CINEMA CAPRANICA
CINEMA CAPRANICHETTA
CASA DEL CINEMA
INCONTRI CON IL CINEMA ASIATICO 5
20-28 NOVEMBRE 2004
AFGHANISTAN
CHASHMHAI SARGADAN
Occhi vaganti / Wandering eyes
Timor Hakimyar
Timor Hakimyar
Nato e cresciuto a Kabul, esordisce nel cinema come attore, nel
1985. La sua filmografia include
Jovtheman, Ghirdab (1996), Il piccolo gioco (2002), con Paolo
Grassini e Beniamino Natale e
Wandering eyes (2004).
Born in Kabul, starts his career as
an actor, in 1985. His filmography
includes Jovtheman, Ghirdab
(1996), Il Piccolo Gioco (2002),
with Paolo Grassini and Beniamino Natale and Wandering Eyes
(2004).
Sceneggiatura / Screenplay Timor Hakimyar
Fotografia (colore) / Photography (colour) Obaidullah Sadiqi
Montaggio / Editing Assadullah Rashidi
Musica / Music Javad Karimi
Interpreti / Cast Qader Farukh, Akram Khurami, Hashmat Fanai, Hanif
Hamgam, Safoor Ahankhil, Ahmad Shah Hakimyar
Produzione / Production T.H. Film
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 107’
Un’organizzazione criminale è dedita al sequestro di
bambini. Il dolore di tante famiglie induce la polizia ad
intensificare indagini. I rapimenti hanno scopi diversi, dal
traffico di organi alla tratta dei minori.
Le autorità inquirenti, infine, riescono ad arrestare un
gruppo di sequestratori e, grazie all’intervento dei militari,
liberano i piccoli prigionieri e distruggono il covo
dell’organizzazione.
A criminal organization is held responsible for the
abduction of a number of children. The grief of so many
families urges the police to intensify their investigations.
The abductors have different targets, from the sale of
human organs to the child trade.
The police finally arrest a group of abductors and, thanks
to a military raid, they rescue a number of children and
destroy the outlaws’ hideout.
AFGHANISTAN
BA SOHI RO
La via dell’illuminazione / Paths to brightness
M. Mousa Radmanish
M. Mousa Radmanish
Inizia la sua carriera
cinematografica come attore, nel
1997, e debutta alla regia nel
1986. Fra i suoi film ricordiamo
Horif-e-tokhim, Maiatga, e Hasi.
M.Mousa Radmanish starts his
career in cinematography as an
actor, in 1977, and makes his
debut as a director in 1986.
Among his movies we mention
Horif-e-tokhim, Maiatga, and Hasi.
Sceneggiatura / Screenplay M. Mousa Radmanish
Fotografia / Photography Soliman Radmanish
Montaggio / Editing Waqif Hossini
Musica / Music Radmanish
Interpreti / Cast S.Edress Ghaleb, S.Hanif Hamgam,
Hosna Tanho, Saba Sahar
Produzione / Production Radmanish Film
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 42’
Una vedova e suo figlio, le cui vite sono state distrutte
dalla guerra (il marito è morto durante un attacco
missilistico), affrontano i dolori e le difficoltà di un’epoca
turbolenta.
La coraggiosa donna sistema le cose gradualmente,
grazie alla pazienza, alla capacità di sopportazione e,
soprattutto, all’aiuto inestimabile del figlio Zalmai che
obbedisce a ogni suo ordine e, al tempo stesso, studia e
lavora per garantire il necessario. Egli diviene così un
rispettato e utile membro della famiglia, nonché modello di
un giovane che studia, lavora e lotta per i suoi diritti
all’interno della scuola.
A widow and her son, whose lives have been wasted by
war, face the grieves and hardships of their turbulent time.
Through patience and endurance, the brave woman
gradually straightens things up, with the invaluable help of
her son Zalmai, who obeys and carries out all of his
mothers orders, while, at the same time, he studies and
works to make ends meet.
The boy becomes an active and respected member of his
family as well as a true role model: Zalmai works, studies
and fights for his rights at school.
AFGHANISTAN
FRANCIA
Atiq Rahimi
Nato a Kabul nel 1962, lascia
l’Afghanistan nel 1984, al principio
della guerra. Recatosi in Francia,
completa gli studi superiori di
cinematografia all’Università di
Rouen e alla Nuova Sorbona.
Dopo aver lavorato per una
società di comunicazione, realizza
documentari (Zaher Shah - Le
royaume de l’exil, Nous avons
partagé le pain et le sel) e, per il
teatro, scrive e mette in scena
alcune pièce e coreografie.
Il 2000 vede la pubblicazione del
suo romanzo Terre et cendres
(Terra e cenere, ed. Einaudi) da
cui è tratto il film in programma,
che riscuote il favore di critica e
pubblico; pubblica in seguito altri
due romanzi (editi in Italia da
Einaudi: Le mille case del sogno e
del terrore, 2003; L’immagine del
ritorno, 2004).
Born in Kabul in 1962, Atiq Rahimi
quits Afghanistan for France in
1984, at the start of the war.
Thereafter, he completes his
studies in cinematography at the
Rouen and Nouvelle Sorbonne
Universities. After working in the
communication business for a
while, he shoots some – e
royaume de l’exil, Nous avons
partagé le pain et le sel) and
carries out a few plays and
choreographies for the stage.
His novel Terres et Cendres – of
which the screenplay of the movie
presented here is an adaptation –
is published in 2000, earning him
the approval of criticism and
readers alike.
KHÂKESTAR-O-KHÂK
Terra e cenere / Earth and ashes
Atiq Rahimi
Sceneggiatura / Screenplay Kambozia Partovi and Atiq Rahimi
Fotografia (colore) / Photography (colour) Eric Guichard
Montaggio / Editing Ursula Lesiak
Musica / Music Andrè Rigaut, Selim Azzazi, Bruno Tarriere
Interpreti / Cast Abdul Ghani, Jawan Mard Homayounm, Walli Tallosh,
Guilda Chahverdi
Produzione / Production Dimitri de Clerq
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 105’
Il vecchio Dastaguir intraprende un viaggio verso la cava
di carbone in cui lavora il figlio Mourad, per riferirgli del
villaggio bombardato e della strage dei suoi abitanti.
Dastaguir è il passato dell’Afghanistan, con le sue
tradizioni e il suo codice d’onore. Lo accompagna il nipote
Yacine, il futuro di un paese menomato dalla guerra.
Mourad è il presente, una generazione, quella dell’autore,
tradita dalla politica. Silenzio e fissità scandiscono il ritmo
della narrazione, esteriorizzando ogni più impercettibile
moto interiore dei personaggi. La guerra non è spettacolo
qui, la macchina da presa non si sofferma sull’edificio in
fiamme ma piuttosto sui volti di coloro che la osservano
bruciare.
Per la sua semplicità e autenticità Earth and Ashes è
anche un “road movie” afgano. Nel suo carattere
disadorno, il film vuole dar voce alla solitudine e alla
paura di non essere uditi.
Old Dastaguir sets out on a journey to the coal mine
where his son Mourad works, to tell him about the
bombed village and the slaughter of all but its inhabitants.
Dastaguir represents the past of Afghanistan, with its
traditions and code of honor. He travels with a kid, his
nephew Yacine, who represents the future of a country
wasted by the war.
Mourad is the present, a generation – which the author
himself belongs to – betrayed by politics. Silence and
stillness set the pace of the narrative frame, serving to
highlight even the slightest emotional fluctuation of the
characters. War is not entertainment here. The camera
does not focus solely on the burning house, but rather on
the faces of those who watch it burn. Due to its simplicity
and authenticity,’ Earth and Ashes” can also be seen as
an Afghan “road movie”. Its simple form gives a voice to
the suffering, solitude and fear of not being heard.
BANGLADESH
BACHELOR
Lo scapolo / Bachelor
Mostofa Sarwar Farooki
Mostofa Sarwar Farooki
Bachelor è il primo lungometraggio
del regista bengalese Mostofa
Sarwar Farouki, con il quale ha
partecipato al Third Eye Asian Film
Festival e al Bangladesh Film
Festival; in quest’ultima rassegna
ha meritato il premio della critica
per la regia. In precedenza,
Farouki ha girato fiction televisive
fra cui menzioniamo Choruivati,
Pratyabartan, Kanamachi,
Ainamahal e 51borti (serial).
Bachelor is the first full lenght
feature movie by Bengalese
director Mostofa Sarwar Farouki.
The film was Featured at the Third
Eye Asian Film Festival and at the
Bangladesh Film Festival; in the
latter, Farouki earned the critic
award for direction.
Prior to this he carried out TV
fictions, among which we recall
Choruivati, Pratyabartan,
Kanamachi, Ainamahal and
51borti (serial).
Sceneggiatura / Screenplay Anisul Hoque
Fotografia (colore) / Photography (colour) Saiful Islam Badal
Montaggio / Editing Junayed Ahmed Halim
Musica / Music Marzuk Russell, Kamaruzzaman Kamu,
Kabir Bakul, Ayub Bachchu, Bappa Majumder, Tutul and Pablo Khan
Interpreti / Cast Humayun Faridi, Ferdous, Ahmed Rubel,
Arman Parvez Murad, Hasan Masood, Marzuk Russell
Produzione / Production Impress Telefilm Ltd.
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 140’
Cinque scapoli, Hasan Masood, Rumel, Fahim, Marzuk
Russell and Maruf, vivono in un lussuoso appartamento a
Bharidhara, un prestigioso quartiere di Dacca. La loro
provenienza è assai eterogenea: chi viene da un villaggio,
chi da una district town, chi dalla stessa Dacca. Di età
compresa tra i 26 e I 38 anni, fra i cinque c’è chi è
innamorato, chi cerca un’amante e, infine, chi ha
dichiarato guerra alle donne e all’amore stesso. Uno, in
particolare, cerca ostinatamente di agganciare una
giovane benestante per garantirsi migliori condizioni
economiche. Sebbene vivano a Bharidhara,
i cinque sono insolventi. Il proprietario dell’appartamento,
il quarantaquattrenne Abrar, a sua volta single, si dichiara
presidente della “Corte degli scapoli”. Apparentemente,
Abrar odia le donne ma, nell’intimo …
Un semplice, spontaneo e veritiero quadro della vita.
Five bachelors, Hasan Masood, Rumel, Fahim, Marzuk
Russell and Maruf, live in a luxurious flat in the prestigious
area of Dhaka called ‘Bharidhara’. They come from either
a village, a district town or Dhaka itself. Their age ranging
from 26 to 38, some of them are in love, someone is
trying to find a lover, while someone else has resolved to
wage war on women and love. One of them is tenaciously
chasing a well-off girl in order to improve his economic
condition.
Although they live in Bharidhara, they are not financially
solvent. The flat belongs to 44 year-old Mr. Abrar, a
bachelor in his turn, who considers himself the president
of the ‘Bachelor’s Forum’. Apparently, Abrar is mysoginous
but, deep in his heart…
A casual, unpretentious and truthful portrayal of life.
CAMBOGIA
MOTO THIEF
Ladri di motociclette / Moto thief
K. M. Lo
K.M.Lo
Moto Thief (2003/04) è il primo
lungometraggio diretto da K.M.Lo
(ha 42 anni), ex-fotografo di moda
originario di Hong Kong e
Singapore. Come direttore della
fotografia, montatore e production
designer ha partecipato alla
realizzazione di documentari e
video musicali.
È fondatore della Camp Film
Society, un’organizzazione non
governativa con sede a Hong
Kong, diretta dallo stesso K.M.Lo
e dalla sua famiglia,
il cui scopo è di offrire assistenza
e formazione gratuita ai giovani
del terzo mondo che desiderano
acquisire capacità professionali
per l’industria cinematografica e
multimediale. Nel 2002, avvia un
corso gratuito di formazione
cinematografica per i giovani
cambogiani. Dopo dieci incontri,
seleziona alcuni dei partecipanti
per la realizzazione di Moto Thief,
un progetto auto-finanziato con un
budget complessivo di soli 550
usd.
Moto Thief (2003/04) is the first
feature movie directed by K.M.Lo
(42 years old), a former fashion
photographer of Hong KongSingapore descent. He has
worked at a number of
documentaries and video clips as
director of photography, editor and
production designer. He is the
founder of Camp Film Society, a
Hong Kong based, nongovernment organization run by
K.M.Lo himself and his family,
providing free training and
assistance to third world youths
who want to acquire multimedia
and filmmaking skills.
In 2002, he started a free
filmmaking training program for
young Cambodians. After ten
lessons he hired some of the
young participants as a crew for
the making of Moto Thief, a selffunded, 500 usd budget project.
Sceneggiatura / Screenplay K.M.Lo
Fotografia (colore) / Photography (colour) K.M.Lo
Montaggio / Editing K.M.Lo
Musica / Music J. Somchai, Yamamoto
Interpreti / Cast Toch Solinar, Boon Chai, Kry Sheng Heang, Chea Kim
Eang, Yim Sopal, Nour sa Ran, Patrick Kelly, Seam Piseth, K.M.Lo
Produzione / Production Sixth Xense Inncast Multimedia
in associazione con cbird Digital Divide Data Global Children
Anno di produzione / Year of production 2003/04
Durata / Running time 62’
“Molte persone lavorano sodo per far quadrare il bilancio
… altre anche di più”. Solinar è senza lavoro. Sua moglie
Heang sbarca il lunario vendendo alimentari, mentre il
figlio Chai contribuisce lustrando scarpe dopo la scuola.
Heang si rivolge a un veggente, il quale predice che
Solinar avrà presto un lavoro. Solinar, infatti, trova un
posto come fattorino ma deve procurarsi una motocicletta.
La famiglia vende tutto ciò che ha per comprarla.
Sfortunatamente, il primo giorno di lavoro, un ladro si
dilegua con la moto di Solinar … Ispiratosi a Ladri di
biciclette di Vittorio De Sica, K.M.Lo ha voluto affrontare
tematiche sociali e, al tempo stesso, incoraggiare i giovani
cineasti cambogiani, dimostrando loro che non vi è
bisogno di capitali ingenti e attrezzature costose per
realizzare un buon film, ma solo di dedizione e uso
accorto dei mezzi di cui si dispone.
“Most people work hard to make ends meet … some work
even harder”. Solinar is unemployed. His wife Heang
works as a food vendor to make ends meet, while their
son Chai contributes working as a shoe-shine boy after
school. Heang consults a psychic, who predicts Solinar
will soon get job.
Indeed, Solinar has a chance to work as courier, but he
must get his own motorcycle. The family sells all they
have to buy one. Unfortunately, on his first shift, Solinar’s
new bike is stolen …Inspired by Vittorio De Sica’s Ladri di
biciclette, K.M.Lo’s aim was to deal with social issues and,
at the same time, to encourage young Cambodian
filmmakers, showing them that if one wisely and devotedly
uses the means at his disposal, substantial funds and
expensive equipment are not necessary to carry out a
good movie.
CINA
FEI ZAO JU
Soap Opera
Wu Er Shan
Wu Er Shan
Nasce nel 1972 a Huhehaote,
nella parte interiore della
Mongolia, Cina. Nel 1998 si laurea
presso il Dipartimento di regia
dell’Accademia cinematografica di
Pechino. Attualmente si occupa di
video arte e di pubblicità.
Soap opera ha vinto al Pusan
International Film Festival (2004) il
premio Fipresci come migliore
nuovo film asiatico.
Wu Er Shan was born in 1972, in
Huhehaote, Inner Mongolia,
China. In 1998, he graduates from
the Department of Direction at the
Beijing Film Academy. At present,
he works as a video artist and
commercial director.
Soap opera won at the 2004
Pusan International Film Festival
the Fipresci prize as the best new
Asian film
Sceneggiatura / Screenplay Wu Er Shan
Fotografia (colore) / Photography (colour) Guo DaMing, Liu YongHong :
Musica / Music Feng JiangZhou
Interpreti / Cast Deng Feng, Chen LeYi, Zhang Hui
Produzione / Production Wang Yu
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 90’
Soap Opera è costituito da episodi indipendenti fra loro:
uno studente maltrattato rapisce il figlio del vicino di casa;
un uomo di mezza età non riesce a prender sonno a
causa del rumoroso vicino del piano di sopra; un
padre,bravo cuoco, prepara qualcosa d’inatteso …
Gli episodi hanno origine fra i pettegolezzi e le pagine dei
giornali e sono ricostruite a memoria. Sebbene appaiano
incredibili sotto alcuni aspetti, possono essere ritenute
rappresentazioni realistiche della natura umana.
Giudizi di valore e pulsioni emotive possono viziare
l’integrità e il flusso caotico del reale. L’approccio di base
non contempla perciò alcun tipo d’analisi psicologica,
giudizi morali o limitazioni dei processi di causa-effetto.
La vita non ha un inizio e una fine ben delineati. È solo
una rassegna di immagini indissociabili l’una dall’altra.
Soap Opera is made up of several independent short
stories: a mistreated student who kidnaps his neighbor’s
child; a middle-aged man who cannot get to sleep
because of a noisy neighbor upstairs; a father how is a
good cook makes something unexpected...
These stories are taken from gossip or newspapers and
compiled according to memory. Although they are
incredible in some aspects, they can still be held as true
representations of human nature.
Judgment on value or emotional tendencies can influence
the integrity and the chaos of reality. Therefore, the basic
attitudes are: no psychological analysis, no moral
judgment, no limitation of the cause/effect process.
Life is not a story with clear beginning and a clear end. It
shows only a progression of scenes that cannot be
dissociated from one another.
CINA
YUN DE NAN FANG
A sud delle nuvole / South of the clouds
Zhu Wen
Zhu Wen
Nasce nel 1967 a Quangzhou City,
provincia del Fujian, Cina.
Laureatosi alla Southeast
University nel 1989, intraprende
l’attività d’ingegnere ma, nel 1994,
vi rinuncia e si dedica alla
professione di scrittore. Da allora,
ha pubblicato quattro antologie di
racconti, una raccolta di poesie e
un romanzo (A Case I Was in
Charge). Nel 1995, firma la
sceneggiatura di Rain Clouds on
Wushan Mount, tratta dal suo
stesso romanzo e, nel 1998, di
Seventeen Years, con la quale si
aggiudica il primo premio al
Festival internazionale del cinema
di Teheran. Due anni dopo,
debutta alla regia con Seafood,
vincendo il premio speciale della
giuria al 58° Festival del cinema di
Venezia.
La sua seconda opera come
sceneggiatore e regista è South
of the Clouds (2004), che ottiene
importanti riconoscimenti ai festival
di Berlino, Hong Kong e Shanghai.
Zhu Wen was born in 1967 in
Quangzhou City, Fujian Province,
China. After graduating from the
Southeast University in 1989, he
works as an engineer but in 1994
he quits to devote himself to
writing. Thereafter, he publishes
four anthologies of short stories, a
collection of poetry and a novel (A
Case I Was in Charge). In 1995 he
writes the script of Rain Clouds On
Wushan Mount, adapted from his
own novel and, in 1998, of
Seventeen Years, the latter
winning as best screenplay at the
19th Teheran International Film
Festival. Two years later he debuts
as a director with Seafood,
winning the Special Jury Award at
the 58th Venice Film Festival.
His second movie as both a
screenwriter and director, South of
the Clouds (2004), earns important
awards at the Berlin, Hong Kong
and Shanghai film festivals.
Sceneggiatura / Screenplay Zhu Wen
Fotografia (colore) / Photography (colour) Wang Min
Montaggio / Editing Kong Jin Lei
Musica / Music Zuoxiao Zuzhou
Interpreti / Cast Li Xue Jian, Liu Changsheng, Jin Zi, Zhao Huanyu, Wu
Yue
Produzione / Production China Film Assist, Beijing
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 100’
Trasferirsi nello Yunnan è il sogno di una vita per Xu
Daqin.
Xu ha la possibilità di andarvi da giovane ma la relazione
con una ragazza lo induce al matrimonio e a trattenersi
nel nord della Cina. Ciò che ne segue è una monotona
routine di lavoro e liti con la moglie. Di tanto in tanto, Xu
immagina quanto la sua vita sarebbe stata differente se si
fosse trasferito.
Dopo molte peripezie, Xu raggiunge lo Yunnan. Qui, si
lascia coinvolgere in una complessa relazione con una
prostituta che, infine, lo conduce al carcere…
Il dissidio interiore di Xu costituisce il tema centrale del
film: la scelta di una via, implica necessariamente la
rinuncia a un’altra. South of the Clouds è la storia della
vita ‘impossibile’ di un uomo.
To move to the Province of Yunnan has been a lifelong
dream for Xu Daqin. Xu had had a chance to do so when
he was a young man, but a relationship ultimately led to
marriage and a decision to stay in Northern China. What
follows is a dull routine of working and fighting with his
wife. Now and then, Xu thinks of how different his life
would have been had he moved.
After many vicissitudes, Xu succeeds in reaching Yunnan.
Here, he becomes embroiled in a rather complex
relationship with a prostitute, that eventually leads to his
imprisonment …
Xu’s inward distress is the main theme of the movie: the
choice of one kind of life necessarily means the loss of
another. South of the Clouds is the story of someone’s
impossible life.
COREA
FRANCIA
YEOJANEON
NAMJAEU MIRAEDA
La donna è il fututro dell’uomo / Woman is the
future of Man
Hong Sangsoo
Nato nel 1960, studia cinematografia
all’Università di Chungang, Seul.
