FESTIVAL
ÉDOUARD LALO TRA FOLKLORE E WAGNERISMO
DAL 26 SETTEMBRE AL 10 NOVEMBRE 2015
Palazzetto Bru Zane – sabato 17 ottobre, ore 17
Violino romantico
Diana Tishchenko, violino
Joachim Carr, pianoforte
PALAZZETTO
BRU ZANE
CENTRE
DE MUSIQUE
ROMANTIQUE
FRANÇAISE
Come Bizet deve la sua gloria a una sola opera, Carmen, così la
fama di Lalo, per i posteri, appare indissolubilmente legata alla
Symphonie espagnole per violino e orchestra (1875), il cui successo
internazionale non è mai venuto meno. Per i più curiosi, Lalo è
anche l’autore del Roi d’Ys, un’opera ispirata a una leggenda
bretone, regolarmente presente nei programmi lirici. È tutta qui
la notorietà di questo artista, il quale univa a un temperamento
rivoluzionario (che gli costò l’esclusione dagli ambienti «ufficiali»)
un gusto troppo tedesco per soddisfare le regole dell’accademismo
francese; tuttavia, fermarsi a questa visione semplicistica significa
non conoscere Lalo e la sua opera. Per riabilitare il compositore
in tutta la varietà che lo contraddistingue, in questa stagione il
Palazzetto Bru Zane si impegna a far rinascere una parte importante
della sua musica, dallo stile eterogeneo e spesso sorprendente:
il ciclo di concerti veneziano permetterà di riscoprire i suoi trii,
quartetto e quintetto, le sonate e molte delle sue trentadue
mélodies, oggi quasi sconosciute.
Au même titre que Bizet est l’homme d’une œuvre – Carmen –, la
postérité de Lalo semble irrémédiablement liée à sa Symphonie
espagnole pour violon et orchestre (1875) dont le succès international
n’a jamais été démenti. Pour les plus curieux, Lalo est aussi l’auteur
du Roi d’Ys, opéra inspiré d’une légende bretonne qui resurgit
régulièrement dans les programmes lyriques. Voilà la seule notoriété
d’un artiste associant à un tempérament révolutionnaire (qui lui valut
l’exclusion des milieux officiels) un goût trop allemand pour satisfaire
aux règles de l’académisme français. C’est pourtant mal connaître
l’homme et son œuvre que de s’arrêter à ce panorama simpliste. Pour
réhabiliter le compositeur dans toute sa variété, le Palazzetto Bru Zane
s’engage cette saison dans la résurrection d’une partie importante de
sa musique, au style aussi panaché que déroutant : le cycle des concerts
vénitiens fera ainsi entendre ses trios, sonates, quintette et quatuor
et une grande partie de ses trente-deux mélodies, presque inconnues
aujourd’hui.
La musica per violino e pianoforte alla fine del XIX secolo
Nella prima metà dell’Ottocento, i violinisti accorrono a Parigi da
tutta l’Europa per studiare con Pierre Baillot, Pierre Rode, Rodolphe
Kreutzer o François-Antoine Habeneck. qualche decennio dopo, il
Conservatoire de Paris continua ad attirare gli studenti di violino,
che vi seguono l’insegnamento di maestri come Jean-Delphin Alard
(professore dal 1843 al 1875), Joseph Massart (dal 1843 al 1890),
Charles Dancla (de 1860 à 1892) o Martin-Pierre Marsick (dal 1882 al
1900). Il repertorio per violino e pianoforte della seconda metà del
secolo si arricchisce di opere significative e riceve ulteriore stimolo
dalla creazione della Société nationale de musique. Nell’ambito
della sonata, Lalo – dopo Onslow – fa da pioniere con l’op. 12
(1853), seguito da Benjamin Godard (cinque spartiti tra il 1866 e
il 1883), Alexis de Castillon (1870), Gabriel Fauré (1876), Théodore
Gouvy (ca. 1877), Camille Saint-Saëns (1885 et 1896), César Franck
(1886), Guillaume Lekeu (1892) o anche Sylvio Lazzari (1894).
Accanto a queste opere in più movimenti, circolano pezzi singoli
che permettono agli strumentisti di dar prova del loro virtuosismo
o di affascinare il pubblico con la loro arte del cantabile (Romance,
Berceuse e Andante di Fauré, Berceuse di Saint-Saëns). Grazie a tale
ampio e vario repertorio, il violino impone la propria supremazia
quasi assoluta sia nei salotti della borghesia sia nelle grandi sale
da concerto.
