Cerindustries SpA
numero 35
settembre 2014
GLI
scenari deputati a meglio rappresen-
Perhaps the settings which best express the
tare la dolce malinconia del passag-
sweet melancholy of the passage of summer to
gio tra l’estate e l’autunno sono forse quelli capaci
autumn are those where the intrinsic metaphysic
di esprimere una metafisica insita nel panorama,
of place is expressed most strongly: like a forest
come una foresta scultorea, una fortezza sospesa
of sculptures, a fortress suspended in the air,
o un paesaggio sottomarino.
or an underwater landscape. This issue of
Ma questo numero di ee conduce a scoprire anche luoghi che esistono ormai solo nella memoria,
simboli di epoche perdute, visitate rievocando sia
i salotti del fu bel mondo sia i momenti topici della
antica civiltà contadina.
Luoghi di una Romagna che non c’è più, di cui rimangono qua e là isolate tracce, abitata da uomini
il cui carattere fu però molto simile a quello che caratterizza i loro posteri. Ostinati, caparbi, ma quasi
ee takes us to these places and others which
only exist in memory, the symbols of vanished
epochs, whether they evoke the salons of the
beau monde or the rituals of peasant society.
Corners of a Romagna that no longer exists
except in isolated traces here and there. And
yet the spirit of the people of Romagna survives
unchanged. Stubborn, headstrong, but generous
sempre generosi, come la terra che calpestano.
too, like the land that reared them. Often
Talvolta capaci, pur provenendo da una cultura
capable, despite their pragmatic backgrounds, of
pragmatica, di creare luminose architetture artisti-
producing luminously artistic works of miniature
che, che uniscono la componente estetica a quella
architecture which combine the aesthetic and
concettuale.
the conceptual. Sometimes even combining
Magari mescolando discipline diverse; ché al ca-
different disciplines; for rules can often feel
rattere romagnolo spesso le regole stanno strette.
restrictive to the Romagnol character.
EDITORIALE
1]
ea r th e lem e nt
so
lu
l
de
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vo sassi
o. i
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l
be
After finishing a work, has an artist
completed his “mission”?
la
e
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zi
o
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mo
T h e artistic consci ence
of I vo S assi
The garden of sculptures
La coscienza artistica
di Ivo Sassi
tommaso attendelli
immagini: archivio ivo sassi
I l G iardino d e lla sc u lt u ra
Dopo aver completato l’opera, un artista ha svolto per intero la propria “missione”?
Forse no. Deve anche preoccuparsi che tale opera sia
messa nelle condizioni ideali per instaurare un dialogo
con l’osservatore. Questa sembra essere la posizione di
Ivo Sassi, a giudicare dal suo ultimo progetto che, in nome
di questo assunto, lo ha portato ad aprire al pubblico addirittura i cancelli della sua dimora privata. Scultore, ceramista e pittore, Ivo Sassi (vedi ee n. 13) ha incantato tutto il
mondo con le sue sculture ceramiche che sommano una
straordinaria cromaticità a formati di dimensioni tali da richiedere una tecnica ineccepibile per essere realizzate.
Dopo oltre mezzo secolo di attività, in questa fase della
sua ricerca, l’artista brisighellese sembra vivere un ritorno
alle proprie radici. Così, nell’immenso parco della sua residenza sita sulle alture collinari di Oriolo dei Fichi (tra Faenza e Brisighella) ha cominciato a disporre alcune delle sue
È lo stesso Sassi a dichiarare come egli abbia assistito
a una fusione poetica tra gli elementi che lo ha spinto a
continuare fino a realizzare quella che è stata definita una
“foresta scultorea”. Circa una trentina di pezzi sono stati
finora disposti, sempre cercando un proficuo equilibrio tra
le caratteristiche delle singole opere e la conformazione
naturale del luogo preciso in cui venivano poste. Quello
che ha preso il nome di Giardino della scultura è ancora un
work in progress e potrà arrivare a contenere oltre 50 opere.
Sarà uno spazio aperto al pubblico senza restrizioni, che
nell’intenzione dell’Artista non dovrà costituire solamente
una mostra permanente, bensì divenire la cornice per
eventi legati all’Arte di qualunque portata e orientamento.
Non una semplice galleria en plain air, dunque. Non un
centro culturale qualsiasi, ma una porzione di territorio in
della sua controparte culturale, nati entrambi dallo stesso humus vitale.
Con la sua arte, in altre parole, Ivo Sassi celebra lo stesso substrato da
cui ha attinto la propria visione artistica, scegliendo di condividerlo con
un terzo elemento fondamentale per far quadrare questa “equazione”
percettiva: le persone. La città di Faenza non ha raccolto passivamente
il “dono” di Ivo Sassi, l’attuale assessore alla Cultura, Massimo Isola,
ha infatti ideato un modo di incrementare il potenziale espresso da tale
opportunità sviluppando un percorso museale a cielo aperto che avrà
per tappe le numerose opere pubbliche faentine realizzate dall’artista
brisighellese e culminerà proprio nel Giardino della scultura. Da un punto
di vista antropologico il progetto di Sassi si potrebbe leggere come il
tentativo di costituire l’esatto opposto di un nonluogo (neologismo
introdotto dal sociologo Marc Augé per definire spazi ove le individualità
si incrociano senza entrare in relazione, come ad esempio aeroporti,
grandi centri commerciali, outlet…), che un giorno rappresenterà anche
opere per testare la risposta dell’ambiente.
cui sia visibile il compenetrarsi dell’elemento naturale e
il suo testamento artistico.
I
Sensi
di
Romagna
Territorio
Maybe not. He also has to think how the work
can best be placed to enter into dialogue with
the observer. This seems to be the position of
Ivo Sassi, to judge by his latest project, which
led him to open the doors of his own home to the
public. A sculptor, ceramist and painter, Ivo Sassi
(see ee 13) is an artist whose enchanting ceramic
sculptures combine extraordinary chromatic
power with shapes and dimensions which require
exceptional technique just to produce them. After
a career spanning half a century, the Brisighellaborn Sassi seems to be returning to his roots.
In the huge garden of his home in the hills of
Oriolo dei Fichi (between Faenza and Brisighella),
Sassi has taken to “exposing” some of his works
to the elements, to see how they respond. This is
the same Ivo Sassi who declared how it was after
witnessing a “poetic fusion of the elements” that
he was driven to produce what one critic has
described as a “forest of sculptures”. Sassi has
placed around thirty works in his garden so far.
In each case he seeks to establish a meaningful
dialogue between the characteristics of each
individual work and the natural setting they
occupy. What’s now known as the “garden of
sculptures” is still a work in progress, and Sassi
plans to install up to 50 works there. The garden
will be open to the public, with no restrictions.
But in the artist’s conception, it will be more than
just a permanent exhibition but rather the setting
for art-related events of all shapes and sizes. Not
just an open-air gallery, then. And not just any
“centre of the arts” either, but a portion of land
where the interpenetration of the natural milieu
and its cultural counterpart is visible, as if it had
sprung from the same vital humus. In other words,
what Ivo Sassi’s sculpture garden celebrates is the
stuff that fed his own artistic vision, articulating
it with a third and no less essential fundamental
element in this “equation” of perception: people.
Ivo Sassi’s gifts have not gone unnoticed by the
city of Faenza, whose local commissioner for
the arts, Massimo Isola, has come up with a way
of augmenting the potential of the sculpture
garden by developing an open-air museum trail
whose “stations” are the many public artworks
produced by the Brisighella-born artist. The trail
reaches its culmination and destination in the
sculpture garden. From the anthropological point
of view, Sassi’s garden can be seen as an attempt
to construct the exact opposite of a non-place
(a neologism coined by the sociologist Marc Augé
to define spaces where people mingle without
establishing rapport, such as airports, malls,
outlet centres etc.). Perhaps one day it will also
symbolize Sassi’s artistic legacy.
5]
Una fortezza
sospesa
S an L e o
A fortr ess s u s pend ed in t h e air
San Leo
According to legend, late
stonecutter by the name
persecution of Christians
the rock of Mons Feltrus
lived as a hermit.
in the 3rd century a humble
of Leo, fleeing from the
in Dalmatia, took refuge on
(Monte Feliciano), where he
The hermit became a saint, and the village which grew in the place he
now called home took his name: San Leo. Today, an imposing fortress
thrusts itself skywards from the highest point of the crag. This fortress
is almost impregnable due to the sheer cliffs which surround it, and
can only be reached from the valley below by a narrow road cut out
of the rock. In its various architectural incarnations over the course of
nearly two millennia, the stronghold has resisted armies of all kinds.
Such is its strategic importance that for two years (962-64) San Leo
was actually the capital of Italy under Berengar II. Over the centuries,
the imposing crag on which the village of San Leo stands has been
important as a spiritual retreat, then as a military stronghold, and now
as a tourist attraction. Its visual impact has remained uncontaminated
by modern infrastructure, and San Leo now flies the Orange Flag
awarded by Italy’s Touring Club to small inland towns distinguished for
the quality of their tourist facilities. And when it comes to receiving
tourists, San Leo can count many illustrious figures among its visitors.
Dante Alighieri stayed here, as Canto IV of his Divine Comedy attests;
so did St Francis of Assisi, who arrived here on 8 May 1213. It happened
that on the day of his arrival a count of Montefeltro was being invested
as a knight in San Leo. Among the guests at the investiture was another
count, Orlando Cattani da Chiusi. Seeing the large crowd in attendance
at the ceremony, Francis delivered an impassioned sermon from the
shade of an elm tree. Orlando was so struck by Francis’ eloquence that
he made a gift of a small and solitary local peak, Monte Verna, to the
holy man. But in San Leo, the odour of sanctity is inextricably bound up
with another, darker odour: that of magic. Giuseppe Balsamo, better
known as the Count of Cagliostro, was imprisoned in the fortress of
San Leo from 1791 until his death on 26 August 1795. Cagliostro was
an enigma, an adventurer and an alchemist famed all over Europe
for his supposed magical powers (see ee 11). Also imprisoned in the
fortress half a century later was the revolutionary Felice Orsini.
For such a small town, San Leo is rich in history. Among its other
architectural attractions are the early Christian church built on the
site of the original memorial chapel erected by San Leo himself (he
was a stonecutter, according to tradition), the Romanesque cathedral,
and the Renaissance fort. The most original, and certainly the most
spectacular, way of enjoying the dizzy heights of San Leo is from a
glider (there is a landing strip in the vicinity) or paraglider (taking off
from Monte Severino). In autumn nights, the mists that rise from the
valley surround the fortress and cut it off from the world below, and
it seems to be perched on clouds.
la città più bella d’italia? san leo: una rocca e due chiese.
umberto eco
[6
Secondo la leggenda, sul finire del III secolo d.C., un umile
tagliapietre di nome Leone, fuggito dalla Dalmazia per sottrarsi alle
persecuzioni contro i cristiani si rifugiò sulla rupe del Mons Feltrus
(Monte Feliciano) per vivere da eremita.
L’eremita divenne Santo e il paese che si sviluppò su quell’altura prese il suo nome: San Leo.
