Q U A T T R O P O R T E
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QUATTROPORTE S Q4. SPORTIVITÀ E SICUREZZA SCOPRONO NUOVI CONFINI
La nuova Quattroporte S Q4 amplia i confini della sportività: l’innovativo sistema Q4 gestisce in maniera attiva e intelligente la potenza del
propulsore V6, concedendo a chi si mette al volante tutto il piacere di guida della trazione posteriore anche su fondi a bassa aderenza, nella
massima sicurezza. Per la prima volta nella storia, la trazione integrale si guida come una Maserati.
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Main sponsor
31° Torino Film Festival
22 - 30 novembre 2013
CONTENTS
CONTENTS
TORINO FILM FESTIVAL
31° TORINO FILM FESTIVAL
22 - 30 novembre 2013
via Montebello 15 - 10124 Torino
tel +39 011 8138811
fax +39 011 8138890
direttore
Paolo Virzì
vice direttore
Emanuela Martini
segretario generale
Bruna Ponti
assistente alla direzione
& rapporti con gli autori
Mara Signori
con la collaborazione di
Paola Ramello
coordinamento del programma e ricerca film
Luca Andreotti
con la collaborazione di
Mario Galasso
logistica
Flavio Armone
MUSEO NAZIONALE DEL CINEMA
presidente
Ugo Nespolo
direttore
Alberto Barbera
assistente di direzione
e coordinamento dei festival
Angela Savoldi
coordinatore generale
Daniele Tinti
vice direttore e conservatore capo
Donata Pesenti Campagnoni
comunicazione, promozione e marketing
Maria Grazia Girotto
ufficio stampa
Veronica Geraci
amministrazione
Erika Pichler
TFFdoc, italiana.corti e spazio torino
Davide Oberto
con la collaborazione di
Francesco Giai Via, Luca Cechet Sansoé
e Paola Cassano (Italiana.doc, Italiana.corti)
organizzazione e rapporti con gli autori
Paola Cassano
consulenti per la selezione
Marì Alberione, Pier Maria Bocchi, Federico
Gironi, Barbara Grespi, Federico Pedroni
onde
Massimo Causo
con la collaborazione di
Roberto Manassero
corrispondenti
Rodrigo Diaz (America Latina), Giovanna
Fulvi (Asia), Jim Healy (Nord America),
Erich Sargeant (Regno Unito, Irlanda,
Nuova Zelanda, Australia), Peter Shepotinnik
(Russia, ex Repubbliche Unione Sovietica)
retrospettiva new hollywood
Emanuela Martini
con la collaborazione di
Luca Andreotti
comunicazione e marketing
Maria Grazia Girotto
con la collaborazione di
Daniela Martinelli, Bianca Girardi
CONTENTS
ufficio stampa e pr internazionale
Chicca Ungaro
con la collaborazione di
Flavia Corsano, Tiziana Ciancetta,
Marta Franceschetti, Francesca Galletto,
Paolo Morelli
comunicazione web
Cristiano Taglioretti (coordinamento),
Guglielmo Maggioni (sito), Cristina Gallotti,
Marco Petrilli (documentazione),
Chiara Borroni (social network),
ITS-ICTPiemonte (documentazione video)
servizi fotografici
IED Torino
conferenze stampa (moderatore)
Bruno Fornara
ufficio ospitalità
Elisa Liani
con la collaborazione di
Michele Altomonte, Dina Buzio,
Dario Cazzola
coordinamento autori
Simona Carnino, Paolo Giannini,
Raffaella Giordana, Marta Guerci,
Ricke Merighi, Alessio Oggianu,
Livia Siciliano, Watanabe Asako
TFF press & lounge
coordinamento organizzativo durante il festival
Tiziana Tortarolo
catering di ristorazione
La Piazza dei Mestieri
segreteria giurie
Federica Ceppa, Simona Ceppa, Silvia Fessia
ufficio accrediti
Alberto Bianca, Paola Ceriotti,
Simona De Pascalis
amministrazione
Sandra Giaracuni, Andrea Merlo
assistenza logistica
Thomas De Forti, Valerio Bertacchini,
Fabio D’Errico, Marco Valentino, Ivan Chetta
proiezione auditorium g. agnelli - lingotto
e supervisione cinema digitale
Angelo D’Alessio
supervisione proiezioni pellicola
Sergio Geninatti Chiolero
supervisione videoproiezioni
Pierluigi Patriarca
interpreti
Anna Ribotta, Marina Mocetti Spagnuolo,
Giliola Viglietti con Ozumi Asuka
(giapponese), Jung Imsuk (coreano),
Kasia Kurdziel (polacco)
sottotitoli elettronici
Sub-Ti Limited, Londra
biglietteria elettronica
Soft-Solutions, Torino
servizio maschere
REAR, Torino
illustrazione
Gipi
logo e grafica
Flarvet, Torino
stampa
G. Canale & C. S.p.A., Borgaro T.se
Stamperia Artistica Nazionale, Trofarello
trasporti
DHL International S.p.A.
auto
Maserati
servizi assicurativi
Reale Mutua Assicurazioni
sigla
Enarmonia, Chicca Richelmy (regia),
Fabio Barovero (musica)
ideazione e progetto uffici temporanei
e installazioni scenografiche
Elena D’Agnolo Vallan, Marco Ostini
allestimenti: Ideazione Srl, Torino
Interfiere stand & exhibition, Moncalieri
cleaning services
Multiservizi, Torino
agenzie viaggi
Amarganta Viaggi, Torino Etli, Torino
Protravel Inc., NYC
CATALOGO GENERALE
A CURA DI
Roberto Manassero
PROGETTO GRAFICO E IMPAGINAZIONE
Maicol Casale
REDAZIONE
Mara Dompè
TESTI
Cristina Gallotti, Marco Petrilli
Sommario/Contents
TRADUZIONI
Cristina Gallotti, Olivia Jung,
Gail McDowell, Marco Petrilli
GRAN PREMIO TORINO
2013, XI
GIURIE/JURIES, XII
PREMI/AWARDS, XIX
TORINO
31/FEATURE FILM COMPETITION, 1
FESTA MOBILE/A MOVEABLE FEAST,
17
GRAN PREMIO TORINO 2013 - CARLO MAZZACURATI,
FESTA MOBILE - I FILM, 24
FESTA MOBILE - EUROPOP, 48
AFTER HOURS,
TFFDOC,
55
75
INTERNAZIONALE.DOC,
ITALIANA.DOC, 89
DOCUMENTI, 102
ITALIANA.CORTI,
ONDE/WAVES,
78
115
131
ONDE PORTOGHESI/PORTOGUESE WAVES,
YU LIKWAI, 156
E INTANTO IN ITALIA/MEANWHILE IN ITALY,
© 2013 Museo Nazionale del Cinema
Fondazione Maria Adriana Prolo
ISBN 978-88-96469-17-0
SPAZIO TORINO,
171
TORINOFILMLAB,
177
NEW HOLLYWOOD,
INDICI/INDEX,
209
185
150
165
18
CONTENTS
RINGRAZIAMENTI/AKNOWLEDGEMENTS
ARGENTINA
Rewind My Future (Filip Gsella)
BELGIO/BELGIUM
CBA - Centre de l’Audiovisuel à Bruxelles
(Karine de Villers)
Bruno Tracq
Yoni Production (Lionel Jadot)
BRASILE/BRAZIL
Michael Wahrmann
CANADA
Andréa Picard
Entertainment One (Ruby Rondina)
Scythia Films (Daniel Beckerman,
Gökçe Erdem)
CILE/CHILE
Xavier Guerrero Yamamoto
CINA/CHINA
VFS Global (Chiara Aspesi)
COREA DEL SUD/SOUTH KOREA
Finecut (Youngjoo Suh, Namyoung Kim)
Jeonju International Film Festival
(Yeoun Yang)
Sunyoung Kim
Yoshie Fukuda
DANIMARCA/DENMARK
PingPongFilm (Alexander Brøndsted)
ECUADOR
La Facultad (Miguel Salazar, Isabel Carrasco)
FRANCIA/FRANCE
Alpha Violet (Keiko Funato, Virginie Devesa)
Andolfi Production (Belinda Leduc)
Catherine Bizerm
Celluloid Dreams (Hengameh Panahi,
Geraldine Bryant)
Doc & Film International
(Daniela Elstner, Hannah Horner)
Ecce Films (Joséphine Avril)
Elle Driver (Angeline Nicolaï, Lucie Cottet)
Envie de Tempête Productions (Frédéric
Dubreuil)
The Festival Agency (Leslie Vouchot,
Claire Thibault, Zelda Camilleri)
Les films d’ici (Céline Paini)
Films Distribution (Sanam Madjedi)
Les Films du Béliers (Aurelién Deseez)
Funny Balloon (Renan Artukmaç,
Emanuelle Zinggeler)
Memento Films International
(Marion Klotz) Pauline Fleury
MPM Film (Juliette Lepoutre,
Wanling Chang, Camille Ferrero)
Origine Films (Emilie Dubois, Jessica Arfuso)
Le Pacte (Arnaud Aubelle)
Pathé International (Benoit Sauvage)
Jean-Pierre Rehm
Pascale Ramonda
Rendez-vous Pictures (Philippe Tasca)
Rouge International (Nadia Turincev,
Thomas Lambert)
Tamasa Distribution (Laurence Berbon)
Agnès Wildenstein
GERMANIA/GERMANY
Atlas International Film
(Susanne Groh, Till Krafzi)
DFFB (Laure Tinette, Hella Schmidt)
Hochschule für Film und Fernsehen HFF
«Konrad Wolf» (Cristina Marx)
Fred Kelemen
The Match Factory
(David Bauduin, Viktoria Szabo)
Yann-Eryl Mer
Weydemann Bros (Jonas Weydemann,
Jacob Weydemann)
GIAPPONE/JAPAN
Office Futaba (Kayoko Nakanishi)
GRECIA
Greek film Center (Iliana Zakopoulou,
Liza Linardou)
ITALIA/ITALY
20 Century Fox Italia (Osvaldo de Santis,
Paolo Penza, Cristina Partenza)
Apapaja Film (Simone Bachini,
Chiara Nicoletti)
Asmara Films (Ginevra Elkann,
Francesca Zanza)
TH
CONTENTS
BabyDoc Film
(Enrico Giovannone, Andrea Parena)
Andrea Diego Bernardini
Paolo Bertolin
Eddie Bertozzi
Pietro Bianchi
Bibi Film (Angelo Barbagallo,
Riccardo Ciancarelli)
Matteo Boscarol
Carlo Chatrian
Cinecittà Luce (Beppe Attene,
Malcom Pellegrini, Alessio Massatani)
Andrea Cirla
De Angelis Group (Nicola De Angelis,
Denise Tripodi, Quentin de Fouchecour)
Alessandra Dell’Atti
Miguel Dias
Alessandra Di Savino
Liliana Ellena
Lorenzo Esposito
Nicola Falcinella
Lucky Red (Andrea Occhipinti, Georgette
Ranucci, Stefano Massenzi, Alessandra Tieri)
Feltrinelli Editore (Anastasia Plazzotta)
Feltrinelli Real Cinema (Gabriele Barcaro)
Antioco Floris
GA&A (Gioia Avantaggiato, Gioia Marchetti,
Laura Romano)
Giuseppe Gariazzo
Greta Giai Via
Intra Movies (Jef Nuyts, Manuela Mazzone
Lopez)
M2 Pictures (Rudolph Gentile,
Marco Dell’Utri, Carmen Danza)
Medusa Film (Carlo Rossella,
Gianpaolo Letta, Claudio Trionfera)
Mazzino Montinari
Movies Inspired (Stefano Jacono)
New Gold Ent. (Maria Serena Lastrucci)
Nexo Digital (Franco Di Sarro, Luca Bernini)
Nostromo Pictures Italia (Juan Blanco,
Adrián Guerra)
One Movie Entertainment (Luca Colnaghi)
Grazia Paganelli
Parallelo 41 (Antonella Di Nocera)
Parthénos Distribuzione (Federica Pacifici)
Antonio Pezzuto
Franco Picollo
Rai Cinema
José Nuno Rodrigues
Valia Santella
Sardegna Film Commission (Nevina Satta)
SNC - Cineteca Nazionale (Emiliano
Morreale, Laura Argento)
Teodora Film (Vieri Razzini, Cesare Petrillo,
Margherita Chiti, Stefano Finesi)
Roberto Turigliatto
Unipol Biografilm Collection
(Andrea Romeo, Dario Bonazelli)
Universal Picture International Italy
(Richard Borg, Massimo Proietti,
Cristina Casati, Matilde Ella Nuvola Marinai,
Barbara Casucci, Marina Caprioli,
Sauro Carboni, Livia Ajò)
Videa-C.D.E. (Angelica Canevari,
Antonio Adinolfi)
Vivo Film (Gregorio Paonessa,
Arianna Rossini, Camilla Flores)
Whale Pictures (Alessandra Ibbadu,
Giuseppina Caruso)
Wildiside (Mario Gianani, Ludovica Damiani,
Karin Annell, Ludovica Rapisarda)
MESSICO/MEXICO
David Barraza
POLONIA/POLAND
Film It & Grupa Filmowa (Feliks Pastusiak)
PORTOGALLO/PORTUGAL
Agencia - Curtas Metragens
(Salette Ramalho)
C.R.I.M. Produções (Joana Ferreira,
Isabel Machado, Susanne Malorny)
Indielisboa (Miguel Valverde)
REGNO UNITO/UK
BBC Worldwide (Lee Leschasin, Simona
Argenti, Francesca Doria, Basia Heath)
Fandango Portobello Sales (Stefan Larsen)
Samm Haillay
Hanway Films (Jonathan Lynch-Staunton)
Matterhorn, Riaya Aboulela
Metro International Entertainment
(Nathalie Brenner, Tom Mucklow,
Linda Deacy)
Smoking Dogs Film (Lina Gopaul)
Wavelength Pictures (John Flahive)
SPAGNA/SPAIN
6sales (Gladys Reyes)
Film Factory Entertainment
(Vicente Canales, Carlota Caso)
Latido Films (Oscar Alonso,
Fabrizia Palazzo)
Movies for Festivals (Johanna Tonini)
SVEZIA/SWEDISH
Svenska Film-institutet
(Gunnar Almér, Camilla Österlund,
Sara Rüster, Anita Simovic)
THAILANDIA/THAILAND
Hidden Rooster Films
(Pornmanus «Bo» Rattanavich)
UNGHERIA/HUNGARY
Béla Tarr
CONTENTS
USA
The Exchange (Cookie Carosella,
Daniel Gusman)
FiGa Films (Sandro Fiorin, Alex Garcia)
Fox Searchlight (Rebecca Keary,
Chrisophe Mercier)
Mark Holdom
The Little Film Company (Robbie Little,
Elie Mechoulam)
Outsider Pictures (Peter Peterson)
Sierra/Affinity (Nick Meyer, Joey Monteiro,
Siham Butakmani)
Voltage Pictures (Nicolas Chartier,
Katie Katz, Kevin Hoiseth, Brianna Brown)
VENEZUELA
Sudaca Films (Marite Ugas)
La retrospettiva New Hollywood
è stata realizzata in collaborazione con/
New Hollywood retrospective was organized
in collaboration with
20 Century Fox, British Film Institute,
Capricci Film, Classic Films Distribucion,
Hollywood Classics, MGM, Paramount
Pictures, Park Circus, Sony Pictures,
Walt Disney Studios.
TH
Un ringraziamento particolare a/
Special thanks
Susan Brooks, British Film Institute
(Fleur Buckley, George Watson), Capricci
Films (Julien Rejl, Manon Bayet), Classic
Films Distribución (Eduard Ferrer), Jim
Healy, Hollywood Classics (Melanie Tebb,
Luke Brawley), Park Circus (Nicholas Varley),
Walt Disney Studios (April Mcilroy).
Il Festival ringrazia per la collaborazione/
Festival thanks for their collaboration
tutto il personale del Museo Nazionale
del Cinema, Torino GLBT Film Festival,
Cinemambiente, Associazione Amici del
Torino Film Festival, IED Torino, ITS - ITC
Piemonte, La Piazza dei Mestieri, Galleria
Alberto Peola, Biennale di Venezia, Piero
Valetto, Dania Appoloni, Paolo Basso,
Marta Benyei, Andrea Bernardini, Chiara
Boffelli, Giulia Carluccio, Dario Ceruti,
Giulio Genti, Susanna Gianandrea,
Carmelo Gibilisco, Manlio Gomarasca,
Arturo Invernici, Lorenzo Jona Celesia,
Antonio La Grotta, Ester Ligori, Anna Maria
Mari, Antonio Romano, Carmen Serena
Santonocito, Cristina Sempio, Chiara
Simonigh, Patrizia Tappero, Davide Varvello,
Daniela Vincenzi.
Un particolare ringraziamento a/
Special thanks to Luciana Littizzetto
Il Festival aderisce a/
Festival is member of FIAPF e/and AFIC.
CONTENTS
Associazione Amici
del Torino Film Festival
info:
ASSOCIAZIONE
AMICI DEL TORINO
FILM FESTIVAL
via Montebello 15
10124 Torino
Italia
L’Associazione è stata promossa da giovani imprenditori
e professionisti per concretare un impegno a sostegno
del dialogo tra le culture e le esperienze dell’universo giovanile,
della creatività artistica, della formazione professionale dei giovani.
L’Associazione affianca istituzionalmente il Festival mettendo
a disposizione risorse finanziarie, competenze e servizi
professionali, per promuoverlo e valorizzarlo e per diffondere una
maggiore consapevolezza del valore culturale, sociale, economico e
d’immagine che il Festival ha per Torino e per le nuove generazioni.
L’Associazione organizza inoltre nel corso dell’anno attività
riservate ai soci, quali anteprime cinematografiche e altre iniziative.
The Association Friends
of the Torino Film Festival
The Association Friends of the Torino Film Festival is promoted
by young entrepreneurs and professionals in order to encourage
and support the dialogue between the culture and the experiences
of young people, their artistic creativity, and their professional schooling.
The Association is an institutional support for the Festival, offering
financial resources, expertise and professional services; it promotes
and valorizes the Festival, and heightens its image as a vehicle of
cultural, social and economic values for Turin and for the young
generations.
Throughout the year, the Association also organizes activities
reserved to its members, such as film previews and other initiatives.
soci benefattori
Armando Testa Spa
Camera Commercio
Industria Artigianato
Agricoltura - Torino
Euphon
Fondazione CRT
soci benemeriti
Gruppo Giovani Imprenditori
Unione Industriale di Torino
Confederazione Nazionale Artigianato
Kodak
soci sostenitori
Gruppo Giovani Imprenditori
API - Torino
Lega Cooperative Torino
Alberghina Studio Ottica
Orange
Essegierre
Unione Giovani Dottori
Commercialisti di Torino
UTET
soci onorari
Art Directors Club Italiano
British Council
Centre Culturel Français
Goethe Institut
Juventus F.C.
soci ordinari
Giancarlo Baraldo
Franco Carrer
Piera Detassis
Richi Ferrero
Bruno Gambarotta
Carlo Gonella
Luciana Littizzetto
Monica Mailander
Luca Martini
Ugo Nespolo
Domenico Siniscalco
Gigi Venegoni
presidente
Lorenzo Jona Celesia
vice presidenti
Andrea Alberghina
Paola Goffi
Davide Varvello
segretario e tesoriere
Emanuela Barreri
comitato direttivo
Andrea Alberghina
Emanuela Barreri
Mauro Boglione
Paola Goffi
Massimo Moretto
Lorenzo Jona Celesia
Cosimo Palumbo
Davide Varvello
CONTENTS
Associazione Festival Italiani
di Cinema
info:
ASSOCIAZIONE
FESTIVAL ITALIANI
DI CINEMA (AFIC)
via Faà di Bruno 67
00195 Roma
Italia
Nel complesso del sistema audiovisivo italiano, i festival
rappresentano un soggetto fondamentale per la promozione,
la conoscenza e la diffusione della cultura cinematografica e
audiovisiva, con un’attenzione particolare alle opere normalmente
poco rappresentate nei circuiti commerciali come ad esempio
il documentario, il film di ricerca, il cortometraggio. E devono
diventare un sistema coordinato e riconosciuto dalle istituzioni
pubbliche, dagli spettatori e dagli sponsor.
Per questo motivo e per un concreto spirito di servizio è nata nel
novembre 2004 l’Associazione Festival Italiani di Cinema (AFIC).
Gli associati fanno riferimento ai principi di mutualità e solidarietà
che già hanno ispirato in Europa l’attività della Coordination
Européenne des Festivals. Inoltre, accettando il regolamento,
si impegnano a seguire una serie di indicazioni deontologiche
tese a salvaguardare e rafforzare il loro ruolo.
L’AFIC nell’intento di promuovere il sistema festival
nel suo insieme, rappresenta già oggi più di trenta manifestazioni
cinematografiche e audiovisive italiane ed è concepita come
strumento di coordinamento e reciproca informazione. Aderiscono
all’AFIC le manifestazioni culturali nel campo dell’audiovisivo
caratterizzate dalle finalità di ricerca, originalità, promozione dei
talenti e delle opere cinematografiche nazionali e internazionali.
L’AFIC si impegna a tutelare e promuovere, presso tutte le sedi
istituzionali, l’obiettivo primario dei festival associati.
The Association
of Italian Film Festival
Within the framework of the Italian audiovisual system, festivals
represent a fundamental means for the promotion, knowledge and
diffusion of film and audiovisual culture, with particular attention
to works that normally receive little attention in commercial circuits,
like documentaries, research films and shorts.They must also become
a coordinated system that is recognized by public institutions,
spectators and sponsors.
For this reason, and in a concrete spirit of service, the Associazione
Festival Italiani di Cinema (AFIC) was created in November 2004.
Association members adhere to the principals of mutuality and
solidarity that inspire the activities of the Coordination Européenne
des Festivals in Europe. Moreover, by accepting the regulations, they
promise to follow a series of deontological indications whose purpose
is to safeguard and strengthen their role.
AFIC’s aim is to promote the festival system as a whole, and already
today it represents over thirty Italian cinematographic and audiovisual
manifestations. It has been conceived as an instrument of coordinated
and reciprocal information.
AFIC members include cultural manifestations in the audiovisual field
that are characterized by research, originality and the promotion
of talents and cinematographic works, both at home and abroad.
AFIC also strives to protect and promote at every institutional level
the primary objective of the associated festivals.
TorinoFilmLab
info:
TorinoFilmLab
via Cagliari 42
10153 Torino
Italia
Tel: +39 011 237 92 21
[email protected]
www.torinofilmlab.it
TorinoFilmLab è un laboratorio internazionale di sviluppo di
progetti cinematografici dedicato ai talenti emergenti di tutto
il mondo, che sostiene in particolare le opere prime e seconde.
Con le sue molteplici attività di formazione e sviluppo, è il luogo
dove far nascere e crescere le proprie storie. E alla fine del percorso
c’è la possibilità di ottenere un fondo di produzione.
Il 31° Torino Film Festival ospita la sesta edizione del TorinoFilmLab
Meeting Event (25-27 novembre), mercato di coproduzione che
coinvolge oltre duecento sceneggiatori, registi, produttori, sales
agents, distributori e professionisti da tutto il mondo. Il Meeting
Event, che comprende una presentazione pubblica dei lavori
sviluppati nel lab e la premiazione delle opere migliori, proporrà
all’industry un totale di quaranta progetti provenienti da quattro
programmi diversi, più cinque progetti «ospiti».
Dal 2008 TorinoFilmLab ha assegnato un totale di oltre trenta
premi per la produzione e lo sviluppo. Tra i film realizzati,
ricordiamo quelli selezionati e premiati quest’anno nei festival
più prestigiosi del mondo: Salvo di Fabio Grassadonia e Antonio
Piazza, presentato alla Semaine de la critique di Cannes e vincitore
del Grand Prix Nespresso e del Prix Révélation France 4; The
Lunchbox di Ritesh Batra, selezionato alla Semaine de la critique
di Cannes; Lupu di Bogdan Musta!ă, in concorso al Festival di
Sarajevo; Il Sud è niente di Fabio Mollo, presentato nella sezione
Discovery del Festival di Toronto.
TorinoFilmLab
TorinoFilmLab is an international film development laboratory
dedicated to emerging talents from all over the world, with particular
attention to first and second feature films. With its various training
and development activities, it is a place where stories are born and
grow. And where they have the possibility to gain production funding
at the end of the process.
The 31 Torino Film Festival hosts the sixth edition of the
TorinoFilmLab Meeting Event (November 25-27), a co-production
market involving over two-hundred scriptwriters, directors, producers,
sales agents, distributors and other industry professionals from all
around the world. The Meeting Event, which includes a public pitch
of the projects developed within the lab, as well as the awards
ceremony where prizes are assigned to the best projects, will showcase
a total of forty projects coming from four different programmes, plus
five “guest” projects.
Since 2008 TorinoFilmLab assigned more than thirty awards aimed
at the production or further development of projects. Among the many
films that have already been completed, we would like to mention
the ones selected and awarded in some of the world’s most prestigious
festivals this year: Salvo by Fabio Grassadonia and Antonio Piazza
(Critics’ Week of Cannes, winner of the Grand Prix Nespresso and
of the Prix Révélation France 4); The Lunchbox by Ritesh Batra
(Critics’ Week of Cannes); Wolf by Bogdan Musta!ă (competition
at Sarajevo Film Festival); South Is Nothing by Fabio Mollo
(Discovery section in Toronto International Film Festival).
ST
X
31°
TORINO FILM FESTIVAL
Gran Premio Torino 2013
CONTENTS
Istituito nel 2009, il Gran Premio Torino è un riconoscimento assegnato
ogni anno ai cineasti che, dall’emergere delle nouvelle vague in poi, hanno
contribuito al rinnovamento del linguaggio cinematografico, alla creazione
di nuovi modelli estetici, alla diffusione delle tendenze più significative del
cinema contemporaneo. In questa edizione, il premio verrà assegnato per
la prima volta a un regista italiano: Carlo Mazzacurati.
Veneto, padovano anzi, ironico e malinconico, capace di accenti drammatici
come di felici incursioni nel comico, Mazzacurati ha saputo raccontare nella
sua trentennale carriera l’anima ambigua e inquieta della provincia italiana.
Ambientati soprattutto (ma non solo) nel Nordest, paesaggio umano e fisico
al centro di un grande affresco che riguarda l’intero Paese, interpretati
da amici e collaboratori come Silvio Orlando, Fabrizio Bentivoglio, Diego
Abatantuono, Antonio Albanese, Marco Messeri, Roberto Citran, i suoi
film, da Il toro (1994) a Vesna va veloce (1996), da L’estate di Davide (1998)
a La lingua del santo (2000) e La giusta distanza (2007), hanno avuto come
protagonisti antieroi tragici, e talvolta grotteschi, tratteggiati con la
compassione dell’umanista e lo sguardo poco riconciliato di un sociologo
ostinatamente, teneramente dalla parte degli ultimi.
In occasione del Gran Premio Torino, Carlo Mazzacurati presenterà in
anteprima mondiale il suo ultimo film, La sedia della felicità, storia comica
di una caccia al tesoro, di un trio di personaggi mal assortiti (Valerio
Mastandrea, Isabella Ragonese, Giuseppe Battiston), di un viaggio
vero e insieme simbolico che dal Polesine porta alle valli delle Dolomiti.