Trasferitosi negli usa, si diploma al
College of Arts and Crafts of
California e all’Art Institute of
Chicago. Tornato in Corea, gira il suo
primo film The Day a Pig Fell Into the
Well (1996), per il quale merita il
premio Dragons & Tigers al
Vancouver International Film Festival
(1996) e il Tiger Award al Festival
Internazionale del Cinema di
Rotterdam (1997). Il suo film
successivo, The Power of Kangwon
Province, riceve un elogio speciale al
Festival di Cannes del 1998. Girato in
un particolare, caliginoso bianco e
nero, The Virgin Stripped Bare by Her
Bachelors (2000) sigla
definitivamente la coerenza dell’opera
di Sangsoo e permette al regista di
esplorare ulteriormente le possibilità
narrative della sua arte. Nel 2002,
con Turning Gate, Hong Sangsoo si
rivolge alla commedia e ad una
maggior sobrietà espressiva. Il film è
il suo primo successo di botteghino in
Corea
Born in 1960, Hong Sangsoo studied
filmmaking at Chungang University,
Seoul. He then moved to the usa and
graduated from the College of Arts
and Crafts of California and from the
Art Institute of Chicago.
After his return to Korea, he shot his
first film, The Day a Pig Fell into the
Well, in 1996. The movie earned the
Dragons & Tigers prize at the
Vancouver International Film Festival
(1996) and the Tiger Award at the
Rotterdam International Film Festival
(1997). His next film, The Power of
Kangwon Province, received a
special commendation at the 1998
Cannes Film Festival. Shot in hazy
black and white, The Virgin Stripped
Bare by Her Bachelors (2000)
asserted the coherence of Hong
Sangsoo’s work and allowed the
filmmaker to further explore the
narrative possibilities of his art. In
2002, with Turning Gate, Hong
Sangsoo turned towards comedy and
a greater sobriety. This movie was his
first box-office hit in Korea.
Hong Sangsoo
Sceneggiatura / Screenplay Hong Sangsoo
Fotografia (colore) / Photography (colour) Kim Hyungkoo
Montaggio / Editing Ham Sungwon
Musica / Music Jeong Yongjin
Interpreti / Cast Yoo Jitae Munho, Kim Taewoo Hunjoon, Sung Hyunah
Sunhwa
Produzione / Production mk2 - Unikorea - Miracin Korea
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 87’
Due amici s’incontrano dopo molti anni e finiscono con
l’ubriacarsi. Rievocando il passato, rammentano una
donna con la quale entrambi hanno avuto una relazione. I
loro ricordi, tuttavia, così come i loro attuali modi di vivere,
sembrano entrare in contrasto. In stato di ubriachezza, i
due decidono di mettersi alla ricerca della donna. Quando
infine la trovano, la loro odissea di due giorni si risolve in
una serie di domande: perché abbiamo bisogno di
fantasticherie, di preziose memorie e dell’idea di un
futuro? Il futuro sarà o è soltanto un’idea alienante?
Two friends meet after a long time and end up getting
drunk. Talking about the past, they recall a woman they
both had a relationship with. Their memories though, as
well as their present lifestyles, seem to come into
collision,. In a state of drunkenness, they set out on a
search for the woman. When they eventually find her, their
two-day odyssey ends off in a number of questions: why
do we need fancies, cherished memories and the idea of
future? Is this future going to be or just an alienating idea?
FILIPPINE
BRIDAL SHOWER
La festa della sposa / Bridal shower
Jeffrey Jeturian
Jeffrey Jeturian
Nato a Manila, si è laureato in
scienze della comunicazione
all’Università delle Filippine.
Nell’arco di quindici anni, si è fatto
strada nell’industria
cinematografica come assistente
alla produzione, art director,
production designer e assistente
alla regia. Nel 1998, debutta alla
regia con Sana Pag-ibig Na (Enter
Love).
Il suo secondo film, Pila Balde
(Fetch A Pail of Water), un
successo di pubblico e critica,
vince il premio della giuria netpac
al 1° Cine Manila International
Film Festival e, nel 2000, il Gold
Award al Worldfest International
Film Festival di Houston, Texas.
Nel 2001, Tuhog (Larger Than
Life) è stato premiato come miglior
film agli Urian Awards, assegnati
dalla più antica associazione di
critici cinematografici delle
Filippine.
Born in Manila, Jeffrey Jeturian is
a Communication Arts graduate of
the University of the Philippines.
He worked his way up in film
production as a production
assistant, art director, production
designer and assistant director
over a 15-year span. He makes
his debut as a director 1998 with
Sana Pag-ibig Na (Enter Love).
His second film, Pila Balde (Fetch
A Pail of Water), was both a
critical and commercial success
and won the netpac Jury Award at
the 1st Cine Manila International
Film Festival in 1999 and a Gold
Award at the 2000 Worldfest
International Film Festival in
Houston, Texas.
Tuhog (Larger Than Life) was the
2001 Best Picture at the Urian
Awards, assigned by the oldest
critics group from the Philippines.
Sceneggiatura / Screenplay Chris Martinez
Fotografia (colore) / Photography (colour) Nap Jamir/Katrina Holigores
Montaggio / Editing Tara Illenberger
Musica / Music Jesse Lucas
Interpreti / Cast Dina Bonnevie, Cherry Pie Picache, Francine Prieto
Produzione / Production Seiko Film Inc.
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 128’
Tre donne alla ricerca della felicità mentre affrontano le
questioni più importanti delle loro vite: sesso, amore e
matrimonio.
Sonia ha due relazioni: un pittore che lotta per emergere
ed un giovane ricco che le prospetta un agiato futuro. La
vicenda di Tates ruota intorno ai problemi del divorzio e
delle pressioni sociali che la donna moderna affronta in
materia di matrimonio e famiglia. Plump Katie è fissata
con gli uomini di bell’aspetto e si prende una cotta per un
gentile spogliarellista, incontrato durante la festa d’addio
al celibato di Sonia.
Una divertente tragicommedia sulle debolezze umane in
amore, sesso e matrimonio che, al tempo stesso, esplora
gli innegabili legami tra denaro e relazioni.
Three women search for happiness as they confront the
most important issues of their lives: sex, love, and
marriage.
Sonia has two affairs: a struggling painter she’s in love
with and a well-off young man who provides her the
prospect of a secure future. Tates’ story revolves around
the issues of divorce and social pressures endured by
modern women, regarding marriage and raising a family.
Plump Katie is obsessed by good-looking men and has a
crush on a kind-hearted male stripper she meets during
Sonia’s bridal shower.
A hilarious film that laughs and cries at the foibles of love,
sex, and marriage, while exploring the undeniable link of
economics and relationships.
FILIPPINE
DUDA
Dubbio / Doubt
Crisaldo Pablo
Crisaldo Pablo
È uno dei registi della celebre e
premiata serie di documentari
televisivi I-Witness e della
trasmissione Emergency. Nel
2003, Selda Inosente, un
documentario I-Witness è stato
insignito del premio televisivo
unicef. Pablo ha scritto, diretto e
prodotto drammi televisivi
presentati nel corso di numerose
rassegne nazionali. Sa Iyong
Paggising (2001), è stato
nominato come miglior film per la
televisione da Star Awards for
Television, un ente del Philippines
Movie Press Club. Come
sceneggiatore e regista, Crisaldo
Pablo si è spesso occupato di
urgenti problemi sociali come la
tossicodipendenza e la gravidanza
fra gli adolescenti, l’identità
sessuale, l’aids e la prostituzione
(Tatlong Ulit, 2000; Ngayong Gabi,
2000; Ligaya’s Choice 1998; Slow
Motion, 1998; Voice Over, 2001).
Doubt è il suo primo
lungometraggio.
Is one of the directors of the
award-winning and internationally
acclaimed tv documentary series IWitness and of the broadcast
Emergency. Selda Inosente, an IWitness documentary has been
awarded at the 2003 unicef
Television Awards. He has
produced, written and directed
several independent television
dramas which have been
screened at various local festivals.
Sa Iyong Paggising (2001) was
nominated as Best tv Movie by the
Star Awards for Television, a body
of the Philippine Movie Press
Club.
As a writer and director, Pablo has
often dealt with urgent social
issues such as teenage drug
addiction and pregnancy, sexual
identity, aids and prostitution
(Tatlong Ulit, 2000; Ngayong Gabi,
2000; Ligaya’s Choice 1998; Slow
Motion, 1998; Voice Over, 2001).
Doubt is his first full-length film.
Sceneggiatura / Screenplay Crisaldo Pablo
Fotografia (colore) / Photography (colour) Alma De la Pena
Montaggio / Editing Tyrone Rabago, Cris Pablo, Julo Quinto
Musica / Music Isha
Interpreti / Cast Andoy Ranay, Paolo Gabriel, Bel Clerigo, Rey Pumaloy,
Amanda Virrey, Jojo Nones, Larry Burns, Buddy Caramat, Arnold Reyes
Produzione / Production Grupong Sinehan Inc. e U.P. Cineastes Studio,
Quezon City, Filippine
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 116’
Dove arrivereste per amore? Una giornalista TV, un regista e un produttore ridefiniscono in chiave contemporanea
i concetti di amore, relazione e fedeltà.
Cris, il regista lotta per l’amore che egli crede sia alla
base della sua tormentata relazione. È deciso a preservarlo nonostante le infedeltà del compagno. Erik, il padre
di famiglia, ha una relazione extraconiugale. Non sa decidere se trascinarsi con una donna che non ama più per il
bene della famiglia o se essere felice con la nuova amante. April, la giornalista, ha superato i trenta e non ha ancora trovato l’uomo giusto. Si sente incapace d’amare.
Cosa fareste se sospettaste la persona amata d’infedeltà?
Lottereste per difendere il vostro amore? Dove arrivereste
per amore?
How far would you go for love? A TV reporter, a director
and a producer redefine in contemporary terms the concepts of love, relationship and faithfulness.
Director Cris struggles to bring out the love he thinks lies
behind his turbulent relationship. He’s determined to preserve it despite his partner’s infidelity. Erik, the family
man, has an extramarital relationship. He cannot decide
whether to carry on with a wife he does not love any longer for the sake of his family or to be happy with his new
lover. April, the reporter, is a woman in her thirties and has
yet to find the right man. She feels unable to love.
What would you do, if you suspected the person you love
is unfaithful? Would you fight for your love? How far would
you go for love?
FILIPPINE
HANOI GÉNÉRATION
DOI MOI
Hanoi, generazione Doi Moi
Olivier Rochot
Olivier Rochot
Laureato in storia dell’arte presso
l’Institut Supérieur des Carrières
Artistiques, di Parigi, comincia a
girare documentari quando, nel
1995, si trasferisce nelle Filippine.
Concentratosi sulla scena artistica
di Manila, la sua opera di regista
spazia dalle riprese di balletto e
danza contemporanea a ritratti di
autori e documentari sulle arti
visive. Nel 2003, con Rémi
Cordon, fonda la Kita Production,
allo scopo di promuovere, per
mezzo di documentari, l’arte e la
cultura dell’Asia sud-orientale. Suo
lavoro di spicco è Realizing Rama,
una riduzione per lo schermo di
un’opera di danza moderna tratta
dal Ramayana
Olivier Rochot, an art history major
from the Institut Supérieur des
Carrières Artistiques, Paris, started
to work as a documentary
filmmaker when he moved to the
Philippines, in 1995. His work has
ranged from filming ballet and
contemporary dance to portaraits
of artists and video documentation
of visual art exhibits, focusing on
the Manila scene. In 2003, with
Rémi Cordon, he created Kita
Production to promote, through
documentaries, the arts and
cultures of South-East Asia.
His major work is Realizing Rama,
a video rendition of a modern
dance version of the Ramayana.
Sceneggiatura / Screenplay Ringo Bunoan, Rémi Cordon, Olivier
Rochot
Fotografia (colore) / Photography (colour) Olivier Rochot
Montaggio / Editing Rémi Cordon, Olivier Rochot
Musica / Music Wu Nhat Tan
Produzione / Production Kita Production, Parigi- Manila
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 19’
Il documentario Hanoi Génération Doi Moi illustra le
vedute di artisti diversi in una società vietnamita che
cambia, in relazione agli sviluppi che, dal 1985 hanno
caratterizzato la scena artistica del paese.
The documentary Hanoi Génération Doi Moi illustrates the
views of different artists in a changing Vietnamese society,
with reference to the evolution of the visual arts scene
since 1985.
GIAPPONE
DOPPERUGENGA
Doppelganger
Kurosawa Kyoshi
Kurosawa Kiyoshi
Nato a Kobe, Giappone, nel 1955,
debutta come regista nel 1983,
con Kandagawa Wars, seguito da
The Excitement of Do-Re-Mi-Fa
Girl (’85), Sweet Home (’89), e
The Guard from the Underground
(’92). Nel 1992, Kurosawa vince
una borsa di studio presso il
Sundance Institute per la
sceneggiatura originale di
Carisma. Attira l’attenzione
internazionale con Cure (’97) e,
nel 1999, merita il raro onore di
veder presentati tre dei suoi film a
Berlino, Cannes e Venezia.
Il suo Bright Future (2003) è stato
presentato nella scorsa edizione di
“Incontri con il cinema asiatico”.
Born in Kobe, Japan, in 1955,
Kurosawa Kiyoshi made his debut
as a director in 1983, with
Kandagawa Wars, followed by The
Excitement of Do-Re-Mi-Fa Girl
(’85), Sweet Home (’89), and The
Guard from the Underground (’92).
In 1992, Kurosawa won a
Sundance Institute Scholarship for
his original script, Charisma. He
first attracted international
attention with Cure (’97) and in
1999, the director received the
rare honor of having three different
films selected by Berlin, Cannes
and Venice.
His Bright Future (2003) was
presented in last year’s edition of
Incontri con il cinema asiatico.
Sceneggiatura / Screenplay Kurosawa Kiyoshi, Furusawa Takeshi
Fotografia (colore) / Photography (colour) Mizuguchi Noriyuki
Montaggio / Editing Onaga Masahiro
Musica/Music Hayashi Yusuke
Interpreti / Cast Yakusho Koji, Nagasaku Hiromi, Yusuke Santamaria
Produzione / Production Towani Production in associazione con Twins
Japan
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 107’
Hayasaki progetta apparecchiature mediche. È l’eroe
dell’azienda e tutti nutrono grandi aspettative nei confronti
della sua rivoluzionaria sedia-corpo umano artificiale.
Sotto una tale pressione, cade in una profonda crisi. Un
giorno, mentre lotta con la sua invenzione, s’imbatte nel
suo doppelganger. Dal tedesco “doppio camminatore”, un
doppelganger è un sé-ombra che cammina accanto
all’uomo. Incontrare il proprio, molti credono, è presagio di
morte imminente. Dapprima terrorizzato, Hayasaki cerca
di allontanarlo ma questi torna insistentemente,
promettendogli di realizzare i suoi sogni. Col tempo, i due
finiscono per cooperare alla nuova invenzione. Una volta
completata, Hayasaki fa una scelta sorprendente.
Hayasaki develops medical equipment. He’s the company
hero, and everyone has high expectations about his
groundbreaking artificial human body-chair. Under such a
pressure, Hayasaki falls into a terrible slump. One day,
while struggling with his new device, he runs into his
doppelganger. Meaning ‘double walker’ in German, a
doppelganger is a shadow-self that walks by a man’s side.
To meet one’s double, many believe, is the premonition of
an imminent death. Initially, Hayasaki is terrified and tries
to drive the doppelganger away, but it returns again and
again insisting it can make Hayasaki’s dreams come true.
In time, the two of them cooperate to complete the
invention. When finally accomplished, Hayasaki makes a
startling choice.
GIAPPONE
KONO YO NO SOTO E:
CLUB SHINCHUGUN
Out of this World
Junji Sakamoto
Junji Sakamoto
Fra i principali registi giapponesi
indipendenti degli anni ’90, Junji
Sakamoto debutta alla regia nel 1989,
con il film Knock Out!, la toccante storia
di un pugile che, dopo il ritiro per gravi
lesioni, tenta di tornare alla ribalta.
Knock Out! ottiene un considerevole
successo e segna l’inizio di una serie di
film che il regista dedica alla figura del
ribelle eccentrico.
Apprezzato per il linguaggio figurato
agile e raffinato, Sakamoto diviene un
modello di riferimento per molti aspiranti
registi. Face, del 1999, è un notevole
successo commerciale e merita
numerosi riconoscimenti in Giappone, fra
i quali il premio come miglior regista
attribuitogli dalla Japanese Academy.
Della filmografia di Sakamoto ricordiamo,
inoltre, Another Battle (Festival di
Rotterdam, 2000), un remake
contemporaneo di Battles without Honor
and Humanity, leggendario film sulla
yakuza di Fukasaku Kinji e KT (Festival
di Berlino, 2002), versione romanzata del
rapimento di Kim Dae-jung da parte della
CIA coreana, avvenuto a Tokyo nel 1973.
One of the leading Japanese
independent directors of the ‘90s, Junji
Sakamoto made his directorial debut in
1989 with Knock Out!, the touching story
of an injured boxer’s attempted
comeback. Knock Out! brought
Sakamoto considerable success and
was the first in a number of movies the
director has dedicated to idiosyncratic
rebels.
Appreciated for his fluid and refined
imagery, Sakamoto has become a role
model for aspiring young directors. Face
(1999) enjoyed a noteworthy commercial
success and earned many awards in
Japan, including Best Director from the
Japanese Academy. Among Sakamoto’s
other works we mention Another Battle
(Rotterdam Film Festival, 2000), a
contemporary remake of Fukasaku
Kinji’s legendary yakuza film, Battles
without Honor and Humanity and KT
(Berlin Film Festival, 2002) a fictional
rendition of Kim Dae-jung’s abduction by
Korean CIA in Tokyo, in 1973.
Sceneggiatura / Screenplay Junji Sakamoto
Fotografia (colore) / Photography (colour) Norimichi Kasamatsu
Montaggio / Editing Fukano Toshihide
Musica / Music Tachikawa Naoki
Interpreti / Cast Hagiwara Masato, Odagiri Joe, Matsuoka Shunsuke,
Murakami Jun, Mitch, Shea Whigham, Peter Mullan
Produzione / Production Shochiku Eisei Gekijo - Kadokawa-Daiei
Pictures - Asahi Broadcasting - fcb Worldwide (Japan) - Sedic
International System D - knho
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 123
1947: Tokyo lotta per riprendersi dal disastro bellico.
Un gruppo di giovani musicisti è deciso a guadagnarsi da
vivere con il jazz. Affascinati dall’invasore, i cinque
battezzano il gruppo ispirandosi a una marca di sigarette
americane. Il soldato Russell, che ha perso un fratello in
combattimento e perciò detesta i giapponesi, è un
sassofonista di talento e suona nello stesso locale. Tra
questi e il sassofonista Kentaro nasce un’aspra rivalità.
Dopo qualche tempo, a causa di alcune crisi personali, il
gruppo si scioglie. Quando Russell, tuttavia, trova il
cadavere di Hiroyuki stroncato da un’overdose, la tragedia
riunisce i ‘Lucky Strikers’. Questa volta Russell è con loro.
Nel 1950, scoppia una nuova guerra e i soldati americani
partono per la Corea. Quando arriva il suo turno, Russell
affida ai quattro compagni Out of This World, un brano
scritto per il gruppo.
1947: Tokyo struggles to recover from the war havoc. A
group of young musicians are determined to earn their
living out of jazz gigs. Dazzled by the glamorous invader,
they name the band after a brand of American cigarettes.
Russell, a young
GI who lost a brother in the war and therefore hates
Japanese, is a talented saxophonist who plays in the
same club. A bitter rivalry develops between Russell and
Kentaro.
After a while, cause of same personal issue, the band split
up. When Russell finds Hiroyuki dead of an overdose,
tragedy brings the band back together. This time, Russell
is with them. In 1950 war breaks out again and American
soldiers are off to Korea. When it’s Russell’s turn, he
leaves behind “Out of This World,” a song he’s written for
the band.
INDIA
AMERICAN
DAYLIGHT
La giornata americana
Roger Christian
Roger Christian
Vanta una lunga carriera
cinematografica. Vince un Academy
Award per le scenografie di Guerre
Stellari di Gorge Lucas e lavora con il
regista anche sul set del successivo Il
Ritorno dello Jedi. Ancora Lucas lo
sceglie per dirigere il secondo episo-dio
del più recente Guerre Stellari: La
Minaccia Fantasma. La sua prima
opportunità di dirigere un film per intero
viene con Black Angel, distribuito in
Inghilterra insieme a L’Impero colpisce
ancora. Segue il film dal titolo The Dollar
Bottom, che vince l’Academy Award
come miglior cortometraggio d’azione.
The Sen-der, distribuito poco dopo,
incontra un grande favore della critica.
Come regista firma, fra gli altri, Nostradamus (1994), con Julia Ormond and F.
Murray Abraham, The Final Cut (1995),
Underworld (1996), Master-minds (1997)
e il campione d’incassi Battlefield Earth:
A Saga of the Year 3000 (2000), con
John Travolta e Forrest Withaker.
Christian conta anche una candidatura
all’Oscar per la direzione artistica di
Alien, di Ridley Scott.
Has had an extensive film career. He won
an Academy Award for set decoration on
George Lucas’ Star Wars. Christian
worked with Lucas on Return of the Jedi
as well. He was then ‘hand-picked’ by
Lucas to direct the second unit on the
recent Star Wars: The Phantom Menace.
Christian’s first opportunity to direct a film
was the short feature entitled Black
Angel, which accompanied the UK
release of The Empire Strikes Back.
