Irregular
Talents
Index
Indice
Introduzione, Sergio ZIni
Irregular Talents, Franco Faranda
Presentazione del progetto "Irregular Talents"
Talento e regola: innovazione e paradigma, Luca Farulli
L'arte tra "normale" e "irregolare": il punto di vista del
"cambio di prospettiva", Peter Assmann
Gli artisti polacchi nel progetto "Irregular Talents", Alicja
Saar-Kozłowska
Il talento degli Irregolari, Cristina Calicelli
Irregular Talents. Dal punto di vista dell’outsider art,
Sara Ugolini
Artisti e Opere:
CesarePaltrinieri
Michał Nowak
Paul Duhem
Giotto
Ewa Swiokła Mieczysław Saar
Anita Baier
Anita Wend
Peter Bischof - Helena ellefee Möstl - Peter Assmann Jarosław Latowski
Giovanni Bosco
Marta Rosenthal-Sikora
Elisabeth Watzek
Hubert Zemsauer
Andrea Obwaller
Marzia Barbanti
Andrea Giordani
Renata Jagielska
Andrea Carminati
Riccardo Persico
Franco Veneri
James Lake
Alicija Saar
Gianluca Pirrotta
Tarcisio Merati
Egidio Cuniberti
Lisa Perini
Federico Saracini
Luciano Buggio
Biografie degli artisti
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Introduction, Sergio ZIni
Irregular Talents, Franco Faranda
Presentation of the project "Irregular Talents"
Talent and rule: innovation and paradigm, Luca Farulli
The art between “regular” and “irregular” - from the “view
change” perspective, Peter Assmann
Polish artists in the "Irregular Talents" project, Alicja SaarKozłowska
The talent of Irregulars, Cristina Calicelli
Irregular Talents. From the viewpoint of outsider art,
Sara Ugolini
Artists and Works:
Cesare Paltrinieri
Michał Nowak
Paul Duhem
Giotto
Ewa Swiokła
Mieczysław Saar
Anita Baier
Anita Wend
Peter Bischof - Helena ellefee Möstl - Peter Assmann Jarosław Latowski
Giovanni Bosco
Marta Rosenthal-Sikora
Elisabeth Watzek
Hubert Zemsauer
Andrea Obwaller
Marzia Barbanti
Andrea Giordani
Renata Jagielska
Andrea Carminati
Riccardo Persico
Franco Veneri
James Lake
Alicija Saar
Gianluca Pirrotta
Tarcisio Merati
Egidio Cuniberti
Lisa Perini
Federico Saracini
Luciano Buggio
Biographies of the artists
Introduzione
IRREGULAR TALENTS
di/by Sergio Zini
di/by Franco Faranda
“La luce che esce dalle crepe dell’esistenza
fragile, ci dona bellezze inattese che il nostro
cuore coglie con stupore.
Come la terra che si schiude per far zampillare
una acqua non sua che, guidata da mani
sapienti, inizia a scorrere e a ridonare vita a ciò
che lambisce.
La Bellezza è fuori di noi: a noi il compito di
darle ospitalità perché se dalla fragilità sgorga
la Bellezza, rinasce la speranza per ciascuno.
Questa è l’esperienza che abbiamo scoperto
nella quotidiana vita delle persone che seguiamo
nella Cooperativa Nazareno e che ci motiva nella
continua ricerca di nuove sorgenti di Bellezza.”
La Pinacoteca Nazionale di Bologna è lieta di ospitare
il progetto espositivo europeo "Irregular Talents" che in
maniera proteiforme incarna gli ideali di valorizzazione dei
talenti e di inclusione sociale attraverso l’arte, da sempre
perseguiti dalla Pinacoteca stessa.
Siamo altresì orgogliosi di vedere come la collaborazione
iniziata nel 2014 con la Cooperativa Nazareno, ente
coordinatore del progetto, prosegua in maniera sempre
più proficua, avvalendosi quest’anno sia del patrocinio e
del sostegno del Programma Cultura dell’Unione Europea,
sia dell’arricchente collaborazione degli enti culturali
partner di progetto, latori di Weltanschauung differenti,
figlie delle storie e delle sensibilità diverse delle loro nazioni
di provenienza: Polonia e Austria.
Aprire le porte della Pinacoteca a Irregular Talents significa
allinearsi con il desiderio di mettere a disposizione di questi
autori cosiddetti “irregolari”, oltre alla possibilità di vedere
le proprie opere studiate da esperti del settore, il fatto
che vengano legittimate ad essere esposte all’interno
dei circuiti dell’arte tradizionale, all’interno di una location
istituzionale di prestigio come la Pinacoteca.
Esporre questi lavori in Pinacoteca consente di suggellare
un lavoro di rete scaturito dall’ardita e fiduciosa
progettualità di un terzo settore in grado di accogliere
seriamente il limite e le fragilità, comprendendone quali
siano le possibilità, coltivandone i talenti e trovando i modi
adeguati per dialogare con gli interlocutori istituzionali a
diversi livelli.
"Irregular Talents" rappresenta un progetto di cooperazione
transettoriale internazionale nel quale il mondo del
sociale, il mondo della cultura e le istituzioni nazionali
e internazionali cooperano per uno scopo comune,
ovvero la valorizzazione dei talenti, a prescindere dalla
condizione di limite e l’inclusione sociale attraverso l’arte
e la cultura, avendo nel contempo la possibilità di andare
oltre lo stigma del limite e dello svantaggio e di ampliare
l’offerta culturale ed artistica sia in termini di produzione
che in termini di fruizione.
La Pinacoteca auspica che continui questa sinergia
internazionale all’insegna della valorizzazione dei talenti,
dell’accoglimento del limite e della ben disposizione a
valutare, criticare e ad esporre le opere d’arte per il valore
delle opere in sé, a prescindere dalla condizione di limite
di partenza.
“The light that shines through the cracks of a fragile
existence gives us unexpected beauties which our
heart glimpses with astonishment.
Like the earth parting to let water spring forth,
water that the earth did not own and that, guided
by higher wisdom, starts flowing, and giving new
life to whatever it touches.
Beauty is without us: it is up to us to welcome it
within, because if Beauty can spring forth from
fragility, a new hope is born for each of us. This
what we have experienced in the daily life of the
people we assist in Cooperativa Nazareno, and
what motivates us in the ongoing quest for new
wellsprings of Beauty”.
The Pinacoteca Nazionale di Bologna is honored to host the
European exhibition project "Irregular Talents", a protean
embodiment of those ideals of talent valorization and social
inclusion through art that the Pinacoteca itself has always
pursued.
We are also proud to see how the partnership we started in
2014 with Cooperativa Nazareno, the project's coordinator,
is growing more and more fruitful: this year, besides the
patronage and support of the European Union's Programme
for Culture, our joint effort is enriched by the collaboration
with the project's cultural partners, each bringing along a
different Weltanschauung derived from the history and
sensitivities of their native countries, Poland and Austria.
Opening the Pinacoteca's doors to Irregular Talents means
aligning with the desire of making available to these socalled "irregular" artists, besides the chance of having their
works evaluated by experts in the field, the legitimacy of
being featured in the traditional art scene, in a prime
institutional location like the Pinacoteca.
Exhibiting these works in the Pinacoteca is a chance to
put an official seal of a network job born of the daring
and confident project of a non-profit sector capable of
really embracing limitations and fragilities, understanding
possibilities, cultivating talents, and finding adequate ways to
interact with institutional partners on various levels.
"Irregular Talents" represents a cross-sectoral, international
cooperation project where social and cultural initiatives and
national and international institutions collaborate towards a
common goal: the valorization of talents, regardless of any
limitation, and social inclusion through art and culture, while
at the same time daring to move over the stigma of limitation
and disadvantage, and to broaden their cultural and artistic
offering, both in terms of production and of fruition.
The Pinacoteca looks forward to a continuation of this
international synergy towards valorizing talents, embracing
limitations, and being well disposed to evaluate, critique,
and exhibit works of art based on their own value, regardless
of the limitations of their origins.
Introduction
3
Presentazione del progetto
Talento e regola: innovazione e paradigma
Presentation of the project
Talent and Rule: Innovation and Paradigm
Progetto co-finanziato
dall’Unione Europea
di/by Luca Farulli
Irregular talents
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"Irregular Talents" è un progetto interculturale triennale (2013-2015), co-finanziato dalla EACEA, all’interno del Culture Programme 2007-2013. Il progetto
è organizzato da un consorzio di partner europei,
costituiti da: Nazareno Società Cooperativa Sociale
(Nazareno-Italy)<http://www.irregulartalents.eu/partners/nazareno.htm>, Międzynarodowe Centrum
Zarządzania Informacją Il Centro Internazionale
per la gestione dei Sistemi e dei Servizi di Informazione (ICIMSS-Poland)<http://www.irregulartalents.eu/
partners/icimss.htm>, Wyższa Szkoła Gospodarki
w Bydgoszczy (WSG-Poland)<http://www.irregulartalents.eu/partners/wsg.htm>, Verein für Integrative
Kukturarbeit (VIK-Austria)<http://www.irregulartalents.
eu/partners/vik.htm>. "Irregular Talents" aspira a creare l’opportunità per dodici artisti cosiddetti irregolari
di essere studiati e analizzati sulla base di oggettivi
criteri artistici e scientifici. Il loro lavoro viene preso
in considerazione, in virtù del suo valore artistico
intrinseco e non per le storie di vita caratterizzanti
gli autori delle opere. Durante il progetto in Austria,
Polonia e Italia, esperti d’arte hanno selezionato e
studiato i lavori di questi artisti, al fine di realizzare
per ciascuno di essi una monografia incentrata sulla poetica di ogni autore. Allo stesso tempo, esperti
d’arte, con la supervisione del coordinatore, hanno lavorato alla organizzazione di una mostra d’arte itinerante che si sposterà dall’Italia, alla Polonia,
all’Austria, esponendo sia i lavori degli artisti selezionati, che quelli di altri artisti di nota fama. L’idea è
quella di creare un dialogo tra tutti gli autori coinvolti sullo stesso tema, a prescindere dalla storia di
vita che caratterizza ogni singolo individuo. Il focus
è sul valore artistico di per sé che indirettamente
crea un’autentica opportunità di inclusione sociale interculturale. La curatela del progetto è affidato
ai seguenti esperti: Luca Farulli (Italia), Alicja SaarKozlowska (Polonia), Peter Assmann (Austria).
Antica moneta, il talento era una misura, un
peso equivalente ad un numero stabilito di
altre monete. In quanto tale, il talento ha a
che vedere con la bilancia e con il gesto del
pesare e, quindi, del soppesare. Nel Vangelo di Matteo, 25, 14-30 nella parabola detta
"Dei talenti", la moneta diviene sinonimo di
“capacità”: è, infatti, secondo questo criterio, che il padrone di tre servitori distribuisce
loro la moneta. Dunque, è costitutivo originario del talento l’esser misura, ma di un genere
tutto particolare, in quanto si presenta quale
valutazione dell’individuale. La bilancia pesa,
infatti, valuta, ma i suoi piatti hanno una inclinazione: è questo il valore. Il lemma talento passa così a denotare una propensione,
uno sbilanciamento, una naturale tenden-
za a preferire qualcosa rispetto a qualcosa
d’altro, una volontà incontrattabile, per molti
versi, anteriore ad ogni riflessione, la quale
affiora forte e decisa, come intenzione d’azione. In questo senso, il talento intrattiene un
rapporto di natura assai problematica con
l’ambito della regola: rispetto ad essa intesa quale ordine generalissimo che, dall’alto,
astrattamente si impone ed a cui occorre conformarsi, il talento difende il diritto di
quella propria specifica natura, che nell’individuo urge, più precisamente, di quella propria unità di sentire e pensare, che chiede
di farsi regola. In tale contesto, il talento non
è solo istanza di ascolto per quel ‘ciascuno’,
che è risultanza singolare di un sentire specifico, di una volontà specifica, di una imma-
ginazione specifica. Il rapporto intrattenuto
dalla dimensione del talento con la regola
oltrepassa l’istanza costituita da una mera
affermazione del particolare, da un mero
riconoscimento del fatto che: individuum
est ineffabile. C’è qualcosa di ulteriore nella
relazione reciproca tra talento e regola, un
aspetto ben rilevante, che spiega in modo
esatto l’anima del progetto "Irregular Talents":
ovvero, il fatto che il talento, pur nella sua
vicinanza alla natura, non è forza che possa
affermarsi e svilupparsi senza la mediazione
del linguaggio; nel nostro caso, di quello artistico. Se il talento, in quanto dote naturale
e, per questo, refrattaria alla regola astratta/
assoluta, fosse schiavo di sé, fosse, cioè, una
istanza tirannica, esso mancherebbe la pos-
"Irregular Talents" is a three-year intercultural
project (2013-2015), co-financed by EACEA under
the Programme Culture 2007-2013. It is organized
by a consortium of European partners made by:
Nazareno Società Cooperativa Sociale (NazarenoItaly), Międzynarodowe Centrum Zarządzania
Informacją The International Center for Information Management Systems and Services
(ICIMSS-Poland), Wyższa Szkoła Gospodarki w
Bydgoszczy (WSG-Poland), Verein Integrative Kukturarbeit (VIK-Austria). Irregular Talents aims to create
the opportunity for twelve so called “irregular artists” to be studied from a scientific point of view,
with artistic criteria. Their work has been taken into
consideration because of its artistic value, and not
for the stories of their authors. During the project, in
Austria, Poland and Italy art experts select and stu-
dy the artworks of these artists in order to realize a
monograph about the poetic of every artists. At the
same time, the art experts, under the supervision of
the coordinator, have worked at the organization
of the itinerant art exhibition, which is expected to
move from Italy to Poland and to Austria, showing
the works of the selected artist, together with the
artworks of other well known-artists. The idea is to
create a dialogue among all these artists on the
same theme, no matters the story of the authors or
the initial limitation of someone. The focus is on the
artistic value itself which, of course, indirectly creates an authentic opportunity for intercultural social
inclusion. The curatorship of the project is entrusted
to the following experts: Luca Farulli (Italy), Alicja
Saar-Kozlowska (Poland), Peter Assmann (Austria).
Irregular talents
An ancient currency, the "talent" was a measure, a
weight equivalent to a fixed number of other currencies. As such, the talent has to do with the scale and
with the act of weighing, actually and metaphorically. In the Gospel of Matthew, 25:14-30, in the parable
of the talents, the currency becomes synonymous
with "capacity": it is indeed by this criterion that the
master of the three servants distributes the money to
them. Therefore, it a basic constitutive element of the
talent to be a measure, but of a very special kind,
as it presents itself as individual evaluation. The scale
weighs the currency, but the plates have an inclination: this is value. The word "talent" passes therefore on
to denote a penchant, an imbalance, a natural tendency to prefer something and not something else,
an uncompromisable will, in many ways, prior to all
thinking, which emerges strong and determined as
an intention to act. In this sense, the talent has a very
problematic relationship with the field of rule: against
it as a most general order, abstractly imposed from
above and to which conformity is expected, talent
defends the right to one's specific nature urgent in
the individual is urgent, more precisely, that own unity
of feeling and thinking that demands to become the
rule. In this context, talent is not only a request for listening to that "someone" who is the result of a unique
feeling, a unique will, a unique imagination. The relationship entertained by the dimension of talent with
the rule passes over the instance consisting of mere
affirmation of the particular from a mere recognition
of the fact that individuum est inefabbile, the individual is ineffable. There is something further in the mutual relationship between talent and rule, a very im-
portant aspect which explains exactly the soul of the
Irregular Talents project: namely, the fact that talent,
despite its closeness to nature, is not force that can
establish itself and develop without the mediation of
language; in our case, of the artistic language. If talent as a natural characteristic and, however resisting
to abstract/absolute rule, was a slave of itself, if it was,
that is, a tyrannical instance, it would lack the ability
to grow, to develop, to establish itself dialogically, to
bargain its place in the world of life. As a natural mining vein, talent would, literally, lose strength, and run
out. This element explains the relationship that talent
has established, in our modernity, with art, understood as a specific field of knowledge, which includes
the innovation of rule, the productive breaking of
generally accepted rules and paradigms. That said,
however, the open question modern art asks on ta-
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Colore
Quale rapporto esiste tra colore e talento? In
un noto passaggio della propria autobiografia, Emil Nolde ricordava come, nel realizzare la sua "Ultima cena" (1909), si fosse trovato
ad operare in uno stato vicino all’entusiasmo
platonico, fuori dal controllo intellettivo, cioè,
“senza alcuna riflessione” e, soprattutto, “senza alcun modello”, come se i colori e le figure
di quel quadro emergessero da dentro l’artista. Benché ricondotto ad un momento di rapimento, benché eversivo di ogni modello o
paradigma, il gesto che ha condotto quella
pittura dimostra, però, quanto esso abbia incorporato il linguaggio dell’arte. Non il meccanismo dell’imitazione guida, infatti, Nolde,
bensì la forza degli esempi, il suo venir dopo
Leonardo, dopo infinite altre "Ultima cena",
che egli ha a tal punto dimenticate da farle
riemergere come phantasmata, come immagine di ritorno, su cui egli continua il lavoro
della pittura, come se dipingesse in controluce, evertendo l’esempio. A tal punto il gesto
è istruito, esercitato da esser produttore di un
nuovo paradigma: come una cadenza in assolo. In questo procedere, l’occhio è storico,
fa sempre i conti con il passato, guardandolo
di sottecchi, come con la sua coda. Esso lavora con il "resto", rinnovando l’esempio, rielaborando l’opera esemplare di un predecessore, attivando, senza riflettere, storia che, così,
torna a farsi vita e contratta altri paradigmi,
altre regole. Ciò emerge in modo emblematico nel caso della particolare gestione artistica che, del colore, Emil Nolde compie. Certo,
sganciati dal valore rappresentativo assunto
dal colore nella modernità, i colori dell’"Ultima
cena" fanno richiamo al valore autonomo,
ideale da essi posseduto nella pre-moderni-
tà, ma tale valore autonomo è, qui, piegato da Emil Nolde in direzione di un loro utilizzo
espressivo.
Non diversamente operano molti degli Irregular Talents qui esposti, proprio nell’ambito
del colore.
È il caso di Cesare Paltrinieri, in genere raffinato artista di ritratti che, liberandosi dalla
tendenza del talento a farsi espressione di
una unica capacità naturale tirannica, realizza, ora, splendidi paesaggi, in cui il colore
dà forma a figure di case e cielo, di montagne che, contornate a nero dalla matita,
acquistano una valenza espressiva del tutto
nuova. Altri disegni a colori, non solo evidenziano l’espressività della linea, delle forme
geometriche multicolori, in uno stile à la Klee,
ma, al tempo stesso, richiamano l’impegno
caratteristico del disegno infantile, così caro
all’artista svizzero. Il bambino non è solo colui
che, in quanto talento irregolare, va oltre le
convenzioni, ma è colui che si impegna a realizzare, con forma e colore, ciò che vede e
vuole raffigurare. Ogni arte è, in questo senso,
realistica, intende, cioè, realizzare l’apparenza e apre strade nuove alla figurazione, esercitando competenza, piegando il desiderio
e l’inclinazione alla fatica del linguaggio.
Altri Irregular Talents procedono in questa
direzione. Nel caso di Andrea Carminati il
talento innato per il colore si apre la strada
come volontà artistica specifica, determinata. Ciò che prende forma nei suoi uccelli
sono, infatti, sensazioni sonore, cui il colore
dona articolazione: suoni in primo piano,
suoni acuti – in giallo –, suoni freddi – in bianco –, suoni arretrati sul piano di fondo – in
azzurro -; anche il cartoncino nero è coloresuono, quello del brusio da cui tutti gli altri
toni emergono come voci singole. Una medesima fatica della forma-colore, sapientemente gestista, si trova anche nei lavori del
model", as if the colors and shapes of that picture
emerged from inside the artist. Although brought
back to a moment of rapture, although beyond every model or paradigm, the gesture that led the painting shows, however, how much it incorporates the
language of art. It's not the mechanism of imitation,
in fact, that drives Nolde, but the force of example,
his coming after Leonardo, after countless other "Last
Suppers", that he has forgotten to the point of making
them remerge as a phantasmata, as the image of
return, on which he continues the work of painting, as
if he was painting in backlight, subverting the example. The gesture is so instructed, exercised to produce a new paradigm, like an a solo cadenza. In this
proceeding, the eye is historical, always reckoning
with the past, looking sideways, around its own corner. It works with the "rest", renewing the example,
reworking the exemplary work of a predecessor, activating, without thinking, that history, so to take it back
to life and compromise with other paradigms, other
rules. This is emblematically clear in the case of the
particular artistic management of color in Emil Nolde. Certainly, disconnected from the representative
value that color has in modernity, the colors of the
"Last Supper" reference a self-contained, ideal value
system that they possessed in pre-modernity, but that
self-contained value is here bent by Emil Nolde in the
direction of its expressive use and development.
Many of Irregular Talents on display here work in the
same fashion, in the field of color.
It is the case of Cesare Paltrinieri, normally a refined portraitist who, when freed from the tendency
of talent to be an expression of a unique, tyrannical
natural ability, now crafts beautiful landscapes, whe-
re color gives shape to figures of houses and sky, of
mountains that, surrounded by black pencil strokes,
acquire a whole new expressive value. Other color
drawings not only highlight the expressiveness of the
line, of the many-colored geometric shapes, in a
style not unlike Klee, but at the same time recall the
characteristic commitment of children's drawings, so
dear to the Swiss artist. A child is not only the one who,
as an irregular talent, goes beyond convention, but
one who undertakes to craft with shapes and colors
what he sees and wants to portray. All art is, in this
sense, realistic: it means to create appearance and
opens new roads to figuration, exercising competence, bending desire and inclination to the labor of
language.
Other Irregular Talents proceed in this direction. In
the case of Andrea Carminati, an innate talent for
color opens the way as a specific, well determined
artistic will. What takes shape in his birds are, in fact,
aural sensations, which color articulates: sounds in
the foreground, high-pitched sounds, in yellow; cold
sounds, in white; sounds on the background, in blue;
black cardboard is also a sound-color, the buzz from
which all other tones emerge as solo voices. A similar effort of shape and color, skillfully manage, is also
found in the works of the Peter Bischof-Peter AssmanHelena trio. In these drawings in watercolor, the effort
to manage, to shape a feeling that emerges from
the depth is even more underlined. The natural impulse, almost ad-libbed, is held back, managed,
channeled into form to give body and structure to
feeling, as in the case of the drawing "Im GutenAuseinander". Feeling literally stipulates its way to
into the space of language mediation that, alone,
sibilità di crescere, di svilupparsi, di affermarsi
dialogicamente, di contrattare il proprio posto nel mondo della vita. Come una vena
mineraria naturale, il talento andrebbe, letteralmente, a perder in forza, ad esaurirsi. Da
questo elemento, si spiega il rapporto che il
talento ha instaurato, nella nostra modernità,
con l’arte, intesa come ambito di un preciso sapere, il quale comprende l’innovazione
della regola, la rottura produttiva di norme e
paradigmi generalmente accolti. Ciò detto,
però, la questione moderna aperta dall’arte
in merito al talento, sconfina e va ad interessare l’ambito di riflessione etica e morale, ponendo al centro il tema relativo al contributo che ciascuno, nella propria individualità,
fornisce alla costituzione/definizione di regole
condivise e, pertanto, comuni. I nostri Irregular Talents rompono, infatti, regole comunemente accettate: regole del linguaggio, della rappresentazione, dell’espressione di gioia
e dolore, del dialogo, elaborando una nuova
regola che, proprio in quanto artistica, non si
impone, bensì si propone, attendendo, poi,
pazientemente la propria conferma dall’approvazione altrui; approvazione che valuta la
riuscita del nuovo paradigma linguistico elaborato, per dare forma a volontà, desideri,
immaginazione. L’incontro tra dimensione
etica e dimensione artistica che anima l’intero progetto non si limita a questo, procede
oltre, nel momento in cui l’arte non è ridotta
a piano catartico, bensì è sviluppata come
esercizio costante, metodico di gestione dei
linguaggi: la forma ed il colore per la pittura
ed il disegno, i volumi per la plastica. Solo la
competenza nel gestire il linguaggio dell’arte consente al talento di sviluppare, in modo
innovativo, uno stile, di operare in termini di
libertà e variazione rispetto al campo mobile
e vario dei fenomeni della vita: colti sempre
nella loro nota caratteristica, determinante,
precisa; nell’istante esatto, in cui ancora vivono.
lent crosses the borders and draws upon the scope of
ethical and moral reflection, focusing on the theme
related to the contribution that each person, in their
own individuality, provides to the establishment/definition of shared, and therefore common, rules. Our
Irregular Talents, in fact, break commonly accepted
rules: rules of language, of representation, of expression of joy and sorrow, of dialogue; they develop a
new rule that, specifically because of its artistic nature, is not imposed, but rather aims, then patiently
waiting its confirmation by the approval of others; an
approval which evaluates the success of the new language paradigm developed, to shape will, desire,
imagination. The meeting between ethical and artistic dimensions that animates the entire project is not
limited to this: it proceeds further, when the art is not
reduced to catharsis but developed as a constant,
methodical practice of language management:
shape and color for painting and drawing, volumes
for plastic arts. Only the competence in managing
the language of art allows talent to develop, in an
innovative fashion, an artist's style, to operate through freedom and change on the volatile and variable field of life's phenomena, always caught in their
characteristic, decisive, accurate note: in the exact
moment when they still live.
Color
What is the relationship between color and talent? In
a famous passage of his autobiography, Emil Nolde
remembered how, in making his "Last Supper" (1909),
he had to work in a state close to the platonic enthusiasm, outside the control of intelligence, that is,
"without any thinking" and, above all, "without any
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trio Peter Bischof-Peter Assman-Helena ellefee
Möstl. In questi disegni come acquarellati, la
fatica di gestire, di dar forma ad una sensazione che emerge dal profondo è ancora
più accentuata. L’impulso naturale, per così
dire, di getto è trattenuto, gestito, incanalato
nella forma a dare corpo e struttura alla sensazione, nel caso del disegno “Im Guten-Auseinander”. La sensazione contratta letteralmente il suo farsi spazio nella mediazione del
linguaggio che, solo, ne garantisce la comunicazione, la trasmissibilità, il senso. Due figure, una sotto-posta che cerca di emergere,
di nascere; un’altra che la sovrasta, rendendone faticosa l’ascesa. Nessuna storia scatta tra loro: separati, aus-einander; solo un
giuoco di forze-sensazione che è espresso
dal giuoco del bianco sul nero, della delicata ed accennata velatura, da cui trapela il
definirsi di una sensazione: di schiacciamento, di emergenza, di liberazione. Anche la
liberazione, in arte, è un processo di venire
a forma. “Vorgestützt”: altre due figure delineate, contornate a matita colorata rossa e
nera, esprimono sensazione di pressione, di
sovrapposizione, di contrasto, insistono l’una
sull’altra, senza alcun sentimento. Irregular
Talents che cercano, a fatica, di portare a
luce sensazioni interne, profonde, di dare
loro una figura non per liberarsene, bensì per
visualizzarle. La felicità sta, qui, tutta dalla
parte della forma. Come ricordava Cézanne, la “sensazione forte” della natura – dei
fenomeni esterni ed interni aggiungiamo noi
– costituisce la base di ogni operare artistico,
ma, la “conoscenza dei mezzi per esprimere
l’emozione non è meno essenziale, e si acquisisce solo con una lunghissima esperienza” (Cézanne lettera 25.1.1904). Il talento sta
sospeso proprio su questo delicato ponte tra
regola e innovazione, tra sensazione, “istinti artistici che sono in noi” (Cézanne, lettera
13.9.1903) e mezzi. La pianista giapponese
Mitsuko Uchida ha affermato, una volta, in
merito al talento, che questo non è sufficiente; al suo coronamento occorrono abilità
tecnica, intellettuale, convinzione, carattere.
La volontà artistica, la precisa intenzione in
merito al come della raffigurazione, che innova il paradigma, si evince, appunto, nella
“lunghissima esperienza” di cui parla Cézanne, nella “convinzione” e “carattere” cui si richiama Uchida, nel ricercare ancora colore
ed ancora forma per realizzare, in modalità
inedite, un tramonto, una casa – come quelle disegnate da Paul Duhem – una città od
una battaglia, come quelle raffigurate da
Anita Wend. In quest’ultimo caso l’artista lavora in duplice modo con i linguaggi dell’arte:
riprendendo il formato dell’affresco o della
tavola e rielaborandone il paradigma, attraverso forma e colore. Costruzione culturale
in noi attiva come modalità di lettura della
realtà esterna, la tavola o l’affresco – siano
essi organizzati in dittico o trittico – costituiscono visione panoramatica, complessiva e
ben articolata di un evento, di una scena di
vita. Dai trittici medioevali a quelli della “Nuova Oggettualità” novecentesca – importanti,
in questo senso, quelli realizzati da Otto Dix
tra gli anni Venti e Trenta del secolo scorso:
il “Della guerra”, “Metropolis – il trittico restituisce con minuzia di particolari la scena di
una visione, rappresenta il contrappunto rispetto alla dinamicità dell’esistenza, al suo
movimento. Rispetto al close-up, al formato
del primo piano, che richiede una modalità
fruitiva a breve distanza, inglobante, il campo lungo dell’affresco o della pala restituisce
una visione complessiva e dettagliata della
realtà. In ragion di ciò, Paolo Uccello dipinge
come per intarsio alcuni motivi della "Battaglia di San Romano" contrapponendo i toni
di verdi e rossi luminosi con le campiture nere
e grigie del fondo. Rispetto a questo paradigma, Wend sceglie una strategia diversa,
dinamicizzando l’evento rappresentato, attraverso aste, intrecci di linee, figure sciolte
da ogni ordine prospettico, comunicando
l’impressione di una immagine-movimento.
Eguale strutturazione caratterizza il secondo
dipinto di Wend "Passione", condensato in
una immagine di città dai tratti evanescenti,
simile alla geometria spaziale dell’Espressionismo magico tedesco.
Stessa geometria onirica caratterizza le immagini di città realizzate da Lisa Perini nelle
sue immense tele. Nei quadri di Perini, il colore è materiale originario, elemento da cui
emergono e si stagliano le forme. Come gli
oggetti sull’acqua si disegnano per differenza di trasparenze, così i volti, le linee di contorno che vanno a formare una chiesa od
una donna assisa, si delineano emergendo
a partire dal campo monocromo del colore
guarantees communication, transmissibility, sense.
Two figures, one below trying to emerge, to be born;
another dominating above, making the ascent difficult. There is no narrative between them. They are
separated, aus-einander; only an interplay of forcesfeelings expressed by the interplay of white on black,
by the delicate, barely hinted haze, which leaks out
of the definition of a sensation: crushing, emergence, liberation. Liberation is also, in art, a process of
acquiring a shape. "Vorgestützt": two outlined figures,
edged in red and black colored pencil, express a
feeling of pressure, superimposition, contrast; they insist on one another, without any feeling. Irregular Talents trying, with effort, to bring to the light their inner,
deep feelings, to give them a shape not to get rid of
them, but to be able to see them. Happiness, here,
is all on the side of the form. As Cézanne recalled,
the "strong feeling" of nature - of the outer and inner
phenomena, we might add - is the basis of every artistic work, but the "knowledge of the means to express
emotion is no less essential, and is acquired only trough a very long experience "(Cézanne, letter dated
01.25.1904). The talent hangs on this delicate bridge
between rule and innovation, between feeling, "artistic instincts that are within us" (Cézanne, letter dated
09.13.1903) and means. Japanese pianist Mitsuko
Uchida once said, about talent, that this is not enough: its crowning requires technical skill, intellectual
ability, conviction, character. The artistic will, the precise intention regarding the how of depiction, which
innovates the paradigm, indeed reveals itself in the
"very long experience" mentioned by Cézannes, the
"conviction" and "character" mentioned by Uchida, in
the continuing search for more color and more form
to realize, in novel, hitherto unseen ways, a sunset, a
house - like the ones drawn by Paul Duhem - a city
or a battle, such as those depicted by Anita Wend.
In the latter case, the artist's work with the languages​​
of art is twofold: he takes on the format of a fresco or
a picture and re-elaborates the paradigm, through
form and color. The fresco or the picture, organized
in diptychs and triptychs, being cultural constructs
active within us as a mode for reading external reality, constitute a comprehensive and well articulated
overview of an event, a slice of life. Triptychs, from the
medieval examples to those of the "New Objectivity"
of the 1900s (most significant, in this sense, are those made by Otto Dix between the 1920s and 1930s,
like "On War", "Metropolis"), depict a scene in great
detail, constituting the counterpoint to the dynamic
nature of existence, to its movement. Compared to
the close-up, which requires a short-distance fruition
that encompasses the subject, the long shot of the
fresco or altarpiece depicts a detailed overview of
reality. Because of this, Paolo Uccello painted as if
through an inlay for some reasons of the "Battaglia
di San Romano", contrasting greens and bright reds
with black and gray backgrounds. Compared to this
paradigm, Wend chooses a different strategy, making the represented event dynamic through vertical
strokes, intertwining lines, figures free from any prospective order, communicating the impression of a
movement-image. The same structure characterizes
the second painting by Wend, Passion, condensed
into a picture of a city with evanescent features, not
unlike the spatial geometry of the enchanted German Expressionism.
The same oneiric geometry characterizes the ima-
ges of cities built by Lisa Perini in her huge canvases. In the paintings of Perini, the color is the crude
matter, the element from which shapes emerge and
against which they stand out. As objects on water are
drawn by difference of transparencies, so the faces,
the contours that form a church or a seated woman,
are emerge from the monochrome background color - usually a deep red, as if to confirm the nature of
a tense, dynamic, fecund dimension.
Line and Color
We have, so far, supported the position according
to which talent is not to be considered as a tyrannical, innate demon who dictates its conditions, developing in a linear and repetitive fashion, but as an
urge to shape that, politely, can develop into an articulate, varying way. Namely: innovation and self-rule.
di fondo: in genere un rosso intenso, a confermarne la natura di una dimensione tesa e
dinamica, fruttifera.
Linea e colore
Abbiamo, fin qui, sostenuto la posizione
che il talento è da considerarsi non come un
demone tirannico che, innato, detta le sue
condizioni, sviluppandosi in modo lineare e
ripetitivo, bensì come un impulso alla forma
che, educato, può svilupparsi in modo articolato, variando. Appunto: innovazione e regola autonoma. Alcuni lavori, di impostazione tendenzialmente grafica, sembrerebbero
muoversi in direzione divergente: pensiamo
ai disegni di Giotto e Obwaller, tra i nostri Irregular Talents, che denotano una propensione alla serialità. In ognuna delle tavole
realizzate da Giotto torna il tema legato ai
“Santi”: giubilanti, finanzieri, virtuosi, cesellatori, condottieri. A ben vedere, qui, piuttosto
Some works, mostly graphics, seem to be moving in
a divergent direction: we are thinking of the drawings
of Giotto and Obwaller, among our Irregular Talents,
which denote a propensity to seriality. In each of the
paintings made by Giotto we have the recurring theme of "Saints": jubilant, financiers, virtuous, engravers,
commanders. Looking closer, here, rather than with
seriality in its machinic meaning, what we have are
types or typologies, that is to say, as it were, a sensitive rule, showing itself in the moment in which it
produces its variations on the basic figure. How many
forms-morphè do the Saints have? Even more precisely: to how many typologies does to the figure of the
Saint gives rise? How many faces can it have? These
questions are answered by the drawings of Giotto, in
which the representation, common to almost every
one, of the Saint produces different phenomena,
9
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che di serialità nella sua accezione macchinica, abbiamo a che fare con tipi o tipologie, ovvero con una regola, per così dire,
sensibile, che si dà a vedere nel momento
in cui produce le sue variazioni della figurabase. Quante forme-morphè hanno i santi?
Ancor più precisamente: a quante tipologie
dà origine la figura del santo? Quante facce
può avere? A queste domande rispondono i
disegni di Giotto, nei quali la raffigurazione,
comune quasi a tutti, del santo si produce
in fenomenologie diverse, in sviluppi per differenza e affinità. Appunto: innovazione e
regola. Quanti tramonti ha il sole? Quante
forme assume il paesaggio? Quante forme,
sempre determinate e precise, assume il
desiderio o il pensiero? Ecco Giotto, Irregual
Talent che si profonde nelle molteplici variazioni cromatiche e grafiche dei santi, la cui
sacralità attinge a iconologie di varia natura,
compresa quella di impronta islamica.
