SPETTACOLI
L’ECO DI BERGAMO
MARTEDÌ 2 AGOSTO 2005
Mascagni, una vita da ribelle
Sessant’anni fa moriva il musicista di Livorno che cambiò la storia dell’opera
Le prime difficoltà, la Giovane scuola e il successo di «Cavalleria rusticana»
Nessuno sapeva resistere al fascino di Pietro
Mascagni. Né i suoi colleghi e musicisti, da Ponchielli a Puccini per i quali fu un amico leale, né le
molte donne che lo amarono nonostante le continue infedeltà; e nemmeno i suoi acerrimi denigratori, a cominciare da
Gabriele D’Annunzio che
nel 1892 l’aveva definito
sprezzantemente un «capobanda» ma che vent’anni dopo gli affidò la trasposizione in musica del
suo dramma Parisina.
Difficile dire da dove
provenisse un simile magnetismo. Certo dovette
influirvi la sua natura di
ribelle, che lo portò a respingere sempre ogni
compromesso, a sbattere
la porta in faccia anche a
chi avrebbe potuto stroncare la sua carriera, a imbarcarsi in avventure artistiche sempre
nuove.
«Non bisogna
fare la strada
percorsa - scrisse
dopo
il
trionfo della Cavalleria rusticana. - (…) Un altro compositore,
dal momento
che la fortuna
gli ha arriso,
continuerebbe
per la stessa
strada. Io no,
amo
tentare
una via diversa.
Vorrei essere
giudicato per la
musica, niente
altro che per la
musica».
Un proposito
che Mascagni,
di cui oggi cade il sessantesimo anniversario della
morte, realizzò appieno
con la sua musica che
sembrava scaturire direttamente dalla sua anima,
pura, primitiva, quasi animalesca come i sentimenti dei personaggi che popolano le sue opere. In
un’epoca in cui l’Italia era
invasa dalle brume wagneriane, egli propose l’unica ricetta che, come
notò il critico musicale
Eduard Hanslick, potesse opporvisi: una musica solare, sanguigna, mediterranea, che amplificasse le passioni elementari di personaggi comuni, presi dalla realtà quotidiana e non dalle atmosfere rarefatte della fiaba o del mito.
I tre pilastri
della sua arte
L’inclinazione a ritrarre i drammi dell’uomo
contemporaneo nella loro
scarna nudità - «verità,
dramma, passione» erano
per lui i tre pilastri dell’arte - gli derivò forse dalle
origini umili: nato Livorno nel 1863, crebbe tra le
per la «melodia infinita»,
a decretare il successo
travolgente della Cavalleria rusticana, dopo la
quale nulla fu più uguale
nella musica teatrale italiana: Puccini avrebbe
composto i suoi capolavori Manon Lescaut e
Bohème rispettivamente
tre e sei anni dopo, e
Leoncavallo, affascinato
dalla Cavalleria, fu spinto a lasciar perdere l’opera storica I Medici commissionatagli da Casa Ricordi, per consacrarsi invece alla stesura dei Pagliacci.
Finì così che il nome di
Mascagni si è identificato, e in un certo senso ne
è rimasto schiacciato, nella più celebre delle sue
opere, la quale ha irrimediabilmente oscurato ogni
suo lavoro successivo. Lavori improntati allo sperimentalismo più audace,
come si addiceva a un artista che sembrava divertirsi a cimentarsi in imprese sempre diverse, meglio ancora se lontane dalle sue attitudini o persino
superiori alle sue possibilità. Dopo avere abbracciato con entusiasmo il
verbo verista, Mascagni
non esitò a tornare alle
atmosfere romantiche con
il Guglielmo Ratcliff ispirato all’omonimo poema
di Heinrich Heine, né ad
abbandonarsi al simbolismo dell’Iris, all’intellettualismo giocoso delle
Maschere, al decadentismo estetizzante di Isabeau e soprattutto di Parisina, l’opera che nel
1913 segnò la sua riconciliazione con D’Annunzio, soggiogato dalla capacità del Maestro di rendere in musica le passioni di
Ugo e Parisina.