Black Angel was followed by another
short film, The Dollar Bottom, winner of
the 1981 Academy Award for Best Live
Action Short Film. The Sender, which
came next, received much critical
acclaim. His directing credits include
Monty Python’s Life of Brian,
Nostradamus (1994), starring Julia
Ormond and F. Murray Abraham, The
Final Cut (1995), Underworld (1996),
Masterminds (1997) and the blockbuster
Battlefield Earth: A Saga of the Year 3000
(2000), with John Travolta and Forrest
Whitaker..
Christian was also nominated for an
Academy Award for his art direction on
Ridley Scott’s Alien
Sceneggiatura / Screenplay Farrukh Dhondy
Fotografia (colore) / Photography (colour) Himman Dhamija
Montaggio / Editing Alan Strachan
Musica / Music Amaan Ali Bangash- Ayaan Ali Bangash
Interpreti / Cast Koel Purie, Nick Moran, Jennifer Siebel, Vijay Raaz,
Gulshan Grover
Produzione / Production Bobby Bedi, Kaleidoscope Entertainment
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 98’
American Daylight è una storia d’amore ambientata in due
continenti. Sujata, ‘Sue’ per chi chiama dall’estero, lavora
in un call center situato in un nuovo e fiorente sobborgo di
Dehli. L’agenzia gestisce i conti i correnti e le carte di
credito di Lawrence, un giovanissimo americano
benestante. Gli eventi trascinano i protagonisti in una rete
d’inganni, complotti, equivoci e conflitti culturali. American
Daylight è un thriller e una storia d’amore dei nostri tempi.
American Daylight is a love story set in two continents.
Sujata, ‘Sue’ to her international callers, works in a call
center located in a new burgeoning suburb of Delhi.
Lawrence is a rich American boy whose bank accounts
and credit cards are handled by the call centre. Our main
characters get gradually entangled in a web made up of
plots, deceit, misunderstandings and cultural clashes.
American Daylight is a thriller and a love story of our
times.
INDIA
FINAL SOLUTION
Soluzione finale
Rakesh Sharma
Rakesh Sharma
Inizia la sua carriera
cinematografica e televisiva nel
1986, come assistente alla regia in
Discovery of India di Shiyam
Benegal. La sua esperienza
nell’industria televisiva indiana
comprende l’organizzazione e il
lancio di tre emittenti - Channel
[V], Star Plus e Vijay TV – oltre a
diversi incarichi come consulente
di produzione. Da qualche tempo
ha ripreso a girare documentari
come regista indipendente. Nel
periodo 2002-03, la sua opera,
Aftershocks: The Rough Guide to
Democracy, è stata premiata come
miglior documentario a Friburgo e
ha meritato altri sette importanti
riconoscimenti (fra gli altri, il
Robert Flaherty Prize),
partecipando a oltre novanta
rassegne internazionali in Europa
e usa. Final Solution, il
documentario in programma, è
stato insignito del premio
Wolfgang Staudte e del premio
speciale della giuria (netpac) al
festival di Berlino.
Rakesh Sharma began his film/TV
career in 1986 as an assistant
director on Shyam Benegal’s
Discovery of India. His broadcast
industry experience includes the
set up and launch of 3 broadcast
channels in India – Channel [V],
Star Plus and Vijay TV – and
several production consultancy
assignments. He has now gone
back to independent documentary
film-making. His film Aftershocks:
The Rough Guide to Democracy
won the best documentary film
award at Fribourg and won 7 other
awards (including the Robert
Flaherty Prize) at various festivals
in usa and Europe during 2002-03.
Final Solution, the documentary
we present here, won the
Wolfgang Staudte award and the
Special Jury Award (netpac),at the
Berlin International film festival.
Montaggio / Editing Rakesh Sharma
Produzione / Production Rakesh Sharma
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 148’
“Il post-undici settembre”, afferma il regista Sharma, “è
segnato dall’accettazione generale di una politica
d’intolleranza, dall’ascesa del nazionalismo e da una
destra che sembra aver stretto la sua morsa su Europa e
USA, soprattutto con atteggiamenti ostili all’immigrazione
e all’Islam. La prima parte del documentario, Pride and
Genocide, tratta dell’esplosione di violenza
antimussulmana e dei disordini che ne sono seguiti. La
seconda parte, The Hate Mandate, documenta la
campagna elettorale del 2003 nel Gujarat e racconta
dettagliatamente come la destra abbia sfruttato a fini
propagandistici i fatti di Godhra (in cui 58 indù sono stati
bruciati vivi). A seguire, uno studio della situazione dopo i
tumulti e delle conseguenze patite da indù e mussulmani:
segregazione, boicottaggio economico e atti di violenza
reiterati, a più di un anno dalla carneficina.
‘In the post 9-11 world’ – director Sharma states – ‘ the
politics of intolerance is finding acceptance within the
mainstream, nationalism is on the rise and the right-wing
seems to be tightening its stranglehold across usa and
Europe mainly on the anti-immigrant/anti-Muslim issue’.
Part 1, Pride and Genocide, deals with the genocidal
violence against Muslims and its immediate aftermath.
Part 2, The Hate Mandate, documents the poll campaign
during the Assembly elections in Gujarat in 2003. It
records in detail the exploitation of the Godhra incident (in
which 58 Hindus were burnt alive) by the right-wing
propaganda machinery for electoral gains. Following is a
study of the situation after the storm and its impact on
Hindus and Muslims – segregation, economic boycott and
continuing acts of violence more than a year after the
carnage.
INDIA
DEV
Govind Nihalani
Govind Nihalani
Laureato in cinematografia, è
direttore della fotografia di
documentari, spot pubblicitari e
una dozzina di lungometraggi,
prima di debuttare alla regia con il
film Aakrosh (1981). Lavora quindi
con Richard Attenborough sul set
di Gandhi. Da allora si è occupato
della regia e della fotografia di
sedici lungometraggi, molti dei
quali hanno partecipato a
rassegne cinematografiche
internazionali, vincendo importanti
riconoscimenti, nazionali e
internazionali.
Graduated in cinematography,
Govind Nihalani works as director
of photography in a dozen feature
films and number of
documentaries and commercials,
before directing his debut film
Aakrosh. He then works with
Richard Attenborough on the set
of Gandhi. Thenceforth he has
directed and photographed sixteen
feature films, many of which have
participated in film festivals,
winning several prestigious
national and international awards.
Sceneggiatura / Screenplay Meenakshi Sharma
Fotografia (colore)/Photography (colour) Govind Nihalani
Montaggio / Editing Deepa Bhatia
Musica / Music Aadesh Shrivastava
Interpreti / Cast Amitabh Bachchan, Om Puri, Amrish Puri, Fardeen
Khan, Kareena Kapoor, Ehsaan Khan
Produzione / Production Govind Nihalani, Entertainment one applause,
Udbhau Dreamzone
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 172’
Il commissario aggiunto Dev Pratap Singh è un orgoglioso
e incorruttibile veterano di polizia. Il commissario speciale
Tejinder Khosla, dal canto suo, rappresenta l’ago della
bilancia tra gli interessi politici del ministro Bhandarker e
la dedizione di Dev nei confronti della legge.
Dev è la saga dell’amicizia che lega i due poliziotti … un
legame più forte del sangue. La trama si sviluppa
nell’ambiguo scenario contemporaneo, in cui vite innocenti
sono facile preda dell’opportunismo politico.
Joint commissioner Dev Pratap Singh is a proud and
incorruptible veteran police officer. Special commissioner
Tejinder Khosla is the balancing force between the
political interests of minister Bhandarker and Dev’s
commitment to law. The film is the saga of Dev and Tej’s
friendship … a bond wich is stronger than blood ties. The
story unfolds against today’s obscure scenery, in which
innocent lives are often preys to political expedience.
INDIA
HAZAAR CHAURASI
KI MA
La madre del 1084 / Mother of 1084
Govind Nihalani
Govind Nihalani
Laureato in cinematografia, è
direttore della fotografia di
documentari, spot pubblicitari e
una dozzina di lungometraggi,
prima di debuttare alla regia con il
film Aakrosh (1981). Lavora quindi
con Richard Attenborough sul set
di Gandhi. Da allora si è occupato
della regia e della fotografia di
sedici lungometraggi, molti dei
quali hanno partecipato a
rassegne cinematografiche
internazionali, vincendo importanti
riconoscimenti, nazionali e
internazionali.
Graduated in cinematography,
works as director of photography
in a dozen feature films and
number of documentaries and
commercials, before directing his
debut film Aakrosh. He then works
with Richard Attenborough on the
set of Gandhi. Thenceforth he has
directed and photographed sixteen
feature films, many of which have
participated in film festivals,
winning several prestigious
national and international awards.
Sceneggiatura / Screenplay Govind Nihalani
Fotografia (colore) / Photography (colour) Govind Nihalani
Montaggio / Editing Deepa Bhatia
Musica / Music Debajvoti Mishra
Interpreti / Cast Jaya Bhaduri, Anupam Kher Seema Biswas Milind
Gunaji Joy Sengupta, Nandita Das
Produzione / Production Udbhav
Anno di produzione / Year of production 1997
Durata / Running time 186’
Calcutta, Bengala Occidentale, 1970-72. La città è alle
prese con un gruppo di militanti di sinistra, noto come
“Movimento di Naxalbari”.
Sujata Chatterji è una matura e remissiva donna della
classe alto-borghese. Un giorno, di buon mattino, si
sveglia alla notizia che, Brati, il figlio più giovane e
prediletto, giace all’obitorio di Polizia, identificato da un
mero codice numerico: cadavere n° 1084. Il tragico
risveglio è l’inizio di un viaggio interiore di scoperta, nel
corso del quale, sforzandosi di comprendere l’impegno
politico e rivoluzionario del figlio, Sujata comincia ad
accorgersi della sua stessa alienazione da quella
borghesia ipocrita e compiaciuta che il figlio aveva
respinto.
Calcutta, West Bengal, 1970-72. The city is at grips with
leftist militants, known as the “Naxalbari Movement”.
Sujata Chatterji is a middle-aged, submissive, upper
middle class woman. One day, early in the morning, she is
awakened by the news that her youngest and favourite
son, Brati, is lying dead in the police morgue, referred to
as a mere numerical code: corpse No. 1084 This tragic
awakening is the beginning of an inward journey of
discovery, in the course of which, striving to understand
her son’s political and revolutionary commitment, Sujata
starts to acknowledge her own alienation, as a woman
and a wife, from the complacent, hypocritical bourgeois
society her son had repelled.
INDIA
ROLL CALL
Appello
Nandita Das
Nandita Das
Nata in una famiglia di artisti, è oggi
un’attrice ed attivista sociale assai
stimata. Il suo interesse per le
problematiche sociali prende forma per la
prima volta quando Nandita si unisce al
Jan Natya Manch, un gruppo teatrale di
strada fondato da Safdar Hashmi. Quindi,
per più di un decennio, si dedica
all’Odissi, una forma di danza classica
indiana. Nel cinema s’imbatte quasi per
caso: per lei è semplicemente un mezzo
interessante per sollevare questioni di
rilevanza sociale.
Insieme al marito Saumya Sen, fonda
Leapfrog, un’organizzazione che si
occupa di tematiche sociali servendosi di
forme d’espressione accattivanti e
creative.
Della sua filmografia, citiamo Fire (1996)
e Earth (1998) entrambi diretti da Deepa
Mehta, Deveeri (1999),
Bawandar/Sandstorm (migliore attrice al
Santa Monica Film Festival, 2001) e
Amar Bhuvan (migliore attrice al Festival
del Cairo, 2002).
Born of a family of artists, Nandita Das is
today a highly esteemed actress and
social activist. Her involvement in social
issues took shape for the first time when
she joined Jan Natya Manch, a street
theatrical group started by Safdar
Hashmi. She then practiced Odissi, an
Indian classical dance. Cinema is
something she almost stumbled upon: it
just seemed to be an interesting medium
to raise issues that were of social
concern.
With her husband Saumya Sen, founded
Leapfrog, an organization that deals with
socially relevant issues in an interesting
and creative way.
Her filmography includes: Fire (1996) e
Earth (1998) both direct by Deepa Mehta,
Deveeri (1999),Bawandar/ Sandstorm
(Best Actress Award at Santa Monica
Film Festival, 2001) and Amar Bhuvan
(best Actress Award at Cairo Film
Festival, 2002)
Sceneggiatura / Screenplay Saumya Sen
Fotografia (colore) / Photography (colour) Hemant Chaturvedi
Montaggio / Editing Huzefa
Musica / Music Dhruv and Ashu
Produzione / Production Leapfrog
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 90”
Roll Call (L’appello) è il primo di una serie di tre film
dedicati dalla regista al problema della qualità
nell’istruzione elementare. L’idea di un appello cui
rispondono bambini privati del diritto all’istruzione, è
inquietante. Ricorda al pubblico che molti sono i bambini
che vorrebbero e dovrebbero andare a scuola ma non
possono. Il film si propone di scuotere la coscienza dello
spettatore - molto spesso un membro privilegiato della
società - indifferente al tema dell’istruzione di base.
Roll Call is the first in a series of three films the director
dedicated to the issue of quality in elementary education.
The idea of a roll call being answered by children who are
deprived of education is disturbing. It reminds the
audience that there are many children who would like to
and should be going to school, but are not. The movie
aims at stirring the conscience of the viewer - most often
a privileged member of society - who is uninterested in the
issue of primary education.
INDIA
CAR PARK
Nandita Das
Nandita Das
Nata in una famiglia di artisti, è oggi
un’attrice ed attivista sociale assai
stimata. Il suo interesse per le
problematiche sociali prende forma per
la prima volta quando Nandita si
unisce al Jan Natya Manch, un gruppo
teatrale di strada fondato da Safdar
Hashmi. Quindi, per più di un
decennio, si dedica all’Odissi, una
forma di danza classica indiana. Nel
cinema s’imbatte quasi per caso: per
lei è semplicemente un mezzo
interessante per sollevare questioni di
rilevanza sociale.
Insieme al marito Saumya Sen, fonda
Leapfrog, un’organizzazione che si
occupa di tematiche sociali servendosi
di forme d’espressione accattivanti e
creative.
Della sua filmografia, citiamo Fire
(1996) e Earth (1998) entrambi diretti
da Deepa Mehta, Deveeri (1999),
Bawandar/Sandstorm (migliore attrice
al Santa Monica Film Festival, 2001) e
Amar Bhuvan (migliore attrice al
Festival del Cairo, 2002).
Born of a family of artists, Nandita Das
is today a highly esteemed actress
and social activist. Her involvement in
social issues took shape for the first
time when she joined Jan Natya
Manch, a street theatrical group
started by Safdar Hashmi. She then
practiced Odissi, an Indian classical
dance. Cinema is something she
almost stumbled upon: it just seemed
to be an interesting medium to raise
issues that were of social concern.
With her husband Saumya Sen,
founded Leapfrog, an organization that
deals with socially relevant issues in
an interesting and creative way.
Her filmography includes: Fire (1996) e
Earth (1998) both direct by Deepa
Mehta, Deveeri (1999),Bawandar/
Sandstorm (Best Actress Award at
Santa Monica Film Festival, 2001) and
Amar Bhuvan (best Actress Award at
Cairo Film Festival, 2002)
Sceneggiatura / Screenplay Saumya Sen
Fotografia (colore)/ Photography (colour) Hemant Chaturvedi
Montaggio/ Editing Huzefa
Musica / Music Dhruv & Ashu
Produzione / Production Leapfrog
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 90’’
Un bambino di strada sembra compiere un atto vandalico.
In realtà cerca di migliorare la propria educazione.
A child seems to be commetting a vandalistic deed.
Actually, he is trying to improve his upbringing.
INDIA
JALEBI
Nandita Das
Nandita Das
Nata in una famiglia di artisti, è oggi
un’attrice ed attivista sociale assai
stimata. Il suo interesse per le
problematiche sociali prende forma
per la prima volta quando Nandita si
unisce al Jan Natya Manch, un
gruppo teatrale di strada fondato da
Safdar Hashmi. Quindi, per più di un
decennio, si dedica all’Odissi, una
forma di danza classica indiana. Nel
cinema s’imbatte quasi per caso: per
lei è semplicemente un mezzo
interessante per sollevare questioni di
rilevanza sociale.
Insieme al marito Saumya Sen, fonda
Leapfrog, un’organizzazione che si
occupa di tematiche sociali
servendosi di forme d’espressione
accattivanti e creative.
Della sua filmografia, citiamo Fire
(1996) e Earth (1998) entrambi diretti
da Deepa Mehta, Deveeri (1999),
Bawandar/Sandstorm (migliore attrice
al Santa Monica Film Festival, 2001)
e Amar Bhuvan (migliore attrice al
Festival del Cairo, 2002).
Born of a family of artists, Nandita
Das is today a highly esteemed
actress and social activist. Her
involvement in social issues took
shape for the first time when she
joined Jan Natya Manch, a street
theatrical group started by Safdar
Hashmi. She then practiced Odissi,
an Indian classical dance. Cinema is
something she almost stumbled upon:
it just seemed to be an interesting
medium to raise issues that were of
social concern.
With her husband Saumya Sen,
founded Leapfrog, an organization
that deals with socially relevant
issues in an interesting and creative
way.
Her filmography includes: Fire (1996)
e Earth (1998) both direct by Deepa
Mehta, Deveeri (1999),Bawandar/
Sandstorm (Best Actress Award at
Santa Monica Film Festival, 2001)
and Amar Bhuvan (best Actress
Award at Cairo Film Festival, 2002)
Sceneggiatura / Screenplay Shailendra Uniyal
Fotografia (colore)/ Photography (colour) Hemant Chaturvedi
Montaggio/ Editing Huzefa
Musica / Music Dhruv & Ashu
Produzione / Production Leapfrog
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata /Running time 90’
In una friggitoria, un bambino sembra giocare con l’impasto.
In realtà, cerca di migliorare la sua educazione.
A child seems to be playing with dough in a take-away
food shop. Actually, he is trying to improve his upbringing.
INDONESIA
ARISAN!
The Gathering
Nia diNata
Nia diNata
Nasce a Jakarta, Indonesia, nel
1970. Diplomatasi
all’Elizabethtown College,
Pennsylvania, frequenta poi alcuni
corsi speciali di produzione
cinematografica all’Università di
New York. Tornata dagli usa, nel
1995, Nia lavora a molti progetti,
soprattutto televisivi. Il suo primo
lungometraggio (2001) è una sorta
di ‘colossal’ epico, intitolato CaBau-Kan (“La cortigiana”), sulla
comunità cinese in Indonesia al
tempo delle grandi riforme del
Paese.
Per questo film, vince un premio
come “giovane regista più
promettente” all’Asia Pacific Film
Festival di Seoul, Korea, nel 2002.
L’anno successivo, firma la
sceneggiatura (con Joko Anwar) e
la regia della commedia satirica
Arisan! (“La riunione”). Il film
raccoglie innumerevoli recensioni
e vari premi in tutto il mondo. Fra i
progetti di Nia, vi è una fondazione
a favore dei giovani cineasti
indonesiani.
Nia diNata was born in Jakarta,
Indonesia, in 1970. After
graduating from Elizabethtown
College, Pennsylvania, she takes
special courses in film production
at the New York University. Back
from the usa, in 1995, Nia works in
various projects, mostly for the
television. Her first feature film
(2001) is a sort of “colossal epic”
entitled Ca-bau-kan (The
Courtesan), about the Chinese
community in Indonesia after the
reform era.
For Ca-bau-kan, Nia won an
award as Best Promising New
Director in Asia Pacific Film
Festival, Seoul, Korea, in 2002. In
2003, she directs Arisan! (The
Gathering), a satirical comedy
written by Nia herself and Joko
Anwar. Arisan! receives countless
reviews and numerous awards
worldwide. Among Nia’s upcoming
projects is a supporting foundation
for Indonesian film makers.
Sceneggiatura / Screenplay Nia diNata, Joko Anwar
Fotografia (colore) / Photography (colour) Yudi Datau
Montaggio / Editing Onaga Masahiro
Musica / Music Andi Rianto
Interpreti / Cast Tota Sudiro, Cut Mini Theo, Aida Nurmala, Lili Harahap,
Rachel Maryam, Surya Saputra
Produzione / Production Kalyana Shira Film
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 129’
Amicizia e principi sono messi a dura prova in questo film.
re amici di lunga data cercano di vivere al meglio nella
metropoli di Jakarta. In principio sembra che i tre abbiano
sfondato. Sakti è un architetto di successo, Meimei una
rinomata interior designer e Andien un membro affermato
dell’alta società. Meimei, tuttavia, sacrificherebbe qualsiasi
cosa per un figlio, Andien è una persona autodistruttiva e
Sakti un omosessuale represso. Alla ricerca della felicità i
loro percorsi s’intrecciano ma le fortune dell’uno portano
infelicità agli altri. L’ultima risorsa sembra essere un
“arisan”, un tradizionale raduno indonesiano. Qui ognuno
cercherà di apparire felice e affermato. Alla fine, essi
comprenderanno che una sincera amicizia richiede onestà
e tenacia anche nei momenti difficili. Arisan! offre un
quadro analitico della turbolenta alta società di Jakarta.
Friendship and values are put to a test in this film about
three longtime friends trying to get the best out of living in
the metropolis of Jakarta. At first, it seems the three of them
have already made it. Sakti is a successful architect,
Meimei is a famous interior designer and Andien is an
established socialite. Meimei, though, would give everything
up to have a baby, Andien is a self-destructive person and
Sakti is a repressed homosexual. In their quest for
happiness, their paths cross with one another’s. One’s
happiness, though, brings misery to the others. Their last
resort seems is a gathering called “arisan”, a unique
Indonesian social practice. Everyone will be trying to
appear successful and happy. In the end, they realize that
true friendship requires honesty and endurance in hard
times as well.Arisan! offers an insightful picture of Jakarta’s
turbulent well-off society.
