Una passione per l’arte italiana
Une passion pour l’art italien
Copertina
Couverture
Arnaldo Pomodoro
“Disco“, 1984,
Bronzo, 15 x 5,5 cm
ed. di 95
Arnaldo Pomodoro
“Disque“, 1984
Bronze, 15 x 5,5 cm
éd. sur 95
LA COLLEZIONE
DELLA COMPAGNIE
MONEGASQUE
DE BANQUE
LA COLLECTION
DE LA COMPAGNIE
MONÉGASQUE
DE BANQUE
La CMB ha coltivato sin dalla fondazione nel 1976, una grande
passione per l’arte italiana attraverso le opere riunite in
collezione. Queste ultime riflettono i valori di cui la CMB si fa
portatrice ovvero l’incoraggiamento del talento e della
creatività ed il rispetto della diversità ; valori sintetizzati dal
più che noto enunciato di Victor Hugo : “L’arte è dell’uomo
come la natura è di Dio”.
Mediante il riconoscimento del ruolo dell’artista, la cui
espressione è quella della coscienza d’una società, queste
opere manifestano l’impegno della CMB nella comunità ed il
legame con i Suoi Clienti e Partners.
Un primo catalogo fu pubblicato nel 1988 a cura del critico
Arturo Carlo Quintavalle ed intitolato “Recits en couleurs”
con l’intenzione di valorizzare le acquisizioni fatte nel corso
degli anni.
Ad ultimazione dei lavori di rinnovo della sede in avenue de la
Costa, la CMB è lieta di presentare oggi questa collezione
mediante un’installazione ragionata delle opere nei suoi locali
e la redazione della presente guida intesa ad esaltarne il suo
valore storico ed artistico.
Il nucleo principale di opere, già sapientemente introdotto dal
precedente catalogo, racchiude importanti lavori di artisti
italiani protagonisti delle avanguardie degli anni ‘60, ‘70 e
‘80 : Enrico Baj, Valerio Adami, Lucio Del Pezzo, Mario
Schifano, Emilio Tadini e Arnaldo Pomodoro. Ad essi si sono poi
aggiunti i grandi maestri Lucio Fontana, Gianfranco Pardi e
Piero Dorazio.
Sono state selezionate in quest’opuscolo diciotto opere
maggiori a testimonianza dell’avvincente evoluzione dell’arte
italiana dall’Astrazione alla Pop Art, passando per la Nuova
Figurazione, e del coinvolgimento culturale ed artistico di
questa istituzione.
La CMB a toujours cultivé une passion pour l’Art italien à
travers les œuvres qu’elle a pu réunir au fil du temps, depuis
sa création en 1976. Ces dernières reflètent les valeurs que la
CMB défend telles que le développement des talents et de la
créativité, ainsi que le respect de la diversité ; des valeurs que
nul n’a mieux exprimées que Victor Hugo lorsqu’il énonce :
“L’Art est à l’homme ce que la nature est à Dieu”.
Par la reconnaissance du rôle de l’Artiste, dont l’expression est
celle de la conscience d’une société, ces œuvres manifestent
l’engagement de la CMB dans la Communauté et son lien avec
ses Clients et ses Partenaires.
Sous la direction du critique d’art Arturo Carlo Quintavalle, un
premier catalogue intitulé “Récits en couleur” fut publié en
1988 avec l’intention de valoriser les acquisitions réalisées au
fil des années.
A l’issue des travaux de rénovation de son siège, avenue de la
Costa, la CMB est aujourd’hui heureuse de présenter les
œuvres en sa possession, mises en scène dans ses locaux et à
travers ce recueil, conçu pour en cristalliser les valeurs
historique et artistique.
La collection s’articule autour de pièces maîtresses, savamment
présentées dans le catalogue précédent qui regroupait les
œuvres d’artistes italiens protagonistes des avant-gardes des
années ‘60, ‘70 et ‘80 : Enrico Baj, Valerio Adami, Lucio de
Pezzo, Mario Schifano, Emilio Tadini et Arnaldo Pomodoro. Par
la suite, se sont ajoutés les grands maîtres Lucio Fontana,
Gianfranco Pardi e Piero Dorazio.
La sélection de dix-huit œuvres majeures présentée dans ce
fascicule offre un voyage à travers l’évolution de l’art italien,
de l’Abstraction au Pop Art, en passant par la Nouvelle
Figuration et témoigne du respect de la CMB pour l’Art et la
Culture.
Gianfranco Pardi
(Milano, 1933)
Il nostro percorso inizia con una scultura geometrica di
Gianfranco Pardi.
Il rapporto fra pensiero e forma, fra astrazione e concretezza,
è da sempre il tema ricorrente nelle opere di Pardi, sia in
pittura che in scultura.
La ricerca artistica di quest’ultimo s’individua, alla fine degli
anni ‘60, su alcuni luoghi fondamentali della concezione dello
spazio: le “architetture”, opere molto conosciute che
esprimono chiaramente la volontà di fondare lo spazio
attraverso metodologie costruttive.
Negli anni ‘70 l’artista elabora una rilettura delle avanguardie
storiche, quali l’Astrattismo, il Costruttivismo e il
Neoplasticismo, e realizza, tra le altre, quest’opera in cui la
forma si esprime tramite un segno geometrico purissimo capace
di dare corpo ad un pensiero costruttivo.
Tra le mostre più importanti dell’artista si ricordano: nel 1986
la Biennale di Venezia con una sala personale, e nello stesso
anno la Triennale di Milano e la Quadriennale di Roma; la
Biennale di Palazzo della Permanente nel 1974 e nel 1993, una
sua personale nel 1998 a Palazzo Reale di Milano, nel 1999 in
Germania tre importanti mostre al Frankfurter Kunstverein
di Francoforte, al Museum Bochum di Bochum e al
Kulturhistorisches Museum di Stralsund.
Notre parcours commence par une sculpture géométrique de
Gianfranco Pardi.