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La musique pour violon et piano à la fin du XIXe siècle
Dans la première moitié du XIXe siècle, les violonistes accourent
de toute l’Europe pour travailler avec Baillot, Rode, Kreutzer ou
Habeneck. Quelques décennies plus tard, le Conservatoire de
Paris continue d’attirer les étudiants violonistes, qui recherchent
l’enseignement d’Alard (professeur de 1843 à 1875), Massart (de
1843 à 1890), Dancla (de 1860 à 1892) ou encore Marsick (de 1882
à 1900). Le répertoire pour violon et piano de la seconde moitié du
siècle s’enrichit d’œuvres significatives, stimulées de surcroît par
la création de la Société nationale de musique. Dans le domaine de
la sonate, Lalo – après Onslow – fait figure de pionnier avec son
opus 12 (1853), suivi par Godard (cinq partitions de 1866 à 1883),
Castillon (1870), Fauré (1876), Gouvy (ca. 1877), Saint-Saëns (1885
et 1896), Franck (1886), Lekeu (1892) ou encore Lazzari (1894).
Parallèlement à ces œuvres en plusieurs mouvements, des pièces
isolées permettent aux instrumentistes de déployer leur virtuosité
ou de charmer par leur art du cantabile (Romance, Berceuse et
Andante de Fauré, Berceuse de Saint-Saëns). Par ces répertoires
variés, le violon assoit presque sans partage sa domination du
salon bourgeois comme de la vaste salle de concert.
Édouard Lalo
Sonate pour violon et piano en ré majeur op. 12 :
Allegro moderato – Variations : Andantino con moto – Rondo : Vivace
Romance-Sérénade pour violon et piano
Arlequin pour violon et piano
Gabriel Pierné
Sonate pour violon et piano op. 36 :
Allegretto. Andante tranquillo – Allegretto tranquillo – Andante non troppo. Allegro un poco agitato
Durata del concerto / Durée du concert
1h
Le opere
Les œuvres
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Édouard Lalo: Sonata per violino e pianoforte in re
maggiore op. 12
Allegro moderato – Variations: Andantino con moto – Rondò:
Vivace
Édouard Lalo : Sonate pour violon et piano en ré
majeur op. 12
Allegro moderato – Variations : Andantino con moto – Rondo :
Vivace
Nel 1853, Lalo compose un Grande Duo concertante per violino
e pianoforte. Il titolo voleva indicare la pari importanza
accordata ai due strumenti (la scrittura della parte del
violino è particolarmente curata), laddove il termine «sonata»
avrebbe potuto far pensare a un’opera per pianoforte «con
accompagnamento di violino», secondo l’uso in vigore nei
primi decenni dell’Ottocento. Poi Lalo lasciò la partitura nel
cassetto per vent’anni. Fu l’incontro con Pablo de Sarasate,
nel 1873, a destare il suo interesse? Fatto sta che ritoccò (di
poco, a quanto pare) la sua Sonata – il cambiamento del titolo
è significativo dell’evoluzione degli usi e della mentalità –, e
che il virtuoso spagnolo, accompagnato da Georges Bizet al
pianoforte, la eseguì per la prima volta il 29 novembre 1873
alla Société nationale de musique. Se questa op. 12 di Lalo
è la capostipite delle grandi sonate per violino e pianoforte
che fioriscono in Francia nella seconda metà del XIX secolo,
il suo linguaggio e la sua fattura non guardano tanto a
Fauré (1876) o a Franck (1886), ma piuttosto si inseriscono
in un romanticismo classicheggiante: tre concisi movimenti
per una durata totale inferiore a venti minuti, strutture
tradizionali (in successione: una forma sonata bitematica, un
tema e variazioni, un rondò-sonata). Nel tema e variazioni, il
En 1853, Lalo composa un Grand Duo concertant pour violon et
piano. L’intitulé indiquait l’importance égale des deux instruments
(l’écriture de la partie de violon est particulièrement soignée), alors
que le terme de sonate aurait peut-être laissé supposer une œuvre
pour piano « avec accompagnement de violon », selon l’usage
en vigueur dans les premières décennies du XIXe siècle. Puis Lalo
mit la partition de côté pendant vingt ans. Est-ce la rencontre
avec Pablo de Sarasate, en 1873, qui réveilla son intérêt ? Il
retoucha (à peine, semble-t-il) sa Sonate – changement de vocable
révélateur de l’évolution des pratiques et des mentalités –, créée
par le virtuose espagnol et Georges Bizet au piano le 29 novembre
1873 à la Société nationale de musique. Si cet opus 12 constitue
l’alpha des grandes sonates pour violon et piano qui fleurissent
en France dans la seconde moitié du XIXe siècle, son langage et sa
facture s’inscrivent dans un romantisme classicisant, plus qu’ils
ne regardent vers les futures partitions de Fauré (1876) et Franck
(1886) : trois mouvements concis pour une durée inférieure à vingt
minutes, des structures traditionnelles (successivement une forme
sonate bithématique, un thème et variations, un rondo-sonate).