INDONESIA
NIGHT IN THE DAYTIME
Lukitasari W. Sunowo
Sceneggiatura / Screenplay P.Y. Cyntha
Fotografia (colore) / Photography (colour) Kaka Tong
Montaggio / Editing Lukitasari W. Sunowo
Musica / Music Dian Hadi Pranowo
Interpreti / Cast Tien Djohan, Ign. Wahono, Manis, Lia M. Soeharto
Produzione / Production Lukitasari W. Sunowo
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata/ Running time 27’
Nata a Yogyakarta, Indonesia, nel
1966, si laurea in scienze della
comunicazione all’Università di
Yogyakarta, quindi studia alla New
York Film Academy. Dopo alcune
esperienze come sceneggiatore e
produttore, si dedica alla regia di
spot pubblicitari e alcuni
cortometraggi (Stairs, 1999;
Night in the Daytime, 2003).
Born in Yogyakarta, Indonesia, in
1966, Lukitasari W. Sunowo is a
major in communication studies
from the Gadjah Mada University
of Yogyakarta. She then studies at
the New York Film Academy.
Following a number of
experiences as a screenwriter and
producer she devotes herself to
directing tv commercials and short
movies (Stairs, 1999; Night in the
Daytime, 2003).
Lukitasari W. Sunowo
Night in the Daytime è la storia di una coppia di anziani
giavanesi. La loro unica figlia ha lasciato la casa. Solo il
gatto li tiene ancora uniti. Un giorno, l’animale muore: per
quanto ancora sopporteranno lo squallore del silenzio?
Per quanto ancora si atterranno alle tradizioni di famiglia?
Night in the Daytime is the story of an old Javanese
couple. Their only daughter has left the house. The cat
alone keeps them together. One day, their pet dies: how
long are they going to endure the misery of silence? How
long will they carry on with family traditions?
IRAN
KENAR-E
ROODKHANEH
Lungo il fiume / The riverside
Ali-Reza Amini
Ali-Reza Amini
Nato a Teheran nel 1970, si
diploma in regia teatrale. All’attivo
ha più di venti cortometraggi e
documentari. Il suo
lungometraggio di debutto, Letters
of the Wind, ha incontrato non
poche difficoltà con l’azienda di
produzione statale ed è stato
distribuito con un anno di ritardo,
insieme a un secondo film di
Amini, Tiny Snowflakes. Le due
opere sono valse al regista
l’attenzione internazionale e
prestigiosi riconoscimenti, in
occasione dei festival di Locarno,
Pusan, Salonicco e Brisbane.
Born in Teheran, in 1970, Ali-Reza
Amini graduated in stage direction.
He has made more than twenty
short films and documentaries. His
debut feature film, Letters of the
Wind, run up against difficulties
with the state production company
and was issued a year later,
together with Amini’s second film,
Tiny Snowflakes. These two
movies have brought him
international recognition as well as
a number of prestigious awards at
the Locarno, Pusan, Thessaloniki
and Brisbane festivals.
Sceneggiatura / Screenplay Ali-Reza Amini
Fotografia (colore) / Photography (colour) Touraj Aslani
Montaggio / Editing Ali-Reza Amini
Musica / Music Safin Kharajiani
Interpreti / Cast Shadi Varvaei, Mohammad Javaheri
Produzione / Production Asr-e Entezar
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 80’
Durante la guerra usa-Iraq, un gruppo di profughi curdi si
mette in viaggio verso il confine con l’Iran. Fra loro vi è
una giovane donna appena sposata che, ferita dallo
scoppio di una mina nascosta presso il confine, non può
proseguire.
Il marito corre a cercare soccorso. Intanto,
sopraggiungono altri fuggitivi curdi che si prodigano per
aiutare la giovane fino al ritorno del marito...
During the us-Iraq war, some Kurdish refugees set out for
the Iranian border. Among them, a newly wed young
woman steps on a mine hidden along the Iran-Iraq border
and is unable to move any further. Her husband runs for
aid. More Kurdish runaways arrive on the spot and try to
help the young bride until her husband’s return …
IRAN
SHIFTEH
L’infatuata / The infatuated
Keivan Jahanshahi
Keivan Jahanshahi
Nato nel 1968, si è diplomato in
regia cinematografica alla Teheran
Art University. Regista,
compositore e sound editor ha
sinora diretto i cortometraggi
Memories (1991), Between
Yesterdays & Always (1992), Tar
(1993), Three Senses (2002) e
The Infatuated (2003). Jahanshani
è stato premiato per la miglior
colonna sonora originale
all’undicesimo Fajr Film Festival
(1992) per il film The Shadows of
an Assault, diretto da Ahmad
Amini, e alla quindicesima
edizione (1996) per Children of
Heaven, di Majid Majidi, titolo che
ha ricevuto una nomination agli
Academy Awards come miglior
film straniero (1997).
Born in 1968, Keivan Jahanshahi,
B.A. in film directing from the
Teheran Art University, is a
director, composer and sound
editor. To his credit as a director
he has the short movies Memories
(1991), Between Yesterdays &
Always (1992), Tar (1993), Three
Senses (2002) and The Infatuated
(2003). Furthermore, Jahanshani
was awarded for the best original
score at the 11th Fajr Film Festival
(1992) for the movie The Shadows
of an Assault, directed by Ahmad
Amini, and at the 15th (1996) for
Majid Majidi’s Children of Heaven,
an Academy Awards nominee for
the best foreign movie (1997).
Da un’ Idea di / from an idea of Fironzeh Khosrovani
Fotografia (colore) / Photography (colour) Luca Fuscaldi, Keivan Jahanshahi
Montaggio / Editing Keivan Jahanshahi
Musica / Music Cavendish Library
Interpreti / Cast Cristina Bianciardi
Produzione / Production Maryan Majd, Fironzeh Khosrovani,
Keivan Jahanshahi
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 45’
Shifteh documenta la singolare vicenda di Cristina, una
giovane ragazza italiana. Cristina non ha mai provato
alcun particolare interesse per il cinema. Un giorno,
tuttavia, il film E la vita continua, di Abbas Kiarostami,
cambia la sua vita. Profondamente colpita, si avvicina
gradualmente all’opera di Kiarostami e a quella di altri
registi iraniani. Vinta dall’attrazione, Cristina decide di
apprendere la lingua persiana e di visitare l’Iran, allo
scopo di sperimentare direttamente quel suo nuovo
universo personale, scoperto grazie a Kiarostami …
Shifteh documents the unusual story of Cristina, a young
Italian girl. Cristina has never had any special interest in
films. One day though, the movie And Life Goes on …,
directed by Abbas Kiarostami, changes her life. Deeply
impressed, she gradually approaches Kiarostami’s movies
and those of other Iranian directors. Overcome by
attraction, Cristina decides to learn Persian and to take a
trip to Iran, in order to experience first-hand the new
personal universe she discovered through Kiarostami …
IRAN
LAKPOSHTHA HAM
PARVAZ MIKONAND
Le tartarughe sanno volare / Turtles can flyBah-
man Ghobadi
Bahman Ghobadi
È nato, nel 1968, a Baneh, Kurdistan,
Iran. Si diploma in regia all’Iranian
Broadcasting College. Nel 1992, si
trasferisce a Teheran e studia
cinematografia al Seda and Sima
College. Comincia quindi a girare
alcuni film in 8 mm ed alcuni brevi
documentari. A partire dalla metà degli
anni ’90, merita numerosi
riconoscimenti in patria e all’estero. Il
suo Life in Fog (1997) è riconosciuto
come il “più celebre documentario
nella storia del cinema iraniano”.
Con il lungometraggio A Time For
Drunken Horses (1999) si afferma
come professionista. È il primo
lungometraggio kurdo e Ghobadi il
primo regista di questa etnia nella
storia del cinema iraniano.
Fra le altre sue opere, citiamo: The
Pigeon Of Nader Flew (’97),
Telephone Booth (’97), Ballads Of
Plain’s Girl (’98), Marooned in Iraq
(The Songs Of My Motherland) (’02) e
Daf (tambourine), and The war is over
(’03).
Bahman Ghobadi was born in Baneh,
Kurdistan, Iran, 1968. He gets his B.A.
in movie directing from the Iranian
Broadcasting College. In 1992, he
moves to Teheran and studies film
making at the Seda and Sima College.
He starts filmmaking shooting some
8mm films and a few short
documentaries. As of the mid-1990’s,
he receives several foreign & domestic
awards. Ghobadi’s Life in fog (1997) is
known as “Most famous documentary
in the history of Iranian cinema”.
With the making of the full-length
feature movie A Time for Drunken
Horses (1999) he becomes a
recognized professional. This is the
first Kurdish feature film and Ghobadi
is the first Kurdish director in the
history of Iranian cinema.
Other Bahman’s films to date: The
Pigeon of Nader Flew (’97), Telephone
booth (’97), Ballads of Plain’s Girl
(’98), Marooned in Iraq (The Songs of
My Motherland) (’02) and Daf
(tambourine), and The war is over
(’03).
Sceneggiatura / Screenplay Bahman Ghobadi, Nahid Ghobadi
Fotografia (colore) / Photography (colour) Bahman Ghobadi
Montaggio / Editing Mostafa Khergheh Poosh, Hayedeh Safi Yari
Musica / Music Hossein Ali Zadeh
Interpreti / Cast Avaz Latif, Soran Ebrahim, Saddam Hossein Feysal,
Hiresh Feysal Rahman, Abdol Rahman Karim, Ajil Zibari
Produzione / Production Hamid Ghavami, Batin Ghobadi, Hamid Karimi,
Babak Amini
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 98’
Mancano due giorni all’inizio della guerra tra usa e Iraq.
Gli sconcertati iracheni seguono con apprensione le
ultime notizie. Fra loro, una madre quattordicenne, di
nome Agrin, vuole suicidarsi. Questo film narra le
vicissitudini di Agrin.
A couple of days are left before the war between usa and
Iraq starts. The puzzled Iraqis are after the latest news.
Among them, a 14-year-old mother, by the name of Agrin,
wants to commit suicide. This film is a narrative about
Agrin’s vicissitudes.
KAZAKISTAN
RUSSIA
FRANCIA
GERMANIA
Guka Omarova
Nata ad Almaty, Kazakhstan, nel
1968, inizia la sua carriera come
attrice e prende parte a quattro
film tra il 1983 e il 1986 (When
You Are 12, Sweet Juice Inside the
Weed, Non-Professionals, Dina
Nurpeisova). Dopo un’esperienza
di due anni come assistente alla
regia televisiva, dal 1988 al ’94,
studia giornalismo presso
l’Università Statale del Kazakhstan
e lavora come giornalista in radio
e tv, nonché per gli studi della
Kazakhfilm e della Kirgizfilm. In
seguito, studia presso il
dipartimento di regia
dell’Accademia d’Arte di Almaty.
Tra il ’98 e il ’99 firma la regia di
alcuni cortometraggi e di un
documentario e, nel 2001, scrive
la sceneggiatura di Sisters, diretto
da Sergey Bodrov Jr. (selezione
ufficiale del festival di Venezia).
Dal 2001, Guka Omarova vive a
Rotterdam. Schizo è il suo
lungometraggio di debutto.
Born in Almaty, Kazakhstan, in
1968, Guka Omarova begins her
career as an actress and takes
part in four movies between 1983
and ’86 (When You Are 12, Sweet
Juice Inside the Weed, NonProfessionals, Dina Nurpeisova).
Following a two years’ experience
as a tv director’s assistant, from
1988 to ’94, she studies journalism
at the Kazakh State University and
works as a tv and radio journalist
and for the Kazakhfilm and
Kirgizfilm studios. Thereafter, she
studies at the Academy of Arts in
Almaty, Department of
Documentary Film Directing. In
1998-99 she directs some short
films and a documentary. In 2001
she writes the script for the film
Sisters, directed by Sergey
Bodrov, Jr.(Venice iff Official
Selection)
Since 2001 Guka Omarova lives in
Rotterdam. Schizo (2004) is her
debut feature movie.
SHIZA
Schizo
Guka Omarova
Sceneggiatura / Screenplay Guka Omarova, Sergey Bodrov
Fotografia (colore) / Photography (colour) Khasanbek Kydyraliyev
Montaggio / Editing Ivan Lebedev
Musica / Music sig
Interpreti / Cast Olzhas Nusuppaev, Eduard Tabyschev, Olga Landina,
Bakhytbek Baymukhanbetov, Viktor Soukhorukov, Gulnara Jeralieva,
Kanagat Nurtay
Produzione / Production ctb Film Company (Russia), Studio Kazakhfilm
(Kazakhstan), Kinofabrika (Germany), Les petites lumieres (France)
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 86’
Ispirato da un’esperienza della regista, il film narra la
storia del quindicenne Mustafa, soprannominato Schizo.
Tutti si chiedono se combinerà mai qualcosa di buono. Il
compagno della madre si fa aiutare dal ragazzo a
reclutare pugili per incontri illegali. La vita di Schizo
prende una svolta romantica quando dona alla fidanzata e
a suo figlio il denaro vinto in combattimento da un pugile
morente. La perdita della verginità è la sua iniziazione
all’amore adulto e alla lotta per la sopravvivenza. Ora che
è un uomo, Schizo vuole sostenere la sua nuova famiglia
e, per questo, ha bisogno di denaro
a tutti i costi.
Inspired by a firsthand experience of the director, the
movie tells the story of fifteen-year-old Mustafa, who goes
by the nickname of Schizo. Most people wonder if he’ll
ever amount to anything. His mother’s boyfriend gets him
to help recruit boxers for illegal fights. Schizo’s life comes
to a romantic turning point when he delivers a dying
boxer’s prize money to his girlfriend and her young son.
Losing his virginity is all part of Schizo’s initiation into the
adult world of love and survival. Now that he’s a man,
Schizo wants to support his new family. Therefore, he
needs money … at all costs.
MALESIA
BUAI LAJU LAJU
Swing my swing high, my darling
U-Wei Bin HajiSaari
U-Wei Bin HajiSaari
È un regista asiatico di
straordinario talento e reputazione.
Il suo debutto alla regia televisiva
è del 1987. Tra il 1993 e il 1996 si
rivolge al cinema e gira tre
lungometraggi. Il primo, Woman,
Wife and Whore, merita cinque
riconoscimenti all’xi Festival del
Cinema di Malesia, fra cui miglior
film, regia e sceneggiatura. Il suo
secondo film, del 1995, dal titolo
Kaki Bakar (The Arsonist) è stato
presentato a Cannes, Berlino,
Montreal, Nantes, Friburgo, New
York e Pusan. Il film ha vinto il
Grand Prix al Festival del cinema
di Bruxelles. Jogho (The
Champion) ha egualmente
partecipato a numerose rassegne
di prestigio. Buai Laju Laju (Swing
My Swing High, My Darling), del
2004, è il quarto lungometraggio di
U-Wei e conta numerose
partecipazioni e premi
internazionali.
U-Wei Bin HajiSaari is one of
Asia’s most talented and
respected film directors. He
debuted as a TV director in 1987.
Between 1993 and 1998, he got
involved in film-making and made
3 feature movies. The first of
these, Woman Wife and Whore,
received 5 awards at the 11th
Malaysian Film Festival including
best film, director and screenplay.
In 1995, his film Kaki Bakar (The
Arsonist) was featured at the
Cannes Film Festival as well as
Berlin, Montreal, Nantes, Fribourg,
New York and Pusan. The film
was awarded Grand Prix at
Brussels Film Festival. His third
film Jogho (The Champion) was
also featured at many prestigious
film festivals. Buai Laju Laju
(Swing My Swing High, My
Darling), released in 2004, is UWei’s fourth feature film, screened
internationally and awarded at
numerous film festivals.
Sceneggiatura / Screenplay U-Wei Bin Hasisaari, Anwar Idris,
Mung Kheenn Khoo
Fotografia (colore) / Photography (colour) Azman Razali
Montaggio / Editing U-Wei Bin Hasisaari
Musica / Music Embie C Noer
Interpreti / Cast Eman Manan, Khallid Salleh, Betty Banafe
Produzione / Production LeBrocquyFraser Productions
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 93’
Intenso thriller d’amore e tradimenti, Buai Laju Laju tratta
dei sentimenti e dei bisogni di una donna che, invischiata
in una vita stagnante, decide di utilizzare gli uomini
intorno a lei a suo vantaggio.
Amran è uno spericolato vagabondo. Fermatosi per caso
al caffè del ricco Ibrahim, ne incontra la bella e giovane
moglie Zaiton. La donna sente che la sua vita è bloccata
in un limbo, senza luce alla fine del tunnel ma, con l’arrivo
di Amran, vede aprirsi una nuova prospettiva sul futuro.
Amran è attratto dalla bella Zaiton e acconsente a
lavorare nel locale in cambio di vitto e alloggio. I due
iniziano a flirtare pericolosamente, mettendo in moto una
relazione che porterà conseguenze disastrose: omicidio,
lettere, minatorie e tradimento …
An intense thriller of love and betrayal, Buai Laju Laju
deals with the feelings and the needs of a woman who,
caught up in stagnated life, decides to use the men
around her to get what she wants.Amran is a reckless
drifter who turns up at a café owned by Ibrahim, a rich
man married to a beautiful, young woman called Zaiton.
Zaiton feels her life is stuck in a limbo, with no light at the
end of the tunnel but, with the arrival of Amran, she
begins to see the prospect of a different future. Amran is
intrigued by her and agrees to stay and work around the
café in return for food and lodging. She flirts dangerously
with him, starting up an affair that will bring disastrous
consequences: murder, blackmail and betrayal …
MALESIA
PONTIANAK, HARUM SUNDAL
MALAM
Pontianak, il profumo della tuberosa / Pontianak, scent of
the tuberose
Shuhaimi Baba
Shuhaimi Baba
Artista malese annoverata da Time
Magazine fra i “dieci più creativi
d’Asia” (1997), accanto a una
lunga formazione accademica e
professionale, vanta una ricca
esperienza come sceneggiatrice,
regista e produttrice, sia
nell’industria televisiva, sia
cinematografica. Della sua
filmografia, oltre ai due
cortometraggi Spirit of Langkawi e
Maria, ricordiamo i lungometraggi
Selubung (1991; miglior film alla
decima edizione del Festival del
Cinema della Malesia) e Layar
Lara (1997; miglior film, regia e
sceneggiatura al tredicesimo
Festival del Cinema della Malesia
e miglior regia al Festival del
cinema indipendente di Bruxelles).
Malaysian artist, who was selected
by Time Magazine as one of the
“Ten Most Creative Asians” (1997),
besides a long academic and
professional training, can claim a
remarkable experience as a
screenwriter, director and
producer, both in the TV and
filmmaking industry. By Shuhaimi
Baba, we mention, besides the
two short films Spirit of Langakwi
and Maria, the feature movies
Selublung (1991; best film at the
10th Malaysian Film Festival) and
Layar Lara (1997; best film,
direction and screenplay at the
13th Malaysian Film Festival and
best direction at the Brussels
Indipendent Film Festival.
Sceneggiatura / Screenplay Shuhaimi Baba
Fotografia (colore) / Photography (colour) Filus Ghazali
Montaggio / Editing Mior Hashim Manap
Musica / Music Shamsul Cairel
Interpreti / Cast Maya Karin, Azri Iskandar
Produzione / Production Shuhaimi Baba & Persona Pictures Sdn Bhd
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 115’
1949: Meriam è una famosa danzatrice nella città di Paku
Laris. “Bunga Sundal Malam” (la tuberosa) è il suo marchio,
il simbolo della sua grazia e stupefacente avvenenza. Marsani e l’amico Danial sono fra i molti ammiratori che gareggiano per conquistarne il cuore. Inaspettatamente, Meriam
sceglie Danial come marito invece del più attraente Marsani. Ferito nell’ego, Marsani brucia di gelosia e continua a
corteggiare ossessivamente la donna. Un giorno, Meriam è
trovata morta in un bagno di sangue. Poco tempo dopo,
Danial annega nel corso di una burrasca. D’allora in avanti, strani fatti si verificano a Paku Laris. Molte persone legate a Marsani sono uccise. Si crede che Meriam, accusata
di essersi dilettata di magia nera, sia tornata come Pontianak. 2003: Marsani, ossessionato da Meriam, vive ancora
nel terrore del suo ritorno …
1949: Meriam is a well known dancer in the town of Paku
Laris. The “Bunga Sundal Malam” (tuberose) is her trademark, the symbol of her grace and mesmerizing beauty.
Marsani and his friend Danial are among the many admirers who compete to win her heart. Unexpectedly, she
chooses Danial for a husband instead of the more handsome Marsani. His ego bruised, Marsani burns with jealousy
and continues to obsessively pursue her. One day, Meriam
is found dead in a pool of blood. Shortly afterwards, Danial
drowns during a storm. Thenceforward, strange events
occur in Paku Laris. Many people connected to Marsani are
killed. Meriam, accused of having dabbled in black magic
when she was alive, is believed to have returned as a Pontianak. 2003: Marsani is still haunted by Meriam and lives
in constant fear of her return …
PAKISTAN
HAWA KAY NAAM
For a place under the Heavens
Sabiha Sumar
Sabiha Sumar
Nata a Karachi nel 1961, tra il
1980 e il 1985, studia scienze
politiche e cinematografia al Sarah
Lawrence College di New York, e
relazioni internazionali presso la
University of Cambridge. Nel
1992, fonda la Vidhi Films.