Discorso in parte diverso riguarda i lavori di
Obwaller, nei quali la gioiosità cromatica rinvenuta in Giotto si stempera in direzione di un
colore del materiale, della traccia di matita.
Certo, si tratta qui di un processo di astrazione, di totale estraneità ad un referente oggettuale, di immagini interiori o mentali che
accennano ad una serialità. Nella modalità
della composizione, però, queste immagini
prive di oggetto e di natura così sonora son riconducibili alla tradizione dell’arte concreta,
nel suo distanziarsi dal lirismo o da ogni referenza simbolica presenti, invece, nel linguaggio dell’astrazione. Immagini matematiche,
immagini generate da un linguaggio. Si pensi
ai lavori di Max Bill e di Karl Otto Götz. Pur inserendosi in tale tipologia dei linguaggi artistici
contemporanei, però, il disegno di Obwaller
rivela una sorta di tenerezza per le cose della vita, una esattezza della forma che, cede
sempre all’espressione di una sensazione o di
un sentimento. Come onde sonore trasmesse da una radio, queste linee rispondono alla
domanda: come portare ordine e, quindi,
senso in questa babele di tratti, di noise?
Benché di natura figurativa e con riferimento oggettuale ben definito, anche i lavori di
Renata Jagielska e Jaroslaw Latowski rispondono alla volontà artistica di portare ordine
grazie alla forma. Costruzione è la parolachiave dei lavori di Jagielska, come in una
cattedrale i cui ordini sono legati in un rapporto fondamentale: l’uno si pone sull’altro.
Come in una vetrata, le forme sono dinamiche, irradiano movimento, forze, flussi che,
proprio dalla forma, sono contornati e resi
potenti: le mani del Cristo, da cui si libera potenza; le braccia di una Madonna che regge
il corpo del Figlio e lo espone in tutta la sua
forza.
I lavori di Latowski rispondono ad una diversa esigenza di forma, messa in luce dal trat-
to grafico. Le linee delle frecce si incontrano
con il corpo e le varie corazze, ad indicare il
punto preciso in cui due forze – quella agente della freccia e quella patente del corpo
– si incontrano ed insistono l’una sull’altra:
azioni e passioni. In tutti i lavori, la corazza
svolge una funzione non di ornamento o di
difesa, bensì di diverso stato della materia.
Il tema artistico rappresentato dal martirio è
qui rielaborato, indicandone uno sviluppo,
una revisione che propone una diversa regola rappresentativa.
developing differences and similarities. Namely: innovation and rule. How many sunsets does the sun
possess? How many shapes does the landscape take
on? How many shapes, always certain and precise,
does desire or thought take on? Here comes Giotto, an Irregular Talent producing the many color and
graphic variations of Saints, whose sacredness draws
from iconologies of various kinds, including Islamic
ones.
A partly different consideration stems from Obwaller's works, where the joyfulness of color we found in
Giotto dissolves in the direction of a material color:
the stroke of a pencil. Of course, here we're considering a process of abstraction, a total alienation from
a reference object: inner, mental images that hint
at a form of seriality. In their mode of composition,
however, these images devoid of an object and of
a nature, so richly resounding, are somehow related
to the tradition of concrete art, in its distance from
lyricism or any symbolic reference which are otherwise present in the language of abstraction. Mathematical images, images generated by a language.
Consider the work of Max Bill and Karl Otto Göetz.
While being part of this type of contemporary artistic
languages, however, the drawings of Obwaller reveal
a kind of affection for the things of life, an accuracy
of shape that always gives the expression of a sensory or emotional feeling. Like sound waves transmitted
by a radio, these lines answer question: how to bring
order and, therefore, sense in this veritable Babel
of strokes, of graphical noise? Although figurative in
nature and with a well-define reference object, the
works of Renata Jagielska and Jaroslaw Latowski also
respond to the artistic will to bring order with shape.
Construction is the keyword of the work of Jagielska,
as in a cathedral whose orders are linked in a fundamental relationship: one placed upon the other.
As in a stained glass window, shapes are dynamic,
they radiate motion, forces, flows that, by their shape
alone, stand out and become powerful: the hands
of Christ, from which power streams forth; the arms
of a Madonna holding the body of the Son and exposing it in all its force. The works of Latowski respond
to a different need for form, brought into the light by
their graphic features. The lines of the arrows meet
with the body and the various armors, to indicate the
point in which two forces - the active force of the arrow and the passive force of the body - come together and insist upon one another: action and passion.
In all the works, the armor performs a function which
is not ornament or defense, but being different sta-
te of matter. Here the artistic theme of martyrdom is
reworked, indicating a development, a review that
proposes a different rule of representation.
Plastica
Secondo la nota posizione espressa da Platone nel Simposio per bocca di Diotima, colui che crea facendo, colui che noi, oggi,
definiremmo artista, si segnala come un essere assai particolare, dotato della capacità
di dare forma e vita a ciò che, di suo, non
le possiede. “Tu sai – dice Diotima rivolta a
Plastic Art
According to the well known position expressed in
the Symposium by Plato through Diotima, he who
creates by doing, he that we today would call an artist, is a very peculiar being, with the capacity to give
shape and life to what, in himself, does not possess.
"You know - says Diotima addressing Socrates - that
poetry is more than a single thing. For of anything
whatever that passes from not being into being the
whole cause In fact, the reason why everything went
from non-being to being the whole cause is composing or poetry; so that the productions of all arts are
kinds of poetry, and their craftsmen are all poets"1.
Socrate – che la creazione [poesia] è qualcosa di molteplice. Infatti, la causa per cui
ogni cosa passa dal non-essere all’essere è
sempre creazione [poesia]; cosicché le produzioni che dipendono da tutte quante le
arti sono creazioni, e tutti gli artefici [demiurghi] di queste sono creatori”1. Il talento per
questa azione di procreazione, di passaggio
dall’ambito dell’oscuro non-essere al luminoso e gioioso essere, è qualcosa che unifica
ogni atto artistico, ogni genere ma, al tempo
stesso, richiede una sua specificazione, una
sua ulteriore determinazione. Teorici e artisti
dotati di consapevolezza critica, si sono spesso domandati se questa forza di portare ciò
che, da solo, non sarebbe ad essere, abbia
un suo specifico nel lavoro artistico plastico,
tridimensionale. Esiste, in altri termini, un sentimento specifico per la forma tridimensionale, come il sentimento, il sense inspiegabile e
originario che Smilla ha per la neve, nel noto
romanzo di Peter Høeg? Entrambi creatori,
il pittore e l’artista plastico compiono gesti
in gran parte diversi, in quanto il primo delinea una forma guidato dall’occhio, ovvero,
dall’organo cresciuto nella luce e amante
della chiarezza; il secondo, invece, fa emergere la forma dalla materia per il tramite di
un organo di senso più antico della vista, il
tatto, che si trova a suo agio nella oscurità,
opera ed orienta con lentezza nell’ambiente ancora non distinto, non chiaro. Il talento
dell’artista plastico è, dunque, talento per la
forma che ancora non è nella materia, ovvero, che attende di venir a essere dall’oscura
compresenza di tutte le forme che si danno
nella materia. Come questo talento, questa
capacità di cogliere qualcosa a senso, debba essere sviluppata per divenire qualità artistica è dimostrato dai lavori plastici di alcuni Irregular Talents presenti in mostra: Egidio
Cuniberti, Luciano Buggio, Andrea Giordani,
The talent for this procreative action, this passing
from the darkness of not-being to be bright and joyful
being, is something that unifies every artistic act, every genre and mode of expression; at the same time
though, it requires its own specification, its further determination. Theorists and artists with critical awareness have often wondered if this force, that brings into
being what alone would not have been, has its own
specificity in plastic, three-dimensional art. Is there, in
other words, a specific feeling for the three-dimensional shape, such as the feeling, the inexplicable and
original sense that Smilla has for snow in the famous
novel by Peter Høeg? Both creators, painter and plastic artist, perform largely different gestures, since the
former outlines a form driven by the eye, which is the
organ that grows in the light and loves clarity; the latter, however, brings out shape and form from matter
by means of an organ of sense which is more ancient
than sight: touch, at ease in darkness, slowly directing
the work in an environment not yet distinguished, not
yet clear. The talent of the plastic artist is therefore the
talent for the form that is not yet made matter, that
is waiting to come into being from the dark, simultaneous presence of all forms that matter can give.
The fact that this talent, this ability to grasp something
by sense must be developed to become an artistic
quality is demonstrated by the work of some plastic
Irregual Talents in the exhibition: Egidio Cuniberti, Luciano Buggio, Andrea Giordani, Gianluca Pirrotta.
Indeed, with the sole exception of Giordani, the sense for plastic form is enriched and articulated by the
sense for color, giving rise to unusual results, as we
shall see.
The difference between the work of the first two ar-
11
12
Gianluca Pirrotta. Con la sola esclusione di
Giordani, infatti, il senso per la forma plastica
si arricchisce e si articola con quello per il colore, sortendo risultati insoliti, come vedremo.
La differenza tra i lavori dei primi due artisti
menzionati è la stessa che passa tra oggetti e
cose. Cuniberti realizza oggetti nel senso letterale del termine latino objectum: qualcosa
di gettato davanti, qualcosa che si è esteriorizzato, ha preso aspetto concreto nello spazio, determinando, come condizione finale,
un soggetto posto di fronte ad un oggetto. In
questo senso, l’opera realizzata è una costruzione volumetrica, la quale, precisamente,
dà corpo alle molteplici linee, alle molteplici
forze che attraversano lo spazio, inteso quale
materia possibile. Il senso per la linea plastica
non si limita alla creazione di oggetti tridimensionali, bensì si differenzia, si articola in questi
artisti in una sensibilità cromatica non di tipo
specificamente pittorico, bensì decorativo o,
meglio, da arte minore: come modellini per
costruzioni teatrali o come tessere per arredi, i disegni a colore ricordano gli intarsi con
cui, nel rinascimento italiano, si arricchivano
i cassettoni del soffitto, le cassepanche o il
mobilio che arricchiva le stanze. Rispetto a
questa produzione di oggetti tridimensionali, Buggio propende alla messa in essere, al
far prender forma a cose. Cose sono quegli
oggetti caricati di un valore affettivo, oggettistorie, oggetti-esperienze che la forma aiuta
a riemergere od a stagliarsi, così da essere
salvati. “Le cose animate, vissute, le cose
che ci conoscono – scrive A. M. Rilke in una
lettera – si avviano al tramonto e non possono più essere sostituite. Noi forse siamo gli ultimi che le hanno conosciute ancora. Pesa su
di noi la responsablità di conservarne il ricordo” (Rilke, lettera 13.11.1925). Buggio, infatti,
porta ad essere, salva la forma che è nella
materia; la fa emergere, come ascoltando
la richiesta che proviene dalla materia come
selva di tutte le forme possibili. Non si limita,
però, a collocare la forma nello spazio, bensì
ne sorregge l’emergere dall’oscura materia
come una puerpera, portandola a reggersi,
a stare nel mondo dell’essere, come si trattasse di una figura che porta storie, che è
strettamente legata al soggetto, di cui sa
qualcosa di intimo. Cose che vivono, cose
che son dotate di carattere: da uccello, da
barboncino, da gabbiano.
Diverso è, in questo senso il modo di lavorare plastico di Andrea Giordani: davvero opere tattili, per così dire, non vedenti, dove la
mano opera à la cieca, in cui la forma non
è individuabile o definibile prima dell’intero
processo di emergenza, di nascita all’essere.
Partorire la forma, appunto, il creatore-poietes di cui parla Diotima nel Simposio.
Il motivo per cui lasciam per ultimo il lavoro
plastico di Pirrotta è dato non dal fatto che il
suo talento artistico lo ha portato dalla pittura
alla scultura. La ragione di questo spazio ultimo di riflessione che Pirrotta ci consente sui
generi e le forme dell’arte è dato dalla particolarità posseduta dal suo lavoro figurativo.
Nei grandi pannelli realizzati, Pirrotta crea una
griglia di linee che segnano la realtà, come
su una carta geografica o come sul quadrante di un antico radar, costruito per assi
cartesiani. Le linee, infatti, creano una griglia,
un piedistallo su cui le cose stanno, salvate
come da una rete. E’ il caso di molti pannelli,
in cui una figura si pone su un basamento
come se emergesse faticosamente da un
flusso, da un torrente di forze percettive. Reti
di salvataggio. Esattamente lo stesso procedimento riguarda questa auto fantasmatica,
questo fantasma di auto che prende consistenza, forma, appunto, grazie alla strategia
delle griglie. Più che una auto, è velocità che
prende corpo, che viene ingabbiata dalle
griglie: fermata come un grande animale
sacro da una rete magica. Ecco il termine
appropriato, per parlare del gesto artistico di
Pirrotta: magia. Il suo è un talento plastico,
una costante, ostinata strategia per afferrare
gli strani animali mitici che vivono questa terra, grazie alle sue reti magiche. Felicità che
incontra felicità, assoluto bisogno di nient’altro: forse, l’estremo dono dell’arte. Felicità
come presupposto: felicità per le cose del
mondo, per le strane e singolari creature che
lo abitano e che, in quanto, tali, meritano
d’essere. Caccia felice che riesce, perché le
griglie afferrano le tante farfalle dai colori iridati che fanno, del creato, un mondo felice.
In questo senso, felicità è talento.
tists we mentioned is the same that passes between
objects and things. Cuniberti creates objects in the
literal sense of the Latin term, objectum: "that which is
thrown ahead", something that is externalized, has taken a concrete aspect in space, defining, as its final
condition, a subject in front of an object. In this sense,
the work carried out is one of volumetric construction, which, indeed, gives body to the plurality of lines,
the plurality of forces that pass through space, meant
as potential matter. The sense for the plastic line is not
limited to the creation of three-dimensional objects,
but it is differentiated, divided into a chromatic sensitivity not specifically pictorial, but decorative or,
better, typical of minor arts: like models for theatrical
props or tiles for furniture, colored drawings are reminiscent inlays which, in the Italian Renaissance, decorated the coffered ceiling, chests and furniture that
enriched the rooms. Compared to this production of
three-dimensional objects, Buggio is inclined to bringing into being, to making things take shape. Things
are objects loaded with a sentimental value, storyobject, experience-objects whose shape helps resurface or to stand out, so as to be saved."Live things,
things lived and conscient of us - R. M. Rilke writes
in a letter - are running out and can no longer be
replaced. We are perhaps the last still to have known
such things. On us rests the responsibility [...] of preserving their memory" (Rilke, letter dated11/13/1925).
Buggio indeed brings into being, saves the form that
is within matter; he brings it out, as if listening to the
request that comes from matter as a forest of all possible forms. It is not limited, however, to placing the
form in space, but supports its the emergence from
the darkness of matter like a new mother, helping it
to stand, to exist in the world of being, as it were a
figure that brings forth stories, closely related to the
subject, of which knows something intimate. Living
things, things that have a character: a bird's, a poodle's, a seagull's. In this sense, the plastic oeuvres of
Andrea Giordani are different: actually tactile works
- unseeing, as it were, where the hand acts blindly, in
which form can not be identified or defined before
the whole process of emergence, of birth into being.
Giving birth to form, indeed, like the creator-poietes
mentioned by Diotima in the Symposium.
We left the plastic works of Pirrotta for last not for the
fact that his artistic talent has taken him from painting
to sculpture. The reason for this last reflection that Pirrotta allows us on genres and art forms is given by the
particular features of his figurative work. In the large
panels he makes, Pirrotta creates a grid of lines that
mark reality, as on a map or on the dial of an old radar, built by Cartesian axes. The lines create indeed a
grid, a pedestal on which things stand, saved as by a
net. This is the case of several panels, in which a figure
is placed on a pedestal as if it struggled to emerge
from a flow, a stream of perceptual forces. Safety
nets. The process is exactly the same as regards this
fantasy car, this phantom car that is given texture,
shape, in fact, thanks to the grid strategy. More than
a car, it is speed taking shape, being caged by grids,
stopped like a great sacred animal by a magic net.
This is the proper term to talk about Pirrotta's artistic
gesture: magic. His is a plastic talent, a consistent,
stubborn strategy to snatch the strange, mythical animals that live on this Earth thanks to his magic nets.
Happiness that meets happiness, never needing
anything else: perhaps the ultimate gift of art. Happi-
ness as a prerequisite: happiness for the things of the
world, for the strange and unusual creatures that inhabit it and that, therefore, deserve existing. A happy,
successful hunt, because the nets grasp the manycolored, rainbow-hued butterflies which make the
world a happy place. In this sense, happiness is talent.
NOTE:
1. Platone, Simposio, 205 c.
NOTES:
1. Plato, Symposium, 205b-205c. Translation by Harold N. Fowler.
13
L'arte tra "normale" e "irregolare": il punto di vista del "cambio di prospettiva
The art between “regular” and “irregular” - from the “view change” perspective
Lo sviluppo artistico europeo è caratterizzato
da molteplici piani normativi, da più livelli di
discussione sui possibili sistemi di regolamentazione e d’individuazione dei parametri di
qualità, nonché da regole-guida del discorso
relativo all’arte.
In modo particolare la storia dell’arte del secolo scorso ha, però, dimostrato che nell’ambito dell’arte europea – e di quella diffusasi in
tutto il mondo a partire dall’Europa – si danno
altrettanti sistemi di regole quanto loro contestazioni. Ciò dipende soprattutto dal fatto che
il fenomeno culturale legato all’attività umana
in ambito artistico è campo spirituale, il quale
non solo pone continuamente in discussione
i confini di volta in volta raggiunti, ma spinge
anche ad un loro costante ampliamento. Tut-
ti i sistemi istituzionali che regolano lo sviluppo del mondo artistico – a partire dall’attività
didattica nelle Accademie di Belle Arti, per
giungere allo studio scientifico dell’arte nelle
Università ed alle attività espositive in Musei,
Gallerie ed altre istituzioni impegnate nella
presentazione di opere d’arte – sono sottoposti a costante verifica critica e vengono continuamente ridefiniti dalla prassi e dalla teoria
artistica. L’arte attuale si è sviluppata come un
campo comunicativo assai articolato e pieno di sfumature. E’ interessante notare come,
in tale processo, il campo dell’arte sia, nel
medio-termine, costantemente impegnato
ad accogliere e rielaborare in modo strutturale anche le forme più critiche dell’espressione artistica. Tutte le modalità d’essere dell’ar-
te della prima modernità novecentesca, che
hanno posto molteplicemente in revoca, con
il linguaggio più duro, le tradizioni e le istituzioni sino a quel momento vigenti, han poi finito
per porsi sullo stesso piano e vengono presentate come eventi espositivi del tutto particolari, riscuotendo il più grande successo sul
mercato dell’arte.
Rispetto a ciò, continuano a rappresentare
una eccezione quelle forme d’arte prodotte
da un genere speciale di persone che, nel
linguaggio comune, sono spesso indicate
come “disabili”. Per moltissimi aspetti della
loro vita, questa categoria di persone è, certo, coinvolta come parte importante di attività
sociali e politiche in programmi sociali di sostegno, tuttavia, quasi mai, questi programmi
tengono conto del loro specifico potenziale,
soprattutto sul piano creativo. Piuttosto, da un
punto di vista sociale e politico, domina indubbiamente (non nelle istituzioni finalizzate
al loro sostegno) l’ottica di una attività d’aiuto
improntata ad uno spirito di “compassione”.
L’assistenza sembra declinarsi ed esaurirsi in
un atteggiamento di solidarietà nei confronti di questo gruppo di persone, classificate
come meno capaci e con esigenze particolari; si perviene ad un tipo di approccio paritario verso la singola persona, unicamente in
casi di rapporto uno-a-uno. Tuttavia, anche
in questo caso, tale atteggiamento assume
la forma di un rapporto interpersonale di tipo
individuale, non di realtà sociale strutturata,
cui corrisponda una gestione integrata di tutti
gli aspetti dell’esistenza.
A partire dagli anni ’20 del secolo scorso,
si è affermato nel settore artistico il concetto
di “art brut”, di una “arte cruda”, la quale si è
The European development of art encounters
many orders, becomes a topic for many discussion areas about possible regulation systems, rules
of quality or rules regarding discussion about the
art itself. However, the history of art, especially the
one of the last century, has demonstrated that there are as many questioning cases of the art rules as
corresponding regulation systems in European art,
but as well in the worldwide art. This is mainly due
to the fact that the cultural phenomenon of art is
set in a spiritual field which not only constantly questions its own borders but as well consistently expands. All institutionalized regulation systems of the art
development starting from an academic teaching
process, through the art science at universities, and
ending with art exhibitions at museums, galleries
and other art-related institutions are not only highly
exposed to a constant criticism but also regularly
infiltrated by artistic theories and practice. The art
has currently developed into a multi-faceted and
irregularly shaped communication area. However,
it is interesting to observe that in a medium-term
perspective the art is as well constantly making an
effort to incorporate and process any, even the
most critical, form of an artistic expression. All art
forms of the 20th century early Modernism that
questioned the art traditions and institutions often
by the means of a strong language, finally reached
same criticized level. However, nowadays they are
as well presented in special exhibition events and
are very successful on the international art market.
However, a certain exception to the rule would be
the art forms created by certain people – people
that in a common language are often referred to
as “disabled”. This group of people, being an important part of sociopolitical activities, is supported
by different programs and receives some direct
social assistance. However, these programs hardly
ever focus on special, in particular creative potential of these people. Instead, this is the perspective
of a social, often “sympathy-oriented” perspective
that dominates. The support seems to be defined
by a solidarity attitude towards this particular group
of people, who are classified as less capable and
who have special needs; whereas a partnership attitude towards a single person exists only in singleencounter situations. However, this would again
take a form of only an individual relationship but
not a structural social reality with a corresponding
integrative form of life.
Since the 1920s the art forms created by these people have been known as “art brut” or “outsider art”
that differentiate from any other world art due to
its negative connotations. However, a big positive
role played here public appearances of Jean Dubuffet (1901-1985). Recently however these sharp
boundaries are not intensively promoted anymore. Additionally, a few individual representatives
of the outsider art are present in the mainstream
and exhibitions markets, for example Austrian artists from Gugging. Nevertheless, a “distinguishing
status” remains to be seen. It all starts with education. Although people with Down syndrome could
di/by Peter Assmann
14
con consapevolezza impegnata, nelle pubbliche manifestazioni promosse e caratterizzate da Jean Dubuffet (1901-1985), a smarcarsi da una propria collocazione di segno
negativo. Benché nel frattempo tali distinzioni
nette non siano più in grande voga e benché
molti singoli rappresentanti dell’”art outsider”
siano oggi presenti nei mercati e nelle mostre
di tipo tradizionale – l’esempio, in Austria, degli artisti di Gugging è, in questo senso, quasi
paradigmatico – tuttavia domina ancora in
questo campo la sensazione, che si tratti di
un ambito a statuto speciale. Ciò si verifica
già nel caso dell’istruzione. Anche se le persone con sindrome di Down possono compiere e concludere in molti paesi il loro corso
di studio universitario, esse son ancor lontane
dall’essere ammesse come “talenti regolari”
in una Accademia di Belle Arti. Questo è un
atteggiamento che si ripresenta in tutto l’ambiente internazionale delle mostre. Recenti,
singole iniziative di “arte integrativa”, come la
Biennale di Venezia 2013, segnalano un cauto mutamento di paradigma, ma, un aspetto "irregolare" della disabilità sociale domina
ancora la percezione pubblica delle forme
d'arte create da persone con disabilità, la cui
esistenza viene estromessa dai sistemi di regolazione del versante economico della società. "In molti artisti visivi contemporanei l'’art
brut’ provoca una situazione di profondo disorientamento. Per molti di essi il suo svilupparsi
è pari ad una rivelazione, che ha l’effetto di
un vero e proprio incendio politico; per usare
una espressione di Jean Genet, questi artisti
sono colpiti […] dall'intensità e dalla radicalità
che caratterizza tali opere; essi riconoscono
che in tali lavori si incarnano i valori essenziali
della creazione artistica. Il fascino da questi provato dimostra solo quanto tali artisti si
vedano prigionieri di sistemi espressivi e paradigmi estetici, vecchi e logori, determinati
obtain a university degree in several places of the
world, they are still far away from being admitted
as “regular talents” at any academy of art. And
this attitude exists in the entire art exhibition world.
Recent single “integrative art” initiatives like the last
prominent Biennale 2013 in Venice bring a subtle
attitude shift in this area. However, an “irregular”
aspect of social disability still dominates public
perception of the art forms created by disabled
people and their existence is placed outside of the
regulation systems of the economically oriented
society. “For many contemporary visual artists the
art brut causes a considerable frustration; to use
the words of Jean Genet: its manifestation and development does result in a political fire. These artists
are impressed by the intensity and radicalism of
such works… They see that these are the essential
values of artistic creation that are embodied here.
This type of fascination only proves that they see
themselves as prisoners of expression systems and
worn out aesthetic codes that are determined by
cultural norms. They understand the need to escape out of the institutional constraints and shift to the
otherness.” (Lucienne Peiry)
The same statement might be as well valid for the
phenomenon of art and its expressions that disagree with the previously mentioned social norm.
However, these two areas hardly ever get together. Nowadays, any endeavour of art activists with
people with disabilities is still perceived rather as
a spirituality inspired trip to some unknown areas.
Even though a lot of jobs for professional artists with
15
16
dalle norme culturali. Capiscono la necessità
di liberarsi dalle pastoie istituzionali e passare
alla diversità". (Lucienne Peiry).
Altrettanto potrebbe valere per il fenomeno
dell'arte e per le sue espressioni in disaccordo con la norma sociale di cui parlavamo
poc'anzi. Tuttavia, queste due aree non si intersecano quasi mai. Al giorno d'oggi, ogni
tentativo compiuto da coloro che operano
nel mondo dell'arte, intenzionato a coinvolgere persone con disabilità, è ancora percepito più che altro come viaggio spirituale
personale verso terre sconosciute. Anche se
attualmente vi sono molte opportunità di lavoro qualificato per artisti con disabilità, la loro
identità professionale non è ancora riconosciuta. Poiché in Austria continua a mancare
un sistema di supporto strutturale per i talenti
artistici con disabilità, negli ultimi anni gli atelier artistici si sono sviluppati esclusivamente
a partire dall’interesse di singole istituzioni.
Sono, infatti, sostanzialmente organizzazioni
autonome di assistenza (come “Lebenshilfe”)
o enti caritativi (“Diakonie”, “Caritas”, “Institut
Hartheim e.V.”) che, in tal caso, costituiscono
i presupposti per un sostegno continuativo di
questi talenti. Di quando in quando, tali attività sono integrate anche da un'assistenza di
sostegno dei “Service Club”; probabilmente il
miglior esempio in alta Austria di tali iniziative
è l' “Accademia estiva per persone con disabilità”, attiva negli ultimi 13 anni a Bad Ischl.
L'impegno artistico nei singoli atelier di cui
abbiamo parlato, si è andato professionalizzando sempre più negli ultimi anni. Questo
processo non riguarda solo i presupposti che
stanno alla base del lavoro artistico, bensì
anche la sua comunicazione. Una regolare
attività espositiva – che si estende in ambiti
artistici di sempre più ampio respiro – un coerente coinvolgimento di "talenti regolari" –
ovvero di artisti con una formazione secondo
parametri tradizionalmente riconosciuti – una
attività pubblicistica sempre più curata ed un
impegno sul piano teorico-artistico, rappresentano, nel nostro caso, passi conseguenti di progresso in direzione di una completa
professionalizzazione del lavoro artistico. Tale
processo deve essere sviluppato ancor più in
un’ottica internazionale: dovrebbe coinvolgere una rete di contatti ancora più ampia e
dovrebbe essere presentata ad un auditorio
più vasto.
Uno degli obiettivi dichiarati dell'associazione austriaca "Integrative Kulturarbeit" (Lavoro
culturale integrativo), che organizza anche
il festival biennale "Sichtwechsel" ("Cambiamento di prospettiva"), è quello di promuovere e sviluppare una rete di attività culturali ed artistiche, di tipo professionale, per i
talenti con disabilità. Eppure, le singole iniziative artistiche restano circoscritte nel loro
campo di azione. Di conseguenza, questi
soggetti devono concentrarsi soprattutto nel
raggiungimento di un solido rapporto con le
principali organizzazioni di sostegno alle persone con disabilità; in tal modo, rimangono
esposti, su più versanti, al compito di legittimarsi. Un tale approccio crea una situazione
di rafforzato isolamento, mette in una sorta
di "posizione particolare" in ambito sociale,
e allo stesso modo, per certi versi, innesca
meccanismi di esclusione sociale.
Nel suo lavoro di organizzazione culturale,
"Sichtwechsel" sottolinea sempre la solidarietà e la cooperazione, l'interdipendenza delle
diverse iniziative e dei diversi approcci alla
cooperazione e alle idee artistiche. In generale, il termine "Sichtwechsel" indica il tentativo di uno scambio permanente, mirato a un
apprendimento continuo su se stessi e a una
conoscenza reciproca.
Questo atteggiamento costituisce anche
la convinzione strategica di base con cui
"Sichtwechsel" ha abbracciato il progetto
europeo "Irregular Talents". L'idea è di fare
esperienza insieme, a livello internazionale,
nel campo professionale del rapporto con
varie forme d’arte, prodotte da persone
fuori dall’ordinario. Questo dovrebbe comprendere presentazione e apprezzamento
adeguati delle opere, una valorizzazione dei
singoli percorsi artistici, ma anche un'interazione ben organizzata con il pubblico. Tale
lavoro potrebbe, a lungo termine, creare
una possibilità di carriera artistica e, infine,
determinare il superamento dei confini tra
"talenti irregolari" e "talenti regolari".
In un certo senso questi confini limitanti
sono già stati oltrepassati dai "talenti regolari"
invitati a partecipare al progetto sul versante
austriaco. I tre artisti, Peter Bishof, Peter Assmann e Helena ellefee Möstl sono diversi
per percorsi biografici, formazione e attività
artistica. Appartengono, inoltre, a generazio-
ni diverse, vivono e agiscono in contesti (artistici) differenti ed hanno sviluppato "carriere
artistiche" del tutto diverse.
Peter Bischof appartiene al gruppo dei
"pionieri dell'arte" d'avanguardia austriaca
del dopoguerra, fortemente influenzata dai
movimenti francesi “Art Informel” e “Tachisme”. La sua tematica fondamentale è costituita dal fascino prodotto dalle persone in
movimento, tra riflessione e attività. Helena
ellefee Möstl concentra la propria attenzione artistica nella costruzione di livelli pittorici.
Compone neo-collage, costituiti da citazioni
grafiche e fotografiche.
disabilities have been created, yet it is still not recognized as a professional work.
Since in Austria there is still no structural support system for artistically talented people with disabilities,
such entities as artist studios have been developed
in the recent years exclusively out of individual institutions. For example, there are Self-help organizations (e. g. Lebenshilfe) or Welfare organizations
(Diakonie, Caritas, Institute Hartheim e.V.). These
entities have implemented structural prerequisites
for a constant support and promotion of the above
mentioned group of people. Occasionally, such
activities are as well complemented by a supportive assistance from Service Clubs. Probably the
best example in Upper Austria would be the Summer Academy for people with disabilities that has
regularly been organized for the last 13 years in
Bad Ischl.
The artistic engagement of individual institutions in
the aforementioned studios has increasingly become professionalized in the recent years. This does
not only apply in terms of working conditions but as
well with regard to the artistic communication. There are two main constituents of the development
fundaments for a comprehensive professionalization of the art work. The first one would be regular
exhibitions in all of the constantly expanding and
developing fields of art. The second one, however,
would be a close involvement of “regular talents”
that include: professionally trained artists, publication activities and further involvement in terms of
art theory.
Nevertheless, the professionalization itself needs to
be internationally expanded: it should involve even
bigger network and it should be presented in front
of a wider public. One of the declared objectives
of the Austrian Association “Integrative Kulturarbeit”
(Integrative Cultural Work), which also organizes a
biannual festival “Sichtwechsel” (“View Change”), is
to promote and develop a network of professional
cultural-artistic work of talented people with disabilities. Yet individual art initiatives remain disregarded. Consequently, these entities above all else
need to focus on gaining a secure status with the
major sponsor organizations that support people
with disabilities. Thus, they remain exposed in the
role of a permanent claimant. Such an approach often creates isolation, puts in a kind of “pe-
culiar position” within the society, thereby in some
aspects as well triggers a social exclusion.
In its cultural organizational work the “Sichtwechsel”
always emphasizes togetherness and cooperation,
the interlocking of different initiatives and various
approaches to cooperation and artistic convictions.
In general, the term “Sichtwechsel” stands for the
attempt of a permanent exchange, for a consistent learning about oneself and learning about
each other. This particular attitude is also a strategic mission and the reason why “Sichtwechsel” has
launched the project “irregular talents”. The idea
is to gain experience together on the international
level in the area of professional dealing with various
forms of the art created by exceptional people.
This should also concern an adequate presentation and appreciation but as well a well-organized
public work. This could in a long term create a possibility of artistic careers and eventually destroy the
boundaries between “irregular talents” and “regular talents”.
To some extend these boundaries have already
been overstepped by the “regular talents” invited
to participate in the project by the Austrian side.
All three artists: Peter Bischof, Peter Assmann and
Helena “ellefee” Möstl differ in terms of their careers, artistic education and recent art activities. They
as well belong to different generations, as they live
and act in different (art) contexts and represent a
completely different “artistic careers”.
Peter Bischof belongs to the group of “art pioneers”
of the Austrian Postwar Avant-garde that has strongly been influenced by the French Art Informel and
Tachisme. His artistic key-subject is related to the
fascination of people in motion, between reflection and activity.
Helena ellefee Möstl focuses intensively on pictorial
layers composition. She creates new collages from
graphic and photographic quotations.
Peter Assmann, who works both as an artist and writer, in his pictorial compositions always combines
visual stimuli with words. In that way, his works are
settled in the interplay between poetry and irony.
Another aspect that links these artists is the fact that
for many years they have been dealing with the
art projects of people with disabilities. In particular,
they have been present in artistic studios, different
Peter Assmann, attivo sia come artista che
come scrittore, nelle sue composizioni pittoriche combina sempre stimoli visivi con parole. In questo modo, le sue opere giocano
sull'interazione tra poesia e ironia. Un altro
aspetto che lega questi artisti è il fatto che,
17
18
per molti anni, si sono impegnati in progetti artistici realizzati da persone con disabilità. In particolare, sono stati attivi assieme in
atelier artistici, svariati simposi artistici, lavori
scientifici legati alla teoria dell'arte. Occorre
mettere in evidenza anche il fatto che la loro
attività si inserisce nel contesto dell'Accademia estiva di Bad Ischl.
Uno dei risultati significativi della comune
intenzione che unisce questi artisti è un progetto fuori dall’ordinario, avviato lo scorso
anno scorso. Si tratta di una serie di composizioni pittoriche che si confrontano con
situazioni diverse del rapporto inter-umano.
Sicuramente, questo lavoro artistico congiunto ha richiesto un elevato grado di sensibilità reciproca, la quale è ben percepibile
nella complessa, lunga collaborazione, che
gli artisti hanno svolto in contatto con persone con disabilità. L’articolata discussione
sulla scelta finale delle composizioni comu-
ni e sulla loro revisione critica costituisce un
contributo rilevante al pari dell'opera artistica
stessa.
Pertanto, la serie di opere dei tre artisti, integrata nel progetto espositivo, corrisponde
ad una idea fondante di arte, conforme al
campo di discussione su "Irregular Talents ".
Non solo rafforza un atteggiamento di massima apertura e di sensibilità nei confronti
di un genere diverso di creazione artistica,
ma ispira anche un rispetto dell'intento artistico. Si tratta di un tentativo consapevole di
acquisire conoscenze sulla modalità di comunicazione degli artisti con disabilità, sulla
loro immediatezza non usuale nella realtà
quotidiana, unitamente ad una sensibilità
del tutto particolare per altre forme di vita.
Un altro aspetto importante è la costante ricerca che caratterizza il loro lavoro creativo,
sempre sottoposto a verifica critica.
In parallelo, si può osservare una simile pro-
spettiva di approccio selettivo anche negli
"Irregular Talents" austriaci. I seguenti quattro artisti si inseriscono nello stesso modello
di differenziazione applicato al gruppo descritto in precedenza. Non solo differiscono
in termini di carriera, ma usano anche approcci artistici diversificati, come pure, son
caratterizzati da priorità concettuali e tecniche artistiche assai diverse.