Dans le thème et variations, le contrepoint évite la démonstration
didactique pour tresser un élégant dialogue entre les parties.
Non tenté par des textures symphoniques, Lalo s’adresse à des
contrappunto evita la dimostrazione didattica per intrecciare
un elegante dialogo tra le parti. Lalo non si lascia tentare da
una scrittura di tipo sinfonico, ma si rivolge a interpreti che
sappiano mostrare energia e al tempo stesso volteggiare con
aerea agilità, in particolare nel brillante finale dal refrain irto
di spiccati.
interprètes qui sachent à la fois déployer de l’énergie et voltiger
avec une prestesse aérienne, notamment dans le brillant finale au
refrain hérissé de spiccati.
Édouard Lalo: Romance-Sérénade per violino e
pianoforte
Scritta nel 1877 originariamente per violino e orchestra, questa
Romance-Sérénade fu eseguita per la prima volta il 7 maggio
1878 alla Société nationale de musique da Paul Viardot (figlio
della cantante Pauline Viardot) sotto la direzione di Édouard
Colonne. Il titolo potrebbe forse far pensare a un dittico, tanto
più che Lalo compose nel 1873 La Mère et l’Enfant per pianoforte
a quattro mani, i cui due brani si intitolano successivamente
Romance e Sérénade. In compenso, l’opera per violino è un
brano unitario, in forma ABA’ (numerose varianti distinguono
A’ da A). Le parti estreme presentano però sconcertanti
somiglianze con la Sérénade pianistica, anche se la melodia è
diversa: tonalità di sol maggiore, tempo allegretto (non troppo,
precisa Lalo per la partitura del violino), misura a tre tempi,
delicato colore popolare conferito dalle numerose quinte
vuote al basso, ritmo di polacca nell’accompagnamento.
Mentre La Mère et l’Enfant è destinata a musicisti dilettanti
Édouard Lalo : Romance-Sérénade pour violon et
piano
Écrite en 1877, à l’origine pour violon et orchestre, cette RomanceSérénade fut créée le 7 mai 1878 à la Société nationale de
musique par Paul Viardot (fils de la cantatrice Pauline Viardot)
sous la direction d’Édouard Colonne. Le titre laisserait peutêtre attendre un diptyque, d’autant que Lalo composa en 1873
La Mère et l’Enfant pour piano à quatre mains, dont les deux
pièces s’intitulent successivement Romance et Sérénade. L’œuvre
pour violon est en revanche d’une seule coulée, de forme ABA’
(de nombreuses variantes distinguant A’ de A). Mais ses parties
extrêmes possèdent des points communs troublants avec la
Sérénade pianistique, même si leur mélodie diffère : tonalité
de sol majeur, tempo allegretto (non troppo précise Lalo pour
la partition de violon), mesure à trois temps, délicate couleur
populaire apportée par les nombreuses quintes à vide à la basse,
rythme de polonaise dans l’accompagnement. En revanche, la
Romance-Sérénade exige un soliste agile, tandis que La Mère
5
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(in particolare al figlio del compositore, Pierre, cui è dedicata
la raccolta), la Romance-Sérénade esige un abile solista. Del
resto, il violino vi svolge un ruolo di primo piano: l’orchestra
si limita all’accompagnamento. Il brano insiste molto sul
registro acuto, in cui si sviluppa la melodia, ornata in alcuni
punti da volute delicate come ragnatele. Nella parte centrale
si odono accenti più vigorosi, senza peraltro che venga
introdotto alcun contrasto degno di nota (il pezzo inizia in
minore, ma poco dopo modula in maggiore). Le ombre non
possono offuscare la radiosa limpidezza di quest’opera, posta
sotto il segno del canto.
et l’Enfant s’adresse à des musiciens amateurs (notamment au
fils du compositeur, Pierre, auquel le recueil est dédié). Elle place
d’ailleurs le violon au premier plan, l’orchestre se limitant à un
rôle d’accompagnateur. Elle sollicite beaucoup le registre aigu,
dans lequel se déploie la mélodie, ornée par moments de volutes
arachnéennes. La partie centrale fait entendre des accents plus
véhéments sans pour autant introduire de contraste notable (elle
commence en mineur, mais module peu après en majeur). Les
ombres ne sauraient ternir la clarté radieuse de cette œuvre placée
sous le signe du chant.
Édouard Lalo: Arlequin per violino e pianoforte
Composto intorno al 1848, Arlequin fa parte di un gruppo
di brani brevi che, nell’opera cameristica di Lalo, si
accompagnano ai generi tradizionali in più movimenti.