Sumar ha sempre concepito le
sue opere come strumenti di
critica sociale, rivolti soprattutto
alla sensibilizzazione del pubblico
nei confronti dei problemi
femminili. A tale riguardo,
ricordiamo Who Will Cast the First
Stone (1988), sulle proteste delle
donne lavoratrici contro le leggi
islamiche introdotte in Pakistan nel
’79, e Suicide Warriors (1996), un
documentario sulla vita delle
donne-guerrigliero in lotta per
l’autonomia territoriale dell’etnia
Tamil dello Sri Lanka.
Khamosh Pani/Silent Waters
(2003), il suo primo
lungometraggio, è stato presentato
e premiato in occasione di
numerosi festival internazionali.
Sabiha Sumar was born in Karachi
in 1961. She studied filmmaking
and political science at the Sarah
Lawrence College, New York, and
international relations at the
University of Cambridge. In 1992,
she founded Vidhi Films.
Sumar has always conceived her
work as a means of social
criticism, particularly to make
audiences aware about the issues
of women. In this respect, we
mention Who Will Cast the First
Stone (1988), focusing on the
working class women’s protest
against Islamic laws introduced in
Pakistan in 1979, and Suicide
Warriors (1996), a documentary
about guerrilla-fighting women in
their struggle for a separate
homeland for the Tamil people of
Sri Lanka.
Khamosh Pani/Silent Waters
(2003), her first feature movie, was
presented and awarded at
numerous film festivals around the
world.
Sceneggiatura / Screenplay Sabiha Sumar
Fotografia (colore) / Photography (colour) Claire Pijman
Montaggio / Editing Shikha Sen, Calle Overweg
Musica / Music Manzoor Quwwal and sons
Produzione / Production Sachithanandam Sathananthan, Philippe Avril
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 53’
Hawa Kay Naam (For a place under the Heavens) è il
viaggio di Sabiha attraverso l’islamizzazione del Pakistan.
Da una prospettiva personale, l’autrice descrive la
trasformazione del popolo pachistano da società vivace e
liberale a una più conservatrice e religiosamente
organizzata. Sabiha intervista cinque donne, cercando le
risposte al problema di questa dilagante religiosità.
Perché un numero sempre maggiore di donne adotta lo
hijab quando non vi sono normative del governo che lo
impongano? Qual è la vera natura di questa strisciante
islamizzazione? Cosa stanno facendo le forze liberali?
Hawa Kay Naam (For a place under the Heavens) is
Sabiha’s personal journey through the Islamization of
Pakistan. From her own perspective, she depicts the
transformation of the Pakistani from a vibrant, liberal
society into a more conservative, religious-oriented one.
Sabiha interviews five women, in search of answers
regarding the issue of this growing religiosity. Why are
more and more women taking to the hijab when there is
no state directive to do so? What is the true nature of this
creeping Islamization? What are the liberal forces doing?
SINGAPORE
Yong Mun Chee
Nata a Singapore, studia presso la
London School of Economics.
Dopo la laurea, torna in patria e
lavora come giornalista tv. In
seguito, scrive, dirige e coproduce Extraordinary People,
vincitore di un premio televisivo
asiatico come “miglior serie di film
documentari”.
Il suo film 9:30 ottiene numerosi
riconoscimenti (fra gli altri, il cine
Golden Eagle Award a Washington
dc) ed è presentato al “Kodak
Showcase” del Festival del
Cinema di Cannes.
Mun Chee sta ora lavorando al
suo primo lungometraggio.
Born in Singapore, Yong Mun
Chee studied at the London
School of Economics. After
graduating, she returned home to
work as a broadcast journalist.
Later, she co-produced, wrote and
directed Extraordinary People,
winner of an Asian tv Award for
Best Documentary Series. Her film
9:30 earned numerous awards
(cine Golden Eagle Award,
Washington dc, among others)
and was screened at the Cannes
Film Festival “Kodak Emerging
Filmmakers Showcase”. Mun
Chee is currently working on her
first feature film.
9:30
Yong Mun Chee
Sceneggiatura / Screenplay Yong Mun Chee
Fotografia (colore) / Photography (colour) John DeFazio
Montaggio / Editing Tara Samat
Musica / Music Ceiri Torjussen
Interpreti / Cast Sung Kang, Norman Lehnert, Varuzhan Agadzhanyan
Produzione / Production Ryan Sturz, Brett Henenberg
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 14’
Chan Kin Fai vola da Singapore a Los Angeles. Vuole
dimenticare la donna che ama ma finisce per chiamarla
tutti i giorni alle 9,30, ora di Singapore. Sung Kang (Chan
Kin Fai) offre un’interpretazione straordinariamente
intensa dei sentimenti più profondi di un uomo e dei suoi
vani tentativi di liberarsene.
Chan Kin Fai flies all the way to Los Angeles from
Singapore to forget the woman he loves, but he ends up
calling her everyday at 9:30 am, Singapore time. Sung
Kang (Chan Kin Fai) offers a remarkably intense rendition
of a man’s innermost feelings and his futile attempts to
leave them behind.
SIRIA
MAYATLOBO ALMOSTAMION
Listeners’ choice
Abdullatif Abdulhamid
Abdullatif Abdulhamid
Nato nel 1954, si diploma
all’Istituto
Superiore di Cinematografia di
Mosca, nel 1981. Nel 1983, è
assistente alla regia di Mohammad
Malas nel film The City’s Dreams.
Cinque anni dopo debutta come
regista con The Nights of the
Jackal, vincitore della “Spada
d’oro di Damasco” (1989) e l’oro al
Festival del Cinema di Anounai,
Francia (1990). Vince due volte
l’argento al Festival del Cinema di
Damasco con The Spirit Breeze
(nel 1999) e Two Moons & One
Olive Tree (nel 2001).
Abdullatif Abdulhamid è autore di
tutte le sceneggiature dei suoi film.
Born in 1954, Abdullatif
Abdulhamid graduated from the
High Institute of Cinematography
in Moscow, in 1981. In 1983, he
was assistant director to
Mohammad Malas (The City’s
Dreams). Five years later he made
his debut as a director with The
Nights of the Jackal, winner of the
Golden Damascene Sword (1989)
and Golden Award at the Film
Festival in Anounai, France
(1990). He then won the Silver
Award at the Damascus Film
Festival twice, with The Spirit
Breeze (in 1999) and Two Moons
& One Olive Tree (in 2001)
He wrote all scripts of his films.
Sceneggiatura/Screenplay Abdullatif Abdulhamid
Fotografia (colore)/Photography (colour) Yousif Bin Yousif
Montaggio/Editing Ali Laylan
Interpreti/Cast Fayez Kazak, Jamal Qqbbesh, Mohsen Ghazi,
Maamoun Al-Khatib, Nibal jazairi, Ibrahim Issa, Reem Ali, Iman Al-jaber,
Mouaffaq Al-Ahmad, Rajaa Yousif
Produzione/Production Husni Al-Barm
Anno di produzione/Year of production 2003
Durata/Running time 89’
I bei vecchi tempi della radio in una remota località di
campagna. Listener’s Choice ruota intorno all’amore di
Jamal per Aziza e alla sua amicizia per Salim.
Salim è un uomo disabile che ha lasciato gli assillanti
genitori per rifugiarsi da Jamal. Il generoso Jamal
condivide il poco che possiede con tutti e invita i contadini
della zona ad ascoltare notiziari e programmi radiofonici
preferiti.
Il paese è sull’orlo della guerra e Jamal è chiamato alle
armi. Riuscirà mai ad ascoltare la canzone presentata da
Aziza nella famosa trasmissione Listener’s Choice?
A story about the good old radio days in a remote
countryside setting, Listener’s Choice centres on the love
Jamal feels for Aziza and his friendship with Salim. Salim
is a disabled man who leaves his overbearing parents and
moves to the house of Jamal. Generous Jamal shares the
little he has and welcomes peasants to his house to listen
to their favourite radio programs and hear the latest news.
The Country is on the verge of a war and Jamal is
enlisted. Will he ever be able to hear the song presented
by Aziza in the famous radio program Listeners’ Choice?
SRI
LANKA
BORA DIYA POKUNA
Scent of the lotus pond
Satyajit Maitipe
Satyajit Maitipe
Nasce nello Sri Lanka NordOccidentale, nel 1964. Studia
scienze politiche, sociologia e
letteratura inglese presso
l’Università di Melbourne in
Australia e l’Università di Colombo
nello Sri Lanka. Prima
d’intraprendere la carriera
cinematografica, lavora come
giornalista, conduttore televisivo,
copywriter e assistente sociale.
Scent of the Lotus Pond è il suo
lungometraggio di debutto. Unica
opera precedente come regista è il
premiato telefilm dal titolo
Smarana Samapthi (2000).
Was born in Northwestern Sri
Lanka, in 1964. He studied
political science, sociology and
English literature at the University
of Melbourne, Australia, and the
University of Colombo, Sri Lanka.
Before starting off his
cinematographic career, he has
been a journalist, a broadcaster, a
copywriter and a social worker.
Scent of the Lotus Pond is his
debut film. His only previous work
as a director is an award-winning
teleplay entitled Smarana
Samapthi (2000).
Sceneggiatura / Screenplay Satyajit Maitipe
Fotografia (colore) / Photography (colour) Paalitha Perera
Montaggio / Editing Ravindra Guruge
Musica / Music Pradeep Ratnayaka
Interpreti / Cast Kaushalya Fernando, Dilani Abeyvardeena, Pryanka
Samaraweera, Duminda De Silva, Dharrmasiri Bandaranayake
Produzione / Production Trinetraa Sri Lanka
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 141’
Tre giovani operaie – Mangala, una primadonna viziata, la
morigerata Swineetha e Gothami, una bisbetica inquieta –
sperimentano travagli e tribolazioni di una dolce e amara
giovinezza in città. Gothami, prostrata per un amore
infelice, rende la vita difficile a tutti coloro che la
circondano e, a peggiorare le cose, si abbandona a
un’ossessiva infatuazione per l’amante di Mangala,
Vipula, un uomo sessualmente frustrato. La vita
spensierata delle tre ragazze prende una piega
catastrofica e Gothami scompare.
Molti anni dopo, Mangala e Gothami s’imbattono per caso
l’una nell’altra. L’incontro fortuito induce Mangala a una
confessione. Le sue rivelazioni sconvolgono Gothami che,
forse per la prima volta, comincia a osservare la vita in
una prospettiva cui non aveva mai pensato …
Three working-class girls – Mangala, a pampered prima
donna, modest Swineetha and Gothami, a tormented
vixen – experience the trials and tribulations of their bittersweet youth in the city. Lovelorn Gothami makes life
difficult for everyone around her and, to make things
worse, she obsessively pursues Mangala’s sexually
frustrated lover, Vipula. The carefree lives of the three
girls end up in a catastrophe and Gothami disappears.
Many years later, Mangala and Gothami run into each
other. The accidental encounter leads Mangala to
confess. Her disclosure shocks Gothami who, perhaps for
the first time, starts to look at life in a perspective she had
never thought of before …
TAIWAN
CINA
HONG
KONG
Sylvia Chang
Da oltre 30 anni, è una
protagonista della scena artistica
asiatica come attrice,
sceneggiatrice, regista, produttrice
e cantante. In qualità di
sceneggiatrice e regista, è stimata
come acuta e sensibile
osservatrice del mondo delle
donne, nonché brillante narratrice
delle loro vicende.
La sua opera è stata insignita di
numerosi riconoscimenti sia in
Asia, sia in occasione di rassegne
cinematografiche di altri paesi.
Come miglior attrice protagonista
e non, ha vinto due premi Golden
Horse a Taiwan e due Hong Kong
Academy Awards®. Ancora a
Hong Kong ha vinto come miglior
sceneggiatrice con il film Tempting
Heart, del 1999.
For more than 30 years, Sylvia
Chang has been a leading
entertainer and artist in Asia as an
actress, writer, director, producer,
and singer. As both a writer and
director, she has earned a
reputation as a particularly
sympathetic and insightful
observer of women, and a skilled
teller of their stories.
Her work has attained a host of
top entertainment awards both in
Asia and at film festivals around
the world. She has earned three
Taiwan Golden Horse Awards for
best actress and best supporting
actress, and two Hong Kong
Academy Awards® for best
actress. She also shared with her
co-writer the Hong Kong Film
Award for best screenplay for
1999’s Tempting Heart.
20:30:40
Sylvia Chang
Sceneggiatura / Screenplay Sylvia Chang, GC Goo Bi, Cat Kwan
Fotografia (colore) / Photography (colour) Chien Hsiang
Montaggio / Editing Liao Ching Sung
Musica / Music Kay Huang
Interpreti / Cast Sylvia Chang, René Liu, Lee Sinje, Tony Leung,
Anthony Wong
Produzione / Production Red on Red Production
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 107’
20:30:40 tratta della complessità che caratterizza le
relazioni umane, attraverso le esperienze di tre donne:
Xiao Jie, Xiang Xiang e Lily Zhao, rispettivamente di 20,
30 e 40 anni.
In una Taipei tormentata dai terremoti, le loro vite sono
imprevedibili quanto le scosse telluriche. Xiao Jie, fuggita
dai dispotici genitori, insegue il sogno di una carriera da
pop star. Fra le difficoltà della vita indipendente, risveglia
in sé nuove e rischiose emozioni. Xiang Xiang, la cui vita
è un’inebriante miscela di passioni e conflitti, è divisa tra
la turbolenta relazione con un uomo sposato e quella più
frivola con un giovane amante. Lily, quarantenne
divorziata, affronta coraggiosamente la sua nuova vita da
single e si dedica con impeto agli incontri galanti, spesso
con risultati imbarazzanti …
20:30:40 deals with the universal complexity of modern
relationships as experienced by three women: 20 year-old
Xiao Jie, 30 year-old Xiang Xiang and 40 year-old Lily
Zhao.
Set in Taipei, against the background of minor
earthquakes, their lives are as unpredictable as the earth
tremors they endure. Xiao Jie steals away from her
overbearing parents’ house to pursue her dream of a pop
music career. As she goes through the hardships of
independence for the first time, she experiences new,
risky emotions. Xiang Xiang, whose lifestyle is a heady
mixture of conflict and passion, is caught between a
turbulent affair with a married man and a younger lover
she doesn’t take too seriously. Lily, a 40 year-old divorcee,
bravely faces her new life as a single woman and throws
herself into the dating scene with often embarrassing
results …
USA
INDIA
BORN INTO
BROTHELS
Figli dei bordelli
Ross Kauffman / Zana Briski
Ross Kauffman
Ha lavorato al montaggio di
documentari dal 1992 al 2000.
Di recente, si è dedicato alla regia
e alla produzione di documentari
indipendenti. Nel 2001, comincia a
lavorare con la premiata
fotoreporter Zana Brisky al
progetto Born into Brothels,
documentario sui figli delle
prostitute di Calcutta.
Has worked as a documentary film
editor from 1992-2000.
Recently, he has begun producing
and directing independent
documentaries. In 2001, Kauffman
teamed up with award winning
photojournalist Zana Briski to
make Born into Brothels, a feature
documentary about the children of
Calcutta’s prostitutes.
Zana Brisky
Nata a Londra, studia fotografia
documentaria a New York. Nel
1995, si reca per la prima volta in
India e, nel 1997, avvia un
progetto riguardante la
prostituzione nel quartiere a luci
rosse di Calcutta. È stata insignita
di numerosi premi e onorificenze
fra cui la New York Foundation for
the Arts Fellowship, la Howard
Chapnick Grant for the
Advancement of Photojournalism
e il primo premio alla World Press
Photo Foundation Competition.
Born in London, studied
documentary photography in New
York. In 1995, she took her first
trip to India and, In 1997, she
started a project concerning the
prostitutes of Calcutta’s red light
district. She has won numerous
awards and fellowships including
the New York Foundation for the
Arts Fellowship, the Howard
Chapnick Grant for the
Advancement of Photojournalism
and first prize at the World Press
Photo Foundation Competition.
Sceneggiatura / Screenplay Ross Kauffman, Zana Briski
Fotografia (colore) / Photography (colour) Ross Kauffman, Zana Briski
Montaggio / Editing Nancy Baker, Ross Kauffman
Musica / Music John McDowell
Produzione / Production Ross Kauffman, Zana Briski
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 83’
Le persone più stigmatizzate nel quartiere a luci rosse di
Calcutta non sono le prostitute, bensì I loro figli. Preda
della povertà, della violenza e della disperazione, i
bambini hanno scarse probabilità di sfuggire al destino
delle madri.
I registi Zana Briski e Ross Kauffmann ne raccontano la
sorprendente trasformazione. Zana impartisce loro lezioni
di fotografia, attizzando il fuoco latente del genio artistico
di bambini che vivono in un mondo abbietto e,
apparentemente, senza speranza.
Scevro di sentimentalismo, Born into Brothels non
obbedisce allo stereotipo della commovente ripresa
fotografica degli oppressi, Zana ha vissuto con questi
bambini per anni ed è parte della loro vita. Le loro
fotografie non sono curiosità antropologiche ma specchio
delle loro anime, autentica testimonianza del vigore
dell’indelebile spirito creativo umano.
The most stigmatized people in Calcutta’s red light district,
are not the prostitutes, but their children. In the face of
poverty, abuse, and despair, these kids have little chances
to escape their mother’s fate.
Directors Zana Briski and Ross Kauffman chronicle their
amazing transformation. Briski gives them photography
lessons, kindling the latent fire of artistic genius in these
children, who live in the most sordid and seemingly
hopeless world. Devoid of sentimentality, Born into
Brothels defies the sterotypical tear-stained snapshot of
the downtrodden. Briski has spent years with these kids
and has become part of their lives. Their photographs are
not anthropological curiosities, but rather mirror images of
their souls and a true testimony of the power of the
indelible creative spirit of man.
UZBEKISTAN
Djahongir Kasimov
È nato in Uzbekistan, nel 1958.
Nel 1984 si è diplomato in regia
teatrale e cinematografica presso
l’Istituto d’arte drammatica del
Tashkent. Dal 1984 ha scritto e
diretto un numero considerevole di
telefilm (Love and Gold, 1986),
serie TV (On the Great silk road,
1996; Murders, 2002),
documentari (Triad; Ramazan –
Khait; History of the national
Uzbek music – 1994/95) e
lungometraggi (Poor Boys, 1991;
The Bomb, 1992; Pack, 1999; The
Giant and the Squab, 2004).
Was born in Uzbekistan, in 1958.
In 1984, he graduated from the
Tashkent Theatrical-Art Institute,
as a drama and film director. Since
1984, he has written and directed
a remarkable number of teleplays
(Love and Gold, 1986), TV serials
(On the Great silk road, 1996;
Murders, 2002), documentaries
(Triad; Ramazan – Khait; History
of the national Uzbek music –
1994/95) and feature movies (Poor
Boys, 1991; The Bomb, 1992;
Pack, 1999; The Giant and the
Squab,
2004)
DEV BILAN PAKANA
Il gigante e il piccoletto/ The giant and the squab
Djahongir Kasimov
Sceneggiatura / Screenplay Iskander Fainbergenoc Nasriddin Kkodjaev
Fotografia (colore) / Photography (colour) Hamidulla Hasanov
Montaggio/ Editing Djahongir Kabimov
Musica / Music Anvar Ergashev
Interpreti / Cast Bahodir Tuldasmev, Farkhnad Fayized, Tuichi Oripov,
Maiam Ikthierova, Said Mukhtorov
Produzione / Production Uzbekkino Company Uzbekfilm Studios
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 143’
Dal villaggio natio, il grande e grosso Palvan si trasferisce
in una grande città. Di natura semplice e schietta, non ha
alcuna ambizione e il suo unico scopo è guadagnare
denaro sufficiente a provvedere agli anziani genitori,
rimasti al villaggio. Palvan incontra quindi Zulfikar, un
ometto che, sebbene squattrinato quanto lui, si ritiene
assai scaltro e intraprendente. A dispetto dei tempi duri,
egli continua a fantasticare su tutti i modi possibili per
arricchire in fretta.
I due fanno squadra ma ogni tentativo di Zulfikar di
sistemare Palvan con un lavoro ben pagato falliscono a
causa dell’onestà e schiettezza del compagno …
L’astuto Zulfikar e il semplice Palvan, tuttavia, s’accordano
assai bene. Da un lato, sotto l’influsso di Palvan, l’onestà
si risveglia nel cuore di Zulfakir; dall’altro, quando l’omone
finisce preda di tristezza e frustrazione, l’inesauribile
inventiva dell’amico viene in suo aiuto.
Palvan, a great big and wholeheartedly honest fellow,
moves to a big city from his native village. He has no
ambitions at all and his only purpose is to earn enough
money to support his old parents who remained at the
village.
He then stumbles on Zulfikar, a small man who, although
as broke as Palvan, holds himself very crafty and
enterprising. In the face of hard times, he fancies all
possible ways of making money fast. The two of them
team up but all attempts by Zulfikar to provide his partner
with a better paid job are frustrated by Palvan’s
straightforwardness …
Sly Zulfikar and simple-hearted Palvan get along very well
though. On the one hand, honesty awakes in Zulfikar
under the influence of Palvan; on the other, when ‘big
fellow’ feels sad and frustrated, the inexhaustible
inventiveness of his partner comes to his aid.