Anita Baier ha sviluppato un approccio artistico molto concettuale: tra parola e immagine, basata sulla combinazione di scrittura
e disegno.
Elisabeth Watzeck, invece, è una pittrice in
senso stretto; ella realizza soprattutto composizioni pittoriche di figure umane e le sue
opere sorprendono per il loro linguaggio
espressivo nuovo e originale.
Andrea Obwaller è piuttosto un'illustratrice.
Nei suoi inconfondibili schemi di linee riesce
a creare nuove, ampie situazioni spaziali.
Hubert Zemsauer è un artista fotografo per
eccellenza: il suo lavoro spazia dall’ambito
della fotografia d'autore a una complessa fusione di immagini. I quattro artisti hanno tutti una lunga e significativa esperienza
espositiva, che ha riscosso un grande successo presso la critica. Ulteriore elemento
comune ai quattro autori è la loro tenacia
produttiva e la forte intenzione artistica. In
definitiva, l'aspetto più rilevante è costituito
dal fascino prodotto da evidenti talenti, dotati di una peculiare capacità creativa, le cui
sorgenti sono nascoste nell'ombra. Questa
esperienza specifica è spesso rilevata nelle
testimonianze di coloro che hanno avuto la
possibilità di lavorare con le persone disabili.
La classificazione del talento provoca sempre discussioni sui confini e sul loro attraversamento. La discussione si fa particolarmente accesa quando un talento è focalizzato
sulla creatività. Questa è la ragione princi-
pale per cui questo progetto europeo di "Irregular Talents" non è solo particolarmente
attuale, ma anche politicamente sensibile.
Il processo di sviluppo culturale in Europa
è accompagnato da discussioni sulle pari
opportunità. Innanzitutto, questo include un
notevole sforzo per determinare una cultura
impegnata a favore della diversità e della
varietà come sue parti integranti; in secondo luogo, si concentra su un fondamentale,
"sano" scetticismo verso tutte le propagazione della "cultura dominante" (Leit Kultur).
Quest'ultimo aspetto si fa particolarmente significativo, dopo la dolorosa esperienza del
totalitarismo nel XX secolo. L'accettazione
evidente delle dichiarazioni di creatività di
"talenti irregolari" di tutti i tipi viene a costituire una cartina di tornasole per ogni ulteriore
sviluppo della cultura europea.
Grazie al carattere di costante contraddizione dell'arte europea ("L'arte è una sorta di
sommossa", Pablo Picasso), e alla sua continua ricerca di libertà ("Perché l'arte è figlia
della libertà", Friedrich Schiller) il dibattito internazionale sui "talenti irregolari" è diventato
un progetto centrale che indaga a fondo lo
sviluppo della cultura. In ogni caso, questo
progetto va ben oltre i propri stessi confini e
certamente avrà una continuazione nel senso di un permanente "Sichtwechsel" ("cambiamento di prospettiva") culturale.
artist symposiums, scientific works related to art
theory. What should be highlighted is the fact that
their activity is as well noticeable in the Summer
Academy in Bad Ischl.
One of the significant outcomes of this particular
fascination that links these artists is a unique project
that started last year. This is the series of pictorial
compositions that show human relationship situations. Definitely, this joint artistic work has required
a high degree of mutual sensitivity. However, this
deep sensitivity has already been displayed since
many years, especially in the challenging longterm artistic collaboration with people with disabilities. A further group discussion on the final selection
of joint compositions and their critical revision was
as sophisticated as the joint artistic work itself.
Therefore, the picture sets that have been integrated into the exhibition project represent a principal
concept of the art: the discussion field about “irregular talents”. It not only triggers a maximum openness and sensitivity of the response to a different
type of artistic creation but as well inspires respect
to artistic intentions.
One cannot fail to take note of a particularly stimulated learning process. This is a form of a conscious
attempt to gain knowledge on communication
manner of artists with disabilities, their directness
that is not demonstrated in the every-day reality,
and an unusual sensitivity towards other forms of
life. Yet another important matter would be their
consistent pursuit of their own creative work that is
constantly exposed to a critic.
In the parallel, such a perspective of selection approach might be also observed in Austrian “irregular talents”. The following four artists fit into the
same differentiating pattern that was applied to
a previously descried group. They not only differ in
terms of their career path but they also use different artistic approaches, conceptual priorities and
artistic techniques.
Anita Baier has developed a very conceptual artistic approach: between a word and a picture,
based on the combination of writing and drawing.
Elisabeth Watzeck, however, is a genuine painter.
She creates painting compositions of people and
her works surprise with a completely independent
individually designed language.
Andrea Obwaller is rather an illustrator. In her di-
stinctive individual line systems she manages to
create some new wide spatial situations.
Hubert Zemsauer is a photo artist par excellence
– his artistic spectrum ranges from the aspects of
author photography to a complex image merging.
All four artists already have a significant exhibition
experience. Moreover, they have proven their skills
several times in front of numerous critical forums.
Another common background for them would
be an artistic ambition and a demonstrated willingness to work.
In the end, the most crucial is a shared fascination
with an obvious talent that has a special creative
ability, and whose sources are in the dark. This specific experience is often mentioned in the testimonies of those who have had a chance to work with
people with disabilities.
The talent classification always provokes a discussion on boundaries and boundary crossings. This
would be especially heightened when a talent is
focused on creativity. This is the core reason why this
European project of “irregular talents” is not only up
to date but also politically sensitive. The cultural development process in Europe is accompanied by
discussions on opportunities equalization. First of
all, this includes an intense effort to determine the
culture with its commitment to both diversity and
variety as its integral parts. And secondly, it concentrates on a fundamental “healthy” skepticism
towards all propagations of the Leading Culture
(Leit Kultur). The latter is especially meaningful after
a painful experience of totalitarian systems in the
20th century. The obvious acceptance of creativity
statements of “irregular talents” of all kinds proves
to be a litmus test for any further development of
European culture.
Due to the constant contradiction feature of European art (“Art is like some kind of riot”, Pablo Picasso) as well as for its continual freedom pursuit
(“Because art is a daughter of freedom”, Friedrich
Schiller) the international discussion about “irregular talents” has become a central project that deeply investigates a development of culture. In any
case, this is the project that reaches far beyond
its own borders and would certainly continue in
the sense of a permanent cultural “Sichtwechsel”
(“view change”).
19
Gli artisti polacchi nel progetto Irregular Talents
Polish artists in the Irregular Talents project
Nel progetto “Irregular Talents”, la Polonia è
rappresentata dall’International Centre for Information Management, System, and Services
(ICIMSS) con sede a Torun e dall’Università di
Economia di Bydgoszcz, invitata nel 2012 dalla
Cooperativa Sociale Nazareno di Carpi, ente
coordinatore del progetto.
Riguardo le opere prodotte da persone con
disabilità, il parere che emerge a Torun è quello che questi lavori possono essere considerati
parte dell’arte contemporanea.
Il progetto ha offerto l’opportunità di mostrare
talenti artistici che non sono conosciuti a livello internazionale e di porsi domande sul loro
mondo immaginativo e sui messaggi simbolici
che si possono trovare nelle loro opere.
I convegni e gli incontri di discussione sono stati
un momento di ricerca sui significati specifici
del mondo dell’arte contemporanea, sul suo
sistema di valori, credenze, idee e modelli di
comportamento, e sono stati inoltre occasioni
preziose di lezione e di presa di coscienza della
nostra condizione privilegiata.
In Polonia esistono diverse organizzazioni operanti nel settore della cura di persone affette
da disabilità, tra le varie realtà abbiamo scelto
di presentare le opere prodotte presso il Centro
per lo sviluppo delle attività artistiche dei potatori di handicap di Torun. Si tratta di un centro
che funziona come una Casa protetta autogestita sotto la direzione dell’Associazione cattolica disabili Wanda Szuman di Torun (http://www.
prton-sds.cba.pl/). Abbiamo scelto le opere
di quattro artisti che sono veterani dell’atelier:
Jarosław Latowski, Renata Jagielska, Anita Went
e Michał Nowak. Oltre agli artisti selezionati per
il Progetto, sarà esposta in mostra un’artista che
ha avuto uno specifico percorso formativo, Ewa
Świokła, che ha conseguito una laurea presso
la Facoltà di Belle Arti dell’Università Niccolò
Copernico di Torun, e che soffre dall’infanzia di
problemi di salute fisica.
Il nostro obbiettivo è quello di presentare e valorizzare le opere prodotte nell’ambiente protetto
e confortevole del Centro. Si tratta di opere
che rispecchiano le capacità creative degli
autori e che riflettono la loro personale visione
del mondo. Pur essendo già stati presentati in
occasione di altre mostre, ora hanno la possibilità di apparire per la prima volta sulla scena
internazionale e di essere affiancati dai lavori di
artisti già conosciuti ed apprezzati.
Questa mostra è anche l’occasione per sostenere i primi passi di una giovane artista profes-
sionista di talento che – cosa particolarmente
degna di nota – è dotata di un’enorme forza
d’animo ed è determinata a far sì che le sue
opere raggiungano un pubblico il più ampio
possibile.
Dunque, le attività promosse dal Progetto andranno a testimoniare le capacità creative
delle persone da noi sostenute: ammiriamo il
loro mondo fatto di esperienze, sogni e desideri che normalmente rimarrebbero nascosti ma
che ora hanno la possibilità di venir espressi
attraverso l’arte e chiediamoci quali possibilità
offre loro la società. In futuro, sarà possibile creare un mondo di reali pari opportunità?
Tra le molte opere di Renata Jagielska, per la
mostra sono state selezionate quattro incisioni
su linoleum relative a temi religiosi che presentano due stili dell’autrice: Pietà, Processione, In
cielo e l'insegnamento di Gesù. Il primo, con i
personaggi principali isolati, creati da linee decise, e un disegno interno su uno sfondo nero
liscio è la Pietà, costruendo creativamente
In the Irregular Talents Project, Poland is represented
by the International Centre for Information Management, Systems, and Services (ICIMSS) and the University of Economy in Bydgoszcz, invited in 2012 by the
project coordinator Cooperativa Sociale Nazareno
of Carpi Italy.
In discussions on the works of people with disabilities
in the environs of Toruń, an opinion has emerged that
their work is a part of contemporary art (Anna Szary,
Andrzej Wojciechowski). The objectives of the project
have provided a chance to showcase artistic people who do not have a well-established reputation
in the international arena, to approach the artists,
to ask them and oneself questions about the world
of their imagination, and to reflect on the symbolic
messages of their works. These meetings were also an
attempt to find specific comments of the contempo-
rary world, its system of values, beliefs, ideas and role
models, as well as lessons for ourselves, to whom fate
has been kinder.
Among the various organisations involved in the
care of people affected by disability, we decided to
mainly present the achievements of the Centre for
the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity in Toruń at the exhibition, a centre now
functioning as the Community Self-help Home, run by
the Wanda Szuman Catholic Association of People
with Disabilities in Toruń (http://www.prton-sds.cba.
pl/). We have chosen the works of four artists. These
are long-term pupils of the Studio – Jarosław Latowski,
Renata Jagielska, Anita Wend and Michał Nowak. In
addition to the group of artists selected for presentation, an aspiring artist with professional qualifications
has been included – Ewa Świokła, a graduate of the
Faculty of Fine Arts at the Nicolas Copernicus University in Toruń, who has been affected by physical health
problems since childhood.
Our goal is therefore to present and consolidate the
achievements of creative people whose works were
created in the comfort of a centre and would remain
there were it not for the efforts of their careers. These
works, which demonstrate the creativity of authors,
capturing the effects of their interior view of the world,
have already been presented before in exhibitions,
but for the first time have the opportunity to appear
on the international scene alongside the work of professional artists. This exhibition is also an attempt to
support the talented and professional start of a young
artist who – which is particularly noteworthy – is endowed with tremendous fortitude, requesting that her
works reach the widest possible audience.
The project activities will testify to the creative possibilities of the persons covered by this patronage, let
us look into the world of experiences, dreams, and
desires that are usually hidden and now expressed in
art, and provoke questions about what conditions society provides the heroes of this project. In the future,
will we create a world with equal opportunities in life?
Among the many graphics by Renata Jagielska, four
linocuts on religious themes were selected for the
exhibition: Pieta, Procession, In heaven and Teaching
Jesus, presenting two styles of the author. The first,
with the main characters isolated, created by decisive lines, and an inner drawing on a smooth black
background is the Pieta, creatively building a distinctive expression of one of the most emotional performances of Christianity. The second, more characteristic of the style of the creator, exhibits a kind of horror
di/by Alicja Saar-Kozlowska
20
un’espressione distintiva di uno degli spettacoli
più emozionanti del Cristianesimo. Il secondo,
più caratteristico dello stile dell’autrice, presenta una sorta di horror vacui, dove ogni forma e
piano viene rotto e ritmicamente ripetuto nella
composizione, linee delicate che corrono in
direzioni diverse sullo sfondo e completa la forma nell’immagine, su cui una più ampia, forte linea nera rappresenta i singoli componenti
della composizione.
Il lavoro di Jarosław Latowski in mostra è rappresentato da quattro opere grafiche nella
tecnica delle incisioni su linoleum raffiguranti leoni e leonesse feriti. Essi si ispirano all'arte
dei bassorilievi assiri che si trovano ora presso il
British Museum di Londra e presso il palazzo di
Assurbanipal a Ninive (VII secolo aC). L'autore
presenta le sue interpretazioni del soggetto e
spicca la caratteristica di trattare ogni immagine individualmente in opposizione all’imitazione. Si può affermare che il tratto peculiare
dell'autore e la selezione di elementi artistici
nelle immagini, rafforza e modernizza il problema degli animali che soffrono, degli animali
vittime della caccia.
Il mondo chiuso di Michał Nowak presenta otto
pastelli a colori di temi religiosi e laici, che mostrano dettaglio architettonico, forma, crocifissione e paesaggio. Queste immagini evidenziano le modalità eccellente e la portata della
percezione dell'autore del mondo, la natura
della sua immaginazione e sensibilità artistica.
Nelle sue opere, Michał Nowak usa tinte vivaci
e macchie piatte di colore con forme diverse.
Egli impiega contorni neri definiti, macchie e
forme di contorno. In alcuni luoghi, un piano si
differenzia in ombra o in intensità attraverso un
particolare colore o macchie che accentuano
lo sfondo. Ciò comporta la creazione di composizioni astratte in cui dominano forme e colori sconosciuti e in cui appaiono deformazioni
piccole o più grandi degli elementi del mondo
reale. Le immagini hanno un effetto zoom o
la scelta di una pianificata composizione più
vacui, where every form and plane is broken and
rhythmically repeated in the composition, delicate
lines running in different directions in the background
and fill out the form in the image, on which a wider,
stronger black line plots the individual components of
the composition.
Jarosław Latowski's works on display are represented by four graphic works of wounded lions and lionesses in linocut technique. They are inspired by the
art of the Assyrian bas-reliefs that are now in the British
Museum in London, and from the palace of Ashurbanipal in Nineveh (seventh century BC). The author
presents his own interpretations of the subject and the
advantage of treating each image individually as opposed to imitation is prevalent. One can claim that
the author's peculiar line and selection of artistic elements in the images strengthen and modernize the
problem of suffering animals, the victims of hunting.
The closed world of Michał Nowak presents eight colour pastels of religious and secular themes, showing
architectural detail, form, crucifixion and landscape. These images highlight the excellent manner
and scope of the author's perception of the world,
the nature of his imagination and artistic sensibility.
In his works, Michał Nowak uses vibrant hues and flat
blotches of colour with different shapes. He employs
defined black contours, blotches and outline forms.
In some places, a plane is differentiated in shade or
intensity by a particular colour or blotches that accentuate the background. This results in the creation
of abstract compositions in which unknown shapes
and colours dominate and smaller or larger deformations of the elements of the real world appear.
The images have a zoom effect or the choice of a
21
22
ampia o frammenti osservati e trasformati della
realtà. Essi sono caratterizzati da un eccellente
senso della composizione e dell’armonia dei
colori.
Tra le opere ricche e diverse di Ewa Świokła, la
mostra presenta un trittico di grande formato
intitolato Costellazioni, composto da tre dipinti
olio su tela, che appartengono a un gruppo di
quattro cicli di spazio. Nei toni del viola, tonalità di colore rosa e il colore erica, Ewa Świokła
testimonia il sottile senso del colore e rivela il
suo mondo di fantasia e di sogni, così come
un forte senso di appartenenza all'Universo - un
misterioso, intrigante, affascinante tripudio di
forme, colori e luce, e allo stesso tempo risvegliare nell'uomo gioia e preoccupazione per
la profondità del mistero che lui sta cercando, ma ancora gli sfugge. Le sue opere mostrano immagini elaborate del cielo, per così
dire, come una reazione all’artistica, variabile,
eterna creazione dell'Onnipotente - Dio-pittore, come spesso è stato scritto su di Lui e la
maniera convenzionale con la quale è stato
presentato per secoli. In queste sottili variazioni
di colore rosa-erica sul tema del cosmo e le
sue entità correlate, si riecheggia musica delle
sfere spaziali che semplicemente non è udibile
a noi, riconoscibile solo mappando la musica
della Terra, che è così vicino all’autrice musicalmente dotata, un mezzosoprano, che trascrive nelle sue opere i suoni in colori.
Il Centro per lo sviluppo delle attività artistiche
dei portatori di handicap, dal quale provengono i talenti artistiche che saranno presentati in
mostra, è stato fondato nel 1970. Durante il lavoro nell’ambito del progetto “Irregular Talents”,
abbiamo festeggiato il 35° anniversario della
sua attività con una grande mostra (13 giugno
– 13 luglio 2014) nella quale sono state esposte
le opere di più di novanta ospiti, è stata allestita su quattro piani all’interno della Biblioteca
dell’Università di Turun ed è stata testimoniata
dalla stampa di un catalogo.
In occasione del vernissage, organizzato
dall’International Centre of Information Management, System, and Services, sono state organizzate delle conferenze che hanno riunito
tutti gli ospiti del Centro: la documentazione è
disponibile sul sito www.s-potykanie.pl. La mostra è stata anche l’occasione per i rappresentati delle altre realtà coinvolte di conoscere le
opere degli ospiti del Centro selezionati per il
Progetto.
Le idee di Wanda Szuman (1890-1994), attivista sociale, educatrice e innovatrice polacca,
hanno avuto una grande influenza fin dall’inizio
sulle attività del Centro per lo sviluppo delle attività artistiche dei portatori di handicap. Wanda
Szuman era conosciuta per il suo lavoro scientifico rivolto soprattutto allo studio dello sviluppo
di orfani e bambini che vivono in isolamento,
disabili fisici, non vedenti e non udenti. Questa
illustre cittadina di Torun, insignita di cavalierato
onorario, ha diffuso un metodo di riabilitazione
per le persone con disabilità attraverso l’attività
creativa, modello che è stato imitato dal Cen-
tro per lo sviluppo delle attività artistiche dei
portatori di handicap. Le sue attività, tuttavia,
non sono da intendersi art therapy, oggi così
popolare, ma come metodo di sviluppo delle
capacità creative di persone con disabilità in
vari settori della vita, compreso l’ambito delle
discipline artistiche. Il professor Andrzej Wojciechowski, che ha ispirato la creazione del laboratorio e ne segue l’attività, scultore e insegnate
presso l’Università Niccolò Copernico, interessato tra le altre cose alla pedagogia speciale, la
terapia e il trattamento dei disabili attraverso il
lavoro creativo, ha detto: “Il nostro obiettivo non
è la terapia attraverso l’arte, ma la terapia attraverso la creatività”. Perciò, l’ambito di attività
presso il Centro di Torun è molto ampio, i terapisti cercano continuamente nuove possibilità
creative per coinvolgere i partecipanti in ogni
genere di modalità. Questo metodo, di conseguenza, fa sì che gli autentici talenti artistici di
alcuni ospiti possano essere portati alla luce.
Le capacità di queste persone non potrebbero
evolvere a tal punto senza le condizioni favorevoli, l’atmosfera che stimola la creatività e le
idee fornite dagli operatori.
Sono proprio loro a fornire materiali, strumenti,
istruzioni sul lavoro artistico, tutoraggio professionale ed esercizi artistici, partendo dal presupposto che la cognizione e la comprensione
avviene solo con l'amore, nello spirito del filosofo francese contemporaneo Jacques Maritain,
che ha scritto: "Solo l'amore ci dà la possibilità
di conoscere un'altra persona come qualcosa
di diverso da un oggetto".
La struttura di Toruń vanta un gruppo eccezionale di artisti dotati di enormi capacità di insegnamento, che praticano in modo indipendente le proprie attività creative. L'atelier di grafica
è condotto dall'artista grafico Mirosław Kocoł;
l'atelier di scultura, tessuti e dipinti dalla scultrice
Anna Szary; l'atelier di lavori in vetro colorato e
pittura dalla pittrice Barbara Jankowska; l'atelier
di artigianato e sartoria da Agnieszka Pietrzak.
Per questo motivo, nella mostra non potevano
mancare le singole opere di questi artisti che,
dopo il periodo di formazine artistica, hanno
dedicato trentacinque anni della loro vita professionale ai loro alunni, rimanendo nell'ombra.
Mirosław Kocoł presenta le sue opere grafiche
a colori, Anna Szarydue sculture in argilla, Barbara Jankowska un disegno a matita e Agnieszka Pietrzak, infine, alcuni dipinti su tela.
L'opera grafica di Mirosław Kocoł è un esempio dei suoi interessi, delle sue capacità creative e della sua competenza artistica. Il lavoro,
realizzato con una tecnica di sua ideazione, è il
risultato di una ricerca nel campo della grafica
cromatica. Tale ricerca risulta tanto più spettacolare per il modo in cui avviene l'effetto di
colore puro e sovrapposizione delle tonalità,
con forme ben definite e distribuite e aree di
intensità irregolare del colore. La forma ovale,
sfocata, come se si espandesse, suggerisce
che abbiamo a che fare con un'astrazione organica, ma uno sguardo più approfondito rivela la profondità e la complessità della natura
planned larger composition or the observed and
processed fragments of reality. They are characterized by an excellent sense of composition and harmony of colours.
From among the rich and diverse works by Ewa
Świokła, the exhibition presents one large-format
triptych entitled Constellations, consisting of three oil
paintings on canvas, which belong to a group of four
space cycles. In shades of purples, hues of pink, and
the colour of heather, Ewa Świokła bears witness to
the subtle sense of colour and reveals her own world
of fantasy and dreams, as well as a strong sense of
belonging to the Universe – a mysterious, intriguing,
fascinating riot of shapes, colours and light, simultaneously awakening in man delight and concern
about the depth of the mystery that he is seeking yet
still eludes him. Her works show processed images of
the sky, so to speak, as a reaction to the artistic, variable, but everlasting creation of the Almighty – Godpainter, as has often been written about Him and
the convention in which He has been presented for
centuries. In these subtle pink-heather variations on
the theme of the cosmos and its related entities, there echoes music of the spatial spheres that is simply
not audible to us, recognizable only by mapping the
Earth's music, which is so close to the musically-gifted
author, a mezzo-soprano, who transcribes the sounds
in her works as colours.
The Centre for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity, where the artistic talents
from the exhibition were revealed, was founded in
the 1970s. Within the framework of the project, the
35th anniversary of its operations was celebrated
with an extensive exhibition (13 June – 13 July 2014)
of various works of more than ninety pupils on four
floors of the University Library in Toruń, together with a
modest catalogue. The vernissage organized by the
International Centre of Information Management, Systems, and Services combined with lectures became
a meeting of all pupils of the Centre, which has been
documented and is available at www.s-potykanie.pl.
The exhibition was an opportunity for representatives
to get acquainted with works of the centre’s participants chosen for the project.
From the very beginning, the ideas of Polish social activist, educator, and pioneer Wanda Szuman (18901994) have made an impact on the activities of the
Centre for the Development of the Handicapped
Persons’ Artistic Activity. She was known for her scientific interest, concerning mainly the development of
orphans and children living in isolation, the physically
disabled, the blind and the deaf. This honorary freeman of Toruń propagated a rehabilitation method
for people with disabilities through creative activity, a
model imitated by the Centre for the Development
of the Handicapped Persons’ Artistic Activity. These
activities, however, are not understood as today’s popular art therapy, but as a method of developing the
creative actions of people with disabilities in various
areas of life, including the artistic disciplines. Professor
Andrzej Wojciechowski, the inspirer behind the creation and activities of the workshop, sculptor, professor at NCU dealing, among other things, with special
pedagogy, therapy, and treatment of the disabled
through creative work, said: our goal is not therapy
through art, but therapy through creativity. Therefore,
the scope of activities at the Centre in Toruń is very
broad, and therapists are looking for creative outlets
to activate the participants in a variety of ways. As a
result, the true artistic talents of some their charges
are revealed. The abilities of these people would not
evolve to such an extent without favourable conditions, an atmosphere for creativity in the centre, and
inspirational caregivers. They provide materials, tools,
instructions on the art work, professional mentoring
and artistic exercises, with the assumption that complete cognition and understanding is only made in
terms of love, in the spirit of the contemporary French
philosopher Jacques Maritain, who wrote: only love
allows us the ability to know another person as something other than an object.
The facility in Toruń has an exceptional group of artists
endowed with enormous teaching abilities, practising
their own creative activities independently. The studio
for graphics and other duplicating techniques is led
by graphic artist Mirosław Kocoł; the studio for sculpture, textiles and paintings by sculptor Anna Szary; the
studio for stained glass and painting by painter Barbara Jankowska; and the studio for crafts and tailoring by Agnieszka Pietrzak. For this reason, the exhibition could not be without the individual works of those
artists who, since graduating from art studies, have
devoted 35 years of their lives working out a better
life for their pupils while they themselves remain in the
shadows. The therapists show works they specialise in:
Mirosław Kocoł’s colour graphics, two sculptures in
clay by Anna Szary, Barbara Jankowska’s pencil drawing and Agnieszka Pietrzak’s paintings on fabric.
The graphic work by Mirosław Kocoł is an example
of his interests, creative capabilities and workshop
skills. The work, created in his own technique, is the
result of research in the field of colour graphics, all
23
24
spazialmente eterogeneo di direzioni e piani
che forzano lo spettatore a considerare l'opera
come un frammento di una realtà più grande,
nascosta, che si intravvede attraverso una lente appannata che va lentamente schiarendosi. Così, lo spettatore spera che l'immagine si
faccia ben presto più nitida e si dipani meglio,
chiarendo così le forme che suggerisce. In sostanza è come se assistessimo al processo di
formazione dell'immagine allo status nascendi.
Le opere di Anna Szary intitolate Maria Maddalena oggi e Il passato mostrano il carattere riflessivo dell'artista e del suo lavoro, in cui
vengono evocate le riflessioni interne del tormentato personaggio del Nuovo Testamento e
la natura contemplativa della personificazione
del tempo trascorso. I personaggi del passato mostrano all'uomo moderno un modello di
comportamento diverso da quello esplicitando il valore dell'introspezione e di una profonda
vita interiore. L'espressione specifica del silenzio
nelle opere di Anna Szary è rafforzata attraverso
i mezzi caratteristici della scultura in argilla: una
superficie strutturata che dà luogo a effetti di
chiaroscuro sulla superficie delle figure e a un
effetto "grezzo" dell'opera. Questo "retrogusto"
di incompiutezza viene esaltato dalle fessure,
simili a lacerazioni dovute alla natura del materiale.
L'immagine di una giovane donna con una
colomba, disegnata a matita, è una testimonianza della sensibilità artistica di Barbara
Jankowska, del suo sottile senso di osservazione come ritrattista. La sua capacità di tracciare una mappa della realtà fatta di elementi
simbolici rafforza ulteriormente le caratteristiche psicologiche del modello. L'occhio e la
mano dell'artista, sensibili a ogni contrazione
delle forme, hanno creato un'immagine piena
di profondità nella sottile forma del disegno.
Con un chiaroscuro delicato ma consistente
su alcune parti del viso, Barbara Jankowska ha
espresso non solo la bellezza fisica della persona, ma il suo desiderio di scoprire il mondo.
Dal viso, in particolare dall'espressione degli
occhi, ma anche dalla posizione della testa e
dal contatto con l'osservatore, si legge un sogno di libertà, la volontà di sollevarsi al di sopra
del corso quotidiano delle cose, un elemento
ulteriormente rimarcato dalla presenza della
colomba. Il fatto che i capelli della ragazza
siano piume mostra che la ragazza è prossima ad affrancarsi da se stessa e a realizzare il
suo sogno. Ciò che vediamo è la metamorfosi
di una fanciulla; l'immagine, per la sua stratificazione simbolica e artistica, rivela più di ciò
che è semplicemente presente nel momento
mostrato. L'opera rappresenta quindi la sintesi
desiderata delle varie caratteristiche del modello ritratto nelle tre fasi del tempo: presente,
passato e futuro.
Le opere di Marta Rosenthal-Sikora, appartenenti alla serie Città, mostrano le relazioni spaziali di linee che corrono libere, che sono complesse, circolari, ad arco con forme che sono
rettangolari, piatte, soggetta al meccanismo
di unificazione, rispecchiando la natura della
nostra esistenza nelle città moderne, mentre
descrive la collisione delle forme naturali con
le creazioni umane.
Le composizioni multicolori di Alicja Saar sono
una sorta di conglomerato dei nostri tempi, rivelando una giocosa, ma anche una profonda
riflessione prospettica, i suoi problemi e i principali argomenti di discussione nei mass-media,
fornendo al contempo una raffinata composizione di una vasta gamma di forme e colori. I
due dipinti di grande formato del novantenne
Mieczysław Saar portano in mostra gli accenti
di una riflessione filosofica senza tempo sull'esistenza umana nell'universo, sulla sua universalità, in termini di vastità e travolgimento, e sulla bellezza mozzafiato dei fenomeni osservati
dell'Universo. Attraverso le sue opere, l'artista
sembra dire che molte varietà di vita equivalenti sono alla deriva verso una meta sconosciuta in questo spazio infinito, e che nella categoria di esistenza terrena ed extra-terrena,
ogni essere umano desidera ardentemente il
contatto, la comprensione intellettuale, e il desiderio di colmare il divario di differenze e di
dimenticanza.
the more spectacular as an effect of pure colour
and overlapping of paints has been achieved, with
the forms clearly defined and distributed and areas
of uneven colour intensity. Oval, blurry, as if its spreading form suggests that we are dealing with organic
abstraction, but a deeper look at the work reveals the
depth and complexity of the spatially diverse nature
of directions and planes which oblige one to look at
the work as a fragment of a larger, hidden reality that
one gets to know through a steamy lens that is slowly
clearing up. Thus, the viewer hopes that the image
will clear up in a moment and expand its scope, thus
clarifying the suggested forms of the image. We are
therefore shown a subtle process of image formation
in status nascendi.
The works of Anna Szary entitled Mary Magdalene
Today and The Past show the reflexive character of
the artist and her work, in which she has masterfully
presented the internal musings of the crushed character from the New Testament and the contemplative nature of the personification of elapsed time.
Characters from the past demonstrate to modern
humans a personality pattern different from the one
currently proposed, demanding the depth of inner
life and self-reflection. The specific expression of silence in the works of Anna Szary are strengthened
by using the means characteristic of clay sculpture:
a textured surface forming the effects of chiaroscuro
on the surface of the figures as well as an effect of
crudeness of the work, an after-taste of non finito in
addition to traces of destruction that are present in
both cases in the form of cracks resulting from the
nature of the material.
The image of a young woman with a dove/bird
made in pencil is a testament to the artistic sensitivity
of Barbara Jankowska, her subtle sense of observation as a portrait artist, the ability to map a reality of symbolic elements that further strengthen the
psychological characteristics of the model. The eye
and the hand of the artist, sensitive to every twitch of
the forms, have created an image full of depth, in a
subtle form of drawing. With a delicate but consistent
chiaroscuro in parts of the face, Barbara Jankowska
has expressed not only the physical beauty of the
person, but her hopeful inner desire to discover the
world. From her face, especially the expression of
the eyes, but also the setting of the head and contact with the viewer, one can read a dream of freedom, rising above the everyday course of events,
which is further suggested by the presence of a bird.
The fact that the girl’s hair is made of feathers shows
that the girl’s process of liberating herself and realizing her dream has already begun. We can observe
the metamorphosis of a young girl and the picture,
because of its symbolic layering and workmanship,
reveals something more than what is merely present
in the moment. The work thus represents the desirable synthesis of the various features of the portrait
model and the three phases of time: the present, as
well as the past and the future.
The works of Marta Rosenthal-Sikora, belonging to
the Cities series, show the spatial relationships of lines
that run free, are complex, circular, and arcing with
forms that are rectangular, flat, subject to the mechanism of unification, mirroring the nature of our existence in modern cities while describing the collision
of natural shapes and human creations.
Alicja Saar's multi-coloured compositions are a kind
of conglomerate of our times, revealing a playful but
also deep reflection of perspective, her problems
and leading topics of discussion in the mass-media,
while providing a sophisticated composition of a wide
array of shapes and soft colours.The two large-format
paintings by the nonagenarian Mieczysław Saar
bring to the exposition accents of timeless philosophical reflection on human existence in the universe, its
universality on a vast and overwhelming scale, and
the stunning beauty of the observed phenomena of
the Universe. Through his works, the artist seems to say
that many equal varieties of life are drifting towards
an unknown goal in this infinite space, and in the
category of terrestrial and extra-terrestrial existence,
every human being craves contact, intellectual understanding, and a desire to bridge the gap of differences and forgetfulness.
Alicja Saar-Kozłowska
International Centre for Information Management, Systems, and Services, ICIMSS
Alicja Saar-Kozłowska
The International Centre for Information Management, Systems, and Services, ICIMSS.
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Il talento degli Irregolari
The talent of Irregulars
Tarcisio Merati ha iniziato a dipingere all’interno
dell’ospedale neuropsichiatrico di Bergamo.
Erano gli anni Settanta del Novecento quando,
già quarantenne, dedica il suo tempo alla produzione artistica. E’ la sua forma di espressione
privilegiata che, staccandosi dalle convenzioni e dalla misera vita che aveva condotto in
precedenza, gli consente di assumere un ruolo
sociale diverso, desiderato, agito.
Federico Saracini, nato un secolo prima di
Merati, passa gli ultimi vent’anni della sua vita
all’ospedale psichiatrico San Lazzaro di Reggio
Emilia. Anche per Saracini la reclusione diventa
occasione di espressione ed anche di divulgazione dei suoi pensieri e delle sue ossessioni.
Più recentemente, Cesare Paltrinieri, che colloca la nascita della sua passione per il disegno all’età di tre anni, può essere considerato
a pieno titolo uno dei fondatori dell’atelier Manolibera della Cooperativa Nazareno di Carpi
dove, dal 1996, realizza i suoi straordinari ritratti. Si dedica alla realizzazione di volti anche il
noto artista belga Paul Duhem che, all’interno
dell’atelier “La Pommeraie” di Ellignies-SainteAnne, già settantenne, inizia a realizzare con
assiduità una folta quantità di opere, soprattutto facce, ripetute in modo ossessivo con sottili
variazioni di forma e colore. Egidio Cuniberti,
rimasto solo, all’età di quarantadue anni trasforma la sua casa di Mondovì, in Piemonte,
facendola diventare magazzino e laboratorio,
dove accumula quantità enormi di materiale
di scarto per creare i suoi personali mondi sottoforma di mobili o totem. E Giovanni Bosco
esorcizza con l’arte ogni angolo della casa e
parti dei muri dei palazzi del suo paese, Castel-
lamare del Golfo, in Sicilia, con le sue enormi
figure colorate, forme e grafie di un pensiero
magico.
Questi sono solo alcuni dei tanti esempi di straordinari talenti creativi che riconosciamo con il
nome di artisti di Art Brut, di Outsider Art e di Arte
Irregolare1.
