SPAZIO ARTE DEI MORI
V e n i c e
I n t e r n a t i o n a l
YASUO SUMI
SPAZIO ARTE DEI MORI
Ve nice
Inte r natio nal
Campo dei Mori - Cannaregio 3384/b - Venezia
SPAZIO ARTE DEI MORI
www.spazioartedeimori .com
[email protected]
tel: +39 335 7457882
direzione
Raffaella Borghi
progetto e realizzazione grafica
Jonathan Sisco
Luigi Tenti
fotografie
Andrea Mardegan
Irene Cavalli
Luigi Tenti
testi
Yasuo Sumi
Shozo Shimamoto
Jonathan Sisco
Andrea Mardegan
Martino Scacciati
traduzioni
Andrea Mardegan
Ludovica Tomasi
Martino Scacciati
stampa
litoSERVICE Modena
La mia arte
dal Gutai al presente
di Yasuo Sumi
Sumi al lavoro nel suo giardino
La mia arte dal Gutai al presente
Nel 1954 terminai le cure per la tubercolosi durate ormai 3 anni, e ripresi a lavorare come
professore alla scuola media di Osaka sentendomi a disagio data la lunga assenza.
Li’ fu Shozo Shimamoto che gentilmente mi rivolse la parola. Insegnava arte mentre io ero
professore di sociologia, e allora sapendo che lui disegnava quadri, gli chiesi che tipo di opere
fossero. Shimamoto mi regalo` la foto di un suo lavoro che mi parve una serie irregolare di
linee nere su sfondo bianco, linee che incontrandosi creavano molte X. Mi disse che da allora
la pittura sarebbe stata cosi’ e che in particolare quella sua opera ricevette il primo premio
alla mostra Modern Art Exhibition. Sentendo cio`, io che nutrivo gia` un interesse per l’arte,
fui preso dal desiderio di disegnare. Lo confessai a Shimamoto pur facendogli intuire che non
conoscevo nessuna tecnica, ma lui mi incito` a provare. Cominciai a disegnare ogni giorno
spronato dalle sue parole, e ricevendo le sue lodi diventavo sempre piu’ attivo.
Un giorno per errore rovesciai la boccetta di inchiostro sulla scrivania e l’inchiostro si stese sui
fogli che vi erano. Sulla scrivania fu l’abaco ad attirare per primo la mia attenzione: lo presi e
cominciai a farlo scorrere sopra la macchia di inchiostro. Ne usci` un insieme di linee vigorose
che secondo me l’uomo non potrebbe tracciare con la sua sola forza. Shimamoto stesso ne fu
impressionato e mi consiglio` di provare con colori ad olio. Non solo, ma mi propose anche di
esporre questo tipo di lavoro alla mostra di Ashiya. Dato che era solo da un mese e mezzo
che disegnavo, mi parve una proposta improponibile ma siccome si offri` di accompagnarmi
all’allestimento io accettai, e non solo passai il primo turno, ma ricevetti anche il primo
premio.
Nella giuria si trovava il maestro Jiro Yoshihara, che Shimamoto mi presento` e il quale
apprezzo` molto il fatto di realizzare opere con l’abaco. Il maestro Yoshihara mi incito` a
continuare ed io che gia` ero felicissimo perche’ non sapevo che il mondo dell’arte fosse cosi’
bello, giurai a me stesso di continuare a disegnare con l’abaco per tutta la vita. In quell’anno
Shimamoto e Yoshihara fondarono l’associazione artistica Gutai dove ben presto fui fatto
membro, ed intanto disegnare diventava un piacere sempre piu’ grande. Usavo la bangasa
(ombrellina giapponese), un vibratore artigianale, un pettine largo, e l’arte mi pareva un
mondo di scoperte. Fu gia` da allora che cominciai a ritenere straordinarie la disperazione
(intesa come liberazione della mente), la mancanza di serieta` (il pensare al futuro), e
l’irresponsabilita` (il ritorno all’essere uomo), perche’ la creativita` nel provare a disegnare
usando strumenti nuovi e` molto piu’ efficace di quello che si puo` trovare nella propria
mente, dove le scoperte sono limitate.
Questo mio modo di pensare dura tuttora. Mentre disegno, la mia mente e` completamente
libera e mi riempio solo di gioia. Il colore schizza qui e li’, in una condizione che comunemente
viene considerata di non bellezza o disordine, ma al contrario per me e` il prodotto diretto
della forza naturale.Le mie opere, recanti i tratti dell’abaco, i tagli dovuti ai sandali
giapponesi, i buchi o i danni creati dando colpi di ombrello sulla carta o sulla tela, sono
semplicemente le tracce testimoni della mia forza naturale.
Yasuo Sumi
Maggio 2009
My art from Gutai up to the present
In 1954 I ended a three years treatment for tuberculosis. I started working as a professor at
Osaka school again, feeling uncomfortable because of the long absence.
There, Shozo Shimamoto spoke to me. He taught Arts while I was a professor of sociology.
Knowing that Shimamoto was drawing paintings, I asked him what kind of paintings they
were. Shimamoto gave me a picture of one of his works ( the first prize at the Modern Art
Exhibition) that seemed to me a series of irregular lines on a white background, lines that
meeting each other created many Xs. Shimamoto stated that his works represented the
future of the painting. Already interested in the art, I longed for drawing while listening to his
words. I revealed Shimamoto my desire letting him understand I did not know any technique.
He encouraged me to have a go. I started drawing every day spurred by his words. While
receiving his praises, I got more and more active.
