe films, Tomb of Ligeia, 1964), Joe Dante and Allan Arkush (whose shared debut, Hollywood Blvd, 1976, is a wonderful inside view of life in the Corman factory), Robert De Niro (a goon in Bloody Mama), Ron Howard (Eat My Dust, 1976), Jonathan Demme (Caged Heat, 1974) and James Cameron (who began making toy spaceships for the likes of Forbidden World, 1982). Corman is as easy to overrate as undervalue, with each film skimped a little in the haste to get to the next, but it may be this is the price (or Price) payable for all the fun. Given the choice, would you rather spend this evening watching Ben-Hur, the 1959-60 Best Picture Oscar winner... or have a dusk-til-dawn marathon of the six films Corman directed while Charlton Heston was suffering through one? I’d vote for A Bucket of Blood, The Wasp Woman, The Fall of the House of Usher, The Little Shop of Horrors, Ski Troop Attack and The Last Woman on Earth. Sopra I racconti del terrore (Tales of Terror). 61 urania d’argento Roger Corman Corman e Poe: cronaca di una liberazione senza seguito di Franco La Polla tratto da “Cineteca” mensile de La Cineteca di Bologna, agosto 1995 L’attività cinematografica di Roger Corman ha subito un destino doppiamente ingiusto: in un primo tempo essa fu valutata alla stregua di poco più che spazzatura, in un secondo tempo - grazie anche all’occasione di lavoro offerta dalla sua Factory a giovani autori che sarebbero diventati i maggiori del cinema americano dai ’70 in avanti fu osannata come la vera alternativa alla grande produzione hollywoodiana. Non entrerò nel merito della sua opera complessiva, perché questo esulerebbe dall’argomento in questione. È però vero che la produzione poesca del cinema cormaniano offre comunque molto terreno per discutere e comprendere la vera importanza di Corman, soprattutto come regista. Non sono pochi coloro che hanno colto nelle pagine di Poe un forte potenziale cinematografico: primo fra tutti D.W. Griffith, e fra i critici italiani Scognamiglio (Giovanni, s’intende) e Turroni. Francamente non so se si possa parlare di un tratto caratterizzante: probabilmente lo stesso vale per Sheridan LeFanu, Montague R. James, Oliver Onions, Arthur Machen, Algernon Blackwood e i tanti altri maestri della letteratura fantastica e soprannaturale che pure hanno goduto di infinitamente minore attenzione da parte dei cineasti. È però vero che la scrittura di Poe è altamente evocativa, per taluni (Turroni) addirittura “realistica”. Basta, come al solito, intendersi: se con tale termine vogliamo definire, che so?, l’attenzione certosina con cui il narratore di “Il ritratto ovale” osserva e descrive la camera nella quale si è casualmente trovato a dormire sino al momento in cui appunta il suo sguardoobiettivo sull’oggetto titolare, allora Poe è indubbiamente un “realista”, poco importa se poi quel che nella storia succede non vanta alcuna verosimiglianza e razionalità. Corman, come Griffith, Epstein ed altri registri, ha subito il fascino di questa ossessiva precisione che forse soltanto Blackwood e talvolta M.R. ]ames avrebbero in seguito esibito, ne ha colto la visività, il potenziale di significazione e d’atmosfera e li ha fatti propri. Vale a dire, non ha certo tentato di “tradurre” fedelmente le pagine di Poe su pellicola (sono ben note le variazioni di storia e struttura che Richard Matheson e gli altri sceneggiatori di cui il regista-produttore si è avvalso hanno apportato agli originali testi poeschi) ma ha provato a mantenerne la forte minacciosità, l’incombente inquietudine del loro apparire, il senso di una fatalità che è nelle cose prima ancora che negli eventi. Quando Corman inquadra la porta della stanza di un’aristocratica e lugubre magione non è soltanto per creare in noi un’attesa in merito a chi o che cosa entrerà da un momento all’altro attraverso di essa. No, in Corman il rapporto logico A sinistra Sepolto vivo (The Premature Burial). 62 63 di causa ed effetto si diluisce (il che non significa affatto che si allunghi), nel senso che ciò che viene mostrato pare avere vita indipendente, significazione autonoma. Più largamente: é la scenografia a diventare uno dei protagonisti. La cosa è tanto più strana e rimarchevole se si pensa al bassissimo budget che caratterizza di norma le sue produzioni-regie. I1 fatto è che proprio attraverso l’essenzialità imposta dalle ristrettezze produttive il regista riesce a caricare gli oggetti di una presenza che va ben oltre la loro stretta funzionalità decorativa quale viene imposta dalla più normale idea di scenografia. In questo senso non è affatto peregrino affermare che il cinema poesco di Corman (il quale, è importante notarlo, si situa fra il 1960 e il 1964) si imparenta con la teoria e la prassi dell’avanguardia pittorica americana ad esso contemporanea. L’oggetto, insomma, non è più soltanto mezzo ma anche “fine per giungere al significato dell’oggetto·stesso” (Turroni). Naturalmente non intendo fare di Corman un teorico dell’arte né un raffinato conoscitore della pittura americana a quel tempo più audacemente impegnata nel prendere le distanze dall’esperienza dell’astrattismo. È però vero che nella sua prassi cinematografica non è difficile cogliere stilemi (ovviamente adeguati al mezzo nel quale egli si esprime: il cinema) che, in linea teorica, si presentano come l’anticamera di una poetica iperrealista. Bene, si dirà, e Poe? Quanto sopra vale per l’intera sua opera cinematografica, ma in quelle poesche l’operazione riesce più compiutamente, più convincentemente, perché lo scrittore americano fornisce al regista un alveo solido e preciso (poco importa se spesso trasgredito da sceneggiature non fedeli: che cosa di letterario può nel cinema essere fedele?) entro il quale sono certamente più difficili le stravaganze effettisticamente strampalate di pellicole come It Conquered the World o Attack of the Crab Monsters. Non a caso la critica (almeno quella che non ha continuato ad accantonare l’opera di Corman come “spazzatura”) è concorde nel vedere nei suoi film poeschi una cura visuale che rasenta a tratti la raffinatezza: i movimenti di macchina combinati in La città dei mostri (che a dire il vero é tratto da Lovecraft e di Poe ha ben poco), quelli che si fanno traduzione di impulsi interiori dei personaggi in La tomba di Ligeia, il complesso geometrismo di talune inquadrature in Sepolto vivo, la fotografia (quasi sempre di Floyd Crosby, Oscar nel 1931) che si pone intenzionalmente in antitesi alle lusinghe –facili, nel cinema gotico– dell’espressionismo, e cosi via. Il rapporto che Corman instaurò con Poe fu dunque fondamentale nell’evoluzione e nella maturazione di questo regista ad autore, il quale proprio come molti autori si era creato un suo team fisso e fidato, composto, fra gli altri, oltre ché dai citati Crosby e Matheson, dall’ormai mitico Vincent Price, un attore la parte finale della cui attività è stata tutta un continuo omaggio al cinema di genere orrorifico, un lungo, ammirevole e divertente metafilm che, dal personaggio del Dr. Phibes sino alla scienziato del tenero e iperrealisticissimo Edward Mani di Forbice, riassumeva ogni volta la storia, le vicende, i tòpoi, i modelli dell’horror film. Tutto questo, peraltro, era già nel Corman poesco. Ovviamente, nelle interpretazioni dello stesso Price, attore che mai una volta ha ceduto alla tentazione del paradosso diderotiano, sempre ben conscio dello spazio che lo separava dai suoi personaggi –e soprattutto da quelli di marca orrorifica– accrescendo e complicando in questo modo il gia intricato gioco di specchi dei racconti originali. Ma anche nella mistura di commedia e dramma di alcuni titoli (soprattutto I racconti del terrore) e nella dichiarata comicità di I maghi del terrore, nel quale la triste e funerea poesia di Poe diventa imprevedibile occasione metacritica nei confronti del genere cui si suppone appartenga la pellicola. E anche questa fondamentale componente ironica testimonia, fra l’altro, del coté avanguardistico che traspare dal Corman poesco. Sì, quello stesso che trent’anni fa deliziava affollate platee periferiche di adolescenti che ne seguivano riottosi ed urlanti le proiezioni. A differenza da quel che comunemente si crede, infatti, l’avanguardia non sta contro il pubblico, ma vi gioca a favore. Anzi, insieme. Oggi noi, qui, possiamo trarre dal Corman poesco (o dalla sua opera in genere, se è per questo) una poetica, ma la vera operazione innovativa, il vero evento accadeva là, in quelle sale, dove per una volta il rapporto che si instaurava fra spettatori e film non obbediva alle leggi imposte da Hollywood, Pinewood, Cinecittà, ecc., ma acquistava tutti i crismi di quella liberazione che alcuni –ormai, ahimé, pochi, pochissimi– ancora si aspettano dal cinema. 64 Sopra Una delle numerose versioni della locandina di Sepolto vivo (The Premature Burial). urania d’argento Roger Corman Corman and Poe: chronicle of a liberation without following by Franco La Polla from “Cineteca” monthly magazine of La Cineteca di Bologna, august 1995 The films of Roger Corman have twice suffered an unjust fate: at first, dismissed as little more than junk; subsequently – because he offered jobs to young writers who would become major American filmmakers from the 70s onwards – hailed as the true alternative to the big Hollywood studios. I will not go into the merits of his work overall; this departs from our main question. Corman’s “Poeish” film productions allow us to discuss and understand the true importance of Roger Corman, especially as a director. Many artists have seen strong cinematic potential in Poe’s work: first of all D.W Griffith, and, among Italian critics, Scognamiglio (Giovanni, of course) and Turroni. Frankly, I do not know if we can speak of one peculiar feature. Probably the same applies to Sheridan LeFanu, M. R. James, Oliver Onions, Arthur Machen, Algernon Blackwood and other masters of fantasy and supernatural literature who have enjoyed far less attention from filmmakers. It is true that Poe’s writing is highly evocative and, for some (Turroni), even “realistic”. As usual, we need to make the statement clear: if we want to define the term “realistic” as - say? - the painstaking attention with which the narrator of “The Oval Portrait” observes and describes the chamber, where the character accidentally finds himself spending the night, up until precisely the moment when his eye targets the given object, then Poe is undoubtedly “realist”... no matter that what happens in the story does not boast any plausibility or rationality. Corman - like Griffith, Epstein and other directors - has gathered ìthe charm of this obsessive precision which perhaps only Blackwood and sometimes M.R James later exhibited; he has caught the vision, the potential significance and atmosphere, and was able to style them as he sought. That is to say that he has certainly not tried to “translate” Poe’s stories faithfully on film (we are very familiar with the history and know about the structural changes Richard Matheson and other scriptwriters, employed by director-producer Corman, wrought upon the original Poe texts) but he yet tried to maintain that strong feeling of menace, the looming anxiety of their appearance, the sense of fatality which is in things even before the same events. When Corman frames the door of an aristocratic and gloomy mansion, he does so not only to create in us an expectation of who or what will come through it at any moment. No, in Corman’s work, the logical relationship of cause and effect is diluted (… not necessarily lengthened). What is shown seems to have independent life, meaningful autonomy. More broadly, Art Direction becomes one of the main characters. The point is even stranger and more remarkable when you consider the low budget Corman usually had to work with as a director. Precisely because of these production constraints, the director manages to load objects with a presence which goes far beyond their narrow decorative features, imposed by the regularity of a normal set decoration. In this sense, it is not uncommon to note that Corman’s “Poeish” period (which, important to note, ran between 1960 and 1964) is married nto the theory and practice of contemporary American avantgarde art. The object, therefore, is no longer merely a means but also “the aim to get to the meaning of the object itself” (Turroni). Of course, it is not my intention to transform Corman in a theorist nor a sophisticated connoisseur of American painting (at the time, more boldly committed to distance itself from the experience of Abstractism). It is undeniable, though, that in his filmic practice we can see styles (adapted, of course, to the medium in which he expresses: cinema), which, in theory, are in the anticipation of hyperrealism. Well, you say, and Poe? The above applies to the whole of Corman’s film work, but in the Poe films, the operation succeeds more completely. The whole is more convincing, because the American writer provides the director with a solid and precise basis (no matter if it is often transgressed by unfaithful scripts: what of literature, in any case, may be true in the movies?) which such eccentric films as It Conquered the World or Attack of the Crab Monsters lack. It is not by chance that critics (at least not the ones who have continued to consider Corman’s work as “rubbish”) agree in seeing in his “Poeish” a rare example of visual care and sophistication: the combined camera movements of The Haunted Palace (which actually is taken from Lovecraft and has very little Poe); those who translate inner impulses of characters in Tomb of Ligeia; the complex geometry of certain shots in The Premature Burial; the photography (almost always signed Floyd Crosby, Academy Awarded in 1931) that arises in opposition to the intentional lure easy, in Gothic cinema - of Expressionism, and soon. The relationship that Corman established with Poe was therefore crucial in the 65 evolution and maturation of the director into author, who, like many authors, had created a fixed and trusted team, including, among others, the cited Crosby and Matheson, and the now legendary Vincent Price; an actor whose final artistic interest was a continuous presence in the horrific film genre: a long, honorable and fun “film in a film” which, from Dr. Phibes to the scientist who invents the tender and super-hyperrealist Edward Scissorhands, summarizes every time the story, the events, the topological space, the models of horror film. All this, however, was already present in Corman’s “Poeish” works. Of course, the performances of the same Price, an actor who never once succumbed to the temptation of Diderot’s paradox, always well aware of the space which separated him from his characters - especially those of horrific brand - increasing and thereby complicating the already intricate mirror games of the original stories; even in the mixture of comedy and drama of some titles (especially Tales of Terror) and declared comedy of The Raven, in which the sad and mournful poetry of Poe becomes unpredictable. Also this fundamental ironic component, among other issues, shows, what of the avant garde there is in Corman’s “Poeish” works. Yes, the same man who thirty years ago delighted crowded audiences of unruly teenagers screaming at his films. Unlike what is commonly believed, in fact, the avant garde is not against the public, but plays for it. Indeed, together. Today we, here, can draw from “Poeish” Corman (or from his work in general, for that matter) a poetic. The real innovative solution though, the real event happened then, at that time, in those rooms, where, for once, the relationship between audience and film did not obey to laws imposed by Hollywood, Pinewood, Cinecittà, etc.. but assumed all the trappings of that liberation that some - now, alas, few, very few - are still waiting for the cinema. urania d’argento Roger Corman Roger Corman e Edgar Allan Poe di Roger Corman L’invenzione è figlia della necessità. Allo stesso modo delle scoperte e dei postulati di Freud, l’opera di Edgar Allan Poe scava nei meccanismi della mente profonda, ma ciò che ha indotto i due geni a scoprire l’inconscio in momenti così vicini della storia è il bisogno di comprendere la natura dell’uomo. Poe e Freud non sono stati i primi a lavorare a uno stesso problema e a raggiungere conclusioni sorprendenti. In maniera simile, Isaac Newton e Gottfried Leibniz sono arrivati insieme alla teoria unificata del calcolo e ancora oggi è in corso la diatriba su chi dei due sia il vero padre del calcolo infinitesimale. Lo studio della matematica esiste dai tempi dell’antico Egitto, ma le scoperte di Leibniz e Newton sono state fatte nel giro di pochi anni: anche se i due pensatori hanno lavorato in modo indipendente e ognuno per proprio conto, sono arrivati alle stesse verità quasi simultaneamente. Le loro innovazioni sono state fondamentali per lo sviluppo della razza umana e le intuizioni matematiche che ne sono seguite si sono rivelate indispensabili perché la società evolvesse nell’era industriale. Se Newton e Leibniz non avessero scoperto le rispettive teorie, un’altra mente coraggiosa avrebbe fatto il lavoro al loro posto. Come i matematici loro predecessori, sia Poe che Freud hanno fatto importanti scoperte nel campo della mente, svelandone aspetti a lungo nascosti. Inoltre, i loro progressi si sono susseguiti in un arco di tempo notevolmente vicino dal punto di vista storico. La differenza è che, mentre Freud ha pubblicato le sue scoperte nelle riviste di medicina, le rivelazioni di Poe si sono affacciate dalle pagine della sua narrativa. Il loro approccio nei confronti della mente partiva da angolazioni diverse. Freud analizzava i pazienti, Poe esaminava i suoi personaggi descrivendone sfide e tribolazioni: in alcune situazioni essi sfruttavano le risorse della mente cosciente, in altre prendevano decisioni apparentemente irrazionali perché l’inconscio ne assumeva il controllo. In nessun racconto, tuttavia, l’argomento è rappresentato in modo esclusivo dalle scoperte sull’inconscio: è importante notare che Poe credeva fermamente nell’arte come esecuzione rigorosa e disprezzava ogni forma di didatticismo. Il problema, dunque, consisteva nell’incorporare in maniera fluida le sue folgorazioni entro il tessuto artistico, in modo che fossero le idee al servizio della creazione e non l’arte asservita alla teoria. Nella critica letteraria psicanalitica non si guarda solo alla mente conscia dello scrittore, ma anche ai suoi pensieri inconsci. Poe ha lavorato sia con la mente superficiale che con quella profonda e di questo, durante la creazione dei film tratti dalle sue opere, si è tenuto il debito conto. Se è vero che ha tratto gran parte del materiale dagli strati abissali, bisogna supporre che tale livello inconscio non sia consapevole del mondo esteriore. L’interazione con il mondo risveglia la mente cosciente, ma suoni e immagini dell’esterno non penetrano mai nell’inconscio, che non ha conoscenza di ciò che lo circonda; per esprimere l’interiorità della mente, i miei film sono stati girati in interni e al chiuso fino a La tomba di Ligeia (The Tomb of Ligeia). Come i matematici prima di loro, Poe e Freud hanno fatto le rispettive scoperte per necessità. Dal punto di vista sociale, era tempo che gli esseri umani guardassero dentro di sé alla ricerca della verità. Il mondo era pronto perché per troppo tempo si erano incolpati agenti esterni di fatti che nascevano dall’inconscio: e si era parlato di stregoneria, fenomeni soprannaturali, magia. Era arrivato il momento nella storia che la specie si chiedesse perché si compissero azioni che alla mente cosciente sembravano tanto estranee. La comprensione del profondo ha aiutato gli uomini ad evolvere non solo individualmente ma dal punto di vista sociale, ad avere una maggior comprensione del mondo nella sua interezza. Le grandi scoperte sono dettate dalla necessità di evolvere. Come abbiamo detto di Newton e Leibniz, lo stesso possiamo dire di Poe e Freud: se non fossero arrivati alle rispettive scoperte, qualcun altro avrebbe preso il loro posto nella storia. Era venuto il tempo perché il lavorio intimo della mente fosse svelato. Attraverso le creazioni di Poe, la società ha cominciato un viaggio interiore verso il mondo del profondo. Verrà il tempo in cui l’umanità dovrà fare il prossimo passo. A sinistra I racconti del terrore (Tales of Terror). A destra Sepolto vivo (The Premature Burial). 