Gran Premio Torino 2013
Created in 2009, the Gran Premio Torino is an award given every year to
filmmakers who, from the rise of the nouvelles vagues on, have contributed
to the renewal of the film language, to the creation of new aesthetic models
and to the popolurization of the most significant trends in contemporary cinema.
This year, the prize will be awarded for the first time to an Italian film director:
Carlo Mazzacurati.
From Padua (in Italy’s northeastern Veneto region), he is ironic and melancholic,
capable of dramatic accents as well as happy incursions into comedy. In his thirty
years behind the camera, Mazzacurati has described the ambiguous and unsettled
soul of the Italian provinces. Most of his movies take place in Italy’s Northeast
(but not only), a human and physical landscape at the center of a large tapestry
that represents the entire country. His films feature friends and colleagues, like
Silvio Orlando, Fabrizio Bentivoglio, Diego Abatantuono, Antonio Albanese,
Marco Messeri, and Roberto Citran. The protagonists at the center of his movies,
from The Bull (1994) Vesna Goes Fast (1996), from David’s Summer (1998)
to Holy Tongue (2000) and The Right Distance (2007), are always tragic
antiheroes, sometimes even grotesque; they are sketched with humanist
compassion and the unreconciled perspective of a sociologist who is stubbornly
and fondly on the side of the underdogs.
On the occasion of the Gran Premio Torino, Carlo Mazzacurati will present
the world premiere of his latest feature La sedia della felicità: a comedy
about a treasure hunt, a ragtag trio (Valerio Mastandrea, Isabella Ragonese,
and Giuseppe Battiston), a journey that is both real and symbolic from
the Polesine area to the valleys of the Dolomite mountains.
XI
31°
TORINO FILM FESTIVAL
giuria/jury
CONTENTS
TORINO 31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
guillermo arriaga
PRESIDENTE DELLA GIURIA
PRESIDENT OF THE JURY
(Città del Messico, Messico, 1958), scrittore
e sceneggiatore, ha firmato la trilogia di
Alejandro González Iñárritu che comprende
Amores perros (2000), 21 grammi (2003),
con cui ha ottenuto una nomination ai Bafta,
e Babel (2006), che ha concorso all’Oscar
per la miglior sceneggiatura originale; con
Le tre sepolture di Tommy Lee Jones ha vinto
il premio per la sceneggiatura al Festival di
Cannes nel 2005. Nel 2008 ha esordito come
regista con The Burning Plain - Il confine della
solitudine, presentato alla Mostra di Venezia.
(Mexico City, Mexico, 1958) is an author
and screenwriter. He wrote the trilogy of films
directed by Alejandro González Iñárritu:
Amores Perros (2000), 21 Grams (2003),
for which he received a BAFTA nomination,
and Babel (2006), which earned him an
Oscar nomination for best original screenplay.
He wrote The Three Burials of Melquiades
Estrada (2005), directed by Tommy Lee Jones,
winning three awards in Cannes, including best
screenplay. He made his debut as a director
in 2008 with The Burning Plain, which was
presented in the Venice Film Festival.
stephen amidon
(Chicago, Illinois, Usa, 1959), scrittore
e giornalista, ha vissuto a lungo
a Londra dove ha lavorato come critico
cinematografico per il «Financial Times»
e «The Sunday Times». Collaboratore
di diverse riviste e quotidiani inglesi
e americani, ha pubblicato una raccolta
di racconti, due opere di non-fiction e sei
romanzi, due dei quali sono usciti in Italia
con Mondadori, Security e Il capitale umano.
Da quest’ultimo Paolo Virzì ha tratto il suo
ultimo film.
XII
(Chicago, IL, USA, 1959) is a writer and
journalist. He lived in London, where he
worked as a film critic for “The Financial
Times” and “The Sunday Times.”
He collaborates with many magazines ad
daily newspapers from the UK and the US.
He is the author of a collection of short stories,
two non-fictions, and six novels, two of which
have been published in Italy by Mondadori:
Security and Human Capital. The latter has
been adapted to screen, turning into Paolo
Virzì’s latest movie.
31°
TORINO FILM FESTIVAL
CONTENTS
aida begić
(Sarajevo, Jugoslavia, 1976) ha studiato
regia a Sarajevo, presentando come progetto
di laurea il film First Death Experience,
selezionato poi dalla Cinéfondation di
Cannes nel 2001. Nel 2008 ha esordito
nel lungometraggio con Snow, vincendo
il Grand prix della Semaine de la critique
di Cannes. Fondatrice della casa di
produzione indipendente Film House,
con Buon anno, Sarajevo ha partecipato
nel 2012 a Un certain regard di Cannes,
ottenendo una menzione della giuria.
Il film ha inoltre partecipato al 30° Torino
Film Festival.
(Sarajevo, Yugoslavia, 1976) studied directing
in Sarajevo and presented as her graduating
project the film First Death Experience,
which was selected by the Cinéfondation
of Cannes in 2001. She debuted in feature
films in 2008 with Snow, selected for the
Semaine de la critique in Cannes and winner
of the Grand Prix. A founder of the independent
production company Film House, her film
Children of Sarajevo participated in Un certain
regard at Cannes Film Fest in 2012, and at the
30 of Torino Film Festival.
TH
francesca marciano
(Italia), sceneggiatrice e scrittrice, ha lavorato
con registi come Gabriele Salvatores (Turnè,
1990), Wilma Labate (La mia generazione,
1996 e La signorina Effe, 2007), Cristina
Comencini (La bestia nel cuore, 2005).
È stata a lungo collaboratrice di Carlo
Verdone: ha partecipato alla scrittura di molti
film, da Maledetto il giorno che ti ho incontrato
(1992), a Sono pazzo di Iris Blond (1996),
fino a L’amore è eterno finché dura (2004)
e Io, loro e Lara (2010). Recentemente ha
sceneggiato Io e te (2012) di Bernardo
Bertolucci e Miele (2013) di Valeria Golino.
(Italy) is an author and screenwriter. She has
worked with directors like Gabriele Salvatores
(On Tour, 1990), Wilma Labate (My
Generation, 1996, and Miss F, 2007),
and Cristina Comencini (Don’t Tell, 2005).
She has collaborated extensively with Carlo
Verdone, co-writing Damned the Day I Met
You (1992), I’m Crazy About Iris Blonde
(1996), Love is Eternal While it Lasts (2004),
and Me, Them and Lara (2010). She recently
wrote the screenplays to Me and You (2012)
by Bernardo Bertolucci, and Miele (2013) by
Valeria Golino.
jorge perugorría
(L’Avana, Cuba, 1965), pittore e attore,
ha iniziato a recitare per il teatro nel 1984,
portando in scena opere classiche e testi
della tradizione popolare cubana. Nel 1993
l’interpretazione di Diego nel suo film
d’esordio Fragola e cioccolato, diretto da
Tomás Gutiérrez Alea e Juan Carlos Tabío,
gli è valsa numerosi riconoscimenti. Da quel
momento ha recitato in oltre cinquanta film,
sia in America sia in Europa. Nel 2009 ha
esordito nella regia con Afinidades e al
momento sta ultimando il suo quarto film,
Fátima y el parque de la fraternidad.
XIII
(Havana, Cuba, 1965) is a painter and an
actor. He started acting for theatre in 1984,
putting on stage classical plays and traditional
Cuban stories. His performance in his debut
film Fresa y chocolate (1993), directed by
Tomás Gutiérrez Alea and Juan Carlos Tabío,
earned him many awards and recognition.
From then on, he has acted in over fifty movies,
both in America and in Europe. He directed
his first film Afinidades in 2009, and he
is currently wrapping up his fourth movie,
Fátima y el parque de la fraternidad.
31°
TORINO FILM FESTIVAL
giuria/jury
CONTENTS
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
cíntia gil
(Porto, Portogallo, 1979), ricercatrice in
filosofia e membro del gruppo di ricerca in
estetica, politica e arti dell’Istituto di filosofia
dell’Università di Porto, tra il 2001 e il 2007
ha lavorato alla produzione di diversi film e
nel 2012 ha insegnato alla scuola di cinema
di Abrantes. Dopo essere stata membro della
commissione di Curtas a Vila do Conde, ha
cominciato a collaborare con DocLisboa, del
quale è codirettrice. È inoltre vicepresidente
dell’associazione portoghese del
documentario Apordoc.
(Porto, Portugal, 1979) is PhD researcher in
philosophy and part of the “aesthetics, politics
and arts” research group of the Philosophy
Institute of Porto University. Between 2001
and 2007 she worked on the production of
several films, and in 2012 taught at the
Video and Documentary Film School of
Abrantes. Formerly member of the selection
committee of Curtas Vila do Conde, she is
now co-director of DocLisboa. She is the
vice-president of Apordoc - Portuguese
Documentary Association.
jean-charles hue
(Francia), dopo un percorso come designer
del vetro e stilista, ha frequentato la scuola
d’arte di Cergy e si è poi dedicato alla
realizzazione di cortometraggi,
lungometraggi e documentari d’arte che
sono stati presentati nei principali musei e
gallerie d’arte contemporanea, oltre che in
festival del cinema. Nel 2009 ha esordito nel
lungometraggio con il film girato in Messico,
Carne viva, cui è seguito nel 2011 La BM du
Seigneur.
(France), started off as a glass designer and
stylist. After going to the Cergy Art Academy,
he started making short films, features, and
art documentaries. His works have been
presented in many important contemporary
art museums and galleries, as well as film
festivals. He shot his first feature-length film
Carne viva in Mexico in 2009, which was
followed in 2011 by La BM du Seigneur.
gabe klinger
(San Paolo, Brasile, 1982), docente
di cinema, ha insegnato all’università
dell’Illinois e al Columbia College di
Chicago. Archivista, curatore e filmmaker,
ha lavorato inoltre come critico
cinematografico collaborando con riviste
quali «Sight & Sound», «Film Comment»
e «Cinema Scope». Nel 2013 ha pubblicato
un volume su Joe Dante, scritto con Nil
Baskar, e diretto Double Play: James Benning
and Richard Linklater, con il quale ha vinto
il Leone d’oro per il miglior documentario
sul cinema all’ultima edizione della Mostra
del cinema di Venezia.
XIV
(São Paulo, Brazil, 1982) has taught film
studies at University of Illinois and Columbia
College in Chicago, Illinois. Archivist, curator,
filmmaker and critic, his articles have
appeared in “Sight & Sound,” “Film
Comment,” “Cinema Scope,” and many
other publications. His book on Joe Dante,
co-edited by Nil Baskar, was published in 2013.
With Double Play: James Benning and
Richard Linklater he won the Golden Lion
for best documentary on cinema at 2013
Venice Film Festival.
31°
TORINO FILM FESTIVAL
giuria/jury
CONTENTS
TFFDOC
-
I TA L I A N A . D O C
jasmin basic
(Svizzera), storica del cinema e curatrice,
ha collaborato in qualità di coordinatrice e
programmatrice con diversi festival, tra cui
Visions du réel, Tous Écrans e l’International
Film Festival and Forum on Human Rights di
Ginevra. Curatrice di retrospettive su Michael
Mann, David Cronenberg, Michael Snow,
Harun Farocki, Atom Egoyan, ha collaborato
con diverse realtà come la cineteca di Tangeri
e quella francese, La Virreina di Barcellona,
i «Cahiers du cinéma», il Centre Pompidou
e il Forum des images di Parigi.
(Switzerland), film historian and curator,
she has collaborated as coordinator and
programmer with Visions du réel, Tous Écrans,
International Film Festival and Forum on
Human Rights, in Geneva. She has curated
retrospectives on Michael Mann, David
Cronenberg, Michael Snow, Harun Farocki,
Atom Egoyan and has also collaborated with
the cinémathèque of Tangier, the Centre for
the Image La Virreina in Barcelona, the French
Cinémathèque, the Centre Pompidou, “Cahiers
du cinéma” and the Forum des images in Paris.
esmeralda calabria
(Roma, Italia, 1964), montatrice
cinematografica, ha collaborato con registi
come Francesca Archibugi, Giuseppe
Piccioni, Paolo Virzì, Nanni Moretti, Michele
Placido e Giorgio Diritti. Ha vinto due David
di Donatello per il montaggio di Fuori dal
mondo (1999) di Giuseppe Piccioni e
Romanzo criminale (2005) di Michele Placido.
Come regista ha diretto, con Peppe Ruggiero
e Andrea d’Ambrosio, il documentario
Biutiful cauntri, menzione speciale al Torino
Film Festival nel 2007 e Nastro d’argento per
il miglior documentario distribuito in sala.
(Rome, Italy, 1964) worked as a film editor
with many directors, like Francesca Archibugi,
Giuseppe Piccioni, Paolo Virzì, Nanni Moretti,
Michele Placido and Giorgio Diritti, and won
two David di Donatello awards for Romanzo
criminale (2005), directed by Michele Placido.
As a filmmaker, she directed the documentary
Biutiful cauntri with Peppe Ruggiero and
Andrea d’Ambrosio, which got a special
mention at the Torino Film Festival in 2007
and received a Nastro d’argento for best
documentary.
salvatore mereu
(Dorgali, Nuoro, Italia, 1965), regista tra i più
talentuosi del cinema italiano, dopo alcuni
corti nel 2003 ha diretto il lungometraggio
Ballo a tre passi, premiato alla Settimana
della critica di Venezia. Il successivo
Sonetàula è stato presentato alla Berlinale
2008 nella sezione Panorama e ha vinto tre
Globi d’oro, mentre Tajabone, realizzato in
seguito a un percorso in due scuole medie
di Cagliari, è stato presentato a Venezia,
così come Bellas mariposas, in concorso
nella sezione Orizzonti due anni dopo.
XV
(Dorgali, Nuoro, Italy, 1965) is one of the best
directors of Italian cinema. After making a
few shorts, he directed his first feature in 2003,
Three Dancing Slaves, which won him the
Film Critics’ Week Award in Venice. He then
made Sonetàula, presented at the Berlinale
in 2008 in the section Panorama, and winner
of three Italian Golden Globes. After spending
time in two middle schools in Cagliari, he made
Tajabone, which was presented in the Venice
Film Festival. Two years later he returned to
Venice, competing in the section Orizzonti with
his movie Bellas mariposas.
31°
TORINO FILM FESTIVAL
giuria/jury
CONTENTS
I TA L I A N A . C O R T I
caterina carone
(Ascoli Piceno, Italia, 1982), sceneggiatrice
e regista, dopo la laurea in scienze della
comunicazione a Bologna, ha frequentato
la ZeLIG di Bolzano, diplomandosi in
sviluppo del progetto, produzione e regia.
Nel 2007 è stata invitata al Berlinale Talent
Campus per Le chiavi per il paradiso, vincitore
del Premio Kodak per la fotografia al Libero
Bizzarri 2008. Lo stesso anno con il
documentario Valentina Postika in attesa
di partire ha vinto il Premio Solinas Documentario per il cinema, e la sezione
Italiana.doc del Torino Film Festival.
(Ascoli Piceno, Italy, 1982) is a screenwriter
and director. After graduating in
communication sciences from the University
of Bologna, she went to the ZeLIG film school,
in Bolzano, where she got a degree in project
development, production and direction. She
was invited to the Berlinale Talent Campus
in 2007 for Le chiavi per il paradiso, winner
of the Kodak Prize for best photography at
the 2008 Libero Bizzarri Documentary Film
Festival. In 2008 she also won the Premio
Solinas - Documentario per il Cinema, and the
Italiana.doc section of the Torino Film Festival,
Valentina Postika in attesa di partire.
andrea lissoni
(Italia) è curatore dell’HangarBicocca di
Milano. Cofondatore di Xing e codirettore
del festival internazionale Live Arts Week,
dal 2001 insegna all’Accademia di Brera
e dal 2007 all’Università Bocconi. È curatore
del magazine «Cujo», della piattaforma on
line Vdrome e collabora con «Mousse
Magazine». Ha curato esposizioni di artisti
come Susan Hiller, Céleste Boursier
Mougenot, Angela Ricci Lucchi e Yervant
Gianikian, Wilfredo Prieto, Tomàs Saraceno,
Apichatpong Weerasethakul e Mike Kelley.
(Italy) is curator of the HangarBicocca in
Milan. Co-founder of Xing and co-director of
the international festival Live Arts Week, he has
taught at the Brera Academy since 2001 and at
the Università Bocconi since 2007. He is editor
of the magazine “Cujo,” contributes regularly
to “Mousse Magazine” and is co-curator of the
online platform Vdrome. He curated exhibitions
for artists as Susan Hiller, Céleste Boursier
Mougenot, Angela Ricci Lucchi and Yervant
Gianikian, Wilfredo Prieto, Tomàs Saraceno,
Apichatpong Weerasethakul, and Mike Kelley.
tommaso pincio
(Roma, Italia, 1963), scrittore e traduttore,
dopo l’Accademia di belle arti si è trasferito
a New York, dove ha diretto la galleria d’arte
Sperone Westwater. Ha esordito nel 1999
con M., cui è seguito Lo spazio sfinito. Per
Einaudi Stile Libero ha pubblicato Un amore
dell’altro mondo, La ragazza che non era lei,
Cinacittà: memorie del mio delitto efferato,
mentre Pulp Roma è uscito nel 2012 per
Il Saggiatore. Collaboratore di «Rolling
Stone», ha scritto per le pagine culturali
del «Corriere della Sera», «la Repubblica»
e «il manifesto».
XVI
(Rome, Italy, 1963) is an author and a
translator. After studying at the Art School
he moved to New York, where he directed the
art gallery Sperone Western. He published his
first novel M. in 1999, followed by Lo spazio
infinito. He then published with Einaudi
Stile Libero the novels Love-shaped Story,
La ragazza che non era lei, Cinacittà:
memorie del mio delitto efferato. His
latest novel, Pulp Roma, was published by
Il Saggiatore in 2012. He also writes for
“Rolling Stone,” and for the cultural pages
of “Corriere della Sera,” “la Repubblica,”
and “il manifesto.”
31°
TORINO FILM FESTIVAL
giuria/jury
CONTENTS
anne brodie
(Canada), scrittrice e critica cinematografica,
si occupa da trent’anni di cinema per la
televisione e il web, oltre che per la stampa
tradizionale, e ha intervistato migliaia
di registi. Attualmente collabora con
diverse testate cartacee e online, tra cui
«Studio 12 News», «Metro News Canada»,
Monstersandcritics.com. Membro Fipresci,
fa parte dell’associazione dei critici
cinematografici di Toronto e dell’Alliance
of Women Film Journalists, oltre a presiedere
la commissione dei festival cinematografici
della Broadcast Film Critics Association.
(Canada), writer and film critic, she has covered
film and filmmakers on television, online
and in print for thirty years and interviewed
thousands of filmmakers. She currently reviews
for “Studio 12 News,” “Metro News Canada,”
Monstersandcritics.com and several other print
and online outlets. Brodie is a FIPRESCI
member and founding Canadian member
of the Broadcast Film Critics Association and
chairs its Film Festival Committee. She also
belongs to the Toronto Film Critics Association
and The Alliance of Women Film Journalists.
franco la magna
(Catania, Italia), critico cinematografico,
negli anni Ottanta è stato responsabile
delle pagine culturali del quotidiano catanese
«Giornale del Sud» ed è attualmente vice
direttore del quotidiano online «inScena»,
collaboratore della rivista «Cinemasessanta»
e del settimanale online «A Sud’Europa».
Autore di varie pubblicazioni, per la casa
editrice Città del Sole dirige la collana
Lo Specchio Scuro/Cinema Controluce
ed è stato tra i promotori dell’Ufficio
Cinema del Comune di Catania e della
Catania Film Commission.
(Catania, Italy) is a film critic. During 1980s,
he was in charge of the cultural section of
Catania’s newspaper “Giornale del Sud.”
He is currently the director of the online daily
“inScena” and he collaborates with the
magazine “Cinemasessanta” and the online
publication “A Sud’Europa.” He has written
many articles, and he also manages the series
Lo Specchio Scuro/Cinema Controluce for
publishing company Città del Sole. He was one
of the organizers of the Ufficio Cinema of the
Municipality of Catania and of the Catania
Film Commission.
demetrios matheou
(Regno Unito), giornalista, scrittore e
programmatore, vive a Londra, dove scrive
sul quotidiano «Sunday Herald», oltre
a collaborare con «Sight and Sound»
e far parte del gruppo di giornalisti del sito
«The Arts Desk». Autore di recensioni per
i principali quotidiani inglesi, ha anche scritto
il libro The Faber Book of New South American
Cinema ed è stato uno dei curatori della
retrospettiva del British Film Institute South
American Renaissance. Nel 2012 è stato tra i
fondatori del London Argentine Film Festival.
XVII
(UK) is a London-based journalist, writer and
programmer. He is currently the film critic for
the “Sunday Herald” newspaper, a contributor
to “Sight and Sound”, and a member of the
collective of journalists who produce “The Arts
Desk” website. His film writing has appeared
in most of the UK’s broadsheet newspapers and
is the author of The Faber Book of New South
American Cinema. He co-curated South
American Renaissance, a retrospective season
for The British Film Institute and in 2012 he
co-founded the London Argentine Film Festival.
31°
TORINO FILM FESTIVAL
giuria/jury
CONTENTS
PREMIO CIPPUTI
CIPPUTI
francesco tullio altan
(Treviso, Italia, 1942) ha frequentato la
facoltà di architettura di Venezia e alla fine
degli anni Sessanta ha vissuto a Roma,
occupandosi di scenografia e sceneggiatura
per il cinema e la televisione. Si è trasferito
a Rio de Janeiro nel 1970 e nel 1974 ha
iniziato a collaborare con giornali italiani.
Tornato in Italia nel 1975, ha creato la
Pimpa e ha pubblicato i suoi primi fumetti
su «Linus». Due anni dopo è nato il
suo personaggio più celebre, Cipputi.
Le sue vignette di satira politica sono
pubblicate regolarmente dall’«Espresso»
e dalla «Repubblica».
(Treviso, Italy, 1942) studied architecture in
Venice and in the late 1960s moved to Rome,
where he was involved in making sets and
writing screenplays for films and TV. He moved
to Rio de Janeiro in 1970 and in 1974 began
collaborating with Italian newspapers.
He returned to Italy in 1975, created Pimpa
and published his first comic strips in “Linus.”
Two years later, he created his most famous
character, Cipputi. His satirical political
cartoons are regularly published in
“l’Espresso” and “la Repubblica.”
diego bianchi
(Italia), conosciuto in rete come Zoro,
dal 2003 ha un blog personale e collabora
con quotidiani e riviste, oltre a essere autore
della serie di video Tolleranza Zoro, trasmessi
prima su Rai3 all’interno di Parla con me,
poi su La7 in The Show Must Go Off. Regista,
ha diretto nel 2011 il primo Finale di partita
e l’anno successivo il secondo, Anno Zoro Finale di Partita 2012. È inoltre autore e
conduttore del programma di Rai3 Gazebo.
Nel 2012 ha pubblicato con Simone Conte
Kansas City. La Roma di Luis Enrique.
Cronache tifose di una revoluciòn complicata.
(Italy), known online as Zoro, has been
blogging since 2003, working also with
newspapers and magazines. He made a series
of videos Tolleranza Zoro, which aired first on
the Rai3 channel in the program Parla con me,
and then on La7 in The Show Must Go Off.
As a director, he made the first Finale di partita
in 2011, and the following year Anno Zoro Finale di partita 2012. He also writes and hosts
the TV show Gazebo for Rai3. In 2012, he wrote
with Simone Conte the book Kansas City.
La Roma di Luis Enrique. Cronache tifose
di una revoluciòn complicata.
luca sofri
(Massa, Italia, 1964), giornalista, è il
fondatore e il direttore del «Post»,
quotidiano on line edito dal 2010. Scrive per
«La Gazzetta dello Sport» e «Vanity Fair»,
collabora con «Internazionale» e in passato
ha condotto programmi radiofonici, come
Condor con Matteo Bordone, in onda su
Radio2 fino al 2009, e televisivi, come
Otto e mezzo e Passato prossimo, entrambi
trasmessi da La7. Per Rizzoli ha pubblicato
nel 2006 Playlist e nel 2011 Un grande paese.
«Wittgenstein» è dal 2001 il suo
seguitissimo blog personale.
XVIII
(Massa, Italy, 1964) is a journalist and the
director of the online daily paper “Post,” which
he founded in 2010. He also writes for “La
Gazzetta dello Sport” and “Vanity Fair,” and
collaborates with “Internazionale.” He has
hosted radio shows like Condor with Matteo
Bordone, which aired on Radio2 until 2009,
and TV shows like Otto e mezzo and Passato
prossimo, both on the La7 channel. He wrote
the books Playlist in 2006 and Un grande
paese in 2011, both of which were published
by Rizzoli. His personal blog “Wittgenstein”
has been widely followed since 2001.
31°
TORINO FILM FESTIVAL
Premi/Awards
CONTENTS
GRAN PREMIO TORINO
a/to Carlo Mazzacurati
TORINO 31
Concorso internazionale/
International Feature Film Competition
Miglior film/Best Film: euro 15.000
Premio speciale della giuria/
Special Jury Award
Premio per la miglior attrice/
Best Actress Award
Premio per il miglior attore/Best Actor Award
Premio per la miglior sceneggiatura/
Best Screenplay Award
Premio del pubblico/Audience Award
TFFDOC
Miglior film/Best Film Internazionale.doc:
euro 5000
Premio speciale della giuria/
Special Jury Award Internazionale.doc
Miglior film/Best Film Italiana.doc,
in collaborazione con/in collaboration with
Persol: euro 5000
Premio speciale della giuria/
Special Jury Award Italiana.doc
ITALIANA.CORTI
Premio Chicca Richelmy per il miglior film/
Chicca Richelmy Award to Best Film:
euro 2500, offerti dall’Associazione
Chicca Richelmy/offered by the Associazione
Chicca Richelmy
Premio speciale della giuria/
Special Jury Award
SPAZIO TORINO
Concorso cortometraggi realizzati
da registi nati o residenti in Piemonte/
Short film competition reserved to directors
who were born or reside in Piedmont
Miglior film/Best Film, in collaborazione
con «La Stampa», «Torino Sette»,
Premio Achille Valdata/in collaboration
with “La Stampa,” “Torino Sette,”
Achille Valdata Award
PREMIO FIPRESCI/FIPRESCI AWARD
Miglior film/Best Film Torino 31
XIX
PREMIO CIPPUTI/CIPPUTI AWARD
Miglior film sul mondo del lavoro/
Best Film about the work world
P R E M I C O L L AT E R A L I / C O L L AT E R A L AW A R D S
PREMIO SCUOLA HOLDEN/
HOLDEN SCHOOL AWARD
Premio per la miglior sceneggiatura/
Best Script Torino 31
PREMIO ACHILLE VALDATA/
ACHILLE VALDATA AWARD
Giuria dei lettori di «Torino Sette»/
Jury composed of readers of “Torino Sette”
Miglior film/Best Film Torino 31
PREMIO AVANTI!/AVANTI! AWARD
Distribuzione delle opere prime premiate
nella rete dei cineforum e dei cineclub/
Distribution of winning first films
in the film forum and film club circuit
Migliori cortometraggi e documentari italiani/
Best Italian Shorts and Documentaries
PREMIO UCCA - VENTI CITTÀ/
UCCA - VENTI CITTÀ AWARD
Distribuzione del film vincitore del concorso
Italiana.doc in almeno venti città presso
circoli e sale associate all’UCCA/Distribution
of the winning documentary from the
Italiana.doc competition in at least twenty cities
at film clubs and UCCA-affiliated cinemas
PREMIO GLI OCCHIALI DI GANDHI/
GANDHI’S GLASSES AWARD
Assegnato dal Centro Studi «Sereno Regis»
(Torino) al film che meglio interpreta la
visione gandhiana del mondo/Awarded
by the Centro Studi “Sereno Regis” (Turin)
to the best movie representation of a
Gandhi-like vision of the world
PREMIO INTERFEDI/INTERFEDI AWARD
Premio per il rispetto delle minoranze
e per la laicità, attribuito dalla Giuria
Interfedi/Interfed Jury Award for the respect
of minority rights and laity
31°
TORINO FILM FESTIVAL
CONTENTS
Regione Piemonte, Provincia di Torino e Città di Torino sono unite
nel sostenere con convinzione il Torino Film Festival, uno dei punti
cardine del sistema cinema piemontese. Un evento, che con il suo
prestigio e la sua storia, garantisce una vetrina internazionale per
valorizzare al massimo il grande investimento che proprio le
istituzioni stanno mettendo in campo nel settore cinematografico,
ambito strategico per lo sviluppo, l’occupazione e la promozione
del territorio.