One day, I spilled a bottle of ink on the desk and the ink spreaded on the sheets that were
there. On the desk the abacus drew my attention at first. I took the abacus and ran it over
the stain of ink. The result was a group of vigorous lines that, in my opinion, a man could
not draw with his own strength. Shimamoto as impressed and suggested me to try the oil
paintings. He even proposed me to exhibit this kind of work in the exhibition of Ashiya.
Since I had been drawing for a month and a half his proposal seemed to me quite unrealistic.
I accepted the same as he offered to accompany me. I passed the selections and won the
first prize.
Jiro Yoshihara was among the members of the jury. Shimamoto introduced me to Yoshihara.
He appreciated my works with the abacus and encouraged me to go on. I was so happy
because I did not know how wonderful was the world of the art. I swore myself to keep on
drawing with the abacus for all my life. In that year Shimamoto and Yoshihara founded the
artistic association named Gutai. I used bangasa ( a Japanese Umbrella ), an hand made
vibrator and a large comb. The world of the art seemed to me a world full of discoveries.
Since then, I found extraordinary the despair (the liberation of the mind), the lack of
seriousness (thinking ahead), and the irresponsibility (the return to being man). Indeed, the
act of creation, while drawing, using new tools is much more effective than using your own
mind where discoveries are limited.
This way of thinking is still valid for me. While drawing, my mind is completely free and is
only full of joy. The colour splashes here and there in a condition that is commonly
considered disorder, but, on the contrary, for me is the direct product of the natural strength.
My works, bearing the marks of the abacus, the cuts of the Japanese sandals, the damages
caused by the strokes of the umbrella on the the paper or on canvas, witness my natural
strength.
Yasuo Sumi
May 2009
7
Sumi mostra antologica fiera Padova 2008
8
Il mio concetto di arte
Quando faccio le mie opere, il mio atteggiamento è di “yakekuso (disperazione),
fumajime (mancanza di serietà), e charanporan (irresponsabilità)”. Precisamente,
per disperazione intendo quella condizione di completa liberazione dello spirito, per
cui sento di non avere limiti ed anche il mio talento in se stesso può esprimersi senza
limiti. La mancanza di serietà è il rifiuto del passato. Dal passato fino al presente ci
sono state e ci sono molti statuti e norme all’interno delle nostre società. Il rifiuto o
l’ignorare tutto ciò non è nient’altro se non il futuro. Infine, l’irresponsabilità è
proprio il ritorno della persona. In altre parole, se non ci fossero ne’ la società ne’ la
famiglia, penso che tutto potrebbe rientrare nell’irresponsabilità. Sin dall’inizio,
l’uomo, prodotto della natura, ha posseduto un grande potere. Quando quel potere si
manifesta come disperazione,
mancanza di serietà ed irresponsabilità, ritengo che si realizzi l’espressione di se
stessi mostrando nella sua pienezza la forma vera della persona.
Yasuo Sumi
Settembre 2006
My concept of art
When I create my works, my feelings are a mix of yakekuso (desperation), fumajime
(absence of seriousness) and charanporan (irresponsibility). Yakekuso is for me the
condition of complete spiritual freedom, in which I become free from any limit and
also my ability in itself becomes infinite.
Fumajime is the refusal of the past. In the human society there have always been
many codes, laws and rules, from the past till now.
The refusal of all those rules is nothing but the future.
At last, for charanporan I mean “the return to the real human shape”.
In other words, if the bonds of the society and those of the family did not exist, I think
that in those conditions everything would be “charanporan”.
Man by nature has a great power, and when this power is expressed with desperation,
absence of seriousness and irresponsibility, it becomes the manifestation of his true
form.
Yasuo Sumi
September 2006
9
La forza della natura
L’uomo è un prodotto della natura e per questo ha in se’ il potere della natura, una
grande forza come quella che si sprigiona durante un terremoto o un tifone.
Penso che anch’io ho questa forza della natura e per me l’arte ne è l’espressione.
Dalle opere realizzate pensando non esce altro che un potere artificiale.
A me piace non pensare a nulla. Proprio quando non penso a nulla mi viene in mente
un nuovo modo di espressione e mi assale il desiderio di creare altre opere. Quando
disegno, nella mia mente sparisce tutto. Rimane solo la sensazione di divertimento e
gioia.
E mentre sono così assorto, mi appare davanti l’opera. È l’opera stessa che una volta
completata risveglia il mio cuore ed io raggiungo il massimo della felicità e della
soddisfazione.
Yasuo Sumi
Settembre 2006
The power of Nature
Man is a product of Nature. Hence, man has got the power of Nature that includes the
mighty strength of an earthquake or a typhoon. I think I have that power as well, and
art is its way of expression. Works of art conceived by thinking show only a factitious
and artificial power.
I love not to think about anything. It is in such a situation that it occurs to me how
and what to do.
Then I feel a great desire to make a new work. I begin making it immediately but
when I am drawing lines my mind gets empty.
Only happiness and fun remain, and the work appears before my eyes. When the work
itself awakes my heart I feel the utmost joy.
Yasuo Sumi
September 2006
10
Sumi e Shimamoto alla Biennale di Venezia 2007
11
Le opere di Yasuo Sumi
Sumi fa spesso uso di pettini, abachi giapponesi e vibratori, ama strumenti che si
confanno alla sua personalità, senza cambiare più di tanto, al contrario degli altri
membri del gruppo che si specializzano nella ricerca di nuovi materiali. Penso che una
delle sue caratteristiche sia quella di usare quegli strumenti non tanto per essere
più veloce nel tracciare tanti tratti paralleli, quanto più per la dinamicità che comporta
un difficile controllo.