66 67 urania d’argento Roger Corman Necessity breeds invention. Like the realizations and postulations of Sigmund Freud, the work of Edgar Allan Poe delves into the inner workings of the unconscious mind. It was the need to understand human nature that brought Poe and Freud to uncover the unconscious at a similar point in human history. Poe and Freud were not the first two men that approached the same problem and both came to starting realizations. In a similar nature, Isaac Newton and Gottfried Leibniz both deduced a unified theory of calculus. To this day, a battle still wages over which is the true father of calculus. The study of mathematics has existed since the time of the ancient Egyptians, yet the breakthroughs by Leibniz and Newton in calculus were uncovered in a close span of years. The men worked individually of each other, but nearly simultaneously discerned same truths. These innovations were needed for the development of the human race as a whole. The mathematic inventions by these men were necessary for society to move into the industrial age. If neither Newton nor Leibniz were to uncover these mathematic theories, another brave mind would have taken their place. These facts would have been uncovered sooner or later; as the necessity breeds invention and discovery. Like the mathematicians that preceded them, both Poe and Freud made discoveries of the mind that long Roger Corman and Edgar Allan Poe sat hidden. Yet, they both came to breakthroughs in close historical proximity. While Freud published his findings in medical papers, Poe’s revelations were detailed in his fiction. Poe and Freud approached the mind from two very different angles. Freud examined his patients; Poe examined his characters. Poe writes of their trials and tribulations. In some situations, the characters take action through their conscious mind; in others they make seemingly irrational decisions when their unconscious is calling the shots. The findings of the unconscious mind were never the outright subject of any particular story. It is important to note that Poe was a harsh believer that art should be about the execution and he looked down on didacticism. Thus, it was a matter of incorporating these understandings of the unconscious mind seamlessly into his work, where it would service the art itself, rather than the art servicing the theory. In psychoanalytical literary criticism, one looks not only at the conscious mind of the writer, but also their unconscious thoughts. Poe wrote with both his outer and inner mind. This was taken into account during the creation of the Poe films. If Poe wrote from the unconscious layers of his mind, this inner layer would have not been aware of the exterior world. The interaction with the outside world makes the conscious mind tick; all the sights and sounds never penetrate deep 68 by Roger Corman urania d’argento Roger Corman The Fall of the House of Usher [t. i. I vivi e i morti] Usa, 1960, colori, 35 mm, 79’ into the unconscious. Therefore, the unconscious has no knowledge of what its surroundings look like. To express the interior of the mind, the films, up until TheTomb of Ligeia, were filmed on indoor sound stages. Like the mathematicians before them, Poe and Freud discovered these concepts of the human unconscious because of necessity. As a society, it was time that humans turn and look within themselves for truth. The world was ready for this type of thinking. For too long outside sources had been blamed for the actions taken because of the unconscious: witchcraft, supernatural phenomena, and magic. It was time in human history for the race as a whole to examine why it sometimes takes actions that seem strange to the conscious mind. The understanding of the unconscious has helped humanity evolve further not only personally, but also as a society that has a greater understanding of the world as whole. It was the necessity to evolve that brought about these findings. And like Newton and Leibniz, had neither Poe nor Freud come to these understandings, someone else would have taken their place in history. The time had come for the inner workings of the mind to be discovered. Through the creations of Poe, society began its inward journey into the interior world of the mind. A time will come again when the human race must take its next step. Regia/Direction Roger Corman Sceneggiatura/Screenplay Richard Matheson, Edgar Allan Poe Fotografia/Cinematography Floyd Crosby Montaggio/Editing Anthony Carras Musiche/Music Les Baxter Convinto che il sangue della sua famiglia sia ormai contaminato da generazioni di malvagità, Roderick Usher è determinato a distruggere il matrimonio della sorella Madeline. Quando il fidanzato di Madeline giunge al castello infestato per riprendersi l’amata sposa, scoprirà che, per questa famiglia, la loro casa è più di una semplice casa... è la loro tomba! Interpreti/Cast Vincent Price, Mark Damon, Myrna Fahey, Harry Ellerbe, Mike Jordan Produttore/Producer Samuel Z. Arkoff, Roger Corman 69 Convinced that his family’s blood is tainted by generations of evil, Roderick Usher is hell-bent on destroying his sister Madeline’s wedding. But when Madeline’s fiancé arrives at the haunted castle to claim his lovely bride, he soon discovers that, for this family, their house is more than just a home... it’s their tomb! urania d’argento Roger Corman The Masque of the Red Death urania d’argento Roger Corman [t. i. La maschera della morte rossa] Regno Unito, 1964, colore, 35 mm, 89’ Regia/Direction Roger Corman Sceneggiatura/Screenplay Charles Beaumont, R. Wright Campbell Fotografia/Cinematography Nicolas Roeg Montaggio/Editing Ann Chegwidden Musiche/Music David Lee Interpreti/Cast Vincent Price, Ray Milland, Hazel Court, Jane Asher, David Weston Morte e depravazione regnano sovrane nel castello del Principe Prospero…e quando egli spadroneggia è come un fiume in piena! Prospero ha solo una scusa per le sue diaboliche azioni: è il diavolo che lo fa agire così! Ma quando un misterioso e inaspettato ospite rompe la sua maschera durante un ballo mascherato, allora sì che l’inferno si scatenerà e la festa si trasformerà in una danza macabra. Produttore/Producer Roger Corman Death and Debauchery reign in the castle of Prince Prospero, and when it reigns... it pours! Prospero has only once excuse for his diabolical deeds-the devil made him do it! But when a mysterious, uninvited guest crashes his pad during a masquerade ball, there’ll be hell to pay as the party atmosphere turns into a dance macabre! The Pit and the Pendulum [t. i. Il pozzo e il pendolo] Usa, 1961, colore, 35 mm, 90’ Regia/Direction Roger Corman Sceneggiatura/Screenplay Richard Matheson, opera originale di Edgar Allan Poe Fotografia/Cinematography Floyd Crosby Montaggio/Editing Anthony Carras Musiche/Music Les Baxter Il figlio del più spietato assassino dell’Inquisizione spagnola è mentalmente instabile, tormentato da orribili memorie d’infanzia. La moglie infedele finge la propria morte per farlo impazzire del tutto, ma scoprirà che il tradimento è un’arma a doppio taglio: l’uomo che voleva distruggere diventa non solo il suo giudice e la sua giuria, ma anche il suo boia! Interpreti/Cast Vincent Price, John Kerr, Barbara Steele, Luana Anders, Antony Carbone Produttore/Producer Roger Corman 70 71 Haunted by horrifying childhood memories, the son of the Spanish Inquisition’s most notorious assassin teeters on the brink of insanity. But when his adulterous wife fakes her own death to drive him over the edge, she soon discovers that betrayal cuts both ways – as the man she wants to destroy becomes not only her judge and jury – but also her executioner! urania d’argento Roger Corman The Raven urania d’argento Roger Corman [t. i. I maghi del terrore] Usa, 1963, colore, 35 mm, 86’ Regia/Direction Roger Corman Sceneggiatura/Screenplay Richard Matheson - Edgar Allan Poe Fotografia/Cinematography Floyd Crosby Montaggio/Editing Ronald Sinclair Musiche/Music Les Baxter Interpreti/Cast Vincent Price, Peter Lorre, Boris Karloff, Hazel Court, Olive Sturgess Produttore/Producer Roger Corman Il malinconico mago Erasmus Craven ha da poco abbandonato la Confraternita degli Stregoni dopo l’apparente morte della moglie Lenore e riceve la visita di uno sboccato corvo parlante che dice di essere l’insulso mago Adolphus Bedlo. Dopo molte insistenze, Craven riporta Bedlo al suo aspetto umano, invertendo l’incantesimo fatto dal malvagio Dottor Scarabus, maggior rivale di Craven. Dopo aver saputo che una donna molto somigliante a Lenore è stata vista in compagnia del Dottore, Craven decide di accompagnare Bedlo al castello di Scarabus, dove lo scontro si inasprisce fino a sfociare in una battaglia all’ultimo sortilegio tra i due stregoni accecati di rabbia. 72 Melancholy magician Erasmus Craven, having recently relinquished his membership in the Brotherhood of Sorcerers after the apparent death of his wife Lenore, is paid a visit by a foul-mouthed talking raven, claiming to be small-time wizard Adolphus Bedlo. After some persuasion, Craven returns Bedlo to human form, reversing a spell placed by the evil Dr. Scarabus, Craven’s chief rival. After learning that a woman bearing a strong likeness to Lenore was seen in the Doctor’s company, Craven accompanies Bedlo to Scarabus’ castle, where the resulting battle of wills escalates into all-out magical warfare between the two embittered sorcerers. X: The Man with the X-Ray Eyes [t. i. L’uomo dagli occhi a raggi X] Usa, 1963, colore, 35 mm, 79’ Regia/Direction Roger Corman Sceneggiatura/Screenplay Robert Dillon Fotografia/Cinematography Floyd Crosby Montaggio/Editing Anthony Carras Musiche/Music Les Baxter Interpreti/Cast Ray Milland, Diana Van der Vlis, Harold J. Stone, John Hoyt, Don Rickles Produttore/Producer Roger Corman Il Dottor James Xavier è un ricercatore brillante ma poco ortodosso. I suoi esperimenti con la vista umana hanno prodotto una sostanza chimica sperimentale in grado di incrementare enormemente la nostra capacità visiva e, dopo averla sperimentata su se stesso, ha scoperto di essere in grado di vedere all’interno del corpo umano in tempo reale. Mentre continua a testare la droga su di sé, Xavier comincia non solo a vedere attraverso le pareti e i vestiti, ma anche il vero e proprio tessuto che compone la realtà. 73 Dr. James Xavier is a brilliant but unorthodox researcher whose work with human sight has yielded an experimental chemical that may vastly increase the range of what we can see. He uses it on himself and finds that he is able to look inside the human body in real-time. As he continues to test the drug on himself, Xavier begins to see, not only through walls and clothes, but through the very fabric of reality! urania d’argento Christopher Lee A destra Christopher Lee riceve nel 2001 il titolo di Comandante dell’Ordine dell’Impero Britannico. Sir Christopher Lee: Knight of Terror di Kim Newman Nato a Londra nel 1922, Christopher Frank Caradini Lee, figlio di una contessa italiana e di un ufficiale dell’esercito inglese, fece il suo debutto artistico interpretando Rumpelstiltskin nell’omonimo spettacolo durante un’infelice e breve permanenza in una scuola svizzera. “Ho imparato fin dall’inizio che le battute migliori vengono date ai cattivi e che questi colpiscono maggiormente il pubblico.” Dopo aver servito come ufficiale dei servizi segreti, Lee scivolò lentamente nella recitazione, con una breve frequentazione dell’infame Charm School (scuola di recitazione per giovani attori) del produttore J. Arthur Rank. Sebbene considerato “troppo alto e dall’aspetto troppo poco familiare” Lee divenne un caratterista per le più svariate produzioni e fu da subito molto impegnato. Il suo primo lavoro fu nel 1947 con il primitivo show TV registrato dal vivo Kaleidoscope e con il thriller Il mistero degli specchi (Corridor of Mirrors). Nei dieci anni successivi, le apparizioni cinematografiche di Lee spaziarono da ruoli non accreditati (gridava “luci” nell’Amleto di Olivier, il suo primo film con Peter Cushing, e fu Seurat nel Moulin Rouge di John Huston) a ruoli da protagonista in B-movie (un killer dalla doppia personalità in Alias John Preston), oltre a un notevole numero di interpretazioni in produzioni televisive (Douglas Fairbanks Presents, Errol Flynn Theatre). La sua altezza e l’aspetto ‘straniero’, uniti a una notevole facilità ad apprendere lingue e dialetti, gli valsero ruoli come il capitano spagnolo in Captain Horatio Hornblower RN, un poliziotto svedese nel film La valle delle aquile (Valley of Eagles), un barman uruguaiano in La battaglia di Rio della Plata (The Battle of the River Plate), un ufficiale nazista nel film Colpo di mano a Creta (I’ll Met By Moonligh) e il sadico marchese St. Evremonde nella versione di Verso la città del terrore (A Tale of Two Cities) con Dirk Bogarde. Il fatto che non rientrasse nei canoni letterari del cinema inglese degli anni ’50, con la sua divisione tra ‘ufficiali’ e ‘uomini’, fu dimostrato dalla sua strana apparizione nel ruolo di un sottufficiale cockney nel film di Nicholas Ray Vittoria amara (Bitter Victory). Nondimeno, i teledipendenti della fascia pomeridiana, aguzzando la vista, possono riconoscere Lee in film quali La tragedia del capitano Scott (Scott of the Antarctic), Il duca e la ballerina (Trottie True), They Were Not Divided, Prelude to Fame, Il corsaro dell’isola verde (The Crimson Pirate), Innocents in Paris, Tempesta sul Nilo (Storm Over the Nile), Sopravvissuti: 2 (The Cockleshell Heroes), Operazione fifa (Private’s Progress) e Indagine pericolosa (Fortune is a Woman). Il momento di svolta nella carriera di Lee avvenne nel 1957 quando la Hammer Films, forte del successo del monster movie fantascientifico in bianco e nero The Quatermass Experiment, decise di investire in un remake a colori di un classico dei monster movie, con Terence Fisher alla regia e Jimmy Sangster alla sceneggiatura di La maschera di Frankenstein (The Curse of Frankenstein). In questa versione, il ruolo principale era quello del barone Frankestein, interpretato da Peter Cushing, attore altrettanto impegnato ma decisamente più noto. La Hammer aveva bisogno però di qualcuno di molto alto per il ruolo del Mostro. L’agente di Bernard Bresslaw chiese però una cifra esorbitante e così Christopher Lee andò ai Bray Studios per farsi ricoprire completamente con un macabro make-up. 75 Il film fu un successo, ma Lee non ebbe il riconoscimento che meritava: recitando all’ombra di Boris Karloff, la cui interpretazione del ruolo era autorevole, la Creatura di Lee prendeva vita appena dopo un’ora di film ed era più che altro un animale minaccioso, di cui ci si liberava con un tuffo in una vasca di acido. Nei sequel il Barone sarebbe potuto ritornare ma ci sarebbe stato necessariamente bisogno di nuovi mostri. In ogni caso si trattava di un cameo che spaventava e colpiva, con una scena brillante in cui la Creatura, già orribile di suo, veniva ripresa dopo un’operazione al cervello, con nuove cicatrici oltre a quelle vecchie, e con patetica vanità si voltava, cercando di nascondere la sua nuova deformità. “Il mio viso era nascosto dalle cicatrici, il mio corpo era avvolto da bende: ero una specie di fagotto che si muoveva.” disse Lee. “Ma poi fu la volta di Dracula e allora capii che se volevo proseguire per questa strada, avrei avuto una lunga carriera.” The Curse of Frankenstein fu un tale trionfo che la Hammer non volle correre rischi nella pianificazione dei sequel: mantenne gli stessi attori, regista, sceneggiatore e tanti altri membri dello staff per l’inevitabile Dracula (Horror of Dracula). Sebbene di nuovo sullo schermo solo per pochi momenti, Lee conquistò il film: un attimo prima soave nel mettere un ospite a proprio agio, e un momento dopo un selvaggio dai denti aguzzi pronto per l’assalto. Il Conte dal cappotto fiammeggiante e profanatore di boudoir ha un confronto finale molto fisico con il Van Helsing di Cushing, facendo di Dracula uno spaccone sovrannaturale, regalando una sublime scena di polverizzazione all’alba. Con questo, Lee divenne una star dell’horror al urania d’argento Christopher Lee pari di Cushing, ma la Hammer sembrò non accorgersene. Nel film La Mummia (The Mummy), si ritrovò di nuovo avvolto dalle bende, impressionante e impassibile in un ruolo che si addiceva di più a uno stuntman. Poi la Hammer gli passò in gran quantità ruoli da non protagonista, come cattivo o eroe, in film quali La furia dei Baskerville (The Hound of the Baskervilles), L’uomo che ingannò la morte (The Man Who Could Cheat Death), Il mostro di Londra (The Two Faces of Dr Jekyll), La casa del terrore (Taste of Fear), Lo sguardo che uccide (The Gorgon) e La dea della città perduta (She). La società poi fece anche dei sequel dai film che lo avevano reso una star, ma senza di lui, riproponendo Cushing per La vendetta di Frankenstein (The Revenge of Frankenstein) e Le spose di Dracula (The Brides of Dracula). Nel frattempo, altri produttori nel Regno Unito e in tutt’Europa gli offrirono ruoli horror di ben più grande interesse e sostanza: il ladro di cadaveri contrapposto a una leggenda del cinema di genere come Boris Karloff nel film Corridors of Blood, la parodia del vampiro nell’italiano Tempi duri per i vampiri (Uncle Was a Vampire), un mago mefistofelico nel francese Le mani dell’altro (The Hands of Orlac), un professore satanista in La città dei morti (City of the Dead , noto anche con il titolo Horror Hotel). Fece un’apparizione in un paio di film, munito di sottili baffi, nei panni di un faccendiere frequentatore di strip club di Soho: Beat Girl e Londra a mezzanotte (Too Hot to Handle). Finalmente allora la Hammer gli offrì ruoli di primo piano, ma in esotici film di avventura (Il terrore dei Tongs - The Terror of the Tongs, I pirati del fiume rosso - The Pirates of Blood River, La nave del diavolo - The Devil-Ship Pirates), mentre sceglievano Herbert Lom per il loro Fantasma dell’opera (Phantom of the Opera), Paul Massie come Jekyll e Hyde e Cushing per tutti gli altri film. Per tutti gli anni ’60, Lee andò su e giù per l’Europa, interpretando, a seconda delle circostanze, ruoli principali e particine, realizzando film straordinari, ordinari e atroci. In Italia, per Mario Bava, interpretò Ercole al centro della terra (Hercules in the Haunted World) e il notevolissimo sadoromantico La frusta e il corpo (The Whip and the Flesh), quindi tornò a ruoli gotici e sinistri nel film di Camillo Mastrocinque La cripta e l’incubo (Crypt of Terror), quello di Antonio Margheriti, La vergine di Norimberga (The Virgin of Nuremberg), e Il castello dei morti vivi (Castle of the Living Dead) di Herbert Wise e Michael Reeves. In Germania, diede il suo contributo al ciclo tratto da Edgar Wallace (L’enigma dell’orchidea rossa - Das - Rätsel der roten Orchidee), fece un altro bizzarro film di vampiri (Das Schlangengrube und das Pendel ) e interpretò Sherlock Holmes (Sherlock Holmes und das Halsband des Todes ). I rivali della Hammer quindi cominciarono a scritturarlo con molta più immaginazione: diversi ruoli in film horror ricchi di star, per produzioni come la Amicus (Le cinque chiavi del terrore - Dr. Terror’s House of Horrors, Il teschio maledetto - The Skull, La casa che grondava sangue - The House That Dripped Blood), l’American International (La rossa maschera del terrore - The Oblong Box, Terrore e terrore - Scream and Scream Again), la Tigon (Le messe nere - Curse of the Crimson Altar, Il terrore viene dalla pioggia - The Creeping Flesh), e lo vollero persino la Planet (Demoni di fuoco - Night of the Big Heat) e la Pennea (Il teatro della morte - Theatre of Death). Iniziò quindi un nuovo ciclo semi76 horror per il produttore Harry Allan Towers, Fu Manchu A.S. 3 – operazione tigre (The Face of Fu Manchi), nel 1964, ritornando (come promesso dal crescendo della voce di Devil Doctor sopra all’immagine dell’esplosione del suo ultimo nascondiglio) per quattro volte al ruolo partorito dalla diabolica mente di Sax Rohmer, sebbene la serie passasse poi dal rispettabile Don Sharp (Il giorno dei fazzoletti rossi - Brides of Fu Manchu), a Jeremy Summers (La vendetta di Fu Manchu - The Vengeance of Fu Manchu) all’infaticabile, ma a intermittenza, Jesus Franco (Il castello di Fu Manchu - Castle of Fu Manchu, Blood of Fu Manchu). La Hammer alla fine promosse Lee al livello di Attore di Gran Valore nel 1965, scritturandolo per una replica del suo ruolo più grande in Dracula, Principe delle tenebre (Dracula, Prince of the Darkness), e subito dopo per l’interessante anche se storicamente marginale Rasputin, il monaco folle (Rasputin, the Mad Monk), per poi assegnargli un ruolo ardito ed eroico in un progetto che egli stesso aveva presentato allo studio, The Devil Rides Out di Dennis Wheatley. Nonostante il successo del film di Wheatley e la crescente evidenza della straordinaria versatilità di Lee, la Hammer lo chiamò solo per ruoli vampireschi in film che valevano a stento la pena di sforzarsi, per il grande attore, quali che fossero i loro punti di forza e le loro debolezze: Le amanti di Dracula (Dracula Has Risen From the Grave), Una messa per Dracula (Taste the Blood of Dracula), Il marchio di Dracula (Scars of Dracula), 1972: Dracula colpisce ancora (Dracula A.D. 1972) e I riti satanici di Dracula (The Satanic Rites of Dracula). Nonostante un’interpretazione coraggiosa, con una diversa lettura del ruolo, per il film di Franco Il conte Dracula (El conde Drácula), nonostante la maggior esplorazione del contesto e del ruolo nel breve In Search of Dracula, e nonostante avesse interpretato il cameo del Conte in Controfigura per un delitto (One More Time) e Magic Christian (The Magic Christian) e una parodia in Dracula, père et fils, Lee spese molto tempo in interviste e dimostrandolo sullo schermo che la sua versatilità offriva una gamma di interpretazioni che andava ben oltre mordere attricette e far frusciare il mantello. Nei primi anni ’70 Lee prende in mano la sua carriera e organizza i suoi progetti nell’ambito dell’horror (spesso in coppia con Cushing), senza particolari costrizioni, interpretando la parte di Jekyll e Hyde in La vera storia del dottor Jekyll (I, Monster) nella deludente versione Amicus, producendo e recitando nel macabro thriller Il cervello dei morti viventi (Nothing But the Night), e lottando con Cushing nello sciocco Horror Express (Panico en el Transiberiano). In questi anni Lee mise il suo talento a servizio del film The Wicker Man, lavoro notevolissimo di Robin Hardy, e dell‘ultimo afflato horror della Hammer, un altro racconto di Wheatley, Una figlia per il diavolo (To the Devil a Daughter). Gli horror a basso e medio budget hanno fatto di Lee una star, ma egli spinse al limite il genere con i suoi ruoli nelle produzioni maggiori: interpretò Mycroft, il fratello più intelligente di Sherlock Holmes nel film di Billy Wilder, dolorosamente sottovalutato, The Private Life of Sherlock Holmes, e Rochefort, lo spadaccino dall’occhio bendato nel film di Richard Lester I tre moschettieri (The Three Musketeers) e nei suoi sequel, e il cattivo in Agente 007: l’uomo dalla pistola d’oro (The Man with the Golden Gun). Nella metà degli anni ’70, Lee si trasferì a Hollywood, e apparse in film traballanti, ma con cast stellari, come Airport’77, Ritorno dall’ignoto (Return from Witch Mountain), Caravans Bear Island e 1941: Allarme a Hollywood (1941) di Steven Spielberg. Interpretò anche il ruolo del cattivo in film per la TV (Captain America II), condusse il Saturday Night Live, fece un’apparizione in Charlie’s Angels, fu un prete alieno in The End of the World, impersonò il Duca di Edimburgo in Charles and Diana: A Royal Love Story e finì in qualche modo nell’hollywoodiano Morak - il potere dell’occulto (Hollywood Meatcleaver Massacre) e in L’ululato II (Howling II: Stira, Werewolf Bitch), rifiutando invece il ruolo di Donald Pleasence in Halloween. Nel Regno Unito, il film La casa delle ombre lunghe (House of the Long Shadows) di Pete Walker fu un deludente ultimo grido di gioia per le star dell’horror - tra cui Vincent Price, Peter Cushing and John Carradine - ma Lee visse ancora momenti di gloria con la parodia australiana del supereroe The Return of Captain Invincible e con Gremlins 2: La nuova stirpe (Gremlins 2: The New Batch) di Joe Dante. Ritornato in Inghilterra e a diverse opportunità di lavoro in Europa, Lee diventò il re delle miniserie, spesso con ruoli in costume o esotici come vecchie versioni di personaggi da lui già interpretati negli anni ’50. Dopo The Far Pavilions e Shaka Zulu, apparve in camei di spicco in nuove versioni di Casanova, Il giro del mondo in 80 giorni (Around the World in 80 Days), The French Revolution, Moses, L’isola del tesoro (Treasure Island) e L’Odissea (The Odyssey), e riprese un suo vecchio ruolo in Sherlock Holmes: The Golden Years. A parte alcuni curiosi film horror (Panga, Funny Man, Talos, l’ombra del faraone - Talos the Mummy) negli anni ’90, 77 le sue apparizioni restano eclettiche più che mai, passando abilmente dal serio ufficiale in Scuola di polizia - missione a Mosca (Police Academy: Mission to Moscow) all’eccezionale star di Jinnah, un’epopea che ha cercato di fare per il fondatore del Pakistan quello che Richard Attendborough fece per Gandhi. Ad un’età in cui la maggior parte degli attori pensa alla pensione e a lucidare i premi alla carriera, Lee - forse con sua stessa sorpresa - si è ritrovato con i lavori più importanti della sua carriera. Alla fine degli anni ’90 ha interpretato un cameo degno di nota ne Il mistero di Sleepy Hollow (Sleepy Hollow) di Tim Burton, ha avuto un importante ruolo nell’adattamento per la televisione di Gormenghast ed è stato protagonista del programma della BBC Ghost Stories for Christmas, con la lettura di un racconto di M.R. James, mentre il nuovo secolo portava l’attore, giunto alla soglia degli ottant’anni, ad alcuni ruoli in produzioni blockbuster -il “carismatico separatista” Conte Dooku nella saga di George Lucas Star Wars , episodio II: l’attacco dei cloni (Star Wars: Episode II - Attack of the Clones), e il mago bianco diventato esponente del male Saruman nella trilogia de Il Signore degli anelli (The Lord of the Rings) di Peter Jackson. È inoltre tra gli interpreti de La fabbrica di Cioccolato (Chocolate Factory), La bussola d’oro (The Golden Compass), Il colore della magia (The Colour of Magic), dove presta la voce al personaggio Morte, e Alice nel paese delle meraviglie (Alice in Wonderland). Nominato cavaliere nel 2009, proprio mentre una rediviva Hammer Films lo vuole nel cast di The Resident, Sir Christopher Lee continua a onorare il cinema con la sua magistrale e al contempo versatile presenza. A destra Christopher Lee nei panni di Franklyn Marsh, il monaco Rasputin, Saruman il Bianco e il Conte Dooku. 78 urania d’argento Christopher Lee Sir Christopher Lee: Knight of Terror by Kim Newman Born in London in 1922, Christopher Frank Carandini Lee, son of an Italian Countess and a British army officer, made his acting debut in the title role of Rumpelstiltskin during an unhappy spell at a Swiss school. ‘I learnt at the outset that the best lines are given to the baddies and that these make the most impact on the audience.’ After war service as an Intelligence Officer, Lee drifted into acting, with a spell in producer J. Arthur Rank’s infamous Charm School. Though considered ‘too tall and foreignlooking’ to be a star, Lee became a busy jobbing character man from his first days in the business – his first screen work came in 1947 with a primitive live TV show Kaleidoscope and the film thriller Corridor of Mirrors. In the next ten years, Lee’s film work ranged from unbilled bits (shouting ‘lights’ in Olivier’s Hamlet, his first film with Peter Cushing, Seurat in John Huston’s Moulin Rouge) to leads in B pictures (a split personality killer in Alias John Preston), and a great deal of TV repertory work (Douglas Fairbanks Presents, Errol Flynn Theatre). His height and ‘foreign’ looks, plus a facility for languages and dialects, won him roles like the Spanish Captain in Captain Horatio Hornblower RN, a Swedish policeman in Valley of Eagles, a Uruguayan barman in The Battle of the River Plate, a Nazi officer in Ill Met By Moonlight and the sadistic Marquis St Evremonde in the Dirk Bogarde version of A Tale of Two Cities. That he didn’t fit into the literal ranks of British 1950s cinema, with its division between ‘officers’ and ‘men’, was demonstrated by his odd turn as a cockney NCO in Nicholas Ray’s Bitter Victory. Nevertheless, the eagle-eyed afternoon television addict can spot Lee in the likes of Scott of the Antarctic, Trottie True, They Were Not Divided, Prelude to Fame, The Crimson Pirate, Innocents in Paris, Storm Over the Nile, The Cockleshell Heroes, Private’s Progress and Fortune is a Woman. The turning point in Lee’s career came in 1957 when Hammer Films, having had a hit with the black and white science fiction monster movie The Quatermass Experiment, decided to put the boat out on a colour remake of the classic monster movie, with Terence Fisher directing and Jimmy Sangster scripting The Curse of Frankenstein. In this version, the star role was Baron Frankenstein, played by the equally busy but then far-better-known Peter Cushing, but Hammer needed someone tall to play the Monster. Bernard Bresslaw’s agent asked for too much money so Christopher Lee went down to Bray Studios and was plastered with gruesome make-up. The film was a hit, but Lee didn’t get the recognition he deserved: acting in the flat-headed shadow of Boris Karloff, whose reading of the role was definitive, Lee’s Creature doesn’t stir to life until an hour into the film and is mostly an animal-like threat, disposed of by a dunk in an acid bath that meant sequels could bring back the Baron but would need new monsters. However, it’s a frightening and affecting cameo, with one great moment as the already-hideous Creature is displayed after a brain operation with fresh scars among the old ones and turns away with a pathetic vanity, trying to conceal his one new deformity. ‘My face was hidden by scarring tissue, my body by bandagewrapping; I was nothing but a mobile parcel,’ said Lee. ‘But then Dracula came along and I knew this was going to be a long-term career if I wanted to follow in its path.’ The Curse of Frankenstein was such a hit that Hammer took no risks in planning follow-ups, retaining stars, director, writer and many other cast and crew members for the inevitable Dracula (aka Horror of Dracula). Though again on screen for a very short time, Lee clearly walked away with the film, briskly suave when putting a guest at ease and then a hissing, fanged savage when pouncing. The cape flaring, boudoir-invading Count has a very phsyical final confrontation with Cushing’s Van Helsing, making this Dracula a supernatural swashbuckler, paying off with a fine disintegration-at-dawn scene. After that, Lee was a horror star to equal Cushing, but Hammer seemed not to notice. In The Mummy, he was under bandages again, impressive and impassive in a role more suited to a stuntman. Then, Hammer handed him stock supporting villain or hero in The Hound of the Baskervilles, The Man Who Could Cheat Death, The Two Faces of Dr Jekyll, Taste of Fear, The Gorgon and She. The company even made sequels to his star-making hits without him, bringing back Cushing for The Revenge of Frankenstein and The Brides of Dracula. Meanwhile, other producers in the UK and across Europe offered meatier horror roles: a bodysnatcher opposite genre legend Boris Karloff in Corridors of Blood, a parody vampire in the Italian Tempi duri per i vampiri (aka Uncle Was a Vampire), a mephistophelean magician in the French The Hands of Orlac, a Satanist professor in City of the Dead (aka Horror Hotel). He even turned up in a couple of thinmoustached Soho strip club spiv roles, Beat Girl and Too Hot to Handle. Hammer finally gave him lead roles, but in exotic adventure films (The Terror of the Tongs, The Pirates 79 urania d’argento Christopher Lee of Blood River, The Devil-Ship Pirates) while casting Herbert Lom as their Phantom of the Opera, Paul Massie as Jekyll and Hyde and Cushing as everyone else. Throughout the 1960s, Lee hopped around Europe, still playing leads and character bits as required, making extraordinary, ordinary and atrocious films. For Italy’s Mario Bava, he made Ercole al centro della terra (aka Hercules in the Haunted World) and the remarkably sado-romantic La frusta e il corpo (aka The Whip and the Flesh), then popped back for sinister gothic roles in Camillo Mastrocinque’s La cripta e l’incubo (aka Crypt of Terror), Antonio Margheriti’s La vergine di Norimberga (aka The Virgin of Nuremberg) and Herbert Wise and Michael Reeves’s Il castello dei morti vivi (aka Castle of the Living Dead). In Germany, he contributed to the Edgar Wallace cycle (Das Rätsel der roten Orchidee aka The Secret of the Red Orchid), made another odd vampire movie (Das Schlangengrube und das Pendel aka Blood Demon) and played Sherlock Holmes (Sherlock Holmes und das Halsband des Todes aka Sherlock Holmes and the Deadly Necklace). Hammer’s rivals started employing him with far more imagination: hence varied credits in allstar horrors for Amicus (Dr. Terror’s House of Horrors, The Skull, The House That Dripped Blood), American International (The Oblong Box, Scream and Scream Again), Tigon (Curse of the Crimson Altar, The Creeping Flesh), even Planet (Night of the Big Heat) and Pennea (Theatre of Death). He commenced a new semi-horror cycle for producer Harry Allan Towers with The Face of Fu Manchu in 1964, returning (as promised in the ritual finale of the Devil Doctor’s booming voice laid over the image of his latest exploding lair) to the role of Sax Rohmer’s diabolical mastermind four times, though the series passed from the respectable Don Sharp (Brides of Fu Manchu) past Jeremy Summers (The Vengeance of Fu Manchu) to the indefatigable but only intermittently Jesus Franco (Castle of Fu Manchu, Blood of Fu Manchu). Hammer finally upgraded Lee to Most Valuable Player status in 1965 by signing him up for a reprise of his greatest role in Dracula, Prince of Darkness, made back to back with the historically marginal but otherwise interesting Rasputin, the Mad Monk, and then cast him in a dashing, heroic role in a project he had advocated at the studio, Dennis Wheatley’s The Devil Rides Out. Despite the success of the Wheatley film and growing evidence of Lee’s versatility, Hammer only called him back to the cape and fangs in films that hardly seemed worth the effort for the actor, whatever their other strengths and failings: Dracula Has Risen From the Grave, Taste the Blood of Dracula, Scars of Dracula, Dracula A.D. 1972 and The Satanic Rites of Dracula. Though he made a brave stab at a different reading of the role for Franco in El conde Drácula (aka Count Dracula), explored its context in the short In Search of Dracula, played Count cameos in One More Time and The Magic Christian and delivered more parody in Dracula, père et fils, Lee spent a great deal of time insisting in interviews and demonstrating on screen that his range extended beyond biting starlets and swishing his cloak. In the early 1970s, taking a more pro-active role in his career, Lee set up his own projects loosely within the horror genre (often teaming with Cushing) – playing Jekyll and 80 Hyde in Amicus’s compromised I, Monster, producing and starring in the macabre thriller Nothing But the Night, and sparring with Cushing in the endearingly daft Pánico en el Transiberiano (aka Horror Express). In this period, he lent his presence to Robin Hardy’s remarkable The Wicker Man and Hammer’s last horror gasp, another Wheatley tale, To the Devil a Daughter. Low- and medium-budget horror made Lee a star, but he pushed the genre envelope with roles in major productions: as Sherlock Holmes’s cleverer brother Mycroft in Billy Wilder’s sorely underrated The Private Life of Sherlock Holmes, as the eye-patched swordsman Rochefort in Richard Lester’s The Three Musketeers and its follow-ups and as a Bond villain in The Man With the Golden Gun. In the mid-70s, Lee relocated to Hollywood, and turned up in shaky all-star efforts like Airport ’77, Return From Witch Mountain, Caravans, Bear Island and Steven Spielberg’s 1941. He also did TV movie villains (Captain America II), hosted Saturday Night Live, guested on Charlie’s Angels, played an alien priest in End of the World, impersonated the Duke of Edinburgh in Charles and Diana: A Royal Love Story and somehow wound up in Hollywood Meatcleaver Massacre and Howling II: Stirba, Werewolf Bitch (while turning down the Donald Pleasence role in Halloween). In Britain, Pete Walker’s House of the Long Shadows was a disappointing last hurrah for horror stars – alongside Vincent Price, Peter Cushing and John Carradine – but Lee had more rewarding moments in the Australian superhero parody The Return of Captain Invincible and Joe Dante’s Gremlins 2: The New Batch. Returning to England and European career opportunities, Lee became a miniseries king, often in period or exotic roles like older versions of the types he had played in the 1950s. After roles in The Far Pavilions and Shaka Zulu, he appeared in standout cameos in versions of Casanova, Around the World in 80 Days, The French Revolution, Moses, Treasure Island and The Odyssey, and revived an old role for Sherlock Holmes: The Golden Years. Though he did the odd tiny horror film (Panga, Funny Man, Talos the Mummy) in the 1990s, his credits remained as eclectic as ever, with a segue from straight man in Police Academy: Mission to Moscow to above-the-title star in Jinnah, an epic which tried to do for Pakistan’s founder what Richard Attenborough had done for Gandhi. At an age when most actors would consider retirement and polish their Life Achievement Awards, Lee – perhaps to his surprise – found himself enjoying the most high-profile work of his career. The late 1990s brought a significant cameo in Tim Burton’s Sleepy Hollow, a major role in the TV dramatisation of Gormenghast and a star turn reading M.R. James in the BBC’s Ghost Stories for Christmas, while the turn of the century led an actor approaching 80 to parts in blockbuster franchises – the ‘charismatic seperatist’ Count Dooku in George Lucas’s Star Wars, Episode II: Attack of the Clones and the white-wizardgone-bad Saruman in Peter Jackson’s Lord of the Rings trilogy. He is also in Charlie and the Chocolate Factory, The Golden Compass, The Colour of Magic (as the voice of DEATH) and Alice in Wonderland. Knighted in 2009, even as a revived Hammer Films cast him in The Resident, Sir Christopher Lee continues to grace the cinema with his magisterial, yet versatile presence. Sopra Christopher Lee insieme a Peter Cushing in una scena di Le cinque chiavi del terrore (Dr. Terror’s House of Horrors). 