Sottotitolato «schizzo umoristico» o «schizzo caratteristico»
a seconda delle edizioni, non richiede prodigi di virtuosismo,
ma è pur sempre destinato a un archetto agile, che sappia
infondere spirito a queste pagine leggere e fantasiose. I ritmi
danzanti richiamano il bolero, poi il valzer, pur mantenendo
un carattere di improvvisazione. L’episodio finale riprende
il materiale iniziale, ma con numerose varianti, in cui la
forma fa una sorta di sberleffo alle simmetrie del consueto
schema ABA. Capriccioso e imprevedibile: è così che si
Édouard Lalo : Arlequin pour violon et piano
Composé vers 1848, Arlequin fait partie des quelques pièces brèves
qui, dans la musique de chambre de Lalo, côtoient les genres
traditionnels en plusieurs mouvements. Sous-titré « esquisse
humoristique » ou « esquisse caractéristique » selon les éditions,
il n’exige pas de prouesses de virtuosité. Il s’adresse toutefois à
un archet délié qui sache donner de l’esprit à ces pages légères et
fantasques. Les rythmes dansants regardent vers le boléro, puis
la valse, tout en conservant le caractère d’une improvisation.
Si l’épisode final reprend le matériau du début, c’est avec de
nombreuses variantes, la forme faisant un pied-de-nez aux
symétries de l’habituel ABA. Capricieux et imprévisible : c’est
ainsi qu’on imagine l’Arlequin de la commedia dell’arte (théâtre
immagina l’Arlecchino della commedia dell’arte (alla quale
Lalo attingerà ancora nel 1850, con la Pastorale e Scherzo alla
Pulcinella per violino e pianoforte). Dopo Marivaux e Goldoni
nel Settecento, anche gli scrittori romantici si ispirano
al servitore dal costume variopinto: George Sand (nella
commedia Arlequin médecin), Théodore de Banville (Arlequin
et Colombine, che appare nell’edizione delle Stalactites del
1857), Gautier (Carnaval in Émaux et camées), Hugo (La Fête
chez Thérèse nelle Contemplations). Si pensi anche ai Souvenirs
di Banville, pubblicati nel 1882 : «L’antico Arlecchino della
commedia italiana, che non ci si immagina neanche più, era
agile, naïf, astuto come un animale, continuamente agitato
da una fiamma interiore che ardeva senza posa; non stava mai
tranquillo, nemmeno per un istante. Era un essere danzante,
oscillante, trascinato da un ritmo invisibile».
auquel se réfère de nouveau Lalo vers 1850, avec Pastorale et
Scherzo alla Pulcinella pour violon et piano). Après Marivaux
et Goldoni au XVIIIe siècle, les écrivains romantiques s’inspirent
eux aussi du valet au costume bariolé : Sand (la pièce Arlequin
médecin), Théodore de Banville (« Arlequin et Colombine », inclus
dans l’édition des Stalactites de 1857), Gautier (« Carnaval »
dans Émaux et camées), Hugo (« La Fête chez Thérèse » dans Les
Contemplations). On songe aussi aux Souvenirs de Banville en
1882 : « L’ancien Arlequin de la Comédie-Italienne, qu’on ne se
figure même plus, était aussi agile, aussi naïf, aussi rusé qu’une
bête et sans cesse agité et brûlé par une flamme intérieure, ne
restait jamais en repos, fût-ce pendant une seconde. Il était un être
dansant, emporté et balancé dans un rythme invisible. »
Gabriel Pierné: Sonata per violino e pianoforte op. 36
Allegretto. Andante tranquillo – Allegretto tranquillo –
Andante non troppo. Allegro un poco agitato
Gabriel Pierné : Sonate pour violon et piano op. 36
Allegretto. Andante tranquillo – Allegretto tranquillo – Andante
non troppo. Allegro un poco agitato
Prima opera significativa di musica da camera composta da
Gabriel Pierné, la Sonata per pianoforte e violino in re minore
fu scritta nel 1900 ed eseguita nell’aprile 1901, alla Salle
Pleyel, dal violinista a cui è dedicata – Jacques Thibaud – e dal
pianista Lucien Wurmser. In essa è percepibile sotto numerosi
aspetti l’influsso di César Franck: l’uso di cromatismi che
Première œuvre majeure de musique de chambre composée par
Gabriel Pierné, la Sonate pour piano et violon en ré mineur fut
écrite en 1900 et créée en avril 1901, salle Pleyel, par le violoniste
auquel elle est dédiée – Jacques Thibaud – et le pianiste Lucien
Wurmser. L’influence de César Franck y est palpable à de nombreux
égards : l’usage de chromatismes qui imposent des modulations
7
impongono costanti modulazioni e una tonalità instabile;
l’adozione della forma ciclica (i tre movimenti presentano
motivi tematici comuni, sottoposti a molteplici metamorfosi).