Mascagni, da parte sua,
trovò nell’opera di D’Annunzio la conferma della
propria teoria del dramma musicale, frutto della
compenetrazione e del sostegno reciproco tra musica e poesia.
Dall’alto in senso orario: Pietro Mascagni al
pianoforte; l’operista di Livorno in una classica
espressione intento alla direzione d’orchestra;
un’illustrazione per un’edizione di «Cavalleria
rusticana», il melodramma tratto dall’omonima
novella di Giovanni Verga. La prima
rappresentazione dell’opera andò in scena al
Teatro Costanzi di Roma il 17 maggio 1890, i
principali protagonisti sono Turiddu, Alfio,
Santuzza e Lucia. «Cavalleria rusticana» ebbe un
successo travolgente tanto che fu ben presto
assurta a manifesto del verismo musicale italiano
damigiane d’olio e i sacchi di farina del forno che
il padre aveva proprio sotto l’abitazione. Padre che
avrebbe voluto vedere suo
figlio diventare avvocato,
notaio o medico.
Ma Pietro aveva altro
per la testa, come rivelò il
giorno in cui, a tredici anni, si ritrovò fra le mani
un libretto intitolato Zilia,
incentrato su uno dei
viaggi di Cristoforo Colombo: ne fu talmente affascinato da passare ogni
giorno e ogni notte a cercare su una rudimentale
tastiera la musica che potesse accompagnare quella storia. Il padre, esasperato, decise di bruciare
quel dannato libretto, ma
Pietro riuscì a mettere in
salvo i suoi appunti musicali, che in seguito sarebbero confluiti nel Guglielmo Ratcliff, l’opera
nella quale investì forse le
sue maggiori energie.
Energie smisurate: Mascagni visse tra la Milano
delle grandi case editrici
musicali e la Roma del
Teatro Costanzi, di cui fu
a lungo direttore, si fece
cacciare dal Conservatorio di Milano per poi dirigere quello di Pesaro, e
si dice fumasse quaranta
sigari al giorno, bevesse
vermouth al posto del vino, non perdesse una
partita a scopone e amasse dettare legge anche
nella moda, ad esempio
La genesi
della musica
con il suo proverbiale
ciuffo che lo rendeva irresistibile agli occhi del
pubblico femminile. Ma
soprattutto dettò legge
nella musica, inaugurando il movimento passato
alla storia come «Giovane
scuola» che, dopo Verdi,
dimostrò come l’Italia dell’opera avesse ancora
qualcosa da dire. O meglio da cantare. È con il
canto, infatti - spontaneo,
selvaggio, quasi urlato che Mascagni portò gli
spettatori nel cuore dei
suoi drammi, obbligandoli a condividere passioni
e tormenti dei loro protagonisti. Con il canto e naturalmente con l’orchestra, che dopo Wagner
non poteva più non avere
un ruolo di primo piano,
affidandole il commento
lirico a un’azione che per
la prima volta portava
sulla scena emarginati e
diseredati, quei «vinti» ritratti da Giovanni Verga
in romanzi e novelle.
Proprio da una novella
verghiana prese corpo l’opera che fece entrare Mascagni nell’olimpo della
musica ottocentesca.
