seminari e attività
2013-14
Indice:
Strumenti, repertorio, tecniche ......................................................................................................... 2 Musica da camera: corso avanzato di pratica e metodologia ........................................................ 2 Preparazione ai concorsi d’orchestra (archi) ................................................................................. 4 Il quartetto d’archi......................................................................................................................... 5 Piano Chamber Music ................................................................................................................... 6 Il repertorio cameristico contemporaneo....................................................................................... 7 Semiografia del flauto contemporaneo: nuove tecniche, nuove notazioni. ................................... 8 Suonare a memoria: il problema della concentrazione sul palcoscenico. ..................................... 9 Incontri sul repertorio contemporaneo per chitarra .................................................................... 10 Lineamenti di storia della letteratura per chitarra dal 1546 ad oggi ............................................ 11 Masterclass di chitarra ................................................................................................................ 12 Approfondimento teorico ............................................................................................................... 13 Repertorio vocale da camera francese da Faurè a Debussy ......................................................... 14 Elementi di trascrizione e composizione per la didattica (corso avanzato) ................................. 15 Approfondimento di Armonia per il 3° anno di BACHELOR..................................................... 16 Sistemi digitali interattivi ............................................................................................................ 17 Fondamenti di Direzione per compositori .................................................................................. 18 Pedagogia & EME ........................................................................................................................... 19 Obiettivi e feedback nell’insegnamento strumentale................................................................... 19 La comunicazione ....................................................................................................................... 20 Sviluppo delle strategie di studio in ambito musicale ................................................................. 21 “La mente musicale” ................................................................................................................... 22 Approcci d’insegnamento e valutazione delle lezioni ................................................................. 23 L’Apprendimento Motorio .......................................................................................................... 24 Organizzazione e realizzazione di lezioni Collettive................................................................... 25 “La mente musicale 2” ................................................................................................................ 26 Strumentario Orff nelle lezioni di EME ....................................................................................... 27 Seminario Bambino-Genitore ...................................................................................................... 28 Suonare e giocare con la teoria .................................................................................................... 29 Suonare e giocare con la teoria - corso avanzato ......................................................................... 30 Il gioco e la teatralità nella didattica ............................................................................................ 31 “Ritmico e musicale” – formazione di base ................................................................................. 32 Ballando con gli animali: ballare con bambini dai 4 ai 10 anni .................................................... 33 Le percussioni: concetti di base per l'insegnamento musicale ..................................................... 34 Direzione di coro di voci bianche ................................................................................................ 35 Learning Outcomes: cosa sono e come possono migliorare il nostro modo di insegnare la
musica? ....................................................................................................................................... 36 La musica del pensiero ed il corpo della musica ......................................................................... 37 Aspetti della performance............................................................................................................... 38 Metodo Feldenkrais:“Consapevolezza attraverso il movimento” ............................................... 38 Corso Introduttivo sulla tecnica Alexander................................................................................. 39 Körper Balance ............................................................................................................................ 40 Yoga – esercizi posturali, respiratori e di rilassamento ............................................................... 41 L’arte di presentarsi-training psicofisico ..................................................................................... 42 Canto/Canto e Pianoforte............................................................................................................... 43 Liedbegleitung ............................................................................................................................ 43 Repertorio Francese di fine ‘800 – inizio ‘900 .............................................................................. 44 Movimento espressivo e fondamenti di arte scenica ................................................................... 45 Approfondimenti di storia della musica ......................................................................................... 46 W.A. Mozart ed il ‘700 classico. ................................................................................................... 46 Rossini e Donizetti: Strumenti e fonti per l’interpretazione ........................................................ 47 Brahms ........................................................................................................................................ 48 L’articolazione nei secoli XVI XVII .............................................................................................. 49 Stravinskij.................................................................................................................................... 50 Pianoforte ....................................................................................................................................... 51 Repertorio pianistico contemporaneo: Karlheinz Stockhausen ................................................... 51 Approfondimento della prassi esecutiva di Bach (su clavicembalo) ........................................... 52 Primavista ................................................................................................................................... 53 Introduzione pratica alla musica leggera di Cole Porter e George Gershwin.............................. 54 “Il Pianoforte… al suo interno” ................................................................................................... 55 The piano Colours ....................................................................................................................... 56 Musica Antica ................................................................................................................................. 57 Teoria e prassi musicale antica (dal XV al XVII).......................................................................... 57 Five Fortepianos: a Module in Teoria applicata .......................................................................... 58 Il vero modo di diminuir ............................................................................................................. 59 “Authenticity” and Performance Practice ................................................................................... 60 Per sonare con ogni sorte di Strumenti: musica da camera nel primo seicento italiano .............. 61 “Et bien dansez …” Laboratorio di danza e musica antica.......................................................... 62 Introduzione al canto gregoriano ................................................................................................ 63 Paleografia Musicale ................................................................................................................... 64 Prassi esecutiva nella musica del sei e settecento ........................................................................ 65 Violoncello barocco ..................................................................................................................... 66 L’arpa nel periodo barocco .......................................................................................................... 67 Musica vocale barocca ................................................................................................................. 68 Improvvisazione ............................................................................................................................. 69 Jazz improvisation ...................................................................................................................... 69 Improvvisazione libera................................................................................................................ 70 Piano improvisation .................................................................................................................... 71 Il dialogo sonoro: seminario di improvvisazione vocale ............................................................. 72 Jazz horn ..................................................................................................................................... 73 Altri ambiti ..................................................................................................................................... 74 Introduzione alla Direzione ........................................................................................................ 74 Introduzione alla Direzione II ..................................................................................................... 75 Workshop Solisti ......................................................................................................................... 76 Analisi ritmica ............................................................................................................................. 77 Come realizzare un demo audio/video ...................................................................................... 78 Electronic and MIDI percussion .................................................................................................. 79 Fitness per musicisti. Salute fisica e mentale per la prevenzione e la cura di patologie
professionali ................................................................................................................................ 80 Elementi di argomentazione ....................................................................................................... 81 Insegniamo ad apprezzare la musica: come impostare un corso di guida all’ascolto.................. 82 Engaging the audience: interpreters’ strategies towards an expressive performance ................. 83 Conferenze ...................................................................................................................................... 84 La riscoperta di Camillo Sivori, unico allievo di Niccolò Paganini ............................................. 84 L’audiopsicofonologia ................................................................................................................. 85 La creatività estemporanea nelle lezioni collettive di strumento................................................. 86 Diritto e legislazione dello spettacolo.......................................................................................... 87 Legal Principles for the music profession .................................................................................... 88 Le figure della musica ................................................................................................................. 89 I seminari descritti nella presente pubblicazione costituiscono attività didattiche complementari gratuite per
gli studenti del CONSERVATORIO della SVIZZERA ITALIANA. Partecipanti esterni sono ammessi
subordinatamente alla disponibilità di posti liberi, previa iscrizione e previo pagamento delle relative quote di
partecipazione ed amministrativa.
Tutte le iscrizioni devono pervenire alla segreteria didattica del CSI entro i termini previsti tramite
l’apposito formulario che si trova alla fine del presente opuscolo
Compatibilmente con la disponibilità dei posti, gli insegnanti del CSI (Scuola di Musica e Scuola
Universitaria di Musica) e gli ex-studenti fino a tre anni dal conseguimento del diploma, potranno iscriversi
beneficiando della riduzione del 50% sulla relativa quota di partecipazione.
1
Strumenti, repertorio, tecniche
Musica da camera: corso avanzato di pratica e metodologia
Omar Zoboli
Il seminario legato all’ambito della prassi esecutiva nella musica da camera, tratterà teoricamente e
praticamente le tematiche più importanti del far musica insieme.
Il fine del corso è di mettere a punto una coscienza metodica e didattica nuova e aperta nel lavoro
della musica da camera.
Organizzazione:
Sono previste in tutto 5/6 lezioni (a scadenza mensile) per ogni ensemble, oltre a 3-4 lezioni
collettive.
Gli studenti possono presentarsi con il loro ensemble, o singolarmente proponendo un progetto di
repertorio, che il docente aiuterà a realizzare collaborando nella ricerca dell’organico necessario.
Per avere diritto ai crediti, è indispensabile partecipare al concerto finale.
Lavoro pratico:
La partitura verrà studiata ed eseguita considerando varie possibilità in rapporto a:
-epoca e stile
-ritmo, relazione con il movimento e la danza.
-articolazione: influsso della lingua parlata, confronto con nuovi e antichi metodi e strumentali.
-come codice di interazione fra i musicisti: influsso della respirazione del singolo e del gruppo.
Lezioni teoriche:
Con tutti i partecipanti in plenum, saranno dedicate ai temi più frequenti che si presentano nel
lavoro pratico degli ensembles.
Esempi di quelli già affrontati negli anni precedenti:
 teoria/pratica dell'intonazione, con esempi audio nei vari sistemi e temperamenti più
comuni, con archi, fiati e tastiere dal 600 a oggi.
 come organizzare una prova.
 qualità del ritmo, inegalité, notazione dal barocco a oggi.
 articolazione e discorso musicale.
 ascolto comparato di registrazioni di brani specifici, con commento.
 lettura, analisi e commento di testi e trattati sulla musica strumentale.
 organizzazione e gestione/management di un gruppo/progetto.
 riflessione sul lavoro fatto e discussione, confronto delle impressioni individuali sorte nelle
prove e definizione di criteri comuni di valutazione del lavoro.
2
Sono previste per ogni gruppo 1 lezione singola da fissare nell’ambito dei periodi di 3 giorni + 3
lezioni collettive che verranno fissate insieme durante la riunione organizzativa.
n.b. la performance finale dei vari gruppi darà diritto all’attribuzione di crediti formativi
nell’ambito della musica da camera e verrà dunque assegnata una valutazione.
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Limitazioni:
verranno creati diversi gruppi cameristici: fiati, archi e
gruppi misti.
Crediti:
Crediti da definire in base alla programmazione
(ambito musica da camera)
Aula:
secondo piano orario
Calendario:
incontro introduttivo
2 ottobre dalle ore 14.00 alle 15.30
Calendario lezioni
18-19-20 ottobre
13-14-15 dicembre
10-11-12 gennaio
28 febbraio
1-2 marzo
14-15-16 marzo
4-5-6 aprile
28-29-30 aprile
4-5-6 maggio
Concerti/esami
30 aprile (1° concerto, con lez. e prova generale)
6 maggio (2° concerto, con lez. e prova generale)
3
Preparazione ai concorsi d’orchestra (archi)
Tamás Major (violino) - Ivan Vukcevic (viola) - Taisuke Yamashita (violoncello) Enrico Fagone (contrabbasso)
Il Conservatorio della Svizzera italiana, con la collaborazione delle prime parti dell’Orchestra della
Svizzera italiana (OSI), organizza un corso di Qualificazione orchestrale per l’anno accademico
2012/2013 allo scopo di preparare i giovani musicisti alla vita professionale in orchestra.
Destinatari
Il corso è destinato agli studenti delle classi di strumento ad arco iscritti al Bachelor, Master e
Postformazione del CSI e ai musicisti già in possesso di una formazione strumentale che
desiderano prepararsi adeguatamente ai concorsi ed alle audizioni d’orchestra, secondo gli
standard internazionali.
Contenuti
 Preparazione ai concorsi d’orchestra
 Studio della letteratura orchestrale (passi orchestrali)
 Studio del repertorio solistico in funzione dei concorsi orchestrali
 Simulazione di concorso
Tirocinio professionale
Al termine della masterclass si terrà un'esercitazione consistente nella simulazione di una prova di
concorso orchestrale, alla quale hanno facoltà di partecipare la direzione e i docenti del CSI, oltre
che la direzione e gli orchestrali dell’OSI.
I migliori classificati avranno la possibilità di partecipare ad una o più produzioni dell’OSI in
qualità di aggiunti - tirocinanti (con retribuzione).
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Limitazioni:
strumenti ad arco
Crediti:
2
Data:
Violino
Viola
1° incontro
4 novembre 17.00-19.00
aula DR 1
1° incontro
Da definire
audizione 18 novembre
Audizione Da definire
Violoncello
Contrabbasso
1° incontro
Da definire
23 ottobre 14.00-19.00
25 ottobre 10.00-13.00 e 14.00-18.00
Audizione Da definire
Audizione Da definire
Orario:
gli orari di lezione verranno concordati col docente
Costi:
Partecipanti esterni attivi:
Quota di partecipazione Chf. 600.4
Il quartetto d’archi
Aldo Campagnari
Il corso affronterà i diversi aspetti del lavorare insieme in quartetto: la disciplina, il rapporto con i
compagni e lo studio sistematico che va dall'intonazione alla scelta della linea interpretativa di
ogni singolo brano.
Quattro aree tematiche che, a discrezione del docente ed in condivisione con gli studenti, potranno
essere affrontate singolarmente o contemporaneamente.
Repertorio indicativo:
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F.J. Haydn, W.A. Mozart e L.v. Beethoven i quartetti dell' op.18;
L.v. Beethoven i tre quartetti op.59 "Razumowsky”;
F. Schubert gli ultimi quartetti in re min (La morte e la fanciulla) e sol magg.;
R. Schumann e J. Brahms: i tre quartetti e il quintetto per pianoforte e archi;
A. Webern 5 pezzi per quartetto;
A. Berg Quartetto op.3;
G. Kurtag Microludi, Officium Breve;
S. Sciarrino quartetti n.1 – 8.
Limitazioni:
classi di strumenti ad arco
Crediti:
2
Aula:
secondo piano aule
Calendario:
7 ottobre dalle 9.00*
29, 30 ottobre
14, 15 novembre
5, 6, 12 e 13 dicembre
9, 10 gennaio
20, 21 febbraio
13, 14 marzo (saggio)
*durante il primo incontro verrà organizzata la
programmazione interna degli orari.
È vivamente consigliato formare i gruppi indicando il
repertorio che si vuole affrontare
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Orario:
dalle 9.00 alle 19.00 con orario specifico per gruppo
5
Piano Chamber Music
Saiko Sasaki
Questo seminario, legato all’ambito della prassi esecutiva nella musica da camera, tratterà
teoricamente e praticamente le tematiche più importanti del far musica insieme.
Temi principali del corso:
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Ensemble Technique;
Preparazione alla prima prova d’insieme;
Tecniche di comunicazione;
Tecniche di prova;
Comparazione sonora;
Interpretazione: passato presente futuro.
Repertorio:
ogni gruppo dovrà affrontare 2 brani completi durante l’anno scegliendo fra:
 Haydn, Mozart e primo Beethoven;
 Romantico o contemporaneo tedesco.
Le lezioni da ottobre a novembre saranno dedicate al periodo classico mentre da dicembre si
affronterà il repertorio successivo.
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Limitazioni:
verranno creati diversi gruppi cameristici con
pianoforte.
Crediti:
2
Aula:
306/301
Calendario:
Ottobre
Novembre
Dicembre
Gennaio
Febbraio
Marzo
8, 9, 10
20, 21, 22
18, 19, 20
20, 21, 22
17, 18, 19
18,19, 20
aula 306
aula 301
aula 301
aula 301
aula 306
aula 301
n.b. durante i primi incontri, verrà organizzata la
programmazione interna degli orari.
È vivamente consigliato formare i gruppi indicando il
repertorio che si vuole affrontare
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Orario:
primo incontro collettivo dalle 10.00 alle 12.00
successivamente dalle 9.00 alle 22.00 con orario
specifico per gruppo
6
Il repertorio cameristico contemporaneo
Mario Caroli
Il seminario ha come obiettivo il lavoro interpretativo (pratico e teorico) con solisti e/o gruppi
cameristici. Gli orari e il repertorio trattato verranno determinati in relazione agli iscritti al corso.
Le tematiche principali che verranno affrontate:


Spiegazione delle nuove tecniche, semiografia e letteratura;
Profili monografici e relativi ascolti di compositori contemporanei particolarmente rilevanti
per il repertorio flautistico (Sciarrino, Rotaru, Ferneyhough, Saariaho...).
n.b. Ciascun gruppo tramite un proprio rappresentante, dovrà prendere contatto col docente non
oltre il 15 febbraio 2014 per comunicare il repertorio (che dovrà comprendere brani scritti dal 1970
in poi e che contengano notazioni e/o metriche non convenzionali) e per definire gli orari delle
lezioni: [email protected]
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Crediti:
1.5
Aula:
301
Data e orario
dal 26 al 29 marzo con calendario
specifico per gruppo
7
Semiografia del flauto contemporaneo: nuove tecniche, nuove
notazioni.
Mario Caroli
Il seminario si rivolge in particolare ai flautisti ed ai compositori, ma è aperto anche ai direttori
d'orchestra e tutti quelli che possono essere interessati a queste problematiche.
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Crediti:
1
Aula:
mansarda
Data
31 gennaio dalle 16.30 alle 20.30
1 febbraio dalle 9.30 alle 18.30
8
Suonare a memoria: il problema della concentrazione sul
palcoscenico.
Ieuan Jones, Emanuela Degli Esposti
Il workshop è rivolto in particolare agli studenti di arpa a pedali, uno strumento tra i più
complessi da gestire sul piano della memorizzazione, ma sarà utile anche ai musicisti in generale.
Si propone di affrontare il problema della concentrazione sul palcoscenico, della pratica dello
studio a memoria e delle varie metodologie per ottenere i migliori risultati, attraverso una serie di
esercizi, esempi pratici e un lavoro diretto con gli allievi che esporranno i loro problemi ed
eseguiranno brani del repertorio artistico.
Temi trattati:
 Cos’è la memoria?;
 Quali sono le forme della memoria;
 Come migliorare le capacità mnemoniche;
 Carlos Salzedo e l’arte di studiare;
 Esercizi pratici ed esecuzione di brani a memoria dei docenti e degli allievi;
 Lezioni agli allievi effettivi.
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Limitazioni:
il corso si rivolge in particolare agli studenti di arpa a
pedali
Crediti:
0.5
Aula:
201
Data e orario
7 novembre dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 18.00
8 novembre dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 17.00
Costi:
Quota di partecipazione per esterni Chf. 200.9
Incontri sul repertorio contemporaneo per chitarra
Gilbert Imperial
Il corso si propone di fornire una panoramica sul repertorio chitarristico del XX e XXI secolo con
particolare attenzione alle avanguardie sperimentali.
Verranno approfonditi alcuni filoni della musica contemporanea (minimalista, aleatoria, brani con
tecniche non convenzionali, brani con elettronica) e verranno fornite le basi per l'interpretazione e
la lettura delle partiture contemporanee per l'approfondimento di alcune tecniche non
convenzionali.
Si lavorerà inoltre sull'esplorazione guidata di alcune pagine significative della letteratura per
chitarra e la realizzazione per l'esecuzione di Electric Counterpoint.
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Limitazioni:
il corso si rivolge alle classi di chitarra BA e MA
Crediti:
1.5
Aula:
da definire
Data e orario
da definire
Costi:
Quota di partecipazione per esterni Chf. 400.10
Lineamenti di storia della letteratura per chitarra dal 1546 ad oggi
Lorenzo Micheli
Nel corso di quattro incontri verrà delineato il quadro sintetico di cinque secoli di letteratura per
chitarra, partendo dallo strumento a quattro e cinque cori per arrivare ai giorni nostri, anche
attraverso un percorso che comprende un lavoro diretto sui testi e numerosi ascolti.
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Limitazioni:
il corso si rivolge alle classi di chitarra BA e MA
Crediti:
0.5
Aula:
da definire
Data e orario
da definire
Costi:
Quota di partecipazione per esterni Chf. 200.11
Masterclass di chitarra
Pierre Bensusan
La masterclass-laboratorio per chitarra di Pierre Bensusan è indirizzato a qualsiasi chitarrista,
indipendentemente dal suo livello o universo musicale. Tema di apertura del corso sarà la speciale
accordatura Re-La-Re-Sol-La-Re (DADGAD). Si lavorerà poi sulla tecnica della mano sinistra
(effetti come vibrato, ornamenti, glissando) e la scelta della diteggiatura della destra con
particolare attenzione ad alcuni esercizi che sviluppano l’elasticità muscolare tra palmo e falangi
utilizzati per i barrés.
Sul piano della mano destra, si lavorerà su una panoramica delle diverse tecniche: piqué, buté,
tecnica del liuto, "harpisant", "tapping" e ancora sul come cambiare il suono di attacco, la
lunghezza delle note, l’accompagnamento della risonanza, le corde, ecc.
Gli studenti verranno coinvolti attivamente, in modo che tutti possano commentare le proprie
sensazioni e affinare il senso di critica costruttiva, al fine di individuare tutti quelli che sono gli
strumenti essenziali dell'arte di interpretare attraverso le sfumature.
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Limitazioni:
corso dedicato alle classi di chitarra
Crediti:
non sono previsti crediti formativi
Luogo:
mansarda
Data:
4 ottobre
Orario:
dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 14.00 alle 17.00
12
Approfondimento teorico
Sguardo sul repertorio per Trio con pianoforte nell'800
Bruno Zanolini
Questo corso, di stampo fondamentalmente analitico è idealmente un’integrazione del seminario
“piano chamber music”. Durante gli incontri si affronterà il repertorio romantico per Trio con
pianoforte nell’'800, nei suoi aspetti di evoluzione linguistico-formale e di conservazione,
attraverso l'analisi ed il confronto di alcuni caposaldi del genere (Schubert - Trio in Mi b;
Mendelssohn - Trio in re; Brahms - Trio in Si).
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Limitazioni:
il corso si rivolge principalmente agli studenti già iscritti al
corso “piano chamber music”
Crediti:
1
Aula:
da definire
Data
Tutti i venerdì dal 10 gennaio al 7 marzo
Orario:
dalle 10.00 alle 12.00
Costi:
Quota di partecipazione per esterni Chf. 100.13
Repertorio vocale da camera francese da Faurè a Debussy
Riccardo Ceni
Il corso si rivolge anzitutto alle classi di canto, ma anche a chi fosse interessato alla musica da
camera, ai compositori e ai direttori d’orchestra e d’ensemble. La finalità è quella di approfondire
la conoscenza teorica dei brani per rendere più cosciente l’esecutore delle varie possibilità di
interpretazione: le analisi verranno svolte tenendo attentamente conto della preparazione culturale
dell’uditorio.
Il repertorio può essere discusso e concordato con i docenti delle classi di canto, in modo da
stabilire d’intesa un programma che tenga attivamente conto del processo didattico degli allievi.
Il seminario si articola in:

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una breve introduzione storico - stilistica su ciascun autore;
l’analisi dei brani più rappresentativi del repertorio, in un percorso che si diparte da Pierrot
Lunaire fino a Folk Songs e Aventures, toccando anche il repertorio francese da Debussy a
Poulenc, attraverso la disamina delle basilari tecniche compositive e secondo un approccio
di tipo drammaturgico-ermeneutico: un’analisi cioè principalmente finalizzata
all’interpretazione e all’esecuzione, che pone il cantante al centro del processo di
apprendimento;
l’ascolto di alcune esecuzioni particolarmente significative.
Limitazioni:
corso si rivolge anzitutto alle classi di canto, ma anche
a chi fosse interessato alla musica da camera, ai
compositori e ai direttori d’orchestra e d’ensemble
Crediti:
1
Aula:
palazzina DR 110 o 4
Data
20 e 23 gennaio
10 e 13 febbraio
Orario:
dalle 11.30 alle 13.30 e dalle 15.00 alle 17.00
Costi:
Quota di partecipazione per esterni Chf.300.14
Elementi di trascrizione e composizione per la didattica (corso
avanzato)
Gaja Maffezzoli
Il corso si rivolge a quegli studenti che hanno frequentato già il primo anno del corso e intendono
approfondire e sviluppare il percorso di scrittura e di analisi intrapreso.
Ciascuno studente potrà, con relative motivazioni di scelte e di tecniche adottate, realizzare un
elaborato per organico da camera o orchestrale oppure composizioni per coro di voci bianche e
miste.
L’attività analitica sarà correlata alla pratica compositiva, con particolare riguardo al repertorio del
XX secolo e contemporaneo.
Si prenderanno in considerazione alcuni elementi di analisi formale-strutturale e morfologica.
Alla fine dell’anno è prevista l’esecuzione degli elaborati.
Limitazioni:
massimo di 5 studenti che abbiano già superato il 1°
livello del corso
Crediti:
1.5
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Aula:
110 palazzina DR
Data
settembre
ottobre
novembre
dicembre
gennaio
marzo
aprile
maggio
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Orario:
dalle 9.00 alle 11.30
15
30
14, 28
4, 18
2, 16
20
17, 31
14
12, 26
Approfondimento di Armonia per il 3° anno di BACHELOR
Franco Cesarini
Il corso è indirizzato agli studenti BA del terzo anno o a studenti che abbiano seguito in passato
due anni di armonia a livello BA. Durante l'anno si proseguirà l'approfondimento degli argomenti
già affrontati nei primi due anni affrontando argomenti ed esempi musicali di maggior
complessità. Alla fine del corso è previsto un esame scritto.
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Limitazioni:
studenti che abbiano già frequentato il corso standard
di armonia
Crediti:
2
Aula:
205
Data
tutti i giovedì a partire dal 3 ottobre
Orario:
dalle 9.00 alle 10.00
16
Sistemi digitali interattivi
Andrea Valle
Utilizzo di SuperCollider e sue applicazioni in ambito installativo (interazione video via OSC),
live e di sintesi audio.
Aperto agli studenti del Master of Arts in Composition.
Altri studenti interessati e in possesso di competenze nell’ambito tecnologico e/o coreografico
possono rivolgersi a Nadir Vassena per verificare la possibilità di frequentare il seminario:
[email protected]
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Limitazioni:
specifico per studenti master in composition
Crediti:
2
Aula:
Palazzina DR aula composizione
Data e orario
Saranno resi noti appena disponibili (cfr. calendario
MA Composition)
17
Fondamenti di Direzione per compositori
Marc Kissoczy
Conoscenze base di direzione per essere in grado di concertare i propri lavori con piccole
formazioni.
Limitazioni:
Corso specifico per gli studenti del Master Composition
Crediti:
2
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Aula:
401
Data e orario
22 ottobre
5, 26 novembre

Orario:
dalle 10.00 alle 13.00
18
Pedagogia & EME
Obiettivi e feedback nell’insegnamento strumentale
Andreas Cincera
Questo percorso formativo, si pone una serie di obiettivi:
“Insegnamento strumentale nella consapevolezza degli obiettivi”
 Distinguere tra una pianificazione e insegnamento basata sugli obiettivi o basata sui
contenuti;
 Distinguere le tre componenti chiave della competenza;
 Conoscere la gerarchia degli obiettivi e la definizione delle espressioni tecniche “obiettivi
generali, obiettivi a lungo termine e obiettivi a breve termine”;
 Distinguere tra obiettivi permanenti (‘abilità’ & ‘capacità’, apprendimento processuale),
obiettivi modulari (‘sapere’, apprendimento terminato) e obiettivi aggiuntivi;
 Comprendere la “consapevolezza degli obiettivi” come un equilibrio tra la pianificazione
pre-ordinata e la prontezza a rispondere ad obiettivi non previsti;
 Comprendere la funzione della trasparenza degli obiettivi e degli indicatori osservabili e la
sua influenza sulla motivazione degli allievi e degli insegnanti;
 Applicare lo standard “consapevolezza degli obiettivi” nel proprio insegnamento;
 Approfondire la teoria e applicazione di un insegnamento con “consapevolezza degli
obiettivi”;
 Scambiare le prime esperienze del lavoro, preparazione scritto di una singola lezione;
 Differenziare definizioni degli obiettivi per competenze specifiche, ad esempio riguardo
all’argomento “espressione musicale” competenze personali e sociali.
“Il Feedback nell’insegnamento strumentale”
 Condividere le esperienze personali sul soggetto “dare e ricevere un feedback”;
 Richiamare centrali referenze, premesse e concetti del costruttivismo;
 Distinguere tra quattro forme di domande (retoriche vs. genuine, chiuse vs. aperte);
 Conoscere e sperimentare una prima applicazione di feedback costruttivo basata su:
a) descrizione della percezione/dei dati “obiettivi” e gli indicatori corrispondenti
b) trasparenze della propria interpretazione
c) verificazione “intersoggettiva” attraversa una domanda aperte (“triangolo del
feedback”);
 Riflettere possibile procedura di valutazione in esame di livello/in concorsi basato sugli
indicatori.
Limitazioni:



Crediti:
Specifico per 1° anno master pedagogia
massimo 20 iscritti
1
Aula:
palazzina DR aula 110
Data
27 ottobre dalle 9.00 alle 13.00
1 marzo dalle 15.00 alle 19.00
11 aprile dalle 9.00 alle 13.00
19
La comunicazione
Cristina Bellu
Alla base di questo corso sono il ruolo del linguaggio nell’insegnamento degli strumenti ad arco e
la comunicazione non verbale.
Gli obiettivi previsti:
“Il ruolo del linguaggio nell’insegnamento degli strumenti ad arco”
 Analizzare, capire, ottimizzare il linguaggio verbale durante la lezione strumentale;
 Adattare il linguaggio alle diverse fasce d’età dell’allievo;
 Saper gestire con un linguaggio appropriato diverse situazioni professionali legate
all’insegnamento strumentale.
“La comunicazione non verbale”
 Individuazione, analisi, apprendimento della comunicazione non verbale durante una
lezione strumentale;
 Comprensione, studio e approfondimento del gesto musicale. Differenziazione fra gesto
tecnico e gesto espressivo.
Limitazioni:



Crediti:
Specifico per 1° anno master pedagogia
massimo 20 iscritti
0.5
Aula:
palazzina DR aula 110
Data
25 ottobre dalle 15.00 alle 19.00
24 gennaio dalle 15.00 alle 19.00
20
Sviluppo delle strategie di studio in ambito musicale
Anna Modesti
Di seguito un elenco degli obiettivi che il corso si prefigge:





Acquistare consapevolezza in merito al ruolo dello studio individuale nell’acquisizione
dell’expertise in ambito strumentale;
Acquistare consapevolezza in merito allo sviluppo dell’autoregolazione nello studio
autonomo degli strumentisti;
Ipotizzare possibili interventi dell’insegnante finalizzati ad influire sullo sviluppo
dell’autoregolazione;
Applicare praticamente i concetti affrontati nell’incontro precedente;
Ipotizzare delle possibilità di intervento dell’insegnante finalizzate allo sviluppo
dell’autoregolazione nello studio individuale dello studente.
Limitazioni:



Crediti:
Specifico per 1° anno master pedagogia
massimo 20 iscritti
0.5
Aula:
palazzina DR aula 4
Data
30 novembre dalle 9.00 alle 13.00
1 marzo dalle 9.00 alle 13.00
21
“La mente musicale”
Johannella Tafuri
Integrazione dei normali corsi di psicologia e didattica sviluppati su una serie di
incontri/conferenze incentrati sui seguenti temi/obiettivi:
“La Comunicazione nell’insegnamento e nell’esecuzione musicale”




Favorire negli studenti la conoscenza delle più importanti teorie della comunicazione e la consapevolezza del legame tra comunicazione e insegnamento;
Favorire l’acquisizione della capacità di gestire in modo fruttuoso la relazione educativa
insegnante-allievo ai fini dell’apprendimento musicale e della maturazione della persona;
Favorire negli studenti la conoscenza delle più importanti teorie della comunicazione e la
consapevolezza del legame tra comunicazione e insegnamento;
Favorire l’acquisizione della capacità di gestire in modo fruttuoso la relazione educativa
insegnante-allievo ai fini dell’apprendimento musicale e della maturazione della persona.
“Apprendimento e motivazione in ambito musicale”


Favorire negli studenti la conoscenza di ambiti disciplinari utili all’apprendimento (in
generale e applicato allo strumento) la conoscenza della natura e del ruolo della
motivazione nei processi di apprendimento;
Favorire l’acquisizione della capacità di gestire in modo fruttuoso il proprio apprendimento
e quello degli allievi, con particolare attenzione al ruolo della motivazione.
Limitazioni:



Crediti:
Specifico per 1° anno master pedagogia
massimo 20 iscritti
1
Aula:
palazzina DR aula 110
Data
26 ottobre dalle 9.00 alle 13.00 e dalle 14.30 alle 18.30
25 gennaio dalle 9.00 alle 13.00
12 aprile dalle 9.00 alle 13.00
22
Approcci d’insegnamento e valutazione delle lezioni
Andreas Cincera
Questo percorso formativo, si pone una serie di obiettivi:
“Approcci di insegnamento”
 Sistematizzare e definire gli approcci e le strategie dell’insegnamento;
 Distinguere tra le opposte situazioni: “insegnante-centrato” e “allievo-centrato”;
 Approfondire gli approcci specifici (insegnamento frontale, modeling, altri metodi scelti);
 Sviluppare Criteri per la definizione di “buon materiale”, e di “buoni metodi”;
 Analizzare l’uso dei mezzi tecnici nell’ insegnamento.
“Valutazione delle lezioni”
 Ricevere una introduzione e presentazione di un modello di valutazione delle lezioni
 Osservare l’aspetto di promozione costruttivo nel feedback (approfondimento del triangolo
del feedback del primo anno);
 Riflettere sull’equilibro tra riflessione con consapevolezza e intuizione durante
l’insegnamento;
 Ricevere informazioni in merito ai modelli sperimentati nella formazione continua degli
insegnanti.
Limitazioni:



Crediti:
Specifico per 2° anno master pedagogia
massimo 20 iscritti
0.5
Aula:
palazzina DR aula 110
Data
30 novembre dalle 9.00 alle 13.00
1 marzo dalle 9.00 alle 13.00
23
L’Apprendimento Motorio
Cristina Bellu
Di seguito un elenco degli obiettivi che il corso si prefigge:







Conoscere l’anatomia di base legata all’apprendimento di una strumento ad arco;
Conoscere i diversi approcci di apprendimento motorio;
Applicare tali conoscenze sull’apprendimento strumentale;
Imparare le tecniche di apprendimento motorio applicate allo strumento;
Conoscere i diversi profili motori;
Imparare le basi dell’evoluzione motoria del bambino;
Applicare queste conoscenze sull’apprendimento strumentale.
Limitazioni:



Crediti:
Specifico per 2° anno master pedagogia
massimo 20 iscritti
0.5
Aula:
palazzina DR aula 110
Data
29 novembre dalle 15.00 alle 19.00
28 febbraio dalle 15.00 alle 19.00
24
Organizzazione e realizzazione di lezioni Collettive
Anna Modesti
Di seguito un elenco degli obiettivi che il corso si prefigge:


Fornire ai partecipanti informazioni relative all’organizzazione, la preparazione e la
gestione di lezioni collettive;
Preparare una lezione collettiva;
Limitazioni:



Crediti:
Specifico per 2° anno master pedagogia
massimo 20 iscritti
0.5
Aula:
palazzina DR aula 4
Data
26 ottobre dalle 9.00 alle 13.00
25 gennaio dalle 9.00 alle 13.00
25
“La mente musicale 2”
Johannella Tafuri
Integrazione dei normali corsi di psicologia e didattica sviluppati su una serie di
incontri/conferenze incentrati sui seguenti temi/obiettivi:
“Sviluppo delle capacità musicali”





Conoscere le tappe evolutive di tipo biologico, fisio-psicologico e culturale delle diverse
capacità musicali nella fascia d’età 0-6;
Saper rispettare e preparare le tappe evolutive nella didattica strumentale e favorirne il
progresso da 3 a 6 anni;
Conoscere le tappe evolutive di tipo biologico, fisio-psicologico e culturale delle diverse
capacità musicali nella fascia d’età 6-15 anni;
Rispettare e preparare le tappe evolutive nella didattica strumentale e favorirne il progresso
dai 6 anni in poi;
Mettere in atto strategie idonee per il recupero di capacità non sviluppate nei tempi
opportuni.
“Processi psicologici e attività musicale”



Individuazione dei processi percettivo-cognitivi che sono alla base dell’attività musicale;
Conoscenza delle più importanti teorie e ricerche che hanno messo in luce le basi
psicologiche dell’attività musicale;
Padroneggiamento consapevole dei processi psicologici nell’apprendimento strumentale.
“La Comunicazione nell’esecuzione musicale”



Utilizzazione dell’analisi per una migliore comprensione dell’espressività musicale;
Conoscenza delle più importanti teorie e ricerche che hanno messo in luce i meccanismi
della comunicazione espressiva in musica;
Acquisizione della capacità di individuare e padroneggiare i fattori determinanti
dell’espressività musicale nell’attività personale e nell’attività didattica.
Limitazioni:



Crediti:
Specifico per 2° anno master pedagogia
massimo 20 iscritti
1
Aula:
palazzina DR aula 1 o 4
Data
25 ottobre dalle 15.00 alle 19.00
24 gennaio dalle 15.00 alle 19.00
25 gennaio dalle 15.00 alle 19.00
11 aprile dalle 15.00 alle 19.00
26
Strumentario Orff nelle lezioni di EME
Giuliana Casagrande
I partecipanti verranno “accompagnati“ nel mondo della musica elementare, a volte poco
conosciuto dai musicisti, il quale può aprire nuove prospettive in campo strettamente didattico,
attraverso giochi musicali collegati tra loro dal filo conduttore del racconto (vicino alla percezione
globale del bambino), canzoni, giochi di movimento (si consiglia un abbigliamento comodo) e uso
dello strumentario Orff.
Semplici accompagnamenti, bordoni ed ostinati verranno rielaborati nelle varie tonalità (e modi).
Il seminario sarà costituito da due corsi differenti per permettere a tutti gli interessati di
partecipare (ogni corso ha un numero massimo di 20 partecipanti).