Se cerchiamo di rintracciare gli elementi che
accomunano le loro produzioni, già ad un primo sguardo si nota la soggettività e l’originalità
che ne contraddistingue il lavoro, perfettamente riconoscibile nello stile. Inoltre, meno evidente ma comunque presente, è il motore che li
spinge verso la realizzazione di oggetti e forme,
talvolta di veri e propri mondi paralleli: si tratta
di una spinta che spesso assume i tratti di un’urgenza, di una compulsione. Il movente non ha
quindi nulla a che fare con i gusti, le mode o
la volontà di conquistare i favori del pubblico
o del mercato dell’arte. Sono creazioni che
si inseriscono nella sfera dei bisogni più elementari dell’artista e che talvolta ne diventano
una ragione di vita, cosicché il vissuto interiore
emerge attraverso la rappresentazione e diventa forma concreta, conoscibile e, in certi
casi, esorcizzabile. E’ la compiutezza dell’opera quindi, la questione fondante e sono l’intimità del pensiero profondo e l’espressione della
spontaneità gli elementi comuni ai creatori di
opere cosiddette Irregolari. Un’irregolarità che
conferisce quindi libertà, sia rispetto all’opera
che rispetto al pubblico.
L’impulso originario parte da quell’istinto che
Hans Prinzhorn teorizzò col termine di Gestaltung che sta ad indicare un nucleo indipendente dalla personalità dell’artista stesso, che
si traduce soprattutto attraverso la realizzazione
di opere che sono la diretta manifestazione di
contenuti interni, frutto di una vivida esigenza
d’espressione, una pulsione, quindi, priva di
Tarcisio Merati began painting in the neuropsychiatric
hospital in Bergamo. It was in the 1970s when, already
forty years old, he devoted his time to artistic production. This privileged form of expression of his, breaking
away from the conventions and the miserable life he
had led until then, allows him to assume a different
social role, the one he desired and acted towards.
Federico Saracini, born a century before Merati,
spent the last twenty years of his life inside the San Lazzaro psychiatric hospital in Reggio Emilia. Also for Saracini, being constrained within the hospital becomes
an opportunity for expression and also for communicating his thoughts and his obsessions. More recently,
Cesare Paltrinieri, who dates his passion for drawing
back to when he was three, can be considered in full
as of the founders of Atelier Manolibera of Cooperativa Nazareno, Carpi, where since 1996 he creates
his extraordinary portraits. Renown Belgian artist Paul
Duhem is also dedicated to the creation of faces:
within the atelier "La Pommeraie" of Ellignies-SainteAnne, already seventy years old, he began producing
assiduously a sizeable amount of works, especially faces, repeated obsessively with subtle variations in shape and color. Egidio Cuniberti, left alone, at the age
of forty-two turns his home in Mondovi, Piedmont, into
his warehouse and workshop, where he accumulates
massive amounts of waste material to create his personal worlds in the form of items of furniture or totems.
And Giovanni Bosco exorcises with art every corner of
the house and parts of the walls of the buildings in his
town, Castellammare del Golfo, Sicily, with his enormous, colorful figures, shapes and letterings of magical thought.
These are just some of the many examples of extraor-
dinary creative talent that we recognize as the artists
of Art Brut, Outsider Art and Irregular Art1.
If we try and track down the common elements of
their productions, already at first glance you notice
the subjectivity and originality that distinguishes their
work, perfectly recognizable in their styles. Furthermore, less obvious but nonetheless present, is their driving
force towards the realization of objects and shapes,
sometimes real parallel worlds: a kind of propelling
thrust which often looks like an urge, a compulsion.
The motive has therefore nothing to do with taste,
fashion or the will to win the favor of the public or the
art market. These are creations that fit into the sphere
of the most basic needs of the artist, and that sometimes become the artist's reason to live, so that the
inner experience emerges through the representation that takes on a concrete and knowable form, a
form that, in some cases, can be exorcised. The fundamental question is therefore the completeness of
the work, and the intimacy of deep thought and the
expression of spontaneity are the common elements
to the creators of works we call "irregular". An irregularity, then, that grants freedom, with respect both to
the work and to the public.
The original impulse starts from that instinct that Hans
Prinzhorn theorized as Gestaltung, which indicates
a nucleus independent of the personality of the artist
himself, mainly expressing itself through the creation of
works that are a direct manifestation of internal content, born of a vivid expression of need: an urge, therefore, devoid of any social purpose. We are in the realm
of impulsive, automatic acts, which too often find refuge in the most remote folds of the psyche and from
which they emerge without any intervention of reason.
di/by Cristina Calicelli
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qualsiasi finalità sociale. L’interesse, lo studio e
la conservazione di opere nate dalla reclusione
e dall’emarginazione, hanno iniziato a svilupparsi in diverse isolate realtà nel periodo tra la
fine dell’Ottocento e inizi Novecento, quando i
tempi erano maturi per sondare gli universi che
si annidano al di fuori dell’osservabile. E’ in questo periodo infatti che si sviluppa un particolare
interesse per le produzioni creative dei malati
mentali che vengono conservate ed analizzate con l’obbiettivo di rintracciare segni della
malattia dell’autore nell’opera che egli realizza.
Erano i primi e ancora titubanti passi, mossi al
di sopra di ogni sospetto, che tuttavia avevano
già imboccato la strada che conduceva alla
scoperta di un’arte insolita, trascurata, creata
fuori dai circuiti ufficiali.
In particolare, negli anni Venti del Novecento,
all’interno degli ospedali psichiatrici furono scoperte formidabili opere. E’ il caso, ad esempio,
dell’ospedale di Waldau, in Svizzera, in cui era
internato da anni Adolf Wölfli, uno straordinario
artista che, grazie allo psichiatra Walter Morgenthaler che gli fornì il materiale ed uno spazio in
cui lavorare, poté esprimere la sua esuberante
creatività attraverso svariate forme artistiche2.
Nel 1921 Morgenthaler pubblicò una monografia dal titolo Ein Geisteskranker als Künstler
(Un malato mentale come artista) dedicata all’opera di Adolf Wölfli, un testo innovativo
che, insieme al libro di Hans Prinzhorn, Bildnerei
der Geisteskranken (L’attività plastica dei malati mentali) del 1922, diventò un punto di riferimento per le successive ricerche.
Le opere di Wölfli, così come la collezione che
Hans Prinzhorn realizzò presso la clinica psichiatrica di Heidelberg, basando il suo criterio di
scelta ed i suoi studi sulla ricerca dell’arte autentica, attirarono l’attenzione delle avanguardie artistiche, soprattutto dei Surrealisti e del
loro vate André Breton.
L’interesse dai Surrealisti, che come noto applicarono la loro ricerca sia alle arti figurative,
sia al cinema e soprattutto alla poesia, era ri-
The interest, the study and conservation of works born
of imprisonment and social exclusion have begun to
develop in different, separate realities in the period
between the late nineteenth and early twentieth century, when the time was ripe to probe the universes
that lurk outside what is observable. It is indeed in this
period that a special interest rises in the creative productions of the mentally ill, retained and analyzed
with the aim of tracing signs of the author's disease in
his or her works. These were the first and still hesitant
steps, taken above all suspicion, but already on the
road that would lead to the discovery of an unusual,
neglected art, created outside the official circuits.
In particular, in 1920s, formidable works were discovered inside psychiatric hospitals. This is for example
the case of the hospital in Waldau, Switzerland, where
Adolf Wölfli was interned for years; he was an extra-
ordinary artist who, thanks to psychiatrist Walter Morgenthaler who provided him with the material and a
space to work in, was able to express his exuberant
creativity through various forms of art2.
In 1921 Morgenthaler published a monograph entitled Ein Geisteskranker als Kϋnstler (A Psychiatric Patient as Artist) dedicated to the work of Adolf Wölfli,
an innovative text which, together with the book by
Hans Prinzhorn Bildnerei der Geisteskranken (Artistry of
the Mentally Ill) in 1922, became a reference point for
subsequent research.
Wölfli's works as well as the collection Hans Prinzhorn
realized at the psychiatric clinic of Heidelberg, basing
his selection criterion and his studies on searching for
authentic art, attracted the attention of the artistic
avant-garde, especially the Surrealists and their "prophet" André Breton.
27
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volto agli aspetti insondabili della psiche. Erano
dunque affascinati dalle recenti teorie psicoanalitiche di Freud e si interessavano a quelle
produzioni artistiche che uscivano dalla norma,
studiavano le opere di autodidatti e soprattutto
i lavori prodotti da folli o da visionari. Per loro
erano infatti la spontaneità, il desiderio, l’innocenza dei primitivi e l’irrazionalità dei folli le
espressioni di un vivere più autentico. L’arbitrarietà dell’immaginario diventa per loro la forza
centrale della mente capace di realizzare la
libertà dell’individuo e dunque di giustificare la
sua ragione di vivere. Sarà infatti proprio un artista, Jean Dubuffet, che nel 1923 inizierà una
grande raccolta di opere prodotte da chi viveva nel più completo isolamento culturale e
sociale, dai folli ma anche dai carcerati o dagli
eremiti. In linea con la corrente surrealista, a
Dubuffet non interessava l’aspetto patologico,
ma soltanto l’espressione creativa semplice ed
incondizionata che doveva rispecchiare quel
carattere di infantilismo vicino ai disegni dei
bambini. Nel 1947 fu fondata la Compagnie
de l’Art Brut ma fu soprattutto dopo l’inaugurazione della Collection de l’Art Brut di Losanna
(fig. 1), unita alle grandi collezioni di medici e
studiosi di fine Ottocento, che dal 1976 fu creato un importante punto di riferimento istituzionale che diede il via ad un acceso dibattito nel
mondo dell’arte internazionale.
Tuttavia, al di là delle categorizzazioni e a parte
i numerosi casi noti, sappiamo che la maggior
parte delle opere prodotte per anni dai malati
mentali o dagli emarginati non sono mai state
conservate anzi, sono scomparse perché segnate dallo stigma della malattia e dallo scar-
so interesse dettato spesso dal pregiudizio e
dalla sua stretta alleata che è l’ignoranza.
Nel tempo, dall’osservazione, dallo studio o dalla semplice curiosità culturale si è passati lentamente all’ipotesi di inserire l’arte nei percorsi di
riabilitazione. Era la Vienna degli anni Settanta
del Novecento quando lo psichiatra Leo Navratil iniziò ad interessarsi, oltre che al valore artistico anche e soprattutto al valore terapeutico
dell’espressione creativa degli ospiti dell’ospedale psichiatrico di Gugging. Molto attento alle
attitudini dei malati e praticando un metodo
d’incoraggiamento discreto, Navratil non solo
vide sbocciare grandi artisti, ma ebbe l’idea di
aprire, nel 1981 all’interno del suo ospedale, un
padiglione autonomo a loro riservato, che diventerà nel 1986 la celebre Haus der Künstler
(fig. 2), una residenza che offre a una quindicina di malati, scrittori e pittori, la possibilità di
vivere e creare senza forzature in una cornice
interamente decorata da loro stessi.3
In Italia, la svolta decisiva è avvenuta in seguito
alla riforma antipsichiatrica di Franco Basaglia
nota come legge 180 del 1978: fu in quel periodo che iniziò l’attività di un gran numero di laboratori italiani. L’arte,
nelle sue
svariate
forme, entrò nei luoghi di cura
con
lo
scopo di
far emer2. Haus der Künstler, Gugging
gere non
solo la creatività che si celava dietro la follia ma
anche per far uscire i pazienti dai luoghi di reclusione; doveva essere quindi un modo per incontrare la società esterna alla malattia e al disagio.
Sempre più strutture manicomiali vennero chiuse e sempre più atelier espressivi vennero fondati all’interno di quelle che rimanevano attive
o presso le strutture riabilitative, talvolta condotti
da figure con un loro curriculum artistico come
successe con la conduzione dell’artista Germano Sartelli presso il laboratorio dell’Ospedale Psichiatrico di Imola, in provincia di Bologna. Gli
esempi di esperienze analoghe sono numerose
e saranno documentate in mostra da una sezione speciale dedicata ai conduttori degli atelier
ospiti del progetto “Irregular talents”4 anche con
lo scopo di identificare affinità e contaminazioni
reciproche. Tuttavia, se è vero che un artista outsider difficilmente viene influenzato nello stile di
lavoro è anche vero che il conduttore dell’atelier
può fornire gli strumenti e le alternative necessarie per far sì che il frequentatore possa esprimersi
nel modo a lui più congeniale. Inoltre, nel tempo sono andati delineandosi i numerosi benefici derivanti dal lavoro in atelier protetti. Infatti,
all’interno di queste realtà, viene offerta ai frequentatori la possibilità di esprimersi attraverso
un linguaggio per alcuni congeniale e finanche
necessario, in un clima favorevole, capace di
permettere interazioni con la realtà esterna alla
malattia e al disagio. Inoltre, se tra i numerosi
frequentatori dei laboratori si distinguono personalità notevoli dal punto di vista artistico, l’atelier
diventa anche la struttura che facilita e promuove le loro opere e che in tal modo dà loro la
possibilità di farsi conoscere ed apprezzare definendo così una nuova identità che, trascendendo lo stigma sociale, conferisce una diversa
e talvolta gratificante consapevolezza. Tuttavia,
sia se aiutati o contrastati, se ospitati e valorizzati
oppure emarginati, coloro che sono oggi noti
come artisti irregolari, rimangono, nonostante
tutto, attivi cercatori di immagini dell’esistenza,
che scoprono nell’arte la loro fonte espressiva
privilegiata e talvolta, se si trovano in mancanza
di materiale e di attenzione, si dilettano in prodigiose imprese per dare forma alla frenesia e
all’urgenza che li tormenta.
The interest by the Surrealists, who of course applied
their research to the visual arts, film and especially
poetry, addressed the unfathomable aspects of the
psyche. Therefore, they were fascinated by the recent
psychoanalytic theories of Freud and interested in artistic productions out of the norm; they studied the works of self-taught artists, especially the work produced
by madmen or visionaries. Indeed, they considered
spontaneity, desire, the innocence of primitives and
the irrationality of madmen as expressions of a more
authentic experience. The arbitrariness of the imaginary becomes for them the central force of the mind,
capable of granting freedom to individuals and thereby justify their reason for living.It would indeed be an
artist, Jean Dubuffet, to begin in 1923 the collection of
works produced by those who lived in complete cultural and social isolation: the mentally ill, but also inma-
tes or hermits. In line with the surrealist current, Dubuffet was not interested in the pathological aspect, but
only in the simple and unconditional creative expression that had to reflect the character of childishness
close to children's drawings. In 1947 he founded the
Compagnie de l'Art Brut, but it was especially after the
inauguration of the Collection de l'Art Brut in Lausanne
(Fig. 1), together with the large collections of doctors
and scholars of the late nineteenth century, that in
1976 came into being an important institutional point
of reference which gave way to a heated debate in
the international art scene.
However, beyond categorizations and apart from the
many known cases, we know that most of the works
produced by the mentally ill or the marginalized over
years and years were never preserved; on the contrary, they have disappeared since they were marked by
the stigma of illness, and the lack of interest in them
was often dictated by prejudice and its closest ally,
ignorance.
In time, from observation, study or simple cultural curiosity, the hypothesis slowly emerged to integrate art
in the path to rehabilitation. In Vienna, in the 1970s,
psychiatrist Leo Navratil became interested not only in
the artistic value, but also and and above all to the therapeutic value of creative expression of the residents
of Gugging's psychiatric hospital. Very attentive to the
attitudes of patients and practicing a discreet method
of encouragement, Navratil not only saw great artists
bloom, but also had the idea, in 1981, to open an independent wing within the hospital reserved for them,
which in 1986 would become the famous Haus der
Künstler (Fig. 2), a residence that offered to fifteen or
so mentally ill writers and painters the opportunity to
live and create without being forced in any way, in an
environment of their own décor.3
In Italy, the turning point occurred after antipsychiatric reform by Franco Basaglia, known as Act mo. 180
of 1978: it was at this time that the activity of a large
number of Italian workshops began. Art, in its various
forms, entered the care centers with the aim not only
to bring out the creativity behind the illness but also to
release patients from places of imprisonment; it had
therefore to be a way to meet society, away from illness and difficulty. More and more mental hospitals
were being closed and more and more art ateliers
were established within those which remained active or within rehabilitation facilities, sometimes led
by figures with their own art curriculum, such as artist
Germano Sartelli running the workshop within Imola
psychiatric hospital, near Bologna. The examples of
similar experiences are numerous and will be documented in the exhibition by a special section devoted
to the directors of the atelier hosted by the "Irregular
Talents" project,4 also with an aim to identify similarities
and cross-contamination. However, even though an
outsider artist is hardly influenced in his style, it is also
true that the director of the atelier can provide the
necessary tools and alternatives to ensure that the residents can express themselves in the way they prefers.
In addition, over time, the many benefits of working in
a protected atelier have become more and more
evident. In fact, within these realities, residents are offered the opportunity to express themselves through
a language that some of them find congenial and
even necessary, in a favorable climate, capable of
allowing illness and difficulty to somehow interact
with the outside world. Moreover, if on the one hand
among the many attendees of the workshops there
are distinguished personalities with an artistic significance, the workshop also becomes the structure that
facilitates and promotes their work and thereby gives
them the opportunity to be known and appreciated,
thus defining a new identity that transcends the social
stigma and gives them a different, and sometimes rewarding, self-awareness.
However, whether aided or thwarted, whether hosted
and valorized or marginalized, those who are now
known as irregular artists remain, in spite of everything,
active seekers of the images of existence, who find in
art their privileged source of expression; and sometimes, if they are in lack of material and attention, they
do prodigious things to give a shape to the frenzy and
the urge that torments them.
1. Una sala della Collection de l’Art Brut di Losanna
Collection de l'Art Brut in Lausanne
/ A room of the
Architetture immaginative – Intrecci della ragione
Doveva essere lì da tempo, nel profondo del
pensiero di Egidio Cuniberti, quel progetto o
29
quella progettualità che esplose un giorno del
1971, quando, rimasto solo, iniziò a dedicare il
suo tempo alla ricerca e alla costruzione. Raccoglieva cassette della frutta, stecchini del gelato, cucchiaini di plastica, tutti materiali di scarto di cui non rimaneva nulla se non la forma e
la memoria. E tutte queste minuscole memorie
venivano assemblate con pazienza da Cuniberti che, pezzo dopo pezzo ricostruiva un insieme,
insieme alla sua nuova vita fatta di poche relazioni sociali e tanti ricordi da registrare e conservare in una nuova forma: il mobile, l’oggetto ritrovato di un passato che torna presente in ogni
piccolo gesto, che unisce la narrazione artistica
alla funzionalità, alla costruzione di fantastiche
torri o castelli in miniatura.
Cuniberti è quindi parte di quel mondo di costruttori di babeliche creazioni che toccano il
cuore dell’immaginazione, i suoi mobili sono
come piccoli “Palais Idéal” dove il pensiero del
mito prende forma attraverso un lavoro paziente
e minuzioso, si sviluppa riga per riga come un
30
Imaginative Architectures - Weaving Reason Together
It had to be there for some time, deep within the mind
of Egidio Cuniberti, that project or concept that exploded, on a day in 1971, when, all alone, he began to
devote his time to research and construction. He gathered fruit crates, popsicle sticks, plastic spoons, all
waste materials of which nothing remained but shape
and memory. And all these tiny memories were patiently assembled by Cuniberti who, piece by piece,
reconstructed a whole, along with his new life made
of a few social relations and many memories to record and store in a new form. The cabinet, the object
found from a past that returns in every small gesture,
to be reconstituted into a complex dignity combining
artistic narration with functionality, with the building of
fantastic towers or miniature castles.
traverso le spesse linee che, girando intorno alla
forma, ne sottolineano i contorni e i confini.
Il lavoro di Gianluca Pirrotta è costruzione e insieme anche tessitura. E’ una costruzione che
attraverso l’intrecciarsi ripetuto delle linee sottolinea lo spazio bidimensionale del foglio. L’effetto
è quello di un racconto in cui il reticolo di linee
serve da riferimento, dà le coordinate spaziali, e
talvolta delinea la misura. Non permette quindi
all’emotività di esprimersi attraverso la libertà dei
colori e delle forme senza una regola.
La tessitura grafica di Gianluca è anche e soprattutto rivestimento. Se nel lavoro di Cuniberti
i listelli, gli stecchi e i cucchiaini di plastica dei
gelati posati di profilo creano intorno al mobile una superficie ricca di figure e decorazioni
sempre diverse, le griglie disegnate da Gianluca definiscono racconti differenti che, arricchiti
col colore ed anche con l’irregolarità del tratto,
acquisiscono una metrica ogni volta originale.
Un esempio peculiare del suo lavoro è il rivestimento realizzato intorno al telaio dell’auto. Le
linee seguono la sagoma tondeggiante fino a
diventare curve che si susseguono in un ondeggiare di tratti. Non mancano gli addensamenti,
i rifacimenti, i pieni e i vuoti di colore in un’opera
che arricchisce la copertura con un fitto tessuto. La regola dettata dall’intrecciarsi dei segni di
Pirrotta non è altrettanto presente nel lavoro di Andrea Obwaller che, pur configurandosi come un
tessuto grafico, evoca maggiormente la forma
del ricamo dove alcuni fili restano sospesi mentre
altri si incrociano e attraversano, diventano curva
e forma e talvolta scrittura in un complesso che,
a differenza dell’attenta e riflessiva azione del ricamo tradizionale, evoca frenesia, urgenza, fretta di
visualizzare un’immagine, una composizione che
è già lì, nel pensiero, e che spinge per diventare
forma. Se è il segno a diventare filo nei fitti ricami di Obwaller succede il contrario nelle galassie
dipinte da Ewa Swiokla: nel suo caso, infatti è il
filo che va ad unire le forme astrali in personali
costellazioni. E’ un elemento che, dalla base di
acrilico dipinto su carta, si stacca nel materiale e
nella consistenza, è come un corpo estraneo che
si posa sul foglio ma se ne può anche distaccare
o cambiare traiettoria. Come lo sguardo che fissandosi sugli oggetti li unisce secondo logiche immaginative e sempre esposte al cambiamento.
testo poetico (figg. 3 e 4). Come stanze della
memoria, i mobili sono contenitori e custodi,
composti da piccoli scomparti come scrigni segreti. La loro è una funzionalità al servizio di un
ordine intimo, interiore. Un archivio dei pensieri
dove nel piccolo cassetto più nascosto trovano
riparo i segreti più inesprimibili.
Il pensiero che si sviluppa nei passi della composizione scorre nella lentezza dei gesti, come
il lento procedere del ricamo e della tessitura
dove l’urgenza è frenata dal gesto che fa emergere lentamente una forma, esito di riflessioni
indefinibili. Così, negli arazzi tessuti da Tarcisio
Merati, il filo traccia le forme disegnando una
composizione che trascende il racconto in
un’immagine fissata ben stretta, intrecciata e
annodata.
Il lavoro di Merati è costruzione di colore e forme,
forme tondeggianti soprattutto, morbide, vitali,
come vitale era per lui la pittura. Di umili origini,
ha voluto interpretare l’ideale che avrebbe desiderato essere e che riusciva a esprimere solo
all’interno dell’ospedale psichiatrico. Attore dei
suoi stessi desideri, si esprime attraverso cartografie immaginative vicine ad un processo di espressione automatica. Qualunque sia il tema del dipinto (lettere, macchinette, aeroplani, ecc..) si
ripete l’idea di uno spazio che va governato at-
Cuniberti is part of that world of poets who build new
Babel towers that reach the heart of the imagination:
each furniture piece is like a little "Palais Idéal", where the thought of myth takes shape through patient
and meticulous work, developing line by line like a
poem (Figures 3 and 4).
New constructions, therefore new life and a new
image of a person of modest origins who rediscovers
himself surrounded by furniture worthy of a noble family, coming from poor material and abandoned to
reach a new social standing. The works of Cuniberti
are like the diary of an existence, an autobiographical account. In fact, like memory rooms, furniture
are containers and custodians, composed of small
compartments like secrets caskets. Their function is in
the service of an intimate, inner order. An archive of
thoughts where the smallest, hidden drawer shelters
the most inexpressible secrets.
The thought that develops during composition flows
in slow gestures, such as the slow process of embroidery and weaving where urgency is dampened by
gesture, slowly bringing out a form, a result of undefined reflections. So, in the tapestries woven by
Tarcisio Merati, the thread traces shapes drawing a
composition that transcends the story in a well set,
twisted, and knotted image.
The work of Merati is the building of color and shapes, especially rounded shapes, soft, vital, as vital as
painting was for him. Of humble origins, he wanted
to interpret the ideal self he always wanted to be and
that could express only within the psychiatric hospital.
Acting out his own desires, expressed through imaginative maps close to a process of automatic expression. Whatever the theme of the painting (letters,
machines, airplanes, etc.), we have the repetition of
an idea of ​​a space that must be governed by the
thick lines circling the form and underlining its contours and boundaries.The work of Gianluca Pirrotta is
building and weaving also. It's building through the
interweaving of repeated lines, emphasizing the twodimensional space of the paper. The effect is that
of a story where the grid of lines serves as a frame
of reference, giving spatial coordinates, and sometimes outlining measurements. Therefore, it does not
allow emotion to express itself through the freedom
of colors and shapes, not without a rule. Gianluca's
graphics weaving is also, and above all, surface. As
in the work of Cuniberti the strips, sticks, and plastic
ice cream spoons placed sideways create, around
the furniture, a surface rich in ever different figures
and decorations, so the grids drawn by Gianluca de-
fine different narratives that, enriched with color and
also with the irregularity of strokes, acquire an ever
original metric. A peculiar example of his work is the
shell he made around a car chassis. The lines follow
the rounded outline, becoming curves that follow
one another in a waving of strokes that sometimes
converges to a point and then shoot away as long
rays, interrupted by other lines that break their trajectory. There is no shortage of thickets, retracings,
full and empty spaces of color in a work in progress
that enriches the exterior with a thick texture made of
warp and weft that better defines the shape, exalting
it and preserving it in a casing thick with colors and
strokes.
The rule imposed by Pirrotta's intertwined strokes
of is not as present in the work of Andrea Obwaller
which, though taking shape as a graphic fabric,
evokes more closely embroidery, where some threads remain suspended while others cross over and
interweave each other, becoming curves, shapes
and sometimes writing in a complex assembly that,
unlike the careful and thoughtful action of embroidery, evokes a frenzy, an urge to display an image,
a composition that is already there, in his thoughts,
pushing out to take shape. If the sign becomes thread in Obwaller's thick embroideries, the opposite
happens in the galaxies painted by Ewa Swiokla:
here it is the thread that joins the astral shapes in private constellations. It is an item that, from the layer of
acrylic on paper, stands out by material and texture,
like a foreign body that rests on the sheet but it may
detach from it or take a new trajectory. Like eyes
fixating on objects, joining them together according
to an imaginative, ever-changing logic.
3. Palais Idéal di Ferdinad Cheval (Particolare / Detail) 4. Un mobile di Egidio Cuniberti / A piece of furniture by Egidio Cuniberti
La Parola
Federico Saracini, nobile d’origine e laureato in
legge, persona eccentrica ed ambiziosa, quando la salute lo costringe alla degenza presso
l’ospedale psichiatrico San Lazzaro di Reggio
Emilia, inizia a dedicarsi alla realizzazione di straordinarie opere. Il suo scopo non è legato alla
sperimentazione artistica, bensì le tavole che
riempie con scritte e disegni hanno principalmente una funzione didattica. Infatti, venivano
utilizzate dall’autore in occasione di conferenze
che lui stesso teneva per i ricoverati. I temi erano
spesso scabrosi oppure a contenuto religioso e
moraleggiante. Saracini interpretava il ruolo di
predicatore diffondendo una dottrina ricevuta in
insegnamento direttamente da Dio, passando
31
dalla voce alla Parola, quindi, minuziosamente
scritta a inchiostro sulle sue tavole didattiche. È
una scrittura dai toni solenni, con le lettere che
galleggiano in varie grandezze e spessori, che
sottolineano i toni di voce, gravi e pomposi oppure pacati e ammonitori. La scrittura è talvolta
contenuta nelle forme di cerchi o nelle fattezze
di un angelo oppure scorre nel cielo o cammina intorno ai bordi del foglio. Perciò è come se
la grafia stessa acquisisse un suono. Lo sfondo
delle parole sono immagini di luoghi, a metà
5. Particolare dell’opera Ardite Tesi di /
Detail of the work Ardite Tesi by Federico Saracini
6. Mappa dei pirati del 1669 / Pirates'
map, 1669
32
The Word
Federico Saracini, of aristocratic origins and with a
degree in law, eccentric and ambitious person, began to devote himself to the realization of extraordinary works when his health forced him to stay at the
San Lazzaro psychiatric hospital of Reggio Emilia. His
purpose is not related to artistic experimentation: the
panels he fills with writings and drawings have a primarily didactic function. In fact, they were used by the
author at conferences which he held for the inmates.
Themes were often gory, or religious and moralizing
in nature. Saracini played the role of the preacher,
spreading a doctrine received directly from God as a
divine teaching. From the voice of the Word, therefore, carefully written in ink on his teaching-aid panels. A
Writing in solemn tones, with letters floating in various
sizes and thicknesses, which still emphasize his tone
tra la cartolina e la cartina geografica o la mappa di un tesoro raggiungibile solo attraverso una
vita nella grazia di Dio (figg. 5 e 6).
La funzione dell’arte, per Saracini, è quindi necessità comunicativa, supporto e strumento,
finanche formula per spiegare a se stesso, oltre che agli altri, il valore e il senso dell’esistenza
umana.
Volti e Facciate
Cesare Paltrinieri disegna volti, inevitabilmente e
ripetutamente. Lo stesso tema viene indagato da
Paul Duhem che, foglio dopo foglio, ritrae personaggi a mezzo busto. Entrambi utilizzano il colore
per sottolineare la forma e talvolta per ammorbidirla o nasconderla. Tuttavia, se per Cesare è
importante la somiglianza, per Duhem è la ripetizione a costituire la caratteristica principale, infatti
è solo in qualche minimo particolare e soprattutto nel colore che si insinua quella differenza che
rende unica ogni realizzazione. Nato nel 1919,
operaio e contadino per quasi tutta la vita, Paul
of voice, at times serious and pompous, other times
calm and admonishing. The writing is sometimes contained in circular shapes, in the features of an angel,
scrolling through the sky or running around the edges
of the paper. Therefore, it is as if the handwriting itself acquired a sound. The backgrounds of the words
are images of places, halfway between postcards
and charts, like a map to a treasure accessible only
through a life lived in God's grace (Fig. 5 and 6). The
function of art, for Saracini, is therefore the need to
communicate, a support and tool, even a formula to
explain, to himself as well as to others, the value and
meaning of human existence.
Faces and Facades
Cesare Paltrinieri draws faces, inevitably and repeatedly. The same theme is explored by Paul Duhem
Duhem inizia a disegnare a settant’anni nell’atelier di Bruno Gérard presso il centro La Pommeraie di Ellignies-Sainte-Anne (Belgio), portandosi, in
un primo momento il materiale da casa. Vissuto
tra le guerre e la povertà, anche il suo metodo
rispecchia una particolare economia del risparmio a iniziare dagli strumenti di lavoro, come
carta di recupero o fogli dell’atelier tagliati da lui
stesso e scatole di sardine riutilizzate come palette per i colori ad olio. Anche il processo creativo
è condizionato da questa sua particolare visione
del mondo, infatti quando sceglie un colore lo utilizza fino alla fine del tubetto creando così serie di
opere accomunabili. Per Duhem, ormai anziano,
i ricordi si traducono in volti che per l’essenzialità
dei tratti mostrano poche e delicate differenze.
Che sia la stessa persona o la stessa maschera ad essere riprodotta non ha importanza, è in
questa parata multicolore che viene sintetizzato
un pensiero nei termini emotivi del colore. Sulla
parte alta del foglio compare invece un rimando alla ragione, una geometria citata attraver-
so pochi simboli che si ripetono: il triangolo e la
semicirconferenza, rigorosamente privi di colore,
come buchi o pause di riflessione logica in un
carosello di sentimenti. Un'altra pausa è costituita
dal rettangolo in alto a sinistra, sopra ogni opera,
dove compare il nome, scritto con aggraziata
eleganza: “Duhem Paul”.
Nei ritratti di Cesare Paltrinieri, invece, si succedono volti ricchi di particolari e di accessori. Paltrinieri non esita ad arricchire l’opera per renderla
il più possibile somigliante al modello che ha in
mente, per immortalarlo in un istante statico.
Cesare non fa economia di particolari neanche
quando al posto dei volti ritrae le facciate di case
e palazzi, tutti allineati, accostati o sovrapposti.
Duhem invece, rimanendo coerente allo stile essenziale che lo caratterizza, realizza case riconoscibili da poche e ripetute caratteristiche (figg.7).
Le case di Duhem, come quelle di Cesare, sono
ritratte di fronte, vere e proprie facciate, talvolta
facce loro stesse, solide, ferme, dense di colore,
sintesi di uno spazio di vita e di interiorità.
who, page after page, depicts characters from the
waist up. Both use color to emphasize shapes and,
sometimes, to soften it or hide it. However, if for Cesare similarity is important, for Duhem repetition is the
primary feature: it is only in some small detail, and
especially in color, that the difference that makes
each unique creation creeps in. Born in 1919, a laborer and peasants for most of his life, Paul Duhem
started drawing at the age of seventy in the workshop
of Bruno Gérard at La Pommeraie, in Ellignies-Sainte-Anne (Belgium), at first bringing his materials from
home. After a life between wars and poverty, even his
method reflects a particular emphasis on economy
and savings. starting from working tools such as waste
paper or sheets of paper from the workshop which he
cuts up himself, and sardine cans reused as a palettes
for oil paints. His creative process is conditioned by his
particular view of the world: when choosing a color,
he uses it until the tube runs empty, creating series of
similar works. For Duhem, now a senior, memories
translate into faces with essential traits and few, delicate differences between them. It does not matter
whether the same person or the same mask is reproduced; it is in this multicolored parade which his thought is summarized in terms of emotional color. On top
of the sheet there is instead a recalling of reason, a
geometry referenced to by a few repeated symbols:
the triangle and the semicircle, strictly devoid of color,
like holes or pauses for logical reflection in a carousel
of feelings. Another pause is the rectangle in the up-
per left corner, above each work, where he writes
his name with graceful elegance: "Duhem Paul".
In the portraits of Cesare Paltrinieri, however, we
have a string of faces full of details and accessories.
NOTE:
7. Volti e facciate di Paul Duhem e di Cesare Paltrinieri a confronto /
Faces and facades by Paul Duhem and Cesare Paltrinieri compared
Paltrinieri does not hesitate to enrich his work and
make it as similar as possible to the model he has in
mind, to immortalize it in a crystallized instant.
Cesare does not restrain himself with details, even
when instead of faces he depicts the facades of
houses and buildings, all aligned, juxtaposed or superimposed. Duhem, instead, keeping consistent
with his signature essential style, depicts houses that
are recognizable by a few repeated characteristics (Figures 7). The houses of Duhem, like those of
Cesare, are portrayed from the front side, as actual
facades, sometimes faces themselves, solid, firm,
dense with color, synthesis of a place of outer and
inner life.
1. Il termine Art Brut fu coniato da Jean Dubuffet che nei primi
decenni del Novecento iniziò a ricercare e collezionare opere
prodotte da persone che vivevano nel totale isolamento culturale e sociale. Negli anni Settanta Roger Cardinal, storico dell’arte
e critico inglese, ribattezza la stessa arte col nome di Outsider
Art, termine che allarga ed include una più vasta tipologia di stili.
Infine, la storica dell’arte Bianca Tosatti introduce alla fine degli
anni Novanta una nuova terminologia che allarga i confini delle
precedenti classificazioni: Arte Irregolare.
2. In trenta anni di attività, Wölfli realizzò 1300 disegni e diversi
quaderni di scritti oltre ad una biografia gigantesca di ben 25.000
pagine intitolata La leggenda di San Adolfo. Attualmente le opere di Wölfli sono conservate per la maggior parte al museo des
Beaux-Arts di Berna e la sua figura è oggi curata dalla Fondazione
Adolf Wölfli.
3. Trascorsi vent’anni dal ritiro di Navratil è stata raggiunta un’altra
pietra miliare: la creazione l’Art Brut Center, con un museo dedicato agli artisti di Gugging che include i loro lavori più importanti.
Nel 1997 è stata fondata la Galleria degli artisti di Gugging e
nove anni dopo, nell’estate del 2006, è stato ufficialmente aperto
il museo della Fondazione degli Artisti di Gugging attualmente
diretto dal successore di Navratil, lo psichiatra Johann Feilacher.
4. Saranno presenti in mostra le opere dei conduttori del laboratorio polacco Pracownia Rozwijania Twórczošci Osób
Niepełnosprawnych: Mieczyslaw saar, Marta Rosenthal e Alicjia
Saar. I conduttori degli atelier austriaci aderenti al progetto presentano il loro lavoro in opere realizzate a “tre mani” da Peter
Bischof, Peter Assmann, Helena Maria Christina Möstl.