Le rapport entre pensée et forme, entre abstraction et
concrétude, est depuis toujours le thème récurent des œuvres
de Pardi que ce soit en peinture ou en sculpture. La recherche
artistique de ce dernier se concentre à la fin des années ‘60,
sur certains sujets fondamentaux de la conception de l’espace :
les célèbres “architectures” expriment clairement la volonté
de fabriquer l’espace à travers des méthodologies
constructives.
Durant les années ‘70, l’artiste élabore une relecture des
avant-gardes historiques, tel que l’Abstraction, le
Constructivisme et la Néoplasticisme, et réalise, entre autre,
cette œuvre dont la forme s’exprime à travers un signe
géométrique très pur, capable de donner corps à une pensée
constructive.
Parmi les expositions les plus importantes de l’artiste, on se
rappelle : en 1986, la Biennale de Venise avec une pièce dédiée
à l’artiste et, la même année, la Triennale de Milan et la
Quadriennale de Rome; la Biennale de Palazzo de la
“Permanente” en 1974 et en 1993, une exposition personnelle
en 1998 au Palazzo Reale de Milan, en 1999 en Allemagne, trois
importantes expositions au Frankfurter Kunstvere de Francfort,
au musée Bochum de Bochum et au Kulturhistorisches Museum
de Stralsund.
“Senza titolo”
1977
Acciaio ed ottone
190 x 50 x 50 cm
“Sans titre”
1977
Acier et laiton
190 x 50 x 50 cm
Arnaldo Pomodoro
(Morciano di Romagna, 1926)
Nello stesso anno d’esecuzione dell’opera di Pardi, il 1977, il
grande maestro Arnaldo Pomodoro realizza questo basso rilievo
in bronzo argentato e acciaio che riassume la poetica e lo stile
tipici del notissimo sculture.
La superficie di una stele o anche “tavola dei segni” è per metà
liscia e per metà incisa dei riconoscibili segni geometrici cari
all’artista: essa rievoca una sorta di “muro sartriano” contro il
quale si riflettono i pensieri dell’uomo.
Pomodoro e gli astrattisti di questa collezione appartengono,
ognuno a suo modo, ad un’avanguardia di rinnovata e profonda
introspezione, animata da soluzioni espressive di grande
potenza e purezza; la forma geometrica articolandosi nel
cerchio, triangolo e cubo costituisce le basi di un nuovo
alfabeto estetico.
Durant la même année d’exécution de l’œuvre de Pardi, en
1977, le grand artiste Arnaldo Pomodoro réalise ce bas relief
en bronze argenté et acier qui résume la poésie et le style
typique du célèbre sculpteur.
La superficie d’une stèle ou de la “table des signes” est à
moitié lisse et à moitié incisée de signes géométriques chers à
l’artiste : ceux-ci commémorent une sorte de “mur de Sartre”
contre lequel se reflètent les pensées de l’homme.
Pomodoro et les artistes abstraits de cette collection
appartiennent, chacun à leur façon, à une avant-garde dotée
d’une nouvelle et profonde introspection, animée de solutions
expressives très puissantes et pures; la forme géométrique
articulée en cercle, triangle et cube constitue les bases d’un
nouvel alphabet esthétique.
“Immagine con risvolto“
1974
acciaio e bronzo argentato
100x 70 cm, ed. di 12
“Image avec revers“
1974
acier et bronze argenté
100 x 70 cm, éd. sur 12
Lucio Fontana
(Rosario, Argentina 1899- Comabbio, Italia, 1968)
Il grande maestro è presente in collezione con quattro opere su
carta fortemente rappresentative dello Spazialismo di cui fu
l’iniziatore nonché il massimo esponente.
Il lavoro pubblicato, in particolare, si riferisce al tema dello
Spazialismo ma con la variante dell’intaglio: nello spazio
apparentemente chiuso, delimitato dal colore, si apre la
possibilità di una presenza dietro la tela, s’intravede una
sagoma femminile. Al gesto radicale del taglio che apre nuove
superfici creative e metaforiche si sostituisce l’apposizione
“velata” mediante incisione di una presenza femminile che
gioca tra l’intuizione e la reale percezione.
Il risultato creativo rimanda sempre all’idea di una tela che non
basta a se stessa e prosegue al di là di se mediante nuove
soluzioni gestuali.
Le grand maitre Lucio Fontana est présent dans la collection
avec quatre œuvres sur papier fortement représentatives du
Spatialisme dont il fut l’initiateur et le plus grand
représentant.
Ce travail en particulier, se réfère au thème du Spatialisme
mais avec comme variante l’intaille : dans l’espace
apparemment fermé, délimité par la couleur, s’ouvre la
possibilité d’une présence derrière la superficie, s’entrevoit
une silhouette féminine. Au geste radical de la coupure qui
ouvre une nouvelle superficie créative et métaphorique se
substitue l’apposition “voilée” par l’incision d’une présence
féminine qui joue entre l’intuition et la perception réelle.
Le résultat créatif renvoit toujours à l’idée d’une toile qui ne
suffit pas à elle-même et se poursuit au delà à travers de
nouvelles solutions gestuelles.
“Concetto spaziale”
Litografia ed incisione su carta
61 x 47 cm
“Concept spatial”
Lithographie et incision sur papier
61 x 47 cm
Piero Dorazio
(Roma, 1927 - Todi, 2005)
Piero Dorazio membro di spicco del movimento Forma 1 assieme
ai maestri Ugo Attardi, Pietro Consagra, Mino Guerrini, Achille
Perilli, Antonio Sanfilippo, Giulio Turcato e Carla Accardi fece
della ricerca formale e del colore la sua poetica. Egli stesso
scriveva pochi anni fa:
“Un pittore vive in mezzo ai suoi colori come il musicista, il
quale non si separa mai dai suoi suoni, tutti e due pensano
continuamente ad organizzarli e a scoprirne le combinazioni e
gli aspetti più segreti e più improbabili. In solitudine, essi
provano e poi provano ancora per vedere e sentire, se mettendo
insieme gli elementi del loro linguaggio, ne risulterà un’opera
compiuta.” (Piero Dorazio, L’œil écoute, 1986).