In pratica, nelle sue opere, e in particolare in quelle in cui usa il vibratore, a causa
delle tantissime vibrazioni il colore talvolta finisce col saltare e spargersi senza poter
essere indirizzato in qualche modo. In genere si può dire che questo è “sporcare”, e
questo sporco non è una cosa prodotta casualmente ma al contempo piacevole: è
davvero uno sporcare. È per questo che io fin dall’inizio ho cercato di evitare quanto
più possibile il senso di sporcizia e di macchia, ritenendo che se non ci fosse stata
sarebbe stato meglio, ma poi ho capito come questo sia il modo di espressione
di Sumi più vicino al suo essere. L’uso di quei strumenti è per Sumi non un fatto di
comodità ma di fusione con la sua natura.
Shozo Shimamoto
GUTAI n. 5, 1956
The artworks of Yasuo Sumi
Sumi loves to use combs, abaci and vibrators for paint, and he persists in using these
tools without changing, in contrast with the other members of the Gutai, who
continuously search for new tools and materials, probably because they reflect his
nature.
I think that one of his features is that the use of those tools is not a way for been
quick in tracing many lines at the same time, but a more dynamic way difficult to
control.
Sometimes, in Sumi’s works, and particularly when he uses the vibrator, the color can
not be controlled because of the vibrations.
Generally this can be considered “to dirty”, and these lines painted almost randomly
are actually a dirty paint.
I tried from the beginning to avoid the sense of something dirty in my works, but in
the case of Sumi’s artworks, that is a way of expression, and the use of the same
tools in many works is not for his own convenience but for express his own spirit.
Shozo Shimamoto
GUTAI n.5, 1956
12
Sumi e Shimamoto durante la performance a Capri 2008
13
Yasuo Sumi e il Gruppo Gutai
Nato nel 1925, il maestro Yasuo Sumi risiede oggi nella città di Itami, presso Osaka nel sud
del Giappone. Alla metà degli anni Cinquanta, la sua formazione di artista astratto ha una
svolta decisiva quando Shozo Shimamoto, affascinato dalla sua vocazione naturale per un
uso selvaggio e “sporco” del colore, lo coinvolge nel movimento dei pittori Gutai, fondato nel
1954 dallo stesso Shimamoto e dal pioniere dell’arte astratta giapponese Jiro Yoshihara.
Sumi entra ufficialmente a far parte del Gruppo
Gutai nel luglio 1955 quando partecipa alla “I
Esposizione all’aperto” organizzata dagli artisti
nella
città
di
Ashiya.
Nella
stagione
immediatamente successiva, mentre il Gruppo
Gutai veniva riconosciuto sia in Europa sia in
America come un interlocutore privilegiato
dell’Action Painting e un antecedente autonomo
di nuove esperienze occidentali come gli
happenings e le performances, Sumi aderisce a
tutte le iniziative del gruppo sviluppando in
modo sempre più profondo la sua idea di arte
come espressione diretta della vitalità naturale
attraverso il colore e l’azione. I suoi quadri densi e disarmonici vengono ben presto
riconosciuti in tutta la loro originalità istintiva e spontanea, sulla scia di alcuni importanti
giudizi espressi dallo stesso Jiro Yoshiara, che citerà Sumi fra i protagonisti del Gruppo in
tutti i suoi interventi teorici pubblicati fra anni Cinquanta e Sessanta nel Bollettino Gutai, a
cominciare dal fondante Manifesto dell’arte Gutai del dicembre 1956 (uscito sulla rivista
Geijutsu shincho) dove Sumi viene citato per l’originalità del suo dipingere utilizzando un
vibratore per spandere freneticamente il colore sulla tela. Dei primi anni Sessanta sono anche
alcune importanti esperienze di Arte e Teatro (una delle linee più originali della ricerca Gutai)
in cui Sumi sale sul palcoscenico all’interno di una scatola in vinile lanciando contro le pareti e
spargendo su se stesso pitture diluite in acqua. Dopo lo scioglimento del Gruppo Gutai
avvenuto nel 1972 in seguito alla morte di Yoshihara il maestro Sumi ha portato avanti le
proprie ricerche artistiche dialogando attivamente da una parte con l’altro grande
protagonista del Gutai Sozo Shimamoto, dall’altra con le correnti di giovani artisti
contemporanei che dal Gutai hanno tratto ispirazione, a cominciare dal Gruppo AU (Art
Unidentified) di cui è membro ed esponente di rilievo.
Jonathan Sisco
14
Yasuo Sumi and the Gutai Group
Born in 1925, Yasuo Sumi, lives nowadays in Itami, nearby Osaka, in the southern
part of Japan.
During the mid fifties, the meeting with Shimamoto can be considered the turning
point in Sumi’s abstract education as an artist. Shozo Shimamoto, fascinated by
Sumi’s natural vocation in using the colour in a wild and dirty manner, involved Sumi
in the group of the Gutai painters, founded by Shimamoto himself and Jiro
Yoshihara, the pioneer of Japanese abstract art. Sumi officially was part of the Gutai
Group in July 1955 attending the “I outdoor exhibition”, organised by the artists in
Ashiva town.
In the following season, the Gutai Group was recognised both in Europe and in USA
as the privileged speaker of Action Painting and as an independent antecedent of the
new western experiences such as happenings and performances. Sumi joined in all
the group initiatives, deeply developing his concept of art as direct expression of
natural vitality by means of the colour and the action.