Oggi, sul punto più alto del maestoso sperone di roccia si eleva una poderosa fortezza, che
si staglia contro il cielo. Resa virtualmente inaccessibile dallo strapiombo che la circonda
e collegata alla valle solo da una stretta strada intagliata nella roccia. Il forte, attraverso i
suoi vari rimaneggiamenti architettonici, nell’arco di quasi due millenni ha visto “cozzare” tra
loro eserciti di ogni sorta. La sua importanza strategica viene testimoniata anche dal fatto
che San Leo assunse addirittura per due anni (dal 962 al 964) il titolo di Capitale d’Italia,
assegnato da Berengario II.
luca biancini
immagini: archivio comune di san leo, asgeir pedersen
I
Sensi
di
Romagna
Lungo i secoli, il poderoso masso leontino su cui sorge il
paese gli ha dunque conferito prima un valore spirituale,
poi militare ed oggi turistico. Il suo impatto panoramico,
non contaminato da infrastrutture moderne, ha permesso
infatti a San Leo di guadagnarsi la Bandiera Arancione
(marchio di qualità turistico-ambientale conferito dal
Touring Club Italiano ai piccoli comuni dell’entroterra che si
distinguono per un’offerta di eccellenza e un’accoglienza
di qualità). Sul fronte dell’accoglienza, il paese può anche
vantare trascorsi illustri. Ospitò Dante Alighieri, come si
può leggere nel Canto IV della Divina Commedi a, e San
Francesco d’Assisi. Quest’ultimo giunse qui casualmente
l’8 Maggio 1213 mentre si teneva l’investitura a cavaliere
di un conte di Montefeltro alla quale era presente fra
gli altri anche il conte Orlando Cattani da Chiusi. Vista
la numerosa folla, Francesco tenne un’appassionata
predica all’ombra di un olmo. Il conte Orlando rimase
così colpito dalla sua eloquenza che gli donò un picco
solitario della zona, conosciuto col nome di Monte Verna.
Ma a San Leo, l’”odor” di santità si mescola all’”aroma”
della magia. Nelle carceri della sua fortezza fu infatti
rinchiuso, dal 1791 fino alla morte avvenuta il 26 Agosto
1795, Giuseppe Balsamo, noto come Alessandro conte
di Cagliostro: enigmatico avventuriero ed alchimista
famoso in tutta Europa per i suoi presunti poteri esoterici
(vedi ee n. 11). Tra le stesse mura languì mezzo secolo
dopo l’attivista Felice Orsini. Molte sono dunque le
suggestioni concentrate in questo borgo raccolto intorno
alla Pieve preromanica sorta sull’originario sacrario
edificato dallo stesso Leone (che la tradizione vuole abile
tagliatore di pietre), con il suo Duomo romanico e il suo
forte rinascimentale. Il modo più originale e spettacolare
per abbracciare questo panorama è certamente quello
di osservarlo da un aliante (sfruttando la locale aviosuperficie per il volo a vela) o in parapendio (decollando
dal Monte Severino). Nelle notti autunnali, poi, le nebbie
che si levano dalla valle circondano la fortezza, che pare
arroccata sulle nuvole.
Territorio
7]
franco de pisis
immagini: archivio franco de pisis
T h e K u rsaal
Lost emblem of Rimini’s belle époque
At the turn of the nineteenth and twentieth centuries Rimini’s Kursaal was the hub around which the life of the
city’s high society revolved. A lavishly appointed neoclassical palazzo, it was almost 80 metres long, overlooking
the city on one side and the sea on the other.
Il fu Kursaal
[8
Its majesty began even before guests reached the reception desk – which was on the first floor, two metres above ground level, and could only
be reached via a grand staircase. Inaugurated in 1873, the Kursaal was not the sedate establishment its name might suggest (it means “cure
hall” in German) but the setting of choice for lively receptions, balls and gala evenings. The grand lobby of the Kursaal covered almost 200
square metres. To the left were a café and restaurant, while the ballroom and rooms for gaming, reading and conversation lay to the right. On
the side of the building which faced the sea, a series of descending terraces offered spectacular views of the coastline. In the upper rooms of
the hotel there was even a tabarin, where exotic music and muted lighting set the scene for some quite different – but equally natural – views.
An aura of legend often shrouded the balls that took place within the walls of the Kursaal, some of which have gone down in history, such
as the 1906 cotillon that was attended by such luminaries as Elena Bianchini Cappelli, Filippo Tommaso Marinetti, Ermete Novelli and Olga
Giannini. On Assumption Day of 1936, the Kursaal hosted Italy’s very first festival of song, and when the festival returned the following year
it was a runaway success, attracting 5000 spectators to the gardens of the hotel. The event later changed venue, to become known as the
Sanremo festival. For decades, the Kursaal was a monument to pleasure, whose benefits were proclaimed by Paolo Mantegazza, himself a
patron of the Riviera, and an example of what resort tourism could be for every other coastal resort in Italy. Miraculously, the Kursaal survived
the bombardments of the Second World War. But by the time the war ended, the hotel had come to symbolize the excesses of a regime which
had brought the country to the brink of (self-) destruction. And so, while the first postwar municipal council hummed and hawed on the fate
awaiting it, groups of unemployed looters moved in with pickaxes, stripping the hotel for building materials. Its final demolition began on 13
March 1948. It was the disappearance of one of Rimini’s architectural jewels. But other priorities reigned at the time, and the money required
for restoring the Kursaal was better employed in providing homes – of a far more modest nature – to so many of those who had lost theirs during
the war. Although it is no longer standing, the Kursaal lives on in the collective memory of the people of Rimini, and thanks also to the work of
scholars and enthusiasts (like Alessandro Catrani, Ferruccio Farina, Manlio Masini and the volunteers of the Rimini Sparita association, to name
just a few) who collect and disseminate news, photos and documents relating to what was incontestably the first temple dedicated to pleasure
in a place where pleasure reigns.
L’ e mbl e ma p e rd u to d e lla b e ll e é p oq u e rimin e s e
A cavallo tra Ottocento e Novecento, il simbolo della vita mondana d’élite riminese era
un fastoso palazzo in stile neoclassico, che con i suoi quasi 80 metri di lunghezza
guardava da un lato la città e dall’altro il mare.
Per descriverne la maestosità, basti dire che gli avventori accedevano direttamente al piano nobile, che si trovava a
due metri d’altezza, salendo su un’elegante scalinata. Inaugurato nel 1873, il Kursaal, a dispetto del significato letterale del suo nome, che in tedesco significa sala di cura, fu la cornice di ricevimenti, balli e serate di gala. Varcata la
sua soglia ci si trovava al cospetto di un grandioso atrio di quasi 200 metri quadrati. A sinistra si trovavano il caffè e il
ristorante, mentre a destra si accedeva alle sale da gioco, da lettura, da conversazione e al salone da ballo. Sul fronte
mare, le terrazze “babilonesi” offrivano un meraviglioso colpo d’occhio sul panorama costiero, mentre nelle sale superiori era stato allestito addirittura un tabarin, che tra musiche esotiche e luci soffuse, presentava ben altri “panorami”
benché pur sempre naturali. Un alone di leggenda circondava spesso le serate danzanti che si tenevano fra le mura
del Kursaal, eventi che risultavano talvolta memorabili, come il cotillon del 1906 che vide la presenza di Elena Bianchini
Cappelli, Filippo Tommaso Marinetti, Ermete Novelli e Olga Giannini. Nel ferragosto del 1936, vi si tenne anche il primo
festival della canzone italiana, che già l’anno successivo incontrò un clamoroso successo richiamando oltre 5000
persone nel parco del Kursaal e sarebbe poi divenuto, una volta cambiata location, il Festival di Sanremo. Questo
monumento al loisir vacanziero fortemente voluto dal patrono della riviera romagnola, Paolo Mantegazza, rappresentò
a lungo per tutte le rinomate località costiere d’Italia un esempio di ciò che il turismo balneare poteva diventare. Nel secondo dopoguerra, però, risparmiato miracolosamente dai bombardamenti, il Kursaal simboleggiò anche gli eccessi
di un regime che aveva portato il Paese a sfiorare la propria autodistruzione. Così, mentre la prima amministrazione
comunale del post-Liberazione dibatteva sulla sua sorte, alcuni gruppi di disoccupati iniziarono a picconare il Kursaal
per recuperare materiale edilizio e il 13 marzo 1948 fu dato ufficialmente inizio al definitivo smantellamento. Sparì così
un incalcolabile patrimonio architettonico riminese, pur se va considerato che con il denaro necessario al suo restauro
fu invece possibile dare una casa, ben più modesta, a molti di coloro che avevano perso la propria durante la guerra.
I
Sensi
di
Romagna
la gente gode di più il divertimento quando sa che tante altre persone sono rimaste escluse dal divertimento.
russell baker
Benché non sia più in piedi, però, il Kursaal è ancora ben vivo nella memoria collettiva riminese, grazie anche all’impegno di studiosi e appassionati (come Alessandro Catrani, Ferruccio Farina, Manlio Masini e i volontari dell’Associazione culturale Rimini Sparita, per citarne alcuni) che conservano e divulgano notizie, foto e documenti di quello che fu
certamente il primo “tempio” consacrato al divertimento della tuttora gaudente riviera romagnola.
Storia
9]
italo graziani – testo raccolto da alessandro antonelli
Ox blankets
Colourful, practical and propitious
immagini: archivio vanda budini
Coperte da buoi
Beside the famous caveja, another emblem of the
peasant tradition of Romagna is the ox blanket.
These blankets are relatively unknown nowadays, although the
traditional decorative motifs, printed from carved wooden dies,
which formerly adorned them are frequently found on dishtowels
and cushions. Ox-drawn machinery is a rarity nowadays too, after all.
But for a long time the ox was one of mankind’s strongest and most
faithful servants. Before the impetuous winds of human innovation
swept it and much else away, this docile draught animal – a castrated
bull, to be precise – was for thousands of years a daily feature of rural
life. It shared in the joys and pains of its owner, and was a source of
pride for him. The historical records tell us little about the practice
of covering oxen’s backs with decorated blankets.
We do know that it’s a very old custom, however. Medieval
iconography often features a carroccio, the cart that was the symbol
and standard-holder of its city, drawn by oxen protected by decorated
blankets. These blankets were basically toned-down versions of the
caparisons worn by medieval warhorses. Oral tradition records the
practical convenience of these blankets in peasant life. When their
beasts stood at rest after a long journey, for example, or when they
were waiting to offload their produce from their carts. The blankets
used on an everyday basis, with their wearers sweating under the
yoke, were not richly decorated. They were usually simple mantles
of embroidered fabric.
A ntic h i manti dalla f u n z ion e p ratica ,
b e na u g u ral e e d e st e tica
Una delle “bandiere” della civiltà contadina, oltre alla famosa caveja, può essere
certamente considerata la coperta da buoi.