Quest’opera unica ed atipica nella produzione dell’artista è
stata realizzata secondo la tecnica del collage di tessuto sulla
scia delle opere ad acrilici degli annI ‘70.
In essa si ritrovano tutte le qualità artistiche che hanno
contraddistinto la carriera di Dorazio: la ricerca coloristica
scandita come un pentagramma le cui note l’artista compone e
riorganizza ogni volta in maniera nuova ed imprevedibile ; la
costruzione della superficie mediante diagonali, volte a
sollecitare i sensi e l’intelligenza. L’arte è assimilata alla
musica e si traduce in vibrazione per i sensi.
Piero Dorazio, membre important du mouvement Forma 1 avec
les artistes Ugo Attardi, Pietro Consagra, Mino Guerrini,
Achille Perilli, Antonio Sanfilippo, Giulio Turcato et Carla
Accardi, basa sa poetique sur la recherche de la forme et de la
couleur. Lui-même écrivait il y a quelques années :
“Un peintre vit au milieu de ses couleurs comme un musicien
ne se sépare jamais de ses sons, les deux pensent
continuellement à les organiser, à en découvrir les combinaisons,
les aspects les plus secrets et les plus improbables. Dans la
solitude, ils essaient, puis essaient encore afin de voir et
entendre, si en mettant ensemble les éléments de leur langage,
il en résultera une œuvre accomplie”.
Cette œuvre unique et atypique dans la production de l’artiste,
a été réalisée dans les années ‘70 selon la technique du collage
de tissu dans le même style des œuvres à l’acrylique de cette
période. On y retrouve toutes les qualités qui ont fait la
carrière de cet artiste : la recherche de la couleur articulée
comme une portée des notes que l’artiste compose et
réorganise chaque fois de manière différente et imprévisible ;
la construction de la surface picturale grâce aux lignes
diagonales, aux ombres et lumières, destinées à solliciter les
sens et l’intelligence, car la raison ici est mise de coté et l’art
comme la musique devient pure vibration sensuelle.
“Senza titolo”
collage di tessuto su tela
102 x 130 cm
ed. su 75, eseguito a mano
Ed. Volpini, Milano per l’Ariete Grafica, Milano
“Sans titre”
collage de tissu sur toile
102 x 130 cm
éd. sur 75, fait à la main
Ed. Volpini, Milan pour l’Ariete Grafica, Milan
Lucio Del Pezzo
(Napoli, 1933)
Uno dei fondatori del Gruppo 58 di Napoli, d’impostazione
neosurrealista e neodadaista. Le sue opere del periodo 19581960 proponevano assemblaggi di vari oggetti, tra cui frammenti
di stampe ed immagini popolari.
A partire dal 1962 Del Pezzo ha realizzato un suo tipico
repertorio di “quadri” o “sculture”, formati da pannelli
geometrici monocromi, sui quali sono inserite mensole o
concavità, che sostengono oggetti geometrici regolari (birilli,
uova di legno, bocce, manichini, etc.) a volte molto colorati.
Nelle sue pitture-oggetto e nei suoi assemblages è sempre
presente l’aspetto ludico.
Per il tono ironico e per l’utilizzo di oggetti d’uso quotidiano
decontestualizzati, tali opere rimandano alla Pop Art; ma si
riscontra un evidente recupero di De Chirico, Carrà e Morandi
(Motivo, 1967), e delle geometrie della pittura metafisica
Nel 1964 realizza insieme ad altri artisti, tra cui Baj e Fontana,
il “Labirinto del Tempo Libero” alla XIII Triennale di Milano,
ottenendo uno dei premi internazionali. Partecipa alla XXXII
Biennale di Venezia. e nel 1966 ha una sala personale alla XXXIII
Biennale di Venezia.
Nel 1967 partecipa all’organizzazione della mostra De
Metafisica nella Galleria Kruger a Ginevra dove espone assieme
a de Chirico, Carrà, Morandi, De Pisis, Sironi e Gnoli.
Lo Stato francese acquisisce nel 1968 due sue opere ed
allestisce la “sala metafisica” al Museo di Grenoble (De Chirico,
Max Ernst, Herbin, Carrà, Nevelson, Del Pezzo); nel 1984 è
invitato da Guido Ballo a prendere il posto di Emilio Tadini come
titolare della cattedra di Pittura sperimentale alla nuova
Accademia di Belle Arti a Milano.
Un des fondateurs du Gruppo 58 de Naples, à la tendance
surréaliste et néo dadaïste. Ses œuvres de la période 1958-1960
étaient constitués d’assemblages d’objets variés, parmi lesquels
des fragments d’estampes et d’images populaires.
A partir de 1962, Del Pezzo réalise son répertoire typique de
“tableaux” ou “sculptures”, composés de panneaux géométriques
et monochromes, sur lesquels sont insérées des consoles ou
creusées des cavités, qui supportent des objets géométriques
réguliers (jeu de quilles, œuf en bois, boules, mannequins, etc…)
et parfois très colorés. L’aspect ludique est toujours présent dans
ses tableaux-objets et ses assemblages.
Par le ton ironique et l’utilisation d’objets d’usage quotidien mais
décontestualisés, ces œuvres renvoient au Pop Art; mais l’on
retrouve des références évidentes à De Chirico, Carrà et Morandi
(Motivo, 1957) et aux géométries de la peinture métaphysique.
En 1964, il réalise avec d’autres artistes, parmi lesquels Baj et
Fontana, le “Labirinto del Tempo Libero” à la XIIIème Triennale de
Milan, obtenant un des prix internationaux. Il participa à la
Biennale de Venise et, en 1966, a un espace personnel à la XXXIII
Biennale de Venise.
En 1967, il participe à l’organisation de l’exposition de
Métaphysique à la galerie Kruger de Genève où il expose en même
temps que de Chirico, Carrà, Morandi, De Pisis, Sironi et Ginoli.