Anche se il suo appassionato lirismo s’inserisce nella
tradizione francese di Saint-Saëns e Massenet, l’atmosfera
intima e la scrittura trasparente di certi passaggi richiamano
anche l’ammirazione che Pierné provava per Debussy. Come
nelle sonate di Brahms (op. 78) o Grieg (op. 45), troviamo
quattro movimenti riuniti in tre: un Allegretto languido e
giubiloso, quindi un Andante tranquillo calmo e lirico. Questo
movimento è basato su un’accurata struttura ritmica: le
battute del violino e del pianoforte possiedono le metriche
che sono loro proprie (inizialmente 6/8 per l’uno e 10/16 per
l’altro). Il secondo movimento è un Allegro tranquillo, durante
il quale il pianoforte deve suonare “con sentimento calmo e
sognante”. L’Allegro un poco agitato dell’ultimo movimento è
introdotto da un passaggio come recitativo, prima d’imporre
imponenti sviluppi armonici e tecnici, Nel 1908 Pierné
realizzò un arrangiamento della propria sonata anche per
flauto e pianoforte, che contribuì alla divulgazione dell’opera.
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constantes et une tonalité instable ; l’adoption de la forme
cyclique (les trois mouvements présentent des motifs thématiques
communs, soumis à de multiples métamorphoses). Si son lyrisme
passionné s’inscrit dans la tradition française de Saint-Saëns et
Massenet, le climat intime et l’écriture transparente de certains
passages rappellent aussi l’admiration que Pierné portait à
Debussy. Comme dans les sonates de Brahms (op. 78) ou Grieg
(op. 45), quatre mouvements se trouvent rassemblés en trois : le
premier comportant un Allegretto nonchalant et jubilatoire puis
un Andante tranquillo calme et lyrique. Ce mouvement repose
sur une structure rythmique soignée : les mesures du violon et du
piano possèdent des métriques qui leur sont propres (initialement
6/8 pour l’un et 10/16 pour l’autre). Le deuxième mouvement est un
Allegro tranquillo, au cours duquel le piano doit jouer « avec un
sentiment calme et rêveur ». L’Allegro un poco agitato du dernier
mouvement est introduit par un passage come recitativo, avant
de proposer des développements harmoniques et techniques
imposants. En 1908, Pierné réalise également un arrangement de
sa sonate pour flûte et piano, qui participe à la popularisation de
l’œuvre.
I compositori
Les compositeurs
Édouard Lalo (1823-1892)
Dopo una rottura non priva di difficoltà con le tradizioni militari
di famiglia, Lalo espresse piuttosto presto la sua passione per la
musica. Iscrittosi nel 1832 al Conservatorio di Lilla nelle classi di
Müller (violino) e Baumann (composizione), sette anni dopo si
trasferì a Parigi allo scopo di perfezionare la propria formazione con
Habeneck (violino), poi con Schulhoff e Crèvecœur (composizione). In
seguito, questo artista dal forte carattere si dedicherà, instancabile e
accanito, a una carriera difficile, spesso ai margini dell’ufficialità. Lo
ritroviamo alla fine degli anni Quaranta dell’Ottocento a guadagnarsi
faticosamente la vita impartendo qualche lezione o suonando come
orchestrale all’Opéra-Comique. Nel 1850 la sua partecipazione alla
Grande Société Philharmonique gli consente d’incontrare Berlioz.
Membro fondatore del Quatuor Armingaud verso il 1856 (per
il quale scriverà nel 1859 la sua opera 19), si concentra dunque
principalmente sulla mélodie e la musica da camera, sviluppando uno
stile ampiamente influenzato dalla musica tedesca. Ma, nonostante
l’appoggio di personalità come Gounod, il riconoscimento arriverà
solo negli anni Settanta, periodo durante il quale Lalo partecipa alla
fondazione della Société nationale de musique (1871) e compone
quasi tutte le sue opere principali, pervase di un afflato sinfonico
che segnerà profondamente le generazioni successive. Fino alla
metà degli anni Ottanta si susseguiranno così il Concerto per violino
e la Symphonie espagnole, scritti per il virtuoso Sarasate, il Concerto
per violoncello, la Rapsodie norvégienne, il balletto Namouna e il suo
grand-opéra Le Roi d’Ys.