[10
Oggi è relativamente poco conosciuta perché i motivi
decorativi tradizionali, stampati a ruggine con matrici di
legno, che ornavano questi paramenti si ritrovano attualmente per lo più su tovaglie e cuscini. C’è stato un tempo però in cui i fedeli e straordinari compagni dell’uomo
che lavorava la terra erano i buoi. Prima che l’impetuoso
“vento” diretto dall’intelligenza dell’uomo la cancellasse,
per alcune migliaia di anni questi mansueti animali (in
pratica tori castrati) furono una presenza quotidiana nella vita rurale. Dividevano infatti le gioie e i dolori dei loro
padroni, per i quali erano motivo d’orgoglio. Non esiste
una documentazione che permetta di risalire alle esatte
origini dell’uso di coprire il dorso dei buoi con le coperte.
Sappiamo però che è eccezionalmente antico. In alcune iconografie medioevali ritroviamo infatti il Carroccio
(simbolo delle città comunali) tirato dai buoi protetti da
coperte decorate. Si tratterebbe dunque di una versione
povera della gualdrappa con cui venivano vestiti i cavalli
da guerra. La tradizione orale testimonia la loro importanza pratica quando nell’epoca della civiltà contadina
le bestie si trovavano a sostare all’addiaccio dopo un
lungo tragitto. Come nel frangente in cui il contadino, che
conferiva i suoi prodotti, doveva attendere il proprio turno per scaricarli. Le coperte usate quotidianamente per
proteggere le bestie sudate al giogo non erano però ricI
Sensi
camente decorate. Si trattava per lo più di semplici manti
di tela spinata a rigatino. Le uniche di tale tipo giunte
ai giorni nostri mostrano larghe righe (6/8 centimetri)
bianche e blu. Il colore blu veniva in questo caso ottenuto dal guado: una pianta tintoria molto presente nelle terre marginali. Lo stesso tipo di copertura era usato
dal bovaro durante la stagione fredda. I buoi più grassi
venivano generalmente macellati a Pasqua, dopo una
sfilata pubblica. In occasioni come questa, così come
alle fiere, le corna delle bestie venivano adornate di fiocchi e sulle loro larghe groppe si poneva una coperta da
parata. I tessuti con cui erano confezionate non differivano di molto da quelli delle coperte da lavoro, anche
questi erano infatti realizzati dalle donne di casa nei telai
domestici. Si distinguevano però le istoriazioni stampate
a ruggine che le adornavano. Queste spaziavano dai
motivi geometrici e floreali, ai fiocchi cardinalizi, alle scene di caccia. Un posto di rilievo era riservato alle raffigurazioni religiose, prima tra tutte quella di Sant’Antonio
Abate. Oltre a difendere i bovini dal freddo, alle coperte
veniva infatti attribuita anche una funzione talismanica.
Ora, guardando gli stessi motivi decorativi che campeggiano sulla biancheria da cucina tipica romagnola,
resta il nesso della qualità artigianale autentica, che va
difesa dall’avvilente diluizione delle imitazioni industriali.
di
Romagna
The only specimens of this type that have survived to the present
day have broad (6-8 cm) blue and white stripes. The blue pigment
was obtained from woad, a dye-yielding plant commonly found on
edgelands. The same type of blanket was worn by ox drivers during
the winter months. Fatter oxen were generally slaughtered at Easter,
after a public parade. On occasions like this, just like at the market,
the horns of the oxen were festooned with ribbons and a festive
blanket draped over their broad shoulders. The fabric of these
“special occasion” blankets did not greatly differ from the fabric of
their workaday equivalents, and both varieties were produced by
peasant women on domestic looms. What made the festive blankets
different were the woodblock-printed illustrations that decorated
them. These could range from geometric and floral motifs to garlands
and hunting scenes. Many blankets gave pride of place to religious
figures, especially Anthony the Great. Besides protecting the beasts
from the cold, the blankets also had a talismanic function. Now that
the oxen have gone, the decorative motifs of their blankets live on
in the traditional table linen of Romagna – the traditional, handmade
kind, that is, not the cheap industrial imitations.
paiono gualdrappe da giostra o da torneo e non sono in fondo
che coltri a difesa del freddo.
ruvide lenzuola di tela spina su cui sono stati impressi
disegni a color ruggine.
aldo spallicci
Storia
11]
paolo martini
immagini: archivio franco de pisis
A Romagnol rebel
The subversive calling of Felice Orsini
“Orsini bombs/Daggers in hands/Death to the
Austrian sovereign/We want liberty/Death to
Franz, viva Oberdan”.
Un ribelle romagnolo
le passioni si manifestano in tutta la loro nudità;
e col lungo contatto non v’è corteccia che tenga,
non raffinata ipocrisia che possa durare;
il cuore vedesi qual è:
e grande scuola per conoscere gli uomini sono le prigioni.
felice orsini
L a carica e v e rsi v a di F e lic e O rsini
[12
“Le bombe all’Orsini / pugnale alla mano / A morte l’austriaco sovrano
/ E noi vogliamo la libertà. Morte a Franz, Viva Oberdan”.
Queste le parole che echeggiavano nelle università italiane durante le manifestazioni
interventiste del 1914. Per raccontare questa piccola storia ci basta la prima strofa, chi era
questo Orsini e perché inneggiare alle sue bombe? Orso Teobaldo Felice Orsini nasce
in un piccolo paese sulle colline romagnole nel 1819, poco più di un villaggio cui però la
storia risorgimentale italiana deve molto: Meldola, questo il nome della cittadina, ha dato
i natali, oltre che ad Orsini, a Pietro Maroncelli e ad Aurelio Saffi.
I
Sensi
di
Romagna
These were the chants that echoed in the halls of the Italian
universities during the interventionist demonstrations of 1914. But
who was this Orsini, and why sing the praises of his bombs?
Orso Teobaldo Felice Orsini was born in a small hill town in Romagna
in 1819. Although little bigger than a village, Meldola punches well
above its weight in the history of the Italian Risorgimento, for it is
the birthplace not only of Orsini but of the patriots Pietro Maroncelli
and Aurelio Saffi. Orsini quickly showed himself to be a man whose
temperament was a volatile blend of idealism and violence, and it
was these qualities that drove him to become a revolutionary by
profession – and a man capable of unprecedented acts of violence.
Aged just 13, he was arrested while attempting to enrol in the French
army. In 1836 he was found guilty of the murder of his family cook. After
spending six months in jail, he was released after promising a family
friend, Cardinal Mastai-Ferretti, that he would enter the Jesuit order. A
few months later he was in Imola, where his uncle, Orso, persuaded him
to resume his studies. Sure enough, Orsini graduated in jurisprudence.
But his revolutionary ardour still burned unabated, and in 1844 he
founded a secret society, the Congiura Italiana dei Figli della Morte. He
was soon arrested as a conspirator and sentenced to life imprisonment.
Two years later he was a free man again, thanks again to the
intercession of Mastai-Ferretti, who in the meantime had been
elected pope, taking the name of Pius IX. It was at this point that
Orsini became a full-time revolutionary. He fought in the first War
of Italian Independence, and supported his friend Aurelio Saffi in the
proclamation of the Roman Republic. Orsini travelled Italy from end
to end, by now a famous figure with a reputation that shaded into
legend. But the Austrians feared him, and hunted him. They finally
managed to capture him and imprisoned him in the impregnable
castle of Mantua. This time he spent a year in prison, before making
a daring and dramatic escape. Orsini now went into exile, spending
time in London and then Paris. He published books on his adventures,
and gradually became estranged from his fellow patriot Mazzini.
The better to follow his own destiny. On the evening of 14 January
1858, Orsini and other co-conspirators hurled three bombs at the
procession of Napoleon III, who in Orsini’s view had betrayed the cause
of the Roman Republic and the ideals of the carbonari. It was carnage:
12 dead and 156 maimed. The Emperor himself was unscathed, and
the conspirators were rounded up in the course of the night. Orsini
went to the guillotine on 13 March 1858. Before his execution, he
wrote a long letter to the Emperor, explaining the reasons for his acts.
So forcefully did Orsini argue his corner that Napoleon III allowed the
letter to be published. Its effect on public opinion was so great that
Cavour saw the opportunity to increase political pressure on France.
Orsini’s bombs were made of cast iron and loaded with nails and bolts.
The explosive charge was mercury fulminate. They are considered to
be the first hand bombs in history.
Il Nostro impiega molto poco per mostrare al mondo un’indole, sospesa fra ideali e violenza, che lo porterà a diventare un rivoluzionario di professione e uomo capace di violenze
inaudite. A 13 anni viene arrestato mentre tenta di arruolarsi nelle truppe francesi. Nel 1836
viene condannato per l’uccisione del cuoco di famiglia. Passa sei mesi in galera, ne esce
solo grazie alla promessa di entrare nella Compagnia del Gesù fatta a un amico di famiglia,
il cardinale Mastai Ferretti. Pochi mesi e lo ritroviamo a Imola, dove lo zio Orso lo convince
a riprendere gli studi. Riuscirà a laurearsi in Giurisprudenza. Ma l’ardore non si placa, nel
1844 fonda una nuova società segreta, la Congiura Italiana dei Figli della Morte. Arrestato, per lui è carcere a vita. È libero due anni dopo, grazie al cardinale amico di famiglia:
è diventato papa con il nome di Pio IX e lo grazia. A questo punto diventa rivoluzionario
a tempo pieno. Partecipa alla prima guerra di indipendenza, con l’amico Saffi fa parte
della Repubblica Romana. Gira l’Italia da cima a fondo, la sua fama ormai sconfina nella
leggenda. Gli austriaci lo temono e lo braccano. Riescono ad arrestarlo e a rinchiuderlo nell’inespugnabile castello di Mantova. Tempo un anno, e Orsini riesce a fuggire con
un’evasione rocambolesca. Va in esilio, prima Londra, poi Parigi. Pubblica libri sulle sue
avventure e, lentamente, si sgancia da Mazzini. Per andare incontro al suo destino. La sera
del 14 gennaio 1858, assieme ad altri congiurati, lancia tre bombe all’Orsini contro il corteo
dell’Imperatore Napoleone III, l’uomo colpevole di aver affossato la Repubblica Romana e
di aver abiurato gli ideali carbonari. È una strage: 12 morti e 156 feriti. L’Imperatore illeso, gli
attentatori arrestati nel corso della notte. Orsini viene ghigliottinato il 13 marzo 1858. Prima
dell’esecuzione scrive una lunga lettera all’Imperatore spiegando le ragioni del suo gesto.
Tale la forza delle argomentazioni che Napoleone III acconsente alla pubblicazione. L’effetto sull’opinione pubblica è così forte da permettere a Cavour di aumentare la sua pressione
politica sulla Francia. Le bombe all’Orsini, fatte in ghisa, caricate con fulminato di mercurio
e riempite di chiodi e bulloni, sono considerate le prime bombe a mano della storia.
Storia
13]
La collezione Mauro Pascoli
M e cca romagnola
d e lla V e s p a
[14
The Mauro Pascoli collection
Romagna’s Vespa Mecca
Mauro Pascoli was running a Piaggio dealership in Ravenna when one day it occurred to him that he preferred the old Vespas his
clients left with him to the new ones he was selling them.