His paintings, disharmonious and dense, were soon appreciated for all their
instinctive and spontaneous originality thanks to the important reviews of Jiro
Yoshiara. Yoshiara quoted Sumi among the members of the Group in all his public
interventions, issued among the ’50s and 60s’ within the Gutai Journal. In the
essential Manifesto of Gutai art, dated December 1956, (published in Geijutsu
shincho magazine), Sumi is mentioned for his original way of painting by using a
vibrator to spread frantically the colour on the canvas.
Some important experiences of Art and Theatre belonged to the early seventies,
where Sumi, on the stage inside a vinyl box, threw against the walls and scattered
himself water down paint.
Jonathan Sisco
15
Come lavora Sumi
Nel lavoro di Sumi, come in quello di tutti gli altri esponenti dell’arte Gutai, riveste
una notevole importanza il rapporto fra l’opera d’arte e il luogo in cui essa viene
creata
dall’artista,
poiché
il
flusso
energetico dell’ambiente contribuisce in
modo decisivo al formarsi del dipinto. Sumi
dipinge quasi tutti i suoi quadri all’aperto,
nel giardino della sua casa di Itami e
mentre dipinge indossa sempre i geta
(sandali giapponesi in legno) durante le sue
performance. I geta sono diventati uno dei
simboli di Sumi, assieme al soroban (abaco
o pallottoliere giapponese) e alla bangasa
(ombrellina giapponese dalla forma caratteristica) L'uso che Sumi fa di questi oggetti
è del tutto particolare. Il soroban viene usato non per fare conti aritmetici bensì per
creare nei suoi lavori delle linee curve e allo stesso tempo parallele, dopo aver
versato sulla tela o sulla carta l'inchiostro giapponese (simile alla china). La bangasa
serve invece per dare dei colpi violenti sulla tela, che, come la bangasa stessa,
spesso rimane danneggiata nel corso del processo pittorico, portando quindi
all’interno dell’opera d’arte i segni concreti dell’azione manuale dell’artista. Questa
forma profonda di continuità fra il gesto tecnico e la
superficie del quadro è una delle eredità più
importanti lasciate dal Gutai all’arte contemporanea,
poiché implica un legame molto stretto, quasi una
fusione, fra l’arte e l’esperienza di vita del soggetto
creativo. L’opera d’arte è come un’impronta lasciata
dall’artista tramite i materiali, i colori e gli strumenti
utilizzati nell’operazione creativa. Un altro strumento
caratteristico dì Sumi è il vibratore. Un semplice
motorino con un rotore fissato ad una tavoletta che, se avvicinata alla superficie
della tela, comincia a rimbalzare freneticamente spargendo il colore in maniera
ritmica. L’uso di questi strumenti, insieme con la notevole fisicità espressiva delle
tecniche di Sumi, creano le esplosioni di colore sulle tele e le carte, i gorghi
improvvisi di materia e di segni che identificano le sue opere durante e dopo
l’adesione all’arte Gutai, con un’immediatezza performativa selvaggia tra
calligrafismo e violenza gestuale.
Jonathan Sisco
16
Sumi way of painting
The relationship between the work of art and the place of its creation is extremely
important both in Sumi’s work and in that of the other Gutai members. The energetic
flux of the environment is crucial for the shaping of the painting. Sumi paints the
majority of his works outdoor, in the garden of his house in Itami. While painting, he
always wears his geta (Japanese wooden sandals) during his performances. Geta,
soroban (Japanes abacus) and bangasa (typical Japanese umbrella) are Sumis’
symbols.
Sumi uses all these tools in a peculiar way. The Soroban is used for creating curved
but at the same time parallel lines after having spread on a canvas or paper
Japanese ink (similar to Indian ink). Sumi hits violently the canvas with bangas and
bangasa, damaging at the same time the canvas and the tools themselves,
reproducing the manual action of the painter inside the painting.
The continuity between the technical gesture and the surface of the painting is the
most important Gutai painter’s inheritance left to the contemporary art. This implies
a deep bond, almost a melting point, between the art and the human experience of
his creator. The work of art has to be considered the artist mark made with
materials, colours, and tools used in that creative action.
Another typical tool of Sumi is the vibrator. A simple electric motor with a rotor fixed
to a small board that spreads the colour rhythmically, close to the canvas surface.
The work of Sumi, during and after the adhesion to the Gutai art is identified by
these tools, the explosion of colours on the canvas and papers, the sudden whirlpools
of matter and by a wild performance ranging between handwriting and violent acting.
Jonathan Sisco
17
Sumi durante la performance alla Biennale di Venezia 2007
18
Strumenti di lavoro di Sumi
19
La personalita` del maestro Sumi
Fu un altro membro Gutai, Shozo Shimamoto, a presentarmi Yasuo Sumi nel 2003 in
occasione di una mostra del gruppo AU a Hyogo (Giappone).
Sumi era seduto vicino all’entrata della sala espositiva. Intuii subito che aveva
problemi di udito, e per di piu’ il mio giapponese era di medio livello, mancanze
queste che normalmente si rivelano un grosso ostacolo al dialogo. Ma non fu cosi’. Il
maestro mi sorrideva, ridacchiava, mi mostrava qualche opuscolo dove erano
pubblicate le sue opere.
Fu l’inizio di una storia che mi vede ora come suo coordinatore artistico, e nella
corrispondenza tenuta con il maestro, fatta per lo piu’ di lettere e fax, la chiusura
delle missive da parte sua vede sempre protagonisti un augurio di buona salute e
felicita`, un ringraziamento e un augurio a
Raffaella Borghi e Luigi Tenti per il loro lavoro,
un ringraziamento agli altri collaboratori.