81 urania d’argento Christopher Lee Triage urania d’argento Christopher Lee Irlanda/Spagna/Francia, 2009, colore, 35 mm, 99’ Regia/Direction Danis Tanovic Sceneggiatura/Screenplay Danis Tanovic Fotografia/Cinematography Seamus Deasy Montaggio/Editing Francesca Calvelli, Gareth Young Musiche/Music Lucio Godoy Interpreti/Cast Colin Farrell, Paz Vega, Christopher Lee, Kelly Reilly, Jamie Sives, Branko Djuric Produttore/Producer Yousaf Bokhari Distribuzione/Distribution 01 Distribution Due esperti fotoreporter, Mark e David, lavorano nel Kurdistan in guerra. Mark è alla ricerca della foto della sua vita, mentre David ne ha avuto abbastanza e decide di mollare tutto per ritornare a casa dalla moglie incinta, Diane. Quando anche Mark viene ferito e fa ritorno in Irlanda pochi giorni dopo, rimane sconvolto nell’apprendere che David non è tornato a casa. Esausto, disorientato, ossessionato da fantasmi di violenza, l’uomo peggiora a vista d’occhio. In ospedale, i medici giungono alla conclusione che la sua paralisi è un problema psicologico legato a qualcosa che è accaduto a David e che Mark non vuole ricordare. 82 Two expert war photographers, Mark and David, are working in war torn Kurdistan. Mark is in search of the ultimate shot but David has had enough of it all and leaves to go home to his pregnant wife Diane. When Mark returns bloody and bruised to his home in Ireland a few days later, he is shocked to hear David hasn’t made it home. Exhausted, disorientated, obsessed by ghosts of violence, the man visibly deteriorates. In hospital, the doctors conclude that his paralysis is a psychological problem linked to something that happened to David, which Mark does not want to remember. The Wicker Man Regno Unito, 1973, colore, 35 mm, 88’ Regia/Direction Robin Hardy Sceneggiatura/Screenplay Anthony Shaffer Fotografia/Cinematography Harry Waxman Montaggio/Editing Eric Boyd-Perkins Musiche/Music Paul Giovanni Interpreti/Cast Christopher Lee , Edward Woodward, Diane Cilento, Britt Ekland, Ingrid Pitt In seguito alla misteriosa scomparsa di una ragazza, il sergente Howie arriva su un’isola remota per indagare, ma la comunità pastorale guidata dallo strano Lord Summerisle non è ciò che sembra. Il detective scopre presto una società segreta dedita alla lussuria sfrenata e ai riti pagani al limite della blasfemia. Riuscirà Howie a fermare il sacrificio estremo previsto dal culto prima che lui stesso si ritrovi faccia a faccia con l’orrore del fantoccio di paglia? Produttore/Producer Peter Snell 83 When a young girl mysteriously disappears, Police Sergent Howie travels to a remote island to investigate. But this pastoral community, led by the strange Lord Summerisle, is not what it seems. Detective soon uncovers a secret society of wanton lust and pagan blasphemy. Can Howie now stop the cult’s ultimate sacrifice before he himself comes face-to-face with the horror of the wicker man? Science+Fiction festival della fantascienza _ marx attacks! marx attacks! Marx Attacks! Cinema di fantascienza dell’Europa dell’Est di Daniele Terzoli Seconda sezione della retrospettiva Marx Attacks! dedicata al cinema di fantascienza dei paesi dell’Est Europa (e realizzata con la collaborazione di Alpe Adria Cinema), dopo la prima tranche del 2007 incentrata sulle produzioni dell’ex Unione Sovietica. L’anno in corso è particolarmente significativo per un’esplorazione fra i film realizzati oltre la Cortina di Ferro nell’arco di tempo compreso fra gli anni ’60 e la fine degli ’80: il ventennale della caduta del muro di Berlino, evento epocale che il 9 novembre 1989 marcava la fine del Secolo Breve, ha dato il via a una serie di riflessioni sui segnali artistici che hanno in varie forme anticipato la caduta del Muro. La Berlinale ha presentato quest’anno una rassegna intitolata “After Winter Comes Spring – Films Presaging the Fall of the Wall” che comprendeva fra le altre una pellicola girata in Polonia nel 1981 da Piotr Szulkin, The War of the Worlds – Next Century (Wojna swiatów - nastepne stulecie), parabola fantascientifica sulla vita quotidiana sotto una dittatura. Di questa distopia, intesa come metafora della vita sotto al comunismo, scrive estesamente Ewa Mazierska nel suo articolo “Polish cinematic dystopias: metaphors of life under communism – and beyond” reperibile sul sito della rivista on-line Kinema al link http://www.kinema.uwaterloo.ca/article. php?id=77&feature; i cinque film presi in considerazione dal saggio comprendono altri tre titoli dello stesso Szulkin, ovvero Golem (1979), O-bi, o-ba. Koniec cywilizacji (O-bi, O-ba. The End of Civilization, 1985) Ga, ga, chwała bohaterom (Ga, Ga. Glory of the Heroes, 1986); e una commedia sci-fi di Juliusz Machulski, Seksmisja (Sex Mission, 1983). Secondo molti giornalisti e storici, il Muro ha iniziato a cadere quando a Danzica la protesta degli operai di Solidarnosc decretò il fallimento del socialismo reale. Ma i germi della critica al sistema, o quantomeno di una sottile ambiguità politica, emergevano già con evidenza in molte opere di fantascienza scritte fra gli anni ’50 e i ’70 dai maggiori autori dell’est, come il polacco Stanislaw Lem o il ceco Josef Nesvadba. E le tracce sono evidenti anche nei maggiori film di science-fiction di quegli anni, anche quando nascoste sotto il velo della propaganda o suggerite nelle forme evasive di fuga dalla realtà. Ne sono esempi di Der schweigende Stern (The Silent Star, 1960), space opera di Kurt Maetzig prodotta negli studi della DEFA sulla scia di un romanzo di Lem, lancia un messaggio pacifista e di convivenza interraziale; Eolomea (1972) di Herrmann Zschoche lascia trasparire una velata critica della burocrazia proiettata sul tema delle missioni spaziali, Im Straub der Sterne (In the Dust of the Stars, 1976) di Gottfried Kolditz propone un’utopia contrassegnata da un’insolita attrazione per mode e costumi occidentali. Con l’imponente lavoro dei suoi Barrandov Studio, la ex Cecolsovacchia è il paese che ha sfornato il maggior numero di film atmosfera fantastica, grazie anche all’apporto di straordinari maestri dell’animazione come Karel Zeman o Jan Svankmajer. È una fantascienza insolitamente gelida e asettica quella della missione spaziale del venticinquesimo secolo in Ikarie XB1 (1963) di Jindrich Polak, sceneggiato sulla traccia di un racconto di Lem da quello stesso Pavel Juráček che userà ben altri toni nel post-apocalittico Konec srpna v Hotelu Ozón (The End of August at the Ozone Hotel, 1966) di Jan Schmidt; l’arma del fantasy e della commedia sono invece la cifra stilistica di Václav Vorlíček, il cui protagonista di Kdo chce zabít Jessii?(Who Wants to Kill Jessie?, 1966) ha il privilegio di materializzare in realtà i propri sogni; ed è un mondo da incubo quello di Upir z Ferat (Ferat Vampire, 1981) di Juraj Herz dove la macchine non funzionano a benzina ma con il sangue umano. Arrivano dalla ex Cecoslovacchia anche gli effetti speciali di Visitors from the Galaxy (Gosti iz galaksije, 1981), realizzato nella ex Yugoslavia per la Zagreb Fim dall’animatore Dušan Vukotic: ancora una fuga nella fantasia realtà, questa volta per un giovane scrittore che porta in vita i suoi personaggi alieni. Decisamente più cupa la visione di Krsto Papic per un altro film ambientato a Zagabria, Izbavitelj (The Rat Saviour, 1976), che rielabora il soggetto dell’Invasione degli ultracorpi in chiave di critica alle ideologie reazionarie e al loro potere di contaminazione diretto verso le masse.E i meccanismi dittatoriali sono ancora il tema forte per Az eröd (The Fortress, 1979), girato in Ungheria da Miklós Szinetár e inizialmente progettato per Miklos Jancso, dove in uno stato immaginario i turisti di un villaggio sono arruolati per partecipare a un gioco di ruolo che prevede la conquista di una fortezza: ma la simulazione è soltanto un inganno. Tutto questo e molto altre anticipazioni del futuro potevano essere viste in anteprima, fra il 1963 e il 1982, al festival della fantascienza di Trieste su megaschermo di San Giusto. 87 marx attacks! After 2007th first tranche that focused on former Soviet Union production, this year’s second section of Marx Attacks! -the retrospective dedicated to Eastern European science fiction cinema- is particularly significant, in its investigation of the films made over the Iron Curtain between the ’60s and late ’80s. The twentieth anniversary of the fall of the Berlin Wall (November 9, 1989), a defining moment that marked the end of the “Short Twentieth Century”, gave way to a series of indications on artistic signals that in various ways anticipated the fall of the Wall. The Berlinale has this year presented an overview entitled “After Winter Comes Spring - Films Presaging the Fall of the Wall” which included, among others, a film shot in Poland in 1981 by Piotr Szulkin, Wojna Światowa: następne Stulecia (The War of the Worlds: Next Century), a science-fiction parable about everyday life under a dictatorship. In this dystopia - understood as a metaphor of life under communism - Ewa Mazierska writes extensively in his article “Polish cinematic dystopias: metaphors of life under communism - and Beyond” available on the website of the online magazine Kinema (http://www.kinema. uwaterloo.ca/article.php?id=77&feature), the five films analyzed in the essay include three other titles of Szulkin: Golem (1979), O-bi, O-ba. Koniec cywilizacji (O-bi, O-ba. The End of Civilization, 1985) Ga, ga, chwała bohaterom (Ga, Ga. Glory of the Heroes, 1986), and a sci-fi comedy Juliusz Machulski, Seksmisja (Sexmission, Marx Attacks! Science fiction movies from Eastern Europe by Daniele Terzoli 1983). According to many journalists and historians, the Wall began to fall when Solidarnosc workers’ protested in Danzig against the failure of Real socialism. But the seeds of criticism to the system, or at least a subtle political ambiguity, were already noticeable in many works of science fiction written between the 50s and 70s by main eastern authors, such as Polish Stanislaw Lem or Czech Josef Nesvadba. And some evidence already appeared in major science-fiction films of those years, even if hidden under the seal of propaganda or suggested as evasive forms of escapism from reality. Der Schweigende Stern (The Silent Star), space opera by Kurt Maetzig produced in the DEFA studios in 1960, based on Lem’s novel, launches a message of peace and interracial coexistence; Eolomea (1972) by Herrmann Zschoche reveals a veiled critique to bureaucracy through the space missions’ theme; Im Straub der Sterne (In the Dust of the Stars, 1976) by Gottfried Kolditz proposes a utopia marked by an unusual attraction for Western fashions and costumes. With the impressive work of its Barrandov Studio, the former Czechoslovakia is the country that has produced the largest number of films with fantastic atmosphere, also due to the contribution of outstanding masters of animation such as Karel Zeman and Jan Svankmajer. An unusually cold and sterile science fiction describing the XXV century space mission is shown in Ikarie XB1 (1963) by Jindrich Polak, scripted from a story by Lem, by Pavel Juracek who uses far more different tones in the postapocalyptic Konec sprna v hotelu Ozon (The End of August at the Ozone Hotel, 1966) by Jan Schmidt; fantasy and comedy are instead the stylistic weapon of Václav Vorlíček, whose main character of Kdo chce zabít Jessii? (Who wants to kill Jessie?, 1966) is privileged to see his dreams materialize into reality; and nightmare world is revealed in Upir z Ferat (Ferat Vampire, 1981) by Juraj Herz, where machines don’t run on petrol but on human blood. From former Czechoslovakia are also the special effects of Gosti iz galaksije (Visitors from the Galaxy, 1981), completed by animator Dusan Vukotic in former Yugoslavia for the Zagreb Film: an escape to fantasy, this time of a young writer who brings to life his alien characters. Definitely darker is Krsto Papic’s vision for yet another film set in Zagreb, Izbavitelj (The Rat Savior, 1976), revisiting the theme of The Invasion of the Body Snatchers and their power to direct contamination into the masses through a critic key of reactionary ideology. The dictatorial mechanisms are once again the strong theme of Az eröd (The Fortress, 1979), filmed in Hungary by Miklós Szinetár and initially meant for Miklos Jancso, in a state where the tourists of an imaginary village are enrolled to attend a game role that requires the capture of a fortress, but the simulation is only a deception. All these films and other theories of the future could be seen between 1963 and 1982, at the science fiction festival in Trieste, on the giant screen of the San Giusto Castle. marx attacks! The Silent Star [Der Schweigende Stern] RDT/Polonia, 1960, colore, 35 mm, 93’ Regia/Direction Kurt Maetzig Sceneggiatura/Screenplay Stanislaw Lem (novel “Astronaucci”),Jan Fethke, Wolfgang Kohlhaase, Günter Reisch, Günther Rücker, Alexander Stenbock-Fermor Fotografia/Cinematography Joachim Hasler Montaggio/Editing Lena Neumann Musiche/Music Andrzej Markowski Interpreti/Cast Yoko Tani, Oldrich Lukes, Ignacy Machowski, Julius Ongewe, Michail N. Arsenew Produttore/Producer Hans Mahlich Questo film inaugura una serie di titoli est europei sullo spazio, tutti sicuramente sulla scia dei viaggi dello Sputnik (1957) e del Gagarin (1961). Questo film della Germania dell’est fu girato tra il 1959 e il 1960, ambientato nel 1970 e tratto dal racconto del più famoso scrittore polacco di fantascienza “The austronauts” di Stanislaw Lem, pubblicato nel 1951. [...] Tutti i popoli della Terra vivono in armonia, gli scienziati scoprono una bobina magnetica con un messaggio da Venere che parla di un attacco. Una commissione internazionale manda una spedizione su Venere con il Kosmokrator 1. [...] Una volta sul pianeta, si scoprono le rovine di una civiltà molto evoluta caduta vittima dei propri impulsi distruttivi. Il messaggio pacifista coincide con il filone statunitense di film sullo stesso argomento come Sulla spiaggia (On the Beach, 1959) o Beyond the Time Barrier (1960). [...] Il regista Maetzig fu co-fondatore dell’industria cinematografia del dopoguerra nella Germania Est e rimase l’esponente di spicco anche negli anni ‘60. I set, specialmente quelli della città venusiana distrutta, i paesaggi bizzarri e i vulcani arrabbiati, sono il risultato dell’ottimo lavoro di Anatol Radzinowicz. [...] Uscito nel 1963 negli Stati Uniti in una versione doppiata. This film inaugurated a series of Eastern European space operas no doubt following the flights of Sputnik (1957) and Gagarin (1961). This primarily East German film was shot in 1959-60, set in 1970 and based on Poland’s most famous Science Fiction writer’s first novel, Stanislaw Lem’s The Astronauts published in 1951. [...] All peoples on Earth are living in harmony. Scientists discover a magnetic spool containing a message from Venus that refers to an attack. An international commission sends an expedition to Venus in Kosmokrator 1. [...] On Venus, they discover the ruins of a very advanced civilization that fell victim to its own destructive impulses. The pacifist message dovetails with Us films on the same theme, such as On the Beach (1959) or Beyond the Time Barrier (1960). [...] The director, Maetzig, was co-founder of the post-war film industry in East Germany and remained its most prestigious exponent well into the Sixties. The sets, especially those representing the dead Venusian city, the weird landscapes and angry volcanoes are Anatol Radzinowicz’s best work. [...] Released in the US in a dubbed version in 1963. Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di /edited by Phil Hardy William Morrow and Company, New York, 1984. 