NOTES:
1. The term Art Brut was coined by Jean Dubuffet, who in the early
decades of the twentieth century began to research and collect works
produced by people who lived in total cultural and social isolation. In the
1970s, Roger Cardinal, English art historian and critic, dubbed the same
art under as Outsider Art, a wider term that includes a broader array of
styles. Finally, art historian Bianca Tosatti introduced at the end of the
1990s a new name that broadens the scope of previous classifications:
"Arte Irregolare".
2. In thirty years of activity, Wölfli realized 1300 drawings and several notebooks of writings as well as a massive biography of 25,000 pages titled
"The Legend of Saint Adolf". Currently, the works of Wölfli are mostly kept at
the Museum of Fine Arts in Bern and his image is protected and managed
by the Adolf Wölfli Foundation.
3. After twenty years from Navratil's retirement, another milestone was
reached: the creation of the Art Brut Center, with a museum dedicated to
the Gugging artists and featuring their most important works. In 1997 was
Gugging Artists Gallery was established; nine years later, in the summer of
2006, the museum of the Foundation of the Artists of Gugging was officially opened, currently directed by the successor of Navratil, psychiatrist
Johann Feilacher.
4. The exhibition will feature the works of the directors of Polish workshop
Pracownia Rozwijania Twórczości osób Niepełnosprawnych: Mieczyslaw
saar, Martha Rosenthal, and Alicjia Saar. The directors of the Austrian
atelier involved in the project will exhibit their own "threefold" works by Peter
Bischof, Peter Assmann, and Helena Maria Christina Möstl
33
Irregular Talents. Dal punto di vista dell’outsider art
Irregular Talents. From the viewpoint of outsider art
di/by Sara Ugolini
34
Rispetto alle edizioni precedenti della mostra
promossa dalla Cooperativa Nazareno, Irregular Talents introduce un elemento di novità.
Non è quest’anno un tema specifico (la protezione, la memoria, gli eroi …) a fare da traitd’union tra i lavori scelti, bensì un certo tratto
di “irregolarità” che caratterizzerebbe alcune
manifestazioni del talento creativo.
Ad una branca di specialisti e critici, un titolo
di questo tipo offre una chiara indicazione: l’evento sarà verosimilmente incentrato sull’outsider art.
L’idea di una mostra che arruola esclusivamente talenti irregolari va del resto in una direzione
molto frequentata ma non è l’unica opzione
nel panorama espositivo attuale. Le collettive
dedicate ad autori outsider, chiamati spesso
all’appello in virtù della comune provenienza
geografica, sono la norma, ma gli irregolari
penetrano talvolta anche il mondo dell’arte ufficiale.
La mostra Il Piedistallo vuoto. Fantasmi dall’Est
Europa, allestita nel 2014 presso il Museo Civico Archeologico di Bologna, per esempio ha
ospitato il fotografo Miroslav Tichý accanto ad
artisti professionisti senza avvertire l’esigenza di
evidenziare il background e le peculiari circostanze di creazione dell’autore cecoslovacco.
Un’impostazione di questo tipo dovrebbe essere particolarmente gradita alle figure che si dimostrano più critiche verso il circuito outsider e
l’esistenza stessa di una specifica tassonomia,
come Alessandro Dal Lago e Serena Giordano1. Ma nel caso di Il Piedistallo vuoto si ha a
che fare con un outsider riconosciuto, come
del resto già consacrata nell’universo dell’out-
sider art era la figura di Aloïse, quando, nel
2008, i suoi disegni vennero esposti all’interno
di un evento decisamente mainstream: L’arte
delle donne a Milano, a Palazzo Reale.
Mostre come Irregular Talents riflettono invece una linea di ricerca rivolta a scandagliare
contesti e situazioni che altrimenti sfuggirebbero all’attenzione, precludendo future, anche
meno settoriali, possibilità di riconoscimento.
Del resto, se a differenza di Dal Lago e Giordano, ci sono molti che continuano a sostenere
l’esistenza di specificità del contesto outsider, e
lo fanno appellandosi a questioni che ad alcuni potranno sembrare opinabili, il dato certo è
che il coinvolgimento nell’outsider art prevede
un’attività mirata di indagine sul territorio che
senza l’apporto degli operatori di questo settore probabilmente non esisterebbe. Sono loro
Compared to previous editions of the exhibition
sponsored by Cooperativa Nazareno, Irregular Talents introduces a novel element. This year, the liaison between the selected works is not a specific
theme (protection, memory, heroes...) but a certain trait of "irregularity" that features in some manifestations of creative talent.
A title like this kind is a clear indication for a certain
branch of specialists and critics: the event will likely
be focused on outsider art.
The idea of ​​an exhibition that enlists only irregular
talent is something we now see very often, but it is
not the only option in today's exhibition scene. Collective exhibitions centered on outsider artists, often
gathered by common geographical origin, are the
norm, but the irregulars sometimes bleed into the
world of official art.
The exhibition Il Piedistallo vuoto. Fantasmi dall’Est
Europa, held in 2014 at the Museo Civico Archeologico of Bologna, for example, had works of Miroslav Tichý alongside professional artists, without
feeling the need to highlight the background and
peculiar creative circumstances of the Czechoslovakian artist.
Such an approach would be particularly welcome
to figures more critical to the outsider scene and
to the very existence of a specific taxonomy, such
as Alessandro Dal Lago and Serena Giordano1. But
the case of Il Piedistallo vuoto deals with a recognized outsider, as already recognized in the outsider art universe as was the figure of Aloïse, when,
in 2008, her drawings were featired within a very
mainstream event: L’arte delle donne in Milan's Palazzo Reale.
Exhibitions like Irregular Talents reflect instead a line
of research aimed at probing contexts and situations that would otherwise escape attention, precluding future and even less sectoral recognition
capabilities. Moreover, if many unlike Dal Lago and
Giordano continue to support the existence of specific features of the outsider scene, and they do so
it by appealing to issues that some may regard as
questionable, it is certain that the involvement in
outsider art necessitates of a targeted investigation
activity on the territory which, without the contribution of operating entities in the field, probably would
not exist. It is they who monitor the creative production made in sheltered workshops and intercept the
che monitorano la produzione creativa realizzata nei laboratori protetti e che intercettano gli
artisti instaurando un rapporto spesso elettivo o
tutelare. E sono sempre loro, avvalendosi di segnalazioni spontanee o di informazioni raccolte
attraverso specifici interventi sul campo, che si
occupano di censire le installazioni ambientali
e le costruzioni erette da infaticabili “muratori
dell’immaginario”2. Perché la ricerca attiva, in
un contesto in cui gli artisti sono spesso più inclini all’isolamento che all’autopromozione, è un
dato da cui non è possibile prescindere, che
connota la storia della valorizzazione di questo
universo creativo a partire dai viaggi “iniziatici”
di Hans Prinzhorn e Jean Dubuffet e che in parte, ovviamente, ne alimenta il fascino.
Nel cuore della mostra
Ospiti di questa edizione sono autori nuovi,
messi in dialogo con figure oramai storicizzate dell’outsider art. E ancora produzioni artistiche provenienti da atelier specializzati italiani
artists establishing a relationship often elective or
protective. And it is still they who, using spontaneous
reports or information collected through specific
interventions in the field, deal with surveying the
environmental installations and buildings erected
by tireless "masons of the imaginary"2. Since active research, in a context in which artists are often
more prone to self-isolation that self-promotion, is a
feature that cannot be neglected, that characterizes the history of valorization of this creative universe
starting from the "initiation" travels of Hans Prinzhorn
and Jean Dubuffet, and that in part, of course, increases its charm.
In the Heart of the Exhibition
This edition features new authors, dialoguing with
e stranieri. A questi ultimi Irregular Talents dà
ampio spazio, come è consuetudine nelle mostre promosse dalla Cooperativa Nazareno e in
maniera palese oggi, dal momento che questa edizione nasce da un Progetto Europeo e
vede il coinvolgimento di Polonia e Austria e
delle rispettive realtà laboratoriali. Tra gli autori
dell’atelier PRTON di Toruń, Jaroslaw Latowski e
Anita Wend, impegnati, entrambi, in personali
peregrinazioni visive che coinvolgono la storia
dell’arte in un dialogo ininterrotto. Le creature
isolate e trafitte di Latowski evocano le scene di
caccia dei graffiti rupestri, mentre Wend, con
le sue vedute panoramiche e corali, sembra
misurarsi con la pittura del Cinquecento fiammingo.
Dal laboratorio San Pius di Peuerbach emergono invece, tra gli altri, Andrea Obwaller e Anita Baier. L’elemento lineare è ciò che li accomuna pur prendendo, in ciascuno, una forma
distinta. Nel primo caso si tratta di allineare,
congiungere i segmenti e comporre una gra-
fia, quindi sovrapporre le scritture e misurarne
gli effetti cromatici; nel secondo, piuttosto, di
sperimentare in modo anarchico il tratto nelle sue infinite possibilità di curvatura, direzione
spaziale e intreccio.
Diverse, in mostra, le figure provenienti dall’atelier “Manolibera” di Carpi. Riccardo Persico
è autore di una serie di ingrandimenti, quasi dei ritratti o primi piani cinematografici, dei
personaggi che appartengono da sempre al
suo immaginario. Cesare Paltrinieri è presente
con alcune composizioni paesaggistiche, del
2008-2009, che si aggiungono agli innumerevoli visi della sua produzione visiva e ne condividono l’essenza. Pur conservando infatti uno
schema fisso dei lineamenti facciali, nei suoi
dipinti l’identità dei modelli ritratti è garantita,
così come le forme ripetute degli arbusti piramidali e dei portoni ovali non compromettono
la riconoscibilità di ciascun contesto ambientale: le architetture che si affacciano su una
piazza, un agglomerato di palazzi, gli spazi di
now historicized figures of outsider art. Moreover,
artistic productions from specialized Italian and foreign ateliers. Irregular Talents gives ample space to
the latter, as is customary in the exhibitions promoted by Cooperativa Nazareno, and particularly today, since this issue stems from a European project
and involves Poland and Austria and their workshop
experiences. Among the authors of atelier PRTON
of Toruń, Jaroslaw Latowski and Anita Wend, both
engaged in personal wanderings involving art history in an uninterrupted dialogue. Latowski's isolated
and pierced creatures evoke the hunting scenes
of cave paintings, while Wend, with her panoramic and choral views, seems to compete with 16th
century Flemish artists.
From the workshop of St. Pius in Peuerbach we
have, among others, Andrea Obwaller and Anita
Baier. The linear element is what unites them, though it takes a distinct form in each of them. In the
former, strokes are aligned and joined to compose
a handwriting, then the writings are layered upon
each other and their color effects measured; the
latter is such an anarchist experiment in combining
strokes through infinite possibilities of curvature, spatial direction and weave.
Many aree the featured exhibits from Atelier "Manolibera", Carpi. Riccardo Persico is the author of a
series of blow-ups, almost portraits or movie closeups, of characters that have always belonged to his
imagination. Cesare Paltrinieri is featured with some
landscape compositions, from 2008-2009, who
add to the countless faces of his visual production
35
36
una casa colonica…
Di Gianluca Pirrotta, Andrea Carminati, Franco
Veneri, operativi anch’essi a “Manolibera”, sono
in mostra una serie di lavori che offrono, nell’insieme, una gamma ampia di possibilità espressive: figurativo e astratto, universo meccanico
e spazio naturale. Pirrotta rivolge il suo interesse
all’oggetto-automobile attraverso un intervento
grafico su una carrozzeria vera e su supporti bidimensionali; Carminati dipinge uccelli immaginandone l’esperienza visiva di fronte all’habitat naturale e incrociandola al suo sguardo di
umano; Veneri crea mosaici di tasselli colorati
a pastello, scritte e ritagli di giornale. Ciascuno dimostra insomma un linguaggio deciso e
personale, indenne al rischio di omologazione
insito in uno spazio di lavoro condiviso.
Accanto agli atelier attivi oggi, in Irregular Talents compaiono i laboratori storici, quello del
San Lazzaro di Reggio Emilia, rappresentato
da Federico Saracini, e quello dell’Ospedale
Psichiatrico Luigi Lolli di Imola, dal quale pro-
vengono le opere dell’autore soprannominato
“Giotto”, ora conservate nel Fondo dell’istituzione Gian Franco Minguzzi di Bologna.
Negli anni trenta del secolo scorso “Giotto” avvicina il disegno iniziando a produrre, in autonomia, innumerevoli figure di Cristo in croce
che lasciano il posto, nel tempo, a più articolate raffigurazioni, sempre di tema sacro. Le
composizioni in mostra, riferibili agli anni sessanta, presentano una struttura fissa. Una tavolozza da pittore incornicia un santo in maestà,
le diciture di fantasiosi e sempre diversi ordini
religiosi si succedono, combinandosi a un repertorio inesauribile di altri elementi: fiori, calici,
pugnali, stelle, croci, ferri di cavallo, stendardi,
schiere di figure angeliche, che danno forma
a una personale araldica a sfondo religioso3.
Non mancano gli epigoni di “Giotto” nell’arte
contemporanea. Per rivendicare l’esistenza dello stato palestinese, Khaled Jarrar, per esempio,
nel 2011 inventa un francobollo recante i simboli pregnanti della sua cultura, come il pas-
sero e il fiore di gelsomino (figg.1 e 2).
Non si può parlare qui di una somiglianza tra le opere
e nemmeno di una
prossimità di tecniche adottate, perché Jarrar propone
un’unica
soluzione
originale riprodotta
1. “Giotto”, s.t., s.d. / untitled, undated
meccanicamente, mentre
l’autore del Lolli
gioca sulle innumerevoli variazioni attuabili
su uno schema
grafico di partenza. L’intento
2. K. Jarrar, francobolli del progetto State of
del lavoro di Jar
Palestine, 2011 / stamps from the project
rar è manifesto,
State of Palestine, 2011
quello di Giotto, apparentemente più ermetico, ma analogo risulta l’impulso alla reinvenzione di un genere preesistente (quello
filatelico e quello araldico), da cui vengono
estrapolati alcuni tratti caratterizzanti per formularne una versione originale.
and share their essence. Indeed, while retaining a
fixed pattern of facial features, in his paintings the
identity of each portraits is preserved, in the same
way as the repeated shapes of pyramid shrubs and
ovals gates do not compromise the recognition of
each environmental context: architectures overlooking a square, a cluster of tall buildings, the open
spaces of a farmhouse...
Gianluca Pirrotta, Andrea Carminati, Franco Veneri, also operating in "Manolibera", are featured with
a series of works that offer, on the whole, a wide
range of expressive possibilities: figurative and abstract, mechanical universes and natural spaces.
Pirrotta turns his interest to the car as an object,
through a graphic work on an actual bodywork
and on two-dimensional media; Carminati paints
birds imagining the visual experience, with the natural habitat as a background, and crossing it with
his human perception; Veneri creates mosaics of
colored pieces with crayon, writings, and newspaper clippings. In short, each shows a strong, personal language, unharmed by the inherent risk of
homologation in a shared workspace.
Alongside the atelier active today, Irregular Talents
features historical workshops, that of San Lazzaro
of Reggio Emilia, represented by Federico Saracini, and that of Ospedale Psichiatrico Luigi Lolli of
Imola, from which come the works of the author
nicknamed "Giotto", now preserved in the Fondo
dell’istituzione Gian Franco Minguzzi of Bologna.
In the 1930s, "Giotto" approaches drawing starting
to produce, independently, countless figures of
Christ on the cross that give way over time to more
complex representations, always on sacred themes. The compositions in the exhibition, from the
1960s, have a fixed structure. A painter's palette
frames a Saint in majesty, the wordings of imaginative and ever different religious orders run after
each other, combining an inexhaustible repertoire
of other elements: flowers, goblets, daggers, stars,
crosses, horseshoes, banners, crowds of angelic figures, that give shape to a personal religious heraldry3.
There are plenty epigones of "Giotto" in contemporary art. To claim the existence of a Palestinian
state, for example, Khaled Jarrar invented in 2011 a
stamp bearing the meaningful symbols of its culture, like the sparrow and the jasmine flower (Figures
1 and 2)
We cannot speak here of a similarity between the
works, nor even to similar techniques adopted, because Jarrar proposes one original solution reproduced mechanically, while the artist from the Lolli
hospital plays on countless variations on a starting
graphic scheme. The intent of the work of Jarrar is
manifest; that of Giotto, apparently more hermetic,
but the impulse is analogous to the reinvention of
a preexisting genre (philatelic and heraldic), from
which some characteristic features are extracted
to formulate a original version with.
Presenze indipendenti
Dal punto di vista ideativo, per le scelte tematiche o le soluzioni visive, gli irregolari possono
dunque rivelare forti affinità con gli artisti ufficiali. Ne sono convinti per esempio Dal Lago
e Giordano, ma a suggerirlo, in maniera più
circospetta, ci sono anche alcuni specialisti
dell’outsider art.
Il ricorso a oggetti di scarto che diventano materie prime per la creazione artistica è un buon
appiglio a questo discorso. Artisti professionisti
e irregolari si mostrano solidali in questa scelta
ma fattori quali la logica del ready-made, la
fascinazione per i materiali poveri o il credo
ambientalista possono muovere i primi, men-
Independent Presences
From an ideational perspective, for thematic choices or visual solutions, irregulars can therefore reve-
tre è soprattutto la facile reperibilità di forme
che appartengono all’orizzonte quotidiano
che sembra ispirare i secondi.
Rifiuti sono i bastoncini dei gelati e i cucchiaini di plastica che Egidio Cuniberti trasforma
in moduli strutturali per comporre forme a tre
dimensioni (angoliere, scrittoi, sculture, totem
…) in cui la ricercatezza estetica si impone sul
valore d’uso.
Il mobile è
l’oggetto ottenuto da Cuniberti alla fine
del processo,
ma può accadere anche
che le diverse
parti di altrettanti
oggetti
d’arredo
diventino il punto di partenza 3. Pablo Picasso, Testa di toro, 1942
per l’esercizio creativo. È quanto si osserva
nel caso di Luciano Buggio, il quale si serve
di pomelli, gambe, vecchi pezzi di tavoli, sedie, comò, lampadari, per plasmare un immaginario prettamente zoomorfo. Seguendo
la regola dell’intervento minimo sperimentata
anche da Picasso nella Testa di toro (fig.3),
egli assembla le diverse parti dando forma
a un bestiario popolato di uccelli, cani, leoni
che tanto paiono verosimili quanto ostentano
incongruità (un muso insolitamente liscio e arrotondato, un elemento tondeggiante fissato
al centro del capo …)
Se Buggio combina tra loro pezzi a loro volta ispirati dalla natura agli ebanisti che li hanno intagliati, rendendoli, nella loro armonica
fusione, forme viventi credibili, i soggetti di
Giovanni Bosco risultano da un’operazione di
segno opposto, un atto di smembramento a
partire da un corpo integro. Cuori, arti e frammenti anatomici costellano i suoi dipinti, suggerendo talvolta, attraverso la presenza di un
al a strong affinity with "official" artists. Dal Lago and
Giordano, for instance, strongly support such view;
but the same view is suggested, in a more cautious
way, by some outsider art specialists.
The use of discarded objects that become raw materials for artistic creation is a good grounds for this.
Professional artists and irregular artists seem aligned
in this choice, but factors such as the logic of the
readymade, the fascination for poor materials, or
environmentalist conviction can drive the former,
while it is above all the easy availability of shapes
belonging to daily life that seems to inspire the latter.
Waste, like icicle sticks and plastic spoons, in Egidio
Cuniberti becomes structural modules to compose
three-dimensional shapes (corner cupboards, de-
sks, sculptures, totems...) in which aesthetic refinement is imposed on usage value.
Cuniberti obtains a piece of furniture at the end of
the process, but it can also happen that the different parts of the same number of items of furniture
to become the starting point for creative exercise.
This is what is observed in the case of Luciano Buggio, who uses knobs, legs, old pieces of tables, chairs, dressers, lamps, to shape a purely zoomorphic
imaginarium. Following the rule of minimum intervention, as Picasso did with Bull's Head (Figure 3),
he assembles the different parts shaping a bestiary
populated by birds, dogs, lions that look as plausible as blatantly incongruous (an unusually smooth
and rounded snout, a rounded element fixed to the
center of the head...).
37
38
coltello, un intervento precedente, e violento, di riduzione in pezzi.
La produzione di Bosco innesca ulteriori rimandi e corrispondenze. Nei suoi robot corrazzati
ritroviamo i supereroi di Persico, nei suoi cefalopodi occhiuti, invece, la vis comica che
emanano
le
“macchinette
trombette” e gli
aeroplanini variopinti e zoomorfi di Tarcisio
Merati, altro old
master dell’outsider art che è
presente
nel
percorso espositivo.
Un discorso a
parte
merita
la scrittura di
Bosco.
Nomi 4. Royal Robertson, s.t., 1990.
propri, numeri, segni d’interpunzione, versioni miniaturizzate dei suoi personaggi si affastellano sulle superfici come un fregio decorativo, un tatuaggio recante gli estremi di
una biografia che non vuole essere persa di
vista. Su un altro versante si colloca l’opera
di Federico Saracini, risalente alla fine del
diciannovesimo secolo. A metà strada tra
la rappresentazione diagrammatica e il manifesto di propaganda, i suoi fogli densi di
esortazioni a carattere religioso, scanditi da
archi e ciminiere, vanno a costituire, all’interno dell’outsider art, quasi un genere che,
oltre a lui, ingloba personaggi dalle velleità
profetiche quali Benjamin Franklin Perkins e
Royal Robertson (fig. 4).
L’elemento della scrittura chiama poi in causa un altro autore in mostra: Andrea Giordani.
L’immaginario di quest’ultimo si trova a corrispondere a una visione condensata del
panorama urbano, in cui si agitano figure
dolenti, intente a urlare la loro disperazione o a cambiare pelle rivelando la propria
animalità, rettile o rapace. Le parole invece si allineano generando titoli liricamente
esplicativi oppure, come nell’opera intitolata Congiunzioni amorevoli, compongono un pensiero poetico che pare originarsi
dalla testa sognante tratteggiata al di sotto.
Come in Giordani, anche in Bosco, seppure
con maggiore discrezione, si scorge la parentela con il fumetto, e la scrittura talvolta
sembra irradiarsi dai personaggi come liberata dai limiti angusti di un baloon.
Se Giovanni Bosco è una presenza importante nel percorso suggerito da Irregular
Talents, la sua figura è significativa anche
per altri versi. La vicenda della sua scoperta, dal contributo del blog “Animula Vagula”,
al convegno di Castellamare e alle mostre
europee, fino all’apertura del Museo Temporaneo, collegato all’Associazione Giovanni Bosco, che ha prestato i lavori in mostra,
testimonia infatti, ancora una volta, l’utilità
di un ambito specifico di interesse prima e
di valorizzazione poi 4. E questa è in fondo
l’unica certezza in un contesto da sempre
attraversato da sguardi molteplici, plasmato
da metodologie e prese di posizione talvolta
divergenti.
Di fronte agli outsider, infine, ci si può sentire
naturalmente orientati, come si è visto nel
caso di “Giotto”, a cogliere prossimità di percorsi e intenzioni con gli artisti professionisti.
Allo stesso tempo alcuni teorici dell’outsider art asseriscono che la conoscenza della
storia dell’arte non sia necessaria alla comprensione di questo territorio creativo, quando non invitano in modo risoluto a fare tabula rasa di tutti i riferimenti storici ed estetici
posseduti 5.
Detto questo è al pubblico di Irregular Talents che va lasciata l’ultima parola.
If Buggio combines together pieces in turn inspired
by nature to the cabinetmakers who carved them,
making them, in their harmonious fusion, credible
living forms, the subjects of Giovanni Bosco result
from an opposite process, an act of dismemberment from a whole body. Hearts, limbs, and anatomical fragments are scattered in his paintings,
sometimes suggesting, through the presence of a
knife, a previous, violent hacking.
The production of Bosco triggers further references and correspondences. In his armored robots
we find the superheroes of Persico; in his big-eyed
cephalopods, the comic genius of the "trumpet
thingamajigs" and colorful and zoomorphic airplanes of Tarcisio Merati, another old master of the
outsider art who is featured in the exhibition.
The writing of Bosco deserves a deeper examination. Proper names, numbers, punctuation marks,
miniature versions of his characters pile up on the
surface like a decorative frieze, a tattoo bearing
the extremes of a biography that wants to remain
in sight. On a different side we have the works of
Federico Saracini, dating from the late nineteenth
century. Halfway between the diagrammatic representation and the propaganda poster, his dense sheets of religiously inspired exhortations, marked by arches and chimneys, constitute, within the
outsider art, almost a genre in itself; a genre that,
besides him, incorporates characters with prophetic pretensions like Benjamin Franklin Perkins and
Royal Robertson (Figure 4).
The element of writing reconnects to another featu-
red artist: Andrea Giordani.
The imagery of the latter corresponds to a condensed view of the urban landscape, in which mourners
are intent on screaming their despair, or shed their
skin revealing their animality of reptiles and birds of
prey. The words instead align generating lyrically
explanatory titles or, as in the work entitled Congiunzioni amorevoli, make up a poetic thought that
seems to stem from the dreaming head drawn beneath it. As in Giordani, also in Bosco we can see
the relationship with comics, albeit a more discreet
one, and the writing sometimes seems to radiate
from the characters as liberated from the narrow
limits of a baloon.
Though Giovanni Bosco is a major presence in the
path suggested by Irregular Talents, his figure is si-
gnificant in other ways. The story of his discovery,
from the contribution of the blog "Animula Vagula",
to the Castellammare conference and the European exhibitions, to the opening of the Temporary
Museum, connected to the Associazione Giovanni Bosco, who lent the works on display, testifies in
fact, once again, the usefulness of a specific area
of ​​interest first, and of valorization then4. And this is
basically the only certainty in a context always looked at with different eyes, shaped by methodologies and stances that are sometimes divergent.
Finally, faced with the outsiders, we can feel naturally oriented, as in the case of "Giotto", to perceive
paths and intentions close to those of professional
artists. At the same time, some of the outsider art
theorists argue that knowledge of art history is not
NOTE:
1. Secondo i due autori le categorizzazioni persistono, in buona
sostanza, per permettere a un certo côté di studiosi di ritagliarsi
un posto nel mare magnum dell’arte contemporanea (cfr. A.Dal
Lago-S.Giordano, Mercanti d’aura. Logiche dell’arte contemporanea, Il Mulino, Bologna 2006, pp.213-223).
2. Penso in particolare al progetto “Costruttori di babele” ideato
da Gabriele Mina. Su questo punto si veda anche C. Delle
Donne, Artisti outsider cercasi, in «Aracne. Artisti fuori», #1, 2012,
consultabile all’indirizzo http://www.aracne-rivista.it/Chiara%20DELLEDONNE%201%202012.pdf
3. Ulteriori informazioni sull’opera dell’autore sono contenute
nella scheda a mia cura, all’indirizzo http://www.risme.provincia.
bologna.it/mente-salute-mentale-percorsi/scuola-arte-roncati/
scuola-arte-roncati-giotto.html
4. Per un resoconto delle circostanze che hanno contribuito alla
valorizzazione dell’opera di Giovanni Bosco si consulti il testo di
Jean-Louis Lanoux incluso nel catalogo Giovanni Bosco il dottore
di tutto, lelivredart, Paris 2011, pp.12-13.
5. B.Safarova, Œuvres d’art brut: «machines de la mort»,
«machines à épiphanies», in De quoi parle l’art brut? Actes 1
séminaire sur l’art brut du Collège international de philosophie,
abcd, Paris 2012, p.17.
necessary to the understanding of this creative territory, when they do not outright invite to make a tabula rasa of all of one's the historical and aesthetic
references5.
This said, it is the public of Irregular Talents that
should be left the last word.
NOTES:
1. According to these two authors, categorizations persist, essentially, to allow a certain côté of scholars to carve out a place for
themselves in the vast scene of ​​contemporary art (see A.Dal Lago-S.
Giordano, Mercanti d’aura. Logiche dell’arte contemporanea, Il
Mulino, Bologna 2006, pages 213-223
2. I'm referring in particular to the project "Costruttori di babele"
conceived by Gabriel Mina. On this point, see also C. Delle Donne,
Artisti outsider cercasi in «Aracne. Artisti fuori», #1, 2012, available at
http://www.aracne-rivista.it/Chiara%20DELLEDONNE%201%202012.pdf
3. More information on the work of the author are in my dossier
about the author (in Italian) at http://www.risme.provincia.bologna.
it/mente-salute-mentale-percorsi/scuola-arte-roncati/scuola-arteroncati-giotto.html
4. For an account of the circumstances that have contributed to
the valorization of the work of Giovanni Bosco, please refer to the
contribution by Jean-Louis Lanoux included in the catalog Giovanni
Bosco il dottore di tutto, lelivredart, Paris 2011, pag. 12-13.
5. B.Safarova, Œuvres d’art brut: «machines de la mort», «machines à épiphanies», in De quoi parle l’art brut? Actes 1 séminaire sur
l’art brut du Collège international de philosophie, abcd, Paris 2012,
p.17.
39
Opere
Works
CESAREPaltrinieri
Senza titolo / Untitled
2008, matita e gessetti su carta / pencil and chalks on paper
25x25 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
Biblioteca dietro al castello / Library behind the castle
2008, gessetti su carta / chalks on paper
68x48 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
42
Senza titolo / Untitled
2009, gessetti su carta / chalks on paper
25x25 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
Senza titolo / Untitled
2009, matita e gessetti su carta / pencil and chalks on paper
25x25 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
Senza titolo / Untitled
2009, matita e gessetti su carta / pencil and chalks on paper
25x25 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
43
MICHAŁNowak
Senza titolo / Untitled
44
2006, pastello / pastel
48x35 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
Dettaglio architettonico / Architectural detail
2006, pastello / pastel
36x29 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
La testa del crocifisso / The Crucified’s head
2006, pastello / pastel
49x29 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
45
PAULDuhem
Senza titolo / Untitled
n.d., tempera su carta / tempera on paper
20,5x29 cm
Centre La Pommeraie, Ellignies-Saint-Anne
46
Senza titolo / Untitled
n.d., tempera su carta / tempera on paper
20,5x29 cm
Centre La Pommeraie, Ellignies-Saint-Anne
Senza titolo / Untitled
n.d., tempera su carta / tempera on paper
20,5x29 cm
Galleria Rizomi Art Brut, Torino
Senza titolo / Untitled
n.d., tempera su carta / tempera on paper
30x41 cm
Galleria Rizomi Art Brut, Torino
47
GIOTTOGiotto
Senza titolo / Untitled
n.d., tecnica mista / mixed techniques
24x34 cm
Istituzione Gian Franco Minguzzi, Bologna
48
Senza titolo / Untitled
n.d., tecnica mista / mixed techniques
24x34 cm
Istituzione Gian Franco Minguzzi, Bologna
49
EWASwiokla
MIECZYSŁAWSaar
Trittico: Armonia delle sfere celesti / Triptych: Harmony of the heavenly spheres
2013, olio su tela e yuta, applicazioni /oil on canvas and jute, application
150x100 cm (ogni dipinto / each painting)
Ewa Świokła, Poland
50
Universality life in Universe
1978, olio su tela / oil on canvas
140x172,5 cm
Alicja Saar-Kozłowska, Poland
Cogito ergo sum
1994, olio su tela / oil on canvas
130x148,5 cm
Alicja Saar-Kozłowska, Poland
51
ANITABaier
Senza titolo / Untitled
n.d., acrilico / acrylic
150x120 cm
Anita Baier, Peuerbach, St. Pius
52
Senza titolo / Untitled
n.d., acrilico / acrylic
40x40 cm
Anita Baier, Peuerbach, St. Pius
53
ANITAWend
Battaglia di Grunwald / Battle of Grunwald
2011, pastelli su tessuto / pastels on fabric
400x112 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
Passione / Passion
54
2012, pastelli su tessuto / pastels on fabric
400x144 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
55
PETERBischof HELENA ELLEFEEMöstl PETERAssman
Senza titolo / Untitled
2013-2014, tecnica mista su carta / mixed technique on paper
30x42 cm
Collezione Privata / Private Collection
56
Senza titolo / Untitled
2013-2014, tecnica mista su carta / mixed technique on paper
30x42 cm
Collezione Privata / Private Collection
Senza titolo / Untitled
2013-2014, tecnica mista su carta / mixed technique on paper
30x42 cm
Collezione Privata / Private Collection
Senza titolo / Untitled
2013-2014, tecnica mista su carta / mixed technique on paper
30x42 cm
Collezione Privata / Private Collection
Senza titolo / Untitled
2013-2014, tecnica mista su carta / mixed technique on paper
30x42 cm
Collezione Privata / Private Collection
57
JAROSLAWLatowski
Leonessa assira / Assyrian lioness
58
2013, linocut
40x20 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
Leonessa assira / Assyrian lioness
2013, linocut
40x20 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
59
GIOVANNIBosco
Senza titolo / Untitled
n.d., pennarelli su carta / markers on paper
35x50 cm
Associazione Outsider Art Giovanni Bosco, Castellammare del Golfo (Tr)
60
MARTARosenthal-Sikora
Senza titolo (serie LE CITTÀ) / Untitled (THE CITIES serie)
2011, olio su tela / oil on canvas
70x70 cm
Marta Rosenthal-Sikora, Poland
Senza titolo / Untitled
2014, acrilico su tela / acrylic on canvas
130x130 cm
Marta Rosenthal-Sikora, Poland
Senza titolo (serie LE CITTÀ) / Untitled (THE CITIES serie)
2013, collage
37x26 cm
Marta Rosenthal-Sikora, Poland
61
ELISABETHWatzek
Donna / Woman
n.d., pastelli ad olio / oil pastels
30x42 cm
Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius
62
Uomo / Man
n.d., pastelli ad olio / oil pastels
30x44 cm
Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius
Senza titolo / Untitled
n.d., acrilico su carta / acrylic on paper
50x70 cm
Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius
Senza titolo / Untitled
n.d., acrilico su tela / acrylic on canvas
60x70 cm
Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius
Senza titolo / Untitled
n.d., acrilico su tela / acrylic on canvas
80x100 cm
Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius
63
HUBERTZemsauer
Indignazione / Indignation #1 #2 #3 #4
2013, fotografia dipinta / foto digital overpaint,
60x40 cm
Hubert Zemsauer, Linz
64
Indignazione / Indignation #5
2013, fotografia dipinta / foto digital overpaint
60x40 cm
Hubert Zemsauer, Linz
65
ANDREAObwaller
MARZIABarbanti
Senza titolo / Untitled
2010, penna a sfera / ballpoint
29,7x21 cm
Collezione Kulturformenhartheim, Harteim
66
Still frame dal video: Marzia
2015, regia: Jacopo Pezzuto e Francesco Inglese
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
67
ANDREAGiordani
Congiunzioni amorevoli / Loving conjunctions
2015, pastelli e china su carta / pastels and ink on paper,
101x174 cm
Collezione dell’artista / Artist Collection, Bologna
68
La madre istituzionale / The institutional mother
2015, china, pastelli, carboncino su carta / ink, pastels, crayon on paper
101x150 cm
Collezione dell’artista / Artist Collection, Bologna
La bestia che è in me / The beast in me
2015, creta / clay
14x11x21 cm
Collezione dell’artista / Artist Collection, Bologna
La signora rigogliosa / Madam luxuriant
2014, creta / clay
14,5x9x7,5 cm
Collezione Privata / Private Collection, Bologna
Io mi rinnovo / I renew myself
2015, creta / clay
17x10x12 cm
Collezione dell’artista / Artist Collection, Bologna
Totem della malattia / Totem of the disease
2015, creta / clay
26x10x15 cm
Collezione dell’artista / Artist Collection, Bologna
69
RENATAJagielska
Pietà / Pieta
2006, linocut
32x30 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
Processione / Procession
70
2007, linocut
60x30 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
L'insegnamento di Gesù / Jesus teaching
2006, linocut
45,5x30,5 cm
Pracownia Rozwijania Twórczości Osób
Niepełnosprawnych – Centre, Toruń
71
ANDREACarminati
Pesce / Fish
2013, tecnica mista su carta / mixed technique on paper
70x50 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
Uccellini / Birds
2014, tecnica mista su carta / mixed technique on paper
70x50 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
Gallo / Rooster
2012, tecnica mista su carta / mixed technique on paper
70x50 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
72
73
RICCARDOPersico
Kovu
2013, tecnica mista e collage su carta / mixed techniques and collage on paper
62x41 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
Senza titolo / Untitled
2013, tecnica mista e collage su carta / mixed techniques and collage on paper
50x38 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
74
Warrik
2013, tecnica mista e collage su carta / mixed techniques and collage on paper
27x44 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
Senza titolo / Untitled
2013, tecnica mista e collage su carta / mixed techniques and collage on paper
68x50 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
75
FRANCOVeneri
Strumenti musicali / Musical instruments
2015, tecnica mista / mixed techniques
57x20x4 cm, 60x21x5 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
76
Senza titolo / Untitled
2015, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
56x70 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
Senza titolo / Untitled
2015, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
70x95 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
77
JAMESLake
ALICIJASaar
Seduta senza uno scopo / Sitting without a purpose
1998, scultura in cartone / sculpture in cardboard
95x92x112 cm
Shape Arts
78
Fuga ai tropici / Escape to the tropics
2011, acrilico su tela / acrylic on canvas
100x140 cm
Alicja Saar-Kozłowska, Poland
Fascino irresistibile/ Irresistible glamour
2012, acrilico su tela / acrylic on canvas
100x140 cm
Alicja Saar-Kozłowska, Poland
79
GIANLUCAPirrotta
Minicar
Particolari / details
80
Minicar
2015, tecnica mista su vetroresina / mixed technique on fiberglass
140x185x40 cm
Atelier Manolibera, Carpi (Mo)
81
TARCISIOMerati
Senza titolo / Untitled
Senza titolo / Untitled
Aeroplanino / Little airplane
n.d., tempera su carta / tempera on paper
100x75 cm
Fondazione Tarcisio Merati, Bergamo
Arazzo / Tapestry
n.d., filo e tessuto / yarn and fabric
78x71 cm
Fondazione Tarcisio Merati, Bergamo
82
Macchinetta trombetta / Little machine little trumpet
n.d., tempera su carta / tempera on paper
100,3x75 cm
Fondazione Tarcisio Merati, Bergamo
n.d., tempera su carta / tempera on paper
99,7x75 cm
Fondazione Tarcisio Merati, Bergamo
n.d., acrilico su carta / acrylic on paper
100x75,5 cm
Fondazione Tarcisio Merati, Bergamo
83
EGIDIOCuniberti
Angoliera a 5 corpi / 5 parts corner cupboard
84
anni '80, tasselli di legno colorati /
colorful wooden dowels
85x65x175 cm
Maurizio Quacquaro, Milano
Angoliera a 5 corpi / 5 parts corner cupboard
anni '90, tasselli di legno colorati /
colorful wooden dowels
74x53x200 cm
Maurizio Quacquaro, Milano
Mobile a 5 corpi / 5 parts forniture
anni '80, tasselli di legno colorati /
colorful wooden dowels
76x55x207 cm
Maurizio Quacquaro, Milano
Mobile a 4 corpi / 4 parts forniture
anni '90, tasselli di legno colorati /
colorful wooden dowels
80x90x178 cm
Maurizio Quacquaro, Milano
85
LISAPerini
Paradisi: scenario Burano / Heavens: Burano scene
2008, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
250x200 cm
Collezione Privata / Private Collection
86
Paradisi: scenario La salute / Heavens: The Health scene
2008, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
250x200 cm
Collezione Privata / Private Collection
Paradisi: scenario S. Marco / Heavens: S. Marco scene
2008, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
250x200 cm
Collezione Privata / Private Collection
87
FEDERICOSaracini
O cosmo / O cosmos
Virtù e vizio / Virtue and vice
Ungheria / Hungary
1894-1903, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
33x25 cm
Archivio Ospedale psichiatrico S. Lazzaro, Reggio Emilia
Quì Suso alberga / Suso here dwells
1894-1903, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
33x25 cm
Archivio Ospedale psichiatrico S. Lazzaro, Reggio Emilia
88
Lubricità, sensualismo, carne / Lubricity, sensuality, meat
1894-1903, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
33x25 cm
Archivio Ospedale psichiatrico S. Lazzaro, Reggio Emilia
1894-1903, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
33x25 cm
Archivio Ospedale psichiatrico S. Lazzaro, Reggio Emilia
1898, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
33x25 cm
Archivio Ospedale psichiatrico S. Lazzaro, Reggio Emilia
Unica ancora / Unique yet
1894-1903, tecnica mista su carta / mixed techniques on paper
25x33 cm
Archivio Ospedale psichiatrico S. Lazzaro, Reggio Emilia
89
LUCIANOBuggio
Leone / Lion
2005, legno / wood
56x45x22 cm
Collezione dell’artista / Artist Collection
90
Airone / Heron
2012, legno / wood
40x73x28 cm
Collezione dell’artista / Artist Collection
Bassotto / Dachshund
2013, legno / wood
73x49x13 cm
Collezione dell’artista / Artist Collection
Cigno / Swan
2012, legno / wood
36x26x20 cm
Collezione dell’artista / Artist Collection
91
Biografie degli artisti
Biographies of the artists
92
Peter Bischof - Helena ellefee Möstl - Peter Assmann
Peter Bischof, pittore e grafico, nasce nel 1934 a Vienna e studia presso l'Accademia di Belle Arti (Akademie
der bildenden Künste) a Herbert Boeckl e Albert Paris Gütersloh. Peter Bischof inizia a dipingere a metà
degli anni Cinquanta, nell'emozionante periodo della
ricerca di nuovi paradigmi artistici. In seguito diventa
membro della Galerie Nächst St. Stephan (Monsignore Otto Mauer) a Vienna e nel 1970/1971 ricopre la
carica di vice-presidente della Società d'arte austriaca (Gesellschaft bildender Künstler Österreichs).