Édouard Lalo (1823-1892)
Rompant non sans quelques difficultés avec la tradition militaire
familiale, Lalo exprima assez tôt son goût pour la musique. Inscrit
en 1832 au conservatoire de Lille, dans les classes de Müller (violon)
et Baumann (composition), il partit sept ans plus tard pour Paris
afin de parfaire sa formation auprès d’Habeneck (violon), puis
Schulhoff et Crèvecœur (composition). Dès lors, cet artiste doté d’un
fort caractère n’aura de cesse de poursuivre avec acharnement
une carrière difficile, souvent en marge des sentiers officiels. On le
retrouve à la fin des années 1840 gagnant péniblement sa vie en
donnant quelques cours ou en jouant comme musicien d’orchestre
à l’Opéra-Comique. En 1850, sa participation à la Grande Société
philharmonique lui vaut de rencontrer Berlioz. Membre fondateur
du Quatuor Armingaud vers 1856 (et pour lequel il écrira, en 1859,
son opus 19), il se concentre alors principalement sur la mélodie et la
musique de chambre, développant un style largement influencé par
la musique germanique. Mais malgré le soutien de personnalités
comme Gounod, la reconnaissance n’interviendra que dans les
années 1870, période durant laquelle il participe à la fondation de
la Société nationale de musique (1871) et où il livre surtout la quasitotalité de son œuvre majeure, empreinte d’un souffle symphoniste
qui marquera profondément les générations suivantes. Jusqu’au
milieu des années 1880 se succéderont ainsi le Concerto pour
violon et la Symphonie espagnole, écrits pour le virtuose Sarasate,
le Concerto pour violoncelle, la Rapsodie norvégienne, le ballet
Namouna et son grand opéra Le Roi d’Ys.
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Gabriel Pierné (1863-1937)
Nato a Metz da una famiglia di musicisti, Pierné cresce in un
ambiente particolarmente favorevole al precoce sviluppo del suo
talento. Costretto a lasciare la Lorena dopo la sconfitta del 1870, entra
al Conservatorio di Parigi, dove riceve l’insegnamento di Marmontel
(pianoforte), Massenet (composizione) e Franck (organo), prima di
ottenere nel 1882 un premier prix de Rome. Da questo momento in
poi, la sua carriera dà l’impressione di una folgorante ascesa: pur
succedendo a Franck all’organo della chiesa di Sainte-Clotilde (dal
1890 al 1898), moltiplica le occasioni di far scoprire le proprie qualità
di virtuoso e di compositore. Il suo catalogo si arricchisce in quegli
anni di numerosi pezzi la cui facile gradevolezza gli merita qualche
successo, ma il vero riconoscimento giunge solo a cavallo tra i due
secoli, quando il musicista dà prova di ambizioni nuove di cui sono
testimonianza il poema sinfonico L’An mil, la Sonata per violino e
l’opera La Fille de Tabarin. Direttore d’orchestra ricco di talento,
si afferma alla guida dei Concerts Colonne (1910-1934) come uno
strenuo difensore sia dell’arte accademica sia di quella d’avanguardia,
altrettanti influssi contrapposti che trovano illustrazione nella sua
opera della maturità (oltre alla musica da camera e orchestrale,
citiamo l’oratorio Saint François d’Assise, l’opera Sophie Arnould e i
balletti Cydalise et le Chèvre-pied e Impressions de music-hall). Al tempo
stesso sensibile alle evoluzioni del proprio tempo e rispettoso delle
acquisizioni dell’arte ufficiale, Pierné sviluppa uno stile personale,
sintesi di equilibrio e di compromessi, sottile alleanza d’istinto e di
cultura, di sensibilità e di abilità tecnica.
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Gabriel Pierné (1863-1937)
Né à Metz, issu d’une famille de musiciens, Pierné grandit dans un
milieu particulièrement propice à l’éclosion précoce de son talent.
Contraint de quitter la Lorraine après la défaite de 1870, il entra
au Conservatoire de Paris où il reçut l’enseignement de Marmontel
(piano), Massenet (composition) et Franck (orgue), avant d’être
récompensé en 1882 par un premier prix de Rome. À partir de ce
moment, sa carrière donne l’impression d’une fulgurante ascension :
tout en succédant à Franck à l’orgue de l’église Sainte-Clotilde (de
1890 à 1898), il multiplia les occasions de faire découvrir ses qualités
de virtuose et de compositeur. Si son catalogue s’enrichit alors de
nombreuses pièces dont le charme facile lui valut quelques succès,
la véritable reconnaissance n’intervint qu’au tournant du siècle, le
musicien faisant preuve d’ambitions nouvelles dont témoignent
le poème symphonique L’An mil, la Sonate pour violon et l’opéra
La Fille de Tabarin. Chef d’orchestre talentueux, il s’affirma à la
tête des Concerts Colonne (1910-1934) comme un ardent défenseur
de l’art académique et d’avant-garde, autant d’influences opposées
qu’illustre parallèlement son œuvre de la maturité (outre sa musique
de chambre et orchestrale, citons l’oratorio Saint François d’Assise,
l’opéra Sophie Arnould et les ballets Cydalise et le Chèvre-pied et
Impressions de music-hall). À la fois sensible aux évolutions de son
temps et respectueux des acquis de l’art officiel, Pierné développa un
style personnel, synthèse d’équilibre et de compromis, alliance subtile
d’instinct et de culture, de sensibilité et de savoir-faire.