It was the start of what is now one of the world’s biggest collections dedicated to that miracle of two-wheeled design, the Vespa. It’s now 60
years since the Vespa, the small scooter first sketched into life by the aeronautics engineer Corradino D’Ascanio, came to embody the finest
in Made in Italy excellence. Today, the Vespa has clubs dedicated to it and legions of followers all over the world. As Pascoli’s collection
grew, it soon became too important to remain under lock and key. So Pascoli, his wife Loretta and their son Raffaele founded an association,
La Bella in Mostra, with the objective of opening the collection to the public. Today, the museum which houses Pascoli’s collection extends
over 500 square metres of exhibition space on two levels, and contains over 150 exhibits, with models such as the Ape, Moscone and the
Piaggio moped alongside the Vespas. The exhibition trajectory takes us from the early 1946 models to the present day, tracing the history
of a humble means of transport that began as a cheap and practical alternative to the economy car and ended up first as the symbol of
Italy’s economic resurgence, then as a fashion item, and finally as a design icon. Many hard-to-find models are on display in the Pascoli
collection, like the 98 (the first Vespa model produced by Piaggio in 1946, with a rigid frame and no prop stand), the 125 U (an economic
version designed to compete with the Lambretta) and the 90 Super Sprint (with a smaller fairing, tapering towards the top to reduce drag,
a narrow drop handlebar and a small luggage compartment between the saddle and the steering column, complete with a chest-cushion),
which was used for racing. The Pascoli collection spans the entire existence of the Vespa, and many more recent models are also on show,
such as the 250 GT 60 (produced in 2006 in a limited edition of 999 specimens, to mark Vespa’s 60th birthday). But the exhibit that really
catches the attention of enthusiasts and the merely curious alike is the TAP, a military model produced in France in 1956 and designed for
use by the Foreign Legion in Algeria and Indochina. Besides a series of modifications that would raise the eyebrows of many an expert, the
huge, longitudinally mounted 75 mm cannon that pokes through the armoured fairing is enough to stop anyone in their tracks. An assault
Vespa! And although it looks like something out of a cartoon strip, it was actually designed to be parachuted into action. But one of the
museum’s biggest attractions is the section dedicated to the Vespa’s poor relation, the bee to the Vespa’s wasp: the Ape. Among the prize
exhibits in this section are the Calessino 125 Giardinetta, which was principally used as a taxi in Capri, Ischia and Riccione in the 1950s and
60s. Its back seat had enough room to carry two passengers in comfort. This model is of high historical significance, for due to its similarity
with the rickshaw it became a best-selling means of public transport throughout southeast Asia, where it is still widely in use with the name
of tuk-tuk. It’s especially ubiquitous in India, where the Vespa and the Ape are now produced under licence.
bernardo moitessieri
immagini: archivio cambiamenti.net
ha la vita stretta; sembra una vespa! enrico piaggio (visionando il prototipo della 98 mp6).
Un bel giorno di tanti anni fa, il signor Mauro Pascoli, titolare del
concessionario Piaggio di Ravenna si è reso conto di preferire le vecchie
Vespe che ritirava dai clienti rispetto a quelle nuove che gli vendeva.
Da questa presa di coscienza è nato il nucleo di quella che oggi è una delle collezioni più importanti al mondo dedicata
a quel mirabile pezzo di design su due ruote che è la Vespa. A 60 anni dalla sua nascita, infatti, il piccolo scooter nato
dalla matita dell’ingegnere aereonautico Corradino D’Ascanio è universalmente conosciuto come simbolo del miglior
Made in Italy e può vantare club dedicati oltre a schiere di fedelissimi appassionati in tutto il mondo. Quando la Collezione
è diventata troppo importante per restare chiusa dietro ad un portone, Mauro, la moglie Loretta e successivamente il
figlio Raffaele hanno dunque dato vita all’Associazione culturale La Bella in Mostra, con l’obiettivo di rendere fruibile
al grande pubblico la Collezione. Oggi il museo che contiene le Vespe del signor Pascoli si estende su oltre 500 metri
quadrati di area espositiva distribuita su due piani e contiene più di 150 veicoli tra Vespa, Ape, Moscone e ciclomotori
Piaggio. Il percorso espositivo si snoda dai
primi modelli del 1946 fino a quelli dei giorni
nostri, tracciando idealmente la storia di
questo piccolo grande mezzo di locomozione
nato come alternativa pratica ed economica
alle utilitarie a quattro ruote e divenuto simbolo
della rinascita economica, prima, moda, poi,
e infine fenomeno di costume. Si possono
ammirare pezzi iconici introvabili, come la
98 (primo modello di Vespa prodotto dalla
Piaggio nel 1946, dotato di telaio rigido e privo
di cavalletto), la 125 U (versione economica
sviluppata per fare concorrenza alla Lambretta)
o la 90 Super Sprint (con scudo frontale ridotto
I
Sensi
di
Romagna
e rastremato verso l’alto per ridurre la resistenza aerodinamica, manubrio stretto ed abbassato nonché bauletto
portaoggetti sistemato fra sella e sterzo dotato di cuscino poggia-petto) che veniva impiegata per le competizioni su
pista. Non mancano pregiati esemplari moderni come la 250 GT 60 (prodotta nel 2006 in una serie limitata di 999
esemplari per celebrare il 60° anniversario della nascita della Vespa), poiché la collezione copre l’intero arco di vita del
celebre scooter italiano. Il pezzo che più di tutti catalizza l’attenzione degli appassionati, ma anche dei semplici curiosi,
è la Vespa TAP, un modello militare prodotto in Francia nel 1956 per essere utilizzato dalla Legione straniera in Algeria
e in Indocina. A parte una serie di modifiche che occhi esperti giudicherebbero già radicali, chiunque resta di stucco
osservando il suo gigantesco cannone da 75 millimetri alloggiato longitudinalmente, che esce dallo scudo anteriore
rinforzato. Una Vespa d’assalto, dunque, che veniva paracadutata sul teatro di guerra e pare uscita dalla fantasia di
un fumettista surreale. Immancabile la sezione dedicata alla “cugina” della Vespa deputata ai lavori di fatica: l’Ape.
Qui spicca la Calessino 125 modello Giardinetta che venne usata soprattutto come taxi nelle località marittime più
rinomate degli anni Cinquanta e Sessanta quali Capri, Ischia e Riccione. Il suo sedile posteriore offre un comodo spazio
per due persone. Questo mezzo possiede anche un altissimo valore storico perché grazie alla sua somiglianza con
il risciò divenne un best-seller in tutto il sud-est asiatico come mezzo di trasporto pubblico, dove è tuttora diffusissimo
con il nome di tuk-tuk. In particolare è largamente utilizzato in India, ove la Vespa e l’Ape vengono attualmente costruite
su licenza. Esiste infatti la categoria delle Vespe straniere, prodotte su licenza francese, inglese, tedesca, russa… e
degnamente rappresentate nel Museo, che dedica loro un’apposita area. La Collezione dà spazio anche a vere e
proprie stravaganze, come il mini-trattore Piaggio, la Vespa 400 (che a dispetto del nome è una minicar) e addirittura
un paio di fuoribordo marini Piaggio.
Passioni
15]
la vespa? è l’idea più innovativa che l’italia abbia mai avuto dopo l’invenzione della biga della roma antica.
estratto da un editoriale apparso sul the times
[16
For Italy isn’t the only country where Vespas are made. They’re also
produced under licence in countries such as France, the UK, Germany
and Russia – and the museum dedicates a special area to these “foreign”
Vespas. Pascoli’s collection also makes room for some curiosities, such
as the Piaggio mini-tractor, the Vespa 400 (which despite the name is a
car, admittedly a very small one) and even a couple of Piaggio outboard
motors. The museum is completed by a section dedicated to toys and
memorabilia, another which showcases the Vespa in cinema, and another
which documents the Vespa movement worldwide. The first of these
sections includes over 300 toy Vespas, 30 of them self-propelled (by pedal
or battery), and an endless variety of original accessories from 1946 to the
present day. The second features a collection of posters of all the films in
which the Vespa features strongly. First among these is Roman Holiday from
1951, the film that launched not only the Vespa 125 but Audrey Hepburn
too. In the third section, there are over 1000 commemorative plaques from
meetings of Vespa enthusiasts, 300 cups and trophies from races and trials,
and testimonies from the many Vespa Clubs in Italy and all over the world.
Then there’s the memorabilia: books, magazines, postcards, calendars,
posters and so on. Mauro Pascoli has also assembled an impressive body
of technical documentation on all kinds of Piaggio vehicles, with over 200
catalogues, original spare parts and service station manuals, some 200
rider’s and maintenance booklets, and a vast accumulation of news articles
and diverse published matter. Pascoli’s collection is remarkably complete,
but it should not be described as a closed collection. Thanks not only to
continuous donations of material by Vespa enthusiasts (including the Italian
Vespa Raid champion, Franco Ortolani) who actively assist Mauro Pascoli
in his mission of preserving the heritage of the Vespa for the benefit of
the general public, but also to Pascoli himself, who continues to purchase
and restore specimens of historic value. His museum stands next door to
his business venture, a spare parts and accessories shop (Piaggio, should
anyone wonder) that’s just like the gift shops we find in modern museums
everywhere. It’s located on via Faentina, a little outside Ravenna, and it’s
become Romagna’s own Vespa Mecca, the tribute to one man’s passion that
became a collective heritage.
Completano il corpus museale una sezione dedicata ai giocattoli e memorabilia, una intitolata alla Vespa nel Cinema
ed una al movimento vespistico nel mondo. La prima include più di 300 modellini, di cui 30 semoventi (a pedali o
elettrici) e un’infinita varietà di accessori originali dal 1946 ad oggi. La seconda raggruppa le locandine dei film in cui
la Vespa compare in primo piano, su tutti Vacanze romane, che lanciò sia Audrey Hepburn che la Vespa 125 del 1951.
La terza presenta in bella mostra più di 1000 placche di partecipazione a raduni, 300 trofei e coppe assegnate in gare
di regolarità e giri turistici nonché testimonianze provenienti da molti dei Vespa Club disseminati in Italia e nel mondo.
Oltre a libri, riviste, cartoline, calendari, manifesti… Mauro ha raggruppato una ricca documentazione tecnica cartacea
legata alle creature Piaggio, composta da oltre 200 Cataloghi, parti di ricambio e Manuali di stazione di servizio,
circa 200 libretti Uso e Manutenzione e una vasta quantità di notiziari e pubblicazioni. Nonostante l’altissimo livello di
completezza raggiunto, non si può parlare di una collezione chiusa. Sia grazie alle continue donazioni di materiali da
parte di molti appassionati vespisti (tra cui anche il campione italiano di Vespa Raid Franco Ortolani), che partecipano
in questo modo attivamente alla missione di Mauro Pascoli salvaguardando e rendendo visibili al pubblico i loro
ricordi legati al mondo vespistico, sia perché egli continua a selezionare e restaurare i pezzi di valore storico. Il Museo
è infatti attiguo alla sua attività di rivendita ricambi e accessori, Piaggio manco a dirlo, quasi che questa fosse il bookshop che si trova abitualmente nei musei. Così, sulla via Faentina, appena fuori Ravenna, ha preso forma una vera
e propria mecca romagnola della Vespa che da tributo alla passione di un uomo è divenuta patrimonio collettivo.