EUROPA
VS. ASIA
EUROPA
VS. ASIA
Francia
QUOTIDIEN BAGHDAD
QUOTIDIEN
Un giorno a Baghdad / Daily Baghdad
Romain Goupil
Romain Goupil
Nato a Parigi, nel 1951, esordisce
come assistente alla regia di
Chantal Akerman, Roman
Polanski e Jean-Luc Godard. Nel
1967, gira I primi due
cortometraggi, L’exclu e Ibizarre,
trasmessi dalla ortf prima di
essere censurati. Dopo un numero
considerevole di cortometraggi,
Goupil debutta alla regia di
lungometraggi nel 1982: Mourir a
trente ans vince la Caméra d’or a
Cannes e il premio César come
miglior opera prima.
Fra gli altri titoli del regista
ricordiamo I lungometraggi La
Java des Ombres (1983), Maman
(1989), A mort, la mort! (1998),
Une Pure Coïncidence (2002) e i
documentari Coluche Président
(1981), Madame Lita (1987) e
Paris est à nous (1994).
Was born in Paris, in 1951. He
starts off as an assistant director
to Chantal Akerman, Roman
Polanski and Jean-Luc Godard. In
1967, he directs his two first short
movies, L’exclu and Ibizarre,
broadcasted by ortf before being
censored. Following a good
number of shorts, Goupil directs
his first feature films in 1982:
Mourir a trente ans earns the
Caméra d’or at the Cannes
International Film Festival and the
César award as best debut feature
film. Among his other works we
mention the features La Java des
Ombres (1983), Maman (1989), A
mort, la mort! (1998), Une Pure
Coïncidence (2002) and the
documentaries Coluche Président
(1981), Madame Lita (1987) and
Paris est à nous (1994).
Sceneggiatura / Screenplay Romain Goupil
Fotografia (colore)/ Photography (colour) Romain Goupil
Montaggio / Editing Guy Lecorne
Interpreti / Cast Abbas Shihan Matroud- Yassamin Sayd KaderProduzione / Production Les Poissons Volants - Arte France
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 104’
Come vivono oggi gli iracheni a Baghdad, a un anno dallo
scoppio di una guerra che ha debellato la tirannia di
Saddam Hussein e l’ha rimpiazzata con l’occupazione
militare americana? Il veterano documentarista Romain
Goupil offre una cronaca, in stile “cinema-verità”, della vita
quotidiana di Abbas ad Roubay, ex-membro della Guardia
Repubblicana di Saddam che ora sbarca il lunario come
fattorino, di sua moglie Yasmine e dei loro quattro figli.
What is daily life like for the Iraqi people in Baghdad, a
year after the beginning of a war that ousted the
oppressive regime of Saddam Hussein but replaced it with
the occupation by U.S. troops? Veteran documentary
filmmaker Romain Goupil chronicles, in a ‘reality-cinema’
fashion, the daily lives of Abbas ad Roubay, a former
member of Saddam’s Republican Guard who now
struggles to make ends meet as a deliveryman, his wife
Yasmine and their four children.
EUROPA
VS. ASIA
Germania
Werner H. Stipetic, alias
Werner Herzog
È nato a Monaco di Baviera, nel
1942. Cresciuto in uno sperduto
villaggio fra le montagne bavaresi,
durante l’infanzia non vide mai un
telefono, un televisore e nemmeno
un film.
Arrivato alle scuole superiori,
cominciò a lavorare di notte, come
saldatore in un’acciaieria, allo
scopo di finanziare i suoi progetti
cinematografici. Realizza il suo
primo film nel 1961, all’età di
diciannove anni.
D’allora, ha scritto, diretto e
prodotto più di quaranta film
(Fitzcarraldo, Nosferatu, Woyzeck,
Where the Green Ants Dream,
Wings of Hope, Wodaabe Herdsmen of the Sun etc.),
pubblicato più di una dozzina di
libri e diretto altrettante opere.
Werner H. Stipetic, alias Werner
Herzog, was born in Munich,
Germany, in 1942.
He grew up in a remote mountain
village in Bavaria and never saw
any films, television, or telephones
as a child.
During high school, he worked the
nightshift as a welder in a steel
factory to get enough money to
start producing movies. He carried
out his first one in 1961, at the age
of 19.
Since then he has produced,
written, and directed more than
forty films (Fitzcarraldo, Nosferatu,
Woyzeck, Where the Green Ants
Dream, Wings of Hope, Wodaabe
- Herdsmen of the sun etc.),
published more than a dozen
books, and directed as many
operas.
RAD DER ZEIT
La ruota del tempo/Wheel of time
Werner Herzog
Sceneggiatura / Screenplay Werner Herzog
Fotografia (colore) / Photography (colour) Peter Zeitlinger
Montaggio / Editing Joe Bini
Musica / Music Prem Rana Autari, Sur Sudha-Autari, Prem RanaVaidya, Bihaya-Shrestha, Surendra, Florian Fricke - Popol Vuh, Lhamo
Dolma
Interpreti / Cast Con la partecipazione straordinaria di Sua Santità
il XIV Dalai Lama
Produzione / Production Werner Herzog Film GmbH
Anno di produzione / Year of production 2002
Durata / Running time 80’
Wheel of Time è un documentario che illustra il più grande
rituale buddista di promozione della pace e della
tolleranza, officiato dal Dalai Lama a Bodh Gaya, in India
e a Graz, in Austria, nel 2002. L’opera presenta inoltre
interviste esclusive a Sua Santità, rituali segreti ripresi per
la prima volta e sequenze di un pellegrinaggio al sacro
Monte Kailash, in Tibet.
Wheel of Time is a documentary film about the largest
Buddhist ritual promoting peace and tolerance, held by the
Dalai Lama in Bodh Gaya, India and Graz, Austria, in
2002, including exclusive interviews with His Holiness,
secret rituals for the first time on film as well as footage of
a pilgrimage to the Holy Mount Kailash in Tibet.
EUROPA
VS. ASIA
Italia
Silvano Agosti
Nato nel 1938, studia al Centro
Sperimentale di Cinematografia di
Roma. Nel 1963 è a Mosca per la
specializzazione in montaggio.
I pugni in tasca è distribuito nel
1965 (sceneggiatura di Agosti e
Bellocchio, regia di Bellocchio,
montaggio di Agosti). Il successo è
inatteso e duraturo, tanto che i
suoi artefici finiranno con l’esservi
identificati. Agosti è testimone
della resistenza greca e, nel 1973,
realizza ad Atene Altri seguiranno.
Nel 1974, gira a Brescia un
documentario sulla Strage di
Piazza della Loggia. Nel 1975
gira, presso l’ospedale psichiatrico
di Colorno, Matti da slegare,
diretto con Marco Bellocchio. Alla
fine degli anni Settanta, nasce Il
pianeta azzurro che sarà proiettato
a Venezia nel 1982. Della vasta
filmografia citiamo inoltre: Il
giardino delle delizie (1967), Il
segreto (1970), Nel più alto dei
cieli (1976).
Born in 1938, studied at the
Centro Sperimentale di
Cinematografia in Rome. In 1963,
he moved to Moscow to specialize
in editing. I pugni in tasca was
distributed in 1965 (screenplay by
Silvano Agosti and Marco
Bellocchio, directed by Bellocchio,
edited by Agosti). The movie
achieved such an unexpected and
long-lasting success that its
makers ended up being identified
with it.
In 1973, Agosti was in Athens to
document the Greek resistance
(Altri seguiranno). The following
year, in Brescia, he shot a
documentary about the slaughter
of Piazza della Loggia and, in
1975, Matti da slegare, co-directed
with Marco Bellocchio and set in a
psychiatric hospital. Towards the
end of the ’70s he carried out Il
pianeta azzurro, screened in
Venice in 1982. His extensive
filmography includes: Il giardino
delle delizie (1967), Il segreto
(1970), Nel più alto dei cieli
(1976).
INDIRA, UN INCONTRO
Silvano Agosti
Sceneggiatura / Screenplay Silvano Agosti
Fotografia (colore) / Photography (colour) Silvano Agosti
Montaggio / Editing Silvano Agosti
Produzione / Production Silvano Agosti
Anno di produzione / Year of production 1980
Durata / Running time 30’
L’incontro avvenne nella residenza privata del premier
indiano, sotto gli occhi della nipotina. Mi sentii, come
sempre, libero di porre qualsiasi domanda e,
all’improvviso le dissi: “Ho una domanda un po’ delicata.
Qualcuno mi ha detto che prima le faranno conoscere la
prigione, poi la uccideranno”. Indira, sicura di se,
mormorò: “Cosa c’è di delicato nel fatto che mi
uccideranno? Io sono pronta. So che mi vogliono
eliminare con qualsiasi mezzo.”
Tra Indira e me si stabilì rapidamente un sentimento tale
di intimità che mi permise, al momento del congedo, di
farle una carezza.
We met in the premier’s private residence, in the
presence of her little niece. As usual, I felt free to ask
whatever question and, suddenly, I told her: “I have a
rather embarrassing question for you. I was told that they
will put you in jail first and then they will kill you”.
Indira looked very self-confident and whispered: “What is
so embarrassing in that? I know they want to use any
means necessary to kill me and I am ready”.
The feeling of intimacy that quickly grew between the two
of us was so strong that, before leaving, I went so far as
to caress her.
EUROPA
VS. ASIA
Italia
Goutham Ghose
Nato nel 1950 è uno dei più autorevoli registi indiani contemporanei, esordisce nel 1974, con un
coraggioso documentario sulla
carestia che colpì il Bengala quello
stesso anno, vincendo il primo
premio al Festival di Hoberhausen.
In seguito, dirige alcuni film senza
mai dimenticare il suo amore per i
documentari. Fra i suoi soggetti
preferiti vi sono le biografie dei
protagonisti contemporanei di cultura, filosofia e solidarietà.
La sua vasta filmografia comprende i documentari Land of Sand
Dunes (1986, miglior documentario indiano dell’anno), Beyond the
Himalayas (1995,miglior documentario indiano), Ray (1999, evento
speciale al Festival di Venezia e
miglior documentario indiano) e i
lungometraggi Dakhal (1982, Premio Nazionale come miglior film e
Gran Premio della Giuria all’XI
Festival dei Diritti Umani di Strasburgo), Paar (1984, Premio Unesco per i valori umanitari al Festival di Venezia), Gudia (1997, Premio Nazionale come miglior film).
Born in 1950 is one of the major
contemporary Indian film makers,
started off as documentary director
in 1974, winning first prize at the
Hoberhausen Festival with a
daring documentary about the terrible famine that hit Bengal that
year. Later on he worked as a fiction film maker, never forgetting
his love for documentaries.
Among his favored subjects are
the portraits of outstanding personalities in contemporary culture,
philosophy and solidarity. His
extensive filmography includes the
documentaries Land of Sand
Dunes (1986, Best Indian Documentary), Beyond the Himalayas
(1995, Best Indian Documentary),
Ray (1999, Special Event at the
Venice Film Festival and Best
Indian Documentary) and the features Dakhal (1982, Best Movie
National Award and Special Jury
Award at the Strasbourg Human
Rights Festival), Paar (1984, Unesco Award at the Venice Film
Festival), Gudia (1997, Best Movie
National Award).
IMPERMANENCE
Impermanenza
Goutam Ghose
Sceneggiatura / Screenplay Goutam Ghose
Fotografia (colore) / Photography (colour) Goutam Ghose
Montaggio / Editing Animesh Bose, Danilo Scavuzzo, Ed Nadalin
Musica / Music Goutam Ghose
Interpreti / Cast Sua Santità il XIV Dalai Lama Tenzin Gyatso
Produzione / Production Indrapur Cinematographica
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 60’
Girato in aree diverse del Tibet – alcune delle quali mai
riprese prima d’ora – e a Dharmsala, India,
Impermanence è il viaggio di Tenzin Gyatso, il
quattordicesimo Dalai Lama, un uomo che ha perso la
sua libertà quando aveva quindici anni e vive esule
dall’età di ventiquattro. Le notizie della madrepatria sono
sempre rattristanti ma Tenzin Gyatso sembra sempre in
pace con se stesso. Parlando di responsabilità universale,
Sua Santità ha affermato: “Non si può negare che la
nostra felicità sia inestricabilmente legata a quella degli
altri e non si può negare che se la società nel suo
complesso soffre, anche noi soffriamo. Possiamo
respingere la religione, le ideologie, la stessa saggezza.
Non possiamo, tuttavia, sfuggire alla necessità d’amore e
compassione”. La transitorietà dei fenomeni è una verità
universale. Siamo tutti destinati a morire ma il problema
fondamentale dell’esistenza è come vincere la sofferenza
tra la nascita e la morte. Poiché il cinema ha la facoltà di
“preservare” i fatti transitori per la posterità, Goutam
Ghose ha voluto, attraverso le esperienze e la saggezza
del Dalai Lama, aiutare l’umanità a comprendere…
Shot in different areas of Tibet – some of which never
before filmed – and in Dharmsala, India, Impermanence is
the journey of Tenzin Gyatso, the fourteenth Dalai Lama
and a man who lost his freedom when he was fifteen and
had to live as an exile since the age of twenty-four. News
from his homeland is always saddening. However, he
always seems to be at peace. Speaking of universal
responsibility, His Holiness says: “There is no denying that
our happiness is inextricably tied to that of others. There
is no denying that if society at large suffers we ourselves
suffer. We can reject religion, ideology and wisdom. But
we cannot escape the necessity of love and compassion”.
Impermanence of phenomena is a universal truth. We are
all bound to die but the basic question of life is how to
overcome suffering between birth and death.
Since cinema has the power to “preserve” impermanent
facts for posterity, director Ghose has tried to record the
Dalai Lama’s experience and wisdom to help mankind
understand…
EUROPA
VS. ASIA
Italia
IL SECONDO NAXALITA
The Second Naxalite
Paolo Grassini
Paolo Grassini
Realizza il suo primo
lungometraggio Doppio movimento
nel 1979-80.
Nel 1981 si trasferisce a Parigi,
poi ad Amsterdam, dove dirige il
cortometraggio L’uomo della folla.
Nel 1985-86 fonda la società di
produzione Videoset e collabora
con RaiUno. Nel 1989-90 scrive,
dirige e produce con Italo Spinelli
il film Roma Paris Barcellona. Nel
2002 dirige Il piccolo gioco
insieme con Beniamino Natale e
Timor Hakimiyar.
Made his first feature Doppio
movimento in 1979-80. in 1981 he
moved to Paris and Amsterdam,
where he wrote and directed his
first short film L’uomo della folla. In
1985-86 he founded the
production company Videoset and
collaborated with Rai, the national
broadcasting company. In 1989-90
he wrote, directed and produced
with Italo Spinelli the film Rome
Paris Barcelona. In 2002 he
directed
Il piccolo gioco together with
Beniamino Natale and Timor
Hakimiyar.
Fotografia (colore) / Photography (colour) Paolo Grassini
Montaggio / Editing Roberta Cruciani
Produzione / Production VideoSet
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 30’
Kanu Sanyal è il secondo naxalita, l'ultimo superstite del
gruppo che nel 1969 fondò il partito comunista indiano
marxista leninista i cui militanti sono noti come "naxaliti".
Il documentario è un’intervista con Sanyal che racconta la
storia di un movimento che oggi e' diviso in sei gruppi di
cui due clandestini, molto forti in tutto il nord est indiano.
Kanu Sanyal is the second Naxalite, the last survivor of a
group that in 1969 founded the Indian Marxist Leninist
Comunist party, the militants of which are known as the
naxalite. The documentary is a interview with Sanyal who
describes a movement that today is divided in six groups,
two of which are clandestine, that are very strong in all of
North-East India.
EUROPA
VS. ASIA
Italia
LE CENERI DI
GANDHI
The ashes of Gandhi
Massimiliano Troiani
Massimiliano Troiani
Esordisce accanto al padre,
direttore della fotografia, in
occasione di diverse inchieste
televisive rai e sul set di vari film.
In anni più recenti, gira
documentari in numerosi paesi
africani e poi in India, dove si reca
più volte e dove, nel 2002, riceve
un invito della Darpana Academy
di Ahmedabad. Qui, alterna
l’attività di documentarista a quelle
di fotografo e regista teatrale.
Troiani è collaboratore della rivista
India e della trasmissione Radio 3
mondo. Nel maggio 2003, nella
foresta amazzonica, gira i
documentari Gli indios Guajà e la
foresta interrotta e Vite interrotte,
un’inchiesta sulla schiavitù.
Recentemente ha pubblicato una
raccolta di fotografie e appunti di
viaggio dal titolo Voci dal cortile.
Has started off his career as an
assistant to his father, a director of
photography, contributing to
several movies and RAI television
reports. Later on, he has traveled
extensively and shot
documentaries in Africa and India,
where he received an official
invitation by the Darpana Academy
of Ahmedabad. Here, he has
worked as a documentary
filmmaker, photographer and stage
director. Troiani is also a regular
contributor to the magazine India
and to the broadcast Radio 3
mondo. In 2003, he carried out
two documentaries in the
Amazonian rainforest: Gli indios
Guajà e la foresta interrotta and a
report about slavery entitled Vite
interrotte. He has recently
published Voci dal cortile, a
collection of photographs and
travel notes.
Sceneggiatura / Screenplay Massimiliano Troiani
Fotografia (colore) / Photography (colour) Massimiliano Troiani
Montaggio / Editing Riccardo Micalizio
Musica / Music Fabio Rossini e Stefano Santoni
Voce / Voice Gianni Musi
Produzione / Production La Grande Opera
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 35’
Il 30 gennaio 1948 Gandhi fu assassinato. Il giorno
successivo Nerhu accese la pira funeraria. Dove finirono
le ceneri del Mahatma? Come raccogliere l’eredità politica
e spirituale di un uomo che, attuando una strategia senza
precedenti, ebbe ragione dell’imperialismo britannico ma,
al tempo stesso, fu sconfitto dall’intolleranza politica e
religiosa?
All’epoca, l’India e Gandhi non riscuotevano grande
interesse in Italia, ma qualcuno ricorda ancora il giorno in
cui fu diffusa la notizia che il ‘fachiro mezzo nudo’, come
Winston Churchill definì il Mahatma, era stato ucciso.
Mario Luzi, Mrinalini Sarabhai, Carlo Della Casa, Rossana
Gatteschi e militanti indiani della resistenza antibritannica, ripercorrono oggi le ore in cui tre colpi di
pistola misero fine alla vita di Gandhi.
Gandhi was assassinated on January 30th, 1948. The
following day, Nehru set the funeral pile on fire. What
happened to the Mahatma’s ashes? How to live up to the
legacy of a man who, by means of an unprecedented
strategy, got the upper hand of British imperialism but, at
the same time, was overcome by political and religious
intolerance?
In Italy, at that time, India and Gandhi did non kindle any
special interest, but someone still remembers the day
when the news was spread that the ‘half-naked fakir’, as
Winston Churchill once called the Mahatma, had been
killed.
Mario Luzi, Mrinalini Sarabhai, Carlo Della Casa, Rossana
Matteschi and some Indian militants of the anti-British
movement, recall the time when three gunshots put an
end to Gandhi’s life.
EUROPA
VS. ASIA
Paesi Bassi
SANDCASTLES:
BUDDHISM AND GLOBAL
FINANCE
Castelli di sabbia: buddismo e finanza globale
Nato nel 1960, dopo una lunga
attività nel campo del montaggio,
Alexander Oey esordisce come
regista televisivo per l’emittente
nazionale olandese. I primi documentari trattano soprattutto d’arte
ma, a partire dalla metà degli anni
’90, l’interesse del regista si sposta su tematiche sociali. Secondo
Oey, l’arte ha perso gran parte
della sua energia provocatoria, in
aperta contraddizione con il
momento storico contemporanea,
in cui problematiche come la globalizzazione, la migrazione e le
divisioni sociali sono più importanti
che mai. La cospicua filmografia di
Oey comprende: The Sound of
Progress (1988, Rotterdam International Film Festival), The End of
Art (1990), World Reformers
(1998), Hard Normal Weird (1998,
Rotterdam International Film Festival), The End of Ego (2000, Rotterdam International Film Festival),
Two philosophers about Zen
(2004), The Sound of Contemplation (2004)
Born in 1960, Alexander Oey, after
a long-running activity in the field
of editing, started off as a director
with the Dutch national broadcasting company. His early work
dealt mainly with arts but, as from
the mid nineties, the director’s
interest shifted to social issues.
According to Oey, art has lost a
great deal of its provocative
power, an overt contradiction in
our time, when the issues of globalization, migration and social
gaps are more relevant than ever.
His extensive filmography includes: The Sound of Progress
(1988, Rotterdam International
Film Festival), The End of Art
(1990), World Reformers (1998),
Hard Normal Weird (1998, Rotterdam International Film Festival),
The End of Ego (2000, Rotterdam
International Film Festival), Two
philosophers about Zen (2004),
The Sound of Contemplation
(2004)
Alexander Oey
Fotografia (colore) / Photography (colour) Alexander Oey,
Marlou van den Berge
Montaggio / Editing Alexander Oey
Interpreti / Cast Dsongsar Khyentse Rinpoche, Saskia Sassen, Arnoud
Boot
Produzione / Production Buddhist Broadcasting Foundation
Anno di produzione / Year of production 2002
Durata / Running time 30’
L’insegnante tibetano Dzongsar Khyentse Rinpoche
(regista del lungometraggio The Cup), il sociologo
Americano Saskia Sassan e l’economista olandese
Arnoud Boot espongono le loro idee riguardanti il denaro,
la realtà e l’economia della compassione. Basata
sull’illusione, la globalizzazione può distruggere interi
sistemi economici, come abbiamo costatato in occasione
della recente crisi asiatica.