Il tema principale delle sue opere negli anni ottanta
e novanta del Novecento sono le diverse raffigurazioni di persone in movimento non solo in fotografia
ma anche su singoli fogli. Inoltre crea alcune vetrate (Dom zu Wiener Neustadt, Stift Heiligenkreuz, Schlosskapelle Mautern, Stift Göttweig e molte altre) e affreschi (Stift Melk). Inoltre, Peter Bischof ha pubblicato
un buon numero di cicli grafici e portfolio ricollegati
alle pubblicazioni di autori diversi. Questi ultimi sono
stati appositamente pensati per gli amanti dei libri.
Dal 1957, le opere dell'artista sono state presentate
in mostre personali in musei e gallerie in Austria e all'estero.
Helena Maria Christina Möstl, nota anche come Elle
Fee ("Elle la Fata"), nasce nel 1979 a Stockerau, nei
dintorni di Vienna. Le sue intenzioni di perseguire la
carriera artistica sono ben chiare già dall'infanzia. La
sua prima fascinazione per la pittura è seguita da una
produzione autodidatta, poi da un periodo di studio
accademico a Vienna, Linz e Salisburgo. Nel 1998
"Elle la Fata" organizza la sua prima mostra a Bad Ischl,
la città in cui allora risiede. Fino ad oggi, Elle Fee ha
realizzato diverse centinaia di opere: accanto vi sono
opere plastiche, video e installazioni musicali in collaborazione con il noto produttore musicale austriaco
Karl Möstl. Le sue opere vengono realizzate seguendo
un percorso personale, ben specifico. Spiega l'autrice: "Nel fare arte applico strato su strato, come in un
collage. Disegni, archetipi, simboli vengono, di volta
in volta, parzialmente nascosti, obliterati: come accade con la verità e l'origine della vita, ci sono sempre
le verità più profonde, prospettive, luci e ombre". E
ancora: "Nell'arte spesso accade che la creazione rispecchi la società e il mondo in modo critico, persino
dispregiativo. Ma io preferisco occuparmi delle meraviglie della vita e del cosmo stesso, e delle creature
più affascinanti che ospita: le persone".
Peter Assmann, nasce nel 1963, studia storia dell'arte (in cui consegue un PhD), si laurea inoltre in Storia
e lingua tedesca (che insegna), lavora come storico
dell'arte, scrittore (casa editrice Bibliothek der Provinz
e Arovell) e artista visivo, direttore dei Musei di stato
dell'Alta Austria (Oberösterreichische Landesmuseen), presidente dell'Accademia estiva di Traunkirchen
(Sommerakademie Traunkirchen), membro fondatore
dei gruppi di artisti "c/o: K - Institut für Kunstinitiativen"
e "Sinnenbrand", membro artista del Künstlerhaus di
Vienna (Wiener Künstlerhaus) e di IG Bildende Kunst.
Mostre: vedasi sito www.irregulartalents.eu
Peter Bischof - Elle Fee - Peter Assmann
Peter Bischof painter and graphic artist, born in 1934 in Vienna,
studied at the Academy of Fine Arts (Akademie der bildenden
Künste) at Herbert Boeckl and Albert Paris Gütersloh. Peter Bischof started painting in the mid-fifties that was the exciting
time of searching for new artistic positions.Later, he became
a member of the Galerie nächst St. Stephan (Monsignore Otto
Mauer) in Vienna and in 1970/71 he held a position of the vicepresident of Austrian Artists' Society (Gesellschaft bildender Künstler Österreichs) – Wiener Secession.
The main theme of his 1980s and 1990s’ works were various
depictions of people in motion not only in pictures but as well
on single sheets. Besides, he created as well some glass windows (Dom zu Wiener Neustadt, Stift Heiligenkreuz, Schlosskapelle Mautern, Stift Göttweig and many more) and frescos (Stift
Melk). Additionally, Peter Bischof published some significant
amount of graphic cycles and portfolios that were related to
publications of different authors. The latter ones were specifically designed for book-lovers. Since 1957 artist’s works have
been presented at innumerable solo exhibitions in museums
and galleries in Austria and abroad.
Helena Maria Christina Möstl also known as Elle Fee, born in
1979, Stockerau near Vienna. Her intentions to pursue an artistic career have been clear already in the childhood. Her early
fascination for painting was followed by self-taught artistic work
and then several art studies in Vienna, Linz and Salzburg.In
1998, having an excellent thesis, Elle Fairy organised her first
exhibition in Bad Ischl – her home town at that time. Till today,
Elle Fee has created several hundred of art works: apart from
pictures these were also objects, videos and musical installations in cooperation with a well-known and successful Austrian
music producer Karl Möstl. Her pictures characteristically have
individual, specifically developed new working steps.
“In my art I apply layer by layer like in a collage. Drawings,
archetypes, symbols are each time partially hidden, painted
over like the truth and the origin of life, there are always deeper truths, perspectives, the light and shadow”, says Helena
Möstl. “In the art it often happens that creations reflect the society and the world critically, even derogatorily. But I am concerned about the wonderful life and the cosmos itself and the
most exciting creatures: the people.”
Peter Assmann born in 1963, studied art history (PhD), graduated also from History and German language studies (teaching profession), works as an art historian, writer (publishing
house Bibliothek der Provinz and Arovell) and visual artist, director of Upper Austrian State Museums (Oberösterreichische
Landesmuseen), president of the Summer Academy Traunkirchen (Sommerakademie Traunkirchen), founding member of
the artist groups “c/o: K - Institut für Kunstinitiativen” and “Sinnenbrand”, artist member of the Vienna Künstlerhaus (Wiener
Künstlerhaus) and IG Bildende Kunst.
Exhibition: see website www.irregulartalents.eu
Anita Baier
Born in 1975, Anita Baier is currently living in a sharing community and is working in a Caritas studio for people with disabilities
in St. Pius, Steegen – Peuerbach. Since the year 2000 she visits
the studio often and regularly, where she paints and draws with
great commitment.
Curious by nature, she is open for the new techniques or
Anita Baier
Nata nel 1975, Anita Baier vive attualmente in comunità e lavora in un atelier della Caritas per le persone
con disabilità a St. Pius, Steegen - Peuerbach.
Dal 2000 frequenta spesso e regolarmente l'atelier,
dove dipinge e disegna con grande impegno.
Curiosa per natura, è sempre ben disposta a sperimentare nuove tecniche o temi presentati dagli artisti
ospiti durante i laboratori artistici annuali. Tra gli artisti
di St. Pius, Anita non manca mai di stupire: il suo libero utilizzo di forme e colori spesso affascina anche i
suoi colleghi più esoerti. Le opere di Anita Baier sono
diverse, inaspettate. Esplora nuove "soluzioni" e combinazioni non convenzionali. Il suo approccio aperto
a temi e tecniche porta alla creazione di opere d'arte
uniche. Di tutto questo, Anita Baier è ignara - o, per
lo meno, non commenta le sue opere: è completamente assorbita dal processo creativo. Portare a compimento un'opera è per lei una grande soddisfazione.
Di tanto in tanto si mette a parlare, tra sé o con altre
persone. Anita infatti, a differenza di altri utenti completamente assorbiti nella loro attività, è sempre in
contatto con l'ambiente circostante. Nel corso degli
anni, ha adottato alcuni rituali per la preparazione della sua area di lavoro: dispone le fotografie di famiglia,
ripone la borsa in un luogo in vista, posa il cellulare,
rotto, accanto a lei sul tavolo. Vuole sempre chiamare
qualcuno − amici, colleghi, supervisori − per comunicare loro l'idea che ha appena avuto o il colore che
intende usare. La superficie sottostante deve essere
completamente liscia. Ci deve essere abbastanza
carta e tela a sua disposizione. Tutti i suoi materiali devono essere lì, nella sua area di lavoro: colori acrilici,
pennelli, gessetti e matite. Solo allora Anita comincia
a disegnare e dipingere. Non è insolito per lei scartare
le prime bozze e tracciare una linea, dal significato
inconfondibile, sull'intera immagine. In altre occasioni, invece, riprende in mano un'opera precedente
per modificarla. Un altro dei suoi rituali consiste nell'attaccare le sue opere, con tanti piccoli pezzi di nastro
adesivo, alle pareti, dove possa vederli. Alla fine di una
giornata intensa, Anita Baier è circondata, quasi coperta, dai suoi quadri. L'artista è anche una ballerina,
con un innato senso del ritmo e del movimento. Allo
stesso modo, anche il suo pennello sembra ballare
quando lo guida con gesti fluidi lungo la carta bianca. Spesso tutto il suo corpo è in movimento mentre
dipinge. Anita sa abbandonarsi alle linee e ai colori, e
questo è ben evidente nelle sue opere.
Mostre: vedasi sito www.irregulartalents.eu
concepts presented by guest artists during the yearly art workshops. She is among those artists in St. Pius who never fail to
surprise: her unrestricted use of shapes and colours often fascinate even her professional colleagues. Anita Baier’s works
are different, unexpected. She explores new “solutions” and
unconventional combinations. Her open-minded approach to
both themes and techniques eventually leads to the creation
of unique works of art. Of all that, Anita Baier is unaware – at
least she does not explain her pictures, but is completely absorbed in the creative process. She takes great pleasure in her
finished work.
From time to time she would start talking, either to herself or
with other people. She is always in touch with her surroundings,
unlike many other artists who fall into a state of trance.
Over the years, she has adopted certain rituals for the preparation of her painting area: family photographs are set up; her
bag is stored away, somewhere in her sight; her broken cell
phone lies next to her on the table. All the time, she wants to
call somebody – friends, colleagues, supervisors – to tell them
about an idea she just had or about the colour she is using at
the moment.
The underlying surface must be completely smooth. There
must be enough paper and canvas available to her. All her
materials must be there, at her workplace: a variety of acrylic
paints, brushes, chalks, and pencils. Only then does she begin
to draw and paint. It is not unusual for her to discard the first
drafts and draw an unmistakable line over the entire picture.
Other pictures, however, she takes up again and revises her
earlier work. Another one of her rituals is her habit of sticking
her pictures, with many short pieces of sticky tape, onto the
walls where she can see them. At the end of a busy day, Anita Baier is surrounded, almost covered, in her pictures. Anita
Baier is a dancer, and as such she has a sense for rhythm and
movement. Similarly, also her brush seems to be dancing as
she guides with flowing gestures over the blank paper. Often
her entire body is in motion when she is painting. Anita is able
to surrender herself to the lines and to the colours – an aspect
visible in her artwork.
Exhibition: see website www.irregulartalents.eu
Giovanni Bosco
Giovanni Bosco was born in 1948 in Castellammare del Golfo (TR). The second of five children, he attended school for
two years and then started working as a shepherd after the
death of his father, when he was only nine. He then worked
as a laborer in a marble quarry; then, sentenced for stealing
sheep, he spent two years in jail and was sent for a time in
exile outside Sicily. It is at this time that he learns that his two
brothers were murdered: the tragic news caused him to have
a nervous breakdown, followed by psychiatric hospitalization.
Once released from the hospital, he returned to live in his village, where he led a marginal life, in poverty, in a small room
with no access to facilities. As of 2002-2003, he began to draw
and write on the road paving, on the walls of the houses, but
also on anything he found, like as paper or cardboard packaging. His small room filled with work, figures drawn in a vivid
and expressive style, often accompanied by writings. In 2008,
the photographer Boris Piot and the French collective "Animula
vagula" discover his works: Bosco was encouraged and valued
by Osservatorio Outsider art of Palermo, by Collection de l'Art
Giovanni Bosco
Giovanni Bosco è nato nel 1948 a Castellammare
del Golfo (TR). Secondo di cinque figli, frequenta la
scuola per due anni per poi essere avviato al lavoro:
dopo la morte del padre, all’età di nove anni, prende
il suo posto di pastore. In seguito lavora come manovale in una cava di marmo: condannato per un furto
di pecore trascorre due anni in carcere e un periodo
al confino fuori dalla Sicilia. È in questo momento che
viene a sapere che due suoi fratelli sono stati assassinati: la tragica notizia gli causa un crollo psichico a
cui segue un ricovero in ospedale psichiatrico. Dopo
le dimissioni ritorna a vivere nel suo paese, dove conduce una vita da marginale in condizioni di povertà:
alloggia in una modesta stanza senza servizi.
93
94
quenta le scuole elementari mostrando fin da piccolo una propensione per le materie scientifiche. A
dieci anni ottiene una borsa di studio dal collegio
Foscarini e si trasferisce a Venezia, dove conseguirà
il diploma di Liceo scientifico, per poi iscriversi alla facoltà di sociologia di Trento: per mantenersi gli studi
impara il mestiere di falegname. Dopo la laurea ritorna a Venezia e insegna per un paio d’anni nei licei
ma questa non è la sua vocazione: lascia il lavoro e
riprende l’attività di falegname. Nel 1992 accade un
fatto strano: una “illuminazione” gli rivela il modello
matematico che descrive il movimento cicloidale
dei fotoni, illustrato poi in un documento caricato sul
suo sito. Da questo momento in poi egli ricomincia a
studiare la luce, i pianeti, le galassie “boxy” .
Buggio ha una bottega a Venezia, dove realizza le
sue creazioni, soprattutto fiori e animali, utilizzando,
tra gli altri materiali, parti di mobili in disuso.
A partire dal 2002-2003 inizia a disegnare e a scrivere
per strada, sui muri delle case, ma anche utilizzando supporti trovati qua e là come carta o cartone
da imballaggio. La sua piccola stanza si riempie di
lavori, figure che traccia con uno stile icastico ed
espressivo, spesso accompagnati da scritte. Nel
2008 il fotografo Boris Piot e il collettivo francese “Animula vagula” scoprono le sue opere: Bosco è incoraggiato e valorizzato dall’Osservatorio Outsider art di
Palermo, dalla Collection de l’Art Brut di Losanna, e
dai giovani amici videomakers del collettivo ZEP che
nel 2008 realizzano il documentario Giovanni Bosco,
dottore di tutto. Nel momento in cui questo interesse,
anche internazionale, sta fiorendo, Bosco si ammala
gravemente e si spegne nel 2009. L’anno successivo
nasce l’Associazione Outsider Art Giovanni Bosco, per
tutelare e valorizzare le opere dell’artista.
La prima mostra monografica, Giovanni Bosco. Atlante del cuore, a cura di Eva di Stefano, presso la
Fondazione Orestiadi a Gibellina, risale al 2009, seguono Giovanni Bosco, dottore di tutto, presso la galleria Christian Berst di Parigi nel 2011 e, nello stesso
anno, Giovanni Bosco: vulcano di passione, a cura
di Fabio Casentini, Roma. Alcune opere sono state
esposte in mostre curate da Gustavo Giacosa: Noi
quelli della parola che sempre cammina, presso la Commenda di Prè a Genova (2010) e Banditi
dell’arte, a cura di Gustavo Giacosa e Martine Lusardy, presso la Halle Saint Pierre a Parigi (2012). Nel
2014 Bosco è uno dei sette protagonisti della collettiva L’Art Brut dans le monde, a cura di Lucienne Peiry,
presso la Collection de l’Art Brut di Losanna.
Nell’estate 2014 viene allestito, a Castellammare,
il Museo temporaneo Giovanni Bosco. Le sue opere sono presenti presso la Collection de l’Art Brut di
Losanna, il Museo delle Trame del Mediterraneo, la
Fondazione Orestiadi di Gibellina e in collezioni quali
Abcd art brut (Montreuil), Cristian Berst (Parigi), the Museum of Everything (Londra) e in Italia, presso la galleria Rizomi Art Brut (Torino) che nel 2014 gli ha dedicato
la mostra monografica L’alfabeto di Giovanni Bosco.
Luciano Buggio
Luciano Buggio nasce a Stranzano, Gorizia, dove fre-
Andrea Carminati
Andrea Carminati è nato nel 1964 a Mapello, un piccolo comune in provincia di Bergamo. A sedici anni,
Brut of Lausanne, and by his young videomaker friends of the
ZEP collective who, in 2008, would film a documentary called
Giovanni Bosco, dottore di tutto (Giovanni Bosco, Bachelor of
Everything). Just as he the national and international spotlight
was starting to shine on him, Bosco became seriously ill and
died in 2009. The following year, the Associazione Outsider Art
Giovanni Bosco was founded to protect and valorize the artist's
works. The first monographic exhibition, Giovanni Bosco. Atlante del cuore (Giovanni Bosco. An Atlas of the Heart), curated by
Eva di Stefano, at the Fondazione Orestiadi in Gibellina, dates
back to 2009; followed by Giovanni Bosco, dottore di tutto, at
the Galerie Christian Berst in Paris in 2011 and, in the same
year, Giovanni Bosco: vulcano di passione (Giovanni Bosco:
A Volcano of Passion), curated by Fabio Casentini, in Rome.
Some works have been shown in exhibitions curated by Gustavo Giacosa: Noi quelli della parola che sempre cammina (We
of the word that is always walking) at the Commenda di Prè in
Genoa (2010) and Banditi dell'arte (Bandits of Art), curated by
Gustavo Giacosa and Martine Lusardy, at the Halle Saint Pierre
in Paris (2012). In 2014 Bosco is one of the seven protagonists
of the collective exhibition L'Art Brut dans le monde (Art Brut
Around the World), curated by Lucienne Peiry, at the Collection
de l'Art Brut in Lausanne. In the summer of 2014, in Castellammare, the Giovanni Bosco Temporary Museum is established.
His works are featured at the Collection de l'Art Brut in Lausanne, in the Museo delle Trame del Mediterraneo, at the Fondazione Orestiadi in Gibellina and in collections such as Abcd art
brut (Montreuil), Cristian Berst (Paris), the Museum of Everything
(London) and in Italy, at the gallery Rizomi Art Brut (Turin), which
in 2014 awarded him the monographic exhibition L’alfabeto di
Giovanni Bosco (The Alphabet of Giovanni Bosco).
back to Venice and taught for a couple of years in high schools, but that was not his true calling: he left work and resumed
his activity as a carpenter. In 1992, an interesting thing happened: in a "moment of enlightenment" he had the insight of
a mathematical model that describes the cycloidal motion
of photons, which he then outlined in a document he loaded
on its website. From that moment on, he started to study light,
planets, "boxy" galaxies.
Buggio has a shop in Venice where he crafts his creations,
especially flowers and animals, using, among other materials,
discarded furniture parts.
Luciano Buggio
Luciano Buggio was born in Stranzano, Gorizia. He attended
elementary school as a child and showed a penchant for
science: 10 years later, he obtained a scholarship from the
Foscarini college and moved to Venice, where he obtained a
high school diploma at the Liceo Scientifico and then enrolled
in the School of Sociology of Trento. He trained and worked as
a carpenter to pay for his studies. After graduating, he came
Andrea Carminati
Andrea Carminati was born in 1964 in Mapello, a village in the
province of Bergamo. At the age of sixteen, after a car accident, he suffered an injury that left him disabled and, in 2000,
he moved with his parents and sister in Carpi. Despite the physical problems that the accident caused, Andrea did not give
up drawing and, in 2004, began attending Atelier Manolibera,
managed by Cooperativa Sociale Nazareno: included in the
dopo un incidente stradale, subisce un danno che
lo rende invalido e nel 2000 si trasferisce con i genitori e la sorella a Carpi. Nonostante i problemi di
manualità che l’incidente gli ha causato, Andrea non
rinuncia a disegnare e inizia a frequentare, nel 2004,
l’Atelier Manolibera, gestito dalla Cooperativa sociale Nazareno: inserito nel gruppo dei pittori, realizza
opere molto ricche di colore i cui temi spaziano dai
paesaggi, ai soggetti naturali, agli edifici che vede
durante i suoi viaggi. Alla domanda ‘Perché disegni?’,
Carminati risponde “Perché ho delle idee e mi piace disegnarle, poi disegno le cose che ho visto nei
miei viaggi così là dove le ho viste ci rimangono ma
sono anche qua”. Carminati ha partecipato a due
mostre curate dalla storica dell’arte Bianca Tosatti: la
prima, Stupefatti di spazio, allestita nel 2008 presso
l’ex cappellificio Lugli e Rossi di Carpi, la seconda
Perturbamenti del potere tenutasi nel 2009 presso il
Castello dei Pio (Carpi). Le sue opere sono presenti in
collezioni private e dal 2010 sono state inserite nella
collezione del MADmusée di Liegi.
Egidio Cuniberti
Egidio Cuniberti è nato nel 1928 a Mondovì (Cuneo).
Lavora come operaio di fonderia a Torino: inizialmente da pendolare (spesso percorrendo la strada
Mondovì-Torino in bicicletta) per poi decidere di trasferirsi nel capoluogo piemontese e rientrare a casa
per i fine settimana. Un venerdì sera Cuniberti risulta
irrintracciabile fin quando i parenti scoprono che è
stato ricoverato in Ospedale e operato d’urgenza al
cervello, forse in seguito a un incidente. Ha 24 anni
e da quel momento Cuniberti, soffrirà di forti attacchi
epilettici, emicranie e insonnia. Lascerà il lavoro e nei
successivi 20 anni si prenderà cura dei genitori, gravemente malati, fino alla loro morte, nel 1971. È in
questo momento che in Cuniberti emerge la pulsione creativa: durante le ore notturne raccoglie, per le
strade del paese, materiali di scarto come cucchiaini di plastica o bastoncini del gelato che poi utilizzerà, a casa, per realizzare mobili, quadri e pannelli,
totem, sagome e sculture.
Per tutta la vita si dedicherà esclusivamente a questa
attività, realizzando oltre 200 opere e limitando al mi-
nimo i suoi contatti con il mondo: tutti i giorni si reca in
edicola per comprare l’Unità e solo occasionalmente scambia due parole con qualche vecchio amico
di partito (Cuniberti frequentava l’ambiente del Partito
comunista italiano) discutendo, per lo più, di politica
internazionale. Nel 2002 le sue condizioni di salute si
aggravano, trascorre gli ultimi anni accudito dalla sorella e muore nel giugno 2006.
Nel 2010, Cristina Calicelli, storica dell’arte e studiosa
di Outsider Art, ha presentato tre lavori di Cuniberti a
INSITA, la Triennale internazionale di arte Naïf, Art brut
e Outsider Art di Bratislava. La giuria del concorso,
non potendo premiare, da regolamento, un artista
scomparso, ha reso omaggio a Cuniberti con una
menzione d’onore.
In Italia le sue opere sono state espose nella personale La meravigliosa complicazione, curata da Bianca
Tosatti presso la Galleria San Giovanni di Bra (Cuneo).
Nell’ottobre 2010 espone alla mostra collettiva-asta
benefica Di Nuovo curata da Cristina Calicelli per
club Itaca di Milano.
group of painters, he created works very rich in color whose themes range from landscapes to natural subjects, to the
buildings he sees during his travels. When asked, "Why do you
draw?", Carminati replies, "Because I have ideas and I like to
draw them, then I draw the things I've seen in my travels, so
they remain there where I saw them, but they're also here".
Carminati participated in two exhibitions curated by art historian Bianca Tosatti: first Stupefatti di spazio (Astonished by
Space), in 2008 at the former Lugli and Rossi haberdashery in
Carpi, then Perturbamenti del potere (Disturbing Power) held
in 2009 at the Castello dei Pio ( Carpi)
His works are in private collections and, since 2010, have been
included in the collection of the MADMUSÉE in Liege.
red he had been hospitalized and underwent emergency
brain surgery, perhaps due to an accident. He was 24 years
old; from that moment on, Cuniberti would suffer from severe
seizures, migraine and insomnia. He would leave the job and,
in the following 20 years, would take care of his seriously ill parents until their deaths in 1971. It is at that time that in Cuniberti
emerged the creative impulse: during the night he gathered,
along country roads, waste materials such as plastic spoons
or icicle sticks, which he would then use, at home, to make
items of furniture, paintings and panels, totems, shapes and
sculptures. He dedicated all of his life to this activity, creating
more than 200 works and letting his contacts with the world
dwindle: every day he would go to the newsstand to buy the
l'Unità (house organ of the Italian Communist Party) and would
only occasionally exchange a few words with some old friends from the Italian Communist Party (which Cuniberti dabbled
with) discussing mostly international politics. In 2002, his health
worsened; he spent his last years under his sister's care and
died in June 2006. In 2010, Cristina Calicelli, art historian and
expert in Outsider Art, presented three of Cuniberti's works at
INSITA, the International Triennial of Naive Art, Art Brut and Outsider Art in Bratislava. The jury, unable to reward a dead artist
by regulation, paid their tribute to Cuniberti with an honorable
mention. In Italy, his works have been exhibited in the solo exhibition La meravigliosa complicazione (The Wonderful Complication), curated by Bianca Tosatti at the Galleria San Giovanni
di Bra (Cuneo). In October 2010, his works were exhibited at
the collective exhibition and charity auction Di Nuovo (Once
More) curated by Cristina Calicelli for club Ithaca, in Milan.
Egidio Cuniberti
Egidio Cuniberti was born in 1928 in Mondovi (Cuneo). He
worked in a foundry in Turin, initially commuting (often cycling
along the Mondovi-Turin road) and then decided to move to
Turin and return home for the weekend. One Friday evening,
Cuniberti never showed up home, until his relatives discove-
Paul Duhem
Paul Duhem was born in 1919 in Blandain, a small village in the
municipality of Tournai (Belgium). Son of a single mother, and
therefore considered a disgrace by his family, was raised by
his grandparents. He attended school, learned to read and,
at the age of 14, interrupted his studies to work seasonally on
farms in the area. During World War II he moved to Germany,
where he worked as a laborer, building the railroad tracks for
the Germans. But when, at the end of the conflict, he moved
to France, he was accused of collaborating with Germany and
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Paul Duhem
Paul Duhem è nato nel 1919 a Blandain, un piccolo
villaggio nel comune di Tournai (Belgio). Figlio di una
ragazza madre, per questo considerato la vergogna
della famiglia, viene allevato dai nonni. Frequenta la
scuola, impara a leggere e a 14 anni interrompe gli
studi per poi lavorare, stagionalmente, nelle fattorie
della zona. Durante la seconda guerra mondiale
si trasferisce in Germania, dove è arruolato come
operaio: si occupa di installare le rotaie della ferrovia
per i tedeschi. Quando però, alla fine del conflitto, si
sposta in Francia, è subito accusato di collaborare
con la Germania e viene arrestato. Dichiarato non
in possesso delle facoltà mentali, Duhem è internato
presso l’ospedale psichiatrico di Tournai e qui lavora
come contadino. Nel 1977 viene ammesso al centro la Pommeraie (Ellignies-Ste Anne), dove si occupa di orticultura e, nel 1991, all’età di 70 anni, inizia
a frequentare l’atelier interno alla struttura, condotto
da Bruno Gerard, dedicandosi, da questo momento
in poi, esclusivamente alla pittura. I soggetti dei suoi
lavori sono esclusivamente due: le case-porte e le
figure umane, declinate in serie diverse per forma,
colori e tecniche di realizzazione. Nel 1998, dopo soli
7 anni di attività, la Collection de l’Art Brut di Losanna gli dedica una retrospettiva. Duhem muore, nel
1999 a Ellignies-Ste Anne. Le sue opere sono presenti
nei più importanti musei di Art Brut e Outsider Art tra
cui, Art&Marges (Bruxelles), Musée Dr. Guislain (Gand),
Madmusée (Liège), solo per citarne alcuni e in molte
collezioni di gallerie specializzate quali Christian Berst
(Parigi), J-P Ritsch Fisch (Strasburgo) e, in Italia, Rizomi
Art Brut (Torino).
was arrested. Duhem pled insanity and was forcibly admitted
to the psychiatric hospital in Tournai, where he worked as a
farmer. In 1977 he was admitted to the la Pommeraie center
(Ellignies-Ste Anne), where she specialized in horticulture and,
in 1991, at age 70, he began attending the workshop inside
the facility, led by Bruno Gerard; from then on, he dedicated
his efforts exclusively to painting. The subjects of his works are
only two: doors-houses and human figures, repeated in series
with variations in shapes, colors and construction techniques.
In 1998, after only 7 years of activity, the Collection de l'Art Brut
in Lausanne dedicated a monographic retrospective to him.
Duhem died in 1999, in Ellignies-Ste Anne.
His works are featured in major museums of Art Brut and Outsider Art including, Art & Marges (Brussels), Musée Dr. Guislain
(Ghent), Madmusée (Liège), to name a few, and in many collections of specialized galleries such as Christian Berst (Paris),
JP Ritsch Fisch (Strasbourg) and, in Italy, Rizomi Art Brut (Turin).
lives. He attended school until the age of sixteen and then worked as a laborer.
His artistic career matured outside official contexts; he began
to draw by himself, with grotesque figures as a child and later,
during adolescence, with cartoon characters. He also experienced various techniques such as oil painting, which he then
abandoned in favor of drawing. In 2005, after some difficult
years, he began to draw consistently, looking for a personal
and recognizable style.
For several years, he successfully participated in various exhibitions organized in Bologna. In 2012, his works were featured
in Disturbing Art at Tedofra Art Gallery, where he exhibited with
other artists from the underground scene in the Bologna area,
and Libera-mente ("Freely", but also "Free Mind") at the exhibition space "Sala di città" in San Lazzaro di Savena (Bologna).
In 2011 we have the solo exhibition Spigoli Vivi ("Sharp Edges",
but also "Living Edges") at Mondo Infoshop in Bologna. In 2013
he took part in Memoriaoblio (Memoryoblivion) by Luca Farulli
at Casa Saraceni (Bologna). In the same year, he participated
in the Cinno Selvaggio (Wild Kiddo) project, organized by Ron-
Andrea Giordani
Andrea Giordani was born in 1970 in Bologna, where he still
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Andrea Giordani
Andrea Giordani è nato a Bologna nel 1970, dove
tuttora vive. Frequenta la scuola fino a sedici anni per
poi lavorare come operaio.