Gli interpreti
Les interprètes
Diana Tishchenko, violino
Nata in Ucraina nel 1990, Diana Tishchenko fa il suo debutto
all’età di otto anni con l’Orchestra sinfonica della Crimea sotto
la direzione di Alexei Gulianizkij. Dopo aver ricevuto i primi
insegnamenti dalla zia Lidija Vasilchenko-Neal e poi da Tamara
Mukhina a Kiev, si trasferisce a Berlino, ove attualmente
studia con Ulf Wallin alla Hochschule für Musik Hanns Eisler.
Vincitrice di numerosi premi internazionali (Concorso David
Oistrakh in Russia, Concorso Andrea Postacchini in Italia,
finalista del Concorso ARD in Germania), si esibisce con
orchestre quali l’Orchestra nazionale della Russia, l’Orchestra
da camera di Bratislava, la Münchener Kammerorchester, la
Meininger Hofkapelle, la Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks, l’Orchestra sinfonica di Shenzhen e gli Hamburger
Symphoniker. Nel 2014 interpreta il Concerto n. 1 di Šostakovič
alla Philharmonie di Berlino con Joshua Weilerstein. Suona in
duo con il pianista norvegese Joachim Carr; insieme, hanno
vinto il primo premio al Concorso internazionale di musica
da camera di Lione. Nel 2015 è stata chiamata a occupare il
posto di primo violino nella Münchener Kammerorchester.
Diana Tishchenko suona un Camillo Camilli (1731) offerto
dalla Deutsche Stiftung Musikleben.
Diana Tishchenko, violon
Née en Ukraine en 1990, Diana Tishchenko débute avec l’Orchestre
symphonique de Crimée sous la direction d’Alexei Gulianizkij à
l’âge de huit ans. Après avoir reçu les premiers enseignements
de sa tante Lidiya Vasilchenko-Neal puis de Tamara Mukhina à
Kiev, elle s’installe à Berlin où elle étudie actuellement avec Ulf
Wallin au HfM Hanns Eisler Berlin. Lauréate de nombreux prix
internationaux (Concours David Oistrakh en Russie, Concours
Andrea Postacchini en Italie et finaliste du Concours ARD en
Allemagne), elle se produit avec des orchestres tels que le Nouvel
Orchestre de Russie, l’Orchestre de chambre de Bratislava,
l’Orchestre de chambre de Munich, le Meininger Hofkapelle,
l’Orchestre de la Radio Bavaroise, le Shenzhen Symphony
Orchestra et les Hamburger Symphoniker. En 2014, elle interprète
le Concerto n° 1 de Chostakovitch à la Philharmonie de Berlin
avec Joshua Weilerstein. Elle se dédie à la musique de chambre
aux côtés du pianiste norvégien Joachim Carr, son partenaire
de duo ; ensemble ils remportent le premier prix du Concours
international de musique de chambre de Lyon. En 2015, elle est
invitée en tant que premier violon de l’Orchestre de chambre de
Munich. Diana Tishchenko joue un violon C. Camilli (1731) du
Deutsche Stiftung Musikleben.
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Joachim Carr, pianoforte
Nato in Norvegia nel 1988, Joachim Carr ha studiato al
Barratt Due Institute of Music di Oslo con Jirˇí Hlinka e poi
alla Hochschule für Musik Hanns Eisler di Berlino con Eldar
Nebolsin. Nel 2014 ha vinto tre premi – primo premio, premio
del pubblico e premio dell’orchestra della Filarmonica di
Bergen – al Concorso pianistico Edvard Grieg. L’anno prima
aveva ottenuto il premio speciale «Coup de cœur» per il suo
recital al Concorso Clara Haskil. Accanto alla violinista Diana
Tishchenko, con cui suona in duo, vince il primo premio al
Concorso internazionale di musica da camera di Lione. In
qualità di solista, si esibisce con l’Orchestra nazionale della
Lituania, l’Orchestra sinfonica di Trondheim, la Filarmonica di
Bergen e l’Orchestra della Radio norvegese, sotto la guida di
direttori quali Gintaras Rinkevičius, Alexander Vedernikov o
Miguel Harth-Bedoya. È invitato a esibirsi durante festival di
richiamo come il Festival di Bergen e quello del MecklenburgVorpommern, i Festival di musica da camera di Oslo e
Salisburgo, il Festival pianistico della Ruhr o il Cully Classique.
Ha suonato alla londinese Wigmore Hall, nella sala grande
del Conservatorio di Mosca, al Konserthus di Oslo e poi alla
Philharmonie e al Konzerthaus di Berlino. Il suo primo CD,
uscito per Claves Records nel 2014, ha riscosso il plauso
della critica, ottenendo un «cinque» dalla rivista musicale
«Diapason».