Inalterato nella sua identità – che dopo trent’anni conferma la
vocazione al cinema nuovo e alla scoperta delle migliori tendenze
contemporanee – il Festival, sotto la prima edizione diretta da
Paolo Virzì, si annuncia sempre più aperto ai diversi generi, stili
e linguaggi cinematografici, verso quella che il nuovo direttore
ha definito «l’utopia di un cinema senza confini».
Nel preannunciarsi accogliente e innovativo, con una particolare
sensibilità verso la fruizione sul web, il 31° Torino Film Festival
conferma le consuete sezioni competitive (dal Tffdoc a Italiana.corti,
al concorso internazionali lungometraggi) e non competitive, con
delle originali novità tra cui la sezione Europop, dedicata ai film
europei di gusto popolare.
La particolare attenzione riservata agli esordienti è ulteriormente
sottolineata dal consueto spazio dedicato ai film prodotti con la
partecipazione di TorinoFilmLab che – proprio in concomitanza
al Festival – vedrà la chiusura dei programmi con il tradizionale
Meeting Event.
La volontà di conquistare il grande pubblico è confermata anche
dalla retrospettiva che quest’anno e il prossimo sarà dedicata
ai film americani del decennio 1967-1976, che ha segnato il
cambiamento radicale della cinematografia americana con
nuovi autori e nuovi volti.
Con l’augurio di un buon lavoro al nuovo direttore, rivolgiamo
un ringraziamento a tutti coloro che si sono impegnati nella
realizzazione di questa nuova edizione e un auspicio che il Festival
rappresenti – sempre di più – un momento di crescita artistica
ed economica per il Piemonte e di coinvolgimento di nuove fasce
di pubblico.
Maurizio Braccialarghe
Assessore alla Cultura, Città di Torino
Marco D’Acri
Assessore alla Cultura, Provincia di Torino
Michele Coppola
Assessore alla Cultura, Regione Piemonte
XX
31°
TORINO FILM FESTIVAL
CONTENTS
The Piedmont Region, the Province of Turin and the City of Turin are
united in wholeheartedly supporting the Torino Film Festival, one
of the key points of Piedmont’s film system. The prestige and history
of this event ensure a failsafe international showcase, maximizing
and valorizing the important investments which the institutions are
providing in the film sector, a strategic area of interest for development,
employment and the promotion of the territory.
True to its identity – which, after thirty years, confirms its vocation
to new cinema and the discovery of the best contemporary trends –
the Festival, under the first edition directed by Paolo Virzì, promises
to be even more open to cinematography’s various genres, styles and
languages, to what the new Festival director has called “the cinema
without borders utopia.”
In reaffirming its welcoming and innovative nature, with a particular
feeling for cinema’s uses on the web, the 31 Torino Film Festival
confirms the customary competitive sections (from Tffdoc to
Italiana.corti, to the international feature films competition) and
the non-competitive ones, plus original innovations, including the
Europop section, dedicated to European films with a popular flair.
The special attention reserved to new filmmakers is further underlined
by the time-honored space dedicated to films produced with the
participation of TorinoFilmLab, which – in conjunction with the
Festival – will conclude its programs with its traditional Meeting Event.
The intention to gain the favor of the greater public is confirmed in
part by the retrospective which, this year and next year, will be
dedicated to American films made between 1967 and 1976, a
decade which marked a radical change in American cinematography,
with new directors and new faces.
In wishing all the best to the new director, we would also like to thank
those who have given their all to organize this year’s Festival. We also
share our hope that the Festival will increasingly represent a moment
of artistic and economic growth for Piedmont, and attract ever new
audiences.
ST
Maurizio Braccialarghe
Councilor for Culture, City of Turin
Marco D’Acri
Councilor for Culture, Province of Turin
Michele Coppola
Councilor for Culture, Piedmont Region
XXI
31°
TORINO FILM FESTIVAL
CONTENTS
Il trentunesimo filmone
È davvero un’occasione ghiotta, per un amante dei film, poter mettere il naso
nell’officina di un festival del cinema. Se poi il festival è quello di Torino si tratta
proprio di un colpo di fortuna. Quando ero passato da queste parti da spettatore
a volte ero entrato in sala all’ultimo momento e a caso, senza neanche consultare
il programma. Eppure non mi era mai capitato di sbagliare film, mai. E chi per
passione o per professione frequenta i festival di cinema sa bene quanto invece
in occasioni come queste siano in agguato fatalmente le fregature. Film nemmeno
brutti, ma della categoria più subdola: finti belli. Qui a Torino invece, chissà perché,
sarà la vicinanza con la chiostra alpina, intorno a questo evento culturale così
importante spira un’aria di purezza e di pulizia, di serietà, di passione autentica,
testimoniata dalla grande, crescente quantità e dalla qualità dei suoi spettatori.
Forse anche perché si tratta del primo festival cinematografico metropolitano che
abbiamo avuto in Italia, nato per l’appunto nel cuore di una grande città la cui
identità affonda le radici nel lavoro, nella fabbrica, nella letteratura, negli albori
dell’industria cinematografica, nella passione per la politica, per la filosofia e per
il gioco del pallone.
Credo che sia stata proprio la vigilanza severa e affettuosa di questo suo pubblico
folto ed esigente, composto da appassionati di cinema che invadono Torino nei
giorni del suo festival, ma anche in gran parte da semplici cittadini, studenti,
lavoratori, intere famiglie che da anni programmano le ferie proprio nell’ultima
settimana di novembre, oltre alle straordinarie persone che questo festival hanno
creato e animato negli anni, a determinare quella qualità raffinata ed insieme
popolare che fa spiccare il Torino Film Festival nel panorama internazionale
degli eventi dedicati all’arte cinematografica.
Come e in che cosa possa essere utile il sottoscritto nel ruolo imprevisto
e temporaneo di direttore, è cosa tutta da scoprire. Per voi spettatori, ma
soprattutto per me.
Credo di aver cercato intanto di non sciupare nulla di quanto di bello finora qui
è stato costruito. Di essermi avvicinato a tutto questo con un sentimento di rispetto
e di ammirazione verso chi negli anni ha lavorato a costruire la grande credibilità
di questo appuntamento. D’altronde sono qui di passaggio, mi tocca fare un altro
mestiere: i film mi piace scoprirli, guardarli e riguardarli, ma anche fabbricarli.
Ma posso assicurare che stavolta per me è stato straordinario innamorarsi dei film
degli altri, comporli insieme in un corpo complesso, in quel grandioso film che è un
festival.
E dunque ecco a voi il filmone di quest’anno, il trentunesimo della sua storia torinese.
Mi pare proprio potente, ricco di voci diverse, cinéphile e pop: c’è il dramma familiare
francocanadese e quello venezuelano, il coming of age e il noir estremo americano,
i blockbusters europei, i film tragicomici italiani, le nuove narrazioni televisive, le
commedie mainstream con le vecchie glorie, quelle esistenziali francesi, quella crudele
coreana o giapponese, nuovi pedinamenti zavattiniani in Thailandia o nella provincia
catalana, il cinema di frontiera di Yu Likwai e la grande immortale epopea degli
antieroi della retrospettiva New Hollywood, e poi oggetti bizzarri, commoventi, rarità,
e infine ci sono le voci vive del cinema contemporaneo del reale, insomma la nuova
affascinante stagione del documentario.
Adesso il filmone è pronto a esprimere la propria vita in nove intensissimi giorni, nei
quali gli illusi come me avranno la sensazione di vivere in un mondo diverso a quello
al quale siamo abituati, in questi tempacci di crisi nei quali è così difficile far circolare
le cose belle, sopraffatti come siamo dalla rassegnazione al peggio. Godetevi allora
questa cosa preziosa: l’utopia di un grande racconto cinematografico senza confini.
Buona visione.
Paolo Virzì
XXII
31°
TORINO FILM FESTIVAL
CONTENTS
The 31 mega-film
ST
For a film lover, it is truly something special to be able to stick your nose into the
behind-the-scenes workings of a film festival. And if the festival in point is the Torino
Film Festival, then it is a real stroke of luck. When I used to attend as a spectator,
sometimes I would enter the cinemas at the last moment and at random, without even
checking the program first. And yet never got a fraud, not once. Those who frequent film
festivals – out of passion or for professional reasons – know quite well that major letdowns
can lie in ambush on occasions like these. Not ugly movies, but ones that belong to a more
deceitful category: supposed-to-be-beautiful movies. But for some reason, here in Torino
(maybe it’s the city’s vicinity to the Alpine cloister), this important cultural event is
surrounded by an aura of purity and integrity, of professionalism and authentic passion,
and this is proven by the quality – and the great and growing number – of its spectators.
In part, this might be because it is Italy’s first metropolitan film festival, born in the heart
of a big city whose identity is rooted in work, factories, literature, the dawn of the movie
industry, and in a passion for politics, philosophy and the game of soccer. The festival’s large
and exacting public is composed of film aficionados who invade Torino during the Festival,
but also of normal citizens, students, workers, and entire families who take their vacation
during the last week of November, as well as the extraordinary people who have created and
animated this Festival over the years. They all watch over the festival with uncompromising
but loving care and I think this has forged the sophisticated and yet mainstream quality that
makes the Torino Film Festival stand out in the international panorama of events dedicated
to the cinematographic art.
How – and in what capacity – yours truly can be beneficial in this unexpected and
temporary role of director has yet to be discovered. By you spectators and, above all, by me.
My goal has been to not spoil any of the good that has been created to date. To approach
all this with a feeling of respect and admiration for those who, over the years, have worked
to construct the great credibility of this festival. After all, I am only passing through, my job
is a different one: I like to discover movies, to watch them over and over again,
but I also like to make them. But I can assure you that, this time, it was an extraordinary
experience to fall in love with the movies of others, to blend them into a complex whole,
into that grand film that is a festival.
And so, here is this year’s mega-film, the thirty-first of its Torinese history. To me, it is
powerful, lavish, full of different voices, cinéphile and pop: there is Franco-Canadian family
drama, as well as a Venezuelan version; there are coming of age movies, American extreme
noir, European blockbusters, and Italian dramedies; new television narrations, mainstream
comedies with the old glories, French existential films, and cruel Korean or Japanese ones;
new Zavattini-like tailings in Thailand or in the Catalan countryside; the frontier cinema
of Yu Likwai; the grand, immortal epics of the anti-heroes in the New Hollywood
retrospective; and then bizarre, moving, or rare films; and finally the live voices of the
contemporary cinema of reality, or in other words, the new, fascinating season of
documentaries.
Now the mega-film is ready to unspool its own plot over nine very intense days, during
which dreamers like me will feel like we are living in a different world, in these bad times
of crisis when it is so difficult to make the beautiful things go around since we are so
crushingly resigned to the worst. So enjoy this gem: the utopia of a great, boundless,
cinematographic tale.
Happy viewing.
Paolo Virzì
XXIII
CONTENTS
CONTENTS
TORINO 31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
2 AUTOMNES 3 HIVERS | JUSTINE TRIET LA BATAILLE DE SOLFÉRINO |
| LEE JU HYOUNG BULG-EUN GAJOG | KYLE PATRICK ALVAREZ C.O.G. |
FERNANDO EIMBCKE CLUB SÁNDWICH | SÉBASTIEN PILOTE LE DÉMANTÈLEMENT | PIERFRANCESCO DILIBERTO
«PIF» LA MAFIA UCCIDE SOLO D’ESTATE | MARIANA RONDÓN PELO MALO | NEUS BALLÚS LA PLAGA |
VISRA VICHIT VADAKAN SAO KARAOKE | JUNICHI INOUE SENSÔ TO HITORI NO ONNA | FEDERICO FERRONE,
MICHELE MANZOLINI IL TRENO VA A MOSCA | HÉLIER CISTERNE VANDAL
SÉBASTIEN BETBEDER
JEREMY SAULNIER BLUE RUIN
sébastien betbeder
2 AUTOMNES 3 HIVERS
CONTENTS
Francia/France, 2013, 16mm-HD, 93’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Sébastien Betbeder
fotografia/cinematography
Sylvain Verdet
montaggio/film editing
Julie Dupré
musica/music
Bertrand Betsch
suono/sound
Roman Dymny
interpreti e personaggi/
cast and characters
Vincent Macaigne (Arman),
Maud Wyler (Amélie),
Bastien Bouillon,
(Benjamin),
Audrey Bastien,
Thomas Blanchard,
Pauline Etienne,
Jean-Quentin Chatelain,
Olivier Chantreau
produttore/producer
Frédéric Dubreuil
produzione/production
Envie de Tempête
Productions
**
contatti/contacts
Alpha Violet
Virginie Devesa
Tel: +33 620 411 137
[email protected]
www.alphaviolet.com
2 AUTUNNI 3 INVERNI [T.L.]
A trentatré anni Arman decide che è giunto il momento di
cambiare vita: il primo passo è andare a correre. Così il sabato
va al parco con le migliori intenzioni, e alla prima curva si scontra
con Amélie: molto prima del previsto, la sua vita cambia davvero.
Al destino della coppia è legato quello di Benjamin, il migliore
amico di Arman, e della sua fidanzata: mentre i mesi passano le
vite dei quattro si incrociano, tra ricordi, incidenti e storie d’amore.
«La struttura in capitoli, lo sguardo in macchina e le pause nel
racconto si sono rivelate scelte registiche idilliache. Tra il pubblico
e i personaggi si crea un rapporto intimo e speciale, accade
qualcosa di magico e unico quando chi sta sullo schermo ti guarda
e ti parla direttamente. Volevo fare questo film per condividere
alcuni aspetti della società in cui vivo; per dare testimonianza, con
umiltà, di un’epoca che volge al termine, di come cambia il modo
in cui le persone si relazionano. Amiamo in modo diverso nel 2013
e abbiamo un approccio diverso alla morte. Siamo sempre meno
spensierati».
2 AUTUMNS 3 WINTERS
Arman is thirty-three years old and has decided that the time has
come to change his lifestyle: the first step is to go for a run and that
Saturday he goes to the park with the best of intentions. At the first
curve he runs into Amélie and his life really does change, much sooner
than predicted. The destiny of the couple is tied to that of Benjamin,
Arman’s best friend, and his girlfriend. As the months pass, the lives
of the four intertwine, between memories, accidents and love stories.
“The chapter structure, the direct camera address, and the parentheses
in the story turned out to be idyllic directorial decisions. An intimate
and special relationship then emerges between the audience and the
characters. Something magical and unique happens when the person
on the screen looks at you and talks to you directly. I wanted to make
this film in order to share something of what the society in which I live
is like; to bear witness – modestly – to an era that is coming to an end,
to the changing way people relate to each other. We love differently
in 2013, we have a different approach to death. We are increasingly
less carefree.”
2
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Sébastien Betbeder (Pau, Francia,
1975), formatosi a Le Fresnoy - Studio
national des arts contemporains, ha
realizzato diversi cortometraggi, tra
cui Nu devant un fantôme (2005),
basato sulle lettere di Franz Kafka,
e Les mains d’Andréa (2006),
presentato a Locarno e vincitore del
premio del pubblico al Festival Côté
court di Pantin. Nello stesso anno ha
diretto il suo primo lungometraggio,
Nuage, selezionato a Locarno.
Nel 2008 ha presentato al Torino Film
Festival il mediometraggio La vie
lointaine e l’anno successivo il
cortometraggio Toutes les montagnes
se ressemblent, realizzato in coppia con
Christelle Lheureux. Nel 2010 ha
girato un ideale seguito a La vie
lointaine, il mediometraggio Yoshido
(Les autres vies), selezionato da
numerosi festival, tra cui quelli di
Parigi e Rotterdam. Nel 2012 è stato
selezionato nella sezione Onde del
Torino Film Festival con Les nuits avec
Théodore.
Sébastien Betbeder (Pau, France, 1975)
studied at Le Fresnoy - Studio national
des arts contemporains and has made
numerous shorts, including Nu devant
un fantôme (2005), based on the letters
of Franz Kafka, and Les mains
d’Andréa (2006), presented at Locarno
and the winner of the Audience Award
at the Festival Côté court in Pantin.
That same year, he directed his first
feature film, Nuage, selected at
Locarno. In 2008, he presented La vie
lointaine at the Torino Film Festival,
and the next year, he made the short
Toutes les montagnes se ressemblent
in collaboration with Christelle
Lheureux. In 2010, he shot an ideal
sequel to La vie lointaine, Yoshido
(Les autres vies), selected for numerous
festivals, including Paris and Rotterdam.
In 2012 premiered at Torino Film
Festival, Onde section, with Les nuits
avec Théodore.
filmografia/filmography
La fragilité des revenants (cm, 1999),
Le haut mal (cm, 2000), Des voix
alentour (cm, 2003), Nu devant un
fantôme (cm, 2005), Les mains
d’Andréa (cm, 2006), Nuage (2007),
La vie lointaine (mm, 2008), Toutes
les montagnes se ressemblent
(coregia/codirector Christelle Lheureux,
cm, 2009), The Unbroken Line (cm,
2010), Yoshido (Les autres vies) (mm,
2010), Sarah Adams (cm, 2011), Les
nuits avec Théodore (2012), 2 automnes
3 hivers (2013).
justine triet
LA BATAILLE DE SOLFÉRINO
CONTENTS
Francia/France, 2013, HD, 94’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Justine Triet
fotografia/cinematography
Tom Harari
montaggio/film editing
Damien Maestraggi
suono/sound
Julien Sicart
interpreti e personaggi/
cast and characters
Laetitia Dosch (Laetitia),
Vincent Macaigne (Vincent),
Arthur Harari (Arthur),
Virgil Vernier (Virgil),
Marc-Antoine
Vaugeois (Marc),
Jeane Arra-Bellanger
(Jeane),
Liv Harari (Liv),
Emilie Brisavoine (Emilie)
produttore/producer
Emmanuel Chaumet
produzione/production
Ecce Films
**
contatti/contacts
Ecce Films
Joséphine Avril
Tel: +33 014 77 02 723
[email protected]
LA BATTAGLIA DI SOLFÉRINO [T.L.]
6 maggio 2012: ballottaggio delle elezioni presidenziali in Francia.
Presagendo la vittoria di Hollande, i giornalisti si accalcano in rue
Solférino, dove ha sede il quartier generale del partito socialista.
Tra di loro c’è anche Laetitia, che per coprire la diretta dell’evento
ha lasciato le due figlie a un babysitter, raccomandandogli di non
affidarle al padre delle bambine, nel caso questi si presentasse.
Ovviamente niente va come previsto, e nella folla che invade le
strade di Parigi si consuma lo scontro tra Laetitia e l’ex compagno,
non meno burrascoso della sfida politica appena conclusa.
«Spesso, le persone che vogliono realizzare film realistici credono
all’ideale della purezza. Al contrario, ciò che a me interessa è
l’impurità, sia nella forma sia nel contenuto. I miei personaggi
sono degli sporchi disadattati, bambini cresciuti in preda al panico
che hanno perso la capacità di vivere. Io preferisco le cose nella
loro crudezza rispetto ai fantasmi o al racconto moderno. Laetitia
e Vincent a volte sono difficili, mostruosi o violenti, ma sono vivi!»
AGE OF PANIC
May 6, 2012 marks the run-off between the two candidates for
President of France. Foreseeing Hollande’s victory, the journalists throng
Rue Solférino, where the headquarters of the Socialist Party are
located. One of the journalists in the crowd is Laetitia, who, in order to
cover the event live, has entrusted her two daughters to a babysitter
and warned him not to give them to the girls’ father in case he shows
up. Obviously, nothing goes as planned, and the crowd that invades the
streets of Paris is also the setting of a showdown between Laetitia and
her former companion, and it is no less rowdy than the political
confrontation that has just ended.
“Often, people who want to make realistic movies believe in the ideal
of purity. But what interests me, on the contrary, is impurity, both in
the form and the content. My characters are ‘filthy misfits,’ children
who have grown up panic stricken and who have lost the ability to live.
I prefer things in their crudeness rather than ghosts or modern stories.
Laetitia and Vincent are at times difficult, monstrous or violent, but
they are alive!”
3
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Justine Triet (Francia, 1978), laureata
all’École nationale supérieure des
beaux-arts di Parigi, ha realizzato il
primo cortometraggio documentario,
Sur place, nel 2007, cui è seguito
l’anno successivo Solférino. Nel 2009,
ha diretto Des ombres dans la maison,
ambientato in un quartiere di San
Paolo, mentre un anno dopo ha
diretto il primo corto di finzione,
Vilaine fille mauvais garçon, vincitore
di numerosi premi in festival francesi
e internazionali (tra cui il premio Efa
per il cinema europeo alla Berlinale,
il Grand Prix dei festival di Angers
e Belfort) e selezionato per il César
del cortometraggio. La bataille de
Solférino segna il suo esordio nel
lungometraggio.
Justine Triet (France, 1978) graduated
from the École nationale supérieure des
beaux-arts in Paris and made her first
short documentary, Sur place, in 2007;
it was followed the next year by
Solférino. In 2009, she directed Des
ombres dans la maison, set in a
neighborhood of São Paulo, and the
next year she directed her first fiction
short, Vilaine fille mauvais garçon,
which won numerous awards at festivals
in France and abroad (including the
Prix UIP Berlin at the Berlinale, and the
Grand Prix of the festivals of Angers and
Belfort) and was selected for the César
Award for best short film. Age of Panic
is her first feature film.
filmografia/filmography
Sur place (cm, doc., 2007), Solférino
(cm, doc., 2008), Des ombres dans la
maison (cm, doc., 2009), Vilaine fille
mauvais garçon (cm, 2010), La bataille
de Solférino (2013).
jeremy saulnier
BLUE RUIN
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 92’, col.
regia, sceneggiatura,
fotografia/director,
screenplay, cinematography
Jeremy Saulnier
montaggio/film editing
Julia Bloch
scenografia/
production design
Kaet McAnneny
costumi/costume design
Brooke Bennet
musica/music
Brooke Blair, William Blair
interpreti e personaggi/
cast and characters
Macon Blair (Dwight),
Devin Ratray (Ben Gaffney),
Amy Hardgreaves (Sam),
Kevin Kolack
(Teddy Clealand),
Eve Plumb
(Kris Clealand),
David W. Thompson
(William),
Brent Werzner
(Carl Clealand),
Stacy Rock
(Hope Clealand),
Sidné Anderson
(agente/officer Eddy)
produttori/producers
Anish Savjani,
Richard Peete,
Vincent Savino
produzione/production
Filmscience
coproduttori/coproducers
Tyler Byrne, Alex Orr
distribuzione/distribution
Movies Inspired
**
contatti/contatti
Movies Inspired
Stefano Jacono
[email protected]
www.moviesinspired.com
4
BLUE RUIN
Dwight conduce un’esistenza misera e solitaria: senza una casa in
cui vivere, dorme in una vecchia Pontiac e si accontenta del cibo
che riesce a recuperare dai cassonetti dell’immondizia. Quando
scopre che il responsabile del brutale omicidio dei suoi genitori,
causa scatenante della sua deriva sociale, è tornato in libertà, il
desiderio di vendetta diviene un’ossessione. Per mettere in atto
il suo piano sanguinoso dovrà tornare in Virginia e fare i conti
con il proprio passato, pronto ad affrontare e annientare colui
che gli ha distrutto la vita anni prima.
«Sebbene possa essere stato ispirato da un miscuglio complicato
di emozioni su temi quali la morte, la religione, la famiglia e
la cultura americana, sono stato molto chiaro con me stesso
nel volermi concentrare sulla narrazione. Questo film non è una
forma di terapia personale, tanto meno una dichiarazione d’intenti:
a muovermi è il desiderio di intrattenere il pubblico».
BLUE RUIN
Dwight leads a wretched and solitary life: since he doesn’t have a home
to live in, he sleeps in an old Pontiac and makes do with whatever food
he can scrounge in the trash dumpsters. When he discovers that the
person who brutally murdered his parents – the event which sparked
his social deviation – has been released from prison, his desire for
revenge becomes an obsession. In order to carry out his gory plan,
he has to return to Virginia and come to terms with his past, ready
to face and annihilate the man who destroyed his life years earlier.
“While I may have been inspired by a complicated mix of emotions
that I have about things like mortality and religion and family and
American culture, I was strict with myself about focusing on the
narrative. The film is not therapy for myself, it’s not a statement
on anything – I just want to entertain the audience.”
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Jeremy Saulnier (Alexandria, Virginia,
Usa) ha studiato presso la Tisch
School of the Arts della New York
University e ha poi cominciato a
lavorare sui set come direttore della
fotografia, mansione che ricopre
tuttora e che lo vede spesso
collaborare con il regista Matthew
Potterfield (Putty Hill, 2010, e I Used
to Be Darker, 2013). Regista di spot
pubblicitari, ha esordito nel cinema
con i cortometraggi Goldfarb (1998)
e Crabwalk (2004) e nel 2007 ha
diretto il suo primo lungometraggio
Murder Party, film in bilico tra horror
e commedia diventato un piccolo cult
del cinema indipendente americano.
Vive e lavora a Brooklyn.
Jeremy Saulnier (Alexandria, VA, USA)
studied at New York University’s Tisch
School of the Arts and began working
on sets as a director of photography, a
job he still does and which often sees
him collaborating with the director
Matthew Potterfield (Putty Hill, 2010,
and I Used to Be Darker, 2013). After
directing commercials, he debuted in
cinema with the shorts Goldfarb (1998)
and Crabwalk (2004). In 2007 he
directed his first feature film, Murder
Party, part horror movie and part
comedy, and a minor cult movie of
American indie cinema. He lives and
works in Brooklyn, NY.
filmografia/filmography
Goldfrab (cm, 1998), Crabwalk
(cm, 2004), Murder Party (2007),
Blue Ruin (id., 2013).
lee ju hyoung
BULG-EUN GAJOG
CONTENTS
RED FAMILY
Corea del Sud/South Korea, 2013, HD, 99’, col.
regia/director
Lee Ju Hyoung
sceneggiatura/screenplay
Kim Ki-duk
fotografia/cinematography
Lee Chunhee
montaggio/film editing
Kim Ki-duk,
Kim Heuk
costumi/costume design
Kim Jina
musica/music
Choi Inyoung
suono/sound
Kim Jiheop
interpreti e personaggi/
cast and characters
Kim Yumi (Baek Seunghae),
Jung Woo (Kim Jaehong),
Son Byeongho
(Cho Myungsik),
Park Soyoung
(Oh Minji)
produttore/producer
Kim Donghoo
produzione/production
Kim Ki-duk Film
**
contatti/contacts
Finecut
Kim Namyoung
Kim Sunyoung
Yoshie Fukuda
[email protected]
Lee Ju Hyoung (1977) ha studiato
presso l’École européen supérieure
de l’image (Éesi) di Angoulême, in
Francia, dove ha girato i suoi primi
film: i cortometraggi d’animazione
Death of a Worm (2004), Le pot de
terre et de fer (2008) e Moving
Walkaway (2009), con i quali ha
partecipato a numerosi festival
internazionali, e il documentario
We’ve Never Seen a Night Which Has
Finished by Reaching a Day (2010).