L’Etat français se porte acquéreur en 1968 de deux de ses œuvres
et met en place la “salle métaphysique” au musée de Grenoble (De
Chirico, Max Ernst, Herbin, Carrà, Nevelson, Del Pezzo) ; en 1984,
il est invité par Guido Ballo à prendre le poste d’Emilio Tadini
comme titulaire de la chaire de Peinture expérimentale à la
nouvelle Académie des Beaux Arts à Milan.
Senza titolo
1974
Basso rilievo, tecnica mista su cartone
38 x 29 cm
Sans titre
1974
Bas relief, technique mixte sur carton
38 x 29 cm
Lucio Del Pezzo
(Napoli, 1933)
Le opere di Lucio Del Pezzo presenti in collezione sono legate al
periodo della ricerca ed interpretazione dei principi alchemici.
Sia nelle opere di pittura che in quelle di scultura ricorrono
infatti numerosi simboli tipici dell’universo alchemico che,
intrecciandosi in mutue relazioni, permeano le varie operazioni
e gli ingredienti costitutivi del processo per ottenere la pietra
filosofale.
Così l’oro e l’argento acquisiscono nell’iconografia alchemica e
dunque nelle opere dell’artista i tratti simbolici del Sole e della
Luna, della luce e delle tenebre e del principio maschile e
femminile, che si uniscono nella coniunctio oppositorum della
Grande Opera.
Al pari, gli elementi cosmici, ovvero i sette corpi celesti, hanno
grande importanza non solo per la loro influenza su questo
processo di conoscenza, ma anche per il parallelismo che li lega
agli elementi naturali, in base alla credenza che “ciò che sta in
basso è come ciò che sta in alto”.
L’infinito ed il colore simboleggiano il fine e l’inizio di questo
percorso che porta all’equilibrio interiore.
Les œuvres de Lucio Del Pezzo présentes dans la collection sont
liées à la période de la recherche et de l’interprétation des
principes alchimiques.
Les tableaux comme les sculptures ont en effet recours à de
nombreux symboles typiques de l’univers alchimique qui, en
tissant des relations mutuelles, pénètrent les divers opérations
et les ingrédients constitutifs du processus pour obtenir la
pierre philosophale.
Ainsi par exemple, l’or et l’argent acquièrent dans
l’iconographie alchimiste et donc dans les œuvres de l’artiste,
les traits symboliques du Soleil et de la Lune, de la lumière et
des ténèbres, du principe masculin et féminin, qui s’unissent
dans la coniunctio oppositorum de la Grande Œuvre.
De la même façon, les éléments cosmiques, c’est à dire les sept
corps célestes, ont une grande importance non seulement pour
leur influence sur ce processus de connaissance mais aussi pour
le parallélisme qui les lient aux autres éléments naturels, sur
la base de la conviction que “ce qui est en bas est comme ce qui
est en haut”.
L’infini et la couleur symbolisent la fin et le début de ce
parcours qui amène à l’équilibre intérieur.
“Elementi colorati”
1977
Collage su tavola
33 x 27 cm
“Eléments colorés”
1977
Collage sur panneau
33 x 27 cm
Lucio Del Pezzo
(Napoli, 1933)
La “scatola dell’oro” sembra rinviare chiaramente alla ricerca
dell’io mediante il processo alchemico.
Riallacciandosi alla psicanalisi di Jung, l’artista aderisce alla
teoria di quest’ultimo che individuava nell’alchimia un vero e
proprio processo di ricerca spirituale. Secondo Jung l’alchimia
non era altro che la proiezione (psicologica) nel mondo
materiale degli archetipi dell’inconscio collettivo, l’itinerario
psichico che conduceva alla coscienza di sé ed alla liberazione
dell’io dai conflitti interiori.
Del Pezzo legatissmo all’icongorafia metafisica ma anche alla
filosofia dissacrante Duchampiana, trasforma i simboli ludici
della propria pittura in nobili simboli alchemici in una originale
costruzione dell’individualità (la scatola) in cui i metalli grezzi
dei livelli infimi sono già divenuti oro.
La “boîte de l’or” semble renvoyer certes à la recherche du soi
à travers le processus alchimique.
Se faisant l’écho de la psychanalyse de Jung, l’artiste adhère à
la théorie de ce dernier qui identifie dans l’alchimie un
véritable processus de recherche spirituelle. Selon Jung,
l’alchimie n’est rien d’autre que la projection (psychologique)
dans le monde matériel des archétypes de l’inconscient
collectif, l’itinéraire psychique qui conduisait à la conscience
et à la libération du soi des conflits intérieurs.
Del Pezzo, très lié à l’iconographie métaphysique mais aussi à
la philosophie désacralisant de Duchamp, transforme les
symboles ludiques de sa peinture en nobles symboles
alchimiques dans une originale construction de l’individualité
(la boîte) où les métaux bruts des niveaux les plus bas sont
déjà devenus or.
“Box Oro”
Scultura in legno
1981/1982
54 x 35 x10 cm
“Boite Or”
Sculpture en bois
1981/1982
54 x 35 x 10 cm
Lucio Del Pezzo
(Napoli, 1933)
La ricerca della perfezione sta nella trasformazione della
realtà in oro e nella riorganizzazione della stessa in un
ordine geometrico in cui tutti gli elementi s’incastrino
perfettamente.
I simboli geometrici ancora una volta richiamano ai simboli
cosmici. Ogni figura è l’esatto richiamo ad uno dei sette pianeti
mentre il bianco dell’architettura è la purezza interiore e l’oro
è l’agognata perfezione.
La recherche de la perfection est dans la transformation
de la réalité en or et dans l’organisation de celle-ci dans
un ordre géométrique dans lequel les éléments s’encastrent
parfaitement.
Les symboles géométriques encore une fois renvoient aux
symboles cosmiques. Chaque figure est l’exact rappel à l’une
des sept planètes alors que le blanc de l’architecture est la
pureté intérieure et l’or est la perfection recherchée.