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Joachim Carr, piano
Né en Norvège en 1988, Joachim Carr se forme au Barratt Due
Institute of Music d’Oslo avec Jiri Hlinka puis à la Hochschule für
Musik Hanns Eisler Berlin avec Eldar Nebolsin. Il remporte trois
prix (premier prix, prix du public et prix de l’orchestre du Bergen
Philharmonic) lors de l’Edvard Grieg Piano Competition en 2014.
L’année précédente, il reçoit le prix spécial « Coup de cœur » pour
son récital au Concours Clara Haskil. Aux côtés de sa partenaire
violoniste, Diana Tishchenko, il remporte le premier prix du
Concours international de musique de chambre de Lyon. En tant
que soliste, il se produit avec l’Orchestre national de Lituanie,
le Trondheim Symphony Orchestra, le Bergen Philharmonic
et l’Orchestre de la Radio norvégienne sous la baguette de
G. Rinkevičius, A. Vedernikov ou M. Harth-Bedoya. Il est l’invité de nombreux festivals comme le Bergen International Festival,
l’Oslo Chamber Music Festival Klavierfestival Ruhr, le Festspiele
Mecklenburg-Vorpommern, le Salzburger Kammermusik Festival
et Cully Classique. Il se produit sur les scènes suivantes : Wigmore
Hall, grande salle du Conservatoire de Moscou, Oslo Konserthus,
Philharmonie de Berlin et Konzerthaus Berlin. Son premier disque,
publié par Claves Records en 2014, est acclamé par la critique (5
Diapasons).
ÉDOUARD LALO: PROSSIME PUBBLICAZIONI
Integrale della musica orchestrale
La Jacquerie
Orchestre Philharmonique Royal de Liège
Solisti della Chapelle Musicale
Reine Elisabeth
Jean-Jacques Kantorow, direzione
ALPHA (3 CD)
Opera in quattro atti, completata da Arthur
Coquard, su un libretto di Édouard Blau e
Simone Arnaud, rappresentata per la prima
volta all’Opéra di Montecarlo il 9 marzo 1895.
Uscita: primavera 2016
Questo cofanetto discografico
comprenderà l’integrale della
musica orchestrale di Édouard
Lalo. Sarà l’occasione di riascoltare
grandi successi come il Concerto per
violoncello e la Symphonie espagnole
nell’interpretazione dei giovani talenti
della Chapelle Musicale Reine
Elisabeth, ma anche di scoprire
altri tesori, come il sorprendente
Concerto per pianoforte o il
Concerto russe per violino.
Orchestre Philharmonique de Radio France
Patrick Davin, direzione
Chœur de Radio France
Michel Tranchant, direzione
Con Véronique Gens, Nora Gubisch, Edgaras
Montvidas...
Collana di CD con libro «Opéra français»
del Palazzetto Bru Zane
Uscita: primavera 2016
Prossimi eventi al Palazzetto Bru Zane
Prochains événements au Palazzetto Bru Zane
Domenica 18 ottobre, ore 15.30
Laboratorio-concerto per le famiglie
Mediazione a cura di Piero Maestri
Concerto di Diana Tishchenko e Joachim Carr
Musiche di LALO, PIERNÉ
Giovedì 22 ottobre, ore 18
Conferenza di Alexandre Dratwicki:
Il mito del Vesuvio nel teatro d'opera francese dell'Ottocento
In occasione dell'uscita del CD con libro Herculanum di Félicien
David
Ingresso libero. Consigliata la prenotazione
Giovedì 29 ottobre, ore 20
Il crepuscolo del Romanticismo
Musiche di LALO, CHAUSSON, L. BOULANGER
Trio Cérès
Giovedì 5 novembre, ore 20
Parigi 1900
Musiche di LALO, FAURÉ
Quatuor Hermès
Martedì 10 novembre, ore 20
Trii romantici
Musiche di LALO, CHAMINADE
Trio Atos
Giovedì 19 novembre, ore 18
Conferenza di Marco Rapetti:
Paul Dukas a 150 anni dalla nascita
Ingresso libero. Consigliata la prenotazione
CONCERTI FUORI FESTIVAL
Martedì 24 novembre, ore 20
Verso la modernità
Musiche di DUBOIS, BONIS, DUKAS
David Violi, pianoforte
Domenica 29 novembre, ore 15.30
Laboratorio-concerto per le famiglie
Mediazione a cura di Diana D'Alessio
Concerto dell'Ex Novo Ensemble
Musiche di CRAS, CAPLET
Contributi musicologici
Louise Bernard de Raymond, Hélène Cao, Bénédicte Gandois Crausaz,
Fanny Gribenski, Étienne Jardin, Nicolas Southon
Traduzioni
Arianna Ghilardotti, Paolo Vettore
Palazzetto Bru Zane
Centre de musique romantique française
San Polo 2368, 30125 Venezia - Italia
tel. +39 041 52 11 005
bru-zane.com