Red Family, scritto e prodotto da Kim
Ki-duk, è il suo primo lungometraggio.
FAMIGLIA ROSSA [T.L.]
Lee Ju Hyoung (1977) studied at the
l’École européen supérieure de l’image
(ÉESI) in Angoulême (France), where
he shot his first films: the short
animation films Death of a Worm
(2004), Le pot de terre et de fer (2008)
and Moving Walkaway (2009), which
participated in many international film
festivals, and the documentary We’ve
Never Seen a Night Which Has
Finished by Reaching a Day (2010).
Red Family, written and produced by
Kim Ki-duk, is his first feature film.
«Paragonerei Red Family a una cipolla: le intenzioni più pure
e candide di un individuo sono ricoperte da strati di ideologia.
Questo film parla proprio dell’atto di liberarsi degli strati
superficiali. I personaggi del film riescono ad affrancarsi da queste
imposizioni ideologiche e arrivano addirittura a distruggere i loro
stessi corpi, che le avevano incamerate, per annullare se stessi».
filmografia/filmography
Death of a Worm (cm, 2004), Le pot
de terre et de fer (cm, 2008), Moving
Walkaway (cm, 2009), We’ve Never
Seen a Night Which Has Finished by
Reaching a Day (doc., 2010), Bulg-Eun
Gajog (Red Family, 2013).
Un gruppo di spie nordcoreane viene infiltrato dal governo
di Pyongyang in Corea del Sud. I quattro sono fatti passare
per una famiglia qualsiasi, così da dare il meno possibile
nell’occhio e condurre le operazioni in tutta tranquillità.
La vicinanza a una «vera» famiglia di sudcoreani, alle prese con
problemi economici ma nonostante tutto ancora capace di amarsi,
mette in crisi i quattro 007: dietro il distacco interpersonale della
missione segreta, infatti, tutti instaurano coi vicini sentimenti
di amicizia e comprensione. Pur spalleggiandosi l’un l’altro
per coprire i rispettivi errori, gli agenti finiscono per trovarsi
in difficoltà.
RED FAMILY
The North Korean government infiltrates a group of spies in South
Korea. To avoid raising suspicions and conduct their operations
undisturbed, they pose as an ordinary family. They live close to
a “real” South Korean family: they are struggling economically, but
they are still capable of loving each other. Their proximity throws the
group of spies in a crisis: despite the interpersonal detachment required
by the mission, they start bonding with their neighbors. Even though
they support one another trying to cover their respective mistakes,
a wrong move puts the North Korean agents’ lives at stake.
“I’d say that the film Red Family is like an onion. An individual’s
pure white intentions are covered by layers of ideology and this film
is about peeling them off. The characters in the film strip bare from
their ideologies and eventually destroy their own bodies that contained
them and return to naught.”
5
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
kyle patrick alvarez
C.O.G.
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 88’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Kyle Patrick Alvarez
soggetto/story
dall’omonimo racconto di/
from the short story of the
same title by David Sedaris
fotografia/cinematography
Jas Shelton
scenografia/
production design
Gary Barbosa
costumi/
costume design
Julie Carnhan
suono/sound
Brian Mazzola
interpreti e personaggi/
cast and characters
Jonathan Groff
(David),
Denis O’Hare (Jon),
Corey Stoll (Curly),
Dean Stockwell (Hobbs),
Casey Wilson (Martha),
Trojan Bellisario (Jennifer),
Dale Dickey (Debbie)
produttori/producers
Cookie Carosella,
Stephen Nemeth
produzione/production
Forty Second Productions,
Rhino Films
**
contatti/contacts
Cookie Carosella
[email protected]
www.cog-movie.com
Kyle Patrick Alvarez (1984, Usa) si è
laureato presso la University of Miami
nel 2005, dove ha studiato cinema
e letteratura inglese. Ha esordito nella
regia e nella sceneggiatura con Easier
with Practice (2010), lungometraggio
che ha ottenuto un buon numero di
premi nei festival di tutto il mondo.
Vive e lavora a Los Angeles.
FIGLIO DI DIO [T.L.]
David parte dall’East Coast alla volta dell’Oregon per passare
l’estate a raccogliere mele con la sua amica Jennifer. Ma la
defezione di quest’ultima lo lascia solo in un ambiente che per
lui, arrogante e di buona famiglia, è decisamente inusuale e
sconosciuto. La frequentazione dei colleghi, alcuni apertamente
ostili, altri ben disposti, dà inizio a un processo di crescita inatteso.
In particolare, l’amicizia con Jon, fervente protestante e cercatore
di pietre preziose, gli indica un nuovo percorso di vita.
«Questo è un film vero e proprio, non un biopic. È una mia
interpretazione e lo presento non come parte dell’opera di David
Sedaris, ma come qualcosa di indipendente. Il film dovrebbe
essere visto come un prolungamento di me così come è un
prolungamento della storia di Sedaris. Non ho preso alla leggera
la fiducia da lui accordataci e gli sarò per sempre grato
dell’opportunità di raccontare questa vicenda, in un modo che
spero il pubblico trovi intrigante, divertente e commovente».
C.O.G
David leaves the East Coast and goes to Oregon to spend the summer
harvesting apples with his friend Jennifer. But she abandons him in an
environment which is decidedly unusual and foreign to the arrogant
young man, who comes from a good family. His dealings with his
colleagues, some of whom are openly hostile to him, others who are
more accommodating, spark an unexpected process of interior growth.
In particular, his friendship with Jon, a fervent Protestant who is a
prospector of precious gems, shows him a new path his life could take.
“This is a movie, not a biopic. It’s an interpretation and is presented
not as a part of the canon of Mr Sedaris’ life but as its own separate
thing. I hope it’s clear that the movie’s identity is as much an extension
of me as it is Sedaris’ story. Mr Sedaris’ trust is something I did not
take lightly and I’ll be forever grateful for the opportunity to tell this
specific story in a way I hope people find intriguing, funny and
touching.”
6
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Kyle Patrick Alvarez (1984, USA)
graduated in 2005 from the University
of Miami, where he studied film
production and English literature. He
debuted in directing and screenwriting
with Easier with Practice (2010), a
feature film which received quite a few
awards at festivals throughout the world.
He presently lives and works in Los
Angeles.
filmografia/filmography
Easier with Practice (2010),
C.O.G. (2013).
fernando eimbcke
CLUB SÁNDWICH
CONTENTS
Messico/Mexico, 2013, 35mm, 82’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Fernando Eimbcke
fotografia/cinematography
María Secco
montaggio/film editing
Mariana Rodríguez
scenografia/
production design
Eugenio Caballero
costumi/costume design
Andrea Manuel
musica/music
Camino Lara
suono/sound
Lena Esquenazi
interpreti e personaggi/
cast and characters
María Renée Prudencio
(Paloma),
Lucio Giménez Cacho
(Hector),
Danae Reynaud (Jazmin),
Leonel Tinajero
(padre di Jazmin/
Jazmin’s father), Carolina
Politi (infermiera/nurse),
Enrique Arreola
(taxista/taxi driver)
produttori/producers
Christian Valdelièvre,
Jaime Ramos
produzione/production
Cinepantera
**
contatti/contacts
Funny Balloons
Renan Artukmac
[email protected]
www.funny-balloons.com
CLUB SANDWICH
Paloma è una madre single di trentacinque anni che ha come
migliore amico il figlio quindicenne Hector. Inseparabili, i due
condividono tempo libero, segreti e confessioni. Il loro rapporto
è destinato però a cambiare durante una vacanza al mare:
qui Hector incontra la coetanea Jazmin e sono subito scintille.
Per la giovane madre scoprire che il figlio prova attrazione per
una ragazza è uno shock: oltre alla sorpresa, a sconvolgerla
è l’idea di venir messa da parte.
«Nella prima stesura di Club Sándwich il personaggio principale
era Hector, un adolescente che deve fare i conti con la nascita
del desiderio sessuale mentre è in vacanza con la madre. Era un
coming of age. Durante la fase di scrittura ho cercato di parlare
di adolescenza con alcuni ragazzini, ma tutti quanti erano molto
riservati rispetto a questo argomento, come del resto rispetto a
molti altri. Ho quindi deciso di parlarne piuttosto con le loro madri,
e grazie a queste conversazioni ho capito ben presto che la
protagonista della storia doveva essere Paloma, la madre».
CLUB SANDWICH
Paloma is a thirty-five-year-old single mother whose best friend is her
fifteen-year-old son, Hector. The two are inseparable and share their
free time, their secrets and intimate confessions. But their relationship
is destined to change during a seaside vacation when Hector meets
Jazmin and the attraction is immediate and mutual. It is a shock
when the young mother discovers that her son is attracted to a girl:
besides the surprise, she is upset at the idea of being pushed aside.
“In the first treatment of Club Sandwich the main character was
Hector, an adolescent who experiences his sexual awakening while
on vacation with his mother – it was a coming of age story. During
the writing process I tried to talk with teenagers about adolescence,
but they tended to be very reserved regarding this topic, as well as
many others, so I decided to talk with their mothers instead.
Through these interviews I soon realized that the main character
of the story was Paloma, the mother.”
7
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Fernando Eimbcke (Città del Messico,
Messico, 1970) ha completato gli
studi nel 1996 presso il Centro
universitario di studi cinematografici
della Universidad nacional autónoma
de Mexico. Nel 2003 è stato ospite
del Berlinale Talent Campus, per il
quale ha realizzato il cortometraggio
The Look of Love, e nel 2004 ha scritto
e diretto il suo primo lungometraggio,
Temporada de patos, selezionato alla
Semaine de la critique di Cannes.
Nel 2008 con Sul lago Tahoe ha
vinto il premio Fipresci e l’Alfred
Bauer Award alla Berlinale e ha
partecipato al 26° Torino Film
Festival. Successivamente ha diretto
il cortometraggio La Bienvenida
(2010), episodio del film antologico
Revolución.
Fernando Eimbcke (Mexico City,
Mexico, 1970) graduated in 1996
from the Film Studies Center of the
Universidad nacional autónoma de
Mexico. In 2003, he was a guest of the
Berlinale Talent Campus, where he
made the short The Look of Love,
and in 2004 he wrote and directed his
first feature film, Temporada de patos,
selected for the Semaine de la critique
in Cannes. In 2008, his movie Lake
Tahoe won the FIPRESCI Award and
the Alfred Bauer Award at the Berlinale
and participated at the 26 Torino Film
Festival. He next directed the short La
Bienvenida (2010), an episode of the
film anthology Revolución.
TH
filmografia/filmography
Disculpe las molestias (cm, 1993),
Alcanzar una estrella (cm, 1993),
¿Perdón? (cm, 1994), No todo es
permanente (cm, 1995), La suerte
de la fea… a la bonita no le importa
(cm, 2002), No sea malito (cm, 2003),
The Look of Love (cm, 2003),
Temporada de patos (2004), Adiós
a las trampas (cm, 2005), Perro que
ladra (cm, 2005), Lake Tahoe
(Sul lago Tahoe, 2008), Revolución
(ep. La Bienvenida, 2010), Club
Sándwich (2013).
sébastien pilote
LE DÉMANTÈLEMENT
CONTENTS
PREMIO CIPPUTI
Canada, 2013, 35mm, 110’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Sébastien Pilote
fotografia/cinematography
Michel La Veaux
montaggio/film editing
Stéphane Lafleur
scenografia/
production design
Mario Hervieux
costumi/costume design
Sophie Lefebvre
musica/music
Serge Nakaushi Pelletier
suono/sound
Gilles Corbeil,
Olivier Calvert,
Stéphane Bergeron
interpreti e personaggi/
cast and characters
Gabriel Arcand
(Gaby Gagnon),
Gilles Renaud
(l’amico commercialista/
accountant friend),
Lucie Laurier
(Marie Gagnon),
Sophie Desmarais
(Frédérique Gagnon),
Johanne-Marie Tremblay
(Françoise)
produttori/producers
Bernadette Payeur,
Marc Daigle
produzione/production
ACPAV
**
contatti/contacs
Entertainment One
Ruby Rondina
[email protected]
www.entertainmentone.com
LO SMANTELLAMENTO [T.L.]
Nonostante il nome della fattoria che possiede sia Gagnon & Fils,
Gaby non ha figli, bensì due figlie, per di più cresciute in città e
senza il minimo interesse per la campagna. Quando però una delle
figlie, in procinto di separarsi, gli chiede un aiuto economico, Gaby,
che non dispone del denaro necessario, non esita a fare ciò che è
necessario per amore della famiglia: vendere la fattoria e i terreni di
proprietà, per trasferirsi in un piccolo appartamento nel paese più
vicino.
«Quando scrivo mi fisso dei paletti: nel caso di Le démantèlement
volevo raccontare la storia di una caduta che fosse anche la storia
di un eroismo (l’eroismo di un meraviglioso perdente) e al tempo
stesso costruire il film intorno a un personaggio unico, circondato
però da una costellazione di figure secondarie; infine, volevo che
Gaby incontrasse le persone a lui vicine in successione, mai
insieme, per mostrare come sia in un certo senso un personaggio
a pezzi, smantellato. Si è più creativi quando si deve lavorare con
dei vincoli».
THE DISMANTLEMENT
Even though the farm he owns is called Gagnon & Fils, Gaby doesn’t
have any sons – he has two daughters who grew up in the city and
couldn’t care less about the countryside. One of his daughters is in the
process of leaving her husband and asks Gaby for financial help. Gaby,
who doesn’t have the money she needs, doesn’t think twice and does
what has to be done for the love of his family. He sells the farm and
its fields and moves into an apartment in the nearest town.
“When I write, I set certain parameters. In the case of The
Dismantlement, I wanted to build a story about a downward journey
that would also be a story of heroism – the story of a beautiful loser.
I wanted to build the film around a unique character, this time by
surrounding him with a constellation of secondary characters. Finally,
I wanted Gaby to meet the people close to him in succession, never
together, to show that he himself is dismantled in a sense. You’re more
creative when you have to work with constraints.”
8
TORINO
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F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Sébastien Pilote (Canada, 1973) si è
laureato in arte e cinema all’Università
del Québec a Chicoutimi e ha poi
lavorato come programmatore al
Festival Regard sur le court métrage
di Saguenay. Ha quindi diretto quasi
cento reportage televisivi a tema
sociale, ottenendo quattro nomination
ai Prix Gémeaux. Nel 2007 ha diretto
il primo cortometraggio, Dust Bowl
Ha! Ha!, che ha partecipato in
concorso a numerosi festival
internazionali vincendo, tra gli altri
riconoscimenti, il premio
dell’associazione dei critici di cinema
del Québec, quello di miglior
cortometraggio al Festival du nouveau
cinéma di Montréal e il Grand Prix
al Festival di cortometraggi di
Barcellona. Il suo primo
lungometraggio, Le vendeur (2011),
è stato presentato in oltre sessanta
festival, tra cui il Sundance, Salonicco
e il Torino Film Festival, dove ha vinto
il premio Fipresci.
Sébastien Pilote (Canada, 1973) got
his degree in Art and Film from the
University of Quebec at Chicoutimi and
then worked as a programmer at the
Festival Regard sur le court métrage in
Saguenay. He next directed almost one
hundred TV investigations on social
topics and received four nominations for
the Gemini Awards. In 2007 he directed
his first short, Dust Bowl Ha! Ha!,
which competed at many international
festivals and won awards such as
Quebec’s Film Critics Association Award,
best short at the Festival du nouveau
cinéma in Montreal and the Grand Prix
at the Short Film Festival of Barcelona.
His first feature film, Le vendeur (2011),
was presented at over sixty festivals,
including Sundance, Salonicco and the
Torino Film Festival, where it won the
FIPRESCI Award.
filmografia/filmography
Dust Bowl Ha! Ha! (cm, 2007), Le
vendeur (2011), Le démantèlement
(2013).
pierfrancesco diliberto «pif»
LA MAFIA UCCIDE SOLO D’ESTATE
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 90’, col.
regia/director
Pierfrancesco
Diliberto «Pif»
soggetto, sceneggiatura/
story, screenplay
Michele Astori,
Pierfrancesco
Diliberto «Pif»,
Marco Martani
fotografia/cinematography
Roberto Forza
montaggio/film editing
Cristiano Travaglioli
scenografia/
production design
Marcello Di Carlo
costumi/costume design
Cristiana Ricceri
musica/music
Santi Pulvirenti
suono/sound
Luca Bertolin
interpreti e personaggi/
cast and characters
Cristiana Capotondi (Flora),
Pierfrancesco
Diliberto «Pif» (Arturo),
Ginevra Antona
(Flora bambina/as a child),
Alex Bisconti
(Arturo bambino/as a child)
Claudio Gioè (Johnny),
Ninni Bruschetta
(Fra Giacinto),
Barbara Tabita (Maria Pia),
Rosario Lisma (Lorenzo)
produttori/producers
Mario Gianani,
Lorenzo Mieli
produzione/production
Wildside
distribuzione/distribution
01 Distribution
**
contatti/contacts
01 Distribution
Tel: +39 06 684 70 01
LA MAFIA UCCIDE SOLO D’ESTATE
Il giorno in cui il noto mafioso Vito Ciancimino viene eletto sindaco
di Palermo è anche quello in cui nasce Arturo, e questa coincidenza
avrà nella sua vita molte più conseguenze di quanto ci si potrebbe
aspettare. Il ragazzo infatti cresce con due ossessioni, ugualmente
totalizzanti: l’amore tormentato per Flora, la compagna di banco
di cui è innamorato sin dalle elementari, e quella per lo spaventoso
legame tra la sua città e la mafia, che lo isola da tutti, Flora
compresa, fino a quando, purtroppo, la cronaca non gli dà ragione.
«Un giorno mi sono fermato e mi sono guardato indietro.
E lì, è nata la domanda: ma come è possibile che a Palermo
la mafia entrasse così prepotentemente nella vita delle persone
e che in pochi dicessero qualcosa?»
THE MAFIA KILLS ONLY IN SUMMERTIME [L.T.]
The day the well-known Mafioso Vito Ciancimino is elected mayor
of Palermo is also the day Arturo is born, and this coincidence will
have many more consequences on his life than one would think.
In fact, the boy has two obsessions, each of which consumes him
entirely: his tormented love for Flora, who shares a desk with him in
class and who he has been in love with since elementary school; and
his obsession about the frightening connections between his city and
the Mafia. This second obsession isolates him from everybody, including
Flora, until, unfortunately, current events prove him right.
“One day I stopped and looked around. And that’s when I asked myself
the question: how can the Mafia enter the lives of people so arrogantly
in Palermo and so few say anything about it?”
[email protected]
www.01distribution.it
9
TORINO
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F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Pierfrancesco Diliberto, in arte «Pif»
(Palermo, Italia, 1972), si è avvicinato
al mondo del cinema lavorando nella
produzione di Un tè con Mussolini
(1998) di Franco Zeffirelli e I cento
passi (1999) di Marco Tullio Giordana.
Nel frattempo, dopo aver vinto un
concorso per autori televisivi di
Mediaset nel 1998, ha iniziato a
scrivere per la televisione e per
Le Iene, di cui è diventato inviato.
Dal 2007 ha iniziato a lavorare al
programma di Mtv Il testimone e nel
2012, in occasione del ventesimo
anniversario dalla morte di Giovanni
Falcone e Paolo Borsellino, ha scritto
il racconto Sarà stata una fuga di gas,
pubblicato nella raccolta Dove
eravamo. Vent’anni dopo Capaci e via
D’Amelio. La mafia uccide solo d’estate
è il suo primo film da regista.
Pierfrancesco Diliberto, a.k.a. “Pif ”
(Palermo, Italy, 1972), got his start
in the world of cinema by working on
the production of Tea with Mussolini
(1998) by Franco Zeffirelli and One
Hundred Steps (1999) by Marco
Tullio Giordana. In the meantime, after
winning a contest for TV writers held by
Mediaset in 1998, he began writing for
TV and for the program Le Iene, for
which he became a correspondent.
In 2007, he began working on the MTV
program Il testimone and in 2012, on
the occasion of the 20 anniversary
of the deaths of Giovanni Falcone
and Paolo Borsellino, he wrote the
short story Sarà stata una fuga di
gas, which was published in the
anthology Dove eravamo. Vent’anni
dopo Capaci e via D’Amelio.
La mafia uccide solo d’estate
is his directional debut.
TH
filmografia/filmography
La mafia uccide solo d’estate (2013).
mariana rondón
PELO MALO
CONTENTS
Venezuela, 2013, HD, 93’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Mariana Rondón
fotografia/cinematography
Micaela Cajahuaringa
montaggio, produttore/
film editing, producer
Marité Ugás
scenografia/
production design
Matías Tikas
musica/music
Camilo Froideval
suono/sound
Lena Esquenazi
interpreti e personaggi/
cast and characters
Samuel Lange (Junior),
Samantha Castillo (Marta)
produzione/production
Sudaca Films
coproduzione/coproduction
Imagen Latina,
Hanfgarn & Ufer
Filmproduktion,
La Sociedad Post,
Artefactos S.F,
José Ibáñez
**
contatti/contacts
FiGa Films
Sandro Fiorin
Tel: +1 323 258 52 41
CAPELLI DIFFICILI [T.L.]
In una megastruttura abitativa della periferia di Caracas, Junior,
nove anni, vive con la giovane madre Marta, vedova e disoccupata.
I rapporti tra i due sono tutt’altro che amorevoli: a disturbare Marta
è l’ossessione del figlio per il proprio aspetto; dal canto suo Junior
vorrebbe soltanto potersi stirare i capelli, crespi e scarmigliati, così
da fare bella figura nella foto di classe. Per Marta, però, impegnata
nella quotidiana lotta per la sopravvivenza, i vezzi del figlio
risultano intollerabili, tanto da arrivare ad accusarlo di ambiguità
sessuale. In un crescendo di soprusi e incomprensioni, Junior si
trova a dover affrontare in modo doloroso le frustrazioni della
madre, resa cieca dalla sua stessa vulnerabilità.
«Mi interessa parlare di personaggi indifesi, ai quali mancano i
mezzi per sopravvivere a livello emotivo. Come punto di partenza
ho voluto mettere in dubbio l’amore materno: è una questione
istintuale o un dovere incondizionato? Le emozioni non sono un
dovere».
[email protected]
www.figafilms.com
BAD HAIR
On the outskirts of Caracas, nine-year-old Junior lives with his young
mother Marta, an unemployed widow, in a huge apartment complex.
Theirs is anything but a loving relationship: Marta is disturbed by her
son’s obsession with his looks; Junior only wants to straighten his hair,
which is frizzy and messy, so he can look good in the class photo.
Junior’s affectations are intolerable to Marta, who is involved in a daily
struggle for survival, and she even accuses her son of sexual ambiguity.
In a crescendo of domination and misunderstandings, Junior finds
himself painfully dealing with his mother’s frustrations, whose own
vulnerability has made her blind to his problems.
“I’m interested in talking about helpless characters, who lack resources
for emotional survival. I started by questioning a mother’s love. Is it a
matter of instinct or is it an unconditional duty? Emotion is not duty.”
10
TORINO
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F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Mariana Rondón (Venezuela) è una
regista, sceneggiatrice e artista visiva.
Ha studiato animazione a Parigi e si è
poi diplomata presso la Escuela
internacional de cine y televisión de
San Antonio, a Cuba. Ha esordito nel
lungometraggio con A la medianoche y
media (2000), per dirigere poi Lo que
se hereda no se hurta (2007), film per
la tv prodotto in Messico, e Postales
de Leningrado (2007), con cui si è
aggiudicata diversi premi in festival
internazionali. Nel campo delle arti
plastiche ha partecipato a numerose
esposizioni internazionali con
l’istallazione robotica You Came
with the Breeze.
Mariana Rondón (Venezuela) is a
director, screenwriter and visual artists.
She studied animation in Paris and
received her degree from the EICTV Film
School of Cuba. She debuted in feature
films with A la medianoche y media
(2000), and then directed Lo que se
hereda no se hurta (2007), a made-forTV movie produced in Mexico; and
Postales de Leningrado (2007), for
which she received various awards
at numerous international festivals.
In the field of the plastic arts, she has
participated at many international
exhibits with the robotic installation
You Came with the Breeze.
filmografia/filmography
A la medianoche y media (2000),
Lo que se hereda no se hurta (tv, 2007),
Postales de Leningrado (2007), Pelo
malo (2013).
neus ballús
LA PLAGA
CONTENTS
PREMIO CIPPUTI
Spagna/Spain, 2013, HD, 85’, col.
regia, soggetto/
director, story
Neus Ballús
fotografia/cinematography
Diego Dussuel
montaggio/film editing
Neus Ballús,
Domi Parra
musica/music
David Crespo
interpreti/cast
Raul Molist,
Maria Ros,
Rosemarie Abella,
Iurie Timbur,
Maribel Martí
produttore/producer
Judit Quintana
produzione/production
El Kinògraf
coproduzione/coproduction
Televisió de Catalunya,
Arte France,
Institut Català de les
Empreses Culturals,
Insituto de la
Cinematografía y las Artes
Audiovisuales
**
contatti/contacts
Movies for Festivals
Johanna Tonini
Tel: +34 676 560 286
[email protected]
www.moviesforfestivals.com
Neus Ballús (Mollet del Vallès,
Spagna, 1980) ha studiato montaggio
e regia presso la Universidad Pompeu
Fabra di Barcellona. Ha esordito nel
2004 con il cortometraggio
documentario La Gabi e
successivamente ha diretto The
Grandad with a Movie Camera (2005),
presentato come il precedente nel
circuito dei festival internazionali.
Immersion (2009) è stato girato
completamente sott’acqua, mentre
le riprese di La plaga (2013), suo
esordio nel lungometraggio, sono
durate quattro anni.
L’INFESTAZIONE [T.L.]
Raul, coltivatore diretto di prodotti organici, assume Iurie, lottatore
moldavo alla disperata ricerca di lavoro. Le storie dei due uomini
s’incrociano con quelle di Maria, una donna anziana costretta a
lasciare la casa di campagna per l’ospizio, Rose, un’infermiera
filippina appena arrivata in Spagna, e Maribel, una prostituta che
ha sempre meno clienti. A dominare le loro vite la solitudine e la
crisi economica, capaci di spazzare via ogni certezza. Intorno a
loro, la periferia di Barcellona, tra complessi industriali, costruzioni
di edilizia popolare e autostrade, da cui si scorgono le ultime
avvisaglie di campagna.
«A causa del sentimento di solitudine e incertezza che lo pervade,
considero La plaga un western contemporaneo. Anche perché nel
film si parla della vita ai margini della società, in un paesaggio
strano, immerso nella calura estiva… Questi sono gli elementi che
avevo in mente quando delineavo l’atmosfera e l’estetica del film».