Rappresentata nel 1890
al Teatro Costanzi di Roma, Cavalleria rusticana
fu una deflagrazione che
abbatté tutte le vecchie
convenzioni teatrali: per
la prima volta il melodramma accoglieva tra le
sue braccia non teste co-
DISCHI CLASSICA di Stefano Cortesi
ANTONIO VIVALDI
TRASCRIZIONI
DI CONCERTI
Etichette: STRADIVARIUS, TACTUS
Le trascrizioni
dei Concerti
di Vivaldi ne
testimoniano
l’importanza
storica che
ebbe a partire
dal ’700
La fortuna di cui hanno goduto i Concerti di Antonio Vivaldi
ci è testimoniata, oltre che da
svariate pubblicazioni presso i
più importanti editori europei del
’700, anche da innumerevoli trascrizioni per strumenti a tastiera. Sebbene la pratica della trascrizione rappresenti una tipica
consuetudine barocca, la portata dell’acquisizione di Concerti di Vivaldi ad una destinazione
strumentale tastieristica non trova probabilmente riscontro in
nessuna altra produzione di autori coevi.
A questo riguardo le celebri
trascrizioni per clavicembalo e
organo realizzate da Bach, unitamente a quelle di altri autori
quali Walther e Scheibe, ci documentano in che misura fosse
avvertita nel ’700 l’esigenza di
approfondire l’opera vivaldiana.
Interessanti due cd, dedicati a
tale antica pratica, recentemente pubblicati. Nel primo, edito
dalla Tactus, Francesco Tasini,
con particolare attenzione
al modello bachiano, presenta una serie di celebri
Concerti in
una sua personale trascrizione e «riduzione» per organo. Egli utilizza
uno strumento
italiano costruito secondo le tipologie
del grande organo tedesco
Silbermann,
che si adatta
perfettamente
per le sue qualità foniche e
timbriche alla
ronate ed eroi leggendari,
ma poveri e analfabeti
contadini siciliani, travolti da un cupo dramma
della gelosia. Un Otello in
chiave verista nel quale
anche la musica, al pari
delle passioni messe in
scena, si offre senza sublimazioni né artifici, autentica come quella Verità
eletta a ideale letterario
dagli scrittori come Verga
o Capuana.
Fu questa genuinità di
espressione, appena mitigata dalle concessioni
alla tradizione verdiana
- riscontrabili negli appassionati cori che sottolineano o stemperano le
passioni dei protagonisti
- o al gusto wagneriano
«Io penso che la musica
sia un modo di sentire, un
modo di pensare - scrisse
in un articolo del 1913. A noi musicisti ogni visione, ogni impressione - un
colore, un grido, un quadro, un tramonto, un fiume - dà una sensazione
musicale. Merito del musicista? Merito del fatto
che origina l’idea. Ed ecco che se la potenza di un
bel poema suscita belle
sensazioni musicali, io dico che la musica è provocata e sollevata dalla poesia. Io vedo, per esempio,
nel mio lavoro un satellite che riceve luce, e colore, e forza, da quel sole
che è il poema».
Maria Mataluno
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Clusone Jazz
musica (quasi)
tutta europea
È un ritorno alle origini
Dal punto di vista delle
per Clusone jazz. Con le scelte sembra aver prevalcinque ragazze di «Girl so un’attenzione quasi aftalk», ensemble per soli fettiva, e forse la celebrasassofoni, domenica scor- zione lo consentiva. Il Kolsa si è tornati nei luoghi lektief, Sorgente Sonora, il
che, in anni passati, con i Clusone trio con tutte le disuoni del jazz e delle speri- ramazioni che un tale delmentazioni ardite degli im- ta creativo ha portato con
provvisatori avevano in- sé, parlano la lingua di una
staurato una relazione pri- storia quasi privata, fatta
vilegiata.
di relazioni umane ancorL’orologio dell’omonima ché artistiche.
piazza e la Danza macaDetto questo bisogna
bra si sono, sia pure solo prendere atto che il festival
per il volgere di questa tem- ha ottenuto ottimi e lusinporanea rentrée, in qual- ghieri risultati di pubblico.
che modo riappropriati di Spettatori numerosi per le
un festival che era anche molte date a ingresso libero della fase itinerante e
loro.