I
Sensi
di
Romagna
Passioni
17]
manlio rastoni
immagini: archivio ducati
Il “Dottor T”
della Ducati
credere nel proprio pensiero, credere che ciò che è vero per voi, personalmente per voi, sia anche vero per tutti gli uomini,
ecco, è questo il genio. date voce alla convinzione latente in voi, ed essa prenderà significato universale.
ralph waldo emerson
Ducati’s “Doctor T”
Fabio Taglioni
If Ducati is a name that sets pulses racing among motorcycle enthusiasts
all over the world, it’s due to an exceptionally subtle combination of
technology and design.
Se il glorioso marchio Ducati riesce ad impennare il battito cardiaco
di milioni di motociclisti in tutto il mondo, lo deve certamente ad un
riuscitissimo mix di tecnologia e design.
The originality of the Ducati’s design makes its trademark rumble (with the distinctive
counterpoint screech provided by the dry friction discs) impossible to imitate. And the power
it delivers to the back wheel is enough to test even the best of tires. Behind it all was an
engineer, Fabio Taglioni, now seen as a father figure by Ducati fans everywhere. Born in the
village of Santa Maria in Fabriago near Lugo, Taglioni joined Ducati as a design engineer in 1954,
bringing a Romagnol touch to a firm that was and remains proudly Emilian. The 100 cc singlecylinder engine he designed as his first project enabled the Ducati Gran Sport to win the most
important races of the period. Taglioni also designed the Ducati 750 GT, the first two-cylinder
Ducati to have the L-twin design that has remained the distinctive feature of the Borgo Panigale
firm’s motorcycles. His too was the solution for incorporating the desmodromic valve system
on standard models. And the trellis chassis, and the bevel gear and belt drive system. In other
words, Fabio Taglioni devised and engineered nearly all of the innovations that contemporary
Ducati motorcycles have inherited. When Taglioni arrived at Ducati, the firm was producing
small motor scooters. By the time he retired, Ducati was a world-famous name known for the
excellence of its racing bikes. It could even be argued that Ducati would not even exist today
if it wasn’t for Fabio Taglioni. When he joined the firm in 1954, Ducati’s managing director
explained that he only had enough money to pay the firm’s workers four weeks’ wages. He
pleaded with Taglioni to design a motor capable of winning the Giro d’Italia, for defeat would
mean Ducati would have to close down. Taglioni designed the engine in 6 months, without ever
receiving a proper wage in the meantime. But in addition to their excellence of design and
construction, his motorcycles have another, more elusive characteristic. They have charisma.
Taglioni was eclectic in his genius: in a career spanning almost half a century he designed
all kinds of engines, from small single-cylinder two-strokes to powerful two-cylinder racing
engines. Taglioni manifested his bond with his place of origin by adopting the emblem of
Francesco Baracca, a pioneer of Italian aviation and a native of Lugo (see ee 3), as his own. The
same prancing horse symbol that was also more famously borrowed by Enzo Ferrari embellished
the racing bikes designed by “Doctor T” (as Taglioni was affectionately known at Ducati) from
1956 to 1961. Taglioni’s final creation was the 750 F1, which came out in 1985. A minimalist
masterpiece that was well ahead of its time. And a fitting swansong for a man who designed
engines not only as an engineer, but also and above all as a motorcycle enthusiast.
Le originali soluzioni tecnologiche Ducati rendono il rombo dei suoi motori irriproducibile (compendiato talvolta dal
controcanto del tintinnio dei dischi della frizione a secco) e gli permettono di scaricare alla ruota posteriore un numero di
cavalli capace di mettere in crisi gli pneumatici più performanti. Padre putativo di tutti i ducatisti moderni fu l’ingegner Fabio
Taglioni. Originario della piccola frazione lughese di Santa Maria in Fabriago, entrò in Azienda nel 1954 come ingegnere
progettista e si può dire che apportò un tocco romagnolo alla emilianissima Ducati. Il monocilindrico di 100 centimetri
cubi che sviluppò come primo progetto permise alle Ducati Gran Sport di primeggiare nelle più importanti competizioni
del tempo. Sul suo tecnigrafo prese forma la Ducati GT 750, prima moto a montare il bicilindrico a “L”, che rimane il tratto
distintivo delle “rosse di Borgo Panigale”. Sua anche l’intuizione di come applicare il sistema di distribuzione desmodronica
alle moto di serie. Pure il telaio a traliccio e il sistema di distribuzione a coppie coniche e a cinghia furono “visioni” di
Taglioni. Ideò e realizzò, insomma, tutti, o quasi, i capisaldi che costituiscono il retaggio della Ducati contemporanea.
Al suo arrivo l’azienda bolognese era specializzata solo nella produzione di motocicli di piccola cilindrata. Al momento
del suo ritiro, Ducati era divenuto un marchio di fama mondiale sinonimo per eccellenza della moto ipersportiva. Si può
addirittura dire che esiste ancora proprio grazie a lui. Quando, infatti, nel 1954 l’allora Direttore Generale lo chiamò in
Ducati, gli chiese di realizzare a tutti i costi una moto per vincere il Giro d’Italia, confessandogli di avere solo un mese di
stipendio per gli operai e spiegandogli che una sconfitta avrebbe significato la
chiusura dei battenti per l’Azienda. Taglioni ce la fece in 6 mesi senza percepire
in quel periodo nemmeno un vero stipendio. Oltre alle doti tecniche e strutturali, le
sue moto possiedono una caratteristica determinante quanto sfuggente. Hanno
carisma. Il genio di Taglioni era massimamente eclettico: in quasi mezzo secolo
di carriera ha progettato motori di ogni sorta, dai piccoli monocilindrici a due tempi
ai poderosi bicilindrici da pista. Il legame di Taglioni con la sua terra si espresse
anche nella decisione di adottare l’emblema del pioniere lughese dell’aviazione
italiana Francesco Baracca (vedi ee n. 3). Lo stesso cavallino rampante utilizzato
anche da Enzo Ferrari fregiò infatti le motociclette da competizione disegnate dal
Dottor T (questo l’affettuoso soprannome affibbiatogli in Ducati) tra il 1956 e il
1961. L’ultima sua creazione fu la 750 F1 uscita nel 1985. Una moto minimale
e avanzatissima per il suo tempo. Elegante canto del cigno di un uomo che
disegnava le moto non solo da ingegnere, ma soprattutto da motociclista.
Fabio Taglioni
[18
I
Sensi
di
Romagna
Passioni
19]
alessandro antonelli
immagini: archivio cooperativa
la fenice
A famous mollusc
The Cer via mussel
The Mediterranean mussel (Mytilus galloprovincialis) is a bivalve mollusc which lives on rocks or other hard, durable substrates.
It’s much appreciated as food.
Since the mussel filters seawater through its shells, its flesh is impregnated with the flavour of the sea it was fished from. So the quality of a
mussel has everything to do with the quality of the water it lives in. In December 2013, the Cervia mussel obtained quality certification as a
fully-organic foodstuff from one of Italy’s leading agrifood control bodies. The mussel beds of Cervia, a small town on the coast of Ravenna
province, are all to be found in carefully selected class-A marine water at a distance of three miles from the coast. The quality of the product is
only as good as the environment it comes from. Therefore, the quality of the water that’s circulated through the farms is constantly monitored
to guarantee the safeness and authenticity of Cervia mussels, thereby preserving all their exceptionally good flavour. For it’s their flavour that
distinguishes Cervia mussels from all others, and what makes them so eagerly sought after everywhere. And Cervia mussels do in fact possess
some unique characteristics in terms of flavour and texture: characteristics that have earned these mussels the title of Queen of Adriatic
Molluscs and opened the way to international fame. But the best way to enjoy Cervia mussels is to eat them right where they’re produced.
The mussel farmers of Cervia select and pack their mussels on board their fishing boats, and they’re on shore just minutes later – meaning the
Cervia mussel can be enjoyed at “kilometre zero” as soon as it’s landed. It isn’t difficult to find a place to enjoy the mussels that’s so close
to their place of production you can make out the forms of the large buoys of the mussel farms floating in the distance. What’s considerably
more difficult is deciding between the many local recipes for preparing Cervia mussels. The dilemma lies in choosing between the traditional
recipes – where the mussels are typically served in soup or with pasta – and the contemporary creations of star chefs, like smoked mussel
carbonara or mussel fritters on mixed salad leaves. The Cervia mussel is now increasingly recognized as a valuable local resource, and moves
are underway to obtain PGI designation.
Il mìtilo noto
21]
L a C o z z a di C e r v ia
Il mìtilo mediterraneo (Mytilus galloprovincialis), comunemente detto cozza, è un
mollusco bivalve che vive su rocce o substrati resistenti e duri, il cui gusto
deciso è molto apprezzato in cucina.
Filtrando le acque in cui si sviluppa, possiede la particolarità di portare nel piatto l’essenza saporosa del
mare in cui è stata pescata. Proprio grazie alla qualità
delle acque in cui viene coltivata, nel dicembre scorso
la Cozza di Cervia ha ottenuto la certificazione di qualità
e il marchio di prodotto biologico che garantisce la tracciabilità di filiera Bio, rilasciata da uno dei più accreditati
organismi italiani di certificazione e controllo dei prodotti
agroalimentari. Gli allevamenti della cittadina rivierasca
(sita in provincia di Ravenna) sono infatti tutti dislocati in
acque marine di classe A accuratamente selezionate,
a tre miglia dal litorale. La qualità del prodotto è strettamente legata a quella dell’ambiente in cui viene coltivato. Numerosi e costanti sono i controlli sulla qualità di tali
acque di allevamento, eseguiti a tutela della sicurezza
alimentare e genuinità dei mìtili cervesi, per preservarne
il sapore particolarmente gradevole. Elemento che li conI
Sensi
traddistingue da tutte le altre cozze, rendendoli unici nel
loro genere e particolarmente ricercati. La Cozza di Cervia possiede, infatti, una serie di peculiarità sostanziali,
sia organolettiche che concernenti la consistenza delle
sue carni. Tali da fale guadagnare il titolo di regina dei
molluschi dell’alto Adriatico, aprendole la strada dei mercati europei. Di certo, però, il modo migliore per gustare
questo frutto di mare è farlo proprio lì dove viene raccolto.
I mìtilicoltori, veri e propri “agricoltori del mare”, svolgono
infatti a mano le attività di selezione e confezionamento
già a bordo dei pescherecci, consentendo di assaggiare
la Cozza di Cervia a “chilometro zero”, ossia consumata
freschissima in loco, subito dopo essere stata raccolta.