Tibetan teacher Dzongsar Khyentse Rinpoche (director of
the feature film “The Cup”), American sociologist Saskia
Sassan and the Dutch economist Arnoud Boot explain
their ideas about money, reality and compassionate
economy. Based on illusion, global finance is able to
destroy entire economies, as we have seen with the crisis
in Asia.
EUROPA VS.
ASIA
Regno Unito
THE BOY WHO PLAYS
ON THE BUDDHAS OF
BAMIYAN
Il bambino che gioca sui Buddha di Bamiyan
Phil Grabsky
Autore e regista di documentari,
ha fondato la premiata Seventh Art
Productions. Con sede a Brighton,
Inghilterra, la Seventh Art
Productions realizza documentari
per la televisione (BBC, National
Geographic e altre emittenti) e per
il cinema. Le opere più recenti
hanno illustrato una grande varietà
di temi, dalla storia della schiavitù
in Brasile, ai templi di Borobudur,
alla biografia di Pelé.Nel 2001
Grabsky ha diretto Muhammad Ali:
Through the Eyes of the World,
che ha inaugurato lo Sheffield
International Documentary Festival
dello stesso anno.
The Boy who Plays on the
Buddhas of Bamiyan, girato da
Grabsky nel 2002/03, è stato
presentato e più volte premiato in
occasione di rassegne
cinematografiche internazionali.
Grabsky è anche autore di quattro
libri che accompagnano i suoi
documentari, oltre ad articoli per le
principali testate britanniche, come
The Independent e BBC History
Magazine.
Is a documentary filmmaker who
established the award-winning
production company, Seventh Art
Productions.
Based in Brighton, England,
Seventh Art Productions makes
films for television (BBC, National
Geographic and others) and
cinema. Recent films have
covered subjects such as the
history of Brazilian slavery, the
temple of Borobudur and a
biography of the footballer Pelé.
In 2001 Phil directed Muhammad
Ali: Through the Eyes of the
World, which opened that year’s
Sheffield International
Documentary Festival.
The Boy who Plays on the
Buddhas of Bamiyan, which Phil
filmed in 2002/03, has been
selected for competition, and won
awards, in film festivals worldwide.
Phil has also written four books to
accompany his films as well as
articles for the major UK
newspapers and magazines, such
as The Independent and BBC
History Magazine.
Phil Grabsky
Fotografia (colore) / Photography (colour) Phil Grabsky
Montaggio / Editing Phil Reynolds
Musica / Music Dimitri Tchamouroff
Produzione / Production Seventh Art Productions
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 96’
“Il loro campo di battaglia è il suo campo di gioco”. Per più
di 25 anni l’Afghanistan è stato un Paese in guerra. Più di
due milioni di civili sono stati uccisi. Nel marzo del 2001, i
Talebani hanno raso al suolo la più grande attrazione turistica del Paese, i Budda di Bamiyan. Il documentario illustra, lungo l’arco di un anno, la storia di uno dei profughi,
il piccolo Mir Hussain, di otto anni, che vive in una grotta
fra le rovine.
Their battleground is his playground”. For over 25 years,
Afghanistan has been at war. Over two million civilians
have been killed. In March 2001, the ruling Taliban
destroyed Afghanistan’s foremost tourist attraction, the
Buddhas of Bamiyan. Over the course of a year, this film
follows the story of one of the refugees who lives in a
cave among the ruins, an eight-year-old boy named Mir
Hussain.
EUROPA
VS. ASIA
Svizzera
Samir
Nato a Baghdad nel 1955,
Samir cresce in Svizzera.
Debutta come autore e regista
nel 1982. Nel 1994 fonda,
insieme al regista Werner
Schwizer, la Dschoint Ventschr
Filmproduktion. La casa di
produzione, con sede a
Zurigo, promuove i nuovi
talenti cinematografici elvetici.
Negli anni ’90, oltre a concentrarsi sui suoi progetti come
produttore e regista indipendente, dirige numerosi
lungometraggi e serie televisive per emittenti private
tedesche.
Con i suoi film ha ottenuto
premi nazionali e internazionali
e meritato riconoscimenti per
l’aspetto innovativo del suo
lavoro. Oggi, Samir è
conosciuto per l’unicità della
sua opera per il video e il
cinema elettronico con oltre
quaranta film come Morlove –
an Ode for Heisenberg (1986),
Babylon 2 (1993, Zurich
Filmprice), Angelique (1998,
Swiss Film price for the best
short film) e Forget Baghdad
(2002, Award of the Ciritics
Week, Locarno).
Born in Baghdad in 1955,
Samir grew up in Switzerland.
He made his debut as a
freelance author and director
in 1982. In 1994, he cofounded Dschoint Ventschr
Filmproduktion with filmmaker
Werner Schweizer. The Zurich
located production company
builds up new Swiss film
talents.
In the Nineties, besides
concentrating on his own
projects as an independent
producer and director, he
worked for German private
broadcasting companies,
directing several features and
series for private channels.
His films received national and
international awards and also
won him recognition for the
innovative aspect in his work.
Today Samir is well known for
his unique work on video and
electronic cinema in over 40
films, such as Morlove – an
Ode for Heisenberg (1986),
Babylon 2 (1993, Zurich
Filmprice), Angelique (1998,
Swiss Film price for the best
short film) and Forget Baghdad (2002, Award of the
Ciritics Week, Locarno).
FORGET BAGHDAD
Dimenticare Baghdad
Samir
Sceneggiatura / Screenplay Samir
Fotografia (colore) / Photography (colour) Nurith Aviv, Philippe Bellaiche
Montaggio / Editing Nina Schneider, Samir
Musica / Music Rabih Abou-Kahlil
Interpreti / Cast Shimon Ballas, Moshe (Moussa) Houri, Sami Michael,
Samir , Ella Habiba Shohat
Produzione / Production Dschoint Ventschr Filmproduktion, Zurich
Anno di produzione / Year of production 2003
Durata / Running time 112
Il figlio dello sceicco, Jud Süss, Exodus, True Lies: la star
del cinema muto Valentino nei panni del “nobile beduino”;
un “avido ebreo” al servizio della causa nazista; Paul
Newman dagli occhi blu come ebreo-paladino della libertà
in Palestina; il terrorista arabo dal naso adunco e la pelle
scura “terminato” da Arnold Schwarzenegger … un bel
pasticcio di memorie cinematografiche! Forget Baghdad
riflette sui cliché di cui ebrei e arabi sono stati oggetto in
un secolo di cinema e, parallelamente, illustra le biografie
di alcuni personaggi straordinari. Negli ultimi anni, si è
aperto un vivo dibattito in Israele, soprattutto fra gli
intellettuali “mizrahim” (gli ebrei del Medio Oriente). Le
loro critiche sono rivolte alla politica di alienazione e
strumentalizzazione degli ebrei-arabi, nata con le pretese
coloniali della generazione fondatrice del Paese, sotto
lʼinfluenza euro-americana.
Son of the Sheikh, Jud Süss, Exodus, True Lies: silent
film star Valentino as the noble Bedouin; the “greedy Jew”
serving the Nazi cause; Paul Newman as the blue-eyed
Jewish freedom-fighter in Palestine; the dark-skinned,
hook-nosed Arab terrorist annihilated by Arnold
Schwarzenegger … a muddled composite of
cinematographic memories! Forget Baghdad is a film
reflecting upon the clichés of “the Jew” and “the Arab” in
the last hundred years of cinema, combined with the
biographies of some extraordinary individuals. Over the
past few years, there has been a lively debate in Israel,
mainly among intellectual “Mizrahim” (Middle Eastern
Jews). Their criticism is directed against the policy of
alienation and exploitation of Arab Jews, stemming from
the colonial claims asserted by Israelʼs Euro-Americaninfluenced founding generation.
OMAGGIO
YOICHI
SAI
OMAGGIO A
YOICHI SAI
JUKKAI NO MOSUKITO
Una zanzara al decimo piano / A Mosquito on
the Tenth Floor
Sai Yoichi
Nato nel 1949, lavora come assistente
alla regia di autorevoli maestri quali
Nagisa Oshima Nagisa e Murakawa
Toru. Nel 1983, debutta alla regia con
Jukkai no Mosuquito, presentato alla
quarantesima edizione del Festival di
Venezia e vincitore di riconoscimenti
come miglior regista esordiente al
Mainichi Film Contest e al Festival del
Cinema di Yokohama.
Successivamente, gira un numero
considerevole di film per la televisione.
Nel 1989, dirige Via Okinawa, film che
vince per la miglior sceneggiatura al
Festival di Yokohama. Sai Yoichi sale
improvvisamente alla ribalta nel 1993,
con il film All under the Moon, vincitore
di ben cinquantatre premi
cinematografici, fra il quali il più
prestigioso riconoscimento giapponese,
il Kinema Junpo. Il suo successo alla
regia seguita con vari titoli, fra i quali
Marks Mountain (1995), Buta no Mukui
(1998 – Premio Don Quixote al Festival
di Locarno) e Doing Time (2002,
vincitore del Blue Ribbon Director
Award e dello Hochi Film Best Film
Award).
Born in 1949, has worked as an
assistant director with such
authoritative masters as Oshima
Nagisa and Murakawa Toru. He
started off his own directorial career in
1983, with Jukkai no Mosuquito,
presented at the 40th Venice
International Film Festival and award
winner in the new directors’ category
at the Mainichi Film Contest and
Yokohama Film Festival. Thereafter,
he made a goodly number of TV
movies. In 1989, he directed Via
Okinawa, which brought him the Best
Screenplay Award at the Yokohama
Film Festival. In 1993, Sai Yoichi was
in limelight nearly overnight: his All
under the Moon won fifty-three film
awards, including the Kinema Junpo,
the most prestigious recognition in
Japan. Thenceforth, he has directed
successful movies such as Marks
Mountain (1995), Buta no Mukui (1998
- Don Quixote Award at the Locarno
Film Festival) and Doing Time (2002 –
winner of the Blue Ribbon Director
Award and Hochi Film Best Film
Award).
Sceneggiatura / Screenplay Uchida Yuya, Yoichi Sai
Fotografia (colore) / Photography (colour) Mori Masaru
Musica / Music Ono Katsuo
Interpreti / Cast Uchida Yuya, Yoshiyuki Kazuko, Ann Luice, Koizumi
Kyoko, Nakamura Reiko, Sato Kei, Miyashita Junko, Kazamatsuri Yuki
Produzione / Production New Century producers
Anno di produzione / Year of production
Durata / Running time 108’
Tokyo. Jukkai no Mosukito è la tragica storia di un poliziotto che ha fallito in tutto e sembra irrimediabilmente condannato a continui insuccessi. Vive in una stanza al decimo piano di un condominio, una sorta di santuario aereo
nel quale trova rifugio. Passa qui tutto il suo tempo libero,
bevendo sakè scadente, giocando con il suo computer o
facendo l’amore con Keiko, una ragazza conosciuta in un
bar. Non ha un soldo ed è molto depresso. Braccato dagli
usurai, in un accesso di disperazione, finisce per commettere una rapina a mano armata in un ufficio postale …
Nota: Il film si basa su fatti realmente accaduti. Colpito
dalla notizia, il cantante rock Uchida Yuya raccoglie i fondi
per la produzione, scrive la sceneggiatura insieme a Sai
Yoichi ed interpreta il ruolo principale.
Tokyo. Jukkai no Mosukito is the tragic story of a policeman who has never succeeded in anything in life and
seems to be hopelessly bound to failure in all his undertakings.
He lives in small room on the tenth floor of an apartment
building, an aerial sanctuary where he seeks refuge. He
spends all his spare time there, drinking cheap sake,
playing computer games or making love with Keiko, a girl
he has met in a bar. He is broke and depressed. Chased
by loan-sharks, in a fit of despair he commits an armed
robbery in a post office…
Note: The movie is based on a true story. Impressed by
this incident, Japanese rock singer Uchida Yuya raised
production funds, wrote the script together with director
Sai Yoichi and acted as chief character.
OMAGGIO A
YOICHI SAI
TSUKI WA DOCCHI
NI DETE IRU
Tutto sotto la luna / All under the Moon
Sceneggiatura / Screenplay Chong Ui Shin, Yoichi Sai
Fotografia (colore) / Photography (colour) Fujisawa Jun’ichi
Musica / Music Sakuma Masahide
Interpreti / Cast Kishitani Goro, Ezawa Moeko, Ruby Moreno, Ogi
Shigemitsu, Arizono Yishiki, Endo Ken’ichi, Maro Akaji, Kunimura Jun,
Serizawa Masakazu, Kaneda Akio, Hagiwara Masato, Furuoya Masato
Produzione / Production Cine Qua Non Films
Anno di produzione / Year of production 1993
Durata / Running time 109’
Kang Nam Chung, nord-coreano nato in Giappone, lavora
come autista per Kim Seil, un ex compagno di scuola, ora
titolare di un’azienda di taxi a Tokyo. I suoi compagni di
lavoro formano una squadra davvero singolare: un nuovo
autista senza alcun senso dell’orientamento, un ex pugile
che afferma di odiare i coreani e un immigrato clandestino
iraniano.
Chung Nam occupa il suo tempo con le donne. A causa
degli infruttuosi tentativi con le coreane e di una madre
che non gradisce le giapponesi, Chung Nam finisce per
corteggiare Connie, una recalcitrante ragazza filippina.
Intanto, Kim Seil investe una fortuna in un terreno da golf.
L’impresa fallisce e Kim Seil è costretto a cedere la sua
azienda a un malvivente. Inizialmente, Kim Seil decide di
dar fuoco allo stabile ma, ripensandoci…
Il regista, a sua volta coreano nato sotto la bandiera del
sol levante, si occupa spesso dei problemi affrontati dagli
stranieri nel Paese ma, astenendosi dalle polemiche,
preferisce dipingere con ironia le assurdità del Giappone
contemporaneo.
Kang Chung Nam, a Japan-born North Korean, works as
a driver for Kim Seil, a former schoolmate who now owns
a cab company in Tokyo. Chung Nam’s fellow workers
make up an odd team indeed, including a newly employed
driver with no sense of direction, a former boxer who
claims a bitter aversion to Koreans and an illegal
immigrant from Iran.
Chung Nam keeps busy running after women. Because of
fruitless attempts with Koreans and his mother objecting
to Japanese women, Chung Nam ends up courting
Connie, a reluctant Filipino girl.
Meanwhile, Kim Seil determines to invest a fortune in a
golf course. The venture is a failure and Kim Seil is forced
to hand his company over to a gangster. At first, Kim Seil
determines to burn the building down but, on second
thoughts …
Director Sai, himself a Japan-born Korean, often deals
with the problems faced by foreigners living in Japan but,
refraining from diatribe, he rather uses irony to depict the
absurdities of contemporary Japan.
OMAGGIO A
YOICHI SAI
MAKUSU NO YAMA
Marks mountain
Sceneggiatura / Screenplay Maruyama Shoichi, Sai Yoichi
Fotografia (colore) / Photography (colour) Hamada Takeshi
Montaggio / Editing Kenji Goto
Musica / Music Tim Donahue
Interpreti / Cast Ki-Chi Nakai, Masato Hagiwara, Masato Furuoya,
Ittoku Kishibe, Takuzo Kakuno
Produzione / Production Shochiko Co. Ltd
Anno di produzione / Year of production 1995
Durata/Running time 105’
Tokyo: un gangster di nome Hatakeyama Hiroshi è stato
assassinato a Yagumo, un quartiere chic di Tokyo. La
morte è stata causata da un’arma assai singolare. La
Settima Squadra Omicidi è incaricata delle indagini. Nelle
sue fila è Aida Yuchiro, un agente molto dotato ma incline
ad agire solo. Nel giro di pochi giorni, nel quartiere di Oji,
è commesso un secondo omicidio. La vittima, l’ispettore
capo Matsui Koji, è stata apparentemente uccisa con la
stessa arma usata per sopprimere Hatakeyama. Il delitto
infervora la Settima Squadra ma il nuovo caso è stato
affidato alla Decima. Fra le due rivali cominciano i
dissapori e un terzo omicidio viene a complicare
ulteriormente le indagini. Rimane la questione di quale
legame sussista fra tre vittime che, a prima vista,
sembrano non aver niente in comune. Chi c’è dietro i
brutali omicidi? Le risposte sono nelle mani di “Marks” …
Tokyo: a mobster named Hatakeyama Hiroshi is found
murdered in Yagumo, a classy residential area, his death
caused by an odd kind of weapon. The Seventh Homicide
Squad takes charge of the investigations. Among them is
Aida Yuchiro, a very skilled officer but one who tends to
act as a loner. Within a few days, a second murder is
committed, this time in the district of Oji. The victim, chief
detective Matsui Koji, was apparently killed in much the
same way as Hatakeyama. The crime stirs the Seventh
Squad up but is turns out that the Tenth Squad has been
assigned the new case. The rival teams start squabbling
and a third murder comes to make things even more
complicated. The question remains as to what is the link
between the three seemingly unrelated victims. Who is
behind these brutal killings? The answers lie in the hands
of “Marks”…
OMAGGIO A
YOICHI SAI
KEIMUSHO NO
NAKA
Scontando la pena / Doing Time
Sceneggiatura / Screenplay Maruyama Shoichi, Nakamura Yoshihiro,
Wi Shing Chong
Fotografia (colore) / Photography (colour) Hamada Takheshi
Montaggio / Editing Kawase Isao
Musica / Music Sasaki Tsuguhiko
Interpreti / Cast Tsutomu Yamazaki, Teruyuki kagawa, Tomorowo
Taguchi, Yutaka Mtsushige, Toshifumi Muramatsu
Produzione / Production Be-Wild co., Eilisei Gekijo co.
Anno di produzione / Year of production 2002
Durata / Running time 93’
Prigione di Hidaka, Isola di Hokkaido. Hanawa Kazuichi
deve scontare una pena di tre anni. Qui, i fatti più
insignificanti della vita sono il più grande diletto dei
detenuti: come godersi la festa di capodanno, chi ha i
capezzoli più grandi, quale sarà il prossimo film proiettato
…? Un giorno, Kazuichi subisce una punizione e, mentre
lavora in uno stato d’estasi, si domanda: “Perché la vita è
tanto meglio qui che fuori? Potrei passare in carcere il
resto dei miei giorni e non pentirmene … Ah, keimusho no
naka! Keimusho no Naka, adattamento di una storia a
fumetti basata su una reale esperienza del disegnatore, è
una sorta di peep-show sulla vita quotidiana in una
prigione. Il film è una pura, irriverente commedia, senza
colpi di scena, guardie dispotiche o evasioni.
Ironicamente, la prigione sembra il più pacifico dei
santuari nel Giappone contemporaneo.
Hidaka Prison, Hokkaido. Hanawa Kazuichi has been
sentenced to a three-year imprisonment. Here, the most
trifling facts of life become the inmates’ utmost
amusement: how to enjoy their New Year’s Eve party, who
has the biggest nipples, what movie is going to be
screened next …?
One day, Kazuichi is inflicted a punishment. While working
in a state of rapture, he wonders: “Why is life so much
better here than outside? I could spend the rest of my life
here and I wouldn’t regret it … Ah, keimusho no naka! An
adaptation of a comic based on the cartoonist’s own
experience, Keimusho no Naka is a peep-show-like gaze
at everyday life in prison. The film is a pure, irreverent
comedy with no remarkable incidents, no tyrannical
guards and no runaways. Ironically enough, prison seems
to be the most peaceful sanctuary in contemporary Japan.
OMAGGIO A
YOICHI SAI
QUILL
Sceneggiatura / Screenplay Maruyama Shoichi, Nakamura Yoshihiro
Fotografia (colore) / Photography (colour) Fujisawa Junichi
Montaggio / Editing Kawase Isao
Musica / Music Kuricorder Quartet
Interpreti / Cast Kobayashi Kaoru, Shiina Kippei, Kagawa Teruyuki,
Natori Yuko, Toda Keiko, Terajima Shinobu, Kurotani Tomoka
Produzione/ Production Shochiku Co. Ltd.
Anno di produzione / Year of production 2004
Durata / Running time 100’
Quill, un cucciolo di Labrador, è facilmente identificabile per via di una
curiosa macchia sul fianco, somigliante a un uccello con le ali spiegate.
La vita di Quill cambia drasticamente quando il proprietario, che vuole
farne un cane per ciechi, lo separa dalla madre, lo assegna a “genitori
adottivi” e, infine, lo affida a un centro d’addestramento.
Il docile Quill è quindi affiancato a un uomo che, sulle prime, è riluttante
all’idea di un cane-guida. Un incidente, tuttavia, indurrà uomo e animale,
apparentemente incompatibili, a contare l’uno sull’altro. Quill sperimenta
molti incontri e separazioni nella sua vita di cane-guida e concede a tutti
il dono della fiducia e di un amore incondizionato. Il legame con il nuovo
padrone/compagno, il quale riscopre la gioia di vivere, si fa ogni giorno
più forte. I due, tuttavia, dovranno presto affrontare un’improvvisa e triste
separazione …
“Quill, quando cammino insieme a te, comprendo cosa significhi essere
vivi”. Ispirato a una storia realmente accaduta.
Quill, a pup Labrador retriever, is easily identifiable by a curious pattern
on its side that resembles a bird spreading its wings. Its owner wants
Quill to be trained as a guide dog. The pet’s life drastically changes when
it is taken away from its mother, assigned to “foster parents” and,
eventually, enters a training center. The gentle Quill is then teamed up
with a man who, at first, is reluctant to take to a guide dog. Then, an
incident causes the seemingly incompatible man and dog to come to rely
on each other. Quill experiences many encounters and farewells in his
daily life as a guide dog and tenderly gives everyone his unconditional
love and trust.