Intanto sono definitiva- buone presenze anche in
mente scoccati i venticin- Corte Sant’Anna, con i conque anni di una manifesta- certi a pagamento. Così,
zione che si è ritagliata uno nonostante il dominio inspazio di rilievo nel novero contrastato delle hit paradelle proposte concertisti- de e del marketing induche nazionali, attraverso gli striale, le piazze e le corti
alti e i bassi che dagli anni vengono riempite da un
Ottanta ad oggi hanno ac- pubblico che non è certo
compagnato le alterne vi- costituto da appassionati
cende di una musica co- e cultori della materia.
Questa edizione del festimunque orfana di numi
tutelari, si tratti tanto del- val ha poi celebrato per ben
le dubbie virtù commercia- due volte l’incontro tra
li dell’industria dell’intrat- banda e jazz. Proprio la
tenimento pop quanto del- banda ha resistito, a dile solerti attenzioni riser- spetto di ogni ragionevole
vate dalla finanza pubbli- previsione, all’assalto dei
tempi moca alle buoderni
in
ne accadevirtù dell’irmie della
riducibile
musica coldifferenza
ta.
che c’è tra la
La prima
musica che
considerasi fa e quelzione
rila che solo
guarda l’assi ascolta.
sociazione
Forse in
che in terciò risiede
mini origiancora il
nali da un
tratto everquarto di
Due «Girl talk»
sivo di quesecolo
a
sta musica,
questa parte riesce a trovare il pun- volta alle pratiche più che
to di equilibrio tra puro vo- ai consumi. E forse proprio
lontariato culturale (oggi per questi motivi Trovesi
oggetto del desiderio assai all’opera rappresenta
più raro dei panda) e gli qualcosa d’importante per
oneri organizzativi che un la musica bergamasca di
tale cartellone impone. questi anni, raccontando
Oneri brillantemente assol- nel contempo qualcosa
ti con buona pace dell’eti- d’emblematico per la muca del professionismo tan- sica d’oggi.
to in voga. La direzione arTornando al festival certistica ha dunque avuto ra- to un po’ è mancato il temgione, a scapito di tutte le pismo con il quale negli ulperplessità che il cartello- timi anni Clusone jazz avene dell’edizione 2005 ave- va incrociato alcuni dei
va suscitato.
progetti più interessanti
Un programma costrui- emersi sulla scena internato senza alcuna concessio- zionale, ma resta il piacene al nome appetibile e re di alcune preziose riveneppure a quei progetti ar- lazioni pressoché inedite
tistici, pure rigorosi, al cen- per il pubblico italiano, dal
tro dell’attenzione e del cre- trio Goudsmit, Vloeimans,
dito internazionale. Prati- Fraanjie al trio di Soren
camente omessa la scena Moller, o la scoperta del vastatunitense, che pure lore solistico assoluto di un
continua a vantare legit- Antonio Zambrini, accantima primogenitura su to alle belle conferme dello
buona parte delle musiche stesso Clusone Trio, delcontemporanee fondate l’ensemble Ammentos, del
sull’improvvisazione. Mol- settetto Sequences di Tino
tissimi gli italiani, anche Tracanna, del quartetto di
qui con un’ostinata esclu- Alberto Mandarini. All’insione dei soliti noti, ecce- segna di un caleidoscopio
zion fatta, e si capisce, per espressivo e di una pluraGianluigi Trovesi, e qual- lità stilistica che ha buttache investimento di troppo to alle spalle i rigorismi delsu musicisti di relativa la musica militante.
qualità.
Renato Magni
Al festival del teatro di figura il bergamasco Angelini ha proposto una pièce interattiva
resa del Concerto vivaldiano, in
particolare alla tipica alternanza tra «solo» e «tutti».