88 89 marx attacks! Ikarie XB 1 marx attacks! Cecoslovacchia, 1963, b/n, 35 mm, 84’ Regia/Direction Jindřich Polák Sceneggiatura/Screenplay Stanislaw Lem (novel “Oblok Magellana”) Pavel Juráček, Jindřich Polák Fotografia/Cinematography Jan Kališ Montaggio/Editing Josef Dobřichovský Musiche/Music Zdeněk Liška Interpreti/Cast Zdeněk Štěpánek, Radovan Lukavský, Dana Medřická, Miroslav Macháček, František Smolík Produttore/Producer Vladimír Bor Who Wants to Kill Jessie? [Kdo chce zabít Jessii?] Cecoslovacchia, 1966, b/n, 35 mm, 81’ Sull’onda del suo film per bambini Klaun Ferdindand a Raketa (1962) e senza dubbio su quella del succeesso sovietico di Planeta Burg (1962), Polak ha realizzato questo racconto piuttosto asettico di una spedizione internazionale che lascia il proprio mondo automatizzato del venticinquesimo secolo, su una nave spaziale comandata da Abajev, alla ricerca di un mondo “verde”, nella versione inglese, un mondo “bianco” in quella originale. Si imbattono in un’astronave abbandonata contenente i cadaveri di equipaggio e passeggeri, morti ormai da secoli - un episodio ripreso con un effetto più inquietante in Alien (1979). Il film è freddo e distaccato, come se i personaggi e il loro mondo fossero visti da una prospettiva completamente distante. [...] La versione USA di questo film ceco, doppiata, ridotta a sessantacinque minuti e intitolata Voyage to the End of the Universe, ha una scena aggiunta nel finale, probabilmente per spiegare perché la versione inglese parli della ricerca di un mondo “verde” invece che “bianco”: mentre la navicella si avvicina a destinazione, i suoi occupanti guardano fuori e vedono... la Statua della Libertà. [...] Following on from his own children’s film Klaun Ferdinand a Raketa (1962) and, no doubt, from the Soviet success Planeta Burg (1962), Polak made this somewhat clinical account of an international group who leave their automated, 25th-century world in a spaceship, commanded by Abajev, in search of a “green” world according to the English version, a “white” world according to the original. They run into an abandoned spacecraft with the corpses of crew and passengers, dead for hundreds of years - an event repeated to more eerie effect in Alien (1979). The film is cool and detached, as if the characters and their world are seen from a totally uninvolved position. [...] The US version of this Czech film, dubbed, cut to sixty-five minutes and titled Voyage to the End of the Universe, added a scene at the end of the film, possibly explaining why the English version mentions the search for a “green” planet instead of a “white” one: as the spacecraft nears its destination, the occupants look out and are made to see... the Statue of Liberty. [...] Regia/Direction Václav Vorlíček Sceneggiatura/Screenplay Miloš Macourek, Václav Vorlíček Fotografia/Cinematography Jan Němeček Montaggio/Editing Jan Chaloupek, Jaromír Janáček Musiche/Music Svatopluk Havelka Interpreti/Cast Dana Medřická, Jirí Sovák, Jiří Sovák, Olga Schoberová, Juraj Visny Produttore/Producer Miloslav Procházka Uno dei più riusciti adattamenti da fumetti, insieme a Diabolik (1967) di Bava, vincitore del primo premio al Festival di Trieste del 1966, era stato concepito come film per bambini, ma si è sviluppato in una commedia matura e folle. Una scienziata sviluppa un sonnigrafo, in grado di materializzare le immagini dei sogni su uno schermo e quindi di trasformare gli incubi in sogni piacevoli e tranquilli. Quando utilizza la sua invenzione su suo marito, scopre che i sogni di lui hanno per protagonista un’attraente eroina dei fumetti, Jessie, vestita come Li’l Abner e sempre inseguita da un cowboy malvagio e da un supereroe anch’egli arrogante. Quando la moglie puritana cerca di migliorare i sogni del marito, la macchina ha un malfunzionamento e, invece di scomparire, i personaggi dei fumetti appaiono in carne e ossa nell’appartamento della coppia, portando il caos nelle loro vite. [...] Vorlíček, in seguito, ha realizzato una serie di commedie fantasy su marchingegni che trasformano i desideri in realtà. [...] Le interpretazioni di Sovak, un habitué di Vorlíček, e di Medricka, così come quella della bella Shoberova, in seguito messa sotto contratto dalla Hammer per recitare in The Vengeance of She (1968) con lo pseudonimo di Olinka Berova, sono semplicemente magnifiche. La fotografia è dell’esperto Nemecek, che ha collaborato anche con Milos Forman. [...] One of the loveliest comic-strip stories around, together with Bava’s Diabolik (1967), and winner of the first prize at the Trieste Festival of 1966, this started out as a children’s film but developed into a full-blown crazy comedy. A woman scientist develops a somnigraph which can materialize dream images on a screen and then manipulate nightmarish dreams to change them into peaceful ones. When she uses it on her husband, she discovers his dreams about a luscious comic-strip heroine, Jessie dressed à la Li’l Abner, always chased by an evil cowboy and an equally overbearing superman. When the straight-laced wife attempts to improve her husband’s dreamworld, the machine malfunctions and, instead of disappearing, the comic-strip characters appear live in the couple’s flat, causing chaos in their lives. [...] Vorlíček went on to make a series of fantasy comedies about contraptions that turn desires into reality. [...] The acting by Vorlíček regular, Sovak, and by Medricka, as well as the beautiful Shoberova, who was subsequently signed by Hammer to star in The Vengeance of She (1968) under the name Olinka Berova, is absolutely delightful. The photography is by the expert Nemecek, who also collaborated with Milos Forman. [...] Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di/edited by Phil Hardy, William Morrow and Company, New York, 1984. 90 Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di/edited by Phil Hardy, William Morrow and Company, New York, 1984. 91 marx attacks! The End of August at the Hotel Ozone marx attacks! [Konec srpna v Hotelu Ozón] Cecoslovacchia, 1966, b/n, 35 mm, 79’ Regia/Direction Jan Schmidt Sceneggiatura/Screenplay Pavel Juráček, Jan Schmidt Fotografia/Cinematography Jiří Macák Montaggio/Editing Miroslav Hájek Musiche/Music Jan Klusák Interpreti/Cast Ondrej Jariabek, Beta Poničanová, Magda Seidlerová, Hana Vítková, Jana Nováková Produttore/Producer Oldrich Bosák Ambientato quindici anni dopo l’olocausto atomico, l’atmosfera e la trama di questo film sono vicine a quelle del film di Carpenter 1997: Fuga da New York (Escape from New York, 1981) oppure a uno degli exploitation film di Corman. Una banda di donne, rese brutali dalla condizione di sopravvissute in un mondo devastato, vagano, spietate e insensibili, frugando tra i rifiuti, uccidendo animali per mangiare e infine assassinando a sangue freddo l’anziano proprietario di un hotel abbandonato per poter rubare il suo grammofono. Le donne si comportano come farebbe una gang di Wild Angels, se non fosse per il ritmo sostenuto, la musica elettronica modernista di Jan Klusak e la fotografia, che nell’insieme danno al film uno status di “art movie”. Seidlerova, seconda in comando, e Ponicanoca, la leader più anziana del gruppo, realizzano una perfomance strepitosa, mentre le altre si fondono in una identità animalesca di branco. Schmidt e Juracek hanno collaborato in precedenza a un art house movie, Josef Kilian (1963), pregno in egual misura di ansia esistenziale, vera e propria antitesi delle pazze commedie di Vorlicek and Makourek. Set fifteen years after the atomic holocaust, the atmosphere and plot of this film are close to that of Carpenter’s Escape from New York (1981) or to one of Corman’s exploitation films. A gang of women, brutalized by having to survive in a devastated world, go around ruthlessly and callously scavenging, primitively killing animals for food and eventually coolly murdering the aged owner of a deserted hotel in order to steal his gramophone. The women behave like a gang of Wild Angels might, except that the deliberate pace, the modernist electronic music by Jan Klusak and the photography all combine to signal ‘art movie’ status. Seidlerova, as the second in command, and Ponicanova as the elderly leader of the gang, turn in impressive performances, while the others merge into a collective animalistic identity. Schmidt and juracek had collaborated before on an art house movie, Josef Kilian (1963) which was equally pregnant with existential anxiety, the very antithesis of Vorlicek and Makourek’s crazy comedies. Eolomea RDT, 1972, colore, 35 mm, 83’ Regia/Direction Herrmann Zschoche Sceneggiatura/Screenplay Willi Brückner Fotografia/Cinematography Günter Jaeuthe Montaggio/Editing Helga Gentz Musiche/Music Günther Fischer Interpreti/Cast Cox Habbema, Ivan Andonov, Rolf Hoppe, Vsevolod Sanayev, Petar Slabakov Produttore/Producer Dorothea Hildebrandt [...] Il tema - la scoperta di una civiltà extraterrestre quasi inaccessibile - è lo stesso di Solaris e di 2001: Odissea nello Spazio, la cui influenza è onnipresente: Zschoche deve a 2001 il suo gusto per i modellini e per immagini astratte, mentre prende da Solaris l’idea di fondere scene futuristiche con scene della vita quotidiana. Se si aggiunge il riferimento - bizzarro - a Lelouche nelle scene d’amore, il film appare come un insieme di immagini già girate, un’opera solitaria di un topo da cineteca. Eppure la sceneggiatura nella sua ambiguità è molto interessante: si vede un astronauta che si imbarca per un viaggio lungo un secolo rinunciando alla sua fidanzata, cosa che sembra molto staliniana; ma si nota anche che le autorità terrestri esitano ad avvallare questo viaggio a causa della durata e perché è un comandante della base [...] a volersi mettere in contatto con gli esseri pensanti che abitano probabilmente sul pianeta Eolomea, obiettivo della spedizione. Anche l’eroe disobbedisce, e la fidanzata ne approfitta per utilizzare le istituzioni secondo i suoi fini. Si profila così anche nel santuario dell’ortodossia staliniana che è la Germania dell’Est la tradizionale satira della burocrazie a cui la fantascienza offre un grande aiuto. [...] [...] The main theme - the discovery of an almost inaccessible extraterrestrial civilization - is the same as Solaris and 2001: A Space Odyssey, whose influence is omnipresent; Zschoche owes to 2001 its taste for models and abstract images, while it takes from Solaris the idea of merging the futuristic scenes with episodes of everyday life. If we, moreover, add the - bizarre - reference to Lelouche concerning the love scenes, the film looks like a collection of pictures formerly shot, the work of a lonely cinéphile. Yet the script, in its ambiguity, is very interesting: we see an astronaut who embarks on a journey a century long, giving up his girlfriend – a very Stalinist ideal - but we also notice the reluctant land authorities battled to endorse the trip due to its extreme length and for it’s a base commander [...] who wants to first get in touch with the thinking beings that probably inhabit planet Eolomea, objective of the expedition. Even the hero disobeys, and his girlfriend takes advantage of the situation in order to use the institutions according to her personal purposes. It stands out that, in the orthodox Stalinist sanctuary, East Germany is the traditional satirical element that mocks bureaucracy helped a great lot by the science fiction genre. [...] Da “Positif” n. 156, Febbraio 1974, di Jacques Goimard From “Positif” n. 156, February 1974, by Jacques Goimard Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di/edited by Phil Hardy William Morrow and Company, New York, 1994. 92 93 marx attacks! In the Dust of the Stars marx attacks! Regia/Direction Gottfried Kolditz Sceneggiatura/Screenplay Gottfried Kolditz Fotografia/Cinematography Peter Süring Montaggio/Editing Christa Helwig Musiche/Music Karl-Ernst Sasse Interpreti/Cast Jana Brejchová, Alfred Struwe, Ekkehard Schall, Milan Beli, Silvia Popovici Produttore/Producer Helmut Klein Realizzato circa un anno prima di Star Wars, questa space opera della Germania dell’Est è un esempio di fantascienza sorprendentemente unico, in cui la Terra non è mai menzionata, mentre l’universo è abitato da culture umanoidi con nomi che suonano palesemente inventati. Una navicella spaziale arriva dal pianeta Cyrno sul pianeta Tem 4 in risposta ad un grido d’aiuto inviato anni prima, soltanto per scoprire che i Temiani non sembrano, in realtà, volere nessun aiuto. Mentre l’equipaggio fedele, comandato dalla sensibile Capitan Akala (Jana Brejchova), cade vittima dell’incantesimo dei padroni di casa edonisti, si insinua il sospetto che c’è qualcosa che non va, così vien fuori che persone apparentemente autoctone sono in realtà dei colonizzatori che sfruttano i Tiri, ovvero gli indigeni veri e propri, obbligandoli a lavorare duramente in un’enorme miniera. La vicenda potrebbe essere facilmente interpretata come un’allegoria dello scontro tra il capitalismo [...] e il comunismo, con la gente di Cyrno che aiuta i rivoltosi a fomentare una rivoluzione [...]. Le risorse garantite da una collaborazione con il Blocco Orientale (la Romania era uno dei partner della produzione) consentono di dar vita a scenografie straordinarie, come deserti scavati dal vento ed enormi miniere, oltre a folle di comparse che riempiono lo schermo. [...] Made a year or so before Star Wars, this East German space opera is an entry in that surprisingly rare form of science fiction in which Earth is never mentioned but the universe is inhabited by humanoid cultures with made-up-sounding names. A spaceship from the planet Cyrno arrives on the planet Tem 4 in response to a plea for help sent out years ago, only to discover that the Temians don’t apparently want any help. While the stalwart crew, commanded by sensitive Captain Akala (Jana Brejchova), fall under the spell of their hedonistic hosts, suspicions lurk that there’s something amiss and it turns out the apparent native people are in fact exploitative invaders who are forcing the Tiri, the real indigenes, to toil in a huge mine. It could easily be construed as an allegory of the clash between capitalism [...] and communism, with the Cyrno folk aiding the insurgents in fomenting a revolution [...].The resources of an Eastern Bloc collaboration (Rumania was a partner in the production) allow for impressive locales like the eroded deserts and huge mines and screen-filling mobs of slave extras. [...] The Rat Savior [Izbavitelj] Jugoslavia, 1976, colore, 35 mm, 80’ [Im Staub der Sterne] RDT, 1976, colore, 35 mm, 75’ Regia/Direction Krsto Papic Sceneggiatura/Screenplay Ivo Bresan Fotografia/Cinematography Ivica Rajkovic Montaggio/Editing Zana Gerova, Miroslava Kapic Musiche/Music Brane Zivkovic Interpreti/Cast Ivica Vidovic, Mirjana Majurec, Relja Basic, Fabijan Sovagovic, Ilija Ivezic Produttore/Producer Sulejman Kapic Basato su una storia di fantascienza di Alexander Greene, scrittore sovietico morto durante le epurazioni staliniane, Izbavitelj è una potente allegoria politica, che in qualche modo prefigura il più conosciuto “Rhinocéros” di Ionesco. Ambientato negli anni ’30 a Zagabria, la trama è una variante di quella de L’invasione degli ultracorpi (Invasion of the Body Snatchers, 1956). Vidovic è lo scrittore vagabondo che scopre che una nuova specie di ratti con la capacità di cambiare forma sta conquistando la città, uccidendo e poi impersonando le proprie vittime. Vidovic elimina i ratti con una sostanza chimica fornitagli dallo scienziato di Sovagovic, ma non prima di aver ucciso la donna che ama convinto che sia una donna-ratto. Il carattere allegorico del film è piuttosto confuso - i ratti sembrano rappresentare una forma di fascismo troppo generalizzato - ma la regia di Papic (che ha permesso al film di vincere l’Asteroide d’Oro all’edizione del 1977 del Festival della Fantascienza di Trieste) è notevole e molte delle sequenze sono piuttosto grafiche e viscerali, con uno stile insolito per la realizzazione di un film dell’Est Europa. Based on a Science Fiction story by Alexander Greene, a Soviet writer who died in Stalin’s purges, Izbavitelj is a powerful political allegory, which in many ways foreshadows Ionesco’s much better known “Rhinocéros”. Set in Zagreb in the thirties, the plot is a variant on that of Invasion of the Body Snatchers (1956). Vidovic is the vagrant writer who discovers that a new breed of rats, with the ability to change their shape, are taking over the city by killing and then impersonating their victims. He eliminates the rats with a chemical provided by Sovagovic’s scientist but not before he’s killed the girl he loves, thinking her to be a rat-person. The allegorical character of the film is somewhat confusing - the rats seeem to represent a too generalized form of fascism - but Papic’s direction (which won the film a Golden Asteroid at the 1977 Trieste festival of Science Fiction films) is dramatic and several of the sequences quite graphic and visceral in a manner that is unusual in Eastern European film-making. Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di /edited by Phil Hardy William Morrow and Company, New York, 1994. Di/by Kim Newman 94 95 marx attacks! The Fortress marx attacks! [Az eröd] Ungheria, 1979, colore, 35 mm, 119’ Regia/Direction Miklós Szinetár Sceneggiatura/Screenplay Miklós Szinetár Fotografia/Cinematography Miklós Bíró Montaggio/Editing Ferencné Szécsényi Musiche/Music Gábor Presser Interpreti/Cast Bella Tanai, Sándor Oszter, István Kovács, Jozsef Madaras, Jácint Juhász Produttore/Producer Lajos Óvári Ferat Vampire [Upír z Feratu] Cecoslovacchia, 1981, colore, 35 mm, 90’ Sembra che questo fantasy misantropico su un centro turistico sia stato scritto da Hernadi per Miklos Jancso ben prima dell’uscita de Il mondo dei robot (Westworld, 1973), del quale tocca gli stessi temi. L’istituto, che si trova su un terreno privato, si chiama Victory Line ed offre uno speciale programma di intrattenimento di gruppo. I turisti annoiati possono venire ad organizzare dei Wargames, ma ben presto si renderanno conto che i cadaveri che producono sono reali: all’inizio ciò, prima che i sopravvissuti entrino davvero nel giusto spirito, crea il panico. Le vicende sembrano prendere i toni della commedia nera e alla fine arriva lo Stato, che chiude il campo ma arruola la sua direttrice per allenare le unità di commando in vista di una guerra a larga scala. Il gruppo di attori che interpreta i vacanzieri è in assoluta armonia, perfetto nel restituire un atteggiamento di superficialità. Regia/Direction Juraj Herz Apparently written by Hernadi for Miklos Jancso well before the release of Westworld (1973), this misanthropic fantasy about a holiday camp touches on the same ground. The establishment, located on a private estate, is called Victory Line and offers a special form of participatory entertainment. Bored tourists may come and organize Wargames, but they soon discover that the corpses produced are real ones, which causes a temporary panic before the survivors really get into the spirit of things. The proceedings often turn to black comedy and in the end the State steps in, closes the camp but recruits its female director to train commando units for a larger scale war. The ensemble acting of the holidaymakers is finely tuned and appropriately callous. Produttore/Producer Tomás Baloun Sceneggiatura/Screenplay Jan Fleischer, Juraj Herz Fotografia/Cinematography Richard Valenta Montaggio/Editing Jaromír Janácek Musiche/Music Petr Hapka Interpreti/Cast Jirí Menzel, Dagmar Veskrnová, Jana Brezková, Petr Cepek, Jan Schmid Uno dei primi racconti horror moderni che ho letto (era il 1972 o giù di lì) era ‘Vampires, Ltd’ di Josef Nevsbada, all’interno di un’antologia di racconti del terrore europei. Nel 1981, Juraj Herz (The Cremator) ha adattato per il cinema il racconto : si trattava di uno dei pochi film horror non apologetici ad uscire dalla Cecoslovacchia dell’epoca comunista, anche se c’è pur sempre – seppur sottile – un motivo vagamente politico nel fatto che i malvagi imprenditori sono letteralmente dei capitalisti sanguisughe. Il Dottor Marek (Jiri Menzel, meglio noto come regista della New Wave), tranquillo intellettuale di buone maniere, subisce un affronto quando la sua preziosa infermiera Mima (Dagmar Veskrnova, in seguito moglie di Vaclav Havel) lascia il lavoro presso di lui per andare da Ferat, produttore di automobili straniero – e scopre che l’automobile da rally nera di Ferat (“interpretata” da un’elegante Skoda che fa la propria figura) è alimentata da sangue, succhiato attraverso i pedali. Con un barbuto compare, Marek esegue le proprie ricerche guardando la ricostruzione di un film horror classico, con tanto di Dracula e mantello, e scava a fondo nel mistero. [...]