Non è difficile trovare una situazione in cui sia possibile
assaporarle così vicino al luogo di raccolta da riuscire a
intravedere in lontananza, sul pelo dell’acqua, le grosse
boe della cozzara (struttura in cui vengono allevati i mìtili).
di
Romagna
Scegliere una tra le tante ricette della zona che
valorizzano questo pregiato mollusco può invece
non essere un’impresa semplice. Il dilemma del
buongustaio si pone tra le preparazioni tipiche,
quali il brodetto o il tagliolino con le cozze, e le
reinterpretazioni in chiave contemporanea firmate
da fior di chef stellati, come la carbonara alla
cozza fumé o la misticanza con bruciatini di cozza.
La gustosità del mollusco cervese è tale da renderlo
una preziosa materia prima e sono già in corso le
pratiche per fargli ottenere la denominazione IGP.
Non sarà un caso, se digitando sulla stringa del
browser Google “cozza”, il primo risultato che il
motore di ricerca vi proporrà sarà proprio quello
relativo alla Cozza di Cervia.
Enogastronomia
i greci e i romani, benché meno esperti
nell’arte di condire il pesce,
pure lo tenevano in gran conto
ed erano così raffinati da indovinare,
sentendone il sapore, dove fosse stato pescato.
anthelme brillat-savarin
(estratto da fisiologia del gusto)
[20
Esiste in natura un habitat che possiede tutti questi
requisiti e può certamente vantare il più alto tasso di
umidità immaginabile: quello sottomarino. L’idea di
far maturare il vino in mare non funziona solo in linea
teorica, ma è empiricamente supportata. Numerosi sono
stati finora, infatti, i casi di bottiglie di vino rinvenute in
mare che sono uscite dal loro lungo “sonno” subacqueo
mantenendo la bevibilità del loro contenuto. Un esempio
eclatante è quello dello champagne più vecchio mai
assaggiato al mondo, datato 1782 e ritrovato nel 2010
al largo delle isole Âland in un vecchio relitto inabissato
a 55 metri di profondità. Da circa un lustro, dunque, si
moltiplicano gli esperimenti in questo senso, portati
avanti soprattutto in Francia, Spagna e, naturalmente, in
Italia. Grazie alla lungimiranza di due ravennati: Gianluca
Grilli e Raffaele Ravaglia, in Romagna oggi è possibile
osservare un percorso inverso rispetto al sopraccitato
caso dello champagne. Quello, insomma, che vede il
vino andare dalla cantina al relitto. Nella fattispecie il
relitto è quello del Paguro (vedi ee n. 13), una piattaforma
metanifera che quasi cinquant’anni fa affondò nelle
acque del Mare Adriatico, a 12 miglia dalla costa di
Marina di Ravenna, adagiandosi sul fondo ed oggi è
una piccola oasi sottomarina. Tale è il sito scelto da Grilli
e Ravaglia, che dal 2010 hanno iniziato a sviluppare
questa idea e nell’aprile del 2012, coadiuvati da una
squadra di subacquei dell’Associazione Paguro, hanno
affondato nel reef artificiale, a 25 metri di profondità, le
prime 200 bottiglie di vino. Circa sei mesi dopo, le casse
sono state fatte riemergere per la “prova del brindisi”.
Test superato brillantemente. Solo un 10 per cento delle
bottiglie è risultato non corretto, a causa del cedimento
della particolare capsula progettata in camera iperbarica
per resistere all’ambiente sottomarino, che ora è stata
perfezionata. Il resto della produzione ha restituito nel
bicchiere tutti gli sforzi profusi dai due soci ravennati,
esprimendo grande equilibrio organolettico. Oltre alla
qualità intrinseca dei vini, i prodotti della Tenuta del Paguro
possiedono un evidente fattore evocativo suggerito
anche dalla confezione in legno di pino marittimo (albero
autoctono della zona) con coperchio in acciaio CorTen (a richiamare il ferro arrugginito della piattaforma
sommersa), che contiene pure un filmato in formato DVD
dell’immersione ed emersione delle bottiglie. Operazione
un tantino più complessa rispetto allo scendere gli
scalini che conducono a una cantina convenzionale.
carlo zauli
immagini: archivio tenuta del paguro
T e n u ta d e l Pag u ro
[22
Le caratteristiche che deve possedere una
eccellente cantina per garantire l’ottimale
maturazione e conservazione di un vino sono:
temperatura costante, assenza di luce e
altissimo tasso di umidità.
I
Sensi
di
Romagna
[…] vino inchiocciolato e sospeso / amoroso, marino, / non sei mai presente in una / sola coppa, in un canto, / in un uomo, sei corale, gregario […].
pablo neruda (estratto da ode al vino)
Vino a maturare cullato
dal mare
Se a-aged wine
Tenuta del Paguro
Every wine needs certain conditions if it is to mature and age in the right
conditions: constant temperature, no light, and very high humidity.
There’s one habitat in nature that offers all these conditions, and is incontestably the most humid environment
of them all: the sea. The idea of maturing wine at sea is not only theoretically possible but empirically valid. There’s no
shortage of stories about bottles of wine found at sea that taste as good as ever after their long underwater sojourn. One example is
the world’s oldest champagne, dated 1782 and discovered in 2010 off the coast of the Aland Islands in a wreck at a depth of 55 metres. For the
last five years experimentation in this direction has been increasing, especially in France, Spain and, naturally, Italy. And thanks to the foresight
of two Ravenna wine producers, Gianluca Grilli and Raffaele Ravaglia, in Romagna we now have the reverse of the process of the champagne
bottle mentioned above. In other words, the wine is not taken out of the wreck, but is instead placed in it. The wreck in question is the Paguro
(see ee 13), an offshore methane platform that sank in the waters of the Adriatic half a century ago, 12 miles from the coast of Marina di
Ravenna. It now lies on the sea bed, a minor underwater oasis. This is the site chosen by Grilli and Ravaglia, who began to develop their idea
in 2010, and in April 2012, helped by a team of divers from Associazione Paguro, stowed their first consignment of 200 bottles of wine in this
artificial reef at a depth of 25 metres. Six months later the boxes were hoisted back to the surface for the wine to be sampled. The results were
good – very good indeed. Only 10 percent of the bottles were spoiled, after their capsules – specially designed in a hyperbaric chamber to resist
the pressure – caved in. The design of the capsules has now been perfected. The rest of the bottles rewarded all the effort expended by the two
Ravenna-based entrepreneurs, and turned out to be exceptionally well balanced in flavour and bouquet. To complement the intrinsic quality of
the wines, the produce of Tenuta del Paguro is evocatively packaged in cases made of maritime pine (a tree which is native to the zone) with
lids of cor-ten steel that evoke the rusted iron of the sunken platform, and even comes with a DVD documenting the immersion and retrieval of
the bottles. After all, it’s an operation that’s a little more complex than walking downstairs into a conventional wine cellar.
Pagurus _ Sangiovese IGP Ravenna _ Uve/Grapes 100% Sangiovese
Le uve da cui nasce il vino portabandiera della Tenuta provengono da vigne che affondano le proprie radici nel terreno argilloso e calcareo che caratterizza
la zona della Vena del Gesso Romagnola. Vengono poste a fermentare, a temperatura controllata (26-28 °C), in serbatoi di acciaio inox con macerazione sulle
bucce che si protrae per 10 giorni. Dopo l’affinamento in cantina, il Pagurus matura per 12 mesi in cesti di maglia metallica zincata, che consentono il passaggio
dell’acqua, ad una profondità di 30 metri; quota atta a garantire una temperatura costante di 13 °C. Si presenta con un bel colore rosso rubino tendente al
violaceo e offre al naso sentori che ricordano la viola e i frutti rossi. Al palato rivela un sapore asciutto, armonico, leggermente tannico, caratterizzato da un
retrogusto gradevolmente amarognolo che lo rende indicato ad accompagnare i sapori decisi, come salumi, carni rosse, brasati, arrosti misti e selvaggina da
piuma. Temperatura di servizio: 16-18 °C.
The grapes which yield Tenuta del Paguro’s flagship wine come from vines growing in the clay and limestone soil that characterizes Romagna’s Vena del Gesso.
They are fermented at a controlled temperature (26-28 °C) in stainless steel vats, with maceration on the skins for a period of 10 days. After ageing on the estate,
Pagurus is matured for a further 12 months in zinc metal baskets which allow the passage of water at a depth of 30 metres; at this depth, the temperature is a
constant 13°C. The colour is ruby red tending to violet. On the nose it has notes of violet and red fruit. On the palate it’s crisp, well-balanced, slightly tannic,
with an agreeably bitterish finish that makes it the ideal accompaniment to robustly-flavoured foods such as salami, red meats, braised meats, mixed roasts and
game birds. Serving temperature: 16-18ºC.
Nephros _ Cabernet IGP Ravenna _ Uve/Grapes 75% Cabernet, 25% Merlot
Questo uvaggio viene ottenuto da uve Merlot, vendemmiate a metà settembre, e Cabernet, vendemmiate ad inizio ottobre, che fermentano in acciaio a
temperatura controllata (26-28 °C) macerando sulle bucce e affinano in barrique di secondo passaggio per circa un anno. Una volta imbottigliato viene sommerso
per 12 mesi a una profondità di 22 metri, restando così ad una temperatura stabile di 11 °C. Nel bicchiere sfoggia un rosso rubino particolarmente intenso. Svela
sentori di frutti rossi accompagnati da note floreali. Di notevole struttura, si esprime con un sapore asciutto chiuso da un retrogusto parzialmente fruttato.
Accompagna bene i piatti saporiti, come i primi di pasta, secca e ripiena, tipici romagnoli e i secondi a base di carne. Temperatura di servizio: 18-20 °C.
This wine is made from a blend of Merlot grapes, harvested in mid-September, and Cabernet, harvested in early October. The grapes are fermented on the skins
at a controlled temperature (26-28°C) in steel vats and then aged in second-fill barriques for around a year. Once bottled, the wine is submerged for 12 months at
a depth of 22 metres, where the temperature is a constant 11°C. In the glass, its colour is vivid ruby-red. On the nose it has scents of red fruit mingled with floral
notes. A remarkably well-structured wine, its flavour is crisp with a slightly fruity finish. Drinks well with robust flavours such as traditional pasta dishes (dry and
filled) and meats. Serving temperature: 18-20ºC.
Squilla Mantis _ Bianco IGP Ravenna _ Uve/Grapes 100% Albana
Tenuta del Paguro dedica il suo Albana al crostaceo più tipico della Romagna: la canòcchia. Durante la sua vinificazione le uve vengono direttamente pressate,
separando il fiore dal secondo di pressa. Il mosto fiore, dopo una lieve decantazione statica, viene poi avviato alla fermentazione a temperatura controllata (1214 °C). Questo vino affina poi sui lieviti, in acciaio, per circa sei mesi prima di essere portato a maturare sott’acqua, a una profondità di 27 metri, e cullato per
12 mesi dalle correnti dell’Adriatico a una temperatura costante di 13 °C. Il suo tipico colore giallo paglierino, con riflessi dorati, introduce un profumo intenso
e complesso con sentori di frutta matura. Asciutto e caldo al palato, dimostra una buona struttura, armonia e persistenza. È un vino a tutto pasto, indicato per
il pesce in generale e per i crostacei in particolare. Ottimo anche come aperitivo. Temperatura di servizio: 10-12 °C.