Limitazioni:
Bachelor in Musica e Movimento/Master in Educazione
musicale Elementare/Pedagogia (max 20 persone per
gruppo)
Crediti:
1.5
Aula:
201
gruppo 1
gruppo 2
2 e 3 dicembre
27 e 28 gennaio

Data:
30 novembre
1 dicembre
25 e 26 gennaio


Orario:
9.00-13.00
Costi:
Partecipanti esterni Chf.400.-
27
14.30-17.30
Seminario Bambino-Genitore
Paola Anselmi
“La musica si impara vivendola fisicamente ed emotivamente, così che essa contribuisca alla
nostra crescita come individui, attraverso un’esperienza creativa che coinvolga tutto ciò che alla
musica può essere inerente: il gioco, il movimento, il corpo, il canto...”
I bambini molto piccoli sono l’essenza dell’emozione e della fisicità, canali attraverso cui
comunicano i loro primi sentimenti. I primi tre anni di vita sappiamo essere i più importanti per
l’apprendimento delle competenze, la musica si inserisce naturalmente in un percorso di
apprendimento di multiformi capacità espressive del proprio personalissimo “sé”, in armonia con
il gruppo in cui è inserito. Altrettanto importanti sono gli anni della scolarizzazione in cui il
bambino riconosce, rafforza, ricerca e afferma la sua personalità. La musica aiuta tutto questo
sviluppo regalando ai bambini un canale esplorativo e comunicativo non convenzionale. Grazie al
coinvolgimento attivo dei gruppi educativi, alla collaborazione di operatori musicali e adulti di
riferimento, la musica diviene un evento fruibile nella vita quotidiana.
Il programma si avvale di un’innovativa teoria di apprendimento del linguaggio musicale, ideata
dal ricercatore statunitense E. E. Gordon e in seguito diffusa in Italia anche dalla dottoressa B. M.
Bolton ricercatrice a sua volta. Si struttura un vero e proprio metodo didattico – pedagogico
dedicato alla fascia d’età da 0 a 6 anni.
Questo seminario è destinato agli studenti del Bachelor in music and movement e Master in
pedagogy, nonché insegnanti di musica che lavorano con le diverse fasce di età 0-3 anni; 4-7 anni.
Il corso prevede l’utilizzo di semplici materiali didattici “neutri”: sacchetti colorati di stoffa, un
“paracadute”, palle morbide, nastri colorati, foulard leggeri e dai colori vivaci, piccoli strumenti a
percussione, oggetti fondamentalmente interpretabili e manipolabili dai bambini in maniera
“personale” e non ad uso univoco, mirati alla conversazione musicale o all’espressione musicale
indiretta. Indossare abiti comodi e scarpette o calze da palestra.
Alla fine del corso è prevista la distribuzione di dispense concernenti le attività svolte durante lo
stesso.
Limitazioni:
Studenti dei corsi di BA e MA in music and movement
dal 2° anno di corso in poi. Aperto anche ai docenti
EME.
Numero massimo di partecipanti: 25


0.5
109

Crediti:
Aula:
Date e orario:

Costi:
Partecipanti esterni Chf. 300.-
15 febbraio dalle 9:30 alle 12:30 e dalle 14:00 alle 17:00
16 febbraio dalle 9:30 alle 12:30
28
Suonare e giocare con la teoria
Silvia Klemm
Il seminario, suddiviso in due parti, verrà corsi articolato:
Una parte pratica che si terrà in classe con gli allievi della scuola di musica ed una parte
teorica nella quale gli studenti esploreranno gli strumenti necessari per insegnare la materia e
acquisiranno tecniche e repertori adatti ai vari livelli di apprendimento. Le due parti sono
strettamente collegate.
Parte teorica:
In questi incontri gli studenti esploreranno gli strumenti necessari per impartire ai propri allievi
una formazione teorico-musicale globale che sia divertente e allo stesso tempo efficace, diretta e
che permetta loro di comprendere la musica in senso completo. Si apprenderanno attività da fare
con allievi principianti fino a raggiungere livelli avanzati. Questi incontri avranno luogo una volta
al mese.
Parte pratica:
Questi incontri consistono nell’osservazione dell’insegnamento teorico (sviluppo dell’orecchio,
intonazione, lettura e scrittura ritmica e melodica) ad allievi strumentali della scuola di musica dai
7 ai 10 anni. Eventualmente si potranno fare brevi interventi pratici con le classi.
Gli studenti osserveranno le lezioni impartite agli allievi e avranno occasione, eventualmente, di
intervenire didatticamente con i bambini.
Alla fine dell'osservazione dei vari gruppi di vari livelli ed età ci sarà una lezione didattica per
elaborare quanto vissuto in classe.
Gli studenti potranno osservare altre classi della scuola di musica senza la presenza della docente.
Descrizione dei corsi SGT con i bambini:
Questo corso mira a una formazione musicale teorica globale dell’allievo strumentista e si
terrà sotto forma di laboratorio pratico: intonazione, lettura e scrittura ritmica e melodica, da
applicare al proprio strumento ma anche per comprendere la musica in senso completo. Gli
elementi teorici studiati serviranno per suonare ma anche per percepire l’essenza del linguaggio
musicale. Le attività saranno svolte attraverso coinvolgenti applicazioni di gruppo (cognitive e di
movimento) che stimoleranno la percezione musicale a livello sia intellettuale sia sensoriale.



Limitazioni:
Bachelor in Music and Movement/Master in Music
Pedagogy. Numero massimo di partecipanti 20
Crediti:
2
Aula:
405
Calendario e
orari:
ottobre
novembre
dicembre
gennaio
gennaio
29
4, 11, 18, 25
15, 22, 29
6, 13
10
17, 24
dalle 9.00 alle 12.00
dalle 9.00 alle 12.00
dalle 9.00 alle 12.00
dalle 9.00 alle 12.00
dalle 8:30 alle 10:30
Suonare e giocare con la teoria - corso avanzato
Silvia Klemm
Il corso si rivolge agli studenti che hanno già frequentato il primo anno del corso e intendono
approfondire e sviluppare il percorso intrapreso.



Limitazioni:
Studenti del Bachelor in Music and Movement/Master in
Music Pedagogy che abbiano già frequentato il corso di
1° livello
Crediti:
2
Aula:
405
Calendario e
orari:
ottobre
novembre
dicembre
gennaio
gennaio
30
4, 11, 18, 25
15, 22, 29
6, 13
10
17, 24
dalle 14.00 alle 17.00
dalle 14.00 alle 17.00
dalle 14.00 alle 17.00
dalle 14.00 alle 17.00
dalle 11.00 alle 13.00
Il gioco e la teatralità nella didattica
Hans-Henning Wulf
Nell' ultimo decennio gli obiettivi e metodi d'insegnamento attivati nei corsi professionali
universitari della SUPSI Scuola Teatro Dimitri hanno trovato una definizione più significativa
anche nell'approccio divulgativo riferito a diversi contesti territoriali, sociali e scolastici.
Si è verificato, anche attraverso un progetto di ricerca, che i molti dettagli del gioco teatrale
possono stabilire connessioni fruttuose in ambiti dove si praticano l'apprendimento di una tecnica,
la trasmissione di un sapere e il paziente apprendistato che conduce all'espressione artistica.
Ogni insegnante di musica è consapevole che l'efficacia del proprio lavoro nasce dalla capacità di
creare ambienti di apprendimento interattivi e motivanti. Il senso ludico insito in ogni pratica
teatrale è un potente strumento per attivare le risorse vive di ogni studente.
Durante il corso verranno proposti giochi ed esercizi fondamentali per la conoscenza dei primi
rudimenti del gioco teatrale: la scoperta del proprio mondo fantastico, la presenza del corpo in
scena e l'improvvisazione.
Obiettivi:
 conoscere ed esplorare un approccio ludico all'interno di una lezione;
 essere consapevoli della valenza espressiva dei movimenti;
 sviluppare la musicalità del movimento;
 sviluppare il senso cinestetico;
 sviluppare la presenza;
 sviluppare il rapporto diretto con l'immaginazione e con l'intenzione;
 esplorare la propria capacità e disponibilità di mettersi in gioco e di improvvisare;
 conoscere diversi giochi che si possono mettere in pratica nel proprio ambiente lavorativo ;
 scambiare le esperienze vissute all'interno del laboratorio.
Modalità didattiche:
 il corso è soprattutto dedicato alla pratica del gioco teatrale;
 riflessioni e discussioni in gruppo.
Programma:
 giochi ed esercizi che stimolano e sviluppano la coscienza del proprio corpo, la percezione e
l'ascolto;
 esplorazione delle potenzialità espressive corporee e vocali;
 giochi sull’immaginazione, la fantasia e sul ritmo;
 giochi che stimolano la capacità di interazione in modo spontaneo con altre persone;
 giochi di squadra;
 diversi modi di affrontare l'improvvisazione;
 discussioni e riflessioni sulle esperienze vissute durante il laboratorio;
 riflessioni sull’incontro tra l'insegnamento del teatro e della musica.
Limitazioni:
il corso è aperto esclusivamente alle classi BA e MA in
music and movement
Crediti:
2



Aula:
405
Data:
febbraio
marzo
aprile

Orario:
dalle 8.30 alle 12.30
31
7, 14, 21
14, 21, 28
4, 11 più un incontro da definire
“Ritmico e musicale” – formazione di base
Fabian Bautz
In questo corso, l’incremento delle nozioni ritmiche delle competenze musicali di base puntano a
risolvere il problema dei movimenti complessi e di coordinamento. Al centro dell'esperienza, la
regolarità nella interazione del nostro sistema muscolo-scheletrico con il nostro sistema nervoso.
Il profondo effetto di apprendimento deriva dal fatto che gli obiettivi non possono essere
individuati solo razionalmente, ma anche mediante la presenza e la percezione simultanea a più
livelli sensoriali:






a livello fisico del corpo mediante il movimento ritmico;
a livello cinestetico con la percezione dei movimenti e di come vengono fatti;
a livello spirituale con la scelta, la creazione ed il controllo dei movimenti;
a livello di sensibilità sperimentando gli eventi del sistema muscolo-scheletrico;
a livello emotivo notando il loro effetto su di noi;
a livello sociale, come ci muoviamo in un ensemble, orchestra, in un gruppo e giocando
insieme.
Obiettivi di apprendimento
Gli studenti imparano complesse strutture ritmiche da realizzare con il corpo. Essi sviluppano la
loro capacità di migliorare l'autostima e le competenze nella presenza musicale in rapporto alle
competenze educative o strumentali. Conoscendo i propri limiti, imparano ad affrontare meglio
l'incertezza e lo stress.
Limitazioni:
il corso è aperto solo alle classi BA e MA in music and
movement e subordinatamente ai posti liberi agli studenti
MA PEDA.
Numero massimo partecipanti: 15
Crediti:
1



Aula:
204 o 301
Calendario:
8 novembre
20 dicembre
31 gennaio
7 marzo
2 maggio
13 giugno

Orario:
dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 14.00 alle 17.00
32
Ballando con gli animali: ballare con bambini dai 4 ai 10 anni
Regula Leupold
Un originale dialogo danzante con i nostri amici a due, quattro e più zampe, con i nostri amici
alati, e anche con quelli con gli zoccoli. I bambini non potranno resistere ad un soggetto del genere,
un soggetto che sicuramente funge da “alimentazione“ al movimento. “Il ballare con gli animali“
promuove la fantasia, l’umorismo, la compassione, l’empatia, e suscita affetto e comprensione per
gli animali da parte dei bambini come da parte degli adulti!
I partecipanti riceveranno una serie di suggerimenti metodologici per un lavoro di movimento
immaginativo con i bambini.
Limitazioni:
il corso è aperto a tutti gli studenti e in particolare alle
classi BA e MA in music and movement
Crediti:
0.5



Aula:
109
Data:
30 gennaio
6 febbraio
13 febbraio

Orario:
dalle 9.00 alle 13.00
33
Le percussioni: concetti di base per l'insegnamento musicale
Luciano Zampar
Questo seminario è rivolto agli studenti del “Bachelor of arts in Music and Movement” e,
subordinatamente alla disponibilità, di posti a tutti gli studenti del “Master of Arts in Music
Pedagody” che vogliano approfondire la loro conoscenza del vasto universo degli strumenti a
percussione.
Nella scuola dell'infanzia e dell'obbligo è comune l'utilizzo dei membranofoni ed idiofoni per le
lezioni di musica in gruppo ed alcune nozioni specifiche possono incrementare la qualità musicale
ed espressiva in queste sedi. Questo corso ha l'obiettivo di fornire tali nozioni donando le
conoscenze necessarie per suonare adeguatamente questi strumenti.
Tramite un approccio pratico verranno trattati i seguenti temi:

le particolarità e le eventuali funzioni di ogni strumento (la scelta dello strumentario);

l'impugnatura corretta e la scelta adeguata delle bacchette;

come controllare il timbro e la dinamica;

come creare, strutturare e suonare un accompagnamento ritmico (arrangiamenti);

la notazione musicale delle percussioni ed i metodi di notazione alternativi per bambini;

come organizzare e dirigere un ensemble di piccoli percussionisti.
Durante la giornata conclusiva è prevista una sessione di registrazione del repertorio elaborato
durante il corso.



Limitazioni:
il corso è aperto a tutti gli studenti e in particolare alle
classi BA e MA in music and movement per un
massimo di 8 partecipanti
Crediti:
0.5
Aula:
aula percussioni
Data e orari
10 gennaio
17 gennaio
24 gennaio
14 febbraio
28 febbraio
34
14:00-17:00
14:00-17:00
14:00-17:00
14:00-17:00
10:00-13:00 e 14:00-17:00
Direzione di coro di voci bianche
Brunella Clerici
Il corso è aperto a tutti coloro che sono interessati o svolgono attività musicali e vocali con i
bambini e più in generale con i giovani, e si rivolge in modo particolare a maestre/i di scuola
Materna, Elementare e Media, e a studenti ed insegnanti di Educazione Musicale Elementare e di
Didattica. Il corso avrà un’impostazione pratica: ai partecipanti sarà quindi data la possibilità di
lavorare direttamente con le due formazioni del Coro di Voci Bianche del Conservatorio della
Svizzera italiana.
Questo tirocinio sarà preceduto ed introdotto da una serie di incontri di natura teorica e
metodologica, che tratteranno le seguenti tematiche:
 Come educare e sviluppare le potenzialità della voce infantile: tecnica respiratoria- tecnica
vocale;
 Come avviare alla lettura cantata e alle prime conoscenze di teoria musicale attraverso il
canto;
 Il repertorio: quali canti proporre in funzione dell’età ;
 Cenni di tecnica di direzione ;
 Come impostare una lezione di canto a seconda dell’età dei bambini: quali obbiettivi porsi
per le materne, il primo ciclo delle elementari, quali per i successivi.
Il corso si sviluppa sull’arco di due anni accademici indipendenti.
L’accesso al secondo anno (opzionale) è subordinato alla frequenza del primo.