. Madame Ferat, la donna drago a capo della Vampires Ltd, è interpretata da Zdenka Prochazkova, che era anche nel film tedesco Lady Dracula. One of the first modern horror stories I read (circa 1972) was Josef Nevsbada’s ‘Vampires, Ltd’, in a paperback anthology of creepy stories from Europe. In 1981, Juraj Herz (The Cremator) made this adaptation of it – one of the few unapologetic genre horror films to come out of Communist era Czechoslovakia, though it has a slight political content in that its corporate villains are literally blood-sucking capitalists. Mild mannered, bespectacled Dr Marek (Jiri Menzel, better known as a New Wave director) is piqued when his valued nurse Mima (Dagmar Veskrnova, later Mrs Vaclav Havel) leaves his employ to work for Ferat, a foreign car manufacturer – and comes to realise that Ferat’s black rally car (played by a natty Skoda which gets its own credit) runs on blood, sucked out through the pedals. With a bearded sidekick, Marek researches by watching a mocked-up traditional horror film featuring a fanged, caped Dracula type, and digs deeper into the mystery. [...] Madame Ferat, the dragon lady in charge of Vampires Ltd, is played by Zdenka Prochazkova, who was also in the German movie Lady Dracula. Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di /edited by Phil Hardy William Morrow and Company, New York, 1994. 96 Di/by Kim Newman 97 marx attacks! Visitors from the Galaxy marx attacks! [Wojna swiatów-nastepne stulecie] Polonia, 1981, colore, 35 mm, 96’ [Gosti iz galaksije] Jugoslavia, 1981, colore, 35 mm, 86’ Regia/Direction Dušan Vukotic Sceneggiatura/Screenplay Miloš Macourek, Dušan Vukotic Fotografia/Cinematography Jirí Macák Montaggio/Editing Ivana Kacírková Musiche/Music Tomislav Simovic Interpreti/Cast Zarko Potocnjak, Lucie Zulová, Ksenia Prohaska, Rene Bitorajac, Ljubisa Samardzic Produttore/Producer Sulejman Kapic Una favola giovanile di effetti speciali dall’ex animatore Vukotic il cui corto animato Ersatz vinse l’Oscar nel 1958. La trama, semplice ma movimentata, vede un giovane autore portare in vita i suoi personaggi alieni di fantasia, e lo scompiglio scatenato dal trio nella vita del ragazzo e dei suoi concittadini mentre si esercitano con i loro speciali poteri extraterrestri, prima di riportare tutto alla normalità facendo tornare indietro il tempo. Gli effetti, realizzati in Cecoslovacchia, si integrano bene nell’ azione, che ha l’aria di una fiaba nonostante i suoi aspetti fantascientifici. A juvenile special effects’ fable from former animator Vukotic, whose animated short Ersatz was an Oscar-winner in 1958. The simple but eventful plot has a youthful author conjuring his fictional alien characters to life, and this trio playing havoc with the boy and his fellow townsfolk as they exercise their special extra-terrestrial powers, before restoring normality by turning back time. The effects’ work, done in Czechoslovakia, is integrated well into the action, which has the air of a fairy-tale despite its Science Fiction aspects. The War of the Worlds: Next Century Regia/Direction Piotr Szulkin Sceneggiatura/Screenplay Piotr Szulkin Fotografia/Cinematography Zygmunt Samosiuk Musiche/Music Jerzy Maksymiuk, Józef Skrzek Interpreti/Cast Roman Wilhelmi, Krystyna Janda, Mariusz Dmochowski, Jerzy Stuhr, Marek Walczewski Come il primo lungometraggio di Szulkin (Golem, 1979), questo film è in parte una satira sui media. Se in quel film l’interesse di Szulkin era per l’abilità dei media di plagiare l’opinione in generale, questa volta il regista polacco si dedica esplicitamente alla censura e all’invasione del suo paese. Di conseguenza, sebbene il film sia dedicato a H.G. Wells e a Orson Welles (il cui adattamento radio nel 1938 de “La Guerra dei Mondi” di Wells causò il panico generale nella costa est dell’America) e ambientato nel 1999, le preoccupazioni che esprime sono molto più immediate e molto più potenti. La sceneggiatura di Szulkin si concentra su un reporter della tv locale di nome Wilhelmi che assiste all’arrivo dei Marziani sulla Terra ed è utilizzato dalle autorità per legittimare l’invasione. Simile in parte a The Monitors (1968), ma molto più controllato, il film segue i tentativi disperati di Wilhelmi di raccontare la verità ad un pubblico indifferente che non capisce cosa stia succedendo. L’amara conclusione vede il processo farsa a Wilhelmi, messo in onda sul “Now Better News Show”, che ha rimpiazzato il suo programma di informazione. [...] Like Szulkin’s first feature film (Golem, 1979), this is in part a satire on the media. But where Szulkin’s interest in the earlier film was in the ability of the media to mould opinion, his interest here is explicitly with censorship and the invasion of Poland. Accordingly, though the film is dedicated to H.G. Wells and Orson Welles (whose 1938 radio adaptation of Wells’ “War of the Worlds” caused a mass panic on the east coast of America) and set in the year 1999, its concerns are far more immediate and all the more powerful for being so. Szulkin’s script focuses on a local TV reporter (Wilhelmi) who witnesses the arrival of the Martians on Earth and is used by the authorities to legitimize the invasion. Similar in part to The Monitors (1968), but far more controlled, the film follows Wilhelmi’s desperate attempts to tell an unconcerned and uncomprehending public the truth. The bitter conclusion has Wilhelmi’s show trial being televised on the “Now Better News Show” that replaced his own news programme. [...] Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di/edited by Phil Hardy, William Morrow and Company, New York, 1994. 98 Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di /edited by Phil Hardy William Morrow and Company, New York, 1994. 99 marx attacks! Sexmission marx attacks! [Seksmisja] Polonia, 1984, colore, 35 mm, 116’ Regia/Direction Juliusz Machulski Sceneggiatura/Screenplay Pavel Hajný, Juliusz Machulski Fotografia/Cinematography Jerzy Lukaszewicz Montaggio/Editing Miroslawa Garlicka Musiche/Music Henryk Kuzniak Interpreti/Cast Olgierd Lukaszewicz, Jerzy Stuhr, Bozena Stryjkówna, Boguslawa Pawelec, Hanna Stankówna Produttore/Producer Jan Kaczmarski Film decisamente strano, Seksmisja solleva la domanda su quale funzione abbiano i film di fantascienza nell’Est Europa e in particolare in Polonia. Da una parte sembra una commedia corrosiva su una Polonia del futuro basata sull’inganno, con una noncurante popolazione di zombie, e sotto questo aspetto è probabilmente di grande attualità. Sotto un altro punto di vista, invece, si potrebbe vedere il film come una commedia femminista, nella quale il mondo del film - un futuro in cui gli uomini sono stati banditi e la storia viene riscritta in modo tale che Einstein risulta esser stato una donna, Adamo tenta Eva nel giardino dell’Eden e così via, e la posizione degli eroi maschili al momento del loro risveglio da un esperimento d’ibernazione in un mondo di sole donne - è una parodia del presente. Infine si può vedere il film come una commedia popolare con Lukaszewicz e Sthur nel ruolo dei maschi che alla fine ristabiliscono l’ordine naturale delle cose (quello in cui gli uomini sono superiori). Certamente il film offre chiavi di lettura per tutte queste tre interpretazioni. [...] A decidedly odd film, Seksmisja raises the question of what function Science Fiction films have in Eastern Europe and Poland in particular. On the one hand it seems to be a corrosive comedy about a future Poland based on deceit with the populace as mindless zombies, and as such is presumably highly topical. Another view might see the film as a feminist comedy in which the film’s world, a future in which men have been banished and history rewritten so that Einstein was a woman, Adam tempted Eve in the Garden of Eden and so forth, and the male heroes’ position when they wake up from an hibernation experiment to this women only world, is intended as a parody of the present. And lastly it can be seen as a Carry On type farce with Lukaszewicz and Stuhr as the males who finally ogle and bed their way back to the natural order (in which males are superior). Certainly the film offers evidence for all three readings. [...] O-Bi, O-Ba – The End of Civilization [O-bi, O-ba – Koniec cywilizacji] Polonia, 1985, colore, 35 mm, 88’ Regia/Direction Piotr Szulkin Sceneggiatura/Screenplay Piotr Szulkin Fotografia/Cinematography Witold Sobocinski Montaggio/Editing Elzbieta Kurkowska Musiche/Music Jerzy Satanowski Interpreti/Cast Jerzy Stuhr, Krystyna Janda, Kalina Jedrusik, Mariusz Dmochowski Questo film austero è ambientato in un mondo post-olocausto nucleare in cui i miseri resti del genere umano aspettano un’arca di Noè che li porti in salvo. Sthur è l’eroe che tenta di stabilire se ci sia un qualche fondamento di verità dietro al mito, Janda è una donna pragmatica che preferisce una vita da prostituta a un futuro incerto e Dmochowski è l’ingegnere che sa che l’Arca giungerà - e quando alla fine arriva esplode distruggendo la Terra. Costruito in modo molto teatrale, il desolante futuro presagito è reso in modo ottimale in quanto viene solo accennato (spesso con sprazzi di comicità) e non è presentato minuziosamente. Sicuramente in contrasto con la maggior parte dei film di fantascienza degli anni ’80, stimola un elemento di riflessione in quella stessa maniera che aveva reso il genere così produttivo negli anni ’50. Set in a post-nuclear-holocaust world in which the ragged remnants of mankind wait for a Noah’s Ark to take them to salvation, this is an austere film. Sthur is the hero who tries to establish if there is any truth behind the myth, Janda the pragmatic woman who prefers life as a whore to a doubtful future and Dmochowski the engineer who knows the Ark will – and indeed when it finally comes it explodes bringing an end to the Earth. Highly theatrically constructed, the bleak future it envisages is all the better for being suggested (often with comic inflections) rather presented in great detail. Certainly in contrast to most Science Fiction films of the eighties, it retains the questioning element that made genre so fruitful in the fifties. Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di/edited by Phil Hardy, William Morrow and Company, New York, 1994. 100 Da “The Film Encyclopedia: Science Fiction” a cura di/edited by Phil Hardy, William Morrow and Company, New York, 1994. 101 Science+Fiction festival della fantascienza extra _ enzo g. castellari art&scienza massimo volume moon extra Spazio Nocturno Enzo G. Castellari Enzo G. Castellari è nato a Roma. La “G” del suo nome sta per Girolami, vera e propria dinastia dell’industria cinematografica italiana. Ha studiato all’Accademia di Belle Arti, laureandosi poi in Architettura all’Università di Roma. Ha cominciato la propria carriera nel mondo del cinema come attore, a soli sei anni, lavorando in seguito come segretario di produzione, supervisore alla sceneggiatura, coordinatore degli stuntmen, aiuto regista, arredatore, direttore del doppiaggio, montatore, in oltre trenta film, sceneggiatore e ideatore di trailer. A ventisei anni è arrivato il grande salto, con la sua prima regia. Il suo secondo film, Vado, l’ammazzo e torno (Any Gun Can Play, Go Kill and Come Back) è un grande successo commerciale oltre che di critica: si tratta del primo western italiano girato con taglio ironico. È, tuttavia, il suo sesto film, La Battaglia d’Inghilterra (Eagles over London), a lanciare il suo nome sul mercato internazionale. Si tratta del suo primo film girato con un budget elevato e con attori di fama, oltre a tantissime comparse, aerei Air Force e automobili, più un sacco di effetti speciali: il film è un successo ai botteghini di tutto il mondo. Un altro grande successo arriva nel 1973, con il film La polizia incrimina la Legge assolve (High Crime), che di fatto inaugura il ciclo dei film polizieschi in Italia e in Europa. Nel 1976, quando il genere western era ormai considerato morto, dirige Keoma. Il successo di questo film porta i critici a pensare che ci sarà un revival del genere, ma si tratta in realtà di un caso isolato. È, comunque, considerato dal N.M.E. (Regno Unito), “uno dei dieci fondamentali spaghetti western”. Il campione di incassi per quanto riguarda le produzioni non americane degli anni ’80 è stato proprio un film di Enzo G. Castellari. L’ultimo squalo (The Great White) ha guadagnato, infatti, 2.2 milioni di dollari nel solo weekend d’apertura a Los Angeles! Dagli squali alla fantascienza, seguendo e puntellando nuove tendenze nel mercato cinematografico, Enzo ha girato gran parte dei suoi film negli Stati Uniti. 1990: I Guerrieri del Bronx (1990: The Bronx Warriors) è uno dei 50 film che hanno incassato di più dalla loro uscita, stando ai dati della rivista “Variety”. Nel biennio 1982-1983 la sua popolarità come regista di action movie lo ha portato A sinistra Enzo G. Castellari sul set di L’ultimo squalo (The Last Shark). 104 105 a dirigere la seconda unità di film con budget di molti milioni di dollari. Chiamato dal regista Don Curtis, interpreta Mussolini nella mini-serie TV Venti di guerra (The Winds of War, 1983). Nel 1993 torna al suo primo amore... il western! Dirige Jonathan degli orsi (Jonathan of the Bears), film interamente girato in Russia: i villaggi del West e quelli degli indiani erano stati ricostruiti nella base militare Tamanskaja, considerata base militare top secret dell’URSS. E poi la televisione…quattro film intitolati Il ritorno di Sandokan (The Return of Sandokan), girati in India, e altri tre film per la TV girati in Tunisia e intitolati Deserto di fuoco (The Desert of Fire), con Virna Lisi, Claudia Cardinale, Vittorio Gassman, Franco Nero, Anthony Delon, Jean Sorel, Marie Laforet, Giuliano Gemma e Fabio Testi. Infine, Castellari ha recentemente prodotto e diretto il western Gli angeli dell’Isola Verde. Nel 2008 Enzo è passato dall’altra parte della macchina da presa interpretando un ufficiale nazista in Bastardi senza gloria (Inglourious Basterds) di Quentin Tarantino, ripreso proprio dal film di Enzo sulla Seconda Guerra Mondiale. extra Spazio Nocturno Enzo G. Castellari Enzo G. Castellari was born in Rome, Italy. The “G” in his name stands for Girolami, a dynasty in the Italian film industry. He studied at the Academy of Fine Arts, and later got his degree in Architecture from the University of Rome. He started in the film business as an actor at the age of six and then continued on the years working as Production Assistant, Script Supervisor, Stunt Coordinator, Assistant Director, Production Designer, Dubbing Director, Editor on over thirty pictures, Screenwriter and Trailer Concept Creator. At the age of twenty-six he gets his big break... he directs his first feature film. His second: Vado, l’ammazzo e torno (Any Gun Can Play, Go Kill and Come Back) is a great commercial success and is greatly appreciated by the critics as well; it is the first Italian Western shot with an ironical key to it. It is his sixth movie, though, La Battaglia d’Inghilerra (Eagles over London) that exposes his name in the international markets. It is his first big budget feature, involving star actors, numerous quantities of extras, Air Force planes and vehicles, and a lot of special effects. It is an immense commercial success all over the world. Another big success comes along in 1973 with the film La polizia incrimina la Legge assolve (High Crime), that starts the “Police Detective” cycle of movies in Italy and Europe. In 1976, when Westerns were considered dead in the film business, he directs Keoma. Its success makes the critics believe there will be a revival in the genre, but it remained an isolated case. It is “One of the ten essential Spaghetti Westerns” according to N.M.E. (GB). One of Enzo G. Castellari’s films was the record buster in earnings for a nonAmerican production in the 80’s. L’ultimo squalo (The Great White) earned $2.2 million dollars in it’s opening weekend in the city of Los Angeles alone! From sharks to science fiction, following and establishing new tendencies in the film market, Enzo shot most of his pictures in the U.S. 1990: The Bronx Warriors entered in the top 50 grossing films listed in Variety magazine upon its release. In 1982-83 his fame as action-film director brought him to shoot Second Units for multi-million dollar budget international films. Called by director Don Curtis, Enzo plays the role of Mussolini in the TV miniseries The Winds of War. In 1993 he returns to his first love... the western! He directs Jonathan degli orsi (Jonathan of the Bears), a film entirely “made in Russia”. Western and Indian villages were built in the army base “Tamanskaja”, considered to be the top secret army base in the former USSR. Then television... four movies titled: The Return of Sandokan, shot in India, and other three TV movies shot in Tunisia titled The Desert of Fire with Virna Lisi, Claudia Cardinale, Vittorio Gassman, Franco Nero, Anthony Delon, Jean Sorel, Marie Laforet, Giuliano Gemma and Fabio Testi. Last but not least, Castellari has recently produced and directed a modern western Gli angeli dell’Isola Verde. In 2008 Enzo took part on the other side of the camera as a Nazi officer for Quentin Tarantino’s The Inglourious Basterds, a take on Enzo’s own Second World War film. Sopra Enzo G. Castellari sul set di Quel maledetto treno blindato (The Inglourious Bastards). 