“Senza Titolo”
1985
Basso rilievo in legno dorato
92 x 73 cm
“Sans titre”
1985
Bas relief en bois doré
92 x 73 cm
Emilio Tadini
(Milano, 1927 - 2002)
Nato nel 1927, Emilio Tadini nonostante sia ricordato soprattutto come pittore, fu uomo di cultura a tutto tondo. Passando con
intuizioni felici dalla scrittura alla critica d’arte, dalla poesia alla drammaturgia, Tadini riuscì a compiere una sorta di osmosi culturale
tra diversi ambiti disciplinari.
Come pittore iniziò negli anni Cinquanta, stagliandosi sul panorama artistico in modo del tutto autonomo e più tardi aderendo prima
al Realismo e poi all’Informale. L’attività di scrittore andò comunque parallelamente alla produzione pittorica. Dopo l’iniziale realismo
esistenziale, Tadini, negli anni ‘60, subì il fascino della Pop Art inglese, meno nota dell’analoga corrente statunitense. Di questo
periodo è il capolavoro surrealista “Ciclo della vita di Voltaire”.
L’inizio della sua ascesa artistica avvenne con la partecipazione alla mostra collettiva presso lo Studio Marconi nel 1965, della quale
fecero parte anche altri tre grandi: Mario Schifano, Valerio Adami e Lucio Del Pezzo. Nel 1978 e nel 1982 partecipò anche alla Biennale
di Venezia, mentre dalla metà degli anni ‘80 in poi espose in numerose personali in Italia ed in Germania. Nel 2001 fu la celebre sede
di Palazzo Reale a Milano ad ospitare l’ultima mostra antologica a lui dedicata, all’interno della quale esponenti del mondo della
cultura quali Umberto Eco, Arturo Carlo Quintavalle, Alan Jouffroy gli resero l’ultimo omaggio.
Né en 1927, Emilio Tadini, bien qu’il soit surtout connu comme peintre, fut un homme de culture sous tous ces aspects. Passant avec
une heureuse intuition de l’écriture à la critique d’art, de la poésie à la dramaturgie, Tadini réussit à réaliser une sorte d’osmose
culturelle entre différentes disciplines. Il commença comme peintre dans les années ‘50, en se faisant remarquer dans le panorama
artistique de manière autonome et plus tard en adhèrent d’abord au Réalisme puis à l’Informel.
L’activité d’écrivain coexistait parallèlement à la production picturale. Après des débuts liés au Réalisme Existentiel, Tadini, durant
les années ‘60, subit la fascination du Pop Art anglais, moins connu que le mouvement analogue américain. Le chef d’œuvre surréaliste
“Ciclo della vita di Voltaire” date de cette période.
Le début de son succès artistique advient avec la participation à l’exposition collective au Studio Marconi en 1965, à laquelle firent
partie trois autres grands artistes : Mario Schifano, Valerio Adami et Lucio Del Pezzo. En 1978 et en 1982, il participa également à la
Biennale de Venise, alors qu’à partir de la moitié des années ‘80, il exposa dans des expositions personnelles en Italie et en Allemagne.
En 2001, ce fut le célèbre Palazzo Reale de Milan à accueillir la dernière exposition anthologique qui lui fut consacrée, à travers
laquelle des personnalités du monde de la culture tels que Umberto Eco, Arturo Carlo Quintavalle, Alan Jouffroy lui rendirent un
dernier hommage.
Emilio Tadini
(Milano, 1927 - 2002)
La collezione CMB include numerosi lavori della celebre mostra
“Museo dell’uomo” tenutasi a Milano nel 1974, in cui molto
forte è il connubio tra scrittura e pittura.
Ne “La Stanza enorme” scegliendo un linguaggio pittorico in cui
gli oggetti vagano nello spazio bianco come idee di sé stessi,
alienati dalla realtà, Tadini si accosta da un lato ad un certo
Cubismo Analitico e dall’altro al colorismo della Pop Art
inglese.
I corpi senza testa, la testa in sembianze di maschera, tavoli e
sedie capovolti, alludono al desiderio di rivoluzione culturale e
filosofica forte nell’avanguardia di quegli anni e di un nuovo
modo di fare arte intriso di filosofia.
La collection de la CMB comprend de nombreux travaux de la
célèbre exposition “Museo dell’uomo” qui se déroula à Milan
en 1974, dans laquelle l’union entre écriture et peinture est
très forte.
Dans “La Stanza énorme”, choisissant un langage picturale
dans lequel les objets errent dans l’espace blanc comme des
idées d’eux-mêmes, aliénés par la réalité, Tadini s’approche
d’un côté à un certain Cubisme Analytique et de l’autre au
colorisme du Pop Art anglais.
Les corps sans tête, la tête comme un masque, tables et
chaises à l’envers, font référence au désir fort de révolution
culturelle et philosophique de l’avant-garde de ces années et
au nouveau mode de “faire de l’art” imbibé de philosophie.
“Museo dell’uomo. La stanza enorme”
1974
Litografia dell’opera omonima
125 x 184 cm
“Musée de l’homme. La pièce énorme”
1974
Lithographie de l’œuvre homonyme
125 x 184 cm
Emilio Tadini
(Milano, 1927 - 2002)
“Festa e Forma del cibo”, altro capolavoro dalle serie “Museo
dell’uomo”, interpreta un discorso sul consumo, probabilmente
anche sul consumo delle idee con espliciti riferimenti a “Festa
nella Taverna” dal secondo libro di Finnegan’s Wake e alla
letteratura di Celine. E’ questa appunto una festa del cibo nella
società del consumo ma anche una festa dell’ambiguità degli
oggetti raffigurati che ciascun osservatore puo’ interpretare e
collegare come desidera iniziando una nuova storia.
“Festa e Forma del cibo”, autre chef d’œuvre de la série
“Museo dell’uomo”, interprète un discours sur la
consommation, probablement aussi sur la consommation des
idées avec une référence explicite à la “Festa nella Taverna”
du deuxième livre de Finnegan’s Wake et à la littérature de
Céline. Il s’agit en effet d’une fête de la nourriture dans la
société de consommation mais aussi d’une fête de l’ambigüité
des objets représentés et que chaque observateur peut
interpréter et relier comme il désire pour commencer une
nouvelle histoire.