THE PLAGUE [L.T.]
Raul, an organic produce farmer, hires Iurie, a Moldavian wrestler who
is desperate to find a job. The lives of the two men soon intersect those
of Maria, an elderly woman who is forced to leave her home in the
country for a hospice; Rose, a Filipino nurse who has just arrived in
Spain; and Maribel, a prostitute who is steadily losing clients. Their
lives are dominated by solitude; the economic crisis weighs on them
all, destroying any certainties. The setting is the outskirts of Barcelona:
industrial complexes, low-rent housing and highways offering the last
glimpses of the countryside.
“Because of this feeling of loneliness and uncertainty, I’ve always
thought of La plaga as a contemporary western. Also because we’re
talking about the life on the margins of the system, in a strange
landscape, in the heat of the summer… And that’s something that
I had always in mind in creating the aesthetic atmosphere of the film.”
11
TORINO
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F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Neus Ballús (Mollet del Vallès, Spain,
1980) studied film editing and directing
at the Universidad Pompeu Fabra in
Barcelona. He debuted in 2004 with the
short documentary La Gabi and next
directed The Grandad with a Movie
Camera (2005), both of which were
presented on the international festival
circuit. In making Immersion (2009),
he did all the shooting underwater, and
the filming of La plaga (2013), his debut
feature-length movie, lasted four years.
filmografia/filmography
La Gabi (cm, doc., 2004), The
Grandad with a Movie Camera (cm,
doc., 2005), Pepitu Ricu (cm, doc.,
2006), Immersion (cm, doc., 2009),
La plaga (2013).
visra vichit vadakan
SAO KARAOKE
CONTENTS
KARAOKE GIRL
Thailandia-Usa/Thailand-USA, 2013, Super16-HD, 77’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Visra Vichit Vadakan
fotografia/cinematography
Sandi Sissel,
Chananun Chotrungroj
montaggio/film editing
Perry Blackshear,
Saranee Wongpan
scenografia/
production design
Songwat Asawanonda
musica/music
Koichi Shimizu
suono/sound
Sunij Asvinikul,
Tundorn Asvinikul,
Pratheep Prakrai
interpreti/cast
Sa Sittijun,
la famiglia Sittijun/
Sittijun family,
Supavich Mepremwattana
produttori/producers
Pornmanus Rattanavich,
Pran Tadaveerawat
produzione/production
Hidden Rooster Films
coproduttore/coproducer
Samina Akbari
**
contatti/contacts
Hidden Rooster Film
Pornmanus «Bo»
Rattanavich
[email protected]
www.hiddenroosterfilms.com
Visra Vichit Vadakan (Thailandia,
1981) ha studiato presso la Stanford
University e si è diplomata alla Tisch
School of the Arts di New York.
Ha esordito nella regia con il
cortometraggio Fall (2008), quindi
ha diretto il documentario
sperimentale Rise (2009) e In Space
(2010), tutti presentati in importanti
festival internazionali. Dopo aver
debuttato nel lungometraggio con
Karaoke Girl (2013), sta sviluppando
il nuovo progetto Karma Police.
LA RAGAZZA DEL KARAOKE [T.L.]
Sa, a quindici anni, si è trasferita dalla campagna a Bangkok per
cercare un lavoro con cui sostenere la famiglia lontana, schiacciata
da debiti e povertà. Dopo tre anni passati in fabbrica si è resa conto
che l’unica soluzione per avere uno stipendio decente è quella
di vendere il proprio corpo, lavorando in un locale di karaoke, in
cui l’intrattenimento dei clienti si spinge ben oltre l’interpretazione
di qualche canzone. Ora che ha compiuto ventitré anni è giunto
il momento di tornare a casa, per fare visita ai genitori.
«Attraverso l’esperienza reale di una donna, Karaoke Girl svela
l’aspetto più umano di una categoria che fa parte della nostra
società e che troppo spesso viene ritratta in modo bozzettistico.
Piuttosto che fare ricorso a una struttura narrativa classica, il film
ci mostra il mondo interiore di una donna premurosa e ottimista,
nonostante il difficile passato».
KARAOKE GIRL
Fifteen-year-old Sa moves to Bangkok from the countryside in search
of a job to support her family far away, which is weighed down by debts
and poverty. After working for three years in a factory, she realizes that
the only way to earn a decent salary is to sell her body, working in a
karaoke club where entertaining the audience goes well beyond singing
a few songs. Now that she has turned twenty-three it’s time to return
home and visit her parents.
“Peering through the lens of one woman’s real experience, Karaoke
Girl humanizes the reality of a class of our social fabric usually painted
as flat caricature. Rather than presenting traditional narrative, Karaoke
Girl offers a personal landscape of this woman who is thoughtful and
optimistic despite her difficult past.”
12
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Visra Vichit Vadakan (Thailand, 1981)
studied at Stanford University and
graduated from the Tisch School of
the Arts in New York. She debuted
in directing with the short Fall (2008),
after which she directed the
experimental documentary Rise (2009)
and In Space (2010), all of which were
presented at important international
festivals. After her debut in feature films
with Karaoke Girl (2013), she is now
developing a new project, Karma Police.
filmografia/filmography
Fall (cm, 2008), Rise (cm, doc., 2009),
In Space (cm, 2010), Sao Karaoke
(Karaoke Girl, 2013).
junichi inoue
SENSÔ TO HITORI NO ONNA
CONTENTS
A WOMAN AND WAR
Giappone/Japan, 2013, HD, 98’, col.
regia/director
Junichi Inoue
sceneggiatura/screenplay
Haruhiko Arai,
Futoshi Nakano
fotografia/cinematography
Atsuhiro Nabeshima
montaggio/film editing
Tomoko Hiruta
scenografia/
production design
Toshihiro Isomi
musica/music
Shinji Aoyama,
Isao Yamada
suono/sound
Masaru Usui
interpreti/cast
Noriko Eguchi,
Masatoshi Nagase,
Jun Murakami,
Akira Emoto,
Shoko Takao,
Yoko Oshima,
Yoshi Sako,
Yota Kawase,
Kazuhiro Sano,
Miku Chiba,
Fuko Makino,
Yoko Oike, Marron,
Nao Seta,
Mikiya Sanada,
Yoichi Iijima,
Ryo Ushimaru,
Takahiro Ono,
Hayato Kusano,
Yuto Fukushi,
Guillaume Tauveron
produttore/producer
Ikki Katashima
produzione/production
Dogsugar Movies,
A Woman and War
Production Committee
**
contatti/contacts
Office Futaba
Kayoko Nakanishi
Tel: +81 909 392 59 84
[email protected]
13
UNA DONNA E LA GUERRA [T.L.]
In Giappone, negli ultimi anni della Seconda guerra mondiale,
si incrociano i destini di tre personaggi: una prostituta che non ha
mai provato piacere ma continua a inseguirlo, uno scrittore fallito
che sfoga nel sesso il dolore per gli stravolgimenti subiti dal suo
Paese e un reduce tornato a casa senza un braccio, incapace di
riprendere a vivere normalmente perché ossessionato dagli stupri
commessi sul fronte cinese. Un groviglio inestricabile di colpe e
violenze generato dalla follia della guerra, che perseguiterà
i tre personaggi come in un incubo.
«La gente tende a dimenticare; i giapponesi, in particolare,
dimenticano molto facilmente. Ciò li porta a ignorare avvenimenti
sconvenienti oltre ai crimini commessi durante la Seconda guerra
mondiale. Di sicuro, questa facilità a dimenticare è alla base dei
rapporti tumultuosi che intercorrono tra il Giappone e il resto
dei Paesi asiatici. Come regista, il mio scopo era girare un film che
parli di argomenti che altrimenti i giapponesi dimenticherebbero».
A WOMAN AND WAR
Japan, the final years of WWII: the crossed destinies of a prostitute who
has never experienced pleasure but continues to search for it, of a failed
author who uses sex to drown the pain he feels for the upheavals his
country is undergoing, and of a soldier who has returned home without
an arm and is unable to live a normal life again because he is obsessed
by the rapes committed on the Chinese front. An inextricable tangle of
guilt and violence generated by the madness of war, which hounds the
three characters like a nightmare.
“People forget. The Japanese people are particularly forgetful.
That forgetfulness allows them to ignore inconvenient historic facts and
their WWII crimes. Surely such forgetfulness has led to Japan’s shaky
relations in Asia now. My goal as a filmmaker was to make a movie
about those issues that the Japanese would rather forget.”
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Junichi Inoue (Aichi, Giappone, 1965)
ha studiato presso l’Università di
Waseda, a Tokyo, una delle più
importanti università private del
Giappone, lavorando
contemporaneamente per la
Wakamatsu Production. Dopo aver
collaborato a svariate produzioni in
veste di assistente alla regia, nel 1990
ha esordito come regista con un
episodio del film antologico A Hole
in Underpants, codiretto, tra gli altri
dallo stesso Wakamatsu. Dalla
metà degli anni Novanta ha iniziato
a lavorare come sceneggiatore,
firmando diversi film, tra cui nel 2011
Pure Asia di Ikki Katashima. A Woman
and War segna il suo debutto nel
lungometraggio.
Junichi Inoue (Aichi, Japan, 1965)
studied at the University of Waseda,
in Tokyo, one of Japan’s most important
private universities; at the same time
he worked for Wakamatsu Production.
After collaborating on many productions
as director’s assistant, he debuted as
a director in 1990 with an episode
of the anthological movie A Hole in
Underpants, codirected, among the
others, by Wakamatsu himself.
He began working as a screenwriter
in the mid-1990s, writing various movie
scripts, including Pure Asia by Ikki
Katashima in 2011. A Woman and
War is his first feature film.
filmografia/filmography
Pantsu no ana: Mukesode mukenai
ichige tachi (A Hole in Underpants,
coregia/codirectors aa.vv., 1990),
Sensô to irori no onna (A Woman
and War, 2013).
federico ferrone, michele manzolini
IL TRENO VA A MOSCA
CONTENTS
PREMIO CIPPUTI
Italia-Regno Unito/Italy-UK, 2013, 8mm-HD, 70’, bn/bw-col.
regia/directors
Federico Ferrone,
Michele Manzolini
soggetto/story
Federico Ferrone,
Michele Manzolini,
Francesco Ragazzi
sceneggiatura/screenplay
Federico Ferrone,
Michele Manzolini,
Jaime P. Cousido,
Denver Beattie
fotografia/cinematography
Andrea Vaccari,
Marcello Dapporto,
Enzo Pasi,
Luigi Pattuelli,
Sauro Ravaglia
montaggio/film editing
Sara Fgaier
musica/music
Francesco Serra
suono/sound
Diego Schiavo
interprete/cast
Sauro Ravaglia
produttori/producers
Claudio Giapponesi,
Francesco Ragazzi,
Federico Ferrone,
Michele Manzolini,
Simone Bachini
produzione/production
Kiné, Vezfilm
coproduzione/coproduction
Home Movies,
Fondazione culturale
San Fedele,
Fondazione Cineteca
di Bologna,
Apapaja Film
**
contatti/contacts
Apapaja Film
Simone Bachini
[email protected]
www.apapaja.com
14
Federico Ferrone (1981) e Michele
Manzolini (1980) hanno codiretto
nel 2007 il film documentario
Merica e hanno lavorato come registi
e produttori per la rete Al-Jazeera.
Con Francesco Ragazzi e Magdalena
Szymkow hanno inoltre fondato nel
2010 la casa di produzione Vezfilm,
con cui hanno prodotto Anita di Luca
Magi (2012), selezionato nella sezione
Italiana.Doc del 30° Torino Film
Festival e a Doclisboa.
IL TRENO VA A MOSCA
1957. Ad Alfonsine, uno dei tanti paesini della Romagna rossa
distrutti dalla guerra, il barbiere comunista Sauro Ravaglia e i suoi
amici, tutti appassionati cineamatori, sognano l’Unione Sovietica,
unica terra in cui si realizza il loro ideale di pace, fratellanza e
uguaglianza. Quando si presenta l’occasione di visitare Mosca,
durante il Festival mondiale della gioventù socialista, il gruppetto
parte: le aspettative sono altissime e tanta la voglia di portare a
casa più immagini possibili di quello che sarà il viaggio della vita.
«Per Sauro l’utopia non era solo un’idea politica, ma una
prospettiva da poter quasi toccare con mano. Per noi, cresciuti
in un’epoca in cui non si sogna più una società ideale, fare un
film come questo segna il tentativo di far riaffiorare quel desiderio
di utopia che abbiamo sempre finto di ignorare. Anche se un po’
di nostalgia inevitabilmente traspare, non abbiamo voluto fare un
film nostalgico. Il fatto che Sauro ancora oggi continui a girare il
mondo è la testimonianza che forse l’utopia non è un obiettivo
realizzabile, ma una ricerca lunga una vita intera».
THE TRAIN GOES TO MOSCOW [L.T.]
1957. In Alfonsine, one of the many towns in Romagna that was
destroyed by the war, the communist barber Sauro Ravaglia and his
home-movie makers friends dream of the Soviet Union, the only place
where their ideals of peace, brotherhood and equality have come true.
When they get the chance to visit Moscow during the World Festival of
Youth and Students, the group of friends depart: their expectations are
high and they want to bring home as many images as possible of what
will be the best trip of their life.
“To Sauro, utopia wasn’t only a political idea but a virtually tangible
prospect. To us, who grew up in a time when people don’t dream of
an ideal society anymore, making a movie like this was an attempt to
bring back that dream of utopia we have always pretended to ignore.
Even if a bit of nostalgia inevitably comes through, we didn’t want to
make a nostalgic movie. The fact that, still today, Sauro is traveling
the world over is proof that maybe utopia isn’t a feasible objective,
but a life-long search.”
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Federico Ferrone (1981) and Michele
Manzolini (1980) have codirected
the documentary film Merica in 2007.
In the following years they have worked
as directors and producers for the
Al-Jazeera network. Together with
Francesco Ragazzi and Magdalena
Szymkow in 2010 they created the
production company Vezfilm, with
which they produced Anita, directed
by Luca Magi, that premiered at
Italiana.Doc section at 30 Torino
Film Festival, and at Doclisboa.
TH
filmografia/filmography
Federico Ferrone:
Banliyö - Banlieue (coregia/codirectors
Francesco Ragazzi, Constance Rivière,
cm, doc., 2004).
Federico Ferrone, Michele Manzolini:
Merica (coregia/codirector Francesco
Ragazzi, doc., 2007), Il nemico interno
(doc., 2009), Il treno va a Mosca
(doc., 2013).
hélier cisterne
VANDAL
CONTENTS
Francia/France, 2013, HD, 81’, col.
regia/director
Hélier Cisterne
sceneggiatura/screenplay
Hélier Cisterne,
Gilles Taurand,
Katell Quillévéré
fotografia/cinematography
Hichame Alaouié
montaggio/film editing
Thomas Marchand
scenografia/
production design
Anna Falguères
musica/music
Ulysse Klotz
suono/sound
Florent Klockenbring
interpreti/cast
Zinedine Benchenine,
Chloé Lecerf,
Emile Berling,
Kévin Azaïs,
Jean-Marc Barr,
Brigitte Sy,
Ramzy Bédia,
Marina Foïs
produttore/producer
Justin Taurand
produzione/production
Les Films du Bélier
coproduttori/coproducers
Joseph Rouschop,
Valérie Bournonville
coproduzione/coproduction
Tarantula, Hérodiade,
Région Rhône-Alpes
**
contatti/contacts
Film Distribution
Sanam Madjedi
Tel: +33 1531 033 99
[email protected]
www.filmsdistribution.com
VANDALO [T.L.]
Figlio di genitori separati e con un pessimo rapporto con la madre,
il quindicenne Chérif viene mandato a vivere con gli zii nella città
del padre, con cui il ragazzo non ha contatti dal divorzio. La
speranza è che, cambiando ambiente, il ragazzo possa mettere la
testa a posto: dagli zii la vita è in effetti piuttosto tranquilla e il
cugino è il classico bravo ragazzo, timido e introverso. O almeno
questo è ciò che sembra fino alla sera in cui il ragazzo porta
Chérif nel suo vero ambiente, rivelandogli un nuovo mondo,
quello dei graffitari.
«Ho voluto tracciare il ritratto di un teenager per rappresentare la
strana e insolita esperienza dell’adolescenza, età divisa tra famiglia,
amici e amore, tre mondi solitamente segnati dal conflitto. In più
c’è la scuola, che diventa motivo di stress nel momento in cui
spinge a scegliere un percorso di studio e determinare il proprio
futuro. Lungi dall’essere spensierato, questo periodo è comunque
pieno di fantasia e di aspirazioni che migliorano la vita quotidiana.
Per me il lato romantico e lirico dell’adolescenza era dunque molto
importante».
VANDAL
Fifteen-year-old Chérif’s parents are divorced and his relationship with
his mother is terrible. He is sent to live with his uncle and aunt in the
same city where his father lives, with whom he has had no contact
since the divorce. The hope is that the boy will improve in this new
environment. In fact, life at his aunt and uncle’s is fairly tranquil and
Chérif’s cousin is the typical straight arrow. Or at least this is how it
seems, until the young boy one evening shows Chérif his real lifestyle
and reveals him a new world of teen graffiti artists.
“I wanted to sketch the portrait of an adolescent, and through him
embody the strange and unusual experience of this age torn between
family, friends and love – three worlds known for being areas of every
confrontation. School too, which is made stressful by the anxiety of
having to choose a career path and determine one’s future. Far from
being carefree, this period is, however, still filled with fantasy and
aspirations that enhance daily life. This romantic and lyrical side
specific to adolescence was important to me.”
15
TORINO
31/
F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N
Hélier Cisterne (Parigi, Francia, 1981),
dopo gli studi in filosofia, ha esordito
come cineasta nel 2003 con il
cortometraggio Dehors. Il suo secondo
film, Les deux vies du serpent, è stato
presentato alla Semaine de la critique
di Cannes e ha vinto il Grand Prix al
festival del cortometraggio di Brest
e un Orso di bronzo al Festival delle
nazioni, in Austria. Il successivo
Les paradis perdus ha ottenuto la
menzione speciale del Premio
della stampa al Festival di ClermontFerrand ed è stato selezionato nella
categoria miglior cortometraggio ai
César del 2009. Vandal è il suo primo
lungometraggio.
Hélier Cisterne (Paris, France, 1981),
after studies in philosophy, debuted as
a director in 2003 with the short
Dehors. His second film, Les deux
vies du serpent, was presented at the
Semaine de la critique in Cannes and
won the Grand Prix at the Brest Short
Film Festival and a Bronze Bear at the
Festival of Nations in Austria. His next
film, Les paradis perdus, received the
special mention of the Press Prize at the
Festival of Clermont-Ferrand and was
selected for the category best short film
at the 2009 César Awards. Vandal is
his first feature film.
filmografia/filmography
Dehors (cm, 2003) Les deux vies du
serpent (cm, 2006), Les paradis perdus
(cm, 2008), Sous la lame de l’épée
(cm, 2011), Vandal (2013).
CONTENTS
Only Lovers Left Alive (2013) di Jim Jarmusch
CONTENTS
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
GRAN PREMIO TORINO 2013
CARLO MAZZACURATI LA SEDIA DELLA FELICITÀ
FILM
| SEAN GARRITY BLOOD PRESSURE | JOE SWANBERG DRINKING BUDDIES |
| NOAH BAUMBACH FRANCES HA | EUGENIO MIRA GRAND PIANO |
DON MCKELLAR THE GRAND SEDUCTION | BRUCE MCDONALD THE HUSBAND | PAWEŁ PAWLIKOWSKI IDA |
ETHAN COEN, JOEL COEN INSIDE LLEWYN DAVIS | JON TURTELTAUB LAST VEGAS | NARIMANE MARI LOUBIA
HAMRA | JIM JARMUSCH ONLY LOVERS LEFT ALIVE | DAVID GORDON GREEN PRINCE AVALANCHE | KATELL
QUILLÉVÉRÉ SUZANNE | GIUSEPPE POLLICELLI, MARIO TANI TEMPORARY ROAD. (UNA) VITA DI FRANCO BATTIATO |
CHAD HARTIGAN THIS IS MARTIN BONNER | ANURAG KASHYAP UGLY | NAT FAXON, JIM RASH THE WAY WAY
BACK | FEDERICO FELLINI 8 ½ | GIANCARLO SCARCHILLI ESSERE RICCARDO… E GLI ALTRI | PETER MARCIAS
TUTTE LE STORIE DI PIERA | PAOLO MITTON THE REPAIRMAN
J.C. CHANDOR ALL IS LOST
NICOLE HOLOFCENER ENOUGH SAID
EUROPOP
PHILIPPE LE GUAY ALCESTE À BICYCLETTE
| WOJCIECH SMARZOWSKI DROGÓWKA | PER FLY MONICA Z |
| JOHN BUTLER THE STAG
CLAUDIO AMENDOLA LA MOSSA DEL PINGUINO
Ai suonatori un po’ sballati
e ai balordi come me
CONTENTS
DI EMANUELA MARTINI
La Passione (2010) di Carlo Mazzacurati
C’era una volta, alcuni decenni fa, la prima
commissione di selezione della Settimana della
critica della Mostra del cinema di Venezia.
La Sic era appena nata, nel 1984, sulla scia della
Semaine de la critique che già agitava da qualche
anno il Festival di Cannes, e i selezionatori erano
all’epoca giovani critici piuttosto esigenti che,
dovendo scegliere per il concorso sette e solo
sette film di autori esordienti, si ostinavano a
respingere tutti i film italiani che arrivavano,
perché non all’altezza di quelli proposti dal
resto del mondo. Se oggi il nostro cinema ci
sembra affogato in una palude di conformismo,
inettitudine e mancanza di idee, anche allora
l’orizzonte non era roseo, offuscato da
farraginose presunzioni autoriali post
sessantottine. Insomma, ai giovani critici
non piaceva nulla.
Finché finalmente, nel 1987, arrivò un oggetto
curioso. Da non crederci: un noir (un esordiente
che faceva cinema di genere?) ambientato nel
Nordest padano piatto e nebbioso che, come
tutti i noir che si rispettino, sotto gli intrighi
dell’indagine svelava molto del Paese, del
paesaggio, del carattere, del passato e forse del
futuro degli abitanti di quella fetta di Italia (a
proposito di futuro, credo che La ragazza del lago
di Andrea Molaioli debba molto a questo film).
Era Notte italiana, diretto da Carlo Mazzacurati
e prodotto dalla Sacher Film, che proprio nel
1987 era stata fondata da Nanni Moretti e Angelo
Barbagallo. Era un film che sfidava le mode e le
regole, che aveva un insolito gusto del racconto
e sapeva descrivere con affetto e amarezza la vita
di quei posti e quella gente, che ti catturava e
non ti mollava. Il paesaggio, con i suoi ritmi, i
suoi colori, i suoi umori, i suoi silenzi, era parte
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F E S TA M O B I L E
-
GRAN PREMIO TORINO
A MOVEABLE FEAST
2013/
integrante dei personaggi e della loro storia, li
segnava, li costruiva, li destrutturava o addirittura
li faceva svaporare. Un ruolo che il paesaggio,
meglio se provinciale o campagnolo e meglio
ancora se padano o padovano, ha continuato
ad avere in tutti i film successivi di Mazzacurati:
dalla periferia romana burina di Un’altra vita alle
strade impervie dell’Est di Il toro, da Concalbero,
il minuscolo centro agricolo veneto di La giusta
distanza, a Casale Marittimo e gli altri scorci della
Val di Cecina dove è stato girato La Passione, tutti
i paesaggi dei film di Mazzacurati «respirano»,
occultano segreti, danno calore o, a volte,
raggelano i protagonisti, accolgono e riflettono
la loro progressiva consapevolezza. La provincia,
gretta o consolante, conformista o surreale, ostile
o creativa, impicciona o riservata: dalla provincia
non usciamo, come cultura, come stile di vita,
come pigra formazione e spirito di adattamento
(neppure se viviamo nelle nostre rare metropoli).
E la provincia, lo sapevano Germi, Fellini e
Pietrangeli, come lo sa Mazzacurati, genera
mostri, oscuri e all’apparenza innocui come
l’autista di autobus di La giusta distanza, oppure
solari e maldestri come i ladri per caso che
popolano la Padova di La lingua del Santo o
l’eccentrica accozzaglia di loser che s’inseguono,
sempre a Padova, in La sedia della felicità.
Attraverso gli ambienti si snodano i caratteri,
i vizi, le intuizioni, la generosità e la meschinità
di un popolo che, raschia raschia, forse non è
cambiato tanto dagli anni Cinquanta (quando,
più o meno, ha cominciato a riconoscersi come
nazione), e se mai è cambiato in peggio,
diventando, dagli anni Ottanta a oggi, ancora
più confuso e disperato. Gli arroganti, i potenti,
non fanno per Mazzacurati. I suoi «cattivi» sono
immersi nell’anonimato banale e spesso sono dei
poveracci tali e quali agli altri. Le sue vittime sono
un rimprovero doloroso alla nostra intolleranza
e alla nostra cecità. I suoi «eroi» sono persone
comuni, magari un po’ stanche, che incappano
per caso in qualcosa che li costringe ad andare
alla ricerca di un senso. L’unico vero atto di
eroismo che compiono è non tirarsi indietro
davanti a questa ricerca. Possiamo farlo tutti:
è sufficiente che, complice la provincia con la
sua lentezza, ci fermiamo per pensare e, magari,
per opporre dei rifiuti o accettare delle
scommesse. Carlo Mazzacurati lo fa da quando
fa dei film: scommette sulle nostre possibilità
di sopravvivenza e di onestà. Credo pensi che,
sotto sotto, siamo ancora «buoni».
To the players a little
’busted and to fools like me
CONTENTS
BY EMANUELA MARTINI
Notte Italiana (1987) di Carlo Mazzacurati
Once upon a time, a few decades back, the first
selection committee of the Venice Film Festival’s
International Film Critics’ Week. It was created
in 1984 in the wake of the Semaine de la critique,
which had already been agitating the waters at
Cannes for several years. The committee was
composed of young, fairly demanding movie critics
and their task was to choose seven – and only
seven – films by debuting directors. They carried on
rejecting every Italian movie proposed, considering
them inferior to the other films from the rest of
the world. If Italian cinema today strikes us as
mired in a swamp of conformism, ineptitude and
unoriginality, the horizon wasn’t particularly rosy
back then, either, blurred as it was by muddled,
post-1968 authorial arrogance.
In short, the young movie critics disliked all of it.
Until finally, in 1987, an unusual object arrived.