106 107 extra Spazio Nocturno Fuga dal Bronx extra Spazio Nocturno Italia, 1983, colore, 35 mm, 89’ Regia/Direction Enzo G. Castellari Sceneggiatura/Screenplay Tito Carpi, Enzo G. Castellari Fotografia/Cinematography Blasco Giurato Montaggio/Editing Gianfranco Amicucci Musiche/Music Francesco De Masi Interpreti/Cast Mark Gregory, Paolo Malco, Henry Silva, Alessandro Prete, Valeria D’Obici, Enio Girolami Produttore/Producer Fabrizio De Angelis Mark Gregory torna ad interpretare Trash in un Bronx che è ancora più inospitale di prima. La Manhattan Corporation, sotto mentite spoglie, complotta per trasformare il Bronx in un quartiere residenziale alla moda: ciò significa che la gente che vi abita attualmente è costretta ad andarsene. Una squadra di sterminio chiamata “I Disinfestatori”, guidata da Wangler, è incaricata di sfrattare gli abitanti con ogni mezzo, incluso il lanciafiamme. Negli Usa il film è uscito con il titolo Ecape from the Bronx. Quel maledetto treno blindato Italia, 1978, colore, 35 mm, 100’ Mark Gregory returns as Trash and the Bronx is even worse off. The Manhattan Corporation, under a different name, plans on turning the Bronx into a fashionable high society neighborhood, which means all the people currently living there have to go. An extermination squad called “The Disinfesters” led by Wangler is assigned to removing the tenants by any means necessary, which usually includes a flame thrower. In the Usa the film has been release as Ecape from the Bronx. Regia/Direction Enzo G. Castellari Sceneggiatura/Screenplay Sandro Continenza, Sergio Greco, Romano Migliorini, Laura Toscano, Franco Marotta Fotografia/Cinematography Giovanni Bergamini Montaggio/Editing Gianfranco Amicucci Musiche/Music Francesco De Masi Interpreti/Cast Bo Svenson, Ian Bannen, Peter Hooten, Fred Williamson, Michel Pergolani Produttore/Producer Roberto Sbarigia Un gruppo di prigionieri di guerra, in viaggio per essere giudicati di fronte alla corte marziale, si guadagna la propria libertà quando il convoglio su cui si trova viene attaccato dagli aeroplani tedeschi. Insieme, si dirigono verso il confine con la Svizzera, terra neutrale. Sulla strada si imbattono in un disertore tedesco, uccidono per sbaglio dei soldati americani, e si ritrovano coinvolti in un complotto dei partigiani per far saltare in aria un treno tedesco. Negli Usa il film è uscito con il titolo The Inglorious Bastards. Copia proveniente dall’Archivio Storico del Cinema Italiano-Associazione Culturale Onlus. 108 109 A group of poews, on transport to be court marshalled, gain their freedom when their convoy is attacked by German planes. Together they head for the neutral Swiss border. Along the way they meet up with a German deserter, accidentally kill some American troops, and become involved in a Partisan plot to blow up a German train. In the Usa the film has been release as The Inglorious Bastards. extra Art&Scienza di Fabio Pagan Il Festival della fantascienza ha sempre flirtato con la scienza. Un po’ a causa del vecchio equivoco che considera la science fiction come semplice letteratura d’anticipazione per traguardare il futuro, e un po’ perché effettivamente quel che si pubblica su riviste come “Nature e Science” spesso rappresenta un potente stimolo all’immaginario dei suoi autori. In più, dobbiamo pensare che il vecchio Festival (quello che allineò venti edizioni tra il ‘63 e l’82) nacque e crebbe in anni dominati dalla gara spaziale Usa-Urss, quando Lunik e Ranger bersagliavano il satellite coi loro obiettivi automatici alla ricerca dei siti per l’allunaggio dei primi uomini. E in cielo facevano la loro comparsa bizzarri e inattesi “mostri cosmici” (quasar, pulsar, buchi neri) e si scopriva la radiazione fossile che permea tutto l’Universo, residuo del Big Bang. Ma anche quaggiù sulla Terra accadevano cose memorabili per la scienza, destinate a cambiare la società. Il computer (meglio: il calcolatore o addirittura il cervello elettronico, come allora si diceva) si affacciava timidamente fuori dei centri di ricerca. E Barnard, a Città del Capo, trapiantava i primi cuori umani. Mentre i futuri biologi molecolari completavano la decifrazione del codice genetico. Intanto – come scriveva Tino Ranieri nel catalogo del Festival del 1968 - “alla velocità di 320 mila chilometri orari l’asteroide Icaro ha ‘accarezzato’ la Terra nella serata del 14 giugno e in molti paesi c’è stato chi si è arrampicato sulle montagne paventando la fine del mondo”. Nulla di nuovo: oggi, sulla scorta di un calendario Maya, c’è chi guarda con la medesima apprensione al 21 dicembre 2012... Dunque, documentari e film scientifici venivano sparsi a piene mani nelle programmazioni pomeridiane e serali del vecchio Festival, in buona parte con il sigillo della Nasa. E al quarto Festival, nel 1966, venne organizzato – al mattino, per pochi intimi, nella sala della Camera di commercio – un importante panel su “Possibilità di vita e utilizzazione del sistema solare”. Titolo alquanto sgrammaticato e burocratico, più adatto a un consiglio di amministrazione che a un evento di fantascienza. A riscattarlo furono i partecipanti. Accanto a Margherita Hack (a Trieste da un paio d’anni), che immaginava altri sistemi planetari nella Galassia attorno a stelle lontane - una speculazione divenuta realtà a partire dal 1995 - c’erano lo scrittore Harry Harrison, che parlò delle possibili forme di una vita aliena, e nientemeno che Arthur C. Clarke, che dedicò il suo intervento ai viaggi interstellari, aggirando con disinvoltura i limiti einsteiniani della velocità della luce. Clarke, in realtà, aveva già in mente il monolito di 2001:Odissea nello spazio, che Kubrick stava girando a Londra. E più tardi, seduti fianco a fianco nell’allora cinema Filodrammatico, sede della rassegna retrospettiva, mi mostrò le prime foto di scena del film, con gli astronauti a bordo dell’astronave Discovery. Sarebbe tornato a Trieste cinque anni dopo, nel 1971, per dirigere la giuria del Festival e discutere i significati di quel film epocale. Ma fu nel 1969 che il Festival parve aver firmato un patto con il destino. Giusto a metà 110 Festival, il 16 luglio, partirono infatti per la Luna i tre dell’Apollo 11: Neil Armstrong, Buzz Aldrin e Michael Collins. E il rombo immane del Saturno 5 che decollava da Cape Canaveral, assieme alle riprese spaziali di una Luna sempre più grande e di una Terra sempre più piccola, rivaleggiarono in quei giorni con le immagini proiettate sul grande schermo nel Cortile delle Milizie, a San Giusto. Il primo passo di Armstrong sulla Luna, la notte successiva alla conclusione del Festival, parve una naturale conclusione di sogni e fantasie che il cinema aveva sempre alimentato, da Méliès in poi. Tutto ciò appartiene a un passato ormai lontano. Un po’ di scienza ha fatto capolino qua e là anche in anni recenti, con l’attuale Scienceplusfiction. Ad esempio la proiezione, l’anno scorso, dell’ultima fatica di Werner Herzog, Encounters at the End of the World, ambientata nella base antartica di McMurdo. Spettacolare nelle immagini e intrigante in certe storie narrate dagli scienziati. Qualcosa di più e di diverso rispetto a un semplice documentario. A far da corollario, in sala, il racconto delle esperienze di due geofisici triestini dell’Ogs, anch’essi impegnati sulle rotte artiche e antartiche. Quest’anno, invece, il Festival cerca un salto di qualità su questo versante avviando un discorso più organico e sfaccettato sui rapporti tra scienza, arte e fantascienza. Sotto l’etichetta art&scienza, propone infatti quattro appuntamenti pomeridiani, dal 25 al 28 novembre, nell’auditorium del Museo Revoltella, in collaborazione con la Sissa, la Scuola internazionale superiore di studi avanzati. Si comincerà con un ideale omaggio alla straordinaria vicenda intellettuale di Subrahmanyan Chandrasekhar, il grande astrofisico (indiano di nascita e naturalizzato americano) che nel 1983 ricevette il premio Nobel per la fisica grazie ai suoi studi sull’evoluzione stellare. Giuseppe Mussardo, fisico teorico della Sissa, presenterà il recentissimo documentario Chandra. The Journey of a Star, di cui è autore per la regia di Enrico Agapito. E toccherà a Stefano Liberati, un giovane cosmologo lui pure della Sissa, raccontare le più ardite teorie sulla struttura dello spazio-tempo che nulla hanno da invidiare alla fantasia degli scrittori di fantascienza. Seguirà l’incontro con Bruce Sterling, uno degli ospiti di lusso di S+F ‘09, massimo esponente – accanto a William Gibson – del movimento cyberpunk che negli anni Ottanta provocò una mutazione nelle tematiche e nel linguaggio della science fiction sull’onda della rivoluzione informatica (se ne parla ampiamente in altra parte del catalogo). Qui basterà dire che a stimolare le sue riflessioni e le sue provocazioni sui rapporti tra letteratura e tecnoscienza sarà il critico e saggista Giuseppe Lippi, curatore di “Urania”. Il terzo appuntamento con art&scienza sarà dedicato al futurismo, di cui quest’anno si 111 è ricordato il centenario della nascita con il Manifesto di Filippo Tommaso Marinetti. Il futurismo amava (a volte fino all’idolatria) la tecnica, la scienza applicata, e immaginava di servirsene per la costruzione dell’uomo e della società di domani. Un movimento che ha segnato in profondità la cultura italiana del primo Novecento: da Balla a Depero e allo stesso Marinetti, autore tra l’altro (sempre in quel fatidico 1909) di “Mafarka il futurista”, un romanzo immaginifico nella trama e nel linguaggio che ebbe alterne vicende per le accuse di oscenità e che solo nel 2003 ha potuto essere ristampato (negli Oscar Mondadori) nella versione originale. Del futurismo e delle sua connessioni con la scienza, la tecnologia e la fantascienza parleranno Gianfranco de Turris e Riccardo Valla, notissimi studiosi, saggisti e traduttori. Infine la Luna, per ricordare i 40 anni da quel “primo passo” proprio mentre la Nasa e l’industria spaziale americana attendono le decisioni del presidente Obama sul possibile avvio concreto del programma di ritorno sul satellite di qui a un decennio. Paolo Attivissimo, esperto informatico e implacabile sbugiardatore di bufale mediatiche (http://attivissimo. blogspot.com), rivelerà l’inconsistenza e la paranoia delle tesi dei lunacomplottisti, secondo i quali “non siamo mai andati sulla Luna”. Accanto a lui Andrea Bernagozzi, astronomo dell’Osservatorio della Valle d’Aosta, giovane divulgatore di scienza e vecchio appassionato di fantascienza. extra Art&Scienza by Fabio Pagan Trieste Science Fiction Festival has always flirted with science. A little due to the old misconception that considers science fiction simply the literature that aims to anticipate future, and a little because, in fact, what is published in journals such as “Nature and Science” is often a powerful stimulus to the imagination of its authors. In addition, we think that the old Festival (the one that lined up twenty editions between 1963 and 1982) was born and raised in years dominated by the USAUSSR space race, when Lunik and Ranger targeted the satellite with their automatic lenses trying to spot sites where men could first land. And bizarre and unexpected “cosmic monsters” (quasars, pulsars, holes blacks) made their appearance in the sky and the fossil radiation that permeates the entire universe, a remnant of the Big Bang, was discovered. But even here, on Earth, memorable things happened in science, things that changed society. The computer (or better: the calculator or even the electronic brain, as it was then called) coyly took its first steps out of the research centers. And Barnard, in Cape Town, transplanted the first human hearts. In the meantime, future molecular biologists completed the deciphering of the genetic code. Meanwhile - as Tino Ranieri wrote in the Festival’s catalogue in 1968 - “at a speed of 320 thousand kilometers per hour the asteroid Icarus has ‘caressed’ the Earth on the evening of June 14 and in many countries there are those who climbed mountains fearing the end of the world.” Nothing new: today, based on the Mayan calendar, there are those who look with the same apprehension to the date December 21 2012... So, documentaries and scientific films were scattered profusely in the afternoon and evening programming of the old Festival, in good part equipped with NASA seals. And during the fourth edition of the Festival, in 1966 - in the morning, for a few close friends in the hall of the Chamber of Commerce - an important panel had been organized on “Possibility of life and utilization of the solar system.” Title somewhat faulty and bureaucratic, more suited for a Board than for a science fiction event. But the participants made the difference. Along with Margherita Hack (she had just recently moved to Trieste), who imagined other planetary systems around distant stars in the galaxy - a speculation become true in 1995 - there were writer Harry Harrison, who spoke of the possible forms of alien life, and Arthur C. Clarke himself, who gave a speech about interstellar travels, bypassing with ease the Einsteinian limits of the speed of light. Clarke, in fact, had already in mind the monolith from 2001 A Space Odyssey, which Kubrick was filming in London. Later, sitting side by side in the then Filodrammatico cinema, home of the retrospective review, he showed me the first photos from scenes of the film, with the astronauts on board of the Discovery spaceship. He would be back to Trieste five years later, in 1971 to head the jury of the festival and discuss the meanings of that celebrated film. But it was in 1969 that the event seemed to have signed a pact with destiny. Right in the middle of the Festival, on July 16, the Apollo 11 threesome Neil Armstrong, Buzz Aldrin and Michael Collins were shot to the moon. And the huge roar of Saturn 5, which took off from Cape Canaveral, along with the striking images of the moon getting bigger and the Earth getting smaller, rivaled in those days with the representation projected on the big screen in the Militia Courtyard of San Giusto’s Castle. Armstrong’s first step on the moon, the night after the conclusion of the Festival, seemed a natural ending of dreams and fantasies that cinema had always fed, from Méliès onwards. All this belongs to a bygone era. A bit of science has made its way here and there in recent years too, with the current Science+Fiction. An example; last year’s screening of Werner Herzog’s last effort, Encounters at the End of the World, set in the Antarctic base of McMurdo. Spectacular images and intriguing stories told by a group of scientists. Something more and certainly different than a simple documentary. And, as a memorable in depth analysis, in the theatre, to introduce the film, the story of the experiences of two geophysical of the OGS institute of Trieste, also engaged on Arctic and Antarctic routes. But this year, the festival looks for a breakthrough by launching a more comprehensive and multifaceted dialogue on the relationship between science, art and science fiction. Under the label art&scienza, four appointments are scheduled from November 25th to the 28th, at the Revoltella Museum, in collaboration with the SISSA, the International School for Advanced Studies. The event will open with an ideal tribute to the extraordinary story of the intellectual Subramanyan Chandrasekhar, the great astrophysicist (Indian by birth but naturalized American) who in 1983 received the Nobel Prize in physics for his studies of star evolution. Giuseppe Mussardo, theoretical physicist at SISSA, will present the recent documentary Chandra. The journey of a star, he has authored, directed by Enrico Agapito. And it’s up to Stefano Liberati, a young cosmologist working also for SISSA, to narrate the wildest theories on the space-time structure that have nothing to envy the imagination of science fiction writers. We will then meet with Bruce Sterling, one of the luxury guests of SF 09, leader –with William Gibson– of the cyberpunk movement in the eighties, that caused a mutation in science fiction themes and languages upon computer science revolution (widely stressed in other parts of this catalogue). To stimulate his thoughts and his provocations on the relationship between literature, science and technology there will be Giuseppe Lippi, chief editor for the Mondadori collection Urania. The third appointment of art&scienza will be dedicated to Futurism, which this year has reminded the centenary of its birth with the “Manifesto” of Filippo Tommaso Marinetti. Futurism loved (sometimes up to idolatry) technique, applied sciences, using these elements to build a new type of man and a new society. A movement that has deeply marked the Italian culture of the early twentieth century: from Balla to Depero and Marinetti himself, author of, among other things (always in that fateful 1909) “Mafarka the futurist,” an imaginative novel in both its plot design and language, also charged for obscenity at the time. Only recently, in 2003, it has been reprinted by Oscar Mondadori in its original version. Gianfranco de Turris and Riccardo Valla, well-known scholars, essayists and translators will talk about the future and its link with science, technology and science fiction. Finally, the Moon, to commemorate the 40th anniversary of that “first step” just as today NASA and the American industry of space agencies are awaiting President Obama’s decisions on the possible announcement, after ten years, of an actual return to a satellite program. Paolo Attivissimo, computer expert and implacable media unmasking expert (http://attivissimo.blogspot.com) and Andrea Bernagozzi, astronomer at the Observatory of Valle d’Aosta, young science divulgator and old science fiction fan, will reveal the inconsistencies and the paranoia of the thesis of moon conspiracies, according to which “we have never been to the moon.” A p. 108 Renato Di Bosso, Pilota stratosferico, 1938 Reggio Emilia, collezione privata Courtesy Galleria Fonte d’Abisso, Milano. Sopra Tullio Crali, Uomo e cosmo, 1933 Udine, GAMUD Galleria d’Arte Moderna di Udine. 112 113 extra Massimo Volume extra La chute de la maison Usher Francia 1928, b/n, 35 mm, 70’ Dei Massimo Volume si è ampiamente parlato tra il 1995 ed il 2001. Cinque album realizzati, prima di far calare il silenzio sulla band, ma non sui suoi componenti, affaccendati tra opere letterarie, collaborazioni e ricerca. I Massimo Volume hanno saputo catturare l’amore e la stima di un folto pubblico e di colleghi, che al di là delle proprie inclinazioni artistiche hanno sempre ammirato in maniera incondizionata gli artefici di “Stanze” (1993), di “Lungo i bordi” (1995), di “Da qui” (1997), di “Club Privé” (1999) e della colonna sonora di Almost Blue (2000). Nell’estate del 2008 un primo bagliore di luce a squarciare la spessa tenebra che avvolgeva il progetto: la band, invitata e presente al Traffic Festival, elargivano rosee speranze. Senza troppo indugiare, un paio di mesi dopo veniva inaugurato un Reunion Tour che raccolse consensi al di là di ogni più che ottimistica previsione! Affiancato al progetto originale, on the road anche la suggestiva sonorizzazione de La Caduta della Casa Usher, film muto datato 1928 a firma di Jean Epstein che con Luis Bunuel realizza una sceneggiatura unendo due racconti di Edgar Allan Poe: “La Caduta della Casa degli Usher” e “Il Ritratto Ovale”. La stima rinnovata di pubblico e critica convince di conseguenza Emidio Clementi (voce e basso), Vittoria Burattini (batteria), Egle Sommacal (chitarre) a certificare il successo ritrovato con la pubblicazione del 1° album live, “Massimo Volume Bologna nov. 2008”, registrato il 7 Novembre 2008 all’Estragon di Bologna, con Stefano Pilia (chitarre), il quarto musicista della band, che da tempo condivide con i tre membri storici questa nuova e splendida avventura. 