“Museo dell’uomo. Festa e forma del cibo”
1976
Litografia dell’opera omonima
117 x 235 cm
“Musée de l’homme. Fête et forme de la nourriture”
1976
Lithographie de l’œuvre homonyme
117 x 235 cm
Emilio Tadini
(Milano, 1927- 2002)
Quest’opera, definita dall’artista “Natura Morta”, fa parte di
un altro importante ciclo intitolato: “Le figure e le cose”,
realizzato nel 1980 ed ispirato al libro di Michel Focault “Les
mots et les choses”.
In essa è racchiusa tutta la filosfia creativa di Tadini incentrata
sul rapporto tra la parola e la cosa e l’interpretazione della
distanza tra esse. E’ nella ricerca di una definizione del
rapporto tra le due che Tadini inserisce l’importanza del ruolo
della pittura, come egli stesso scriverà nella prefazione al
catalogo dell’omonima mostra: “Le figure sono le ombre delle
cose portate dalla luce dello sguardo… E’ come se la figura non
fosse altro che quell’ombra che il nostro sguardo riesce a
conquistare di una cosa… E allora è come se il desiderio non
potesse far altro che dilaniare ogni volta una preda del tutto
immateriale. E’ da li’ probabilmente che viene quella sua fame
assolutamente insaziabile. Forse questa è la prima cosa che la
pittura riesce a rappresentare… Che deve rappresentare”.
Cette œuvre, définie par l’artiste “Nature Morte”, fait partie
d’un autre cycle important intitulé “Les figures et les choses”,
réalisé en 1980 et inspiré du livre de Michel Foucault “Les mots
et les choses”.
Elle renferme toute la philosophie créative de Tadini, focalisée
sur le rapport entre la parole et la chose et l’interprétation de
la distance entre elles. C’est dans la recherche d’une définition
du rapport entre les deux que Tadini place l’importance du rôle
de la peinture, comme il écrit lui-même dans la préface du
catalogue de l’exposition homonyme : “les figures sont les
ombres des choses portée à la lumière du regard… C’est comme
si la figure n’était rien d’autre que cette ombre que notre
regard parvient à conquérir d’une chose… Et alors c’est comme
si le désir ne pouvait faire autrement que de déchirer chaque
fois une proie entièrement immatérielle. C’est de là
probablement que provient sa faim absolument insatiable.
Peut-être ceci est la première chose que la peinture réussit à
représenter… qu’elle doit représenter”.
“Les mots et les choses”
1980
Acrilico su tela
60 x 71 cm
“Les mots et les choses”
1980
Acrylique sur toile
60 x 71 cm
Mario Schifano
(Homs, 1934 - Roma, 1998)
Mario Schifano è certamente il più importante esponente della
Pop Art Italiana, concretizzatasi nella Scuola di Piazza del
Popolo. Artista di grande eclettismo, inventore di soluzioni
estetiche e tecniche di grandissima originalità, spesso fonte
d’ispirazione di celebri artisti americani ed europei a lui
contemporanei.
La collezione della CMB include vari lavori dell’artista ed
appartenenti a differenti periodi della sua vita, tanto da
poterne ripercorrere le tappe salienti.
Tratto Appenninico è un celebre soggetto degli anni ‘60
realizzato in smalto su tela. Rappresenta la risposta decisa
dell’artista all’Informale mediante l’azzeramento della
superificie del quadro sul quale fino ad allora si era riversata
troppa materia. Lo smalto, materiale per eccellenza coprente
e brillante, dà nuova vitalità al quadro stesso ed esalta i
dettagli di un paesaggio all’italiana reinterpretato dall’artista
secondo il suo tempo. La vita quotidiana si velocizza e con essa
la percezione della natura.
Mario Schifano est certainement le plus important représentant
du Pop Art italien, illustré par l’Ecole de la Piazza del Popolo.
Artiste très éclectique, inventeur de solutions esthétiques et
techniques très originales, souvent source d’inspiration
d’artistes américains et européens célèbres de son époque.
La collection de la CMB comprend plusieurs œuvres de l’artiste
de différentes périodes de sa vie, ce qui nous permet d’en
suivre les étapes les plus importantes.
“Tratto appenninico” est un sujet célèbre des années ‘60
réalisé en émail sur toile. Il représente la réponse franche à
l’Informel réinventant la surface du tableau sur laquelle
jusqu’alors trop de matière était appliquée. L’émail, matériau
par excellence couvrant et brillant, donne une nouvelle vitalité
au tableau et exalte les détails d’un paysage italien
réinterprété par l’artiste selon son époque. La vie quotidienne
s’accélère et avec elle la perception de la nature.
“Tratto Appeninico”
1965
Smalto su tela
60 x 60 cm
“Tratto Apenninique”
1965
Email sur toile
60 x 60 cm
Mario Schifano
(Homs, 1934 - Roma, 1998)
“Cielo anemico” prosegue sulle linee del linguaggio piatto dei
mass media appena descritto ed estremizza ulteriormente
l’esigenza d’immediatezza mediante tre colori ed un messaggio
breve che ne definisca i contenuti. Originali per l’epoca le
sagome delle nuvole sovrapposte e gli elementi di segno
geometrico volti a sostenerne l’equilibrio.
“Ciel anémique” aborde à nouveau le langage plat des massmedia à peine décrit et rend absolue l’exigence d’immédiateté
à travers trois couleurs et un message bref qui en définissent
les contenus. Sont originaux pour l’époque les silhouettes des
nuages qui se chevauchent et les éléments géométriques,
destinés à en soutenir l’équilibre.