Ricordo quando annunciai al maestro che mia
moglie aspettava il primo figlio. Per circa 5
mesi le lettere da parte sua, con contenuti
prettamente inerenti all’organizzazione dei suoi
eventi, si concludevano con: auguro la gioia
alla tua famiglia e un parto facile a tua moglie
nonche’ la salute di lei e del piccolo.
Queste
parole
semplici,
ma
ripetute
instancabilmente alla fine di ogni lettera
assieme agli altri ringraziamenti per tutti, sono
forse il motivo principale per cui mi commuovo davanti alle sue opere. Infatti, in
ciascuno degli innumerevoli tratti impressi col vibratore, in ognuna delle linee
parallele che coprono quasi tutte le opere di Sumi, intravvedo la forza naturale
dell’artista che condivide e trasmette a tutti noi la positivita` artistica, la cortesia e
l’energia che straripano dagli argini dei suoi 84 anni.
Andrea Mardegan
20
The personality of Yasuo Sumi
It was Shozo Shimamoto, another member of the group Gutai, who introduced Yasuo
Sumi to me on the occasion of a domestic exhibition by the AU group, in 2003 (in
Hyogo, Japan).
Sumi was sitting near the entrance of the exhibition room. I soon realized his hearing
was not good, and my Japanese level was average at the time, making the situation
far from ideal for a dialogue. However, there were actually no problems. He was
always smiling, sometimes he laughed, and he showed me several pamphlets
featuring his works.
This was the beginning of a story that winds up with me as his artistic coordinator.
Our correspondence is composed mainly of letters and faxes, and in every contact
from the master Sumi, the message ends with a wish of health and happiness,
thanks and good wishes to Raffaella Borghi and Luigi Tenti for their collaboration,
and thanks to the other coworkers.
I remember when I told him that my wife was pregnant for the first time. From that
day on for five months, Sumi’s letters and faxes related to the future art events and
exhibitions, ended with these words:“I wish happiness to your family, a safe and
easy delivery to your wife, and the health of her and the baby”.
They are simple words, but since they were unceasingly written in every letter along
with the thanks to all the other people, they touched me so much they have become
the main reason I feel moved when looking at his works of art.
When I look at the countless strokes made with the vibrator and at the parallel lines
drawn with the abacus, present in almost all of his works, I see in each of them the
natural power of Yasuo Sumi who shares with us his artistic positivity, kindness and
energy that overflow the banks of his 84 years.
Andrea Mardegan
21
Un rabdomante e l’oro della memoria
“Non so, perché ma lo trovo molto bello”, capita spesso di sentir dire a chi guarda un quadro
di Yasuo Sumi. Ai critici più esigenti, un commento del genere può suonare ingenuo e privo di
qualunque spessore. In realtà, è molto meno superficiale di quanto appare. In esso si può
anzi cercare il significato più profondo dell’opera di Sumi.
Vediamo perché, con una premessa di ordine generale sulle opere astratte. Quando un
quadro che non ha un contenuto figurativo viene percepito come gradevole, esso, almeno alla
prima impressione provoca in chi lo guarda un’emozione estetica pre–verbale. Mentre le
opere figurative offrono alla mente degli appigli immediati per motivarne la bellezza, quelle
astratte, se si esclude il colore, ne sono sprovviste. La loro è una bellezza spogliata di parole,
indefinibile – tale da renderle spesso degli enigmi estetici.
I quadri di Sumi non fanno eccezione. Piacciono ma – data la mancanza di un contenuto
figurativo – senza una ragione immediata. Nel vasto panorama dell’astrattismo, le opere del
maestro di Osaka (e degli altri Gutai) hanno tuttavia qualcosa di unico: la sensazione di
bellezza che essi suscitano ha una possibile spiegazione. Essa può essere trovata nella
poetica di Sumi e dei Gutai. Meglio, negli abissi archetipici della nostra memoria biologica.
Nel “bollettino Gutai n. 6”, pubblicato nel 1957 a firma di Sadamasa Motonaga, il senso del
bello è assimilato a un istinto. La tesi di Motonaga si rifà alla teorie evoluzionistiche. Citando
le ipotesi del biochimico russo Oparin, Motonaga istituisce una relazione tra gli organismi
risalenti a qualche miliardo di anni fa e l’uomo. Ad accomunarli non è solo la tensione a
procurarsi un godimento, e quindi la necessità di distinguere ciò che li fa star bene, che li
alimenta, che ne assicura la conservazione, da ciò che nuoce ed è sgradevole; negli uni e
nell’altro, questa selezione è operata dall’istinto, che costituisce “un elemento evolutivo
essenziale”. Gli istinti umani sono così il risultato finale di quella interminabile catena di
“scelte” che è stata l’evoluzione.
Per Motonaga anche il bello è un anello di questa catena. Come elemento che procura
godimento, “il senso estetico è venuto formandosi come requisito istintivo irrinunciabile”.
Esso è “qualcosa di reale che nasce da un’esperienza, ma non si tratta solo delle esperienze
accumulate da noi persone nella nostra breve esistenza individuale, poiché continuiamo a
portare dentro di noi il bagaglio delle esperienze biologiche stratificatesi nell’arco
dell’evoluzione”. (“L’uomo – concorda Sumi – è un prodotto della natura e per questo ha in sé
il potere della natura, una grande forza come quella che si sprigiona durante un terremoto o
un tifone. Penso che anch’io ho questa forza della natura e per me l’arte ne è l’espressione”).