Il suo percorso artistico è maturato fuori dai contesti
ufficiali e comincia a disegnare da autodidatta: fin
da bambino rappresenta figure grottesche e successivamente, durante il periodo dell'adolescenza, si
cimenta nella realizzazione di personaggi da fumetto. Sperimenta inoltre varie tecniche come la pittura
a olio, abbandonate poi in favore del disegno. Nel
2005, dopo aver trascorso anni difficili, ricomincia a
disegnare con costanza, cercando un suo stile personale e riconoscibile. Da alcuni anni partecipa con
successo a varie mostre organizzate a Bologna. Ricordiamo nel 2012 Disturbing Art, presso Tedofra Art
Gallery, dove ha esposto insieme ad altri artisti attivi
nella scena underground del territorio bolognese e
Libera-mente presso lo spazio espositivo “Sala di città” a San Lazzaro di Savena (Bologna). Nel 2011 la
mostra personale Spigoli Vivi presso Mondo Infoshop
a Bologna. Nel 2013 è presente alla mostra Memoriaoblio a cura di Luca Farulli presso Casa Saraceni (Bologna). Sempre nello stesso anno, partecipa
con successo al progetto "Cinno Selvaggio" ideato
dal Centro diurno Rondine di Bologna come luogo
d’incontro tra artisti illustratori e artisti outsider: dalla
collaborazione con Francesca Ghermandi è nato il
numero 0 di una rivista Guida ai segreti di Bologna
e dalla collaborazione con Andrea Bruno è stato realizzato il volume Take a picture (2014), entrambe
le produzioni sono ampiamente illustrate e scritte,
tra gli altri, da Andrea Giordani. Nel 2014 partecipa
alla mostra Metamorfosi d’eroe a cura di Luca Farullli
presso la Pinacoteca Nazionale di Bologna. Giordani
ha collaborato con lo scrittore e poeta Davide Rondoni realizzando le illustrazioni delle sue poesie per il
tango raccolte nel testo Ballo lentamente con le tue
ombre (2009).
dine day centre of Bologna as a meeting place for illustrators
and outsider artists: a collaboration with Francesca Ghermandi gave birth to issue 0 of the magazine "Guida ai segreti di
Bologna" (A Guide to the Secrets of Bologna) (2013) and the
collaboration with Andrea Bruno led to the volume "Take a picture" (2014); both productions contain an abundance of pictorial and written material by, among others, Andrea Giordani. In
2014 he participated in Metamorfosi d’eroe (Metamorphoses
of the Hero) by Luca Farullli at the Pinacoteca Nazionale di
Bologna. Giordani collaborated with writer and poet Davide
Rondoni and creating illustrations for his poems for tango collected in Ballo lentamente con le tue ombre (Slowly I Dance
with Your Shadows) (2009).
to took part in the activities of the psychiatric hospital's atelier, established in 1952 and led by artist Germano Sartelli. He
stopped drawing following therapy with psilocybin. In the early
1960s, psychiatrist Gastone Maccagnani got interested in the
artistic creations of Giotto, interpreting their recurring motifs
through the principles of the psychopathology of expression
and presenting his theory in a conference held in Bologna in
May 1963.
Part of his extensive artistic work done in thirty years is now kept
at Istituzione Gianfranco Minguzzi of Bologna. It is likely that
Giotto's drawings arrived in Bologna in 1990, when they were
included in the exhibition Fra muri di gomma (Surrounded by
Rubber Walls) curated by Osvalda Clorari. From 2009 to 2011,
the materials of the Minguzzi collection have been reviewed
and studied by a research team, led by art historian Sara Ugolini. After this, monographic studies have been compiled for
each author, including Giotto, on the website of the RISME
project ("Ricerca Idee Salute Mentale Emilia Romagna", i.e.
"Research on Ideas on Mental health in Emilia Romagna"; the
word "risme" itself means "reams of paper").
Giotto
Luigi G., aka Giotto, was born in 1895. He was admitted, probably at the end of 1920s, at the Luigi Lolli psychiatric hospital
of Reggio Emilia. There, in 1932, he began to draw, focusing
on the representation of religious subjects, such as crucifixes,
Madonnas and saints. As evidenced by video footage, Giot-
Giotto
Luigi G., detto "Giotto", nasce nel 1895. Fu ricoverato, probabilmente alla fine degli anni venti del secolo scorso, presso l’Ospedale Psichiatrico Luigi Lolli di
Reggio Emilia. Qui, nel 1932, inizia a disegnare concentrando la sua attenzione sulla rappresentazione
di soggetti sacri, quali crocifissi, madonne e santi.
Come testimonia anche un video di repertorio, Giotto prese parte alle attività dell’atelier dell’ospedale
psichiatrico, fondato nel 1952 e condotto dall’artista
Germano Sartelli. Smise di disegnare in seguito a un
trattamento a base di psilocibina. All’inizio degli anni
sessanta lo psichiatra Gastone Maccagnani si interessa alle sue creazioni artistiche, interpretandone i
motivi ricorrenti attraverso i principi della psicopatologia dell’espressione e presentando la sua teoria nel
convegno tenutosi a Bologna nel maggio 1963.
Parte della sua ampia produzione grafica realizzata in trent’anni di attività, è oggi conservata presso
il fondo dell’Istituzione Gian Franco Minguzzi di Bologna. Probabilmente i disegni di Giotto arrivarono nel
capoluogo emiliano nel 1990, quando furono inclusi
nella mostra Fra muri di gomma a cura di Osvalda
Clorari. Dal 2009 al 2011 i materiali del Fondo Minguzzi sono stati riordinati e studiati da un gruppo di
ricerca, coordinato dalla storica dell’arte Sara Ugolini.
A conclusione del lavoro svolto, sono state stilate delle schede monografiche su ogni autore, compreso
Giotto, visionabili nel sito del progetto RISME (Ricerca
Idee Salute Mentale Emilia Romagna).
Renata Jagielska
Per oltre un quarto di secolo, Renata Jagielska ha creato opere grafiche, dipinti e disegni durante le lezioni
del Centro per lo sviluppo delle attività artistiche dei
portatori di handicap di Toruń. Ha sviluppato il suo
talento anche durante le lezioni di terapia occupazionale "Bratanki" in Toruń. Nasce il 4 gennaio 1974
a Wąbrzeźno, Polonia. Cresce nella Casa per l'infanzia Grudziądz e, a cinque anni viene accolta in
una famiglia affidataria e torna nella sua città natale,
Wąbrzeźno, dove inizia la sua formazione. Frequenta inoltre il collegio di Chełmno. A metà degli anni
ottanta, si trasferisce con la famiglia a Toruń e frequenta dapprima la scuola primaria numero 19, poi
la scuola primaria numero 25. Nel 1989 inizia a frequentare il Centro lezioni artistiche per la prima volta.
Da allora continua a sviluppare costantemente il suo
talento applicando varie tecniche. Il suo primo mentore artistico è Marek Zacharski. Nell'atelier realizza il
dipinto Motyl, per il quale riceve un diploma presso
la 28a International Exhibition of Mentally Handicapped Children and Adults di Londra, organizzata dalla Royal Society for Mentally Handicapped Children
and Adults MENCAP nel giugno 1991. Nel settembre
del 1991, Urszula e Marek Zacharski diventano i suoi
genitori adottivi. La giovane artista si trasferisce con
loro a Otłoczyn, presso Toruń. Nel 1993 viene creato
Renata Jagielska
For over a quarter of a century Renata Jagielska has been
creating graphics, paintings, and drawings during classes in
the Toruń Centre for the Development of the Handicapped
Persons’ Artistic Activity. She has been developing her talents
also during occupational therapy classes „Bratanki” in Toruń.
She was born on 4 January 1974 in Wąbrzeźno, Poland. She
grew up in Grudziądz Children’s Home and, at the age of 5,
she was placed in a foster family and came back to her hometown, Wąbrzeźno, where she started her education. She
also attended a Chełmno boarding school. In the mid-1980s,
she and her family moved to Toruń and she attended a primary school number 19 and then a primary school number
25. In 1989, she took part in the Centre artistic classes for the
first time. Since then she has continued to develop her talent
on a regular basis applying various artistic techniques. Her first
artistic mentor was Marek Zacharski. In his studio, she painted
Motyl, for which she received a diploma at the 28 International Exhibition of Mentally Handicapped Children and Adults in
London organised by the Royal Society for Mentally Handicap-
ped Children and Adults MENCAP in June 1991. In September
1991, Urszula and Marek Zacharski became her foster parents.
The young artist moved together with them to Otłoczyn near
Toruń. In 1993, the occupational therapy workshop „Karczemka” was created in Otłoczyn and Renata has participated in its
occupational therapy classes since the very beginning. Renata
Jagielska’s first solo show was to be seen in Marian Stępak’s
Original Gallery „Nad Wisłą” in January 1993. Two years later,
in February 1995, in the Gallery of the Reading Center for the
Sick and the Disabled, she exhibited Portret Biskupa Andrzeja
Suskiego created at Marek Zacharski’s prompting and a series
of sketches documenting creative process. Renata lived in the
nursing home in Pigża, and at present she lives in the Brother
Albert’s Nursing Home. In 1997, she returned to her activities
in the the Centre for the Development of the Handicapped
Persons’ Artistic Activity. Her artistic tutor is now Mirosław Kocoł.
Under his supervision she has created a series of graphics exhibited on various solo shows mainly in Toruń and numerous
group exhibitions in Poland. Like many handicapped artists
she creates her works on the basis of photographs of objects or
97
laboratorio di terapia occupazionale "Karczemka" a
Otłoczyn e Renata partecipa alle lezioni di terapia occupazionale fin dall'inizio. La prima personale di Renata Jagielska si tiene nella Galleria originale di Marian
Stepak "Nad Wisłą" nel gennaio 1993. Due anni dopo,
nel febbraio 1995, nella Galleria del Centro lettura
per i malati e disabili, espone l'opera Portret Biskupa
Andrzeja Suskiego, creata su suggerimento di Marek
Zacharski, assieme a una serie di schizzi che documentano il processo creativo. Renata passa qualche
tempo nella casa di cura in Pigża e attualmente vive
a nella Casa di cura Fratello Albert. Nel 1997 è tornata
alle sue attività presso il Centro per lo sviluppo delle
attività artistiche dei portatori di handicap. Il suo tutore
artistico è ora Mirosław Kocoł. Sotto la sua supervisione
ha creato una serie di opere grafiche esposte in varie mostre personali, soprattutto a Toruń e numerose
mostre collettive in Polonia. Come molti artisti disabili,
crea le sue opere sulla base di fotografie di oggetti o
persone e riproduzioni di note opere d'arte. Le opere
di Renata Jagielska non sono, tuttavia, semplici copie
dei modelli a sua disposizione.
James Lake
Nel 1998 si diploma in arte e design presso il College
di Exeter e l’anno successivo s’iscrive alla facoltà di
belle arti dell’Università di Plymouth. Consegue la laurea nel 2004 per poi abilitarsi all’insegnamento. A 17
anni gli viene diagnosticato un cancro alle ossa, al
quale seguono undici mesi di chemioterapia, l’amputazione della gamba destra e molti anni di riabilitazione. È in quest’ultimo periodo che l’interesse di Lake
per l’arte si trasforma in una vera e propria passione.
Alla ricerca di materiali non convenzionali e che non
richiedessero particolari studi per la lavorazione, Lake
sceglie di utilizzare il cartone da imballaggio come
mezzo di espressione per la realizzazione di sculture.
Capisce che la sua scelta del cartone come medium è causata anche dalla volontà di cancellare i
confini tra cultura alta e bassa e di rendere l’arte accessibile a tutti: inizia così a insegnare tenendo corsi
e lezioni sia in comunità terapeutiche sia in scuole e
college, attività che tuttora porta avanti in molte città
inglesi (Plymouth, Exeter, Bristol).
Durante la sua carriera ha vinto svariati premi e dal
people and reproductions of well-known pieces of art. Works
of art by Renata Jagielska are not, however, mere copies of
the patterns provided to her.
and colleges, an activity he still continues in many English cities
(Plymouth, Exeter, Bristol). During his career he has won several
awards since 2004 and has participated in numerous exhibitions, among which Love: 30 Obsessions (Plymouth, 2009) and
Gold Run: Remix at Dilston Grove, London (2012).
James Lake
In 1998 he graduated in arts and design at the Exeter college
and the following year he enrolled at the School of Fine Arts
of the University of Plymouth. He graduated in 2004 and then
earned his qualification as a teacher. At 17, he was diagnosed
with bone cancer, which made him undergo eleven months
of chemotherapy, the amputation of his right leg and many
years of rehabilitation. It is in this period that the Lake's interest in art turned into real passion: looking for unconventional
materials which do not require special studies for processing,
Lake chose to use cardboard packaging as a means of expression for crafting sculptures. He understood that his choice
of cardboard as a medium was also due to his desire to erase
the boundaries between "high and low culture" and to make
art accessible to all; therefore, he began to teach courses and
take lessons both in therapeutic communities and in schools
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Jarosław Latowski
Jarosław Latowski was born on 30 July 1970 in Toruń, Poland.
At school, he had difficulties with reading and writing but his extraordinary visual memory enabled him to remember pictures
and develop spatial imagination. He finished school at the age
of 18 and then started participating in the classes offered by
the Centre for the Development of the Handicapped Persons’
Artistic Activity in Toruń. He has been involved in the works of
the Centre up till now. His artistic talents have flourished due
to his involvement in the activities of the Centre. Teaching and
artistic care has helped him in techniques and in obtaining
necessary materials. He has also gained support, encouragement, and appreciation there. Though during activities in
the Centre he uses a variety of techniques such as drawing,
2004 ha partecipato a numerose mostre tra le quali
ricordiamo, nel 2009, Love: 30 Obsessions Plymouth e
nel 2012 l’installazione Gold Run: Remix presso Dilston
Grove, Londra.
Jarosław Latowski
Jarosław Latowski nasce il 30 luglio 1970 a Toruń,
in Polonia. A scuola ha difficoltà con la lettura e la
scrittura, ma la sua straordinaria memoria visiva gli
permette di ricordare immagini e sviluppare un'immaginazione spaziale. Terminati gli studi all'età di 18
anni, inizia quindi a partecipare alle lezioni offerte dal
Centro per lo sviluppo delle attività artistiche dei portatori di handicap di Toruń. Ha partecipato ai lavori
del Centro fino ad ora e negli anni le sue doti artistiche sono sbocciate. L'insegnamento e la supervisione artistica lo hanno aiutato nell'affinare le tecniche
e nell'ottenere i materiali necessari. Quì ha ricevuto
inoltre sostegno, incoraggiamento e stima. Anche se
durante le attività del Centro usa una varietà di tecniche (disegno, pittura, scultura in argilla, applique di
tessuto e pittura su vetro) la preferita è la grafica, e in
painting, clay sculpture, appliquéd fabrics, and glass painting,
his favourite technique is graphics, and linocut in particular.
He has exhibited his works on numerous group exhibitions and
artistic competitions and has received a number of awards
there. Jarosław is a cheerful person willingly establishing contacts with people and eagerly talking to them. He is also passionate about speedway races and his knowledge of the sport
is impressive. He frequently visits Motoarena, Toruń speedway
stadium. If he happened to be absent from the Centre classes
it must have been because of an important speedway race
which he did not want to miss.
Tarcisio Merati
Tarcisio Merati was born in 1934 in Bonate Sopra (BG) to parents of humble origins. He lost his father when hi was still a
child and his mother remarried a baker, a violent man who
often beat him. He attended elementary school, followed by
professional training; until the age of 18, he worked as an apprentice baker and sometimes as a bricklayer in Bergamo.
In the late 1950s, in search of fortune, he moved to Switzer-
Tarcisio Merati
Tarcisio Merati è nato nel 1934 a Bonate Sopra (BG)
da genitori di umili origini. Perde il padre da piccolo e la madre si risposa con un panettiere, uomo
violento che spesso lo picchia. Frequenta la scuola
elementare, in seguito l’avviamento professionale e
fino a 18 anni lavora come garzone di panetteria e
talvolta come muratore a Bergamo. Alla fine degli
anni ’50, in cerca di fortuna, si trasferisce in Svizzera e
dopo qualche tempo, insoddisfatto, ritorna a casa. A
25 anni le sue condizioni psichiche crollano: i litigi in
famiglia, la condizione di miseria economica e culturale che mai ha accettato, un lavoro che non lo
gratifica portano Merati a un crollo psicologico. Decide di voler vivere nuove vite e presenta se stesso in
maniere sempre diverse: un romanziere, un politico,
un musicista. Nell’agosto del 1959 viene ricoverato
nell’ospedale neuropsichiatrico provinciale di Bergamo con la diagnosi di “sindrome dissociativa, schizofrenia”. Entra ed esce più volte dal manicomio:
in questo periodo subisce il primo elettroshock, poi
l’insulino-terapia e tenta varie volte la fuga. Nel 1975
scopre la pittura e in una cartella clinica del 1983 si
può leggere “Discretamente pulito, anche in reparto
e all’atelier, disegna quadri piuttosto astratti”. Merati frequenta l’atelier di pittura, condotto da Amilcare
Cristini, dalla mattina alla sera e realizza tantissime
opere, soprattutto negli anni 1975-1976. Dal 1983 al
1990 torna a casa con la sorella e non dipinge più:
vuole però liberarsi “dalla dittatura della sorella” e il
suo ricovero in ospedale, da coatto, diventa volontario. Nel 1991 si trasferisce in una casa di riposo vicino al vecchio istituto, dove c’è ancora l’atelier che
ricomincia a frequentare. Gli ultimi anni della sua vita
li trascorre sereno (ha finalmente la sua pensione di
invalidità) al fianco degli amici più cari, tra cui Silvia
Pesce. Quest’ultima nel 1993 costituisce, con altri
soci, la “Fondazione Tarcisio Merati” e nello stesso
anno viene organizzata la prima mostra personale di
Merati presso il Teatro Sociale di Bergamo. Nel 1994
partecipa alla mostra Fare Anima, curata da Maria
Rita Parsi, presso il Forum di Assago e nel 1997 espone nella collettiva Arte Necessaria. Storie di dodici
outsider d’Italia, curata da Alessandra Ottieri presso i
cantieri culturali alla Zisa, Palermo. Muore nell’ottobre
2005. L’anno seguente le sue opere sono esposte
alla mostra Oltre la ragione. Le figure, i maestri, le
storie dell’arte irregolare a cura di Bianca Tosatti presso il Palazzo della Ragione, Bergamo.
Nel 2012 partecipa alla mostra Banditi dell’arte, curata da Gustavo Giacosa e Martine Lusardy e allestita
presso il museo Halle Saint Pierre di Parigi.
land; after some time, dissatisfied, he returned home. At 25, his
mental state collapsed: family quarrels, the state of economic
and cultural misery he never accepted, an unrewarding job
led Merati to a psychological breakdown. He decided to live
new lives and introduced himself as ever different people: a
novelist, a politician, a musician. In August 1959, he was hospitalized in the neuropsychiatric hospital of the province of
Bergamo, with a diagnosis of "dissociative syndrome and schizophrenia". He got released and readmitted several times in
the asylum: in this period he underwent shock therapy, then
insulin therapy, and tried to escape several times. In 1975 he
discovered painting; a medical record of 1983 reads: "Rather
clean, even in the department and the workshop, makes rather abstract paintings". Merati attended the painting atelier
conducted by Amilcare Cristini, from morning to night, and
realized many works, especially in the years 1975-1976. From
1983 to 1990 he returned home to his sister and stopped painting; however, he craves freedom "from his sister's dictatorship"
and his admission to the hospital is no longer mandatory but
voluntary. In 1991 he moved to a nursing home near the old
hospital, whose workshop, still active, he began to attend. The
last years of his life were spent in serenity (as he had finally received his disability pension) with his closest friends, including
Silvia Pesce. The latter, in 1993, establishes with other partners
a foundation called "Fondazione Tarcisio Merati"; in the same
year, she organized Merati's first solo exhibition at the Teatro
Sociale of Bergamo. In 1994 Merati participated in the exhibition Fare Anima (Soulmaking), curated by Maria Rita Parsi,
at the Forum di Assago; in 1997, he exhibited in the collective
exhibition Arte Necessaria. Storie di dodici outsider d’Italia (Necessary Art: the Stories of Twelve Outsiders from Italy), curated
by Alessandra Ottieri at the cultural center of Zisa, in Palermo.
He died in October 2005. The following year, his works were on
display at the exhibition Oltre la ragione. Le figure, i maestri,
le storie dell’arte irregolare (Beyond Reason: Figures, Masters,
and Stories of Irregular Art), curated by Bianca Tosatti at the
Palazzo della Ragione in Bergamo.
In 2012 he was featured in Banditi dell’arte (Bandits of Art), curated by Gustavo Giacosa and Martine Lusardy and held at
the Halle Saint Pierre museum in Paris.
Michał Nowak
Michał Nowak was born on 16 January 1988 in Toruń, Poland.
He is an only child. He graduated from a primary school number 26 and, at present, he participates in the occupational
therapy workshops ”Arkadia” in Toruń. Michał is a self-contained, introverted, scrupulous, even pedantic person. He does
not enter into relations with others, lives in a world of his own.
Michał joined the classes in the Centre for the Development
of the Handicapped Persons’ Artistic Activity in his early primary
school years. His artistic skills were quickly discovered under
the specialist teaching and artistic care. In the catalogue of a
group exhibition several years ago Michał was characterised
in the following manner „Though Michał Nowak does not enter
into verbal contacts with others he still maintains understanding of the reality around him. He has been involved in the
activities of the Centre for over ten years – at the beginning, he
chose artistic classes and has not been interested in any other
form of therapy. When working he appears to be absent, distant, and focusing on his work exclusively. He works only in
pastels. He is slow in his work precisely finishing each elements
particolare l'incisione su linoleum. Ha esposto le sue
opere in numerose mostre collettive e competizioni
artistiche e ha ricevuto numerosi premi. Jarosław è
una persona allegra, aperta e socievole, che conversa con entusiasmo. È anche appassionato di gare
di velocità e la sua conoscenza di questo sport è enciclopedica. Si reca spesso alla MotoArena, lo stadio
di motosport di Toruń. Le uniche volte in cui è assente
dalle lezioni del Centro è perché c'è una corsa importante che non vuole perdere.
Michał Nowak
Michał Nowak nasce il 16 gennaio 1988 a Toruń,
99
in Polonia. Ottiene la licenza elementare presso la
scuola primaria numero 26 e inizia a partecipare
alle lezioni del Centro per lo sviluppo delle attività
artistiche dei portatori di handicap. Le sue capacità artistiche vengono rapidamente scoperte grazie
alla presenza e al supporto di docenti specializzati.
Nel catalogo di una mostra collettiva risalente a diversi anni fa, Michał viene descritto così: "Sebbene
non entri in contatto verbale con altri, egli è attento
alla realtà che lo circonda. Partecipa alle attività del
Centro da più di dieci anni; all'inizio, ha scelto le lezioni d'arte e non si è interessato a nessuna altra forma
di terapia. Quando crea sembra essere assente, lontano, concentrato esclusivamente sul suo lavoro. Usa
soltanto i pastelli. È lento nel suo procedere, rifinisce
con precisione ogni elemento del dipinto. Ha tenuto
una mostra personale e partecipato a diverse mostre collettive". Nelle sue opere Michał Nowak utilizza
colori vivaci e macchie colorate uniformi di diverse
forme. Introduce distinti contorni neri, chiazze e profili delle forme. Occasionalmente, egli differenzia la
superficie di un determinato colore ombreggiando,
intensificando e accentuando punti dello sfondo. In
questo modo vengono a crearsi composizioni astratte dove forme irriconoscibili e colori dominano su elementi del mondo reale (per esempio un volto) variamente deformati. I dipinti sono primi piani, selezioni di
dettagli − accenni a una composizione più ampia o
frammenti di una realtà osservata e trasformata.
Dal punto di vista cromatico nelle sue superfici si impongono toni di rosso vermiglio e di arancio con sfumature grigie; poi ocra, contorni neri sfocati e gialli
spenti che nell'insieme danno luogo a una composizione armoniosa e visivamente accattivante.
of the painting. He had a solo show and also group exhibitions”. In his works Michał Nowak uses vivid colours and flat,
coloured patches of diversified shapes. He introduces distinct
black contours, patches, and outlines of shapes. Occasionally,
he differentiates the surface of a given colour through shading, intensifying, and accents of spots in the background. In
this manner he creates abstract compositions where unrecognized shapes and colours dominate with the deformed to
various degrees elements of the world (e.g. a face). The paintings are results of close-ups or choice – an intended larger
composition or observed and transformed fragment of reality.
They are characterised by superb composition and the sense
of harmony of colours. In his paintings diversified surfaces with
tones of vermilion red and orange with grey accents are accompanied by belts of refined greyness, then ochre, blurred
black contours and yellows toned down which together form
a distinct and visually appealing composition.
the Hartheim Institute since 1993. Andrea Oberwaller, who has
been living with the residential family “Aussicht” (“prospect”) since autumn 1998, likes to go on long walks outdoors, watching
the hustle and bustle of busy insects, and picking flowers. Her
passion for music and painting determine her days, and her
outstanding talent for graphic art has been fostered in the
“Neuhauserstadel” – the studio of the Hartheim Institute – since
1995. With unequaled patience and passion she designs fantastic, powerful, and vivid worlds, where ghostly figures float
through the scenes, often accompanied by floral themes. Her
preferred materials are graphite and coloured pencils, as well
as pens and felt pens. Completely absorbed and radiating a
deep silence, Andrea takes one step after the other; every detail is important. With waves, dots, and linear structures, some
of the motives set themselves apart through their insularity and
seclusion. Sometimes, she spins the paper, just to continue at
another point. Rhythmically, like one drop following the other,
she floods the blank page before her – slowly, but steadily;
inexorably and free from inhibitions. Interwoven and compressed lines create an exceptional depth in Andrea Oberwaller’s
Andrea Obwaller
Born 16th June 1964 in Grieskirchen (Upper Austria). Resident of
100
Andrea Obwaller
Andrea Obwaller nasce il 16 giugno 1964 a Grieskirchen (Alta Austria). È ospite dell'Istituto Hartheim
dal 1993. Andrea Oberwaller, che vive nel centro
residenziale "Aussicht" ("Prospettiva", ma anche "Panorama") dall'autunno 1998, ama fare lunghe passeggiate all'aria aperta, osservare il laborioso operato
degli insetti e raccogliere fiori. La sua passione per
la musica e la pittura scandisce le sue giornate, e il
suo straordinario talento per la grafica è stato incoraggiato nel "Neuhauserstadel" − l'atelier dell'Istituto
Hartheim, dal 1995. Con pazienza e passione senza pari, disegna mondi fantastici, potenti e vivaci, in
cui figure spettrali fluttuano nello spazio, spesso accompagnate da motivi floreali. I suoi materiali preferiti sono grafite e matite colorate, così come penne
e pennarelli. Completamente assorta nel processo
creatico, l'autrice fa un passo alla volta, curando
ogni dettaglio. La pagina vuota viene riempta di
punti e di linee intrecciate, ondeggianti che creano
un senso di profondità. La verve creativa nel caso di
Andrea è costante e all'esterno comunica un senso
di intensa armonia.
Mostre: vedasi sito www.irregulartalents.eu
Cesare Paltrinieri
Cesare Paltrinieri è nato, nel 1964, a Concordia ed
è cresciuto a San Possidonio in un piccolo paesino
della pianura padana, in provincia di Modena. Frequenta regolarmente la scuola fino alla terza media
ma l’infanzia e l’adolescenza sono segnate dalla
works. Andrea is always in a creative mood. When she is painting, an infinite harmony is intensely perceptible, and any attempt to reduce its power is in vain.
Exhibition: see website www.irregulartalents.eu
Cesare Paltrinieri
Cesare Paltrinieri was born in 1964 in Concordia and grew up
in San Possidonio, a small village in the Po Valley in the province of Modena. He regularly attended school until the eighth
grade, but his childhood and adolescence show a lack of relations with the outside world: when not in school, he spent his
days at home with his parents, often watching TV. After several
admissions to psychiatric facilities, he participated for three years in the activities of a Social and Occupational Workshop in
a village not far from his home since 1989 and began getting
involved with Cooperativa Sociale Nazareno of Carpi. He took
part in the activities of Atelier Manolibera since 1991, year of
its foundation, which he fostered his passion for drawing and
painting. Creating art is his response to the suffering caused by
his lack of friends and through portrait, his favorite subject, he
mancanza di relazioni con il mondo esterno: quando
non è a scuola, trascorre le sue giornate a casa con i
genitori, spesso davanti al televisore. Dopo diversi ricoveri in strutture psichiatriche, partecipa per tre anni alle
attività di un laboratorio socio occupazionale in un
paesino non lontano da casa sua e dal 1989 inizia a
frequentare la Cooperativa sociale Nazareno di Carpi. Prende parte alle attività dell’atelier Manolibera fin
dal 1991, anno della sua apertura, dove può portare
avanti la sua passione per il disegno e per la pittura.
Nella creatività Paltrinieri trova una risposta alla sofferenza causata dalla mancanza di amici e, attraverso
il ritratto (suo soggetto preferito) entra in relazione e in
contatto con l’altro. Alla domanda “perché disegni?”,
risponde: “Perché mi piacciono le facce della gente,
quelle che vedo per strada e quelle che vedo alla
TV, molte persone sono sosia di altre.”Espone alle mostre organizzate all’interno del “Festival Internazionale
delle Abilità differenti”. Dal 2006 partecipa a numerose esposizioni e il suo lavoro è stato valorizzato, in
particolar modo, dalla storica dell’arte Bianca Tosatti
nelle mostre: Ai margini dello sguardo. L’arte irregola-
re nella collezione Menozzi, presso il Chiostro di San
Domenico a Reggio Emilia, nel 2007; Ritrarre l’invisibile presso lo spazio espositivo della Fondazione Cassa
di Risparmio di Carpi; seguono le mostre Stupefatti di
Spazio, 2008 presso l’ex Cappellificio Rossi e Perturbamenti del Potere, nel 2009, presso il Castello dei Pio,
entrambe a Carpi. Nel 2011 partecipa alla mostra
Intelligenze rovesciate presso la Fortezza del Priamar
a Savona. Nell’ottobre dello stesso anno è presente
nelle collettive organizzate dal Museum of Everything
di Londra, dal titolo Exhibition #4 ed Exhibition #4.1.
Nel 2013 partecipa alla mostra Memoriaoblio, curata da Luca Farulli, presso Casa Saraceni (Bologna) e
l’anno successivo espone alla collettiva Metamorfosi
d’eroe presso la Pinacoteca Nazionale di Bologna.
Le sue opere sono presenti in varie collezioni pubbliche e private tra cui ricordiamo: MAD Musée di Liegi,
Museum of Everything di Londra, Biblioteca Panizzi di
Reggio Emilia.
established a relationship, a contact with other people. To the
question, "Why do you draw?", he replied, "Because I like the
faces of people I see on the street and on TV, many people are
lookalikes of others".
He is featured in the exhibitions organized within the "Festival
Internazionale delle Abilità differenti".
Since 2006 he has taken part to several exhibitions and his
work has been appreciated, especially, by art historian Bianca
Tosatti in exhibitions such as: Ai margini dello sguardo. L’arte
irregolare nella collezione Menozzi (At the Edge of the Eye Irregular Art the Menozzi Collection), at the Cloister of San Domenico in Reggio Emilia, in 2007; Ritrarre l’invisibile (Portraying
the Invisible), at the exhibition area of Fondazione Cassa di
Risparmio di Carpi; then followed the exhibitions Stupefatti di
Spazio (Astonished by Space), in 2008, at the former Lugli and
Rossi haberdashery, and Perturbamenti del Potere (Disturbing
Power), in 2009, at the Pio Castle, both in Carpi.
In 2011 he participated in the exhibit Intelligenze rovesciate
(Upside-Down Intelligence), at the Priamar Fortress in Savona.
In October 2011 he was featured in exhibitions held at the
Museum of Everything in London, titled Exhibition #4 and Exhibition #4.1. In 2013, he participated in the exhibition Memoriaoblio (Memoryoblivion) at Casa Saraceni, Bologna, and the
following year in Metamorfosi d’eroe (Metamorphoses of the
Hero) at the National Gallery of Bologna.
His work is present in several public and private collections,
among which: MAD Musèe, Liege; Museum of Everything, London; Panizzi Library, Reggio Emilia.
Riccardo Persico
Riccardo Persico è nato a Napoli nel 1986. Frequen-
Riccardo Persico
Riccardo Persico was born in Naples in 1986. He attended
school until the eighth grade and, at nineteen, he moved to
Modena with his family. Since 2007, he resides in an apartment
managed by Cooperativa Sociale Nazareno, Carpi, and participates in the activities of Atelier Manolibera.
His work show a strong penchant for drawing: he portrays in
black marker, with fast strokes, contemporary cartoon heroes,
reinterpreting them in a completely original fashion. The figure
he portrays most often is IG-88, a minor Star Wars character,
the artist's favorite hero.
ta la scuola fino alla terza media e a diciannove anni
si traferisce con la sua famiglia a Modena. Dal 2007
risiede presso un appartamento gestito dalla Cooperativa sociale Nazareno e frequenta l’atelier Manolibera. Nei suoi lavori emerge una spiccata propensione per il disegno: utilizzando il pennarello nero ritrae,
con tratto veloce, eroi dei cartoni contemporanei
reinterpretandoli attraverso un’originale chiave di lettura. Il personaggio più ripetuto è IG-88, figura minore
di Star Wars, eroe preferito dell’autore. Ha partecipato a varie mostre curate da Bianca Tosatti, tra cui Perturbamenti del potere (2009) e Figure della Protezione (2010) entrambe allestite presso il Castello dei
Pio a Carpi. Nel 2011 espone alla mostra Intelligenze
rovesciate presso la Fortezza del Priamar a Savona.
Nello stesso anno alcune sue opere sono state serigrafate su mobili di design realizzati da Valcucine ed
esposti ad Artissima di Torino. Nell’ottobre del 2012
partecipa alla mostra Segni ribelli presso Circolo Alberone di Modena e successivamente a Milano alla
mostra Per la mente con il cuore presso Area ex Ansaldo. Nel 2013, a Bologna, i suoi lavori compaiono
He participated in various exhibitions curated by Bianca Tosatti, including Perturbamenti del potere (Disturbing Power)
in 2009 and Figure della Protezione (Figures of Protection) in
2010, both organized at the Castello dei Pio in Carpi.
In 2011 he participated in the exhibit Intelligenze rovesciate
(Upside-Down Intelligence), at the Priamar Fortress in Savona.
In the same year, some of his works were silkscreened inside
designer furniture by Valcucine and showed at Artissima, in Turin.
In October 2012 he participated in the exhibition Segni ribelli
(Rebellious Signs) at Circolo Alberone in Modena and later in
Milan with the exhibition Per la mente con il cuore (For the
Mind, with the Heart) at Area ex Ansaldo. He participated in the
exhibition Memoriaoblio (Memoryoblivion), curated by Luca
Farulli, at Casa Saraceni (Bologna, 2013). The following year,
he is featured with a video exhibit in Metamorfosi d’eroe (Metamorphoses of the Hero) at the National Gallery of Bologna.
Since 2010, his works are featured in the collection of the MAD
Musée of Liege.
101
nella collettiva Memoriaoblio, curata da Luca Farulli,
presso Casa Saraceni. L’anno successivo è presente,
con un’installazione video, alla mostra Metamorfosi
d’eroe, allestita presso la Pinacoteca Nazionale di
Bologna. Dal 2010 le sue opere sono presenti all’interno della collezione del MAD Musèe di Liegi.
Gianluca Pirrotta
Gianluca Pirrotta è nato a Palermo nel 1980 ma fin
da piccolo si trasferisce, con i genitori e la sorella, in
Emilia Romagna. Ha frequentato le scuole dell’obbligo senza imparare a leggere, mentre scrive il suo
nome e altre parole che ricopia. Ha un carattere socievole e vivace e sa attirare l’attenzione degli altri su
di sé: talvolta assume atteggiamenti da “duro” che
manifesta nel gruppo dei suoi amici, emulando quelli che sono i suoi idoli, il portiere Gianluca Pagliuca e
Sylvester Stallone. Nel 1999 ha iniziato a frequentare
il centro diurno Emmanuel della Cooperativa sociale Nazareno, prendendo parte a varie attività, tra cui
ceramica e falegnameria, e dimostrando un particolare interesse per l’arte figurativa. Dopo qualche
Gianluca Pirrotta
Born in Palermo in 1980, Pirrotta soon moved with his parents
and sister in Emilia Romagna. He attended primary school without ever learning how to read; he writes his name and other
words by copying them. Sociable and extroverted, he knows
how to attract attention to himself: his idols are goalkeeper
Gianluca Pagliuca and actor Sylvester Stallone, which inspire
the "tough guy" attitude he shows in his group of friends.
In 1999, he started attending Centro Emmanuel of Cooperativa Sociale Nazareno, taking part in several activities like
pottery and carpentry, and showing a particular interest in
figurative art. After a few years, he began to attend Atelier
Manolibera. He loves to depict characters he calls "friends",
buildings, and abstract subjects, all of which are prepared
and placed in a grid, sometimes colored but always constant
in his work.