Unbelievable: a noir (a newcomer who makes a
genre film?) set in the Northeast of the flat and
foggy Po valley which, like every self-respecting noir,
under the guise and intrigues of an investigation
revealed a lot about the country, the landscape,
the character, the past and maybe the future of the
inhabitants of that slice of Italy (speaking about the
future, I think that The Girl by the Lake by Andrea
Molaioli owes a lot to this movie). The film in
question was Italian Night; it was directed by Carlo
Mazzacurati and produced by Sacher Film, which
had been founded in 1987 by Nanni Moretti and
Angelo Barbagallo. The movie defied the fashions
and the rules; it found unusual pleasure in telling its
tale and described with warmth and bitterness the
life of those places and those people; it grabbed you
and didn’t let go. The landscape – with its rhythms,
its colors, its moods, its silences – was an essential
part of the characters and their story; it scarred
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F E S TA M O B I L E
-
GRAN PREMIO TORINO
A MOVEABLE FEAST
2013/
them, it constructed them, it de-structured them,
sometimes it even evaporated them. The landscape
(better if provincial or rural, and better yet if in the
Po valley or around Padua) continued to play this
role in all of Mazzacurati’s subsequent films: from
the loutish and violent suburbs of Rome in Another
Life to the impenetrable streets of Eastern Europe
in The Bull; from Concalbero, the tiny farming town
in the Veneto region in The Right Distance, to
Casale Marittimo and the other glimpses of the Val
di Cecina, where he shot The Passion, all of the
landscapes of Mazzacurati’s films “breathe,” hide
secrets, give off warmth or, sometimes, freeze the
protagonists, welcoming and reflecting their growing
awareness. The provinces can be narrow-minded or
comforting, conventional or surreal, hostile or
creative, prying or reserved. We can’t get rid of
provinces, as a culture, as a lifestyle, a lazy
education or a spirit of adaptation (and this holds
true even if we live in one of our few metropolises).
And, as Germi and Fellini and Pietrangeli knew,
as Mazzacurati knows, the provinces can generate
obscure and apparently innocuous monsters, like the
bus driver in The Right Distance, or sunny, clumsy
and confused ones, like the accidental thieves
populating Padua in Holy Tongue, or the eccentric
rabble of losers chasing after each other in his
newest film, La sedia della felicità.
These settings are the backdrop for the tics, vices,
intuitions, generosity and pettiness of a population
which, below the surface, probably hasn’t changed
much since the 1950s (more or less when Italy
began to recognize itself as a nation). If anything,
it has changed for the worse from the 1980s to
the present, becoming even more confused and
desperate. Arrogant or powerful people hold no
interest for Carlo Mazzacurati. His “bad guys”
are steeped in banal anonymity and, often, they
are simply poor devils, just like everyone else.
His victims are a painful rebuke to our intolerance
and blindness. His “heroes” are normal, maybe
slightly exhausted people who have stumbled by
chance onto something that forces them to try and
make some sense out of it. Their one true act of
heroism is their willingness to take on the challenge.
This is something all of us are capable of doing: all
we have to do – with the complicity of the provinces
and their slow pace – is stop a moment to think
and, maybe, to put up some resistance or accept
a bet. This is what Carlo Mazzacurati does in his
films: he bets on our potential for survival and
honesty. I think, deep down, he believes we are
still “good.”
carlo mazzacurati
LA SEDIA DELLA FELICITÀ
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 90’, col.
regia/director
Carlo Mazzacurati
sceneggiatura/screenplay
Doriana Leondeff,
Marco Pettenello,
Carlo Mazzacurati
fotografia/cinematography
Luca Bigazzi
montaggio/film editing
Clelio Benevento
scenografia/
production design
Giancarlo Basili
costumi/costume design
Maria Rita Barbera
musica/music
Mark Orton
suono/sound
Alessandro Palmerini
interpreti e personaggi/
cast and characters
Valerio Mastandrea (Dino),
Isabella Ragonese (Bruna),
Giuseppe Battiston
(padre/Father Weiner),
Katia Ricciarelli (Norma
Pecche), Raul Cremona
(il mago/conjurer Kasimir),
Marco Marzocca
(il fioraio/flower seller),
Milena Vukotic
(Armida Barbisan),
Roberto Citran
(il pescivendolo/fish seller),
Mirco Artuso (Bepin
Lievore), Roberto Abbiati
(Giani), Lucia Mascino
(Elisa), Natalino Balasso
(Volpato), Maria Paiato
(la sorella del pescivendolo/
fish seller’s sister),
Antonio Albanese,
Fabrizio Bentivoglio,
Silvio Orlando
produttore/producer
Angelo Barbagallo
produzione/production
BiBi Film Tv
coproduzione/coproduction
Rai Cinema
distribuzione/distribution
01 Distribution
**
contatti/contacts
01 Distribution
Tel: +39 06 684 70 01
[email protected]
LA SEDIA DELLA FELICITÀ
Un tesoro nascosto in una sedia; un’estetista e un tatuatore
che, dandogli la caccia, si innamorano; un misterioso prete che
incombe su di loro come una minaccia. Dapprima rivali, poi alleati,
i tre diventano protagonisti di una rocambolesca avventura che,
tra equivoci e colpi di scena, li vedrà lanciati in un inseguimento,
dai colli alla pianura, dalla laguna veneta alle cime nevose delle
Dolomiti, dove in una sperduta valle vivono un orso e due fratelli.
«L’ispirazione per questo film nasce da un paesaggio umano e
fisico che conosco bene, il Nordest, che pur avendo un’identità
precisa credo possa raccontare bene il resto dell’Italia. C’era poi
il desiderio di narrare una storia in tono comico, senza però
perdere né in realismo né in verità. Volevo anche che l’umanità
di questo racconto emergesse a volte attraverso le forme del
grottesco, a volte in toni più lirici; ma la cosa che più mi stava
a cuore era riuscire a tenere insieme il senso di catastrofe, in cui
sembra che tutti stiamo cadendo, con l’energia e la voglia di
riscatto che nonostante tutto si sente nell’aria».
THE CHAIR OF HAPPINESS [L.T.]
A treasure hidden in a chair; a beautician and a tattoo artist who fall
in love while looking for it; a mysterious priest looming over them like
a threat. Rivals at first, then allies, the three of them become the
protagonists of an incredible adventure, between misunderstandings
and dramatic twists, chased from the hills to the valley, from the
Venetian Lagoon to the snow-capped peaks of the Dolomites, where
they find a remote valley inhabited by bear and two brothers.
“I got the inspiration for this movie from a human and physical
landscape I know well: Italy’s North-East. Even though it has its
own specific identity, I still think it could epitomize the rest of Italy.
I wanted to tell a story with comic undertones, without sacrificing
realism or truth. I also wanted the story’s humanity to emerge
sometimes from grotesque and sometimes from more lyrical tones.
But what was really important was keeping together the sense of
catastrophe, where we all seem to be falling into, with the energy and
yearning for redemption that we still feel in the air despite everything.”
www.01distribution.it
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F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Carlo Mazzacurati (Padova,
Italia, 1956), dopo gli inizi come
sceneggiatore per il cinema e la
televisione, nel 1987 ha esordito
nel lungometraggio con Notte italiana,
con cui ha partecipato alla Mostra
di Venezia e vinto il Nastro d’argento
e il Ciak d’oro. Nel 1994 con Il toro ha
ricevuto il Leone d’argento a Venezia,
festival nel quale ha presentato nel
2000 La lingua del santo. Nel 2007
con La giusta distanza ha partecipato
al Festival di Roma e tre anni dopo
è tornato a Venezia con La Passione.
Al Torino Film Festival, che
quest’anno gli consegna il Gran
Premio Torino, ha presentato nel
2000 il documentario codiretto
con Marco Paolini Ritratti - Andrea
Zanzotto, dedicato al grande poeta
suo conterraneo.
Carlo Mazzacurati (Padua, Italy, 1956)
started off as a screenwriter for cinema
and television. In 1987 he directed his
debut film, Italian Night, which was
presented at the Venice Film Festival,
and won the Nastro d’argento and
the Golden Ciak awards. He received
a Silver Lion in Venice for The Bull
in 1994, where he also presented Holy
Tongue in 2000. In the same year,
he also participated at the Torino Film
Festival with Ritratti - Andrea Zanzotto,
the documentary co-directed with Marco
Paolini dedicated to a great poet and
fellow countryman. In 2007 he
participated at the Rome Film Festival
with The Right Distance, and three
years later he returned to Venice with
his next feature The Passion. This year,
the Torino Film Festival will be awarding
him the Gran Premio Torino.
filmografia/filmography
Vagabondi (cm, 1980), Notte italiana
(1987), Il prete bello (1989), Un’altra
vita (1992), Il toro (1994), L’unico
paese al mondo (1994), Vesna va veloce
(1996), L’estate di Davide (1998),
Ritratti: Mario Rigoni Stern (doc.,
1999), La lingua del santo (2000),
Ritratti: Andrea Zanzotto (coregia/
codirector Marco Paolini, doc., 2000),
A cavallo della tigre (2002), Ritratti:
Luigi Meneghello (doc., 2002), L’amore
ritrovato (2004), La giusta distanza
(2007), La Passione (2010), Sei Venezia
(doc., 2010), Medici con l’Africa (doc.,
2012), La sedia della felicità (2013).
CONTENTS
Festa mobile
CONTENTS
DI EMANUELA MARTINI
Enough Said (2013) di Nicole Holofcener
Santo protettore: Federico Fellini, al quale
rendiamo omaggio, insieme al Centro
sperimentale di cinematografia e a Rti-Gruppo
Mediaset, con l’anteprima del primo restauro
digitale di 8 ½.
Apertura: la commedia «matura» Last Vegas di
Jon Turteltaub, dove i quattro amici Robert De
Niro, Michael Douglas, Morgan Freeman e Kevin
Kline vanno nella città del gioco per un addio
al celibato (e relativo hangover) e fanno i conti
con i difficili equilibri di un’amicizia che dura
da una vita.
Chiusura: il thriller Grand Piano di Eugenio Mira,
dove Elijah Wood deve suonare per la propria
vita, minacciato da John Cusak, in una sorta
di «Speed al pianoforte».
Tra questi tre momenti, Festa mobile 2013
presenta come sempre (fuori concorso) il
«bottino» di film che ci sono piaciuti, raccolti
in giro per il mondo e ancora inediti in Italia:
dal caotico viaggio di formazione della maldestra
Greta Gerwig in Frances Ha di Noah Baumbach
alla rincorsa surreale del cantautore protagonista
di Inside Llewyn Davis dei fratelli Coen (due
spaccati tipicamente newyorkesi); dall’inedito,
romantico, impacciato James Gandolfini di
Enough Said di Nicole Holofcener (omaggio
postumo allo straordinario interprete di Tony
Soprano) ai vampiri colti, girovaghi e riservati
Tilda Swinton e Tom Hiddleston di Only Lovers
Left Alive di Jim Jarmusch; dalla strana, laconica
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F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
coppia di operai addetti alla segnaletica di
una strada texana di Prince Avalanche di David
Gordon Green (remake dell’islandese Á Annan
Veg - Either Way, vincitore del Torino Film
Festival 2011) alla solitaria lotta contro gli
elementi di Robert Redford in All Is Lost di J.C.
Chandor, tutti questi personaggi hanno parlato
alla nostra intelligenza, al nostro gusto, alla
nostra sensibilità.
In mezzo, una quantità di giovani autori: Nat
Faxon e Jim Rash, gli sceneggiatori di Paradiso
amaro di Alexander Payne che esordiscono nella
regia con il coming of age The Way Way Back;
l’algerina Narimane Mari, che in Red Beans
racconta la storia del suo Paese attraverso un
travolgente gioco di ragazzi; il polacco Paweł
Pawlikowski, che mette in scena con rigore
doloroso la storia di Ida, giovane suora; gli
americani Joe Swanberg e Chad Hartigan,
che nel logorroico Drinking Buddies e nel
commovente This Is Martin Bonner tratteggiano,
con toni molto diversi, storie di solitudini
profonde, amicizie complicate, rapporti umani
faticosi ma indispensabili; il canadese Sean
Garrity con l’inquietante Blood Pressure, l’indiano
Anurag Kashyap con il durissimo noir Ugly,
la francese Katell Quillévéré con Suzanne, il
piemontese Paolo Mitton con The Repairman.
Tra gli italiani, anche Piera Degli Esposti che si
racconta (e «viene raccontata») in Tutte le storie
di Piera di Peter Marcias, Alessandro Gassmann
che, con Giancarlo Scarchilli, presenta la sua
riflessione su Riccardo III (Essere Riccardo…
e gli altri), Franco Battiato che, con Giuseppe
Pollicelli e Mario Tani, ripercorre la sua ricerca
creativa ed esistenziale in Temporary Road.
Ritornano autori che amano (ricambiati) il
Torino Film Festival, come i canadesi Don
McKellar e Bruce McDonald, rispettivamente
con una commedia «stile Ealing» ambientata
in un villaggio di pescatori di Terranova
(The Grand Seduction) e con l’umanissimo,
nevrotico dramma di un marito tradito
dalla moglie con un ragazzo minorenne
(The Husband).
E, last but not least, ritorna un autore che
amiamo molto, Carlo Mazzacurati, che ci fa
un gran regalo presentando proprio al Torino
Film Festival il suo nuovo film, La sedia della
felicità, ancora un viaggio tra i dropout
stralunati del Nordest, una caccia a un bottino,
un repertorio tenero e amarognolo di bizzarra
umanità nostrana. Grazie, Carlo.
A Moveable Feast
CONTENTS
BY EMANUELA MARTINI
Inside Llewyn Davis (2013) di Ethan e Joel Coen
Patron saint: Federico Fellini, to whom, in
collaboration with the Centro sperimentale di
cinematografia and Rti-Gruppo Mediaset, we pay
tribute with the preview screening of the digitally
restored 8 ½.
Opening film: the “mature” comedy Last Vegas
by Jon Turteltaub, in which four friends – Robert
De Niro, Michael Douglas, Morgan Freeman and
Kevin Kline – go to the gambler’s Mecca for a stag
party (and ensuing hangover) and have to deal
with the difficult equilibriums of a lifetime-long
friendship.
Closing film: the thriller Grand Piano by Eugenio
Mira, in which Elijah Wood is threatened by John
Cusack and has to play for his life, in a sort of
“piano version of Speed.”
These three moments underpin the 2013
A Moveable Feast, which, as always, presents (out
of competition) the “booty” of films we liked best,
gathered from all over the world and as yet
unscreened in Italy. Clumsy Greta Gerwig’s chaotic
journey of self-realization in Frances Ha by Noah
Baumbach, and the Coen brothers’ surreal pursuit
of the singer-songwriter protagonist of Inside
Llewyn Davis (two emblematic cross sections
of New York); an unusual, romantic, awkward
James Gandolfini in Enough Said by Nicole
Holofcener (a posthumous tribute to the
extraordinary actor who played Tony Soprano);
the cultured, peripatetic and reserved vampires
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F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Tilda Swinton and Tom Hiddleston in Only Lovers
Left Alive by Jim Jarmusch; the strange, laconic
pair of workers repainting the median strip on a
Texas road in Prince Avalanche by David Gordon
Green (a remake of the Icelandic movie
Á Annan Veg - Either Way, winner of the 2011
TFF); and Robert Redford’s solitary battle against
the elements in All Is Lost by J.C. Chandor.
All of these characters spoke to our intelligence,
to our taste, to our sensitivity.
And in the midst of all this, a plethora of young
filmmakers: Nat Faxon and Jim Rash (who
wrote the screenplay of The Descendents by
Alexander Payne) in their directing debut with the
coming-of-age movie The Way Way Back; Algeria’s
Narimane Mari who, in Red Beans, tells the story
of her country through a devastating game played
by children; Poland’s Paweł Pawlikowski who, with
painful rigor, depicts the story of Ida, a young nun;
the Americans Joe Swanberg and Chad Hartigan
who, in the long-winded Drinking Buddies and
in the moving This Is Martin Bonner, respectively,
use very different approaches to deal with stories of
deep solitude, complicated friendship, and difficult
but crucial human relationships; the Canadian
Sean Garrity with his disturbing Blood Pressure;
India’s Anurag Kashyap and his harsh noir Ugly;
France’s Katell Quillévéré with Suzanne; and
Piedmont’s Paolo Mitton with The Repairman.
Among the Italians, Piera Degli Esposti too, who,
recounts herself (and “is recounted”) in Tutte le
storie di Piera by Peter Marcias; Alessandro
Gassmann, who with Giancarlo Scarchilli, presents
his reflections on Richard III (Essere Riccardo…
e gli altri); and Franco Battiato, with Giuseppe
Pollicelli and Mario Tani, retraces his creative and
existential search in Temporary Road.
Authors who love the TFF (a reciprocal sentiment)
are back, like the Canadians Don McKellar and
Bruce McDonald, the first with an “Ealing-style”
comedy set in a fishing village in Newfoundland
(The Grand Seduction), and the second with the
very human, neurotic drama of a husband whose
wife cheated on him with an underage lover
(The Husband).
And, last but not least, Carlo Mazzacurati, one
of our favorite filmmakers, returns and does the
TFF a great present by presenting his latest movie
here: La sedia della felicità, a new journey among
the dazed dropouts of Italy’s Northeast, a treasure
hunt, a tender and bitter-sweet collection of our
bizarre compatriots. Thank you, Carlo.
j.c. chandor
ALL IS LOST
CONTENTS
Usa, 2013, 35mm, 106’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
J.C. Chandor
fotografia/cinematography
Frankie DeMarco,
Peter Zuccarini
montaggio/film editing
Pete Beaudreau
musica/music
Alexander Ebert
suono/sound
Richard Hymns,
Steve Boeddeker
interprete/cast
Robert Redford
produttori/producers
Neal Dodson,
Anna Gerb
produzione/production
Before the Door Pictures,
Washington Square Films
distribuzione/distribution
Universal Pictures Italia
**
contatti/contacts
Universal Pictures Italia
Cristina Casati
Tel: +39 06 852 691
[email protected]
www.universalpictures.it
ALL IS LOST
Un uomo sta solcando le acque dell’Oceano Indiano. È solo
a bordo del suo yacht da dodici metri. In seguito alla collisione
con un container abbandonato tra le onde, le attrezzature di
bordo risultano fuori uso, e l’uomo si ritrova abbandonato a
se stesso. Il sopraggiungere di una terribile tempesta mette
a repentaglio la sua vita e a dura prova le sue capacità di
navigazione. Affidandosi alle mappe e alla sua esperienza, deve
combattere contro gli elementi della natura per ritrovare la rotta.
«Sentivo di poter girare un film molto convincente, drammatico,
elettrizzante (o almeno lo speravo), ma nella terza parte ho dovuto
affrontare il problema di mettere in scena, proprio davanti agli
occhi dello spettatore, l’esperienza emotivamente molto intensa di
una persona costretta a fare i conti con la propria mortalità. […]
Allora ho capito che il modo migliore era fare sì che il pubblico
provasse direttamente quello che stava accadendo al protagonista;
quindi ho girato come se lo spettatore fosse davvero lì con lui».
ALL IS LOST
A man is traversing the Indian Ocean on his twelve-meter yacht. After
he collides with an abandoned container, he discovers that his onboard
equipment is out of order and he is left to his own devices. A terrible
storm puts his life at risk and proves to be a harsh test of his navigating
abilities. Putting his trust in his maps and years of experience at the
helm, he finds himself battling the elements to save himself and get
back on course.
“I felt I could make a very, very compelling, dramatic, thrilling –
hopefully – film, but then by the third act you have this very intense
emotional experience about a guy essentially coming to grips with his
own mortality right in front of your eyes. […] It came to me that the
best way to do that was just to have the audience experience what he
was going through, so it was shot in a way that you were literally with
him.”
24
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
J.C. Chandor (Ohio, Usa, 1974) è
cresciuto nel New Jersey e ha studiato
presso il College of Wooster, dove si è
laureato nel 1996. Successivamente
ha lavorato come regista pubblicitario
per circa quindici anni. Dopo aver
debuttato con il cortometraggio
Despacito (2004), nel 2011 ha diretto
il suo primo lungometraggio, Margin
Call, interpretato da star come Kevin
Spacey, Jeremy Irons, Demi Moore e
Stanley Tucci. Presentato al Sundance
Film Festival, il film ha poi partecipato
in concorso alla Berlinale, ottenendo
una nomination all’Oscar per la
miglior sceneggiatura. Attualmente
Chandor è impegnato con il progetto
di A Most Violent Year, la cui uscita è
prevista per il 2015.
J.C. Chandor (OH, USA, 1974) grew up
in New Jersey and studied at the College
of Wooster, where he graduated in 1996.
He directed commercials for the next
fifteen years. After debuting with the
short Despacito (2004), in 2011 he
directed his first feature film, Margin
Call, starring Kevin Spacey, Jeremy Irons,
Demi Moore and Stanley Tucci. The film
was presented at the Sundance Film
Festival, competed at the Berlinale, and
received an Oscar nomination for best
screenplay. At the moment, Chandor
is involved with the project for A Most
Violent Year, which will be released in
2015.
filmografia/filmography
Despacito (cm, 2004), Margin Call
(id., 2011), All Is Lost (id., 2013).
sean garrity
BLOOD PRESSURE
CONTENTS
Canada, 2012, HD, 95’, col.
regia, sceneggiatura,
montaggio/director,
screenplay, film editing
Sean Garrity
soggetto/story
dal racconto/
from the short story
Killing Someone di/by
Bill Fugler
fotografia/cinematography
Ben Lichty
scenografia/
production design
Graham Caswell
musica/music
Charlie Finlay
suono/sound
Zoe Mapp
interpreti e personaggi/
cast and characters
Michelle Giroux
(Nicole Trestman),
Judah Katz
(Michael Trestman),
Jonas Chernick
(Darryl Saunders),
Jake Epstein
(Josh Trestman),
Tatiana Maslany
(Kat Trestman),
Catherine Disher (Glenda),
Kristian Bruun (Stu),
Anthony Ulc (Archie),
Kara Wooten (l’istruttore
del poligono di tiro/
gun club instructor)
produttori/producers
Sean Garrity,
Matthew Miller
**
contatti/contacts
Alpha Violet
Keiko Funato
Tel: +33 620 411 137
[email protected]
www.alphaviolet.com
PRESSIONE SANGUIGNA [T.L.]
Qualcuno che ti osserva, che conosce le tue abitudini e le tue
piccole frustrazioni, i momenti di noia e quelli, un po’ più rari,
di felicità. Qualcuno che un giorno esce allo scoperto con una
lettera, proponendoti di cambiare vita. E se a quarantun anni
sei una farmacista, sposata, con due figli adolescenti, e conduci
l’esistenza ordinaria che tutti si aspettano da te, può succedere
che non te la senta di rifiutare a priori un invito che è forse la
cosa più emozionante che ti sia capitata da anni. E così fa Nicole.
«Girando a Richmond Hill – un sobborgo a nord di Toronto – sono
stato colpito dalla profondità della periferia come metafora delle
sovrastrutture in cui cerchiamo di imbrigliare la nostra vita. Questi
luoghi sono costruiti per proteggerci dalla città e gli uni dagli altri.
Nella struttura di un sobborgo è sottinteso uno stile di vita che
deve anticipare ogni nostro bisogno, alleviare le ansie causate
dall’incertezza; ci circonda in modo così assoluto che abbiamo
bisogno di una mappa per trovare una via d’uscita. Una mappa
per una vita diversa».
BLOOD PRESSURE
Someone who observes you, who knows your habits and your small
frustrations, your moments of boredom and those rare moments of
happiness. Someone who comes out into the open one day with a
letter proposing a change in your life. And if you are a forty-one-year-old
pharmacist, married, with two adolescent children, and you lead
the ordinary life that everybody expects of you, you might consider
accepting an invitation that could be the most exciting thing that
has happened to you in years. And this is what Nicole does.
“Shooting in Richmond Hill – a suburb north of Toronto – I was
struck by the profundity of the suburb as metaphor for a superstructure,
into which we try and make our lives fit. These places are crafted to
protect us from the city, and from each other. There is a prescribed
lifestyle inherent in the structure of a suburb that is meant to anticipate
our every need, to alleviate anxieties prompted by uncertainty, and
surround us so completely, that we need a map to find our way out.
A map to a different life.”
25
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Sean Garrity (Canada), dopo gli studi
in produzione e teoria cinematografica
presso la York University di Toronto,
ha frequentato l’Istituto di arte
cinematografica di Avellaneda
a Buenos Aires. Il suo primo
lungometraggio, Inertia, ha vinto
il premio per la miglior opera prima
canadese al Festival di Toronto,
mentre il successivo Lucid nel 2005
ha vinto il premio CityTV al festival
di Vancouver ed è stato selezionato
in diverse altre manifestazioni
internazionali, tra cui Shanghai,
Mannheim, Singapore e Toronto.
My Awkward Sexual Adventure, che
ha avuto la sua prima al Festival di
Toronto, ha vinto il premio del
pubblico al Festival di Calgary e
ha partecipato ai Canadian Comedy
Awards nelle categorie miglior film
e regia.
Sean Garrity (Canada), after studying
film production and theory at York
University in Toronto, attended the
Avellaneda Film Institute in Buenos
Aires. His first feature film, Inertia,
won best Canadian first feature film
at the Toronto Film Festival, while his
second feature film, Lucid, won the
CityTV Award in 2005 at the Vancouver
Film Festival and was selected for
various other international festivals,
including Shanghai, Mannheim,
Singapore and Toronto. My Awkward
Sexual Adventure, which premiered
at Toronto, won the People’s Choice
Award at the Calgary Film Festival
and participated at the Canadian
Comedy Awards in the categories
best film and best direction.
filmografia/filmography
Inertia (2001), Buenos Aires Souvenir
(cm, 2001), Bridge (cm, 2003),
Pictures of the Interior (cm, 2004),
Lucid (2005), Rules (cm, 2006),
ReOrder (cm, 2007), Zooey & Adam
(2009), My Awkward Sexual Adventure
(2012), Blood Pressure (2012).
joe swanberg
DRINKING BUDDIES
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 90’, col.
regia, sceneggiatura,
montaggio/
director, screenplay,
film editing
Joe Swanberg
fotografia/cinematography
Ben Richardson
scenografia/
production design
Brandon Tonner Connelly
costumi/costume design
Amanda Ford
musica/music
Chris Swanson
interpreti e personaggi/
cast and characters
Olivia Wilde (Kate),
Jake Johnson (Luke),
Anna Kendrick (Jill),
Ron Livingston (Chris),
Ti West (Dave),
Gene Dentler
(se stesso/himself),
Mike Brune (Mike),
Frank V. Ross (Frank)
produttori/producers
Paul Bernon,
Sam Slater,
Andrea Roa,
Joe Swanberg,
Alicia Van Couvering
coproduttori/coproducers
Alex Witherill,
Chris Modoono
produzione/production
Burn Later Productions
**
contatti/contacts
Sony Pictures
Peter Peterson
[email protected]
www.outsiderpictures.us
COMPAGNI DI BEVUTE [T.L.]
In un birrificio artigianale l’atmosfera è molto diversa da quella
di un qualsiasi altro posto di lavoro: per i colleghi Kate e Luke
è normale fermarsi a bere una birra, fare due chiacchiere dopo
la chiusura e lasciarsi andare a quella sintonia un po’ alcolica
su cui si fondano le migliori amicizie. Ed è infatti così che i due
si ritengono: amici. Entrambi fidanzati, non si sognano neppure
di provare a capire se il loro legame non preluda a qualcosa di più.
Ma come sempre, più si fa finta di niente, più le circostanze
mettono di fronte alle questioni inevase.
«Per questo film ho avuto due fonti d’ispirazione: le commedie dei
primi anni Settanta, come Bob & Carol & Ted & Alice o Il rompicuori
di Elaine May, che non dimenticavano mai di essere divertenti e
nello stesso tempo anche complesse e stimolanti. E poi c’è stato
il mondo della birra artigianale, che al momento è a mio avviso
è uno dei settori economici più attivi negli Stati Uniti e che, in
quanto appassionato, volevo esplorare dall’interno».