114 The band Massimo Volume was very popular between 1995 and 2001. It released five albums before disappearing as fast as it came. Its components though are still well known, bustling between literary works, collaborations and research. Massimo Volume has been able to capture the love and esteem of a large audience and colleagues. Beyond their artistic peculiarities, the band has been always unconditionally admired “Stanze” (“Rooms”, 1993), “Lungo i bordi” (“Along the edges”,1995), “Da qui” (“From here”, 1997), “Club Privé”, 1999) and for the astounding soundtrack to the horror picture Almost Blue (2000). In the summer of 2008, the band, invited at the Traffic Festival regains the original brightness bestowing rosy hopes. A few of months later it launched a reunion tour, acclaimed beyond every optimistic forecast! Attached to the original band is also the delightful sound of The Fall of the House Usher, silent film, dated 1928, signed by Jean Epstein that with Luis Bunuel realizes a script combining two tales by Edgar Allan Poe: “The Fall of the House of Usher” and “The Oval Portrait”. This renewed public and critical success convinces accordingly Emidio Clementi (bass, vocals), Vittoria Burattini (drums), Egle Sommacal (guitars) to certify such accomplishment with the release of the first live album, “Massimo Volume Bologna novembre 2008”, recorded on November 7, 2008 at the Estragon, in Bologna, with the fourth member of the band, Stefano Pilia (guitar), who has long shared, with the band, this new and wonderful historical adventure. Regia/Direction Jean Epstein Sceneggiatura/Screenplay Luis Bunuel e Jean Epstein Fotografia/Cinematography Georges Lucas, Jean Lucas Interpreti/Cast Jean Debucourt, Marguerite Gance, Charles Lamy, Fournez-Goffard, Luc Dartagnan Produttore/Producer Jean Epstein Mentre la giovane moglie Madeleine muore lentamente di una terribile malattia, Roderick Usher, artista febbrile, chiede al suo vecchio amico Allan di tenergli compagnia in questo momento così cupo. Poco dopo l’arrivo di Allan, Madeline muore... o no? Mentre Roderick sprofonda nella malinconia, si sentono dei rumori forti provenire dalla tomba di Madeline. La morte non è la fine! 115 As his beautiful young wife Madeleine dies slowly of some dread ailment, fevered artist Roderick Usher asks his old friend Allan to keep him company in these morbid times. Shortly after Allan arrives, Madeleine dies-or does she? As Roderick himself succumbs to the melancholy, noises from Madeleine’s tomb cry out. Death is not the end! extra Commento del regista di Duncan Jones Sono sempre stato un fan dei film di fantascienza. Nel mio immaginario, l’epoca d’oro del cinema di fantascienza erano gli anni ’70 e i primi anni ’80, quando film come 2002: la seconda Odissea (Silent Running), Alien, Blade Runner e Atmosfera zero (Outland) raccontavano storie di uomini ambientate nel futuro. Ho sempre desiderato fare un film che potesse idealmente rientrare in quel canone. La gente che apprezza la fantascienza vuole il miglior futuro possibile per il mondo, ma al tempo stesso è consapevole del fatto che alla base dev’esserci un’educazione ottenuta investigando le cose peggiori che potrebbero accadere. Ecco perché Blade Runner era così efficace: utilizzava il futuro per farci guardare da una prospettiva più fresca alle caratteristiche più semplici dell’uomo. Empatia e umanità: come puoi definirle? Ecco, volevo cercare di rispondere a queste domande. Diversi anni fa ho letto “Entering Space” del famoso ingegnere aerospaziale Robert Zubrin. Zubrin ha proposto un’argomentazione completamente scientifica e molto stimolante su come l’uomo dovrebbe colonizzare il nostro sistema solare. Si trattava di un approccio estremamente pratico all’esplorazione nello spazio, e teneva conto degli appetiti fiscali che renderebbero attraente la 116 colonizzazione spaziale agli occhi del nostro mondo capitalista. Uno dei primi passi suggeriti era quello di mettere in piedi sulla luna uno stabilimento “usa e getta” per l’estrazione di Elio-3, per estrarre benzina da utilizzare per i generatori. Il libro mi ha davvero colpito: non potevo fare a meno di pensare che il primo passo per stabilirsi nello spazio – un passo che sarebbe fatto per ragioni di profitto invece che puramente scientifiche – rappresentava un intrigante conflitto di interessi. Le compagnie, per la loro stessa natura, cercherebbero, infatti, di estrarre la massima quantità di materiale grezzo da ogni tentativo, a fronte del minor costo possibile: è la legge degli affari. Tuttavia, senza una popolazione autoctona, movimenti per i diritti dell’uomo o una supervisione per tenere sotto controllo le cose, cosa potrebbe cercare di fare una compagnia? Cosa potrebbe essere disposta a commettere anche l’impresa più ben disposta e “green”? Come si comporterebbe nei confronti di un operaio solitario che sorveglia una base nella parte più deserta della luna? Queste sono alcune delle idee principali alla base dell’ambientazione di Moon, ma questo nasconde la radice del film, il suo elemento umano. Moon parla di alienazione, di come umanizziamo la tecnologia, della 117 paranoia che s’impadronisce di noi quando ci troviamo in una relazione a distanza, e in ultima analisi di come s’impara ad accettare se stessi. Un sacco di argomenti per un piccolo film indipendente, ma forse era proprio questo il contesto migliore per provare ad affrontarli: è “solo fantascienza”, in fondo. C’è un motivo per cui “indipendente” e “fantascienza” sono due termini che non vengono utilizzati di frequente nella stessa frase. La fantascienza, per sua stessa natura, spesso richiede i valori di produzione più elevati e questa – come si può immaginare – è la cosa più difficile da ottenere con un budget indipendente. Per questo motivo, mettere insieme Moon è stato come risolvere un complicatissimo puzzle: volevamo raccontare una storia che fosse al tempo stesso intimista, ma con un appeal universale; volevamo mantenere il cast ridotto e il set in cui girare completamente sotto controllo; e volevamo ottenere su schermo fino all’ultima goccia di quanto ci consentivano i nostri effetti visivi. Si trattava di un’operazione estremamente ambiziosa, ma ne è valsa la pena: abbiamo fatto un film di fantascienza genuino, con una storia intensa, la splendida interpretazione di un attore straordinario, strapieno di fantastici effetti speciali, e l’abbiamo fatto in trentatre giorni e con un budget ristretto. extra Director’s Statement by Duncan Jones extra Moon Regno Unito, 2009, colore, 35 mm, 97’ I have always been a fan of science fiction films. In my mind, the golden age of SF cinema was the ’70s, early ’80s, when films like Silent Running, Alien, Blade Runner and Outland told human stories in future environments. I’ve always wanted to make a film that felt like it could fit into that canon. People who appreciate science fiction want the best for the world, but they understand that there is an education to be had by investigating the worst of what might happen. That’s why Blade Runner was so brilliant; it used the future to make us look at basic human qualities from a fresh perspective. Empathy. Humanity. How do you define these things? I wanted to address those questions. Quite a few years ago I read “Entering Space” by the renowned astronautical engineer, Robert Zubrin. Zubrin put forward a wholly scientific and engaging case for why and how humanity should be colonizing our solar system. It was a nutsand-bolts approach to space exploration, and took into account the fiscal appetites that would make space colonization attractive in our capitalist world. One of the first steps recommended was to set up a “shake-and-bake” Helium-3 mining facility on the moon to extract fuel for fusionpowered generators. The book made a real impression on me. I couldn’t help thinking that that first step into space habitation, a step that would be made for profit rather than purely scientific reasons, was a fascinating conflict of interests. Companies by their very nature would seek to extract the maximum amount of raw materials from any endeavor, for a minimum outlay of costs. That’s just good business. But without any locals, without human rights groups or oversight to keep an eye on things, what might a company try to get away with? What might even the most benign, “green” corporation be willing to do? What would they do to a lone, blue-collar caretaker on a base on the far side of the Moon? These are some of the basic ideas that informed the science fiction setting of Moon, but this belies the root of the film; its human element. Moon is about alienation; it’s about how we anthropomorphize 118 technology; it’s about the paranoia that strikes you when you are in a long distance relationship; and it’s about learning to accept yourself. A lot to take on for a little indie film, but maybe that was the best place to try. It is “only science fiction” after all. There is a reason why “indie” and “science fiction” are rarely seen together in the same sentence. Sci-fi by its very nature often demands the biggest production values, and, as you can imagine, that’s the hardest thing to achieve with an indie budget. So putting Moon together was an intricate puzzle: we wanted to tell a story that was both intimately human but universal in appeal; we wanted to keep our cast small and our shooting environment completely controllable; and we wanted to get every last drop of screen value out of our visual effects. It was hugely ambitious, but it paid off—we made an honest-togoodness science fiction film, with an intense story, an amazing performance by an extraordinary actor, chock-full of gorgeous special effects, and we did it in thirty-three days and on a small budget. Dunca Jones ha iniziato come operatore di wild-cam per Tony Scott, prima di lavorare come pubblicitario per Walter Stern, regista conosciuto per i suoi spot e promo intellettuali. Il suo corto Whistle ha avuto vai passaggi televisivi nel Regno Unito sul canale Film Four èd stato proiettato in vari festival in giro per il mondo. Duncan Jones started out as a wild-cam operator for Tony Scott, before going on to work as an AD for cerebral promo and commercials director Walter Stern. His short film Whistle has screened at festivals around the world and numerous times on Film Four in the UK. Regia/Direction Duncan Jones Sceneggiatura/Screenplay Nathan Parker Fotografia/Cinematography Gary Shaw Montaggio/Editing Nicolas Gastor Musiche/Music Clint Mansell Interpreti/Cast Sam Rockwell, Kevin Spacey, Dominique McElligott, Benedict Wong, Matt Berry Produttore/Producer Stuart Fenegan, Trudie Styler Distribuzione/Distribution Sony Pictures Classics Sito ufficiale/Official site www.sonypictures.com/classics/moon Siamo in un futuro molto vicino. L’astronauta Sam Bell si trova in una remota zona lunare con un contratto triennale con le Industrie Lunar per estrarre l’Elio-3, la risorsa primaria di energia per la Terra. È un lavoro solitario e la mancanza di comunicazioni dal vivo con la sua famiglia, a causa di un satellite guasto, rende tutto più difficile. Sam infatti può solo mandare e ricevere messaggi su registrati su cassetta. It is the near future. Astronaut Sam Bell is living on the far side of the moon, completing a three-year contract with Lunar Industries to mine Earth’s primary source of energy, Helium-3. It is a lonely job, made harder by a broken satellite that allows no live communications home. Taped messages are all Sam can send and receive. 119 alfabetico dei film indice 1 17 L’estraneo 47 Plague 43 2033 18 The Fall of the House of Usher 67 Quel maledetto treno blindato 107 20th Century Boys: Beginning of the End 19 Ferat Vampire 95 The Rat Savior 93 First Squad - The Moment of Truth 28 The Raven 70 20th Century Boys: Chapter Three – Redemption 21 The Fortress 94 The Room 43 20th Century Boys: Chapter Two – The Last Hope 20 Fuga dal Bronx 106 Salvage 32 The Genesis of Evil 47 Sexmission 98 29 Shadow 33 50 Years on the Moon 39 Goemon The Age of Stupid 22 H5N1 40 The Silent Star 87 Amer 23 Ikarie XB 1 88 A Star Call Three 43 Banlieue 13 – Ultimatum 24 In chambers 41 TiMER 34 Breed 39 In the Dust of the Stars 92 The Traveller 44 Carriers 25 Infestation 30 Triage 80 The Children 26 Konvex 41 Ubermensch 44 La chute de la maison Usher 113 La Main des Maîtres 41 Valhalla Rising 35 Cíclope 39 Man still Goes to the Moon 42 Vespers 44 La Città nel cielo 46 The Masque of the Red Death 68 Virtual Dating 45 42 Visitors from the Galaxy 96 Science+Fiction festival della fantascienza indici _ The Clone Returns Home 27 Mauvaise Error Corporate 46 Metropia 31 The War of the World: Next Century 97 Danse Macabre 40 Moon 117 When It Will Be Silent 45 Else 40 99 Who Wants to Kill Jessie? 89 alfabetico dei film produzioni, distribuzioni e archivi The End of August at the Hotel Ozone 90 O-Bi, O-Ba - The End of Civilization The Wicker Man 81 Phatos 42 X: The Man with the X-Ray Eyes 71 Eolomea 91 The Pit and the Pendulum 69 Zone of the Dead 36 L’estate fredda 47 121 indice produzioni, distribuzioni e archivi neon Amer 1 Tobina Films 45, rue Nationale 72340 Ruillé-sur-Loir, France T +33 2 43 79 02 54 [email protected] Hneymood Films Ltd. Nyereg utca 8 H-1037, Budapest, Hungary T +36 1 250 4733 +36 1 240 5694 F +36 387 22 40 [email protected] www.honeymood.com Magyar Filmunió Városligeti fasor 38 1068 Budapest, Hungary T +36 (1)351-7760, 351-7761 F+36 (1)352-6734; [email protected] www.filmunio.hu 2033 La Casa de Cine Gral. Francisco Ramírez 19 Col. Ampliación Daniel Garza 11840 México DF, Mexico T +52 1209 7140 [email protected]. www.lacasadecine.com The age of stupid Spanner Films Ltd WC1N 3XX. London, UK F +44-870-751-092 [email protected] www.spannerfilms.net Celluloid Dreams 2, rue Turgot 75009 Paris, France T +33 1 49 70 03 70 F +33 1 49 70 03 71 [email protected] www.celluloid-dreams.com Coach 14 21, Rue Jean Pierre Timbaud 75011 Paris, France T +33 93 280 5752 [email protected] www.coach14.com Banlieue 13 – Ultimatum Europacorp 137, rue du Faubourg Saint-Honoré 75008 Paris, France [email protected] www.europacorp.com Carriers Likely Story 150 West 22nd Street, 9th Floor 10011 New York, USA [email protected] Indirizzo web www.likely-story.com Paramount Vantage 5555 Melrose Ave, Ball Bldg # 111 90038 Los Angeles, USA www.paramount.com The Children Vertigo Films The Big Room Studios, 77 Fortess Road NW5 1AG London, UK T +44 20 7428 7555 F +44 20 7485 9713 www.vertigofilms.com 122 Protagonist Pictures Francis House, 11 Francis Street SW1P 1DE London, UK T +44 20 7306 5155 F +44 20 7306 8044 [email protected] www.protagonistpictures.com The Clone Returns Home Agung Inc. 10-1-3 Hachobori 3F Ohsawa-Building Chuo-ku, Tokyo, Japan T +81 (0)3 5117 2161 F +81 (0)3 5117 2162 [email protected] www.clone-homeland.com Gold View Co. Ltd. 3-50-5 Entopia Ogikubo 1201 Asagaya - Minami SuginamiI-Ku 166-0004 Tokio, Japan T + 81 3 5347 2501 F + 81 3 5347 2505 [email protected] www.goldview.co.jp First Squad - The Moment of Truth Studio 4°C 3rd Floor 2 5 10 Kichijoji Honcho Musashino Shi 1800004 Tokyo, Japan [email protected] www.studio4c.co.jp/english/ Molot Entertainment Film 521 Greenwood Ave. M4J4A6 Toronto, Canada [email protected] Molot Russia Tel +7 926 254 9892 [email protected] Golden Network Asia Unit 1508 Nanyang Plaza 57 Hung To Road Kwun Tong Hong Kong, China T +852 2751 1886 F +852 2750 4862 [email protected] Goemon Kirya Pictures, Inc. 3-47-21 Ogikubo Ogikubo Sanchome Cityhouse 2F – Suginami 167-0051 Tokyo, Japan www.kiriya.com Wild Bunch Rue de la Verrerie 75004 Paris, France T +33 153015032 [email protected] www.wildbunch.biz Infestation Icon Entertainment International Solar House 915 High Road N12 8QJ London, UK T +44 (0)20 8492 6300 F +44 (0)20 8492 6301 [email protected] www.iconmovies.net Metropia Shadow Atmo Götgatan 9 11646 Stockolm, Sweden T+ 46 8 462 26 90 [email protected] www.atmo.se Blu Cinematografica G.F. Srl Viale Giulio Cesare, 71 00192 Roma, Italy T +06-3216441 [email protected] www.blucinema.it Trust Nordisk ApS Filmbyen 12 2650 Hvidovre, Denmark T + 45 36 86 87 88 F + 45 36 77 44 48 [email protected] www.trustnordisk.com Swedish Film Institute Box 271 26, S-102 52 11646 Stockolm, Sweden T + 46 86 65 11 00 F + 46 86 65 18 20 [email protected] www.sfi.se Salvage Hoax Films 92 Cheadle Road Cheadle Hulme (Cheshire), UK T +44 (0)7803 244 976 F +44 (0)7940 568 497 Jinga Films 22 Carnaby Street W1F 7DB London, UK T +44 20 7287 0050 [email protected] www.jingafilms.com TiMER Truckbeef LLC 1018 4th Street, apt. 102 CA 90403 Santa Monica, USA T +1 323 326 8434 [email protected] www.TiMERtheMovie.com Valhalla Rising One Eye Production Aps c/o Nimbus Film Filmbyen 20 2650 Hvidovre, Denmark T +45 3634 0910 F +45 3634 0911 Wild Bunch 99 rue de la Verrerie 75004 Paris, France T +33 1 53015032 F +33 1 53015049 Ester Devos [email protected] www.wildbunch.biz Zone of the dead ABS Film Company C. Girona, 173-175 baixos 08037 Barcelona, Spain T +32 934878436 F + 934871541 [email protected] www.absfilmcompany.com 123 indice produzioni, distribuzioni e archivi urania d’argento Roger Corman HanWay Films 24 Hanway St. W1T1UH London, UK T +44 207 290 0750 F +44 207 290 0751 [email protected] www.hanwayfilms.com Progress Film-Verleih GmbH Immanuelkirchstr. 14b D-10405 Berlin, Germany T +49-(0)30-24 00 3-202 F +49-(0)30-24 00 3-222 [email protected] www.progress-film.de 01 Distribution Piazza Adriana 12 00193 Roma, Italy T +39 0668470209 [email protected] www. 01distribution.it Magyar Nemzeti Filmarchivum Budakeszi út 51/e H-1021 Budapest, Hungary T +361 394 1322/106, 394 1018/106 F +361 398 0781 [email protected] www.filmintezet.hu Films Sans Frontieres 70 Boulevard De Sebastopol 75003 Paris, France T +33142772184 F +33142774266 Fax [email protected] www.films-sans-frontieres.fr Cooper Films Providència 99, 08024 Barcelona, Spain T +34 932 194 351 [email protected] Hollywood Classics Linton House, 39/51 Highgate Road, NW5 1RS London, UK T +44 (0)207 424 7280 F +44 (0)207 428 8936 www.hollywoodclassics.com urania d’argento Christopher Lee Tamasa Distribution 122 rue La Boétie 75008, Paris T +33 (0) 1 43 59 01 01 F +33 (0) 1 43 59 64 41 [email protected] Triage Parallel Films Brook House Corrig Avenue. Dun Laoghaire Dublin, Ireland T +353 1 236 0757 F +353 1 236 0762 [email protected] www.parallelfilms.ie marx attacks! Filmoteka Narodowa ul. Puławska 61 00-975 Warsaw, Poland T + 48 22 845 50 74 F +48 22 646 53 73 [email protected] www.fn.org.pl Zagreb film Vlaska 70 10000 Zagreb, Croatia T +385 1 4613 689 F +385 1 4557 068 [email protected] www.zagrebfilm.hr HAVC - Hrvatski Adiovizualni Centar Kralja Zvonomira 20 10 000 Zagreb, Croatia T +385 1 4655 439 F +385 1 4655 442 [email protected] www.havc.hr 124 extra Enzo G. Castellari Archivio Storico del Cinema Italiano Via Stefano Porcari 7, 00193 Roma, Italy T +39 3286335173 [email protected] Moon Liberty Films UK 4 Lowndes Court W1F 7HE London, UK T +44 20 7734 9968 F +44 20 7734 8801 www.liberty-films.co.uk Sony Pictures Releasing Italia via Cantalupo in Sabina 29 00191 Roma, Italy T +39 06 3308 4234 F +39 06 3308 4251 [email protected] www.sonypictures.it