The bond between Quill and the owner/partner, who rediscovers the joy
of life, grows everyday stronger. The two of them though, will soon have
to face a sudden and sorrowful parting...
“Quill, When I walk with you, I realize what it is to be alive”. Based on a
true story.
FOCUS
SU TOKIO
FOCUS SU
TOKYO
TOKYO NO EIYU
Tokyo hero
Hiroshi Shimizu
Hiroshi Shimizu
Nasce nella Prefettura di Shizuoka,
nel 1903, e muore a Kyoto, nel 1996.
Nel 1922 lavora come assistente alla
regia presso gli studi Kamata
Shochiku. Promosso alla regia all’età
di ventuno anni, il suo primo film, Toge
no Kanata (1924), gli vale la
reputazione di artista di grande
talento. Dopo la Seconda Guerra
Mondiale, fonda gli studi Hachinosu
Eiga. Ciò gli permette di lavorare
come regista indipendente e di girare
film quali Children of the Beehive
(1948), in cui recitano piccoli senza
tetto da lui stesso adottati e allevati.
Dirige inoltre alcuni film per la ShinToho e la Daiei, l’ultimo dei quali,
Hana no Omokage, nel 1959. Shimizu
ha firmato la regia di ben 163 film
nell’arco della sua carriera.
Shimizu godeva di una grande
reputazione fra gli altri maestri
dell’epoca, tra cui Ozu e Mizoguchi
che lo consideravano “un genio”.
I suoi film, caratterizzati da un’arguzia
e un umorismo straordinari,
posseggono un fascino davvero unico.
Was born in Shizuoka Prefecture, in
1903, and passed away in Kyoto, in
1996. In 1922, he join Kamata
Shochiku’s studios as an assistant
director. Raised to the rank of director
by the age of 21, his first film, Toge no
Kanata (1924), earned him a
reputation as a talented director.
After World War II, he established the
Hachinosu Eiga studios. This allowed
him to work independently and to
direct films such as “Children of the
Beehive” (1948), in which he
employed homeless children he had
taken in and raised himself. He also
directed films for Shin-Toho and Daiei,
the last of which, Hana no Omokage,
he made in 1959. Shimizu directed a
total of 163 films over his career.
Shimizu was highly regarded by other
master filmmakers of his era, between
which Ozu e Mizoguchi, who
considered him “a genius”. Shimizu’s
films are uniquely witty and humorous
and possesses a charm all their own.
Sceneggiatura / Screenplay Arata Masao
Fotografia (colore) / Photography (colour) Nomura Ko
Musica / Music Saotome Hikaru
Interpreti / Cast Yukichi Iwata, Mitsuko Yoshikawa, Jun Yokoyama,
Tokkan Kozo
Produzione / Production Shochiku Co. Ltd.
Anno di produzione / Year of production 1935
Durata / Running time 64’
Per amore della matrigna, che lo ha cresciuto da sola, un
giovane diventa corrispondente di un giornale e perseguita
il padre, un truffatore senza scrupoli.
For the sake of his stepmother, who raised him all on her
own, a young man becomes a newspaper reporter and
pursues his father, a reckless swindler.
FOCUS SU
TOKYO
GINZA GESHO
Ginza cosmetics
Mikio Naruse
Mikio Naruse
(1905-1969), esordisce
giovanissimo nel cinema: dal 1920
al 1930 lavora, comE TUttofare
prima e come aiuto regista poi, per
la casa di produzione Shochiku.
Debutta alla regia nel 1930, con
due commedie farsesche
(Chambara fufu e Junjo). Del 1935
è Tsuma yo bara no yoni, vincitore
del premio “Kinema Junpo” e
primo film giapponese proiettato a
New York. Fra i temi più cari al
regista di Tokyo, la famiglia come
primo nucleo della società. Cupo e
pessimista, si è più volte ispirato
alla scrittrice Hayashi Fumiko,
traendo dai suoi romanzi alcune
delle opere più importanti della
sua filmografia come Meshi
(1951), Inazuma (1952) e
Ukigumo (Floating Clouds, 1956),
considerato il suo capolavoro.
Ukigumo e Horoki (del 1962, è la
trasposizione di un romanzo
autobiografico della Hayashi).
Midaregumo (1967), una storia
d’amore assai toccante, è l’ultimo
dei suoi 87 film. Naruse è
considerato uno dei più grandi
maestri dell’epoca d’oro del
cinema giapponese.
Born in Tokyo (1905-1969), began
his cinematographic career at a
very early age: from 1920 to 1930,
he worked for Shochiku
production, first as a factotum then
as an assistant director. He made
his debut as a director in 1930,
with two comedies (Chambara fufu
and Junjo). In 1935, he directed
Tsuma yo bara no yoni, winner of
the “Kinema Junpo” award and
first Japanese movie to be
screened in New York. Among the
director’s favorite themes are the
family as the primal nucleus of
society. Gloomy and pessimistic,
he was often inspired by the writer
Hayashi Fumiko, adapting from
her novels some of his most
important works such as Meshi
(1951), Inazuma (1952) and
Ukigumo (Floating Clouds, 1956),
the latter being regarded as his
masterpiece. Ukigumo and Horoki
(1962; an adaptation of an
autobiographical novel by
Hayashi). Midaregumo (1967), a
Sceneggiatura / Screenplay Kishi Matsuo
Fotografia (B/N) / Photography (B/W) Mimura Akira
Montaggio / Editing Hidetoshi kasama
Musica / Music Suzuki Seiichi
Interpreti / Cast Tanaka Kinuyo, Nishikubo Yoshihiro, Hanal Ranko, Hori
Yuji, Kagawa Kyoko, Yanagi Eijiro, Kiyokawa Tamae, Mishima Masao,
Tono Eijiro
Produzione / Production Shin Toho
Anno di produzione / Year of production 1951
Durata / Running time 87’
Yukiko lavora come entraineuse a Tokyo, nel quartiere di
Ginza. Intanto, si prende cura di Haruo, il bimbo natole a
seguito di una relazione con un uomo sposato. La notte,
con riluttanza, Yukiko lascia il piccolo solo: deve badare ai
clienti, i cui desideri sessuali, tuttavia, si rifiuta di
assecondare.
Un giorno, Shizue, l’amante di un uomo d’affari di Kansai,
le chiede di accompagnare Kyosuke, un amico giunto a
Tokyo proprio mentre vi si trova anche il suo ricco cliente.
Yukiko accetta di mostrare la città a Kyosuke, cercando in
tutti modi di nascondergli la vera attività sua e di Shizue.
Yukiko si sente attratta dalla correttezza dell’uomo e
considera l’opportunità di lasciare Tokyo insieme a lui…
Ginza Gesho è uno dei primi esempi del ritratto
psicologico di donna tormentata ma di gran dignità, cui
Naruse si dedicò assiduamente negli anni ’50.
Yukiko works as a bar hostess in the Ginza area of Tokyo.
Meanwhile, she looks after Haruo, a child she gave birth
after a liaison with a married man. Yukiko reluctantly
leaves Haruo alone to work late at night, tending
customers whose sexual wishes, however, she refuses to
yield to.
One day, Shizue, the mistress of a businessman from
Kansai, asks her to attend to Kyosuke, a friend who
happens to be in Tokyo at the same time as her patron.
Yukiko agrees to show Kyosuke around Tokyo, while
taking pains not to reveal her and Shizue’s real
occupation. Yukiko starts feeling attracted by Kyosuke’s
earnestness and considers the chance to run away from
Tokyo with him…
Ginza Gesho is one of the earliest examples of the
psychological portraits of troubled but dignified women,
which Naruse devoted himself to throughout the 1950s.
FOCUS SU
TOKYO
AKASEN CHITAI
Street of shame
Kenji Mizoguchi
Kenji Mizoguchi
(1898-1956), “il più grande cineasta
del mondo”, nasce a Tokyo da una
modesta famiglia di artigiani. S’interessa prima al teatro, quindi si rivolge
al cinema e lavora come assistente
alla regia per la casa di produzione
Nikkatsu. Nel 1923, firma la sua
prima regia, Il giorno della rinascita
dell’amore, ispirato a Resurrezione di
Tolstoj, un film purtroppo andato perduto. Il consenso della critica arriva
con Osaka Elegy e Sister of the Gion
(1936), film di realismo sociale su
sceneggiatura di Yoda Yoshikata che
diventerà suo stabile collaboratore.
Nel 1942, la Shochiku di Kyoto gli
affida la realizzazione di un classico
della letteratura giapponese, I quarantasette Ronin, considerato uno dei
capolavori del regista. Mizoguchi
conquista la notorietà internazionale
con Vita di O-Haru, donna galante
(1952), Tales of Ugetsu (1953, I racconti della luna pallida d’agosto) e
L’intendente Sanshô (1954), nuovamente incentrati sulla contrapposizione tra individuo e società.
Kenji Mizoguchi (1898-1956), «the
greatest filmmaker in the world», was
born in Tokyo, the son of modest artisans. Initially, he took interest in
drama; then he switched to filmmaking and joined Nikkatsu Production as an assistant director. In 1923,
he directed his first and unfortunately
lost movie, inspired by Tolstoj’s
Resurrection. The praise of the critics
came with Osaka Elegy and Sister of
the Gion (1936), two fine examples of
social realism on film, written by Yoda
Yoshikata who would then become
one of Mizoguchi’s steady collaborators. In 1942, Kyoto’s production
company Shochiku entrusted him
with the direction of The Forty-seven
Ronins. The movie, based on a classic of Japanese literature, is still considered one of the director’s masterpieces. Mizoguchi earned his international fame with Life of O-Haru
(1952), Tales of Ugetsu (1953) and
Legend of Bailiff Sanshô (1954),
again centered on the individual as
opposed to society at large.
Sceneggiatura / Screenplay Narusawa Masahige
Fotografia (colore) / Photography (colour) Miyagawa Kazuo
Montaggio / Editing Kanji Sugawara
Musica / Music Mayuzumi Toshiro
Interpreti / Cast Wakao Azako, Kyo Machiko, Mimasu Aiko, Machida
Hiroko, Kogure Michiyo, Kawakami Yasuko, Shindo Eitaro, Sawamura
Sadako,
Harumoto Fujio, Toake Hisao
Produzione / Production Daiei
Anno di produzione / Year of production 1956
Durata / Running time 85’
Tokyo 1956: Yumeko, Yasumi, Hanae, “Mickey” e Yorie
provvedono al proprio sostentamento lavorando come
prostitute in un club di nome “Yume no Sato” (approssimativamente traducibile con “Casa, dolce casa”). Street of
Shame narra le loro vicende e traversie nel periodo che
precede la ratifica del decreto governativo contro la prostituzione. Mizoguchi aveva già dedicato un film alle prostitute, Yoru no Onnatachi (1948), ambientato nel Giappone
dell’immediato dopoguerra. Street of Shame ritrae donne
che si battono in difesa dei propri diritti contro una società
sciovinista, contrariamente a tanti film girati all’epoca, il
più delle volte caratterizzati da una sorta di passiva consapevolezza dei loro problemi. Immediatamente dopo la
distribuzione del film, il decreto anti-prostituzione è ratificato. Cinque mesi più tardi, muore Mizoguchi.
Tokyo, 1956: Yumeko, Yasumi, Hanae, “Mickey” and Yorie
earn their living as prostitutes in a club called “Yume no
Sato” (which could be approximately rendered as “Home
Sweet Home”).Street of Shame narrates their vicissitudes
and mishaps just before the ratification of the Anti-Prostitution Act. Kenji Mizoguchi had already portrayed Japanese prostitutes soon after World War II, in Yoru no onnatachi (1948). Street of Shame portrays women who fight for
their rights against a male chauvinist society, instead of
conveying a feeling of passive awareness of their troubles
which, at that time, was common to many Japanese films.
It was right after this film had been released that the AntiProstitution Act was finally ratified. Five months later director Mizoguchi passed away.
FOCUS SU
TOKYO
TOKYO NAGAREMONO
Tokyo drifter
Seijun Suzuki
Seijun (Seitaro) Suzuki
Nasce a Tokyo nel 1923. Tra il
1956 e il 1968, dirige trentanove
lungome-traggi per gli studi
Nikkatsu, soprattutto film d’azione
e “yakuza”, storie tratte da racconti
popolari, piene di intrighi e
personaggi spericolati, spesso
connotate da una forte ironia
(Nikutai no mon, 1964; Koroshi no
rakuin, 1967). A causa di aspre
divergenze, Branded to Kill (1968)
conclude la sua collaborazione
con la Nikkatsu. Negli anni ’80,
ormai salutato come un grande
maestro, raccoglie un largo
consenso, soprattutto con il film
Heat-Haze Theatre (1981), ma è
con il recente Pistol Opera (2001)
che Suzuki torna ad essere un
punto di riferimento per pubblico e
critica.
Was born in Tokyo, in 1923. From
1956 to 1968, he directed thirtynine features for Nikkatsu Studios,
mainly action and “yakuza”
movies, adapting popular tales
with lots of intrigues and daring
characters, often with remarkable
irony (Nikutai no mon, 1964;
Koroshi no rakuin, 1967). Due to
bitter disagreements, Branded to
Kill (1968) concludes his
association with Nikkatsu. By then
acknowledged as a master, Suzuki
has received enthusiastic reviews
in the eighties, especially for HeatHaze Theatre (1981). It is with his
recent Pistol Opera (2001),
however, that Suzuki has become
again a reference point for critics
and audiences alike.
Sceneggiatura / Screenplay Yasunori Kawauchi
Fotografia (colore) / Photography (colour) Mine Shigeyoshi
Montaggio / Editing Shinya Inoeu
Musica / Music Kaburagi So
Interpreti / Cast Watari Tetsuya, Matsubara Chieko, Nitani Hideaki, Kita
Ryuji
Produzione / Production Nikkatsu
Anno di produzione / Year of production 1966
Durata / Running time 83’
Hondo Tetsuya è un giocatore d’azzardo anche noto come
“Fushicho-No-Tetsu” (“Tetsu la Fenice”). Tetsuya causa
troppi problemi a una gang rivale ed è costretto a lasciare
Tokyo per qualche tempo. Intraprende perciò un viaggio
che si rivelerà lungo e pieno d’insidie. Prima si dirige a
Nord-Est, verso Niigata ma sia la polizia, sia i nemici lo
rintracciano e Tetsuya salva a stento la vita. Quindi, si dirige a sud, verso l’isola di Kyushu ma neanche laggiù trova
un rifugio sicuro e comincia a pensare che l’unica soluzione sia tornare a Tokyo.
The gambler Hondo Tetsuya, alias “Fushicho-No-Tetsu”
(“Tetsu the Phoenix”), causes a rival gang too much trouble and is forced to leave Tokyo for a while.
He then sets out on a journey that will turn out to be a
long and perilous one. First, he heads northeast for Niigata, but both the police and his enemies track him down
and he barely escapes death.
He then heads south for Kyushu but finds no hideaway
there either and starts realizing that the only solution for
him is to return to Tokyo.
FOCUS SU
TOKYO
TOKYO SENSO SENGO
HIWA
The man who left his will on film
Nagisa Oshima
Nagisa Oshima
Nasce a Tokyo nel 1932. Nel 1954
vince un concorso indetto dalla
Shochiku ed è assunto come aiuto
regista. Durante il suo apprendistato,
scrive sceneggiature e recensioni
cinematografiche. Nel 1960 dirige tre
film su gioventù e movimenti politici
che lo consacrano uno dei registi più
importanti della nouvelle vague
giapponese. Dalla seconda metà degli
anni ’60 produce i suoi film e
approfondisce il tema della rivoluzione
sociale in relazione a famiglia, autorità
e di tradizione, costruendo un
complesso quadro ideologico e
politico del Giappone. Nei successivi
Realm of the Senses (1976), Empire
of Passion (1978), Max, My Love
(1986), fino al recente Taboo (1999)
predilige il tema dell’eros.
Nagisa Oshima was born in Tokyo in
1932. In 1954, he won a competition
published by Shochiku and was hired
as an assistant director. During his
apprenticeship, he wrote scripts and
film reviews. In 1960, Oshima directed
three movies about youth and political
movements, which established him as
one of the leading directors of the
Japanese nouvelle vague. As from the
middle Sixties he starts producing his
own movies and thoroughly
investigated the theme of social
revolution as related with family,
authority and tradition, drawing a
rather complex political and
ideological picture of Japan. In the
following Realm of the senses (1976),
Realm of Passion (1978), Max, my
love (1986), up to the recent Taboo
(1999), Oshima has had a preference
for erotic themes.
Nota
La copia di The man who left his will
on film appartiene alla collezione del
National Film Centre (NA Museum of
Modern Art), Tokyo.
Note
The print of The man who left his will
on film is from the collection of the
National Film Centre (NA Museum of
Modern Art), Tokyo
Sceneggiatura / Screenplay Nagisa Oshima, Tamura Tsutomu,
Sasaki Mamori, Hara Masataka
Fotografia(B/N) / Photography (B/W) Narushima Toichiro
Montaggio / Editing Uraoka Keiki
Musica / Music Takemitsu Toru
Interpreti / Cast Goto Katsuo, Iwasaki Emiko, Fukuoka Sugio, Isogai
Hiroshi, Hashimoto Kazuo
Produzione / Production Oshima Production
Anno di produzione / Year of production 1970
Durata / Running time 94’
Uno studente militante di sinistra sparisce in circostanze
misteriose. Uno dei suoi compagni teme possa essersi
suicidato. Ne parla con la fidanzata ma i due sono troppo
diversi e…
A leftist militant student disappears under mysterious circumstances. One of his friends is afraid he may have killed himself. He talks to his girlfriend about his worries but
they are so different that…
FOCUS SU
TOKYO
BOUNCE KO GALS
Leaving - Bouncing young girls
Harada Masato
Harada Masato
È uno dei più versatili nel novero
dei registi new wave giapponesi
emersi fra gli anni ’80 e ’90. Si è
imposto come artista di sicuro
talento, con una serie di titoli
divenuti ormai cult-movie. Nato nel
1949, si è rivolto alla regia
cinematografica dopo una carriera
iniziale di critico. Grazie a film
come Heartbreak Yakuza (1987) e
Kamikaze Taxi (1995), ha infuso
nuova vita nel genere “gangster”
giapponese. Nel 1988 dirige e
firma la sceneggiatura dello storico
film cyberpunk Gunhed. Con
Bounce ko Gals, Harada è tornato
al suo ambito preferito, la cronaca
della vita sotterranea nell’odierna
Tokyo. Altri film a suo nome sono:
Goodbye Flickmania (1979) Windy
(1984) Out of focus (a.k.a.
Indecent Exposure) (1985) e
Rowing Through (1996).
One of the most versatile in the
number of new wave Japanese
directors to emerge in the eighties
and nineties, Harada Masato has
established himself as proven
talent with a series of cult hits to
his name. Born in 1949, he turned
to film directing in 1979, after an
initial career as a critic. Thanks to
films such as Heartbreak Yakuza
(1987) and Kamikaze Taxi (1995),
he breathed new life into the
Japanese gangster-movie genre.
In 1988, he directed and co-wrote
the cult cyberpunk film Gunhed.
With Bounce ko Gals, Harada has
returned to his favourite milieu, the
chronicle of modern-day Tokyo’s
underside. Other movies to his
credit are: Goodbye Flickmania
(1979) Windy (1984) Out of focus
(a.k.a. Indecent Exposure) (1985)
and Rowing Through (1996).
Sceneggiatura / Screenplay Harada Masato
Fotografia (colore) / Photography (colour) Sakamoto Yoshitaka
Montaggio / Editing Abe Hirohide
Musica / Music Kawasaki Masahiro
Interpreti / Cast Sato Hitomi, Sato Yasue, Okamoto Ykiko, Muratami
Jun, Yazawa Shin, Momoi Kaori, Yakusho Koji
Produzione / Production Maruyama Hiroshi
Anno di produzione / Year of production 1997
Durata / Running time 109’
La giornata comincia alle 15,00 per le ragazze, quando
termina la scuola. Mentre Junko incontra gli amici, Raku
accompagna Maru alla clinica per abortire. Più tardi
andranno a fare spese. Raku se ne va presto quel pomeriggio, per un servizio pornografico. Maru, invece, s’imbatte in un cliente che, più tardi, si rivela un gangster e pretende che la ragazza lavori per lui. Quando Junko incontra il malvivente per negoziare sulle sorti di Maru, riceve a
sua volta un avvertimento: o lavorino entrambe per conto
della yakuza, o smettano definitivamente. Finora è stata
una giornata alquanto ordinaria. Lisa, una ragazza che
Raku ha incontrato sul set, sta per cambiare le cose. È
diversa da chiunque altro Raku abbia mai incontrato: c’è
aria di purezza e di speranza intorno a Lisa, un’aria che la
distingue dalle “ko gals” del quartiere di Shibuya.
A girl’s day begins at 3.00, when school breaks up. While
Junko goes to meet her friends, Raku accompanies Maru
to the abortion clinic. Later on they go shopping. Raku
leaves early to go to a porn shoot. Maru picks up a client
who he turns out to be a gangster and wants her to work
for him. When Junko goes to negotiate on Maru’s behalf,
she’s warned off too; either they do business on account
of the yakuza or quit right away. So far, it’s been a pretty
ordinary day.
Lisa, a girl Raku has met at the shoot, is about to change
that. She’s not like anyone Raku has met before: there’s
an aura of purity and hope around her that makes her
stand out of the number ‘ko gals’ of Shibuya district.