DRINKING BUDDIES
The atmosphere in a craft beer brewery is very different from that of
any other workplace. To the colleagues Kate and Luke, it’s normal to
stop for a beer and a chat after the end of the workday and flow with
that slightly alcoholic harmony that is the basis of the best friendships.
And, in fact, the two consider themselves just friends. Both of them
are engaged to someone else, and it doesn’t cross their mind to figure
out if their close bond couldn’t lead to something else. But, as always,
the more they pretend everything is fine, the more fate conspires to
make them face up to some unanswered questions.
“The inspiration originally came from two places: the first was studio
comedies of the early 1970s, specifically Bob & Carol & Ted & Alice
and Elaine May’s The Heartbreak Kid, that never forgot to be funny,
which earned them the space to also be complex and challenging.
The second inspiration was the craft beer world. Craft beer is the most
exciting business in America right now, if you ask me, and I wanted
to get inside a world that I love.”
26
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Joe Swanberg (Detroit, Michigan, Usa,
1981), dopo la laurea in cinema, ha
debuttato nel 2003 con Kissing on the
Mouth, cui è seguito tre anni dopo
LOL, in cui ha lavorato con Greta
Gerwig, interprete dei successivi
Hannah Takes the Stairs (2007)
e Nights and Weekends (2008).
Nel 2010 ha completato ben sette
lungometraggi, tra cui Uncle Kent,
presentato nel 2011 al Sundance
e al South by Southwest Festival,
e il dittico Silver Bullets e Art History,
selezionato dal Forum della Berlinale
nello stesso anno. Swanberg ha
inoltre lavorato per il web, dirigendo
la serie di ifc.com Young American
Bodies, e come attore ha recitato in
oltre trenta film, tra cui V/H/S, di cui
è stato anche uno dei registi e che ha
partecipato lo scorso anno al Torino
Film Festival.
Joe Swanberg (Detroit, MI, USA, 1981),
after graduating in film, directed his first
movie, Kissing on the Mouth. It was
followed three years later by LOL, which
featured Greta Gerwig, who also acted
in Hannah Takes the Stairs (2007) and
Nights and Weekends (2008). In 2010
he completed seven feature films,
including Uncle Kent, which premiered
at Sundance in 2011 and then at the
South by Southwest Festival, and the
diptych Silver Bullets and Art History,
selected by the Berlinale Forum that
same year. Swanberg has also worked
for the web, directing the IFC.com series
Young American Bodies. He has acted
in over thirty movies, including V/H/S,
which he also codirected, and which
participated at last year’s Torino Film
Festival.
filmografia essenziale/
essential filmography
Kissing on the Mouth (2005),
LOL (2006), Hannah Takes the Stairs
(2007), Swedish Blueballs (cm, 2008),
Nights and Weekends (2008), Alexander
the Last (2009), Uncle Kent (2011),
Silver Bullets (2011), Art History
(2011), The Zone (2011), Autoerotic
(2011), Caitlin Plays Herself (2011),
Marriage Material (2012), Drinking
Buddies (2013).
nicole holofcener
ENOUGH SAID
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 93’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Nicole Holofcener
fotografia/cinematography
Xavier Pérez Grobet
montaggio/film editing
Robert Frazen
scenografia/
production design
Keith P. Cunningham
costumi/costume design
Leah Katznelson
musica/music
Marcelo Zarvos
interpreti e personaggi/
cast and characters
Julia Lous-Dreyfus (Eva),
James Gandolfini (Albert),
Toni Collette (Sarah),
Catherine Keener
(Marianne),
Ben Falcone (Will),
Toby Huss (Peter),
Michaela Watkins (Hilary),
Eve Hewson (Tess),
Amy Landecker (Debbie),
Christopher Nicholas
Smith (Hal),
Tracey Fairaway (Ellen),
Phillip Brock (Jason),
Tavi Gevinson (Chloe)
produttori/producers
Stefanie Azpiazu,
Anthony Bregman
produzione/production
Fox Searchlight Pictures,
Likely Story
distribuzione/distribution
20 Century Fox Italy
TH
**
contatti/contacts
20 Century Fox Italy
Tel: +39 06 881 759 655
Paolo Penza
TH
[email protected]
www.20thfox.it
NON DICO ALTRO
Eva è una massaggiatrice divorziata con una figlia che sta per
andare al college. Una sera, a una festa, conosce Albert, suo
coetaneo gentile e corpulento, anche lui single. Più tardi incontra
Marianne, poetessa con cui va subito d’accordo e che diviene una
sua cliente fissa. Di lì a poco la relazione con Albert si trasforma
in qualcosa di più profondo, mentre l’amicizia con Marianne si
rafforza. E Marianne comincia a sfogarsi con Eva di tutti i difetti
dell’ex marito. Peccato che questi sia Albert. Eva si trova così di
fronte a un bivio: credere ai racconti dell’amica o proseguire una
relazione che sembrava perfetta? Ultimo film di James Gandolfini.
«L’idea del film è nata dalla mia esperienza personale, visto che
sono stata sposata e poi ho divorziato. La possibilità di infilarsi
in una nuova relazione può far paura, dal momento che se ne
è già mandata una all’aria. In quel momento della propria vita si
riteneva infatti di aver fatto la scelta giusta, ma poi tutto è andato
storto. Ci si chiede allora come sia stato possibile e soprattutto se
si sbaglierà ancora».
ENOUGH SAID
Eva is a divorced woman who works as a masseuse and dreads her
daughter’s departure for college. At a party she meets Albert, a sweet
and portly man her own age and who is also single. Later she also
befriends Marianne, a poetess who becomes a regular client of hers.
Her friendly relationship with Albert quickly blossoms into romance, as
her friendship with Marianne grows deeper. The woman, in fact, starts
venting her frustrations about her ex-husband describing his defects.
Too bad the man is actually Albert… and Eva suddenly finds herself
at a crossroads: believe her friend’s stories or continue a relationship
that seemed perfect? Enough Said is the last movie starring James
Gandolfini.
“The idea came from my life, having been married and divorced – the
idea of jumping into another relationship is pretty scary once you know
you’ve so blown it. And you thought you were making the right choice
at one point in your life and how could you possibly have gotten it so
wrong? Am I going to be so wrong again?”
27
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Nicole Holofcener (New York, Usa,
1960) ha studiato presso la Columbia
University, dirigendo negli anni del
college il suo primo cortometraggio,
Angry (1991). Nel 1996 ha debuttato
nel lungometraggio con Parlando e
sparlando, a cui hanno fatto seguito
Lovely & Amazing (2001), Friends with
Money (2006) e Please Give (2010),
con cui ha vinto un Robert Altman
Award agli Independent Spirits
Awards. Parallelamente ha lavorato
in televisione, dirigendo episodi di
serie di successo, come Sex and the
City, Una mamma per amica, Six Feet
Under, Bored to Death e Enlightened.
Nicole Holofcener (New York, NY,
USA, 1960) studied at Columbia
University. While still in college, she
directed her first short film, Angry
(1991). She made her first feature
film, Walking and Talking, in 1996,
followed by Lovely & Amazing (2001),
Friends with Money (2006), and
Please Give (2010), which won
a Robert Altman Award at the
Independent Spirit Awards. She has also
worked for television, directing episodes
in popular TV series like Sex and the
City, Gilmore Girls, Six Feet Under,
Bored to Death, and Enlightened.
filmografia/filmography
Angry (cm, 1991), Walking and Talking
(Parlando e sparlando, 1996), Sex and
the City (id., ep., tv, 1998-2000), Cold
Feet (ep., tv, 1999), Gilmore Girls (Una
mamma per amica, ep., tv, 2000),
Lovely & Amazing (2001), Leap of Faith
(ep., tv, 2002), Six Feet Under (id., ep.,
tv, 2003-2004), Friends with Money
(2006), Bored to Death (id., ep., tv,
2009), Please Give (2010), I Hate
That I Love You (tv, 2011) Enlightened
(id., ep., tv, 2011-2013), Parks and
Recreation (id., ep., tv, 2013), Enough
Said (Non dico altro, 2013).
noah baumbach
FRANCES HA
CONTENTS
Usa, 2012, HD, 86’, bn/bw
regia/director
Noah Baumbach
sceneggiatura/screenplay
Noah Baumbach,
Greta Gerwig
fotografia/cinematography
Sam Levy
montaggio/film editing
Jennifer Lame
scenografia/
production design
Sam Lisenco
musica/music
George Drakoulias
interpreti e personaggi/
cast and characters
Greta Gerwig
(Frances Haliday),
Mickey Sumner
(Sophie Levee),
Charlotte D’Ambiose
(Colleen),
Adam Driver
(Lev Shapiro),
Hannah Dunne
(la ragazza/girl),
Michael Hesper (Dan),
Grace Gummer (Rachel),
Patrick Heusinger (Patch),
Josh Hamilton (Andy),
Cindy Katz
(la parlamentare/
congresswoman),
Maya Kazan (Caroline),
Justine Lupe (Nessa),
Britta Phillips (Nadia),
Juliet Rylance (Janelle),
Dean Wareham (Spencer),
Micheal Zegan (Benji)
produttori/producers
Noah Baumbach,
Scott Rudin, Lila Yacoub,
Rodrigo Teixeira
produzione/production
RT Features
distribuzione/distribution
Whale Pictures
FRANCES HA
Frances ha ventisette anni e l’ambizione di diventare ballerina.
Nonostante i molti tentativi infruttuosi, occupa ancora il ruolo
di tirocinante in una compagnia di danza. Intorno a lei una New
York in cui anche i sogni hanno un prezzo e di spazio per realizzarli
ne è rimasto poco. Quando Sophie, la sua migliore amica nonché
coinquilina, si trasferisce in un lussuoso appartamento di Tribeca,
Frances si ritrova senza casa e costretta ad affrontare da sola
fallimenti e passi falsi. Solo la gioia di vivere e la leggerezza
nell’affrontare i piccoli drammi della vita quotidiana le consentono
di resistere.
«Frances Ha lascia trasparire ciò che penso di New York, perché
pur descrivendone la bellezza e l’aspetto romantico punta
l’attenzione su come la città è realmente oggi. Qui i giovani
con pochi soldi conducono una lotta quotidiana per sopravvivere.
Ed essere artisti senza essere ricchi è diventato impossibile.
Questo film rende omaggio alla città e al tempo stesso la piange».
FRANCES HA
Frances is twenty-seven years old and wants to become a ballerina.
After many unsuccessful attempts, she is still only a trainee in a dance
company. The setting is New York City, where even dreams have a price
tag and there isn’t much room left to make them come true. When
Sophie, her best friend and flat mate, moves to a luxurious apartment
in Tribeca, Frances finds herself without a home and is forced to face
failures and false steps on her own. The only thing that encourages her
to carry on is her joie de vivre and the lightheartedness with which she
takes on the small dramas of daily life.
**
contatti/contacts
Whale Pictures
www.whalepictures.it
28
“Frances Ha captures my feelings about New York because the beauty
and romance is also cut with the reality of the city today. Young people
who don’t have money struggle there. You can’t be an artist in New
York any more without being rich. This movie mourns and celebrates
the city at the same time.”
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Noah Baumbach (New York, Usa,
1969) ha studiato presso il Vassar
College e ha debuttato nella regia
con Calciando e strillando (1995).
Autore di commedie d’autore spesso
venate di malinconia e ironia, ha poi
diretto Il calamaro e la balena (2005),
candidato all’Oscar per la migliore
sceneggiatura originale, Il matrimonio
di mia sorella (2007) e Lo stravagante
mondo di Greenberg (2010), presentato
in concorso alla Berlinale. Come
sceneggiatore è noto soprattutto per
la collaborazione con Wes Anderson,
con cui ha scritto Le avventure
acquatiche di Steve Zissou (2004)
e Fantastic Mr Fox (2009).
Noah Baumbach (New York, NY, USA,
1969) studied at Vassar College and
debuted in directing with Kicking and
Screaming (1995). A director of art
house comedies veined with melancholy
and irony, he next made The Squid
and the Whale (2005), which received
an Oscar nomination for best original
screenplay; Margot at the Wedding
(2007); and Greenberg (2010),
which competed at the Berlinale.
As a screenwriter, he is most famous
for his collaboration with Wes Anderson,
with whom he wrote The Life Aquatic
with Steve Zissou (2004) and Fantastic
Mr Fox (2009).
filmografia/filmography
Kicking and Screaming (Calciando
e strillando, 1995), Highball (1997),
Mister Jealousy (1997), The Squid and
the Whale (Il calamaro e la balena,
2005), Margot at the Wedding
(Il matrimonio di mia sorella, 2007),
Conrad & Butler Take a Vacation
(cm, 2008), Greenberg (Lo stravagante
mondo di Greenberg, 2010), Frances
Ha (id., 2012).
eugenio mira
GRAND PIANO
CONTENTS
Spagna/Spain, 2013, 35mm, 90’, col.
regia/director
Eugenio Mira
sceneggiatura/screenplay
Damien Chazelle
fotografia/cinematography
Unax Mendia
montaggio/film editing
J.L. Romeu
scenografia/
production design
Javier Alvariño
costumi/costume design
Patricia Monné
musica/music
Víctor Reyes
suono/sound
James Muñoz
interpreti e personaggi/
cast and characters
Elijah Wood
(Tom Selznick),
John Cusack (Clem),
Kerry Bishé
(Emma Selznick),
Tamsin Egerton
(Ashley),
Allen Leech (Wayne),
Don McManus
(Reisinger),
Dee Wallace
(Marjorie Green),
Alex Winter
(l’assistente/assistant)
produttori/producers
Adrián Guerra, Rodrigo
Cortés
produzione/production
Nostromo Pictures
distribuzione/distribution
M2 Pictures
**
contatti/contacts
M2 Pictures
Tel: + 39 06 877 390 00
[email protected]
www.m2pictures.it
29
Eugenio Mira (Castalla, Spagna, 1977),
dopo aver studiato cinema a Madrid,
ha esordito come regista nel 2000
con il cortometraggio Fade, presentato
in diversi festival come il suo primo
lungometraggio The Birthday, che ha
partecipato al Festival di Sitges e al
Festival Internacional de Cinema do
Porto. Accanto all’attività di regista
e sceneggiatore, Mira ha composto la
colonna sonora di diverse produzioni
cinematografiche e ha lavorato come
attore in film come Fin di Jorge
Torregrossa, presentato lo scorso
anno al Torino Film Festival.
GRAND PIANO
«Suona una nota sbagliata e morirai»: è il messaggio che un
giovane e talentuoso pianista, ritiratosi dalle scene a causa di un
attacco di fobia da palcoscenico, trova scritto sullo spartito nel
momento in cui sta per iniziare il concerto del suo grande ritorno.
«Essendo cresciuto tra le immagini di giganti come Steven
Spielberg, Robert Zemeckis, Brian De Palma e dal maestro dei
maestri, Alfred Hitchcock, quando ho sentito le premesse del film,
il bambino selvaggio e fanatico di cinema che è in me è saltato
fuori in un secondo, lasciandomi stampato in volto un sorriso
più grande dell’Australia. […] Lo sceneggiatore Damien Chazelle,
anche lui regista, sembra aver dato forma al sogno di ogni regista
che abbia mai osato chiedere al proprio agente una vera sfida
cinematografica. E non sto esagerando: come il mentore di Tom,
Damien è l’autore di un “pezzo quasi impossibile da eseguire”,
così pieno di elementi da mettere insieme in perfetta sincronia.
[…] Insomma, la partitura di Grand Piano è la sorella frattale e
metalinguistica della stessa Cinquette, il pezzo da eseguire nel
film».
GRAND PIANO
“Play one wrong note and you die.” A talented young concert pianist,
who retired from the music scene after a sudden attack of stage fright,
finds those words written on his music sheet just as he is about to play
for the performance that would mark his comeback in the music scene.
“Having been raised by wolves like Steven Spielberg, Robert Zemeckis,
Brian De Palma and the Master of Masters Sir Alfred Hitchcock, when
I first heard of Grand Piano’s premise, the feral infant film-geek in me
sprang out of my heart in a split second, leaving a smile on my face
wider than Australia. […] The screenwriter Damien Chazelle, a film
director himself, seems to have sculpted the ultimate ‘dream come
true’ for any filmmaker who has ever dared ask his agent for a real
cinematic challenge. And I’m not overacting here: like Tom’s mentor,
Damien is the author of a ‘nearly impossible-to-execute piece,’ a piece
with so many elements to put together in perfect synch. […] Grand
Piano’s ‘score’ is the metalinguistic fractal sister of La Cinquette itself!”
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Eugenio Mira (Castalla, Spain, 1977),
after studying filmmaking in Madrid,
made his debut behind the camera in
2000 with the short film Fade, which
was screened in many festivals. His
first feature, The Birthday (2004),
participated to the Sitges Film Festival
and to the Festival Internacional de
Cinema do Porto. Besides screenwriting
and directing, he has also composed the
soundtrack to several films productions,
and has acted in Jorge Torregrossa’s
movie The End, which was presented
at last year’s edition of the Torino Film
Festival.
filmografia/filmography
Fade (cm, 2000), Diminutos del
calvario (coregia/codirectors aa.vv.,
ep. Rancor, cm, 2002), The Birthday
(id., 2004), Agnosia (2010), Grand
Piano (id., 2013).
don mckellar
THE GRAND SEDUCTION
CONTENTS
Canada, 2013, 35mm, 115’, col.
regia/director
Don McKellar
soggetto/story
Ken Scott
sceneggiatura/screenplay
Ken Scott,
Michael Dowse
fotografia/cinematography
Douglas Koch
montaggio/film editing
Dominique Fortin
scenografia/
production design
Guy Lalande
musica/music
Paul-Étienne Côté, Maxime
Barzel, François-Pierre Lue
suono/sound
Jean Camden,
Marcel Pothier,
Pierre-Jules Audet,
Luc Boudrias
interpreti e personaggi/
cast and characters
Brendan Gleeson
(Murray French),
Taylor Kitsch (il dottor/
Dr Lewis),
Gordon Pinsent (Simon),
Liane Balaban (Kathleen),
Mark Critch,
Mary Walsh
produttori/producers
Roger Frappier,
Barbara Doran
produzione/production
Max Films inc.,
Morag Loves Company
**
contatti/contacts
Voltage Pictures
Katie Katz
Tel: +323 606 76 30
[email protected]
www.voltagepictures.com
LA GRANDE SEDUZIONE [T.L.]
L’economia di Tickle Cove si è sempre basata sulla pesca, ma ora
la crisi dell’industria ittica lascia poco scampo agli abitanti: chi
può cerca lavoro in città e i più anziani chiedono il sussidio.
La speranza di salvezza arriva da una fabbrica di materie plastiche,
che manifesta l’intenzione di aprire una sede in zona a patto
che sia garantita la presenza di un medico. Capitanati da Murray
French, gli abitanti di Tickle Cove si mettono alla ricerca della
persona giusta, e quando trovano il dottor Lewis, chirurgo estetico
di dubbia moralità, fanno di tutto per convincerlo della bellezza
del villaggio.
«Quando mi hanno proposto di girare il film, ho visto la versione
originale [La grande séduction, 2003, di Jean-François Pouliot, ndr]
e ho letto la sceneggiatura, trovandola da subito molto solida.
È un film vecchio stile, sulla scia delle Ealing Comedy, una
commedia sociale su qualcuno che viene da fuori, dalla città.
Oggi la maggior parte delle commedie si basa su ritratti psicologici
e raramente viene delineata una precisa dimensione sociale; si
trattava quindi di una sfida molto divertente».
THE GRAND SEDUCTION
Tickle Cove has always been a fishing village, but the collapse of the
fishing industry has severely affected the community: those who can
leave town, seeking employment in the city, while the others, the older
people, seek welfare assistance. Their lifeline could be a plastics
manufacturer interested in opening a factory in the area, as long
as there is a resident doctor. The townspeople, led by Murray French,
start looking for the right person, and when they find Dr Lewis, an
ethically questionable cosmetic surgeon, they go out of their way to
seduce him with the village’s charm.
“After they asked me to shoot the movie, I read the script and
immediately found it very solid, so I watched the original version
[La grande seduction, 2003, by Jean-François Pouliot, ed.]. It’s an
old school film, along the lines of the Ealing Comedy, a social comedy
about a big-city visitor coming to town. Nowadays, most comedies
are based on psychological traits and they rarely outline a specific social
dimension. So it was also a very fun challenge.”
30
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Don McKellar (North York, Canada,
1963), attore, regista e sceneggiatore,
ha esordito nella regia con il
cortometraggio The Bloody Nose, cui
è seguito Blue, premiato come miglior
corto canadese a Toronto nel 1992.
Il suo primo lungometraggio, Last
Night, in cui recita anche David
Cronenberg, ha ottenuto diversi
riconoscimenti, tra cui il Prix de la
jeunesse a Cannes nel 1998, il premio
come miglior opera prima al Festival
di Toronto ed è stato in concorso
al 16° Torino Film Festival. Nel 1998
ha presentato ancora a Torino, nella
sezione cortometraggi, Elimination
Dance, diretto con Bruce McDonald
e Michael Ondaatje, e nel 2004
ha diretto la commedia Childstar.
In seguito ha lavorato soprattutto
come attore.
Don McKellar (North York, Canada,
1963) is an actor, a screenwriter and a
director. He made his directorial debut
with the shorts The Bloody Nose and
Blue, awarded for best Canadian short
film in Toronto in 1992. His first feature
film, Last Night (in which David
Cronenberg plays a part), received
several prizes in 1998, including the
Prix de la jeunesse in Cannes, the
award for best Canadian first feature
film at the Toronto Film Festival, and
was in competition at the 16 Torino
Film Festival. He was again in Turin in
1998 with the short Elimination Dance,
directed with Bruce McDonald and
Michael Ondaatje, and in 2004 he
directed the comedy Childstar.
In the latest years he mainly worked
as an actor.
TH
filmografia/filmography
The Bloody Nose (cm, 1992), Blue
(cm, 1992), Last Night (id., 1998),
Elimination Dance (coregia/codirectors
Bruce McDonald, Michael Ondaatje,
cm, 1998), A Word from the
Management (cm, 2000), Childstar
(2004), Phone Call from Imaginary
Girlfriends: Istanbul (cm, 2005), Phone
Call from Imaginary Girlfriends: Ankara
(cm, 2005), Michael: Tuesdays &
Thursdays (ep. Small Talk, Unscripted
Conversation, Vomiting, Sleeping with
People, Endings, tv, 2011), The Grand
Seduction (2013).
bruce mcdonald
THE HUSBAND
CONTENTS
Canada, 2013, HD, 80’, col.
regia/director
Bruce McDonald
sceneggiatura/screenplay
Kelly Harms,
Maxwell McCabe-Lokos
fotografia/cinematography
Daniel Grant
montaggio/film editing
Duff Smith
scenografia/
production design
Andy Berry
musica/music
Ian LeFeuvre,
Todor Kobakov
suono/sound
Urban Post
interpreti/cast
Maxwell McCabe-Lokos,
August Diehl,
Sarah Allen,
Jodi Balfour,
Stephen McHattie
produttori/producers
Daniel Bekerman,
Cher Hawrysh,
Bruce McDonald
produzione/production
Scythia Films,
Phenomenal Films,
Shadow Shows
**
contatti/contacts
Scythia Films
Riaya Aboul Ela
[email protected]
www.matterhornintlfilms.com
IL MARITO [T.L.]
Non è facile andare a trovare la propria moglie in carcere,
soprattutto se è stata arrestata per aver fatto sesso con uno
studente quattordicenne. Per il povero Henry, la vita dopo lo
scandalo che ha travolto la sua famiglia è diventata un incubo
dai contorni spesso involontariamente comici: rimasto solo
a crescere un figlio di pochi mesi, deve fare i conti con un lavoro
insoddisfacente, con la frustrazione del tradimento subito e,
soprattutto, con un sentimento di rabbia pronto a esplodere.
Quali sono le soluzioni? Perdonare la moglie, continuare a
perseguitare Colin, il ragazzino che ha mandato all’aria il suo
matrimonio, o altro ancora?
«La sceneggiatura mi è piaciuta da subito. A colpirmi è stato
l’approccio trasversale alla situazione, ormai stranamente normale
e contemporanea, di un’insegnante e uno studente che hanno
una relazione sessuale. Per me si è trattato del primo film in cui
ho parlato di famiglia […], anche se si tratta di una family story
piuttosto inusuale, e di certo non di un film per famiglie».
THE HUSBAND
Visiting your wife in jail isn’t easy, especially if she was arrested for
sleeping with a fourteen-year-old student. After the scandal engulfed his
family, life for poor Henry has become a nightmare with involuntarily
comical tones: left to raise their infant son alone, he also has to deal
with an unfulfilling job, with the frustration of the betrayal, and, above
all, with a bubbling rage about to explode. But what are his options?
Forgive his wife, keep on harassing Colin, the kid who ruined his
marriage, or is there something else?
“I loved the script, I loved the sideways approach at this kind of
strangely common, modern ‘teacher and student sexing it up’ thing.
This is the first film I’ve done about a family. […] It is an unusual
family story, it’s not a family movie.”
31
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Bruce McDonald (Kingston, Canada,
1959) si è laureato in cinema alla
Ryerson University e nel 1985 ha girato
il lungometraggio in 16mm Knock!
Knock!, presentato al quarto festival
Cinema Giovani di Torino. Nel 1989
ha vinto il premio per il miglior film
canadese al Festival di Toronto con
Roadkill, primo capitolo della trilogia
dedicata al rock’n’roll proseguita con
Highway 61 (1991), premio alla regia
al Festival di San Sebastián, e il
mockumentary Hard Core Logo (1997),
miglior film canadese al Festival di
Vancouver. Ha presentato a Torino
i film The Tracey Fragments nel 2007,
Pontypool nel 2009 e This Movie Is
Broken l’anno successivo.
Bruce McDonald (Kingston, Canada,
1959) graduated in film from Ryerson
University. In 1985 he shot the 16mm
feature film Knock! Knock!, which was
presented at the 4 Festival Cinema
Giovani in Torino. In 1989 he won the
prize for best Canadian film at the
Toronto Film Festival with the movie
Roadkill, the first chapter of his trilogy
dedicated to rock’n’roll, followed by
Highway 61 (1991), which won best
director at the Festival in San Sebastián,
and the mockumentary Hard Core
Logo (1997), best Canadian film at
the Festival in Vancouver. In 2009 he
presented the film Pontypool at the
Toronto International Film Festival
and at the Torino Film Festival, and,
in 2010, This Movie Is Broken.
TH
filmografia/filmography
Let Me See (cm, 1982), Knock! Knock!
(coregia/codirector Daniel Brooks,
1985), Roadkill (1989), Highway 61
(1991), Dance Me Outside (1994),
Hard Core Logo (1996), Elimination
Dance (cm, 1997), Fort Goof (cm,
1999), The City (ep. Gorky Parkette;
Just Like Honey, tv, 2000), Lex (ep.