Limitazioni:
un massimo di 10 allievi in totale
Crediti:
2
Aula:
204
Calendario e
orari:
1° anno
2° anno
3, 4, 10 e 11 ottobre
9, 10, 16 e 17 gennaio
17 e 18 ottobre
23 e 24 gennaio
14 marzo lavoro finale
Orario:
dalle 13.30 alle 15.30
Orario:
dalle 15.00 alle 17.00
Dal 4 al 18 ottobre sarà possibile presenziare alle
lezioni secondo gli orari di prova dei cori.
I tirocini verranno concordati singolarmente con la
docente all’inizio del seminario.
35
Learning Outcomes: cosa sono e come possono migliorare il nostro
modo di insegnare la musica?
Paolo Paolantonio (ricerca & sviluppo)
I learning outcomes (obiettivi di apprendimento) costituiscono uno strumento sempre più diffuso
nelle scuole di musica e vengono usati per definire le competenze che gli studenti acquisiranno
nelle varie tappe del loro percorso formativo.
Individuare gli obiettivi più importanti, pianificarli in maniera adeguata ed esprimerli
chiaramente, sono operazioni che possono rendere molto più efficace e stimolante sia il lavoro
dell’insegnante che dell’allievo.
OBIETTIVI
 Analizzare alcuni aspetti connessi all'utilizzo dei Los (ad esempio: in che modo possono
aiutare ad aumentare la qualità dello studio individuale? Quale influenza hanno sui criteri
da utilizzare per valutare gli studenti in sede di esame?);
 Acquisire strategie utili a redigere correttamente una programmazione basata sui Los;
 Individuare spunti di ricerca da approfondire eventualmente nell’ambito del proprio
progetto finale.
Limitazioni:
aperto a tutti gli studenti BA e MA



Crediti:
Aula:
Data:

Orario:
0.5
110 palazzina DR
24, 31 gennaio
7 febbraio
dalle 10.00 alle 12.00
36
La musica del pensiero ed il corpo della musica
Marco Ancillotti, Monia Giannecchini
Un intervento psicologico che favorisca rilassamento e gestione dello stress, per un migliore
approccio allo studio della musica e all’esibizione in pubblico.
L’esperienza musicale è complessa e coinvolgente sia da un punto di vista fisico sia emozionale,
per questo molte delle difficoltà nello studio della musica e nell’esecuzione in pubblico hanno a
che fare con uno stato psicologico che favorisca il generarsi di tensioni e la limitazione della
fluidità nei gesti e nei pensieri. Inoltre, nello studio della musica e nello studio in generale, si
apprende meglio quando si è rilassati, poiché l’individuo può dedicare una maggiore attenzione ai
propri processi creativi, sensoriali e globali.
Così, imparare a rilassarsi col Training Autogeno e con altre tecniche di rilassamento psicofisico
può significare imparare a fidarsi maggiormente di sé e del proprio corpo nel fare musica, questo
perché utilizzare le tecniche di rilassamento nello studio consente di gestire e smorzare le tensioni
fisiche e psicologiche che, sia in fase di studio sia di esibizione, possono interferire con l’esecuzione
musicale, il rapporto con lo strumento e la relazione con il pubblico.
Si tratta, infatti, di apprendere delle tecniche per mantenere una concentrazione vigile, uno stato
psicofisico attraverso il quale donare maggiore fluidità al gesto musicale.
In sostanza, con l’applicazione delle tecniche di rilassamento nello studio della musica è possibile
ottenere un effetto tale per cui si diventi consapevoli del proprio corpo, delle tensioni involontarie
in esso prodotte e della sua partecipazione in ogni gesto esecutivo, si aumenti il proprio
rendimento sia tecnico sia espressivo, si migliori la concentrazione e si gestisca stress, ansia da
prestazione e da esibizione in pubblico. Questo perché, in chi studia musica, può accadere che la
preoccupazione di far bene, di ottenere la massima prestazione invece di favorire la
concentrazione, sottragga energie cognitive e si associ a tensioni fisiche e posturali che aumentano
lo sforzo impiegato nel suonare, interferendo con la concentrazione.
Obiettivo del corso è di fornire le tecniche base di alcuni dei principali metodi di rilassamento
psicofisico (Training Autogeno, Mindfulness, rilassamento progressivo, tecniche immaginative).
Per far ciò, sarà necessario favorire nel gruppo un clima di accoglienza e fiducia tale da permettere
ai partecipanti di fare esperienza di sé attraverso gli altri e delle tecniche proposte. Verrà, quindi,
costruito il gruppo attraverso tecniche di Team Building e di comunicazione assertiva e ciò fornirà,
conseguentemente, anche un’indicazione su come poterle riutilizzare nella formazione e nelle
relazioni in cui il musicista vive.



Limitazioni:
numero massimo di 18 studenti
Crediti:
0.5
Aula:
mansarda
Data:
14 marzo dalle 14.00 alle 19.00
15 marzo dalle 9.00 alle 14.00
16 marzo dalle 9.00 alle 14.00
37
Aspetti della performance
Metodo Feldenkrais:“Consapevolezza attraverso il movimento”
Johanna Alice Hupfer
Il metodo Feldenkrais è una forma di pedagogia del movimento che vuole aumentare la
consapevolezza per il modo in cui usiamo noi stessi nelle attività quotidiane.
Il dottor Moshé Feldenkrais (1904 - 1984), fisico israeliano ed etologo, considerava questa
consapevolezza indispensabile per ogni tipo di apprendimento e di maturazione dell'essere
umano.
Il seminario si articola su 12 lezioni di movimento (90 minuti) più 2 approfondimenti, che
intendono stimolare lo studente ad esplorare il modo in cui funzionano il suo scheletro, la sua
muscolatura e il suo sistema nervoso. Chi lo pratica può scoprire che col tempo la percezione di sé
si affina e la coordinazione motoria diventa più naturale.
Questo processo di perfezionamento può ispirare la maniera in cui una persona agisce a contatto
con se stessa, con il suo strumento e con l'ambiente che la circonda.
Il primo incontro è di carattere introduttivo e viene seguito da una serie di lezioni di gruppo.
I partecipanti saranno invitati ad indossare un abbigliamento comodo:
pantaloni e maglie che non impediscano i movimenti.
Limitazioni:
massimo 15 allievi
Crediti:
1



Aula:
204
Data:
ottobre
novembre
dicembre
gennaio
febbraio
marzo
aprile

Orario:
dalle 10.30 alle 12.00
38
10, 17, 24
7, 14, 21, 28
5, 12, 19
9, 16, 23, 30
6, 13, 20
13, 20, 27
3, 10
Corso Introduttivo sulla tecnica Alexander
Giorgio Ravazzolo
La Tecnica F. M. Alexander rappresenta un valido complemento alle risorse dell'uomo in termini
di auto-consapevolezza ed educazione della persona. Ideata dall’attore teatrale Frederik Matthias
Alexander (1869-1955), questa disciplina trova applicazione come metodo di rieducazione
psicofisica sia nella recitazione sia nell'esecuzione musicale e nella danza. Essa insegna a conoscere
come usare meglio il nostro corpo durante tutte le attività che svolgiamo, favorendo maggior
libertà di movimento, leggerezza, coordinazione sottile ed equilibrio.
Riuscire, ad esempio, a suonare uno strumento con la naturale scioltezza dei movimenti e con
corretta “postura”, vuol dire spesso trovare una soluzione ad ostacoli tecnici, ansie da prestazione,
impostazioni ed abitudini sbagliate. Eliminando le tensioni inutili, questa disciplina ci permette,
inoltre, di esercitare un dominio consapevole sulle reazioni istintive e sulle emozioni.



Limitazioni:
massimo di 15 studenti
Crediti:
0.5
Aula:
302
Calendario:
DATA
11.10.13
12.10.13
13.10.13
26.10.13
27.10.13
16.11.13
17.11.13
30.11.13
01.12.13
ORA
15.30 - 17.00
17.00 - 19.00
9.00 - 12.30
14.00 - 18.30
9.30 - 13.00
LEZIONE
Lezione Collettiva
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
9.30 - 12.30
14.00 - 18.00
9.00 - 12.00
14.00 - 15.00
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
9.30 - 12.30
14.00 - 18.00
9.30 - 12.30
14.00 - 15.00
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
9.30 - 12.30
14.00 - 18.00
9.30 - 11.00
11.00 - 12.30
14.00 - 15.00
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
Lezioni individuali e gruppi
Lezione Collettiva
Lezioni individuali e gruppi
L’orario delle lezioni individuali verrà concordato con gli
studenti durante il primo incontro.
39
Körper Balance
Gaby Mahler
Obiettivo principale di questo metodo è la chiarificazione e l’animazione della fisicità individuale.
Tramite degli esercizi leggeri in rapporto con la respirazione libera lavoriamo sulla conoscenza
differenziata del nostro corpo. Ci sentiremo più concentrati, attivi/presenti ed equilibrati. Crescerà
inoltre la sensibilità per i profondi rapporti tra i processi spirituali/psichici e la percezione fisica.
Nuovi spazi (interni) si apriranno… il senso proprio per un movimento armonico e vivace può
svilupparsi gradualmente.
Soprattutto nell’ambito della formazione musicale dove sono richieste qualità particolari quali la
mobilità dinamica, l’espressione sciolta e spesso anche l’interpretazione virtuosa di frasi musicali
lunghe – questa vitalità approfondita costituisce una base forte ed importante.
Limitazioni:
massimo 20 studenti
Crediti:
0.5



Aula:
204
Data:
ottobre
novembre
dicembre
febbraio
marzo
aprile

Orario:
gruppo A dalle 17.00 alle 18.00
gruppo B dalle 18.00 alle 19.00
lezioni individuali da definire
40
22
5, 19
3
18
4, 18
1, 15
Yoga – esercizi posturali, respiratori e di rilassamento
Claudio Conte
La via dello Yoga, uno dei più antichi metodi di crescita personale, si interessa all’essere umano
nella sua totalità. Attraverso semplici esercizi posturali, respiratori, di rilassamento e
concentrazione può essere stabilito un corretto rapporto con il proprio corpo, ristabilita una piena
funzionalità respiratoria e un corretto tono muscolare.
L’organismo potrà così recuperare l’equilibro posturale, correggendo ed evitando i blocchi e le
tensioni dovute ad un cattivo allineamento muscolo-articolare, che, sul lungo periodo, potrebbero
provocare processi infiammatori e degenerativi (artrosi, tendiniti croniche e simili).
Consigliati abiti comodi, un asciugamano grande, uno yoga mat se posseduto.
Limitazioni:


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
Crediti:
Aperto a tutti fino ad un massimo di 40
iscritti fra 1° e 2° gruppo
1
Aula:
204
Calendario:
1° gruppo
2° gruppo
tutti i martedì dal 1 ottobre
tutti i martedì dall’11 febbraio
Orario:
dalle 10.30 alle 12.30
41
L’arte di presentarsi-training psicofisico
Eva Wymola
In primo piano si pone quell’ambito lavorativo che si può descrivere come “training di
presentazione” e “presenza scenica”. Tuttavia quest‘idea sugli obiettivi potrebbe facilmente essere
fraintesa e interpretata come se fosse una ulteriore abilità estetica. Al contrario si è dimostrato,
lavorando anche con gli strumentisti, quanto il processo del suonare sia intimamente legato all’atto
della presentazione.
La conoscenza delle dinamiche del presentarsi, la libertà di presentare la propria persona, la
considerazione delle condizioni fisiche e psicologiche necessarie, garantiscono effettivamente
risultati più convincenti a livello tecnico-sonoro ed interpretativo e di conseguenza, anche un più
intenso ed efficace contatto con il pubblico.
Lo spostamento dalla sfera privata a quella pubblica deve avvenire in modo consapevole. Sarà
necessario comprendere la differenza fra atteggiamento privato e pubblico senza che si debba
sacrificare il “personale” o lo “spontaneo”. In questo senso si sono mostrati stimolanti le possibilità
legate al concetto di “entertainment“ nel percorso necessario a spingere il musicista oltre al limite
del privato e per scuotere la sua fantasia musicale.
Quando il musicista, strumentista o cantante, si presenta davanti al pubblico, diventa interprete.
Presentarsi significa mostrarsi come persona. Non si tratta solo della padronanza dello strumento,
della performance artistica o di virtuosismo; presentarsi riguarda e coinvolge tutta la persona.
Gran parte di questo complessissimo processo psico-fisico può essere appreso e sviluppato. Il
pubblico si aspetta più che mai, che anche in questo il musicista mostri professionalità.
Limitazioni:
massimo 14 studenti per sessione

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Crediti:
2
Calendario:
8 ottobre ore 13.00 aula 205 primo incontro orientativo
e smistamento nei gruppi
1° gruppo
Ottobre
7,8, 9
aula magna
14,15, 16
aula 201
21,22, 23
aula magna
28,29, 30, 31 aula 201
Novembre
4,5, 6
aula magna
11,12, 13
aula magna (13 saggio ore 18.30)
2° gruppo
Febbraio
24,25,26
aula magna
Marzo
3,4, 5
aula magna
10,11, 12
aula magna
17,18, 19
aula 201 - aula magna
24,25, 26,31 aula magna
Aprile
1,2
aula magna (2 saggio ore 18.30)

Orario:
dalle 13.00 alle 17.00
42
Canto/Canto e Pianoforte
Liedbegleitung
Daniel Fueter
Seminario pratico di approfondimento sulla Liederistica.
Si affronteranno le problematiche interpretative e le tecniche sia linguistiche e vocali sia pianistiche
dell’opera dei grandi esponenti della musica tedesca del secolo XIX.
Gli studenti, lavorando praticamente all’esecuzione di alcuni pezzi. avranno modo di comprendere
meglio e di affrontare con maggiore consapevolezza storica, tecnica e artistica, alcuni problemi
chiave dell’interpretazione musicale, con particolare riferimento al rapporto tra cantante e pianista.
Il seminario si articola in dieci incontri che si concluderanno con un saggio per l’assegnazione dei
crediti, in cui saranno eseguiti i brani studiati.


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

Limitazioni:
Il corso è rivolto alle classi professionali di canto e pianoforte.
Sono ammessi un massimo di 6 gruppi in “duo” (attivi)
Crediti:
da 2 a 4 in base all’impegno
Aula:
secondo piano orario
Calendario
provvisorio:
13, 27
3
3, 17, 31
7, 14, 28
29
Orario:
dalle 11.15 alle 14.00 e dalle 15.00 alle 18.45
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf.500.Quota uditori Chf.100.-
gennaio
febbraio
marzo
aprile
aprile (concerto finale alle ore 18.00 Aula Magna).
43
Repertorio Francese di fine ‘800 – inizio ‘900
Luisa Castellani, Massimiliano Damerini
Il seminario verterà sui principali autori di lingua e cultura francese tra la fine del XIX secolo e
l’inizio del XX ed è rivolto a cantanti e pianisti, in formazione di “duo” precostituito.
Una scelta di liriche di Duparc, Chausson, Fauré, Debussy, Hahn, Ravel, Satie (e altri) verrà
lavorata sul doppio fronte della vocalità e dell’accompagnamento pianistico.
Un elenco di liriche, non vincolante, è a disposizione dei partecipanti.


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
Limitazioni:
Il corso è rivolto alle classi professionali di canto e
pianoforte. Sono ammessi un massimo di 6 gruppi in
“duo”
Crediti:
1
Aula:
mansarda
Calendario:
15-16 e 22- 23 febbraio
Orario:
da definire
44
Movimento espressivo e fondamenti di arte scenica
Antonella Agati
Il seminario prevede lo studio delle proprie caratteristiche e attitudini fisiche attraverso esercizi
specifici che comprendono lo studio delle articolazioni di tutto il corpo, improvvisazione guidata e
interazione con altri studenti. L’obbiettivo è quello di preparare l’allievo alla rappresentazione
operistica.
Temi principali:
 Coordinazione del respiro in rapporto al movimento;
 Studio del movimento e delle sue potenzialità espressive;
 Studio del movimento in rapporto ad uno spazio;
 Studio del rapporto musica-movimento;
 Studio del personaggio, del suo inquadramento culturale; studio del rapporto e interazione
con altri personaggi;
 Applicazione dei criteri dell’espressività fisica al canto, in particolare a singole arie, legate
al repertorio dell’allievo.
Limitazioni:
corso rivolto alle classi di canto
Crediti:
2



Aula:
201/aula magna
Calendario:

Orario:
dal 14 al 18 gennaio
dal 4 all’8 marzo
dalle 11.00 alle 13.00 e dalle 14.00 alle
17.00
45
Approfondimenti di storia della musica
W.A. Mozart ed il ‘700 classico.
Massimo Zicari
Il seminario proporrà l’analisi di alcune tra le composizioni più significative di W.A. Mozart, tratte
dal repertorio pianistico, sinfonico, concertistico, solistico e cameristico, in funzione dei diversi
contesti di produzione e di fruizione.
Attraverso l’epistolario ed altre fonti documentarie e trattatistiche, si cercherà di ricostruire alcune
delle condizioni che caratterizzavano il lavoro del compositore (corte e/o committenza) e le prassi
musicali dell’epoca (strumenti e trattati).
Il corso è destinato agli studenti iscritti al secondo anno di bachelor, che abbiano superato il corso
panoramico di storia della musica.
Modalità di svolgimento
Il corso si svolge a cadenza settimanale, durante il primo semestre, e si compone di 12 lezioni
frontali (da giovedì 3 ottobre a giovedì 19 dicembre 2013) e 4 incontri individuali per la redazione
dei lavori scritti. Le lezioni si terranno ogni giovedì, alle ore 14.00 in aula 305.
Obiettivi
Al termine del seminario gli studenti avranno sviluppato un approccio critico e documentato nei
confronti del compositore in questione; saranno in grado di adoperare i principali strumenti
bibliografici ed elaborare concetti propri sia in forma scritta che orale.