Se dentro di noi portiamo gli archetipi dell’istinto, e quindi della bellezza, allora possiamo
anche proiettarli all’esterno, materializzarli (Gutai significa infatti “materializzazione del
bello”). Per farlo, è però necessaria una condizione: sprofondare negli abissi della memoria
archetipica, mettersi in contatto con gli strati più profondi della mente.
Il fatto che “non pensare a nulla” sia per Sumi la condizione per creare, non sembra casuale.
Non pensare gli serve ad attraversare i depositi della memoria personale, gli strati “culturali”
della mente per spingersi in profondità. In quei momenti, egli diventa un rabdomante in cerca
di archetipi. Il pettine, l’abaco e l’ombrello che egli usa, sono come la bacchetta o il pendolo
22
utilizzati per individuare l’acqua o i metalli nascosti al di sotto della superficie terrestre. Una
volta entrato in contatto con la dimensione archetipica della propria mente, fa riaffiorare,
riporta alla luce l’oro della nostra memoria. Ogni suo quadro è quindi un diagramma degli
strati più antichi della psiche, è memoria del Sé immemoriale.
Le opere di Sumi, va anche notato, hanno una struttura ricorrente: appaiono come grandi
macchie di colore sopra cui, con andamento centripeto, l’artista traccia delle linee curve.
Sembrano la rappresentazione di un nucleo energetico, il nucleo dell’energia vitale da cui si
generano le traiettorie del pensiero e dell’azione. Queste traiettorie hanno sempre un
andamento armonico, musicale. In fondo a noi, è come se dicesse ogni opera di Sumi,
risuona una musica piena d’armonia. Il problema, si può aggiungere, è solo saperla ascoltare.
Martino Scacciati
A rhabdomancer and the gold of the memory
“I don’t know why, but I find it beautiful”. People looking at Yasuo Sumi’s paintings often say
that. Even if such a comment may sound naïve and lacking of depth to a demanding critic, it
is no so shallow as it seems. On the contrary, in it you can look for the deepest meanings of
Sumi’s works.
Let’s start from a general, preliminary remark about abstract painting. When an abstract
work is perceived as agreeable, at a first glance it provokes a pre–verbal aesthetic emotion in
watchers. While figurative paintings offer the mind an immediate clue to explain their beauty,
abstract ones, apart from colour, do not. Their beauty is naked of words, indefinable,
aesthetically enigmatic.
Sumi’s paintings don’t make any difference. People find them beautiful without a reason why.
In the broad panorama of abstractism, the Osakan master (like other Gutai artists) shows
something unique. The sensation of beauty provoked by his works has an explanation. It can
be found in Sumi’s and Gutai’s poetics; better, in the archetypical abysses of our biological
memory.
In “Gutai bullettin n. 6”, published in 1957 by Sadamasa Motonaga, the sense of beauty is
assimilated to an instinct. Motonaga’s thesis is based on evolutionistic theories. Referring to
the biochemical hypothesis of Oparin, Motonaga sets up a relationship between primordial
organisms and man. In both of them there’s a tension toward enjoyment, and then the need
of distinguishing between what’s good, nourishing and what’s noxious, unpleasant. Instinct
(“an essential evolutive element”) is the factor operating this selection. Human instincts are
then the result of the endless chain of “choices” called evolution.
Motonaga says that even the sense of beauty is a ring of such a chain. As an affording
pleasure element, “it has been formed as a fundamental instinctive requisite. The sense of
beauty is something growing from experience, but not regarding only our brief, individual
history: we carry on with us the baggage of biological experiences stratified throughout
evolution”. (“Man – Sumi agrees – is a product of nature and therefore he contains its
23
power, a huge force similar to the energy released by an earthquake or a typhoon. I feel
that I have this strength myself and my art is its expression”).
If the archetypes of instinct and of beauty exist in us, we can also project them outside and
materialize them ( the term “Gutai” actually means “ the taking shape of beauty”); but the
condition for that is sinking in the abysses of archetypical memory, getting in touch with the
deepest layers of mind.
Sumi’s idea that ”thinking of nothing” is a condition for creation is meaningful: “notthinking” allows him to cross the deposits of personal memory and to reach the depth of the
“cultural” layers of mind. He then becomes a sort of dowser searching for archetypes: his
tools – comb, abacus,umbrella- are like the diviner’s pendulum and rod used to find water
and metals hidden under earth surface. As he gets in touch with the archetypical dimension
of mind, the gold of memory can resurface. All his paintings can be therefore seen as
diagrams of the primary layers of psyche, as memory of one’s oblivious Self.
Sumi’s works remarkably present a recurring structure: they appear as large colour spots
over which the artist plots curved lines with a centripetal movement. They seem to represent
an energetic nucleus, the core of vital energy generating the tracks of thought and action.
These tracks always have an harmonic, musical course: all his works seem to indicate that
music and harmony deeply resound in us. Listening to them- we may add- is our task.