“Cielo Anemico”
1966
Litografia firmata e datata
80 x 60 cm
“Ciel Anémique”
1966
Lithographie
80 x 60 cm
Mario Schifano
(Homs, 1934 - Roma, 1998)
Negli anni ‘70 Schifano produce la serie dei Paesaggi Tv, in cui
la tecnica della serigrafia introdotta dalla Pop Art americana è
rielaborata in maniera del tutto personale ed unica nella
rappresentazione della realtà, filtrata dallo schermo della
televisione. Siamo in presenza di un lavoro di svolta epocale in
cui per la prima volta in Italia si codifica nell’arte a due
dimensioni e in maniera diretta ed originale il nuovo rapporto
tra individuo,realtà e mezzo mediatico. Il mezzo televisivo
diviene esso stesso quadro, perdendo la terza dimensione ma
imponendo con vigore uno scenario velato ed approssimativo
delle immagini del mondo. Tutto è “tipizzato” ed intuito
velocemente: i colori, i tratti, i movimenti, come in un videowall, ove non sono ammesse sfumature e dettagli.
Durant les années ‘70, Schifano produit la série des Paysages
Tv, dans lesquels la technique de la sérigraphie introduite par
le Pop Art américain est réélaborée de manière tout à fait
personnelle et unique dans la représentation de la réalité,
filtrée par l’écran de télévision. Nous sommes en présence
d’un travail qui changera une époque et dans lequel pour la
première fois se codifie dans l’art à deux dimensions le
nouveau rapport entre individu, réalité et moyen médiatique.
La télévision devient elle-même un tableau, perdant sa
troisième dimension mais imposant avec vigueur un scénario
voilé et approximatif des images du monde. Tout est “typisé”
et perçu rapidement : les couleurs, les traits, les mouvements,
comme dans un vidéo-wall où ne sont admis ni nuances ni
détails.
“Paesaggio TV”
1970
Report photographique sur toile
115 x 145 cm
“Paysage TV”
1970
Report photographique sur toile
115 x 145 cm
Valerio Adami
(Bologna, 1935)
Partito da una pittura espressionista influenzata dall’opera di
Francis Bacon e poi da una pittura astratto - gestuale, Adami si
pose successivamente il problema del recupero della
Figurazione, risolta secondo i moduli della Pop Art americana
ed in particolare di Roy Lichtenstein, sviluppando una sorta di
racconto a fumetti fantastico ed ironico dove in interni
spersonalizzati si dispongono oggetti banali, assunti come
simboli, anche sessuali, della modernità. Lo stile si distingue
nell’uso di una materia cromatica in stesure piatte, lisce e
continue, dentro le nette recinzioni nere del disegno.
La collezione della CMB comprende numerosi lavori dell’artista,
su tela e su carta, dimostrando il proprio attaccamento negli
anni alla sua carriera ed al suo legame con Monaco e la Costa
Azzurra.
Quest’opera del 1964 è un rarissimo esempio della prima
produzione di Adami. In essa convivono da un lato l’influenza
della Pop Art americana, evidente nel colorismo e nel carattere
fumettistico di alcuni dettagli e dall’altro lo stile di Francis
Bacon che usava ribaltare i soggetti nello spazio, alterandone le
forme. L’opera inoltre si colloca come spartiacque tra il primo
Adami e quello noto al grande pubblico, testimoniando il
passaggio storico dell’autore dall’Espressionismo quasi astratto
alla Figurazione Narrativa della maturità.
Partant d’une peinture expressionniste influencée par l’œuvre
de Francis Bacon et ensuite d’une peinture abstraite et
gestuelle, Adami se pose le problème du retour de la
Figuration, résolue selon les modules du Pop Art américain et
en particulier de Roy Lichtenstein. Il développe une sorte
d’histoire en bandes dessinées fantastiques et ironiques où,
dans des intérieurs sans personnalité, sont disposés des objets
banals, choisis comme symboles, même sexuels, de la
modernité. Le style se distingue par l’usage d’une matière
chromatique posée en aplats, lisses et continues, nettement
délimitées par un trait noir.
La CMB a acquis pendant les années de nombreuses œuvres de
l’artiste, sur toile et sur papier, démontrant son attachement
personnel à la carrière d’Adami et au lien de l’artiste avec
Monaco et la Côte d’Azur.
Cette œuvre de 1964 est un très rare exemple de la première
production d’Adami. Y cohabitent d’un côté l’influence du Pop
Art américain, évident dans le colorisme et le caractère très
bandes-dessinées de certains détails, de l’autre, le style de
Francis Bacon qui renversait les sujets dans l’espace, en en
altérant les formes. L’œuvre représente ainsi une vraie
frontière entre le premier Adami et celui connu du grand
public, témoignant du passage historique de l’auteur de
l’Expressionisme presque abstrait à la Figuration Narrative de
la maturité.
“Senza Titolo”
1964
Acrilico su tela
66 x 81 cm
“Sans titre”
1964
Acrylique sur toile
66 x 81 cm
Valerio Adami
(Bologna, 1935)
Nel 1969 anno di esecuzione di quest’opera, il passaggio alla
Nuova Figurazione è compiuto. Adami ha acquisito tutti gli
elementi caratteristici della sua produzione: estrapola oggetti
del quotidiano dal proprio contesto per ricollocarli in ambienti
metafisici, rinforzandone la citazione con una stesura liscia e
piatta del colore. Insiste sui contorni ripassando sulle linee
scure ed annullando le ombre. Il tratto è continuo e preciso,
non v’é presenza umana o umanizzante.
En 1969, année d’exécution de cette œuvre, le passage à la
Nouvelle Figuration est accomplie : Adami a acquis tous les
éléments caractéristiques de sa production. Il extrapole des
objets du quotidien de leur propre contexte pour les placer
dans des lieux métaphysiques, en en renforçant la citation avec
une application lisse et plate de la couleur. Il insiste sur les
contours en repassant sur les lignes noires et en annulant les
ombres. Le trait est continu et précis, sans présence humaine
ou humanisant.