Nel secondo cd, curato dalla
Stradivarius, il liutista Paolo Cherici propone
una trascrizione di celebri
pagine per lo
strumento a
corde pizzicate. Sebbene al
momento non
si conoscano
fonti che riportino Concerti
di Vivaldi adattati al liuto, occorre tuttavia
considerare
che la pratica
della trascrizione ha accompagnato
lo sviluppo del
repertorio liutistico fin dalle
sue origini. Anche le trascri-
zioni tastieristiche più sopra
menzionate costituiscono una
fonte autorevole a cui i liutisti
potevano attingere. Dovendo selezionare dalla sterminata produzione di Vivaldi i Concerti più
adatti ad una resa liutistica, la
preferenza non poteva che cadere sulle opere dove gli strumenti solisti sono proprio il liuto e, per evidenti affinità strumentali, il mandolino.
Malgrado la complessità del
lavoro, in ragione delle ovvie difficoltà che comporta la riduzione di opere scritte per un organico a più strumenti sulla tastiera di un liuto, il risultato finale
appare assolutamente convincente, tale da non compromettere il senso musicale del linguaggio vivaldiano. Pur venendo a mancare la corposità e i colori di un’esecuzione orchestrale, la voce del liuto conferisce a
queste pagine un carattere di
musica da camera ricca di atmosfere riverberate dal timbro
prezioso dello strumento.
Cervia, le novità «Arrivano dal mare!»
Un mondo tanto più
aperto quanto più sicuro
della propria identità. È il
teatro di figura visto a «Arrivano dal mare!» a Cervia, il più importante festival italiano del settore,
nodo nella rete Europuppet, arrivato ai trent’anni
con un forte rilancio sui
giovani.
Due gli assi portanti
dell’edizione finita domenica scorsa: la tradizione europea del burattino
a guanto e l’affacciarsi di
una nuova generazione di
artisti, formatisi in scuole prestigiose e inclini alla contaminazione visuale.
In mezzo, ci sono l’amarcord del trentennale
e la tentazione multimediale di artisti come Terry
Lee o il bergamasco Luì
Angelini. L’esplorazione
del vasto territorio della
figura - non solo ciò che
può essere animato, ma
in generale tutto ciò che
muove l’immaginazione non riguarda infatti solo i
giovani.
Tra l’horror-fantascientifico Ishmael Falke
(Golemanual), la sofisticata Dorothée Saysombat
(La chambre 26) e il muto Desire degli allievi dell’Accademia polacca di
Bialystok, si ritagliano un
posto esponenti della generazione precedente. Nel
gogoliano L’abric gli allievi dell’Institut di Barcellona sono guidati da Alfred Casas, e Lee dirige il
gioco multimediale de
L’appartemental di Charleville-Mézières.
Va oltre il teatro, inve-
ce, Luì Angelini de La Voce delle Cose. Al festival
ha presentato in anteprima, in una sezione collaterale, il suo progetto di
gioco informatico interattivo sul tema del teatro di
figura tradizionale. Il progetto è in corso di definizione per l’Archivio di Etnografia e Storia sociale
della Regione Lombardia
(fondato dal grande etnomusicologo ed esperto di
teatro d’animazione Roberto Leydi) e sarà, una
volta ultimato, a disposizione sul sito Internet dell’archivio.
Semplice e vincente l’idea: ogni giocatore potrà
creare il proprio spettacolo, attraverso gli archetipi e le funzioni narrative
dello spettacolo tradizionale, sfruttando le possi-
bilità combinatorie e convenzionali delle trame di
Pulcinella e Gioppino.
È un matrimonio fra la
tradizione più schietta e
la tecnologia informatica.
Un matrimonio il cui annuncio sta bene in questo
festival, che ha visto tornare grandi custodi dell’ortodossia burattinesca:
il bolognese Romano Danielli con l’ottocentesca
Ginevra degli Almieri,
l’inglese Dan Bishop
(Punch & Judy Show) e il
napoletano Salvatore Gatto (Pulcinella).
Il bello è che a loro
guardano molti giovani
burattinai, come Luca
Ronga o lo stesso Di Matteo: la figura è davvero
uno spazio (animato) libero.
P. G. N.