Tenuta del Paguro dedicates this wine, produced from Albana grapes, to Romagna’s king of crustaceans: the mantis shrimp. The grapes are directly pressed and
the first-pressing must separated off.The must produced by this first pressing is left to settle for a short time and then fermented at a controlled temperature
of 12-14°C. The wine is then aged on the lees in stainless steel vats for around six months before being transferred underwater at a depth of 27 metres, where
it is bathed in the waters of the Adriatic at a constant temperature of 13°C for 12 months. It has a distinctive straw-yellow colour with golden highlights, and an
intense, complex aroma with notes of ripe fruit. Warm and crisp on the palate, it has good structure, harmony and length. A wine that’s suited to all courses, it
drinks particularly well with seafood in general and crustaceans in particular. Also great as an aperitif. Serving temperature: 10-12ºC.
Enogastronomia
23]
BEYOND SURFACE
AU DELA DE LA SURFACE
chi lavora con le mani è un operaio; chi lavora con le mani
e la testa è un artigiano; chi lavora con le mani,
la testa e il cuore è un artista.
san francesco d’assisi
Ephemeral buildings
Vittorio Presepi’s visions of volume
Vittorio Presepi was born in Cesena, where he now lives and works in a house overlooking the
river, near Ponte Vecchio.
It’s a spot where the murmur of the river mixes with silence and the endless play of light, shadow and reflection emanates an enormous
sense of tranquillity. Experiencing the art of Vittorio Presepi is an intimate, up-close experience that can only be fully appreciated if we’re
ready to listen to what it says. We need peace and quiet to enter into dialogue with the works of an artist who sees perfection as an aesthetic category through which he expresses his message. In Presepi’s personal philosophy, art is beauty that’s capable of eliciting profound
reflection and absolute serenity – the absolute opposite of provocation and hardship. Presepi does not have an academic background.
He found his vocation in the 1970s, when he began studying the techniques of origami. What began almost as a game – his endeavour to
transmit to his children (and later his grandchildren) the value of manual dexterity as a fundamental element in a more harmonious and
positive attitude to living – became a passion. But the “rules” inherent to the craft of origami soon proved too restrictive for Presepi’s
imagination, which felt the need to shake itself free from the physical restrictions of the craft without losing sight of the formal geometries
he found so fascinating. The results are evident in his extraordinary paper buildings, canvases and sculptures which preserve the bright
purity of paper, with meticulously worked incisions that transform flat surfaces into fascinating three-dimensional forms. The ability of
paper to hold and radiate light imbues Presepi’s rigid structures with an aura of the sacred. Removing nothing from and adding nothing to
the pristine white sheet, form gradually acquires volume to become a fully three-dimensional structure of mass and void where the play
of light and shadow produces magical effects. “Enchanting” is perhaps the best way to describe the creations that spring from the
mind and hands of Vittorio Presepi, the practitioner of a unique art form which he has reinvented with the unpretentious brilliance which
distinguishes his work. Presepi’s creations combine the dazzle of gesso with the insubstantiality of paper
in a creative impulse which
yields sculptures and landscapes invested with an evanescent and scenographic impact that, even where
they address social issues,
never fails to elicit the gentle fascination their creator is aiming for. His works speak of people and nature,
touching on themes such
as solitude and the prison of individualism, a world where we are often unable to strike up a rapport with
our fellow humans or
the environment we live in – and which we plunder and abuse without restraint. Presepi’s slender towers,
populated by stylized
human figures who seem always to be running after something without ever reaching it, offer food for reflection on the real meaning of success, of helping our fellow humans, and the fragility of modern myths.
[26
27]
Architetture
effimere
Da lì, il rumore dell’acqua e i silenzi, insieme ai riflessi,
alle luci e alle ombre che si alternano incessantemente,
emanano una profonda tranquillità. Entrare nell’arte di
Vittorio Presepi è quindi un’esperienza estremamente intimistica, che può essere immediatamente colta solo se
si desidera mettersi in ascolto. Un incontro pacato quello
con l’artista, che vede, nell’esaltazione della perfezione,
un senso estetico, raffinato ed avvolgente attraverso il
quale Presepi, fin da subito, esprime il suo messaggio.
Nella sua personale filosofia, infatti, l’arte è bellezza che
deve trasmettere la capacità di una riflessione profonda
ma anche un’assoluta serenità lontana da ogni forma di
provocazione e sofferenza. Il suo percorso artistico non
è accademico. Si concretizza agli inizi degli anni Settanta, con lo studio della tecnica dell’origami. Nasce quasi
per gioco, con l’intento di trasmettere ai figli, prima, e alle
nipotine, poi, il valore della manualità come elemento
fondante di un vivere più armonioso e positivo. Ma ben
presto le regole imposte dall’origami divengono troppo
stringenti per la sua fantasia che ha bisogno di liberarsi
senza però distaccarsi da quelle geometrie, a lui tanto
care, che lo portano alla costruzione di straordinarie architetture effimere realizzate con la carta.
L a v ision e d e i v ol u mi
di Vittorio Pr e s e p i
Vittorio Presepi è nato, vive e lavora
a Cesena in una casa lungo il fiume che
domina il Ponte Vecchio.
angelamaria golfarelli
immagini: archivio vittorio presepi
I
Sensi
di
Romagna
Nascono così quadri e sculture che, mantenendo intatto il candore
del foglio, con puntuali e precise incisioni trasformano il piano in un
affascinante volume. Trafitto dalla luce, questo investe le rigide forme
di Presepi di un’aura di sacralità. Un intervento di cesello che, senza nulla togliere e nulla aggiungere all’intonsa pagina bianca, vede
erigersi le forme lentamente fino alla tridimensionalità attraverso una
metaforica scalata ai volumi che dà vita a vuoti e pieni entro cui il
gioco della luce produce la conseguente e magica nascita delle
ombre. È un vero incantesimo quello che scaturisce dalla mente e
dalle mani di Vittorio Presepi; depositario di un’arte unica che ha saputo reinventare con quella semplice genialità che lo contraddistingue. Un’arte che dal candore delle gipsoteche e dalla leggerezza
delle cartiere trae l’impulso per inventare sculture e paesaggi di una
tale evanescente e scenografica apparenza che, senza negarsi alle
traiettorie dei temi sociali, non manca mai di produrre quella soave
fascinazione a cui l’autore induce. Parlano dell’Uomo e della Natura
le sue opere, toccando temi quali la solitudine e l’individualismo esasperato, incapace di creare rapporti non solo con i propri simili, ma
anche con l’ambiente che abita, che viene depredato e offeso senza
ritegno. Le sue leggere torri popolate da umane presenze stilizzate,
che si rincorrono senza mai raggiungere la vetta, riflettono sul reale
significato della “scalata” al successo, sul reciproco mutuo soccorso, sulla fragilità dei miti moderni...
Arte
immagini: luca del pia
[28
Generalissimo linguaggio
teatrale
N e lla p o e tica di R om e o C ast e ll u cci
La fertile scena romagnola legata al teatro di ricerca (vedi ee n. 21)
che dagli anni Ottanta si è sviluppata fino a raggiungere l’attuale riconosciuto spessore
ha avuto per capofila la compagnia Socìetas Raffaello Sanzio.
Suo fondatore e deus ex machina, senza nulla togliere al
fondamentale contributo delle cofondatrici Claudia Castellucci e Chiara Guidi, è Romeo Castellucci. Nato a Cesena, classe 1960, dal 1981, con la Sanzio o individualmente, egli realizza spettacoli fondendo nella propria figura
i ruoli di autore, regista e creatore delle scene, delle luci,
dei suoni e dei costumi. Nel corso della sua attività ha ricevuto i riconoscimenti più importanti, per citare i più recenti: nel 2002 è stato insignito del titolo di Chevalier des Arts
et des Lettres dal Ministero della Cultura della Repubblica
Francese, nel 2005 è stato nominato Direttore della sezione
I
Sensi
Teatro della Biennale di Venezia e nel 2007 è stato chiamato a ricoprire la carica di Artiste Associé dalla Direzione artistica del Festival d’Avignon. Nel 2010 ha ricevuto il
Premio Butaca Barcelona per il migliore spettacolo internazionale con il ciclo della Divina Commedia; lo stesso
anno Le Monde ha eletto la trilogia migliore spettacolo teatrale ed evento culturale tra i dieci più influenti del decennio 2000-2010 e nel 2013 è stato insignito del Leone d’Oro
alla Carriera da La Biennale di Venezia - settore Teatro.
Il suo lavoro è regolarmente invitato e prodotto dai più prestigiosi teatri di prosa, teatri d’Opera e festival internazionali.
di
Romagna
la vera funzione politica del teatro di carmelo era quella, presumo, di dividere la città
e di mettere a repentaglio il luogo comune che tiene insieme la comunità umana: il linguaggio.
romeo castellucci (citato in fondazione immemoriale di carmelo bene)
alessio nelli
Alla base dell’opera omnia della Socìetas Raffaello Sanzio e di Castellucci si percepisce il medesimo orientamento: un concetto di teatro inteso come espressione
parallela della totalità delle arti, adottato con l’obiettivo
di comunicare con tutti i sensi dello spettatore. Contribuiscono a questa “missione” un ventaglio eterogeneo di
discipline, tutte impiegate con alta maestria. In parole povere, la tecnologia digitale sperimentale convive con l’arte
del trucco tradizionale e con l’artigianato scenografico di
vecchia scuola in un sodalizio senza tempo.
Il senso più stimolato risulta, in ogni caso, essere l’occhio,
che si trova esposto a immagini di tale imponenza ed intensità da scatenare fortissime reazioni emotive. Questo
poderoso impianto scenografico è al servizio di testi teatrali sempre taglienti nella loro capacità di sezionare la
condizione umana e di una regia che potrebbe forse essere definita “ad orologeria”. Castellucci ha anche collezionato una serie di premi Ubu per varie categorie, l’ultimo,
nel 2004, gli è stato assegnato per gli sviluppi del lavoro
sulla Tragedia Endogonidia, sistema drammatico che si
estende alla compagine produttiva dello spettacolo, concepito come un processo di invenzione privo di pause e
di repliche che si compone di undici singoli episodi legati
ognuno a una diversa città europea. Un percorso in climax le cui tappe rappresentano, si potrebbe quasi dire,
gli atti dell’opera. Non uno spettacolo auto-concluso che
viene rappresentato in diversi teatri, dunque, bensì luoghi
diversi che entrano a far parte del dispositivo drammatico
come mete di un unico processo. Le rappresentazioni della Socìetas Raffaello Sanzio e di Castellucci non mancano di scandalizzare i benpensanti, il caso più clamoroso
si è avuto durante la tournée dello spettacolo Sul concetto
di volto nel figlio di Dio, che ha ricevuto accuse di blasfemia poiché durante il suo svolgimento venivano scagliati
oggetti non meglio identificati contro una gigantografia del
volto di Cristo (tratta dal dipinto di Antonello da Messina)
che dominava la scena. Accuse respinte da Castellucci,
che si dichiara tra l’altro cristiano, ma che hanno comunque avuto molta eco sulla stampa e sui media. Sono decisamente più frequenti, però, gli onori che gli vengono
tributati, come lo speciale progetto a lui dedicato recentemente conclusosi a Bologna, dal titolo E la volpe disse
al corvo. Iniziato lo scorso gennaio con la rappresentazione della prima regia d’Opera di Castellucci: Il Parsifal, ha
avuto per sottotitolo Corso di linguistica generale in dieci
volumi anche in relazione alla riproposizione proposta
della lingua Generalissima della Raffaello Sanzio.