“Interno Coloniale”
1969
Acrilico su tela
81 x 65 cm
“Intérieur colonial”
1969
Acrylique sur toile
81 x 65 cm
Valerio Adami
(Bologna, 1935)
La Cantatrice è un’opera rappresentativa dell’Adami degli anni
‘70, periodo estremamente prolifico in cui l’artista abbandona
gli interni essenziali, introducendo un nuovo linguaggio di figure
“pseudo-umane” e realizza una serie molto nota di ritratti di
personaggi celebri, primo fra tutti James Joyce, rifacendosi ad
elementi della memoria storica collettiva ed al rapporto tra
poesia, pittura e musica molto sentito dai suoi colleghi Tadini,
Del Pezzo, Pomodoro e Dorazio.
Molto forte rimane la costruzione metafisica della tela che si
arricchisce di simboli e richiami all’architettura neo-classica; si
accentuano le campiture di colore a sottolineare la convivenza
nel quadro di momenti storici diversi, stratificazioni della
memoria e del sogno che si compenetrano in un incastro
ragionato, quasi metodico.
La Chanteuse est une œuvre très représentative de l’Adami des
années ‘70, période extrêmement prolifique durant laquelle
l’artiste abandonne les intérieurs essentiels, introduisant un
nouveau langage de figures “pseudo- humaine” et réalise une
série très connue de portraits de célébrités, commençant par
James Joyce, se référant à des éléments de la mémoire
historique collective et au rapport entre poésie, peinture et
musique, sujet, comme on a pu constater, très présent aussi
chez Tadini, Del Pezzo, Pomodoro et Dorazio.
Très forte est la construction métaphysique de l’espace sur la
toile qui s’enrichit des symboles et rappels à l’architecture
néo-classique ; s’accentuent les champs de couleur qui
soulignent la coexistence dans l’œuvre des différents moments
historiques, stratifications de la mémoire et du rêve qui se
compénètrent dans une combinaison raisonnée, presque
méthodique.
“La Cantatrice”
1979
Acrilico su tela
96 x 130 cm
“La Chanteuse”
1979
Acrylique sur toile
96 x 130 cm
Enrico Baj
(Milano, 1924 - Vergiate, 2003)
La collezione CMB possiede numerosi lavori dell’artista, eseguiti
in periodi diversi della sua carriera. Quest’opera meglio delle
altre, racchiude tutte le qualità inventive ed estetiche che
hanno reso famoso il suo lavoro.
Fondatore dei movimenti “Pittura nucleare” e “Bauhaus
immaginista”, collega in molti progetti di Lucio Fontana,
Valerio Adami, André Breton, Marcel Duchamp, Emilio Scanavino
e altri illustri autori, Enrico Baj attinge e s’ispira al Surrealismo
ed al Dadaismo realizzando importanti ed originali opere a
collages fatte di materiali diversi (medaglie, bottoni,
passamanerie mescolati alla pittura). Aderente alla Patafisica,
parodia della teoria e dei metodi della scienza moderna
mediante propositi vicino all’assurdo e al non senso, Baj dà vita
ad una produzione artistica ricca di elementi fantasiosi e
grotteschi.
Sensibile ai problemi sociali e politici, anarchico per scelta,
l’artista realizza negli anni ‘60 numerosi lavori di grande valore
storico ed artistico, rappresentando personaggi simboleggianti
il potere militare in maniera caricaturale e grottesca e di cui
quest’opera è uno straordinario esempio. In essa si ritrovano
evidenti richiami alla pittura di Picabia nella composizione del
viso e del corpo mediante l’assembleaggio di “objets trouvés”
e al Guernica di Picasso, nelle fattezze buffe e sgraziate del
personaggio sul cui naso l’artista ha apposto la medaglia al
valore.
La collection de la CMB inclue de nombreuses pièces d’Enrico
Baj d’époques différentes. Cette œuvre, plus que les autres,
contient toutes les qualités inventives et esthétiques qui ont
rendu son travail fameux.
Fondateur du mouvement “Pittura nucelare” e “Bauhaus
imaginiste”, collègue pour de nombreux projets de Lucio
Fontana, Valerio Adami, André Breton, Marcel Duchamp, Emilio
Scanavino et d’autres illustres auteurs, Enrico Baj récupère et
s’inspire du Surréalisme et du Dadaïsme réalisant des collages
originaux faits de matériaux divers (médailles, boutons et
passementerie mêlés à la peinture). Adhérent à la Patafisica,
parodie de la théorie des méthodes de la science moderne à
travers des propositions proches de l’absurde et du non sens, il
donne vie à une production artistique riche d’éléments
fantaisistes et grotesques.
Sensible aux problèmes sociaux et politiques, anarchiste
par choix, l’artiste réalise pendant les années ‘60 une série de
grande valeur historique, représentant des personnages
symboles du pouvoir militaire de manière caricaturale et
grotesque dont cette œuvre est un exemple extraordinaire. On
y retrouve des rappels évidents à la peinture de Picabia dans la
composition du visage et du corps à travers l’assemblage
d’“objets trouvés” et au Guernica de Picasso, dans les traits
drôles et sans grâce du personnage sur le nez duquel l’artiste a
apposé la médaille de valeur.
“Ultracorpo dal naso decorato”
1960
tecnica mista su tela
69 x 59 cm
cornice oiginale dell’artista
“Ultracorps au nez décoré”
1960
technique mixte sur toile
69 x 59 cm
encadrement originel de l’artiste
“Si ringraziano gli Archivi degli artisti per la collaborazione
ed il consenso gentilmente prestato alla riproduzione delle opere pubblicate“.
“Nos remerciements vont aux Archives des artistes pour leur collaboration
et consentement à la publication des images des œuvres“.
Consulenza Artistica : Stéphane Mascarenhas e Clara Pacifico, Monaco
Fotografie : Daniel Mille, Monaco
Redazione : Clara Pacifico
Traduzione dei testi : Stéphane Mascarenhas
Stampa : GS Communication S.A.M. Monaco
© 2011 Compagnie Monégasque de Banque
Conseillers Artistiques : Stéphane Mascarenhas et Clara Pacifico, Monaco
Photographies : Daniel Mille, Monaco
Rédaction : Clara Pacifico
Traduction des textes : Stéphane Mascarenhas
Impression : GS Communication S.A.M. Monaco
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