Limitazioni:
Corso specifico per BA 2°
Crediti:
2
Aula:
305
Data:
tutti i giovedì dal 3 ottobre al 19 dicembre
Orario:
dalle 14.00 alle 16.00
46
Rossini e Donizetti: Strumenti e fonti per l’interpretazione
Massimo Zicari
Nell’Ottocento il melodramma italiano subisce un’evoluzione che conduce chiaramente dalla
cultura del “belcanto” Rossiniano e Donizettiano, di tradizione settecentesca, a quella nuova
vocalità perseguita da Giuseppe Verdi e chiarita nell’idea di “parola scenica”.
Il seminario proporrà un’analisi di due opere tra le più distintive dello stile intervenuto nella
prima metà del secolo. Attraverso lo studio delle partiture si metteranno in evidenza gli aspetti
formali più salienti (disposizione della scena, recitativo, aria, cavatina, cabaletta) ed alcune
implicazioni per l’interpretazione (colorature, sostituzioni, cadenze).
L’analisi di queste fonti sarà accompagnata dall’ascolto critico di una serie di registrazioni storiche,
attraverso le quali verificare, per quanto possibile, l’influenza di tali formulazioni sulla prassi
vocale del primo Novecento.
G. Rossini:
G. Donizetti
Barbiere di Siviglia
Lucia di Lammermoor
Il seminario è rivolto agli allievi delle classi di canto ed è aperto agli studenti in debito del Corso di
approfondimento di Storia della Musica (Bachelor II anno).
Obiettivi:
Al termine del seminario gli studenti avranno sviluppato un approccio critico nei confronti del
secolo in questione, e saranno in grado di distinguere stili e tecniche vocali in funzione dei diversi
repertori e degli strumenti analitici utilizzati.
Struttura:
Il seminario si compone di 8 incontri di 2 ore ciascuno, a partire da giovedì 20 febbraio 2013 (ore
14.00, aula 305). Ogni incontro prevede la discussione degli aspetti teorici e la verifica delle
implicazioni pratiche.
Al termine del seminario, è prevista una verifica teorico-pratica.




Limitazioni:
Il seminario è rivolto agli allievi delle classi di canto
ed è aperto agli studenti in debito del Corso di
approfondimento di Storia della Musica (Bachelor II
anno)
Crediti:
2
Aula:
305
Data:
tutti i giovedì dal 20 febbraio
Orario:
dalle 14.00 alle 16.00
47
Brahms
Bruno Zanolini
"Le strutture armonico-formali del linguaggio tonale nel secondo Ottocento e le sue prospettive
d'innovazione all'alba del nuovo secolo - da Brahms a Debussy".
Il seminario si propone di contestualizzare storicamente e analizzare dal punto di vista delle
strategie compositive (in particolare quelle armonico-formali) alcuni brani di Brahms
Limitazioni:
Corso specifico per BA 2°
Crediti:
2



Aula:
406
Data:

Orario:
tutti i venerdì a partire dal 21
febbraio
dalle 14.00 alle 15.30
48
L’articolazione nei secoli XVI XVII
Diego Fratelli
Il corso comparerà le principali fonti che, nell’epoca considerata si occuparono della questione
delle articolazioni nel repertorio strumentale e vocale, sia sotto il profilo tecnico che dello stile.
Il lavoro si articolerà in:




lezioni frontali (lettura e commento delle fonti antiche);
esercitazioni scritte (apposizione delle “lingue” e delle articolazioni a un testo musicale
coevo alle fonti teoriche considerate);
redazione individuale di un testo di approfondimento;
presentazione dei lavori.
Alla fine del corso gli studenti saranno in grado di:



gestire i principali concetti legati al tema del corso e di conoscere le principali fonti
utilizzate;
elaborare un testo scritto che sia adeguatamente documentato;
presentare e difendere i propri argomenti.
La valutazione avverrà con gli esami finali e comprende la redazione di un lavoro scritto su un
particolare aspetto del corso.



Limitazioni:
Corso specifico per BA 2°. Ammessi eventuali uditori
previo colloquio
Crediti:
2
Aula:
305
Data:
1° incontro
1 aprile ore 16.00
49
Stravinskij
Paolo Repetto
Tra i maggiori protagonisti del Novecento storico, Igor Stravinskij (San Pietroburgo 1882-New
York 1971) ha percorso e approfondito le più importanti caratteristiche musicali del secolo scorso
(l’emancipazione della dissonanza, l’estrema varietà e irregolarità del ritmo, la rottura della
consecutio temporum della melodia, il recupero della tradizione classica, la dodecafonia) senza
mai limitarsi ed irrigidirsi in un unico linguaggio, un unico schema. Come Picasso, ha eletto la
libertà, una assoluta libertà, a felice guida e fonte di ispirazione, in un variegato e allegro
amalgama di suoni, di luci e colori. Partendo da una delle sue prime grandi opere, Petrouschka –
scritta per i Balleti russi di Diaghilev nel 1911 – il seminario analizzerà le sue principali opere, in
una lettura attenta alle analogie e le relazioni con i contemporanei fatti artistici e storici.
Limitazioni:
Corso specifico per BA 2°. Ammessi eventuali uditori
previo colloquio



Crediti:
2
Aula:
305
Data:

Orario:
tutti i mercoledì a partire dal 19
febbraio
dalle 11.00 alle 13.00
50
Pianoforte
Repertorio pianistico contemporaneo: Karlheinz Stockhausen
Fabrizio Rosso, Benjamin Kobler
Il seminario affronta lo studio dell’opera per pianoforte di Karlheinz Stockhausen, che si articola
sostanzialmente in tre fasi: la prima è quella dei Klavierstücke dall’1 all’11, composta in stretto stile
puntillistico; la seconda, quella dei Klavierstücke dal 12 al 19, brani che fanno parte del ciclo di
opere Licht, più spettacolari e originali, sono a volte con elettronica e includono l’uso del
sintetizzatore. Infine la raccolta di 24 brani “Natural durations”, più intimi e meditativi. Fa
eccezione la raccolta Tierkreis, 12 pezzi dello zodiaco, originariamente scritti per scatole musicali,
si possono eseguire anche al pianoforte. Ciascun pianista è libero di crearne una propria versione,
seguendo determinate indicazioni dell’autore.
Repertorio:
Primo periodo
Klavierstücke I–XI
da Licht
Klavierstücke XII–XIX
da Klang
Natural durations
Extra
Tierkreis


Limitazioni:
classi di pianoforte
Crediti:
2
Calendario:
Ottobre
2 dalle 15.00 alle 16.00
18 dalle 14.30 alle 19.45
mansarda Assegnazione brani*
mansarda
Novembre
8, 22 dalle 14.30 alle 19.45
aula 202, 205
Gennaio
17, 31 dalle 14.30 alle 19.45
aula 205
Febbraio
14 dalle 14.30 alle 19.45
mansarda
Marzo
7 dalle 18.00 prove, concerto 20.30 Concerto finale A.M.
n.b. al calendario verranno aggiunti altri due gruppi di
incontri da otto ore e mezza ciascuno, tra dicembre e
febbraio.
*Gli studenti che non parteciperanno a questo incontro non
verranno ammessi al seminario. Per casi eccezionali,
contattare il docente [email protected]
facendosi assegnare il/i brano/i in tempo utile (cioè prima
dell’inizio delle lezioni del 18 ottobre)
51
Approfondimento della prassi esecutiva di Bach (su clavicembalo)
Stefano Molardi
Il corso prevede l’approfondimento della prassi esecutiva di Bach alla luce dei trattati antichi e del
modo di suonare e di intendere la musica nei secoli XVII e XVIII.
I temi trattati durante le lezioni, che potranno essere collettive e singole, saranno:










Analisi, esecuzione, prassi esecutiva delle Toccate, partite, clavicembalo ben temperato di
J. S. Bach;
Evoluzione dello stile bachiano: l’origine francese (Couperin), tedesca (Buxtehude), italiana
(Frescobaldi). Studio di alcuni brani del periodo tastieristico italiano, francese, tedesco del
XVII secolo;
Confronto tra gli abbellimenti in Bach e la scuola francese del XVII e XVIII secolo;
L’inegalité francese e sua applicazione nella musica di Bach;
La “sprezzatura” italiana. Approfondimento dell’esecuzione “non soggetto a battuta” negli
Avvertimenti di Frescobaldi. ;
L’origine italiana dello “Stylus phantasticus” nelle opere per tastiera dei maestri di Bach
(Buxtehude, Boehm, Bruhns, Pachelbel);
Differenze tra scrittura cembalistica e scrittura pianistica.
Limitazioni:
classi di pianoforte
Crediti:
1.5
Aula:
202/204
Calendario:
16 ottobre
11 novembre
18 novembre
25 novembre
9 dicembre
19 dicembre
9 gennaio
23 gennaio
20 febbraio
6 marzo
20 marzo
3 aprile
14 aprile
28 aprile
52
dalle 11.00 alle 13.00
dalle 11.00 alle 13.00
dalle 11.00 alle 13.00
dalle 11.00 alle 13.00
dalle 11.00 alle 13.00
dalle 11.00 alle 13.00
dalle 11.00 alle 13.00
dalle 10.00 alle 13.00
dalle 10.00 alle 13.00
dalle 10.00 alle 13.00
dalle 10.00 alle 13.00
dalle 10.00 alle 13.00
dalle 10.00 alle 13.00
dalle 18.00 alle 21.00 saggio finale aula 201
Primavista
Alessandro D’Onofrio
Lo scopo del corso è quello di approfondire la lettura immediata della partitura pianistica.
Verranno trattati e presi in considerazione brani adeguati al livello di ciascun allievo partendo dal
repertorio barocco sino ad arrivare a quello moderno per pianoforte solo, due pianoforti e
pianoforte a quattro mani con il coinvolgimento anche di altri strumenti.
Limitazioni:
Il corso è destinato a tutti i pianisti e tutti coloro che
siano in possesso di una certa padronanza dello
strumento.
Crediti:
1



Aula:
palazzina DR aula 3
Data:

Orario:
primo incontro orientativo 16 ottobre
dalle 10.00
gli orari verranno concordati
direttamente col docente

Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf.400
53
Introduzione pratica alla musica leggera di Cole Porter e George
Gershwin
Matteo Sarti
Corso dedicato a introdurre l’allievo alla lettura e alla realizzazione pianistica di una partitura di
musica leggera sviluppando la lettura estemporanea degli accordi con sigle, realizzazione
dell’accompagnamento adeguato secondo lo stile appropriato e conseguente improvvisazione su
di esso. Il bagaglio di conoscenze acquisito in questo corso potrà poi essere speso in vari ambiti
compreso quello pedagogico. Saper improvvisare un accompagnamento mentre l’allievo suona è
sicuramente una marcia in più per l’insegnante.
Il corso è inoltre rivolto anche agli allievi che hanno partecipato al precedente seminario di
introduzione pratica alla musica leggera che volessero ampliare il loro repertorio.
Il seminario si svolgerà su 7 incontri più il concerto finale. Gli allievi pianisti saranno divisi in
gruppi di due in maniera da poter lavorare i vari brani e le varie tematiche suonando a quattro
mani o meglio ancora a due pianoforti.
1 Incontro – Introduzione alla lettura degli accordi fondamentali con sigle, studio degli accordi sui
vari gradi della scala, realizzazione di alcuni brani semplici del repertorio classico
2 Incontro – Introduzione alla lettura e realizzazione di accordi composti (quarta, quinta eccedente,
sesta, settime) e accordi diminuiti, studio di brani con accordi composti
3 Incontro – Introduzione all’utilizzo di giri armonici predefiniti provenienti dal blues e dal rock
con conseguente utilizzo di scale pentatoniche per improvvisare, studio di brani che utilizzano giri
armonici di questo tipo.
I quattro incontri successivi saranno dedicati alla preparazione del programma per il concerto
finale con brani provenienti dai musical di Cole Porter e George Gershwin.
Limitazioni:



Crediti:
destinato alle classi di pianoforte (aperto ai
cantanti)
2
Aula:
307
Date:

Orario:
17 ottobre ore 9.00 incontro informativo
14 novembre
12 dicembre
16 gennaio
20 febbraio
20 marzo
3 aprile
Concerto finale sabato 4 aprile ore 17.00
gli orari verranno definiti in base al
numero di partecipanti nella fascia orario
fra le 9.00 e le 13.00
54
“Il Pianoforte… al suo interno”
Ugo Federico
Il pianista, com’è noto, è l’unico strumentista a non ”conoscere” a fondo il proprio strumento
musicale dal punto di vista meccanico.
L’oboista si costruisce da solo le proprie ance per ottenere dal suo strumento il miglior suono
possibile, così, anche altri strumentisti sanno ”mettere” le mani nello strumento musicale per
risolvere piccoli problemi tecnici, in modo tale da non interrompere lo studio o, nella peggiore
delle ipotesi, un concerto, a causa di una semplice rottura di una corda o di una ancia (certamente
è impensabile vedere un pianista che sostituisce una corda durante lo svolgimento di un
concerto!).
Nonostante la tecnologia abbia raggiunto elevati livelli standard di costruzione degli strumenti
musicali, purtroppo, esiste tutta una serie di piccoli inconvenienti che influiscono negativamente
sulla resa ottimale dello studio tecnico e dell’esecuzione artistica dei vari brani musicali.
Per un insignificante problema meccanico, il pianista è costretto ad interrompere il suo lavoro di
studio per giorni e giorni, finché un ”tecnico del pianoforte”, subordinatamente alla sua preziosa
agenda di appuntamenti, riesce a trovare lo spazio di tempo necessario per venire a casa a
risolverlo.
Dal punto di vista artistico, che probabilmente è quello che più interessa, attraverso la profonda
conoscenza strutturale e meccanica dello strumento, il pianista acquisisce maggiore sicurezza
interpretativa, suffragata dalla consapevolezza di aver sfruttato appieno tutte la peculiarità e
possibilità tecnico-espressive del pianoforte per il raggiungimento ottimale del fine altamente
artistico dell’esecuzione musicale.
Il seminario si propone di far acquisire le seguenti competenze specifiche:
 Apprendimento tecnica base d’accordatura generale o di piccole imperfezioni localizzate;
 Apprendimento metodo per la sostituzione delle corde;
 Individuazione e riparazione di piccole imperfezioni meccaniche;
 Controllo e regolazione dei pedali;
 Acquisizione della metodologia di manutenzione generale dello strumento; 2/2;
 Individuazione degli spazi e posizionamento ottimale dello strumento all’interno del luogo
di studio;
 Apprendimento essenziale della storia del pianoforte, del clavicembalo e del clavicordo;
 Conoscenza di ‹ elementi di acustica › legati alla pratica dell’accordatura e dell’esecuzion;
vibrazioni delle corde - vibrazioni simpatiche - suoni armonici - battimenti - legge di Young
- tocco pianistico;
 Apprendimento tecnico delle varie parti dello strumento, in particolare della meccanica.
n.b. alla fine del corso è previsto un esame scritto
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Limitazioni:
destinato alle classi di pianoforte
Crediti:
2
Aula:
205
Date e orari:
novembre:
4, 11, 18 dalle 16.00 alle 18.00
novembre
25 dalle 16.00 alle 19.00
dicembre
2, 9, 16 dalle 16.00 alle 19.00
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The piano Colours
Isabella Libra
Il progetto del seminario riguarda lo studio sull’interpretazione pianistica attraverso
l'abbinamento con i colori . Una volta studiato e interiorizzato il brano, si sostituiscono alle note e
al loro significato più profondo, i colori a seconda della loro temperatura ( gialli , rossi , arancioni
ecc… quelli caldi , azzurri , verdi , violacei ecc…, quelli freddi). Pensando a questa sostituzione e
addirittura creando una vera nuova partitura colorata, la musica che si cercherà di interpretare
sarà libera da tensioni e sovrastrutture. Il musicista potrà dedicarsi maggiormente ad ascoltare le
sonorità che intende realizzare. Quindi un lavoro creativo che aiuta a controllare meglio l'eccessiva
emotività e a memorizzare il brano con più facilità. "The piano colours" è stato realizzato con
supporto video di immagini colorate che si muovono insieme alla musica del brano scelto, creando
anche un effetto di multimedialità.
Limitazioni:
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Crediti:
destinato alle classi di pianoforte fino
ad un massimo di 8 partecipanti
non sono previsti crediti
Aula:
mansarda
Date:
16 dicembre
Orario:
dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 14.00 alle
17.00
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Musica Antica
Teoria e prassi musicale antica (dal XV al XVII)
Diego Fratelli
Musica Antica, teoria musicale del periodo rinascimentale (e prassi esecutive correlate):
il repertorio strumentale e vocale nei manoscritti e nelle stampe dal XV al XVII secolo.
Le lezioni avranno cadenza settimanale, il martedì.
Nella prima parte del seminario, parte teorica, si analizzeranno i brani, sia strumentali che vocali,
leggendo direttamente dagli antichi originali e affrontando sia i problemi legati alla teoria musicale
sia quelli connessi alle prassi esecutive, dalle origini della notazione mensurale bianca sino alla
metà del XVII secolo.
Nella seconda parte del seminario, parte pratica, ogni ensemble metterà in pratica il tutto
allestendo un saggio (un intero programma di saggio per ogni singolo ensemble). Sono possibili
anche attività di studio e ricerca monografica su particolari elementi o autori (eventualmente anche
in collaborazione con le singole classi di strumento o per ensemble precostituiti).
Requisiti e destinatari:
Requisito per la frequenza come allievo effettivo, è il possesso di una discreta lettura musicale.
Il corso (obbligatorio per gli allievi di strumento “antico”) è destinato anche a quei musicisti, siano
essi strumentisti o cantanti o direttori, che intendano avere un rapporto critico e diretto con la
musica antica, non solo con gli interessantissimi aspetti musicologici ma anche con le
problematiche direttamente connesse alla performance.
N.B. la parte pratica potrà essere seguita solo dagli allievi che hanno già seguito durante l’anno o
negli anni precedenti la parte teorica. Le lezioni si terranno per piccoli gruppi strumentali o
strumentali/vocali (dal duo in su), possibilmente per gruppi già costituiti (auspicabile che ci si
iscriva già in gruppo)
Prove finali: i crediti corrispondenti alla parte teorica si maturano producendo individualmente la
trascrizione in notazione moderna di un brano originale antico di modesta difficoltà.
I crediti corrispondenti alla parte pratica saranno maturati da ogni singolo gruppo producendo un
saggio/concerto (da effettuarsi verso la fine di marzo o in data successiva)
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Crediti:
1.5 parte teorica - 1.5 parte pratica
Aula:
305
Calendario
Parte teorica
Lezioni di gruppo ogni martedì, a partire da martedì
1 ottobre e fino a martedì 26 novembre
Gruppo A dalle ore 14.00-16.00
Gruppo B dalle ore 16.00-18.00
Parte pratica
tutti i martedì a partire dal 1 ottobre per chi ha già
frequentato la parte teorica in precedenti annualità, e a
partire da martedì 3 dicembre per tutti gli altri
(termine entro il 25 marzo)
fasce orarie
15.00- 16.00 dal 3 dicembre fino ad inizio II semestre
16.00-17.00 e 17.00-18.00 dal 3 dicembre al 25 marzo
18.00-19.00 e 19-20.00 dal 1 ottobre al 25 marzo
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Five Fortepianos: a Module in Teoria applicata
Viviana Sofronitzky
The Seminar “Five Fortepianos” consists in a 5-day piano workshop with the pianist Viviana
Sofronitzky, specialist in historically informed performance practice, and the piano manufacturer
Paul McNulty (Prague), specialist in historical instruments. The workshop will take a modular
shape and involve three moments strongly connected to each other: the context, the text, the
interpretation.
Proposed repertoire:
STEIN/WALTER: Haydn, sonatas Hob. XVI 48-49-50-51-52 (composed between 1788-96); D.
Scarlatti (tbd); C.P.E. Bach (tbd); W.A. Mozart, Sonatas KV 279- 310 and KV 454 (Violin sonata).
GRAF/WALTER: Schubert: Sonatas, Impromptus opp. 90 and 142; Beethoven, op. 2, 2 C Major, op.
10,3 D Major, op. 13 (Pathétique), op. 31,1 G Major, op. 53 C major, op. 54 F major, op. 90 E minor,
op. 109 E major, op. 110 A flat major (representatives of all three "periods")
PLEYEL: Chopin: Ballades 1+3 (counterpoint), Mazurkas, op. 30 and op. 50 (counterpoint and
phrasing), Nocturnes, op. 9 (and other pieces with Italian opera style melodies)
BOISSELOT/GRAF: Liszt (tbd); Mendelssohn (tbd); Schumann, Carneval op. 9; Brahms,
Rhapsodies op. 10 Ballades, Rhapsodies op. 79, piano pieces opp. 118-9.
Objectives: Learning objectives are as follows:
 Knowledge of different types of fortepianos;
 Knowledge of performance issues related to instruments;
 Knowledge of context of production of early fortepiano repertoire.
Final Assessment: Preparation and participation in a final performance.
Limitazioni: classi di pianoforte
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Crediti:
3
Aula:
palazzina DR secondo piano aule
Calendario:
Timetable
21 october
9.00-10.30
Mozart
10.30-13.00
14.00-17.30
22 oct.
Introductory
plenary
session
17.30-18.00
23 oct.
24 oct.
25 oct.
Beethoven
and
Schubert
Chopin
Liszt
Free programme: Mozart, Haydn, C.P.E. Bach,
Beethoven Schubert, Schumann, Chopin etc.
Debriefing session.
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Il vero modo di diminuir
Stefano Bragetti
Un’introduzione all’arte della diminuzione secondo i principi della prassi dei secoli XVI e XVII,
con particolare riferimento alla pratica della diminuzione in tutte le voci.
In particolare si farà riferimento al trattato di Girolamo Dalla Casa “Il vero modo di diminuir” per
un percorso di assimilazione del linguaggio delle diminuzioni che proceda dall’imitazione
all’esecuzione estemporanea.
Occasione di indagine sulle formule e sui principi del linguaggio della diminuzione sarà lo studio
del ciclo di madrigali composti da Cipriano de Rore (1515-1565) sul testo della sestina petrarchesca
“ A la dolc’ombra” e diminuiti dal Dalla Casa.
Limitazioni: Il corso è aperto a cantanti e strumentisti
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Orario:
Crediti:
1
Aula:
202
Data:
5 e 12 dicembre primi incontri collettivi
n.b. le altre date del corso verranno concordate durante i primi
incontri
dalle 10.00 alle 12.00
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“Authenticity” and Performance Practice
Giulia Nuti
What should a performer undertake to perform “authentically”? Play what is expected to be
heard? Or play what is closest to that which can be determined as the composer’s work? This
seminar considers the interpretative puzzles a performer is faced with when choosing to apply
music history to their performance.
In performance, the difficulties in realizing a composer’s intention are immediately evident: no
matter how detailed the composer’s markings indications regarding instruments, tempi, pitch,
phrasing, dynamics, to name but a few must, particularly in earlier musical scores, be gleaned
elsewhere. Furthermore, not all composers thought it necessary or even intended to leave an
exhaustive testimony of their ideas, rather they expected the performer to play a determining, if in
style role, in the execution of a work. For this reason, the priority for many performers today has
become to recreate – as far as possible – the range of performing possibilities that would have been
open to musicians performing at the time the music was set down. What, then, can be determined,
when the composer is unavailable for consultation?
Time itself alters perception in and of performance. How is a constellation of sounds and their
represented emotions, to be reproduced in a set of instructions, ie. a score? What we play from is,
even when in the hand of the composer, an indication, a pale shadow of what was created.
Furthermore, the notion that there cannot be a definitive, “urtext” score which presents musical
text “as the composer intended” has come to the fore recently with persistent and pressing force.
The aim of the seminar is to illustrate where we should look for historical knowledge which is
relevant for performance, and in what way we can apply it to our performances. Students will be
introduced to the musical, technical and historical elements that can guide the interpretation and
performance of music composed pre-1900. Students will develop the techniques necessary to
evaluate modern editions; they will acquire knowledge relating to the importance of the
contextualization of a piece of music and the difference that a knowledge of performance practices
of the time can have on the interpretation of a piece.
In each session, practical demonstrations (using performance, comparisons of performing editions
and listening to and evaluating recorded interpretations) will be given to illustrate how each
element of interpretation can change the musical outcome. The seminar is of interest to all
instrumental classes (BA and MA), as well as singers.
The seminar will conclude with a concert where students will perform the repertoire studied
during the classes, demonstrating the importance of the practical application of theoretical
principles in order to test and evaluate their efficacy. The repertoire studied will be decided at the
beginning of the seminar, depending on the instruments/voices of the participating students.
The course will be held in English or Italian depending to the students.
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Limitazioni:
aperto a tutti gli studenti
Crediti:
1.5
Aula:
Palazzina DR aula 110
Data:
tutti i mercoledì dal 8 gennaio al 19
febbraio
dalle 10.00 alle 12.00
Orario:
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf. 400.60
Per sonare con ogni sorte di Strumenti: musica da camera nel primo
seicento italiano
Giulia Nuti
L’improvvisazione è un elemento essenziale nello stile del primo Seicento italiano; all’interno di
questo repertorio ogni decisione interpretativa deve trovare riscontro nel gusto del periodo e nella
maniera espressiva dell’epoca.
Inoltre, l’interprete deve essere guidato da una conoscenza completa e comprensiva del linguaggio
armonico che si reperisce nei trattati dell’epoca.
Nel seminario particolare enfasi verrà data allo studio dell’improvvisazione, sia nella melodia
(ornamenti e passaggi), che nel basso (accompagnamento); le indicazioni dei più importanti trattati
dell’epoca verranno seguite e testate in laboratori pratici, al fine di applicare le teorie apprese
nell’esecuzione.
Le sonate e canzoni del primo seicento sono composte ‘per ogni sorte d’istrumenti’: violino, flauto
e cornetto erano gli strumenti più comuni, accompagnati da organo, cembalo, chitarra, tiorba,
liuto, arpa, spinetta; il compositore intendeva offrire al maggior numero di strumenti la possibilità
di eseguire la musica, senza privilegiare la scrittura per uno strumento specifico, la cui scelta spetta
quindi all’esecutore. Il seminario è dunque aperto a tutti gli strumentisti, anche con strumenti
all’epoca non esistenti.
Durante il seminario verranno studiati ed interpretati brani dalle seguenti pubblicazioni:
Girolamo Frescobaldi
Il primo libro delle Canzoni (1628)
Bartolomeo de Selma
Canzoni (1638)
Gio. Battista Fontana
Sonate (1641)
Dario Castello
Sonate concertate (1644, 1658)
Marco Uccellini
Sonate, correnti et arie (1645)
Andrea Falconiero
Il primo libro di canzone, sinfonie, fantasie (1650)
Obiettivo del seminario è di aprire il repertorio del XVII secolo, così affascinante e complesso, a
strumentisti che desiderino sviluppare la tecnica di improvvisazione.
Lo studente imparerà ad improvvisare sulla melodia e all’interno della struttura armonica.
Le sonate e canzoni potranno essere eseguite in trascrizioni moderne, ma verrà incoraggiato l’uso
delle parti originali in chiavi antiche (setticlavio) e con una notazione non standardizzata.
Il seminario si conclude con un concerto che vedrà interpretati i brani studiati nella classe. Ciascun
partecipante dovrà inoltre scrivere una nota critica approfondendo aspetti teorici della prassi
esecutiva del periodo.
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Limitazioni:
aperto a tutti gli studenti
Crediti:
2
Aula:
204
Data:
tutti i mercoledi dal 26 febbraio al 16
aprile
dalle 10.00 alle 12.00
Orario:
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf. 500.61
“Et bien dansez …” Laboratorio di danza e musica antica
Letizia Dradi, Michaël Chiarappa
Il corso è destinato a tutti gli studenti (uditori e attivi) e ha per finalità la comprensione e
l’interpretazione delle forme musicali attraverso il movimento.
Istruzione del corpo al ritmo e alla relazione con persone, spazio, strutture musicali, strumenti
musicali, armonia, melodia ecc…
Si richiede una buona competenza musicale e strumentale ma nessuna competenza specifica fisica
poiché una delle finalità del corso e di offrire al musicista, specializzato in movimenti tecnici
specifici e soprattutto riguardanti le piccole articolazioni, la possibilità di aver coscienza di tutto il
proprio corpo (che diventa nella sua interezza strumento musicale espressivo).
Il musicista che vive questa esperienza arricchisce il suo modo di suonare, con una partecipazione
più completa e autentica, liberandosi da condizionamenti strumentali.
Limitazioni:
aperto a tutti gli studenti
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Crediti:
0.5
Aula:
Aula Magna – 201 - 204
Calendario:
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Orario:
28 gennaio
4 febbraio
25 febbraio
11 marzo
25 marzo
dalle 10.30 alle 12.30 e dalle 13.30 alle 15.30
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf. 500.62
Introduzione al canto gregoriano
Giovanni Conti
Scopo di questo corso - rivolto a coloro che della materia sono digiuni - è consentire, attraverso un
cammino progressivo, una lettura generale ma precisa del "fenomeno" gregoriano inteso nella sua
più profonda natura. Saranno fornite le nozioni fondamentali prestando particolare attenzione agli
aspetti storici, liturgici, semiologici e relativi alla prassi esecutiva. Un cammino, quindi, che lascerà
aperta la possibilità di ulteriori approfondimenti specialistici, stimolando lo studio e l'analisi,
sempre condotti sulla strada del rapporto testo-melodia: un rapporto che sarà interessante scoprire
come inscindibile.
Il corso prevede un'articolazione con lezioni teoriche collettive unitamente ad esercitazioni
d'assieme. Non è esclusa la possibilità di lezioni individuali e per gruppi ristretti, finalizzate alla
preparazione di esecuzioni che costituiranno uno dei momenti caratterizzanti le fasi di
apprendimento previste dal corso.
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Limitazioni:
aperto a tutti
Crediti:
1.5
Aula:
Palazzina DR aula 110
Calendario:
30 ottobre inizio lezioni
Tutti i mercoledi
17.00 - 19.00
Orario:
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf. 300.63
Paleografia Musicale
Giovanni Conti
Il corso si propone di esaminare le tappe fondamentali della scrittura musicale occidentale dalla
sua nascita fino agli approdi mensuralistici, inserendo la trattazione nei diversi contesti di
esecuzione e nel più ampio quadro della cultura musicale del Medioevo e del primissimo
Rinascimento. Punto di partenza saranno le diverse famiglie neumatiche del canto monodico
attestate su tutto il territorio del Vecchio Continente, dal Nord Europa fino all’Italia del Sud,
cogliendone le molteplici e differenti peculiarità. Si approderà alla conoscenza dello sviluppo
storico e dell’evoluzione delle diverse grafie musicali.
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Limitazioni:
aperto a tutti
Crediti:
1.5
Aula:
Palazzina DR aula 110
Data:
tutti i mercoledì dal 30 ottobre
Orario:
17.00 - 19.00
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf. 300.64
Prassi esecutiva nella musica del sei e settecento
Lorenzo Ghirlanda e Luca Pianca
Il corso, in collaborazione con la Fondazione Fabio Schaub, è destinato a musicisti diplomati e/o
diplomandi già attivi nell’ambito della prassi esecutiva barocca o con specifico interesse ad
approfondire questo repertorio.
Gli strumenti che possono essere coinvolti sono: violino, viola, violoncello, contrabbasso, oboe,
flauto, fagotto, tromba, trombone, clavicembalo, liuto, arpa, timpani. Le voci: soprano, contralto,
tenore e basso.
Il corso si avvale della collaborazione di specialisti ospiti quali Fiorenza de Donatis
fiorenzadedonatis.com (violino) e Barbara Zanichelli barbarazanichelli.it (canto).
È prevista una full immersion di 3 giorni sulla prassi esecutiva barocca durante la quale sarà
necessario portare il proprio strumento barocco. Gli archi devono avere almeno le prime due
corde di budello e l’arco barocco.
Sulla base degli studenti iscritti, i docenti proporranno i brani cameristici o d’ensemble che
saranno affrontati nei 3 giorni di corso e nel saggio previsto la sera conclusiva.
Gli studenti possono proporre brani cameristici del proprio repertorio.
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Limitazioni:
necessario lo strumento antico
Crediti:
0.5
Aula:
aula magna
Data:
dal 30 settembre al 2 ottobre
Orario:
dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 14.00 alle 18.00
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf. 300.65
Violoncello barocco
Mauro Valli
..da circa trent’anni si dedica prevalentemente alla musica antica, collaborando con alcuni fra i più
importanti specialisti al mondo.
Membro fondatore dell’Accademia Bizantina, ha militato per vent’anni in questo gruppo
contribuendo in modo decisivo alla sua affermazione internazionale.
Attualmente è primo violoncello e solista de “I Barocchisti” di Lugano e del “Complesso Barocco”
diretto da Alan Curtis. Collabora regolarmente con Diego Fasolis, l’estroso e brillante direttore dei
Barocchisti e del Coro della Radio Svizzera Italiana, e con Maurice Steger che è annoverato fra i più
importanti e virtuosi solisti di flauto dolce al mondo. Con Steger ha realizzato diversi CD, che
riscuotono sempre un successo internazionale strepitoso. L’ultimo in particolare, dedicato alla
scuola veneziana del ’600, è stato premiato da tutte le riviste specializzate, ed ha stazionato per
oltre un anno in vetta alla classifica dei dischi di musica barocca più venduti.
Ha suonato al Concertgebouw di Amsterdam in duo col celebre Anner Bylsma, che dopo il
concerto ha detto: “Mauro Valli è un maestro degli abbellimenti!”
Ha inciso come solista concerti di Vivaldi e Leo, le Sonate di A. Scarlatti, triosonate di Platti,
Galuppi, l’Offerta Musicale di Bach, l’opera omnia di Corelli, l’Estro Armonico e Il Cimento
dell’Armonia e dell’Invenzione di Vivaldi, diversi CD dedicati ai compositori del ’600. Ha inoltre
collaborato come continuista a innumerevoli incisioni di opere e cantate barocche. Tutti i suoi cd
hanno riscosso consensi unanimi e attestazioni di eccellenza.
Ha suonato in tutte le più importanti sale da concerto e stagioni di musica barocca di tutto il
mondo, ripetutamente invitato, regolarmente acclamato.
L’incisione delle Sei Canzoni di Angelo Berardi, (il suo più recente lavoro, realizzato con
strumentisti del calibro di Sergio Ciomei, Vanni Moretto, Margret Koell, Giangiacomo Pinardi) ha
strappato commenti entusiastici agli addetti ai lavori che hanno ascoltato in anteprima il CD; in
particolare il famoso violoncellista e compositore palermitano Giovanni Sollima ha manifestato
emozione, entusiasmo e ammirazione sconfinata per l’interpretazione.
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Limitazioni:
classi di violoncello
Crediti:
1
Aula:
da definire
Calendario:
da definire
Orario:
da definire
Costi:
Quota attivi esterni Chf. 400.-
66
L’arpa nel periodo barocco
Loredana Gintoli
La lezione concerto si svolgerà attraverso un percorso esecutivo in cui verrà fatto via via
riferimento storico, trattatistico e iconografico all'arpa rinascimentale e barocca (detta anche arpa
doppia perché costituita da più ordini di corde), uno strumento che nella prima metà del 600 ebbe
un periodo di straordinaria vitalità, i cui virtuosi erano famosi in tutta Europa.
È appunto in questo periodo che l'arpa fu protagonista sia di un repertorio solistico sia della prassi
del basso continuo, in formazioni cameristiche e orchestrali.
Il seminario potrà essere di particolare interesse per gli studenti di arpa moderna, nel cui corso
accademico non è previsto lo studio del repertorio seicentesco e solo in minima parte di quello
settecentesco. Scopo di questo progetto è di avvicinare studenti o semplici curiosi alla prassi
esecutiva della musica antica, in particolare del periodo barocco italiano.
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Limitazioni:
studenti della classe di arpa
Crediti:
non sono previsti crediti
Aula:
202
Data:
da definire
Orario:
dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 14.00 alle 17.00
67
Musica vocale barocca
Barbara Zanichelli
Il corso si pone la finalità di esplorare il repertorio di musica vocale del periodo barocco, con
particolare attenzione alla tecnica e alla prassi esecutiva del repertorio compreso fra il tardo
Rinascimento e il Barocco.
Il lavoro verterà intorno al repertorio più rappresentativo del canto tardo rinascimentale e barocco
incluso, per quanto possibile, quello d’insieme e polifonico e delle relative prassi esecutive, con la
finalità di acquisire conoscenze approfondite degli aspetti stilistici, sia tecnici che interpretativi,
storici-estetici generali relativi ai repertori specifici.
Le lezioni teoriche e pratiche, dedicate soprattutto a cantanti e strumentisti accompagnatori,
verteranno sui principali argomenti della musica vocale dal XVI al XVIII secolo e in particolare:
 Recitar cantando e genesi della monodia accompagnata;
 La musica vocale di Claudio Monteverdi, dal madrigale polifonico all’opera;
 La cantata europea del XVIII secolo nelle espressioni nazionali: Italia, Germania,
Inghilterra;
 L’oratorio europeo del XVIII secolo nelle espressioni nazionali: Italia, Germania, Francia,
Inghilterra;
 Musica d’assieme del XVII e XVIII secolo.
Nelle lezioni di canto verrà svolto un lavoro specifico sulla tecnica vocale applicata alle
problematiche stilistiche del repertorio barocco: controllo del vibrato, messa di voce, emissione
pulita del suono, agilità di gorgia, trillo ribattuto, realizzazione degli ornamenti, tirate di agilità,
espressione degli “affetti”, analisi e declamazione del testo, agogica.
Obiettivi:
Offrire una maggior consapevolezza dell’esecuzione della musica vocale antica con livelli di
approfondimento personalizzati secondo le capacità e le esigenze di ciascun allievo. Sottolineare il
collegamento profondo che lega tecnica vocale, prassi esecutiva e storia della musica del periodo
antico. Rendere autonomo il musicista nel realizzare concretamente le proprie idee artistiche e di
conseguenza di compiere le scelte musicali più idonee alle proprie caratteristiche vocali; inoltre di
interagire all’interno di gruppi musicali diversamente composti.
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Limitazioni:
Il seminario è rivolto a tutti gli allievi di canto della
sezione professionale.
Crediti:
1
Aula:
405
Data:
primo incontro orientativo 23 ottobre dalle 14.00 alle
17.00
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf. 300.68
Improvvisazione
Jazz improvisation
D’agostino - Bellotti
The instructors will share their teaching responsibilities teach the following topics:
 Improvisation;
 Ensemble;
 Technique/Phrasing;
 Harmony;
 Basic Jazz History.
In school, each session will be divided as follow:



Students will be asked to practice at home and follow up with the instructors;
Students will be required to record their music projects and send them to the instructor via
e-mail/skype;
Students will perform a final recital which will be a very valid assessment to the students’
progress.
At the end of the seminars, the instructors will provide a concert/masterclass for the students and
faculty of the Conservatory. This concert, upon approval of the Conservatory could be open to the
general public.
Limitazioni:
Il corso è materia complementare obbligatoria a
scelta (fra i vari corsi di improvvisazione) per gli
studenti del “Bachelor of arts in music” e “Master
Pedagogy” ancora in debito di questa materia.
massimo 25 studenti per gruppo (2 gruppi) di cui
2 percussionisti, 2 pianisti, 5 archi
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Crediti:
2
Calendario:
Ottobre
Febbraio
Marzo
Maggio
dal 10 al 14
dal 17 al 22
dal 17 al 20
dal 7 al 12
Orari di base per sessione:
1°giorno:
Successivi:
Ultimo giorno:
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Aula:
dalle 17.00 alle 20.00
9.00-13.00 e 14.00-19.00
dalle 9.00 alle 12.00
Aula magna e 201 secondo piano orario
69
Improvvisazione libera
Zeno Gabaglio
L’improvvisazione libera è un ambito dell’espressione musicale nato in seno alla musica
contemporanea colta tra gli anni Cinquanta e gli anni Sessanta ed è un contesto in cui la diretta
pratica strumentale e l’invenzione generativa estemporanea sono il centro di una nuova poetica.
Ad iniziare questa rivoluzione – rispetto agli standard della musica classica – sono stati un
movimento di emancipazione formato da alcuni interpreti virtuosi e un movimento antiintellettualistico di alcuni compositori. E ciononostante l’improvvisazione libera è nata
profondamente intellettuale, profondamente legata al pensiero.
A differenza dell’impostazione degli scorsi anni (con lezioni settimanali sull’arco di un semestre e
un saggio finale) il corso d’improvvisazione libera per l’anno accademico 2013-2014 si svolgerà in
due fasi distinte:
 settembre-ottobre, fase intensiva con concerto finale nell’ambito del Festival
Oggimusica 2013 e del Concerto per famiglie dell’OSI, il 6 ottobre presso gli studi RSI di
Besso;
 ottobre-dicembre, fase tradizionale con una lezione settimanale e saggio finale.
La possibilità di suddividere il corso in queste due parti nasce dall’invito – da parte
dell’associazione Oggimusica e rivolto alla classe d’improvvisazione libera – di realizzare la
componente musicale-performativa per l’annuale appuntamento con il Concerto per famiglie che
unisce l’associazione all’Orchestra della Svizzera italiana.
Un’eventualità che – oltre al contenuto didattico – ha l’indubbio valore di uno sbocco per il corso
stesso in un concerto vero e proprio, all’interno di un festival e assieme a dei partner
indubbiamente importanti.
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Limitazioni:
Il corso è materia complementare obbligatoria a scelta (fra i
vari corsi di improvvisazione) per gli studenti del “Bachelor
of arts in music” e “Master Pedagogy” ancora in debito di
questa materia.
Saranno ammessi al massimo 16 allievi di cui solo 4 pianisti.
Crediti:
1
Aula:
Palazzina DR isolotto/110
Calendario:
 prima sessione
18 settembre
19 settembre
2 ottobre
3 ottobre
5 ottobre
6 ottobre
10-13 gruppo A
14-17 gruppo B
10-13 gruppo A
14-17 gruppo B
10-13 gruppo A
14-17 gruppo B
10-13 gruppo A
14-17 gruppo B
11-16 prove generali
13-18 performance
 seconda sessione
ottobre: 16, 18, 26, 30
novembre: 6, 8
saggio finale Aula Magna 11 novembre (orario da definire)
70
Piano improvisation
Galina Vracheva
“Improvisation has a long tradition in the different arts such as painting, dance, music and
literature. Homer, Goethe, Bach, Mozart, Beethoven, Paganini, Liszt, Rachmaninov, Picasso and
Nurejev are among the most famous improvisation artists of all time. In Paris, during the 19th
century, games of improvisation were very popular. The technical revolution of the 20th century,
however, put an end to this form of art. Instead the desire for perfection and the ability to record
music pushed the art of fantasy to the background, and that wonderful characteristic of mankind,
the power to be creative, was lost.
Of course, today we still have great artists who are able to put spontaneity into their art, but they
are rare. In the early 80ies, there were signs in Western Europe that as a reaction against technical
skill and perfection, improvisation was once again going to take a more important place in music.
Famous pianists such as Chick Corea, Keith Jarrett and Friedrich Gulda showed that in classical
music as well as in entertainment improvisation could colour up music and found some interest in
their audiences.
I now try to call an old tradition to new life by allowing improvisation a major role during my
concerts. In recitals, I provide the audience with the possibility of suggesting themes on which I
can improvise. In concertos, I improvise the cadenzas for the public to provide, I hope, a more
exciting experience in the spirit of the great masters of our musical culture.”
Galina Vracheva
Limitazioni: corso destinato alle classi di pianoforte
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Crediti:
1
Aula:
201
Calendario:
10, 11,12 e 13 febbraio
n.b. è previsto un saggio finale con orario da definire

Orario:
dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 14.00 alle 17.00
71
Il dialogo sonoro: seminario di improvvisazione vocale
Antonella Talamonti
Il seminario, si rivolge a cantanti e strumentisti motivati all’esperienza dell’improvvisazione
vocale.
Che significa “improvvisare”? Come nasce un’idea? come si stabilisce un sistema di regole, come si
individuano le proposte dell'altro, come si può costruire una risposta coerente?
Obiettivo del seminario è quello di toccare, con questi temi, alcuni punti chiave della
comunicazione musicale, e quindi della percezione, cominciando ad improvvisare in gruppo.
Attraverso esercizi, strutture di improvvisazione e analisi collettive, si farà esperienza di alcuni
materiali sonori (note lunghe, canti, linguaggio verbale, testi ) e di possibili trattamenti compositivi
attraverso interventi sui parametri del suono e sullo spazio.
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Limitazioni:
Corso specifico per le classi di canto
Crediti:
1
Aula:
da definire
Data:
da definire
Orario:
da definire
72
Jazz horn
Giovanni Hoffer
Il Jazz ha rappresentato per me un punto di rinascita, dopo le esperienze in ambito classico mi
sono avvicinato al Jazz per curiosità, consapevole del fatto che mi aspettava un mondo totalmente
nuovo e sconosciuto.
Da subito ho notato come l’esperienza dell’improvvisazione sia da considerarsi pienamente un
atto di composizione estemporanea dove la conoscenza della teoria e la pratica dello strumento
sono solo alcuni degli aspetti che entrano in gioco.
La capacità di dialogare con gli altri musicisti gioca un ruolo fondamentale, la composizione
avviene a “più voci” sviluppando l’abitudine ad ascoltare e a comunicare le proprie idee.
Nel corso di questi anni ho sviluppato e sperimentato in ambito internazionale un metodo di
apprendimento dedicato in particolare ai cornisti, che in contesti di musica d’insieme ho applicato
a strumenti diversi (fiati, archi, percussioni), basato proprio sull’ascolto e sul dialogo fra musicisti
che, oltre ad avvicinare in modo rapido e personalizzato al Jazz, potrà portare beneficio a largo
spettro nella vita professionale di ciascun allievo.
Giovanni Hoffer
Ambiti specifici del corso saranno:
 Il ritmo e il concetto di “Beat”;
 Il linguaggio e la differente articolazione;
 L’armonia Jazz: analogie e differenze con l’armonia classica (cadenze, centro tonale, analisi,
sostituzioni, “sister dominant”, sistema modale);
 Il repertorio e i differenti stili: standards, bossa nova, latin jazz etc.;
 Arrangiamento personalizzato di un brano.
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
Limitazioni:
Il corso è materia complementare obbligatoria a scelta (fra i
vari corsi di improvvisazione) per gli studenti del “Bachelor
of arts in music” e “Master Pedagogy” ancora in debito di
questa materia.
Questo corso è destinato alle classi di ottoni
Crediti:
1
Aula:
da definire
Calendario:
da definire
Aula:
da definire
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf. 300.73
Altri ambiti
Introduzione alla Direzione
Pierangelo Gelmini
Il workshop si propone di avvicinare lo studente al mondo della direzione, toccando con mano
tutte le sfere che lo compongono (studio della partitura, tecnica del gesto direttoriale,
pianificazione delle prove e concertazione, ecc.); si rivolge a tutti coloro che intendano acquisire
una conoscenza di base delle problematiche legate alla direzione, ma anche a coloro che
semplicemente desiderino “provare” a dirigere un’orchestra.
Requisiti
I requisiti minimi sono un buon livello (professionale) nello studio dello strumento e la
padronanza delle nozioni teoriche fondamentali (lettura musicale cantata, armonia e forma).
Incontri
Il workshop è articolato in tre sessioni. Gli studenti, per motivi didattici, verranno divisi in due
gruppi che seguiranno le prime due sessioni in date differenti.
Al termine sono previsti un esame scritto e una prova pratica con l’Orchestra del Conservatorio.
Limitazioni:
Workshop obbligatorio per gli studenti di pedagogia,
direzione di banda e direzione corale, che siano ancora
in debito di questo corso.
Il corso si può frequentare nella sua forma completa
un'unica volta
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Crediti:
2
Aula:
201
Data:
22, 23, 24 novembre (gruppi riuniti)
Gruppo A:
10 e 17 gennaio
Gruppo B:
11 e 18 gennaio
3 febbraio, esercitazione con orchestra e verifica


Orario:
dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 14.00 alle 17.00
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf. 600.74
Introduzione alla Direzione II
Pierangelo Gelmini
Il workshop permette allo studente di approfondire ed esercitare la parte pratica della direzione
d'orchestra, attraverso lo studio di alcune partiture del repertorio classico-romantico.
Si rivolge a tutti coloro che sono interessati alla direzione d'orchestra ma anche a chi
semplicemente desidera avvicinarsi al repertorio sinfonico.
Limitazioni:
Per iscriversi al corso è necessario aver frequentato e
superato il workshop "Introduzione alla direzione”
Numero massimo di iscritti 8
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Crediti:
1
Aula:
205
Data:
24, 25, 31 gennaio
1 febbraio
3 febbraio, esercitazione con orchestra e verifica
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
Orario:
dalle 11.00 alle 14.00
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf.400.75
Workshop Solisti
Pierangelo Gelmini
Il workshop offre allo studente la possibilità di fare una prova con l’Orchestra del CSI in qualità di
solista. Si rivolge a tutti gli studenti di strumento o di canto della sezione professionale.
Requisiti
Viene richiesta l’esecuzione a memoria (con l’accompagnamento al pianoforte) del concerto
solistico che si intende suonare con l’orchestra, davanti a una commissione.
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Limitazioni:
Per evidenti questioni organizzative il numero di
studenti ammessi sarà limitato e subordinato al
superamento di un’audizione
Crediti:
1
Aula:
aula magna
Data:
audizione 17 e 18 dicembre
dal 4 al 7 febbraio
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Orario:
secondo la scaletta
76
Analisi ritmica
Gregorio Di Trapani
L'obiettivo del corso è quello di fornire all'allievo i mezzi e le strategie necessarie per affrontare con
semplicità il repertorio del XX secolo che si è arricchito nel tempo di figure ritmiche e poliritmie
sempre più complesse.
Tramite l'analisi teorica e la pratica svolta rigorosamente su strumenti a percussione, in questo caso
principalmente a suono indeterminato, l'allievo consolida un saldo rapporto con il ritmo.
La percussione permette di attivare una maggiore attenzione sulla scansione ritmica omettendo in
parte altri elementi musicali legati alle specifiche tecniche degli altri strumenti.
Si affronteranno questi punti:
 Strategie per ottenimento delle poliritmie;
 Strategie per ottenimento cambi di tempo metronomico;
 Metodo di studio delle figurazioni complesse, uso del metronomo;
 Pratica di gruppo con strumenti a percussione.
Tutti i mezzi teorici e pratici acquisiti durante il corso verranno utilizzati per eseguire tutte quelle
poliritmie che si posso trovare spesso nei brani di repertorio. Ogni allievo durante il primo
appuntamento potrà portare più brani che verranno analizzati durante seminario con l’aiuto del
docente.
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Limitazioni:
Il corso è aperto a tutti gli studenti non percussionisti della
sezione professionale
Crediti:
1
Aula:
percussioni
Date
tutti i venerdì a partire dal 15 novembre
Orario:
dalle 9.30 alle 11.30
Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf.200
77
Come realizzare un demo audio/video
Fabrizio Rosso
Sempre più spesso agli studenti viene richiesto di fornire un demo audio per partecipare ad
audizioni, concorsi, borse di studio, ecc. Ultimamente le istituzioni più attente e informate
richiedono però un demo video, questo perché con una ripresa a camera fissa e senza stacchi è
impossibile correggere la traccia audio attraverso un lavoro di tagli (editing).
Questo seminario si prefigge il compito di insegnare agli studenti del Master e del Bachelor un
metodo operativo per realizzare un prodotto audiovisivo adeguato. A tale scopo è indispensabile
conoscere i rudimenti delle tecniche di registrazione sonora, ripresa video e sincronizzazione, al
fine di evitare errori grossolani che potrebbero rendere inutilizzabile il materiale registrato con il
conseguente speco di energie e di tempo.
Limitazioni:
aperto a tutti gli studenti interessati in forma di
laboratorio teorico-pratico
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Crediti:
1
Calendario:
17 ottobre 14.00 – 16.00
24 ottobre 14.00 – 16.00
07 novembre 14.00 – 16.00
14 novembre 14.00 – 16.00
06 dicembre 14.00 – 19.00
16 gennaio 14.00 – 16.00
23 gennaio 14.00 – 16.00

Costi:
Partecipanti attivi esterni
Quota di partecipazione Chf.300
78
palazzina DR
mansarda
palazzina DR
palazzina DR
Aula Magna
palazzina DR
mansarda
Electronic and MIDI percussion
Pietro Luca Congedo
Il corso tratta l'analisi, lo studio, l'ascolto e la performance dei brani solistici e di ensemble che più
caratterizzano il repertorio dell'elettronica applicata alla percussione.
Gli argomenti principali che strutturano il corso sono quattro:




Applicazione dell’elettronica: realizzazione dei percussion semple, MIDI percussion, Tape,
Metronomic score, Real Time, microfonazione;
Performance: Modalità e problematiche d'esecuzione, click-track playing, modalità
d'applicazione per set-up e stick;
Multiset: Realizzazione combinazioni con l'elettronica;
Notazione: Multiset, Multiset con elettronica.
Il corso si articola in sette incontri della durata di quattro ore ciascuno.
I brani solistici studiati durante il corso verranno utilizzati dagli studenti nel programma finale
d'esame dell'anno accademico in corso.
Il corso prevede un concerto finale aperto al pubblico.
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Limitazioni:
indirizzato principalmente agli allievi della classe di
percussione, ma aperto anche a tutti gli studenti
interessati
Crediti:
0.5
Aula:
aule di percussioni
Data:
incontro orientativo
11 ottobre dalle 11.00 alle 12.00
79
Fitness per musicisti. Salute fisica e mentale per la prevenzione e la
cura di patologie professionali
Cinzia Cruder - Aaron Williamon (Ricerca e Sviluppo), Egidio Zanotto (Servizio
Sport USI/SUPSI)
Nello svolgere la propria professione, i musicisti compiono gesti ripetuti a grande velocità con
accurata precisione, utilizzando coordinazione e forza muscolare, in una costante interazione fra il
proprio corpo e lo strumento suonato.
Nonostante le differenze tra i vari strumenti, essi sono esposti ad una serie di fattori di rischio che
concorrono all’insorgenza di patologie professionali di vario genere, che vengono frequentemente
sottovalutate e potrebbero danneggiare a lungo termine la salute fisica e mentale.
Il quadro appare ancora più critico se si considera il fatto che i musicisti solitamente non associano
nessuna attività sportiva o fisica (stretching) a quella musicale, allo scopo di controbilanciare gli
effetti a lungo termine di una pratica assidua e logorante, i cui effetti, nei casi più gravi, potrebbero
condurre all’abbandono della carriera.
Grazie a questo seminario, il CSI si propone come obiettivo di garantire che gli studenti possano
essere supportati nel prendere misure opportune per tutelare la loro salute e prevenire gli
infortuni legati alla performance.
Gli studenti saranno seguiti da una figura professionale competente e qualificata; verranno
pertanto suddivisi in diversi gruppi e svolgeranno esercizi specifici, secondo la categoria di
strumento.
Nel corso dell’anno, si terranno inoltre otto sessioni teoriche in cui verranno introdotti in maniera
sistematica i principi fondamentali della promozione della salute e la forma fisica all’interno delle
strutture accademiche musicali, così come la psicologia, la gestione dello stress e la protezione
dell'udito.
Questo seminario è offerto dalla Divisione Ricerca e Sviluppo e si propone di sviluppare nel tempo
un progetto di ricerca riguardante la prevenzione delle patologie professionali, attraverso
l’introduzione di esercizi specifici per migliorare il benessere del musicista e la performance
musicale.
Consigliati abiti comodi, un tappetino se posseduto.
Limitazioni:
Il corso è rivolto a tutti gli studenti della scuola
universitaria (BA e MA)
Crediti:
1.5
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Aula:
204/201 secondo piano orario
Calendario:
Ottobre 11, 18, 25, 28
Novembre 4, 11, 15, 22, 29
Dicembre 6, 13, 20
Gennaio 10, 17, 24, 31
Febbraio 17, 21, 28
Marzo 7, 14, 21,28
Aprile 4, 11, 14, 28
Maggio 2
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Orario:
Gruppo 1:
Gruppo 2:
Gruppo 3:
Gruppo 4:
80
9.00-10.00
10.00-11.00
11.00-12.00
12.00-13.00
Elementi di argomentazione
Hubert Eiholzer, Cinzia Cruder, Jennifer MacRitchie, Hernando Florez (ricerca &
sviluppo)
L’argomentazione è un ragionamento che tende a dimostrare una tesi sulla base di ragioni ed è
uno strumento molto diffuso nei discorsi o colloqui, nel lavoro scientifico, nei discorsi politici e nei
dibattiti artistici.
Obiettivi
 Apprendere le nozioni principali dell’argomentazione;
 Acquisire competenze di analisi e valutazione di differenti argomenti;
 Divenire maggiormente indipendenti e competenti circa la stesura di un elaborato scritto
(progetto finale).
Struttura
Workshop: discussione ed esercizi utili all’approfondimento delle competenze da acquisire;
Il materiale include soprattutto esempi di argomentazione dell’ambito musicale (ragionamenti di
critici musicali, ricercatori, musicisti, insegnanti e direttori di conservatorio);
Verifica
Verifica finale scritta
Colloquio
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Limitazioni:
Il corso è rivolto a tutti gli studenti della scuola
universitaria (BA e MA), in particolare a quelli che
sono tenuti a preparare un elaborato scritto (progetto
finale) al termine degli studi. Crediti:
1.5
Aula:
da definire
Calendario:
da definire
Orario:
da definire
81
Insegniamo ad apprezzare la musica: come impostare un corso di
guida all’ascolto
Paolo Paolantonio (ricerca & sviluppo)
In che modo possiamo aiutare i nostri allievi a scoprire e apprezzare le pagine più importanti del
repertorio? E quante volte ci è capitato, magari dopo un nostro concerto, di parlare con persone
che si sentono attratte dalla musica ma che al tempo stesso dicono di non riuscire a “capirla”?
Questo seminario è finalizzato a fornire strumenti utili per impostare e realizzare una guida
all’ascolto, tenendo conto dei diversi tipi di contesto (lezioni individuali o di gruppo, relazioni
scritte, etc.) e di pubblico (musicisti, amatori, bambini, etc.)
Obiettivi
 Riflettere su alcuni aspetti generali (ad esempio: come mai consideriamo speciali proprio
certi passaggi nelle opere che amiamo di più? Con quale criterio valutiamo un certo brano?
Attraverso quali elementi cogliamo emozioni e significati nella musica? Quali parole e
termini tecnici usiamo per descrivere la musica?);
 Analizzare, sulla base di tali riflessioni, una serie di brani proposti sia dal docente che dagli
studenti;
 Valutare differenti strategie comunicative in relazione al livello di preparazione dei nostri
allievi.
Struttura
 Quattro incontri di gruppo della durata di due ore;
 Tre sessioni di tutoring individuale della durata di un’ora.
Verifica
Alla fine del seminario è prevista l’elaborazione di un breve scritto, basato sull’analisi di uno o più
brani concordati con il docente.
Limitazioni:
aperto a tutti gli studenti
Crediti:
0.5
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Aula:
palazzina DR aula 110
Data:
ottobre
25
novembre 8, 15, 22
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Orario:
dalle 10.00 alle 12.00
82
Engaging the audience: interpreters’ strategies towards an
expressive performance
Jennifer MacRitchie (ricerca & sviluppo)
What makes of a performance a ‘great’ performance? What distinguishes an interpretation labelled
as ‘valid’ from one acclaimed as ‘enthralling’, ‘fascinating’, ‘highly expressive’? This course is
designed to explore the contribution of the interpreter: the diversity of interpretation and the
audience reaction.
The material follows three main themes:
1. Exploring the diversity of performance and the various ways a performance can be
‘expressive’.
2. How performers can engage with their audiences through recordings, which ‘expressive’
performances can be heard time and again and retain their value?
3. How performers engage with audiences in live concerts. This addresses aspects of aural,
visual and emotional communication.
Overall, this course aims to encourage the participants to examine their own expressive strategies
for communicating with the audience, in both live and recorded performances, considering what
the audience hears from their perspective.
Learning objectives are as follows:
 To learn strategies of expression that are current in literature and be able to reflect on how
these may or may not be applicable to our performers;
 To understand basics of music perception, i.e. how we listen and understand basic pitches
and rhythms;
 To be able to reflect on these expressive strategies in terms of both the performer’s
perspective and the audience’s perspective;
 To examine the process of creating engaging interpretations for both live performance and
recordings;
 To reflect on how audiences appreciate music and form musical judgements.
Structure:
16 weekly lessons of 120 minutes duration, these include two extended practical workshops that
will examine “emotional communication in performance” and “the art of creating a recording”.
Final Assessment:
Two group written works will be set, requiring students to describe a chosen aspect of expression,
with reflection on how knowledge and insights acquired during the course may affect the
student’s own performing strategies. These group works can be delivered in one of the following
languages: English, Italian.
Students are assessed mainly on the two written works and participation in the class discussions.
The course is open to all music major BA and MA students (performance, pedagogy, theory, and
composition). Good understanding of spoken and written English will be necessary given that the
course will be held in English. However, no written English skills are required.
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Limitazioni:
aperto a tutti gli studenti
Crediti:
2
Aula:
palazzina DR aula 110
Data:
tutti i giovedì dal 3 ottobre al 30 gennaio
Orario:
dalle 14.00 alle 16.00
83
Conferenze
La riscoperta di Camillo Sivori, unico allievo di Niccolò Paganini
Fulvio Luciani
Diversamente da quel che succede in altri campi, le riscoperte musicali spesso provocano
diffidenza. Anche persone curiose, intelligenti e acute, sotto sotto tendono ad accodarsi all’idea che
la storia abbia una specie di intelligenza e che dimentichi strada facendo ciò che non vale la pena
di ricordare. Qualche volta però la storia ritorna sui suoi passi (non fu dimenticato perfino Bach?) e
valuta le cose una seconda volta.
Se di Sivori si sa qualcosa è che è stato allievo di Paganini, ma non è questa la parte interessante
della storia. D’accordo, Paganini fu probabilmente decisivo nel cogliere le qualità di Sivori
fanciullo, e fece quel che non ci si aspetterebbe da un virtuoso feroce e ferino come certamente fu,
seppe essere generoso e soccorrevole: scrisse dei pezzi per favorirne l’educazione, lo accompagnò
alla chitarra quando fu deciso di presentarlo in pubblico, gli procurò un maestro che gli era stato
allievo, Agostino Dellepiane, e un violino a cui Sivori rimase fedele per tutta la vita, e continuò per
anni, anche da lontano, a tenersi informato dei suoi progressi.
Per parte sua, Sivori cercò addirittura di assomigliare a Paganini nelle fattezze - i capelli lunghi, le
guance coperte di barba - e nella postura violinistica. Ma la questione tra loro si chiude qui, perché
già al primo apparire di Sivori presso il pubblico internazionale - sfidando la memoria ancora viva
di Paganini nel suo stesso repertorio - di lui si disse che era pari al maestro nel virtuosismo, ma
addirittura superiore nella bellezza del suono e nell’eleganza, così da segnare fin da subito la
misura della sua individualità. Se la vicenda di Sivori si esaurisse nel rapporto con Paganini
sarebbe poca cosa; se fosse di più, a leggerla unicamente da quella prospettiva si rischierebbe di
non capirlo. Forse, la suggestione di quel suo presentarsi come unico erede legittimo ha lavorato
nella mente degli ascoltatori più a lungo di quel che avrebbe dovuto, e ha nuociuto alla percezione
della sua figura. Non c’è niente di peggio, a questo proposito, del nomignolo di “paganinetto” che
si guadagnò all’epoca e che, in mancanza d’altra scienza, si vede usare ancor oggi.


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Limitazioni:
conferenza ad ingresso libero
Crediti:
non sono previsti crediti formativi
Aula:
da definire
Data
da definire
84
L’audiopsicofonologia
Margreet Haneman
L’audiopsicofonologia nasce dalle ricerche di A. Tomatis, medico francese specializzato in
otorinolaringoiatria. Tale disciplina si propone di rieducare la funzione di ascolto e quindi la
qualità della comunicazione.
Ascoltare significa prestare attenzione, integrare un messaggio e dare una risposta adeguata;
rappresenta la base del linguaggio e della comunicazione.
Negli anni ’60 Tomatis scoprì che la voce utilizza solamente le frequenze che può percepire e che
ogni cambiamento dello schema uditivo comporta una modificazione della voce.
Nel momento in cui possiamo di nuovo percepire correttamente le frequenza deficitarie, tali
frequenze riappaiono anche nella voce.
Contenuti:
 a livello preliminare, verrà proposto l’ascolto di alcuni brani musicali appositamente
selezionati per provocare e stimolare la consapevolezza del pubblico rispetto alla modalità
di ascolto a confronto dei diversi stimoli sonori. Sulla base di quest’esperienza sarà più
semplice spiegare le principali funzioni dell’orecchio e il significato del termine “ascoltare”;
 Nozioni riguardanti il funzionamento dell’orecchio dal punto di vista anatomico,
neurologico e fisiologico;
 Notizie biografiche del Prof. Alfred Tomatis, le sue scoperte nell’ambito dell’orecchio e
delle sue funzioni, il metodo – in cosa consiste e come viene applicato. Il test d’ascolto
secondo A. Tomatis;
 L’applicazione del metodo presso Scuola di Alto Perfezionamento Musicale di Saluzzo.
Come si è svolta, i risultati ottenuti.
Al termine della conferenza ad alcuni partecipanti sarà data la possibilità di effettuare un test di
ascolto con appositi strumenti.
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Limitazioni:
conferenza ad ingresso libero
Crediti:
non sono previsti crediti formativi
Luogo:
da definire
Data:
da definire
Orario:
da definire
85
La creatività estemporanea nelle lezioni collettive di strumento
Annibale Rebaudengo
Obiettivi:
Saper affrontare le nuove realtà didattiche con attenzione all’apprendimento cooperativo.
Conoscere alcuni processi d’apprendimento per sviluppare la creatività estemporanea in stili
diversi. Saper analizzare modelli d’autore da imitare nelle improvvisazioni ai primi livelli
strumentali. Saper musicare estemporaneamente storie e racconti.
Contenuti:
I principi generali della lezione collettiva di strumento.
Immersione nell’improvvisazione alla maniera di Kurtág; analisi e improvvisazione alla maniera
di B. Bartók, A. Pärt; approccio all’improvvisazione su schemi armonici prestabiliti I-V-I e I-IV-V-I.
Simulazione di una performance pubblica d’improvvisazione su testi letterari scritti e recitati.
Metodologie di lavoro:
Lezione frontale, confronto tra corsisti, laboratorio. I corsisti non pianisti sono invitati a portare il
loro strumento.
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Limitazioni:
seminario conferenza rivolto in particolare agli allievi del
Master of Arts in Music Pedagogy
Crediti:
non sono previsti crediti formativi
Aula:
301
Data:
6 e 7 novembre
Orario:
dalle 11.00 alle 13.00 e dalle 14.00 alle 16.30
86
Diritto e legislazione dello spettacolo
Floriana Marchese
Temi principali di questo seminario saranno:
 La terminologia giuridica e le normative;
 Approccio alla lettura di una legge;
 La contrattualistica di lavoro nel mondo dello spettacolo: Il Contratto di Scrittura Artistica
autonomo ( del Concertista solista), il contratto collettivo, esempio contratto di lavoro
subordinato del professore d’orchestra;
 Esempi pratici e concreti della prassi, esempi di contratti collettivi per la Svizzera Zurcher
Theateverein - contratto collettivo per professori d’Orchestra, Fondation de l’Orchestre de
la Suisse Romande, Basler Orchester Gesellschaft. Comparazione con contratto collettivo
per professori d’Orchestra presente in Italia.
Saranno inoltre discussi argomenti quali:
 Aspetti internazionali dei Contratti di Scrittura Artistica;
 Differenze con il Contratto di Management;
 Il Contratto Discografico;
 Il Contratto di producer;
 Le principali leggi in materia: La Legge Svizzera di Diritto di Autore, la Legge Italiana di
Diritto di Autore. Cenni comparatistici della Legge Di Diritto di Autore anche di Paesi
extraeuropei;
 Le principali Convenzioni Internazionali che regolano gli argomenti in materia e le
Direttive;
 europee di Diritto di autore;
 I titolari dei diritti: gli autori e ed i titolari dei diritti connessi, gli artisti interpreti esecutori.
 La tutela ed i diritti degli artisti interpreti esecutori.
 Aspetti della tutela degli artisti interpreti : le azioni giudiziarie esperibili, la qualificazione
del danno. Il risarcimento del danno;
 Le società di gestione collettiva dei diritti, degli artisti interpreti come Swissperform in
Svizzera e l’Imaie in Italia e degli autori es., la SIAE in Italia e la Société Suisse des Auteurs
e Suisa in Svizzera;
 Gli autori di opere musicali;
 Le violazioni del Diritto di Autore: il Plagio musicale, la concorrenza sleale, la
contraffazione.
Musica ed internet: il caso Napster. Studio esempio di casi giuridici ed importanti sentenze, in
materia (Anche Sentenze della Corte di Giustizia dell’Unione Europea che hanno riguardato
l’attività musicale e dei Teatri).
Per il Plagio musicale: Esempi di famosi casi giuridici, sentenze: esempio, (premio “ Oscar” per la
colonna sonora del Film “Il Postino”, relativa Causa - Endrigo, Del Turco ed altri contro Bacalov;
Caso, Albano Carrisi contro M. Jackson.
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Limitazioni:
conferenza ad ingresso libero
Crediti:
non sono previsti crediti formativi
Luogo:
da definire
Data:
da definire
Orario:
da definire
87
Legal Principles for the music profession
Rico Gubler
By means of practical examples, selected principles of contract and copyright law will be
communicated. Detailed lecture notes will be available from the course administration one month
before commencement of the course.
The course ‘Legal principles for the music profession’ in English is offered by the following
collaborating universities: Hochschule für Musik Basel, Conservatorio della Svizzera Italiana,
Hochschule Luzern – Musik and the Zürcher Hochschule der Künste.
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Limitazioni:
conferenza ad ingresso libero
Crediti:
non sono previsti crediti formativi
Luogo:
da definire
Data:
da definire
Orario:
da definire
88
Le figure della musica
Fabrizio Rosso
Questo seminario è tratto dal libro omonimo di Salvatore Sciarrino che propone lo studio della
forma come analisi del comportamento.
Si tratta infatti dell’analisi dei modi in cui il materiale musicale è stato organizzato dai compositori
al di là della contingenza storica, ma con un punto di vista potremmo dire scientifico.
Lo studio si basa sulla descrizione, corredata da ascolti, di molte composizioni antiche e moderne e
del conseguente confronto con quadri, sculture, edifici, poesie, film, fumetti e tappeti orientali. Da
tutto ciò risulterà chiaro che in ogni disciplina artistica si possono riscontrare le stesse tipologie di
organizzazione del contenuto e del senso. Su questa linea tracciata da Sciarrino, una presentazione
multimediale in cinque parti permetterà il confronto e l’analisi delle varie arti in modo chiaro e
immediato.
Struttura delle lezioni:
1. Processi di accumulazione
2. Processi di moltiplicazione
3. Little bang
4. Trasformazioni genetiche
5. Forma a finestre
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Limitazioni:
conferenza ad ingresso libero
Crediti:
non sono previsti crediti formativi
Luogo:
Aula 305
Data:
2, 5, 7, 9, 12 ottobre
Orario:
dalle 18.00 alle 20.00
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