A language of theatre
Romeo Castellucci’s unique conception of drama
The flourishing experimental theatre scene in Romagna
(see ee 21) has grown in stature and reputation
since its emergence in the 1980s. And it all began
with one company, Socìetas Raffaello Sanzio.
The founder and deus ex machina of SRS (without in any way denying
the fundamental contributions of cofounders Claudia Castellucci and
Chiara Guidi) is Romeo Castellucci. Born in Cesena in 1960, since
1981 Romeo Castellucci has been making (with Sanzio or on his own
initiative) theatre in which he is simultaneously author, director, set
designer, wardrobe designer, sound engineer and lighting technician.
Over the course of his career he has received some of the most
important awards going. To cite just the most recent ones: in 2002
Castellucci was made a Chevalier des Arts et des Lettres by the French
ministry for culture, in 2005 he was appointed director of the theatre
section at the Venice Biennale, and in 2007 was an artiste associé
at the Avignon Festival. In 2010 he received the Butaca Barcelona
prize for best international production with his Divina Commedia
cycle; the same year, the trilogy was elected by Le Monde as “one of
the ten most influential cultural events in the world for the decade
2000-2010”. In 2013 Castellucci received a Golden Lion career award
at the Venice Biennale. His works are in great demand all over the
world and are produced by many of the world’s leading dramatic and
operatic companies and by international festivals. At the core of all
of Castellucci’s work, alone or with Socìetas Raffaello Sanzio, we can
discern the same outlook: a concept of theatre as the parallel expression
of all the arts, articulated with the objective of communicating
with all 5 senses of the observer. Contributing to this objective is a
wide and heterogeneous range of tributary disciplines, all of them
mastered with the greatest of virtuosity. Put simply, experimental
digital technology rubs shoulders with greasepaint and old-school
scenography. The sense most stimulated is the eye, which is exposed
to images of such power and intensity that they can trigger extremely
strong emotional reactions. This hard-hitting scenographic component
is placed at the service of texts which offer incisive commentary on
the human condition, and a stage production which might best be
defined as “like clockwork”. Castellucci has also received a series of
Ubu prizes in various categories. The latest, in 2004, was for Tragedia
Endogonidia, a monumental dramatic cycle conceived as a process of
invention deprived of pauses and repetitions, comprised of eleven
separate episodes, each associated with a different European city.
Arte
29]
osceno è uno spettacolo che si interroga sul dolore umano […]?
o osceno è il clamore fondamentalista che si scatena intorno a un lavoro teatrale senza averlo visto […]?
e non è osceno il conseguente silenzio complice di molti, che non fa chiarezza, che non denuncia la montatura?
romeo castellucci
(in reazione alle polemiche scatenate dallo spettacolo
sul concetto di volto del figlio di dio)
Frutto di un lungo lavoro di ricerca portato avanti a metà
degli anni Ottanta, questa complessa invenzione teatrale si concretizza in un vocabolario di 400 parole con le
quali è possibile esprimere qualunque concetto. Studiato partendo da modelli esistenti come le lingue morte,
creole o artificiali quali l’Ars Magna di Raimondo Lullo
che nel ‘300 elaborò una lingua fondata sul numero “9”
e i sistemi concepiti da Giordano Bruno, è un linguaggio
di sintesi che funziona per anelli concentrici su quattro livelli cognitivi. Castellucci ha fissato sulla carta il poderoso impianto teorico che costituisce la propria visione teatrale portando avanti, in parallelo ai suoi altri impegni,
anche l’attività di saggista. Quello che stupisce quando
lo si ascolta parlare è la modestia di fondo che emerge
dalle sue parole. Il suo approccio è misurato, autocritico
e molto introspettivo.
[30
Una delle domande che sostiene di porsi più spesso
riguarda il perché un individuo dovrebbe investire una
parte del proprio tempo per assistere ai suoi spettacoli.
Questa riflessione pone l’accento su un elemento della rappresentazione che non infrequentemente viene
snobbato dai registi nell’ambito del teatro di ricerca: il
pubblico. Da una domanda diretta postagli durante un
seminario, apprendiamo anche che egli, nonostante si
ritenga un cittadino del mondo, non ha tagliato i ponti con le sue origini provinciali. Pur non riconoscendosi in un’ipotetica identità romagnola, predilige risiedere
in provincia piuttosto che in una grande città europea.
L’unica alternativa che ritiene preferibile è quella della
megalopoli mondiale, ideale contraltare al piccolo lembo di territorio locale. Un punto di vista che forse non tutti
condivideranno, ma assolutamente coerente con il suo
teatro; esente da compromessi.
I
Sensi
di
Romagna
As the episodes succeed one another, the action moves towards
a climax that’s almost operatic in its intensity. Not so much a selfdelimited spectacle that can be performed in various theatres,
as various places that enter and become part of the workings of a
single dramatic process. The performances of Socìetas Raffaello
Sanzio and Castellucci solo make a point of scandalizing the more
conformist sectors of society. The most egregious example came
when the company was touring with Sul concetto di volto nel figlio di
Dio, drawing accusations of blasphemy for a scene where unspecified
objects were hurled at a blow-up face of Christ (based on the painting
by Antonello da Messina) which dominated the stage. Castellucci
rejected these accusations, even declaring himself to be a Christian,
but the repercussions in the media were enormous. Nevertheless,
the honours continue to outstrip the opprobrium, such as the special
project dedicated to Castellucci and recently completed in Bologna, E
la volpe disse al corvo (“And the Fox Said to the Raven”). The project
began last January with a performance of Castellucci’s first operatic
production: Parsifal. This production’s subtitle, Corso di linguistica
generale in dieci volumi, brings to mind the Generalissima, a language
invented by Socìetas Raffaello Sanzio. The fruit of extensive research
in the mid-1980s, this complex theatrical confection operates with a
vocabulary of 400 words which can be used to express any concept.
Based on dead languages, creoles and artificial languages such as the
Ars Magna of Ramon Llull, who in the 14th century devised a language
based on the number “9”, and on Giordano Bruno’s investigations into
the geometry of language, it is a synthetic language which can be
described as a series of concentric rings operating on four cognitive
levels. Castellucci has written extensively on theoretical subjects and
his own vision of the theatre, and in parallel to his other projects
has a considerable output as an essayist. Hearing him speak, we’re
immediately struck by the modesty that underpins his words. He talks
of his work with restraint, self-criticism and a lot of introspection. One
of the questions he asks himself most often is why people should invest
their time in going to see his performances. It’s a reflection which
touches on an aspect of theatre often ignored by the proponents of
experimental theatre: the audience. Castellucci sees himself as a
citizen of the world, but to judge from a question put to him at a
recent conference, he hasn’t severed his ties with his origins either.
Although refusing to align himself with a conventional “Romagnol”
identity, he prefers to live here rather than some major European
capital. The only possible alternative is the global megalopolis, the
very antithesis of the provincial backwater. It’s a point of view that
perhaps not everyone would share, but it’s totally coherent with his
approach to theatre: devoid of compromise.
Arte
31]
[0 4] TERRITORIO
L A CO S CI E N Z A A R T I ST I C A D I I VO S A S S I _ i l g i a rd i n o d e l l a s cu l t u ra
T HE A R T I ST I C CO N S CI E N CE O F I VO S A S S I _ t h e g a rd e n o f s cu l p t u res
U N A FO R T EZZ A S O S PES A _ s a n l e o
A FO R T R ES S S U S PE N D E D I N T HE A I R _ s a n l e o
[08] STORIA
I L F U K U R S A A L _ l’e m b l e m a p e rd u to d e l l a b e l l e é p o q u e r i m i n es e
T HE K U R S A A L _ l o s t e m b l e m o f r i m i n i’s b e l l e é p o q u e
CO PE R T E DA B U O I _ a n t i ch i m a n t i d a l l a f u n z i o n e p ra t i ca, b e n a u g u ra l e e d es te t i ca
OX B L A N K E T S _ co l o u r f u l, p ra c t i ca l a n d p ro p i t i o u s
U N R I B E L L E R O M AG N O LO _ l a ca r i ca eve r si va d i fe l i ce o r si n i
A R O M AG N O L R E B E L _ t h e su bve r si ve ca l l i n g o f fe l i ce o r si n i
Periodico edito da
Cerindustries SpA
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v i a E m i l i a Po n e n te, 10 0 0
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Direttore editoriale
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Progetto
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Luca Biancini
[14] PASSIO NI
[32
L A CO L L EZ I O N E M AU R O PA S CO L I _ m e cca ra ve n n a te d e l l a ves p a
T HE M AU R O PA S CO L I CO L L ECT I O N _ ro m a g n a’s ves p a m e cca
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Coordinamento editoriale
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I L “ D OT TO R T ” D E L L A D U C AT I _ fa b i o ta g l i o n i
D U C AT I ’ S “ D O CTO R T ” _ fa b i o ta g l i o n i
Redazione
To m m a s o A t t e n d e l l i
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Luca Del Pia
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I L M I T I LO N OTO _ l a coz za d i ce r v i a
A FA M O U S M O L LU S C _ t h e ce r v i a m us s e l
V I N O A M AT U R A R E CU L L ATO DA L M A R E _ te n u ta d e l p a g u ro
S E A - AG E D W I N E _ te n u ta d e l p a g u ro
Si ringraziano
APT Rimini
Cooperativa La Fenice
Gilda Biasini
Silvia Bottiroli
Vittorio Presepi
Ivo Sassi
Claudia Zannoni
[26] ARTE
A R CH I T E T T U R E E F F I M E R E _ l a v isi o n e d e i vo l u m i d i v i t to r i o p res e p i
EPHE M E R A L B U I L D I N G S _ v i t to r i o p res e p i’s v isi o ns o f vo l u m e
G E N E R A L I S S I M O L I N G UAG G I O T E AT R A L E _ n e l l a p o e t i ca d i ro m e o cas te l l u cci
A L A N G UAG E O F T HE AT R E _ ro m e o cas te l l u cci’s u n i q u e co n ce p t i o n o f d ra m a
Si ringrazia per la preziosa collaborazione
Maddalena Becca / Divisione immagine Cerdomus
Tr a d u z i o n i
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n r. 117 3 d e l 1 9 / 12 / 2 0 0 1 ( c o n v a r i a z i o n e i s c r i t t a i n d a t a
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Sensi
di
Romagna