Martino Scacciati
24
SPAZIO ARTE DEI MORI
V e n i c e
I n t e r n a t i o n a l
Opere del periodo Gutai
25
______________
SY47 25×36 – Carta, 1954
Early Gutai Work Sketch 01
______________
SY48 26×38 – Carta, 1955
Early Gutai Work Sketch 02
26
______________
SY50 54×38 – Carta, 1956
Early Gutai Work Sketch 04
27
_____________
SY54 24,3×17,5 Carta, 1957
Early Gutai Work Sketch 08
______________
SY49 25×18 – Carta, 1956
Early Gutai Work Sketch 03
_____________
SY51 25×18 – Carta, 1958
Early Gutai Work Sketch 05
28
______________
SY52 44×19,5 – Carta, 1957
Early Gutai Work Sketch 06
______________
SY53 54,2×37,5 – Carta, 1956
Early Gutai Work Sketch 07
29
_____________
SY27 108×78 – Carta giapponese, 1968
Yasuo Sumi 28
30
____________
SY66 143×104 –Rete, 1968 inserita su tela 2009
The dragon and the eagle
31
______________
SY29 152×112 – Cartone, 1972
Work 28
32
33
34
SPAZIO ARTE DEI MORI
V e n i c e
I n t e r n a t i o n a l
Opere successive al
periodo Gutai
35
______________
SY28 100×58 – Carta giapponese, 1988
Work 06
36
______________
SY25 110×66 – Carta, 2003
Work 14
37
______________
SY06 94×57 – Rete, 2005
YasuoSumi 32
38
__________
SY18 168×135 – Carta, 2005
Opera Nera
39
______________
SY19 123×61 – Carta, 2005
Work 02
40
______________
SY20 108×61 – Rete, 2005
Work 03
41
_____________
SY21 137×82 – Rete, 2005
Work 06
42
______________
SY22 88×67 – Carta, 2007
Work 16
43
_____________
SY23 88×67 – Carta, 2007
Work 17
44
______________
SY24 99×67 – Carta, 2007
Work 13
45
______________
SY26 64×53 – Carta, 2007
Work 10
46
______________
SY31 188×96 – Carta giapponese, 2007
Work 34
47
______________
SY33 235×136 – Carta giapponese, 2007
Work 36
48
______________
SY34 109×70 – Tela, 2007
Work 38
49
______________
SY35 112×71 – Tela, 2007
Work 39
50
______________
SY36 98×69 – Tela, 2007
Work 40
51
______________
SY37 70×73 – Tela, 2007
Work 41
52
______________
SY38 70×73 – Tela, 2007
Work 42
53
______________
SY39 73×71 – Tela, 2007
Work 43
54
______________
SY40 141×100 – Tela, 2007
Work 45
55
__________
SY41 142×100 – Tela, 2007
Work 46
56
______________
SY42 98×70 – Tela, 2007
Work 48
57
______________
SY43 166×139 – Tela, 2007
Work 50
58
______________
SY44 166×141 – Tela, 2007
Work 51
59
______________
SY45 168×142 – Tela, 2007
Work 52
60
_____________
SY46 120×41 – Tela, 2007
Work 54
61
______________
SY55 100×100 – Tela, 2009
Gin
62
______________
SY56 100×100 – Tela, 2009
Aka
63
______________
SY57 73×70 – Tela, 2009
A Homage to Venice 1
64
_____________
SY58 100×71 – Tela, 2009
A Homage to Venice 6
65
_____________
SY59 99×70 – Tela, 2009
A Homage to Venice 8
66
_____________
SY60 100×71 – Tela, + rete 2009
A Homage to Venice 11
67
_____________
SY61 86×70 – Tela, 2009
A Homage to Venice 13
68
_____________
SY62 86×70,5 – Tela, 2009
A Homage to Venice 14
69
_____________
SY63 72×71 – Tela, 2009
A Homage to Venice 16
70
______________
SY64 140×104 – Tela + rete, 2009
Untitled
71
____________
SY65 90X70 – Tela, 2009
The dragon
72
73
YASUO SUMI –MOSTRE PRINCIPALI
1925
1947
1949
1950
1954
1955
1956
1957
1958
1959
1960
1961
1962
1965
1966
1967
1971
1974
1976
1977
1979
1981
1982
1983
1984
1985
1987
1988
1989
Nasce a Osaka
Si laurea alla Kansai University. Diventa professore alla Scuola Statale Yodosho di Osaka
Diventa professore della Scuola Statale Toyosaki di Osaka
Si laurea in Economia alla Ritsumeikan University di Kyoto
Premiato alla 7ma mostra di Ashiya (premiato consecutivamente anche i 5 anni successivi)
Invitato alla 2nda mostra Genbi
7ma mostra dello Yomiuri Shinbun, Museo di Tokyo
Entra nel gruppo Gutai.
Prima esposizione Gutai (Tokyo) ed espone in seguito a tutte le altre esposizioni Gutai.