His works were exhibited for the first time in Carpi, in 2008, at
Stupefatti di Spazio (Astonished by Space), curated by Bianca
Tosatti. In 2009 and 2010, respectively, he participated in the
exhibitions Perturbamenti del Potere (Disturbing Power) and
102
anno inizia così a frequentare l’Atelier Manolibera.
Ama disegnare personaggi che chiama “gli amici”, edifici e soggetti astratti, tutti elementi che sono
disposti e inseriti in una struttura a griglia, colorata o
meno, ma sempre costante nei suoi lavori. Le sue
opere sono state esposte per la prima volta a Carpi,
nel 2008 alla mostra Stupefatti di Spazio, curata da
Bianca Tosatti. Rispettivamente nel 2009 e nel 2010
partecipa alle mostre Perturbamenti del Potere e Figure della Protezione entrambe presso il Castello dei
Pio, Carpi. Nel 2011 è candidato alla quinta edizione del premio Euward. Nella primavera dello stesso
anno espone alla mostra Intelligenze rovesciate alla
Fortezza del Priamar, Savona. Presso la galleria Rizomi
Art Brut di Torino è stata allestita la mostra Radiometrie, in cui le sue opere sono state esposte da giugno
a settembre del 2011. Partecipa presso il Museum
of Everithing di Londra alle mostre Exhibition #4 ed
Exhibition #4.1. Nel 2013 le sue opere sono state
esposte alla mostra Memoriaoblio, curata da Luca
Farulli, presso Casa Saraceni a Bologna. Nel marzo
2014 è presente alla mostra Fuori Campo, a cura di
Giorgio Bedoni e Francesco Porzio, allestita alla Galleria Isarte di Milano in collaborazione con Rizomi_Art
brut. Espone, nel maggio 2014, presso la Pinacoteca Nazionale di Bologna in occasione della mostra
Metamorfosi d’eroe, curata da Luca Farulli. Dal 2010
le sue opere sono presenti all’interno della collezione
del MAD Musèe di Liegi.
Figure della Protezione (Figures of Protection), both at the Castello dei Pio, Carpi.
In 2011 he was nominated for the fifth edition of the Euward
award- In the spring of that year, he participated in the exhibition Intelligenze rovesciate (Upside-Down Intelligence) at the
Priamar Fortress, Savona
He also exhibited his works in the show Radiometrie, at the Rizomi Art Brut gallery in Turin, from June to September 2011. He
participated in Exhibition #4 ed Exhibition #4.1 at the Museum
of Everithing in London. In 2013, his works are featured in the
exhibition Memoriaoblio (Memoryoblivion), curated by Luca
Farulli, at Casa Saraceni (Bologna, 2013). In March 2014, he
participated in Fuori Campo (Out of Field), curated by Giorgio
Bedoni and Francesco Porzio, held at Galleria Isarte of Milan
in collaboration with Rizomi_Art brut. In 2014 he participated
in Metamorfosi d’eroe (Metamorphoses of the Hero) by Luca
Farullli at the Pinacoteca Nazionale di Bologna.
Since 2010, his works are featured in the collection of the MAD
Musée of Liege.
Lisa Perini
Lisa Perini was born in 1973 in Treviso, where she still resides.
After his high school diploma at an art school, she graduated
from the Academy of Fine Arts in Venice, specializing in painting and preparing her dissertation with professor Luigi Viola.
Her works are characterized by the use of pure colors, especially red, on various media, such as canvas or paper. The
artist also mastered other techniques, such the mosaic and
collage, and finally realized digital works, installations and
sculptures. She began her exhibition activities in 1997 by participating in a traveling group exhibition in Burgos, Spain, where
she won the first prize in painting. From then on, she exhibited
in numerous solo and collective exhibitions, both in Italy and
abroad. In 2007, she was invited to a side event of the Venice
Biennale and prepared the exhibit "Farfalla Veneziana" within
the P3Project. In 2011, at the invitation of curator Vittorio Sgarbi, she participated in the 54th Venice Biennale, exhibiting at
the Italia Pavilion. Her works are featured public collections in
Europe, America and Asia (Taiwan). In 2005, Giorgio Nonveiller
and Luigi Viola publish "Lisa Perini. Il dominio del rosso" (Lisa
Lisa Perini
Lisa Perini è nata nel 1973 a Treviso, dove risiede tuttora. Dopo aver conseguito la maturità artistica, si laurea presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia specializzandosi in pittura e discutendo la tesi col prof.
Luigi Viola. Le sue opere sono caratterizzate dall’utilizzo di colori puri, in particolare del rosso, stesi su diversi
supporti, come tela o carta. L’artista padroneggia
anche altre tecniche esecutive, tra le quali il mosaico e il collage e ha realizzato, infine, lavori digitali,
installazioni e sculture.
Inizia l’attività espositiva nel 1997 partecipando a una
mostra collettiva e itinerante a Burgos, in Spagna,
dove vince il primo "premio de pittura". Da questo
momento espone in numerose mostre personali e
collettive, sia in Italia sia all’estero. Nel 2007 è invitata
a un evento collaterale della Biennale di Venezia e
realizza l’installazione Farfalla Veneziana nell’ambito
del P3Project. Nel 2011, su invito del curatore Vittorio
Sgarbi, ha partecipato alla 54° Biennale di Venezia
esponendo presso il Padiglione Italia.
Le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche in
Europa, in America e in Asia (Taiwan).
Nel 2005, Giorgio Nonveiller e Luigi Viola pubblicano
“Lisa Perini. Il dominio del rosso” per la Marsilio Editore.
Lavora tra Treviso, Venezia e Osor (Croazia).
Marta Rosenthal-Sikora
Nasce nel 1978 a Bydgoszcz, in Polonia. Si diploma alla Scuola statale d'arte Leon Wyczółkowski di
Bydgoszcz nel 1998. Nel 2004 Marta Rosenthal-Sikora consegue la laurea presso l'Accademia di Belle
Arti di Poznan e riceve il diploma con lode in pittura
da cavalletto con il professor Norbert Skupniewicz.
Nel 2011 viene ammessa al dottorato presso l'Accademia di Belle Arti di Poznan. Lavora presso l'UPerini: the Dominion of Red) for Marsilio Editore.
She currently works in Treviso, Venice and Osor (Croatia).
Marta Rosenthal-Sikora
Marta Rosenthal-Sikora was born in 1978 in Bydgoszcz, Poland. She is a graduate of the Leon Wyczółkowski State
School of Art in Bydgoszcz (diploma in 1998). In 2004, Marta
Rosenthal-Sikora graduated from the Academy of Fine Arts in
Poznań and was awarded the diploma with distinction in easel painting under Professor Norbert Skupniewicz. In 2011, she
was admitted into doctoral studies at the University of Arts in
Poznań. has been working at the University of Economics in
Bydgoszcz as an academic teacher. She has been engaged
in teaching as well as research. Marta Rosenthal-Sikora raises numerous issues related to fine arts such as problems of
space, form and identity, impact of culture forming aspects
on creation and perception of works of art, interdisciplinary
approach of fine arts and their role in artistic education, application of art techniques in designing spaces and functional
art forms as well as the role of fine arts in architectural design.
niversità di Economia di Bydgoszcz come docente accademico. Svolge attività di insegnamento e
ricerca. Marta Rosenthal-Sikora riflette su numerose
questioni relative all'arte, come i problemi di spazio,
forma e identità. Studia inoltre l'impatto della cultura sulla creazione e percezione delle opere d'arte,
l'approccio interdisciplinare all'arte o il suo loro ruolo
nella formazione artistica, l'applicazione di tecniche
artistiche nella progettazione di spazi e forme d'arte funzionali, nonché il ruolo dell'arte figurativa nella progettazione architettonica. È inoltre autrice di
numerosi articoli sull'arte e coordinatrice di progetti
culturali, artistici sia relativi al patrimonio nazionale, sia progetti indipendenti. Lavora come curatrice presso la Galeria Debiut, operante nello Spazio
culturale accademico dell'Università di Economia.
Dal 2010, Marta Rosenthal-Sikora ha lavorato come
Rappresentante del Rettorato per la politica culturale presso l'Università di Economia di Bydgoszcz. Marta Rosenthal-Sikora si esprime artisticamente tramite
la pittura e il disegno da cavalletto, affrontando le
questioni relative all'identità tra luogo e ritratto. Ha
presentato le sue opere in numerose mostre personali e collettive.
She has also written numerous articles on art. Moreover, Marta
Rosenthal-Sikora acts as a coordinator of projects concerning
culture, arts, and national heritage, including independent
original projects. She works as a curator of Galeria Debiut
(Debut Gallery) operating in the Academic Cultural Space of
the University of Economy. Since 2010, Marta Rosenthal-Sikora
has been working as the Representative of the Chancellor for
cultural policy at the University of Economy in Bydgoszcz. In
her art Marta Rosenthal-Sikora fulfills herself in easel painting
and drawing, undertaking issues relating to identity of place
and painting. She has presented her works on numerous solo
and group exhibitions.
signing and theatre costume design. She has been engaged
in fashion creation starting from fashion designs and fabrics
printing and ending with stylisations, both in commercial and
artistic projects. She has acquired experience in creating
collections, photo sessions, video clips, fashion shows, and television programmes. She is also interested in graphics and
illustrations. She has also been successful in painting. For her
colourful, fantastic works of art verging on pop-art and Dadaism she received an award in the 29th Władysław Strzemiński
Contest of Fine Arts, the Award of the Art Gallery Atlas Sztuki,
the award of the Łódź Culture Centre, and a distinction in
2012. In the years 2012-2014, she worked as the chief designer in the fashion brand Herzlich Willkommen. She has participated in numerous fashion shows, including Berlin Fashion
Week (2014), Fashion Philosophy Fashion Week Poland (2013
and 2014), and Wrocław Fashion Meeting (2014). She has presented her works in numerous collective exhibitions of paintings, graphics, and illustrations, and in two solo shows.
Alicja Saar
Alicja Saar was born on 28 October 1985 in Łódź, Poland. In
the years 2004-2007, she studied graphic design at the Faculty of Fine Arts, Nicholas Copernicus University, Toruń, Poland. In the years 2007-2012 she studied fashion design at the
Władysław Strzemiński Academy of Fine Arts and Applied Arts,
Łódź, where she was granted a Master of Arts in fashion de-
Alicja Saar
Alicja Saar nasce il 28 ottobre 1985 a Łódź, in Polonia. Negli anni 2004-2007 studia graphic design presso la Facoltà di Belle Arti dell'Università Niccolò Copernico di Toruń, in Polonia. Negli anni 2007-2012 studia
fashion design presso l'Accademia di Belle Arti e Arti
Applicate Władysław Strzeminski, di Łódź, dove consegue la laurea magistrale in fashion design e costumistica teatrale. Si impegna nella creazione di moda
a partire da fashion design e stampe su tessuto fino
alla creazione di stili, in progetti sia commerciali sia
artistici. Ha esperienza nella creazione di collezioni,
servizi fotografici, video, sfilate di moda e programmi
televisivi. Si interessa anche di grafica e illustrazione.
È riconosciuta come una pittrice di successo. Per
le sue colorate e fantasiose opere d'arte, ai confini
della pop-art e del dadaismo, è stata premiata al
29° Concorso di belle arti Władysław Strzeminski, ha
ricevuto il premio della Pinacoteca Atlas Sztuki, del
103
Centro culturale di Łódź e una menzione d'onore nel
2012. Negli anni 2012-2014 ha lavorato come capo
progettista del marchio di moda Herzlich Willkommen. Ha partecipato a numerose sfilate di moda,
tra cui Berlino Fashion Week (2014), Fashion Philosophy Fashion Week Poland (2013 e 2014) e Wrocław
Fashion Meeting (2014). Ha presentato le sue opere
in numerose mostre collettive di pittura, grafica e illustrazioni e in due mostre personali.
Mieczysław Saar
Mieczysław Saar nasce il 24 agosto 1925 a Łódź, in
Polonia. Negli anni 1949-1954 studia presso l'Accademia di Belle Arti di Cracovia. Consegue la laurea
magistrale nel 1955 e nello stesso anno entra nell'Unione degli artisti e designer polacchi. In seguito torna a Łódź, dove tuttora vive. Ha partecipato attivamente alla vita artistica della società di Łódź. Le sue
opere pittoriche sono state presentate a 23 mostre
personali e 29 collettive. Possiamo ammirare i suoi
dipinti a soggetto sacro in più di 50 chiese in Polonia.
La creativa produzione pittorica di Mieczysław Saar
Mieczysław Saar
Mieczysław Saar was born on August 24th, 1925 in Łódź in
Poland. In the years 1949-1954 he studied at the Academy
of Fine Arts in Cracow. He received a Master`s degree in Art
in 1955, and in the same year he became a member of the
Union of Polish Artists and Designers. Later he came back to
Łódź, where he continues to live today. He has actively participated in the artistic life of Łódź society. His painting has
been presented at 23 individual and 29 group exhibitions. We
can admire his sacred paintings in more than 50 churches in
Poland. Mieczysław Saar`s creative painting output is unusually varied. Oil easel painting and distemper wall painting dominate. Small-form fantasy ink works, numerous polychrome
projects dealing with sacred themes, projects of interior furnishings, various equipment, and occasional decorations have
been created, too. The artist paints portraits, multi-personage
compositions of historical, battle, literature, sacred, and religious subject matter, landscapes, and still lifes. A series of
paintings dealing with symbolic, fantastic, and often surrealistic themes plays an important role in his artistic creation. On
104
è insolitamente varia: le tecniche più praticate sono
la pittura a olio e l'affresco. Ha creato anche opere
a china, progetti policromi a tema sacro, progetti di
arredi interni e decorazioni. L'artista dipinge ritratti e
composizioni a tema storico, guerresco, letterario,
sacro e religioso. Dipinge inoltre paesaggi e nature
morte. Un ruolo importante nella sua creazione artistica è occupato da opere che indagano temi simbolici, fantastici e spesso surreali. L'11 gennaio 1994
il Papa Giovanni Paolo II ha conferito all'autore una
Medaglia di Benemerenza per la sua produzione nel
campo dell'arte sacra. La televisione polacca ha realizzato a Łódź nel 1999 un film intitolato Mieczysław
Saar. Il libro Mieczysław Saar Malarstwo curato da
Alicja Saar-Kozłowska, è stato edito a Toruń nel 2004.
Federico Saracini
Federico Saracini nasce nel 1830 a Trento da una famiglia altolocata. Si iscrive all’Università, consegue la
Laurea in legge e per tutta la vita rimane celibe. Nel
1884, a 54 anni, viene ricoverato presso l’ospedale
psichiatrico San Lazzaro di Reggio Emilia. Nella cartelJanuary 11th, 1994 Pope John Paul II awarded the author a
Benemerenti medal for this creation in the field of sacred art.
Polish TV realized (Łódź 1999) film entitled Mieczysław Saar.
The book Mieczysław Saar. Malarstwo (Toruń 2004) was prepared by Alicja Saar-Kozłowska.
Federico Saracini
Federico Saracini was born in 1830 in Trento, in a prominent
family. He enrolled at the University and graduated in law. He
would remain unmarried for life. In 1884, at the age of 54,
he was admitted into the psychiatric hospital of San Lazzaro
di Reggio Emilia, with a diagnosis of "delirium characterized
by ambition": the medical record says that Saracini, after
studying law, had been for a few months the Political Officer
of the Lieutenancy of Milan during the Austrian rule, but he
had to leave his station because of his ambitious nature, that
kept causing friction between him and his superiors. Later, he
retired in Trento: he lived alone, was rarely at home, and developed a habit of enjoying wine and beer, which soon became an alcohol problem. This led him to develop insomnia,
la clinica si legge che Saracini, dopo gli studi legali fu
per qualche mese Addetto Politico alla Luogotenenza di Milano durante la dominazione austriaca, ma
abbandonò il posto per la sua natura ambiziosa che
lo poneva in continui attriti con i superiori. In seguito si ritirò a Trento: viveva da solo, spesso fuori casa.
Nella cartella clinica si legge: “la sua reclusione in
manicomio è per lui un enigma che non riesce a
sciogliere…Fattosi banditore di moralità e flagellatore dei vizi, egli vuole tenere conferenze ai ricoverati, scegliendo argomenti molto scabrosi…sta tutto
il giorno seduto a tavolino occupato a scrivere in stile
telegrafico concetti di filosofia e morale che spesso
illustra con schizzi grotteschi fatti a vari colori”.
Muore nel 1903. Le opere di Saracini, 95 tavole su
cartoncino, realizzate a inchiostro e a matite colorate
e comprendenti testo e immagini, sono conservate
presso il Centro di documentazione San Lazzaro di
Reggio Emilia. Di queste, 30 sono datate (dall’ottobre
1898 all’agosto 1899) e quasi tutte sono firmate “Fritz
Welt-Plauscer” (Fritz chiacchierone mondiale).
Le opere di Saracini sono state esposte nel 1997 duexcitement and an almost permanent ambitious delirium that
took him to hospitalization, of which Saracini never understood the reasons. The medical record reads: "His confinement
in a mental hospital is to him a riddle that he cannot solve...
Styling himself as a crier for morality and scourge of vice, he
wants to give lectures to the patients, choosing rather unsettling topics... He spends all day sitting at the table, jotting down
philosophical and moral concepts in a telegraphic style, often illustrated with grotesque sketches in various colors".He
died of senile marasmus in 1903.
The works of Saracini, 95 panels on cardboard, in ink and colored pencils and including text and images, are kept at the
Centro di documentazione San lazzaro of Reggio Emilia. Of
these, 30 are dated (from October 1898 to August 1899) and
almost all are signed "Fritz Welt-Plauscer" ("World-Class Chatterer"). The works of Saracini were exhibited in 1997 during the
documentary exhibition entitled Le ragioni della follia. Parole
e oggetti della psichiatria tra il XIX e il XX secolo (The Reasons
of Insanity: Words and Objects of Psychiatry from the 19th to
the 20th Century), curated by the Centro di Documentazione
rante la mostra documentaria dal titolo Le ragioni
della follia. Parole e oggetti della psichiatria tra il XIX
e il XX secolo, a cura del Centro di Documentazione
di Storia della Psichiatria, tenutasi a Reggio Emilia.
Nel 2006 Saracini è valorizzato nel campo dell’arte
irregolare dalla storica dell’arte Bianca Tosatti che
lo include nella mostra Oltre la ragione. Le figure, i
maestri, le storie dell’arte irregolare, tenutasi presso il
Palazzo della Ragione di Bergamo. Nel 2013 partecipa alla mostra Borderline. Artisti tra normalità e follia
curata dallo psichiatra Giorgio Bedoni e da Claudio
Spadoni, direttore scientifico del Museo d’arte della
città di Ravenna che ha ospitato l’esposizione.
Ewa Świokła Ewa Danuta Świokła nasce nel 1989 a Szczecinek
in Polonia. È la più giovane dei nove figli di Zofia e
Kajetan Świokła. Cresce a Wielisławice e frequenta
la scuola elementare e la scuola media nella vicina
cittadina di Gwda Wielka. Dati i diversi problemi di
salute durante l'infanzia e la gioventù, sviluppa il suo
talento soprattutto durante i suoi soggiorni in ospedi Storia della Psichiatria and held in Reggio Emilia.
In 2006, Saracini was reviewed an revalued in the field of irregular by art historian Bianca Tosatti, who included him in her
exhibition Oltre la ragione. Le figure, i maestri, le storie dell’arte irregolare (Beyond Reason: Figures, Masters, and Stories of
Irregular Art), held at the Palazzo della Ragione in Bergamo.
In 2013, he was featured in the exhibition Borderline. Artisti tra
normalità e follia (Borderline: Artists Between Normality and
Madness) curated by psychiatrist Giorgio Bedoni and Claudio
Spadoni, scientific director of the art museum of Ravenna,
which hosted the exhibition.
Ewa Danuta Świokła
Ewa Danuta Świokła was born in 1989 in Szczecinek, Poland.
She is the youngest of the nine children of Zofia and Kajetan
Świokła. She grew up in Wielisławice and attended a primary
school and a junior high school in the nearby village of Gwda
Wielka. Due to multiple health problems in childhood and
youth, she developed her talents mainly during her hospital
stays. She started attending artistic classes in 2003 after her
dale. Inizia a frequentare corsi d'arte nel 2003, dietro
suggerimento del suo ergoterapeuta. All'inizio, frequenta corsi condotti da Jolanta Korsak-Kopterska,
pittrice, nel Centro culturale Szczecinek. È allora che
affiora in lei il sogno di studiare arte. A causa dei
suoi problemi di salute, non è in grado di frequentare la scuola secondaria di educazione artistica in
Szczecin che tanto sognava. I suoi genitori preferiscono che frequenti un istituto più vicino a casa.
Negli anni dal 2005 al 2007, Ewa studia nella Scuola secondaria di didattica generale nel Complesso
scolastico della commissione nazionale di istruzione
di Szczecinek. Sfrutta ogni istante disponibile per disegnare e non si separa mai dal taccuino. Durante
il suo ultimo anno scolastico, nel 2007/2008, cambia insegnante di disegno e pittura e partecipa a
lezioni condotte da Agnieszka Świerczewska, artista grafica. Negli anni 2008-2013 studia pittura da
cavalletto e si specializza nella pittura architettonica
nell'atelier del professor Lech Wolski presso la Facoltà di Belle Arti dell'università Niccolò Copernico di
Toruń, Polonia. Durante i suoi studi artistici inizia an-
che a frequentare il conservatorio statale (2° livello)
partecipa alle lezioni di prestazioni vocali nel gruppo
gestito da Wojciech Dyngosz, MA (2010-2014). Si diploma con lode in entrambe le scuole. Nel 2013
tiene tre mostre personali "Harmony of Blue Spheres"
a Toruń, Lidzbark Welski, e Żyrardów. Lavora come
scenografa nel Teatro delle marionette "Zaczarowany Świat" di Toruń e crea le scenografie per due
rappresentazione (2013 e 2014). Completa il suo tirocinio presso la Fondazione "Feniks" come grafica
negli anni 2014-2015. Collabora con l'Associazione
di iniziative culturali "tARTtak" come volontaria, istruttrice di scenografia e grafica (2014-2015).
Dal febbraio 2015 lavora in una ditta privata come
fotografa, webmaster e designer di gioielli. Nel suo
tempo libero crea quadri cosmici, canta l'opera
(come mezzosoprano) e tiene concerti con la band
Impro Classic dal luglio 2014.
Dal mese di ottobre 2014 lavora per il suo CD con
arie religiose e d'opera. Dal 2009 tiene un blog di
poesia e lavora a una pagina web che espone la
sua produzione creativa.
occupational therapist’s prompting. At the beginning, she
attended classes conducted by Jolanta Korsak-Kopterska,
painter, in the Szczecinek Culture Centre. That was when
the dreams of artistic studies became apparent to her. As
a result of her health problems, she was unable to attend
a secondary school of artistic education in Szczecin she so
much dreamt of. Her parents wanted her to attend a school
near her home. In the years 2005 – 2007, Ewa studied in
the Secondary School of General Education in the National
Education Commission Complex of Schools in Szczecinek.
She used every moment to draw and never parted with her
sketchpad. In her final school year, i.e. 2007/2008, she changed her teacher of drawing and painting and joined classes
conducted by Agnieszka Świerczewska, graphic artist. In
the years 2008 – 20013, she studied easel painting specialising in painting in architecture in the studio of professor Lech
Wolski at the Faculty of Fine Arts, Nicholas Copernicus University, Toruń, Poland. During her art studies she also started
studies in the state school of music (2nd level) at the vocal
performance classes in the group managed by Wojciech
Dyngosz, MA (2010-2014). She graduated form both schools with distinction. In 2013, she had three individual shows
„Harmony of Blue Spheres” in Toruń, Lidzbark Welski, and
Żyrardów. She worked as a stage designer in the Puppet
Theatre „Zaczarowany Świat”, Toruń, and created stage
scenery for two plays (2013 and 2014). She completed her
internship in the Foundation „Feniks” as a graphic artist in
the years 2014-2015. She cooperated with the Association
of Culture Initiatives „tARTtak” as a volunteer, instructor in stage scenery, and graphic artist (2014-2015). Since February
2015, she has worked in a privately owned company as a
photographer, webpage administrator, and jewellery designer. In her free time she creates cosmic paintings, sings
operationally (mezzo-soprano), and gives concerts with the
band Impro Classic since July 2014.
Since October 2014, she has been working on her CD with
religious and opera arias. Since 2009, she has been creating
a poetry blog and working on a webpage presenting her
creativity.
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Elisabeth Watzek
Nata nel 1974, Elisabeth Watzek è ospite di istituti già
in tenera età. Vive attualmente in comunità e lavora
in un atelier della Caritas per le persone con disabilità.
Dal 1998 dipinge e disegna - con brevi interruzioni nell'atelier St. Pius. È anche membro attivo del gruppo
di giocoleria e del coro e partecipa regolarmente alle
varie iniziative sportive di St. Pius. Nel 2001 frequenta per la prima volta il workshop artistico annuale,
dove lavora con artisti professionisti, seguendo i loro
temi individuali. Questi stimoli aiutano Elisabeth a fare
progressi nel suo sviluppo artistico, senza abbandonare mai il suo stile. Elisabeth Watzek è una persona
tranquilla, si muove con sicurezza nel suo ambiente
familiare; e mantiene contatti regolari solo con le
persone che conosce da molto tempo. È naturale,
quindi, che spesso rappresenti le sue esperienze nei
suoi soggetti artistici. Include nelle sue opere una miriade di dettagli, comunicando così con l'ambiente e
concedendoci una panoramica sulle immagini nella
sua mente. Le prospettive che ci disvela sono insolite e accurate. Un letto a castello, con una finestra
sullo sfondo, affacciata sui monti. Luci e ombre si aggrappano alle case e alle finestre. A giudicare dalla
ricchezza di dettagli nei suoi quadri, la sua immaginazione e la sua memoria devono essere davvero notevoli. Per Elisabeth Watzek, tutto sembra avere importanza. Lei non ne parla, ma durante il suo processo
creativo sembra molto rilassata, quasi felice. Non solo
ha il dono dell'immaginazione e della memoria, ma
anche dell'abilità pratica. Il disegno tridimensionale
e prospettico, con luci e ombre, è una competenza
che Elisabeth ha acquisito nel corso della sua lunga
carriera artistica. Elisabeth Watzek utilizza tutti i materiali e le possibilità tecniche a sua disposizione. Così,
in una stessa opera, troviamo matita, pastelli a olio,
colori acrilici e matite colorate. Come dicevamo, lei
è una persona pacifica, e infonde nelle sue opere
quella stessa pace. Vede qualcosa e lo rende visibile
a noi, attraverso il suo sguardo.
Mostre: vedasi sito www.irregulartalents.eu
Elisabeth Watzek
Born: 1974, Elisabeth Watzek has been living in institutions since
her early age. She is currently living in a sharing community
and is working in a Caritas studio for people with disabilities.
Since 1998, she has been painting and drawing – with short interruptions – in the studio of St. Pius. She is also an active member of the juggling group and the choir, and regularly participates in various sports offers available at St. Pius. In 2001, she
attended the yearly artists’ workshop for the first time, where
she worked with professional artists, following their individual
concepts. These yearly impulses help Elisabeth’s to make progress in her artistic development, without ever abandoning
her own style.
Elisabeth Watzek is a calm person, at peace with herself. She
moves safely in her familiar surroundings; she is content with
being by herself and keeps regular contact only to people she
has known for a long time. It is only natural, therefore, that
she often incorporates her experiences in her artistic motives. These motives are a record of the things which have left
an impression on her. She includes a myriad of details, thus
communicating with her environment and granting us a view
of the images in her mind. The perspectives she reveals to us
are unusual and accurate. A bunk bed, with a window in the
background, revealing a mountain vista. Light and shadows
cling to the houses and the windows. Judging from the richness
of detail in her pictures, her imagination and memory must be
remarkable. For Elisabeth Watzek, everything seems to be of
importance. She doesn’t talk about it; but during her creative
process she appears to be very relaxed, almost happy.
Not only does she have the gift of imagination and memory;
she also succeeds in implementation. Being able to draw three-dimensionally and perspectively, using light and shadow,
is a skill Elisabeth has acquired in the course of her longtime
artistic career. With implicitness, Elisabeth Watzek uses all materials and technical possibilities available to her and arranges them next to each other. Thus, in one picture, one will
see pencil, oil crayons, acrylic colours, as well as coloured
pencils.
As mentioned, she is a peaceful person, and she goes about
her work in the same manner. She sees something and makes
Anita Wend
Anita Wend nasce il 3 maggio 1982. Vive a Toruń
con i genitori e i due fratelli fino al 2010. Ora vive a
Tuczno, presso Inowrocław, in Polonia. Termina la
scuola elementare e, nel 2000, si diploma presso
una scuola di formazione professionale di base per
persone con disabilità, con curriculum alberghiero.
Nonostante il titolo professionale conseguito, non è
in grado di svolgere il proprio lavoro a causa della
sua disabilità. Cresciuta in una famiglia normale,
circondata da affetto, non è tuttavia pronta a definire e soddisfare i propri bisogni e di assumere il
ruolo di una persona adulta. Nel 2000, terminata la
scuola, Anita rimane a casa e ben presto si mette
in contatto con il Centro per lo sviluppo delle attività
artistiche dei portatori di handicap, che vanta molti
anni di esperienza terapeutica. Per quanto ritrosa
e chiusa in se stessa, partecipa a tutte le attività.
A poco a poco, dopo la fase di adattamento e
di riconoscimento dell'ambiente, riesce a trovare il
suo posto nel centro e mette in luce le sue nuove
competenze e i suoi interessi verso la storia, la letteratura fantasy, la poesia e lo sport. Scrive racconti,
poesie e liriche. Si scopre intellettualmente abile,
sensibile e socialmente matura. È ben disposta
a intraprendere tutte le attività offerte dal Centro.
La sua creatività artistica è particolarmente valida.
La sua sensibilità, incentrata sulle relazioni, e la sua
empatia sono i tratti caratteristici che affiancano la
sua creatività artistica. Anche se preferisce il contatto con i terapisti e i colleghi il cui livello intellettuale
e cognitivo è relativamente elevato, resta comunque sensibile alle esigenze delle persone anziane
e bisognose di sostegno. Le sue opere sono state
esposte in più di dieci mostre collettive, in Polonia
e all'estero. Nel 2014 ha inoltre tenuto una mostra
personale.
it visible to us through her eyes.
Exhibition: see website www.irregulartalents.eu
zing the environment, she managed to find her place in the
Centre, revealed her new skills and interests in history, fantasy
literature, poetry, and sports. She wrote stories, poems, and
lyrics. It turned out that she is intellectually skilled, sensitive,
and socially mature. She was willing to undertake all activities offered by the Centre. Her artistic creativity is of particular
value. Her sensitivity, focusing on relations, and empathy were
her other characteristic features apart from artistic creativity.
Though she most willingly contacted with therapists and her
colleagues whose level of intellect and cognition was relatively
high she still was sensitive to the needs of older persons and
those needing support. Her works have been shown on over
ten group exhibitions both in Poland and abroad. In 2014 she
also had a solo show.
Anita Wend
Anita Wend was born on 3 May 1982. She lived in Toruń with
her parents and her two siblings till 2010. Now she lives in
Tuczno near Inowrocław, Poland. She finished a primary school and, in 2000, she graduated form a special needs school of
basic vocational education with curriculum in catering. Though she had a vocational title, she was unable to undertake
work due to her disability. It was difficult to get a job as Anita,
both mentally and emotionally, was not ready to undertake a
job. Brought up in a typical, loving family she was not ready
to specify and satisfy her own needs and to undertake roles of
an adult person. In 2000, after finishing school, Anita stayed
at home and soon she got in touch with Center for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity, centre
which has many years of experience in therapy. Though she
was withdrawn and focused on herself, she participated in all
activities. Gradually, after the adaptation phase and recogni-
Franco Veneri
Franco Veneri è nato nel 1959 a Gonzaga, un comune in provincia di Mantova. Frequenta il centro
diurno gestito dalla cooperativa sociale Nazareno
di Carpi dove svolge principalmente attività teatrali,
recitando come attore. Si avvicina alle arti figurative frequentando sporadicamente l’atelier Manolibera, alle cui attività partecipa, generalmente,
Franco Veneri
Franco Veneri was born in 1959 in Gonzaga, a town in the
province of Mantua. He attended the day hospital center run
by Cooperativa Sociale Nazareno of Carpi where he primarily
participated to theatrical activities as an actor. He approa-
nei momenti liberi. Veneri disegna da sempre in
modo autonomo e l’inserimento nell’ambiente laboratoriale, insieme agli altri artisti, lo ha aiutato a
organizzare meglio il suo lavoro e ad affinare il suo
linguaggio. Quest’ultimo, mai casuale, presenta
caratteristiche ben precise che spesso si ripetono
con insistenza, sia dal punto di vista tematico che
stilistico. Il raggiungimento di uno stile personale ha
fatto sì che Veneri sia stato inserito nella rosa degli
artisti dell’atelier Manolibera. Alla domanda “perché
disegni?” Veneri risponde “Perché è il bello, e il bello
mi piace”. Nell’ottobre 2011 le sue opere sono state
esposte a Exhibition #4 e Exhibition #4.1 presso Il
Museum of everything di Londra.
Hubert Zemsauer
Nasce il 18 febbraio 1962 a Linz, in Alta Austria, figlio
di una casalinga e di un dipendente della VÖEST
(industria siderurgica austriaca).
Il primo contatto di Hubert Zemsauer con l'arte e
la pittura avviene tramite sua nonna, poi con il suo
insegnante d'arte, che ne riconosce il talento e lo
ched figurative arts by sporadically attending the Manolibera
workshop, generally in his free time. Veneri always draws autonomously, and his participation to a workshop, along with
other artists, helped him organize his work better and hone
his expressive language. Especially the latter, never left to randomness, has very specific features that are often repeated
insistently, both thematically and stylistically. Having achieved
a personal style, Veneri has been included in the array of artists
of atelier Manolibera. When asked, "Why do you draw?", Venus
replies, "Because it is beauty, and I like beauty". In October
2011 he was featured in exhibitions held at the Museum of
Everything in London, titled Exhibition #4 and Exhibition #4.1.
Hubert Zemsauer
Born 18th February 1962 in Linz, Upper Austria, son of a housewife and an employee of the VÖEST (Austrian steel industry).
Hubert Zemsauer’s first contact with art and painting was through his grandmother and later through his art teacher, who recognized his talent and encouraged him to express himself
creatively. In the beginning, he would design caricatures and
incoraggia a esprimersi creativamente. All'inizio disegna caricature e realizza disegni su vari materiali;
in seguito, inizia a dipingere acquerelli di grandi dimensioni sulle pareti della sua camera da letto. Durante il suo apprendistato presso VOEST Linz gli viene
offerta l'opportunità di lavorare su diverse sculture in
metallo nell'ambito di un progetto con il corso di lavorazione del metallo dell'Università delle Arti di Linz.
Purtroppo, nel 2000, quando è sposato con tre figli,
la sua salute inizia a deteriorarsi. Le sue gravi crisi
depressive portano a una parziale perdita della
memoria e delle competenze verbali, che Hubert
controlla con l'aiuto di terapia medica. Un corso di
2 anni di disegno dal vivo non solo lo aiuta a superare questa fase critica, ma segna anche il suo
primo contatto con l'istituzione "Arte e cultura" di Pro
Mente Alta Austria. Qui ritorna ad applicarsi alla pittura e sempre più spesso anche alla fotografia.
Questo impegno lo ha aiutato in modo decisivo a
ritrovare il mezzo e il tramite con cui esprimersi.
Mostre: vedasi sito www.irregulartalents.eu
make drawings on various materials; later, he started painting
large-sized images with water colours on the walls of his bedroom. During his apprenticeship at the VOEST Linz, he was offered an opportunity to work on various metal sculptures within
the scope of a project with the metal class of the University
of Arts in Linz. But in 2000, after his marriage and the birth of
his three children, his health began to deteriorate. His severe
depressions led to a partial loss of memory and verbal skills,
which Hubert now controls with the help of medical treatment.
A 2-year life drawing course did not only help him to overcome
this critical phase, but also marked his first contact with the “Art
and Culture” institution of Pro Mente Upper Austria. Here he
applied himself once more to painting and increasingly also
to photography. This artistic engagement has helped him decisively to find his own means and measures to express himself.
Exhibition: see website www.irregulartalents.eu
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