Prima esposizione Gutai all’aperto (Ashiya)
Prima esposizione Gutai su palcoscenico (Osaka, poi Tokyo)
Seconda esposizione Gutai su palcoscenico (Osaka)
Informel e Gutai (mostra itinerante con prima tappa a Osaka)
Esposizione Gutai a New York (Martha Jackson Gallery)
Reportage della BBC inglese
Esposizione Gutai a Torino
Sesta mostra Asahi (Osaka)
Mostra d’avanguardia a Torino
Osaka, Sankei Hall
Mostra Gutai a Parigi
Muramatsu Gallery (Tokyo)
Esibizione Gutai in Olanda (Den Haag)
Esibizione Gutai in Olanda (Rotterdam, Design House)
Esibizione Gutai in Austria (Klagenfurt)
Primo Festival dell’Arte di Hyogo (la piu’ grande prefettura del Giappone)
Quarto Festival dell’Arte di Hyogo
San Francisco –Japan NowEsposizione internazionale a Mosca
Stoccarda (Germania dell’Ovest)
Mostra Sign Symbol a Wellington (Nuova Zelanda)
Dopo il Gutai e Jiro Yoshihara- Museo d’Arte Contemporanea di Hyogo
Mostra -World Symposium- (Canada)
Personale a Nishinomiya
Personale al Museo di Tokyo
Dusseldorf (Germania dell’Ovest)
Arte Moderna di Hyogo (Museo d’Arte Contemporanea di Hyogo)
Mostra -Arte Moderna di Vancouver- (Canada)
Mostra -The First Ten, 1975-1985- Off Center (Canada)
Londra
Yoshihara e Gutai (Ashiya Center)
Personale alla Galleria Municipale di Itami
Personale a North Fort, Osaka
Personale a New York (Japanese-American Artist Cultural Center)
Personale ad Ashiya
Collettiva Gutai al Museo d’Arte Contemporanea di Hyogo
Personale ad Amagasaki
Mostra –Yamamura Collection- al Museo d’Arte Contemporanea di Hyogo
Seconda personale presso la Galleria Municipale di Itami
74
1990
1991
1992
1993
1994
1995
1996
1997
1998
1999
2000
2001
2002
2003
2004
2005
2006
2007
2008
2009
Collettiva Gutai al Museo di Shibuya (Tokyo)
Personale a Ikeda
Gruppo Gutai –anni ’50 (Museo d’Arte Contemporanea di Roma)
Collettiva Gutai 1954-1965 (Darmstadt, Germania)
Mostra d’Arte Gutai a Milano (Milan Art Center)
Esposizione Gutai I, Museo di Ashiya
Esposizione all’aperto, Ashiya
Personale alla galleria Second House di Ashiya
Esposizione Gutai II, Museo di Ashiya
45 ma Biennale di Venezia
Personale a Osaka, Lads Gallery
Personale a Osaka, ABC Gallery
Collettiva al Museo di Chiba
Personale a Osaka, Lads Gallery
Mostra di 4 artisti, Museo di Rauma (Finlandia)
Personale a Osaka, Shimanouchi Gallery
Collettiva Gutai, Galerie Jeu de paume (Parigi)
Personale a Osaka, Kuruse Gallery
Gutai and Informel, Art-U Gallery
Pubblicazione del libro “Yakekuso, fumajime, charanporan” Edizioni Bungeisha
Personale a Osaka, Lads Gallery
Personale presso il Museo di Itami
Gutai, Museo d’Arte Contemporanea di Hyogo
Personale a Osaka, Lads Gallery
Personale a Sendai
Konsekiten – Museo d’Arte Contemporanea di Kyoto
Konsekiten – Museo d’Arte Contemporanea di Tokyo
Trevi Flash Art Museum –Mostra e Performance
Museo d’Arte Contemporanea di Osaka
Fondazione Morra, Napoli –Mostra e Performance
Fiera d’Arte Internazionale di Tokyo
Museo d’Arte Contemporanea di Tokyo
Personale a Venezia –Spazio Arte dei Mori
Biennale di Venezia –Evento collaterale P3
Personale a Venezia –Spazio Arte dei Mori
Personale a Osaka, Shimanouchi Gallery
Performance a Punta Campanella, Napoli
Esposizione a Capri, Galleria Blue Lizard
Esposizione e performance a Capri- Certosa di Capri
Esposizione isola di Cavallo (Corsica) Hotel des Pecheurs- Spazio Arte dei Mori
Esposizione e performance presso il Museo d’Arte Moderna di Miyazaki
Esposizione antologica Fiera di Padova- Spazio Arte dei Mori
Performance ed esposizione Pieve di Cento, Bologns
Performance ed esposizione Museo S. Croce, Genova
Esposizione a Venezia –Spazio Arte dei Mori in contemporanea alla Biennale
75
Itami (Osaka) maggio 2009
76
Itami (Osaka) maggio 2009
77
Lo Spazio Arte dei Mori si trova al centro del Campo
dei Mori in prossimità della Casa del Tintoretto a pochi passi dalla antica
chiesa della Madonna dell’Orto, luogo di secolari
tradizioni antiche. Il Campo dei Mori deve il suo nome
alle settecentesche statue dei Mori scolpite sulle
pareti degli edifici che lo contornano ed è considerato
uno dei luoghi più suggestivi ed affascinanti del
Sestiere Cannaregio. Il locale, posto al piano terra di
una casa del settecento, si affaccia direttamente sul
Campo dei Mori ed è stato recentemente restaurato
mantenendo tutte le caratteristiche originali della
tipologia costruttiva Veneziana dell’epoca.
Lo Spazio Arte dei Mori si caratterizza come centro espositivo di arte
contemporanea dedicato principalmente a far conoscere artisti italiani e
stranieri, sia storicizzati che emergenti, di elevato livello qualitativo.
Spazio Arte dei Mori
is located in
Campo dei Mori,
close the house of Tintoretto, not very far from the ancient church of
Madonna dell'Orto. Campo dei Mori is named after
the eighteenth century carved statues of the Mori
within the walls of the buildings that surround the
Campo itself. It is considered one of the most
charming and fascinating places of Cannaregio. Lo
Spazio Arte, on the ground floor of a house of the
eighteenth century, is situated directly on the Campo
dei Mori. It has been recently renovated maintaining
all the original shape of a Venetian house.
Lo Spazio Arte dei Mori can be considered a center of
contemporary art exhibition dedicated primarily to promote awareness of
Italian and foreign artists, both emerging and well known.
78
Il campo dei Mori durante la performance alla Biennale di Venezia 2007
79
SPAZIO ARTE DEI MORI
V e n i c e
I n t e r n a t i o n a l
SPAZIO ARTE DEI MORI
Ve nice
Inte r natio nal
Campo dei Mori - Cannaregio 3384/b - Venezia
80