Garden; Tunnel, tv, 2000), Road Songs:
A Portrait of Robbie Robertson (tv, doc.,
2001), Picture Claire (Sola nella
trappola, 2001), The Love Crimes of
Gillian Guess (tv, 2004), The Dark
Room (tv, 2007), The Tracey Fragments
(2007), Pontypool (2008), This Movie
Is Broken (2010), Trigger (2010),
Hard Core Logo 2 (2010), The
Husband (2013).
paweł pawlikowski
IDA
CONTENTS
Polonia-Danimarca/Poland-Denmark, 2013, HD, 80’, bn/bw
regia/director
Paweł Pawlikowski
sceneggiatura/screenplay
Paweł Pawlikowski,
Rebecca Lenkiewicz
fotografia/cinematography
Łukasz Żal,
Ryszard Lenczewski
montaggio/film editing
Jarosław Kamińsk
scenografia/
production design
Katarzyna Sobańska,
Marcel Sławiński
costumi/costume design
Aleksandra Staszko
musica/music
Kristian Selin Eidnes
Andersen
suono/sound
Claus Lynge
interpreti e personaggi/
cast and characters
Agata Kulesza (Wanda),
Agata Trzebuchowska
(Anna),
Dawid Ogrodnik (Lis),
Joanna Kulig
(la cantante/singer)
produttori/producers
Eric Abraham,
Piotr Dzięcioł,
Ewa Puszczyńska
produzione/production
Opus Film,
Phoenix Film
coproduttore/coproducer
Christian Falkenberg
Husum
coproduzione/coproduction
Canal+ Poland,
Phoenix Film Poland
distribuzione/distribution
Parthénos Distribuzione
Cinematografica
**
contatti/contacts
Parthénos Distribuzione
Cinematografica
www.parthenosdistribuzione.com
32
Paweł Pawlikowski (Varsavia, Polonia)
è cresciuto tra Polonia, Germania,
Italia e Regno Unito, dove si è
trasferito nel 1977. Ha studiato
letteratura e filosofia a Londra e
Oxford, per esordire poi come regista
di documentari per il canale televisivo
Bbc. Dopo il film tv Twockers (1999),
scritto e diretto con Ian Duncan, è
passato al lungometraggio con Last
Resort (2000), My Summer of Love
(2004), La femme du V (2011),
con i quali ha ottenuto, tra i vari
riconoscimenti, due Bafta Awards
e il premio Fipresci al London
International Film Festival.
ÈME
IDA
Polonia, 1962. Prossima a prendere i voti, la novizia Anna, bella
diciottenne cresciuta in un convento perché orfana, scopre di avere
una zia ancora in vita. Si tratta di Wanda, ex pubblico ministero
comunista, responsabile di numerose condanne a morte nei
confronti di religiosi e colpevole di nascondere da sempre le sue
origini ebraiche. E mentre Anna scoprirà di essere anche lei ebrea
e di chiamasi in realtà Ida, Wanda dal canto suo dovrà confrontarsi
con decisioni prese ai tempi della guerra che ancora la
perseguitano.
«Ida è un film che parla d’identità, famiglia, fede, colpa, socialismo
e musica. Volevo fare un film sulla storia che non venisse percepito
come un film storico; un film con una morale ma senza una
lezione da impartire; […] una storia più simile alla poesia che alla
prosa. Ma, più di tutto, volevo tenermi alla larga dalla solita retorica
che caratterizza il cinema polacco. In Ida la Polonia è vista da una
outsider senza preconcetti, attraverso il filtro dei ricordi personali,
delle emozioni, dei suoni e delle immagini di un’infanzia».
IDA
Poland, 1962. Just before taking her vows, the novice Anna, a beautiful
eighteen-year-old orphan who grew up in a convent, discovers she has
an aunt who is still alive. Her name is Wanda, a former communist
public prosecutor who is responsible for many death sentences passed
against nuns and priests and who has always kept her Jewish origins
a secret. While Anna discovers she, too, is Jewish and is actually called
Ida, Wanda must come to terms with decisions she made during the
war and which still haunt her.
Paweł Pawlikowski (Warsaw, Poland)
grew up in Poland, Germany, Italy and
the United Kingdom, where he moved
in 1977. He studied literature and
philosophy in London and Oxford, and
debuted as a director of documentaries
for the BBC. After making the TV movie
Twockers (1999), which he wrote and
directed with Ian Duncan, he moved on
to feature films with Last Resort
(2000), My Summer of Love (2004)
and The Woman in the Fifth (2011),
which received numerous recognitions,
including two Bafta Awards and the
FIPRESCI Award at the London
International Film Festival.
filmografia/filmography
Extraordinary Adventures (tv, doc.,
1988), Vaclav Havel (tv, doc., 1989),
Moscow Pietushki (tv, doc., 1990),
Dostoevsky’s Travels (tv, doc., 1991),
Serbian Epics (tv, doc., 1992), The
Grave Case of Charlie Chaplin (tv,
doc., 1993), Tripping with Zhirinovsky
(tv, doc., 1995), Lucifer Over Lancashire
(tv, doc., 1997), The Stringer (tv, 1997),
Twockers (tv, 1999), Last Resort (2000),
My Summer of Love (id., 2004),
La femme du V (2011), Ida (id.,
2013).
ÈME
“Ida is a film about identity, family, faith, guilt, socialism and music.
I wanted to make a film about history, which wouldn’t feel like
a historical film; a film which is moral, but has no lessons to offer; […]
a story closer to poetry than plot. Most of all, I wanted to steer clear of
the usual rhetoric of the Polish cinema. The Poland in Ida is shown by
an ‘outsider’ with no axe to grind, filtered through personal memory
and emotion, the sounds and images of childhood.”
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
ethan coen, joel coen
INSIDE LLEWYN DAVIS
CONTENTS
Usa-Francia/USA-France, 2013, 35mm, 105’, col.
regia, sceneggiatura/
directors, screenplay
Ethan Coen,
Joel Coen
fotografia/cinematography
Bruno Delbonnel
montaggio/film editing
Roderick Jaynes
scenografia/
production design
Jess Gonchor
costumi/costume design
Mary Zophres
musica/music
T Bone Burnett
suono/sound
Peter F. Kurland,
Skip Lievsay
interpreti e personaggi/
cast and characters
Oscar Isaac (Llewyn Davis),
Carey Mulligan (Jean),
John Goodman
(Roland Turner),
Garrett Hedlund
(Johnny Five),
F. Murray Abraham
(Bud Grossman),
Justin Timberlake (Jim),
Stark Sands (Troy Nelson),
Adam Driver (Al Cody)
produttori/producers
Ethan Coen,
Joel Coen,
Scott Rudin
produzione/production
Long Strange Trip Llc
distribuzione/distribution
Lucky Red
**
contatti/contacts
Lucky Red
Tel: +39 06 373 522 96
[email protected]
www.luckyred.it
INSIDE LLEWYN DAVIS
Llewyn Davis è un cantautore folk dei primi anni Sessanta, che vive
nel Greenwich Village e vorrebbe presentare a un discografico il suo
disco d’esordio, Inside Llewyn Davis. La sua vita non è facile: senza
soldi e senza una casa, cocciuto e attaccabrighe, Llewyn passa da
un appartamento all’altro nel gelido inverno di New York
portandosi dietro la chitarra, gli LP invenduti e un gatto di nome
Ulysses. Il sogno sembra realizzarsi quando Llewyn parte alla volta
di Chicago per un’audizione con il discografico Bud Grossman.
«L’intenzione era quella di utilizzare la musica autentica del
periodo, ma inventare sostanzialmente tutti i personaggi. Alcune
cose le abbiamo prese da Dave Van Ronk, come il fatto che fosse
un ragazzo della classe operaia, di quelli che giunsero nel Village
dai sobborghi, o che fosse un marinaio. Esiste poi un suo libro, The
Mayor of MacDougal Street, che è un’interessante descrizione della
scena folk-revival del Greenwich Village nell’era pre-Dylan, quella
che lui chiamava “la grande paura folk”. Ci sono però molti aspetti
del personaggio del tutto inventati che non hanno alcun
collegamento con Van Ronk».
INSIDE LLEWYN DAVIS
Llewyn Davis is a folksinger in the early 1960s. He lives in Greenwich
Village and wants to present his debut record, Inside Llewyn Davis,
to a record producer. His is not an easy life: a penniless drifter, stubborn
and cantankerous, Llewyn moves from one apartment to another in
the freezing New York winter, dragging behind his guitar, his unsold
LPs and a cat named Ulysses. His dream seems about to come true
when Llewyn heads to Chicago to audition for the record producer
Bud Grossman.
“The ambition was that the movie have the real music from the period,
but the characters were essentially made up. We took some things from
Van Ronk – the fact that he was a working-class kid from the ’burbs
who came to the Village, and he was a merchant marine. There’s a
book that he wrote, The Mayor of MacDougal Street, which is a very
interesting description of that pre-Dylan folk-revival scene in the Village
that Van Ronk called ‘the great folk scare’. But there were many
aspects of the character that were made up whole cloth, and didn’t
have any connection to Van Ronk.”
33
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Joel e Ethan Coen (Minneapolis,
Minnesota, Usa, 1954 e 1957)
costituiscono da quasi trent’anni uno
dei sodalizi artistici più significativi
della storia del cinema. Insieme e in
maniera autonoma ideano, scrivono,
producono, dirigono, montano i loro
film e ne supervisionano le musiche.
Solo per comodità, talvolta, si
dividono i ruoli, firmando Joel la regia
ed Ethan la produzione.
Apprezzatissimi in patria e soprattutto
in Europa (Inside Llewyn Davis ha vinto
quest’anno il Gran premio della giuria
a Cannes), hanno ricevuto quattro
Oscar: nel 1997 per la sceneggiatura
di Fargo e nel 2008, con Non è un
paese per vecchi, per il miglior film,
la regia, la miglior sceneggiatura
non originale.
Joel and Ethan Coen (Minneapolis,
MN, USA, 1954 and 1957), for almost
thirty years, have been one of the most
important artistic partnerships in the
history of cinema. In collaboration and
separately, they create, write, produce,
direct and edit their films and supervise
the music. Occasionally, and only for the
sake of convenience, do they divvy up
the roles, with Joel directing and Ethan
producing. Highly thought of at home
and, above all, in Europe (Inside
Llewyn Davis won this year’s Grand
Jury Prize at Cannes), they have received
four Oscars: in 1997 best screenplay for
Fargo, and in 2008, with No Country
for Old Men, best motion picture, best
achievement in directing, and best
adapted screenplay.
filmografia essenziale/
essential filmography
Blood Simple (Blood Simple - Sangue
facile, 1984), Raising Arizona (Arizona
Junior, 1987), Miller’s Crossing (Crocevia
della morte, 1990), Barton Fink (Barton
Fink - È successo a Hollywood, 1991),
The Hudsucker Proxy (Mister Hula
Hoop, 1994), Fargo (id., 1995), The Big
Lebowski (Il grande Lebowski, 1998),
O Brother, Where Art Thou? (Fratello,
dove sei?, 2000), The Man Who Wasn’t
There (L’uomo che non c’era, 2001),
Ladykillers (id., 2004), No Country for
Old Men (Non è un paese per vecchi,
2007), Burn After Reading (Burn After
Reading - A prova di spia, 2008),
A Serious Man (id., 2009), True Grit
(Il Grinta, 2010), Inside Llewyn Davis
(id., 2013).
jon turteltaub
LAST VEGAS
CONTENTS
Usa, 2013, 106’, HD, col.
regia/director
Jon Turteltaub
sceneggiatura/screenplay
Dan Fogelman
fotografia/cinematography
David Hennings
montaggio/film editing
David Rennie
scenografia/
production design
David J. Bomba
costumi/costume design
Danya Pink
interpreti e personaggi/
cast and characters
Michael Douglas (Billy),
Robert De Niro (Paddy),
Morgan Freeman (Archie),
Kevin Kline (Sam),
Mary Steenburgen (Diana),
Jerry Ferrara (Todd),
Romany Malco (Lonnie),
Rogert Bart (Maurice),
Weronika Rosati (Veronica)
produttori/producers
Amy Baer,
Joseph Drake,
Laurence Mark
produzione/production
CBS Films,
Gidd Media,
Good Universe
coproduttore/coproducer
Matt Leonetti
distribuzione/distribution
Universal Pictures Italia
**
contatti/contacts
Universal Pictures Italia
Cristina Casati
Tel: +39 06 852691
[email protected]
www.universalpictures.it
34
LAST VEGAS
I quattro amici pensionati Billy, Paddy, Archie e Sam si conoscono
da sempre; in occasione dell’addio al celibato di Billy, l’incallito
scapolo del gruppo che ha finalmente deciso di sposare la sua
compagna (ovviamente molto più giovane di lui), partono per
Las Vegas con il proposito di rivivere i loro giorni di gloria,
dimenticandosi della loro vera età. Ben presto però i quattro si
renderanno conto che la Città del peccato è molto cambiata da
quella che ricordavano e che la loro amicizia non è poi così solida
come credevano.
«La storia è un coming of age. Quattro settantenni vanno a
Las Vegas per scoprire che non sono più giovani, ma che allo
stesso tempo non sono vecchi. Tutti combattiamo con l’idea di
comportarci in maniera consona all’età che abbiamo. Continuiamo
a crescere e a invecchiare, imparando sempre qualcosa».
LAST VEGAS
Four retired friends, Billy, Paddy, Archie and Sam, have known each
other since forever; when Billy, the diehard bachelor of the group, finally
decides to marry his companion (who is obviously much younger than
him), the four buddies leave for Las Vegas with the intention of reliving
their days of glory, ignoring their real age. But they are forced to
acknowledge that Sin City has changed a lot since they were last there
and that their friendship isn’t as rock-solid as they thought.
“It’s a coming-of-age story. Four seventy-year-old guys go to Vegas
and get a big dose of how young they’re not and how old they’re not.
We all struggle with the idea of acting your age. We’re always growing.
We’re always learning.”
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Jon Turteltaub (New York, Usa, 1963)
si è laureato presso la Wesleyan
University nel 1985 e ha esordito
nel 1989 con il lungometraggio Due
gemelli e una monella. Regista per
il cinema e per la televisione, vanta
tra i suoi titoli successi commerciali
hollywoodiani come Cool Runnings Quattro sottozero (1993), Phenomenon
(1996), con John Travolta, Instict Istinto primordiale (1999), con Anthony
Hopkins, il dittico Il mistero dei
templari (2004) e Il mistero delle
pagine perdute (2007) con
protagonista Nicholas Cage,
e L’apprendista stregone (2010). Come
produttore ha lavorato soprattutto in
ambito televisivo, producendo le serie
Jericho, Harper’s Island e Common Law.
Jon Turteltaub (New York, NY, USA,
1963) graduated from Wesleyan
University in 1985 and debuted in 1989
with the feature-length Think Big.
A movie and television director, his
Hollywood commercial successes include
Cool Runnings (1993); Phenomenon
(1996), starring John Travolta; Instinct
(1999), with Anthony Hopkins; the
diptych starring Nicholas Cage, National
Treasure (2004) and National
Treasure: Book of Secrets (2007);
and The Sorcerer’s Apprentice (2010).
As a producer, he has been active
primarily in television, producing the
series Jericho, Harper’s Island and
Common Law.
filmografia essenziale/
essential filmography
Think Big (Due gemelli e una monella,
1989), Driving Me Crazy (L’auto più
pazza del mondo, 1991), 3 Ninjas
(3 piccole pesti in vacanza, 1992),
Cool Runnings (Cool Runnings - Quattro
sottozero, 1993), While You Were
Sleeping (Un amore tutto suo, 1995),
Phenomenon (id., 1996), Instict (Instict
- Istinto primordiale, 1999), The Kid
(Faccia a faccia, 2009), National
Treasure (Il mistero dei templari, 2004),
National Treasure: Book of Secrets
(Il mistero delle pagine perdute, 2007),
The Sorcerer’s Apprentice (L’apprendista
stregone, 2010), Last Vegas (id., 2013).
narimane mari
LOUBIA HAMRA
CONTENTS
RED BEANS
Algeria-Francia/Algeria-France, 2013, HD, 80’, col.
regia, sceneggiatura,
produttore/
director, screenplay,
producer
Narimane Mari
fotografia/cinematography
Nasser Madjkane
montaggio/film editing
Caroline Detournay,
Anita Roth,
Narimane Mari
musica/music
Zombie Zombie,
Cosmic Neman,
Etienne Jeman
suono/sound
Guillaume Pellerin,
Olivier Luce,
Benjamin Laurent
interpreti e personaggi/
cast and characters
Adlane Aïssani (Tarzan),
Amir Nourine (Amir),
Chems-Eddine Boudjema
(Chemsi),
Feyçal Ould Larbi (Feyçal),
Ghania Aïssani (Lilia),
Housseim Eddine
Chatouani (Chozi),
Haïtem Hala (Boyka),
Kawtar Bakir (Poupouna),
Madjid Bouabdellah
(Madjid),
Mounir Laïd (Mounir),
Mohamed Brahimi (Taliani),
Nassim Brahimi (Nassim),
Nedjmeddine Benarafa
(l’egiziano/Egyptian),
Rehab Bakir (Poupounetta),
Rabam Issam Hadj Aïssa
(L’mucho),
Yacine Bennou
(Bone Has Marrow)
produzione/production
Allers Retours Films
coproduttori/coproducers
Arnaud Dommerc,
Olivier Boischot,
Jean-Baptiste Legrand
coproduzione/coproduction
Andolfi, Centrale Electrique
**
contatti/contacts
Allers Retours Films
Narimane Mari
Tel: +213 055 579 86 19
FAGIOLI ROSSI [T.L.]
Su una spiaggia algerina un gruppo di bambini gioca tra la sabbia
e le onde. Intorno a loro un dramma dalla portata storica:
il loro Paese è in fiamme, sconvolto dalla guerra tra le truppe
indipendentiste e l’esercito francese. Grazie all’immaginazione
e alla spensieratezza proprie dell’infanzia, la tragedia assume
i contorni di un gioco, in cui depredare i soldati francesi delle
loro scorte alimentari è un divertimento più che una necessità.
Ma presto il mondo dei grandi esigerà il suo tributo di sangue.
«Questo non è un film sull’eroismo. Non era mia intenzione che
lo fosse. È stato un lavoro con i bambini, sia quando recitavamo
sia quando spiegavamo loro come fare. Nessuno comandava!
Alcuni di loro magari si sono fatti notare ma non troppo a lungo.
Potrei dire che è l’infanzia, l’elemento che li accomuna, la vera
eroina del film, anche se non ne sono molto convinta. Forse
perché gli eroi muoiono alla fine dei film e si sacrificano nella vita
reale, mentre i bambini non dovrebbero mai morire o sacrificarsi.
Quindi direi che non abbiamo bisogno di eroi».
RED BEANS
A group of children is playing in the sand and the waves on a beach
in Algeria. Around them, a drama of historical dimensions is unfolding:
their country is in flames, devastated by the war between nationalist
troops and the French army. Through the children’s imagination and
carefree gaiety, the tragedy assumes the contours of a game, in which
stealing food from the French soldiers is a pastime more than a need.
But the world of adults will soon demand its toll of blood.
“It is not a movie about heroism at all. And I did not want that either.
It was mainly a job with children, as much when we were acting as
when showing them. No leader here! Some of them may stand out,
but never for long. I can say that the childhood, that they all have in
common, is the hero of the movie, but I don’t want to say that either.
Maybe because heroes die at the end of the movies and sacrifice
themselves in real life, while childhood should never die or be sacrificed,
so no need of a hero.”
[email protected]
35
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Narimane Mari (1969, Algeri, Algeria)
ha lavorato per importanti testate
francesi quali «Libération» e «France
Soir», occupandosi della sezione
culturale, oltre a realizzare programmi
di approfondimento per Canal+
e France Télévision. Parallelamente
ha collaborato con gallerie d’arte e,
nel 2006, ha fondato la casa di
produzione Centrale Electrique,
specializzata in documentari
d’impegno sociale e film d’autore.
Tornata in Algeria, nel 2010 ha creato
la Allers Retours Films per proseguire
il lavoro intrapreso in precedenza in
Francia. Red Beans segna il suo
debutto nel lungometraggio.
Narimane Mari (1969, Algiers, Algeria)
worked for important French
publications such as “Libération”
and “France Soir,” writing for the
culture sections, and also made in-depth
news programs for Canal+ and France
Télévision. At the same time, she
collaborated with art galleries and
in 2006 she founded the production
company Centrale Electrique, specialized
in social commitment documentaries
and art house films. After returning to
Algeria, in 2010 she founded Allers
Retours Films to continue her previous
work in France. Red Beans is her first
feature-length film.
filmografia/filmography
Loubia Hamra (Red Beans, 2013).
jim jarmusch
ONLY LOVERS LEFT ALIVE
CONTENTS
Usa, 2013, 35mm-HD, 123’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Jim Jarmusch
fotografia/cinematography
Yorick Le Saux
montaggio/film editing
Affonso Gonçalves
scenografia/
production design
Marco Bittner Rosser
costumi/costume design
Bina Daigeler
musica/music
Jozef van Wissem
interpreti e personaggi/
cast and characters
Tom Hiddleston (Adam),
Tilda Swinton (Eve),
Mia Wasikowska (Ava),
John Hurt (Marlowe)
produttori/producers
Jeremy Thomas,
Reinhard Brundig
produzione/production
Pandora Film Produktion,
Recorded Picture Company
**
contatti/contacts
Festival Agency
Claire Thibault
Tel: +33 954 904 863
[email protected]
www.thefestivalagency.com
GLI UNICI AMANTI RIMASTI IN VITA [T.L.]
Adam è un musicista underground di Detroit che si nasconde
dal mondo e conduce una vita prevalentemente notturna. A Tangeri
vive sua moglie Eve, con cui ha una relazione romantica che dura
da secoli. Trattasi, infatti, di due vampiri, eleganti e bohemien, che
cercano nell’isolamento e nelle tenebre la salvezza da un mondo
impazzito, che giudicano volgare e giunto al capolinea. Quando
finalmente Adam e Eve possono rincontrarsi, la loro esistenza è
però messa a repentaglio dall’incontrollabile sorella minore di lei,
che s’insinua come un morbo nella loro storia, sopravvissuta negli
anni alle prove più dure.
«Questo film è sì una storia d’amore ma è anche la storia di due
outsider inconsueti che, a causa delle circostanze inusuali in cui si
trovano a vivere, hanno una visione più ampia sull’umanità e sulla
storia, oltre ad aver ottenuto risultati sbalorditivi e sconfitte tragiche
e crudeli. Adam e Eve sono la metafora dell’attuale condizione
dell’essere umano: sono fragili e in pericolo, alla mercè delle forze
della natura e in balia della miopia di coloro che detengono il
potere».
ONLY LOVERS LEFT ALIVE
Adam is an underground musician in Detroit who hides from the world
and leads a predominantly nocturnal lifestyle. His wife Eve lives in
Tangiers and their love story has been going on for centuries. In fact,
they are two elegant and bohemian vampires who have turned to
isolation and darkness in their search for salvation from a world gone
mad, which they consider vulgar and in its death throes. When Adam
and Eve are finally rejoined, their existence is endangered by Eve’s
uncontrollable younger sister who, like a disease, slips into their
relationship, which over the years had survived the hardest ordeals.
“This is a love story, but also the story of two exceptional outsiders who,
given their unusual circumstances, have a vast overview of human and
natural history, including stunning achievements and tragic and brutal
failures. Adam and Eve are themselves metaphors for the present state
of human life – they are fragile and endangered, susceptible to natural
forces, and to the shortsighted behavior of those in power.”
36
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Jim Jarmusch (Akron, Ohio, Usa, 1953)
ha studiato tra Parigi e New York,
dove tutt’ora risiede e dove ha
cominciato la sua carriera nella scena
downtown dei primi anni Ottanta.
Riconosciuto fin dagli esordi come
uno dei massimi esponenti del
cinema indipendente americano, ha
diretto nel 1980 Permanent Vacation
imponendo il suo stile minimalista
e ironico. Sono poi seguiti, tra gli altri,
Stranger Than Paradise - Più strano del
paradiso (1984) e Daunbailò (1986),
interpretato da Benigni e Tom Waits,
e i capolavori della maturità Dead
Man (1995), Ghost Dog (1999) e
Broken Flowers (2005), tutti presentati
in concorso al Festival di Cannes.
Jim Jarmusch (Akron, OH, USA, 1953)
studied in Paris and New York, where he
still lives and where he began his career
in the downtown scene during the early
1980s. Right from the start, he became
known as one of the highest exponents
of American independent cinema,
and in 1980 he directed Permanent
Vacation, imposing his minimalist
and ironic style. Following films include
Stranger Than Paradise (1984) and
Down by Law (1986), featuring Benigni
and Tom Waits, and his later
masterpieces Dead Man (1995), Ghost
Dog (1999) and Broken Flowers
(2005), all of which competed at the
Cannes Film Festival.
filmografia/filmography
Permanent Vacation (id., 1980),
Stranger Than Paradise (cm, 1983),
Stranger Than Paradise (Stranger
Than Paradise - Più strano del paradiso,
1984), Coffee and Cigarettes (cm,
1984), Down by Law (Daunbailò,
1986), Talking Head: Storytelling
Giant (video, 1988), Coffee and
Cigarettes II (cm, 1989), Mistery
Train (Mistery Train - Martedì notte
a Memphis, 1989), Night on Earth
(Taxisti di notte, 1991), Dead Man
(id., 1995), Coffee and Cigarettes III
(cm, 1995), Year of the Horse (doc.,
1997), Ghost Dog (Ghost Dog Il codice del samurai, 1999), Ten
Minutes Older: The Trumpet
(coregia/codirectors aa.vv., ep. Int.
Trailer Night, 2002), Coffee and
Cigarettes (id., 2003), Broken Flowers
(id., 2005), Red Hot and Blue (ep. It’s
All Right with Me, tv, 2008), The Limits
of Control (2009), Only Lovers Left
Alive (2013).
david gordon green
PRINCE AVALANCHE
CONTENTS
Usa, 2013, 35mm, 94’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
David Gordon Green
soggetto/story
dal film/from the film
Á Annan Veg di/by
Hafsteinn Gunnar
Sigurdsson
fotografia/cinematography
Tim Orr
montaggio/film editing
Colin Patton
scenografia/
production design
Richard A. Wright
costumi/costume design
Jill Newell
musica/music
Devoe Yates,
Paul Rudd,
Emile Hirsch
interpreti e personaggi/
cast and characters
Emile Hirsch (Lance),
Paul Rudd (Alvin),
Lance Legault (Toodie),
Joyce Payne (Lady),
Gina Grande (Madison)
produttori/producers
Lisa Muskat,
Derrick Tseng,
Craig Zobel,
James Belfer,
David Gordon Green
produzione/production
Muskat Filmed Properties,
Dogfish Pictures
**
contatti/contacts
The Match Factory
David Bauduin
Tel: +49 221 539 709 45
[email protected]
www.the-match-factory.com
PRINCE AVALANCHE
Nel 1987 un incendio ha distrutto un’immensa area boschiva
del Texas, lasciando dietro di sé ettari di alberi bruciati. In questo
paesaggio surreale lavorano fianco a fianco Alvin e Lance, assunti
per ridipingere la striscia di mezzeria del manto stradale. Il primo
è romantico e introverso, impegnato in una relazione epistolare;
il secondo, fratello della donna amata da Alvin, è pigro e con pochi
progetti per il futuro. La convivenza forzata di ben due mesi li
costringe a confrontarsi e fa nascere un’amicizia sincera, con
risvolti esilaranti. Remake americano di Á Annan Veg - Either Way
di Hafsteinn Gunnar Sigurdsson, film islandese vincitore del Torino
Film Festival nel 2011.
«Immagino di essere attratto dalle stranezze. Probabilmente tutti
coloro che compaiono nei miei film sono strani. Però questo è
il modo in cui vedo i miei amici, la mia famiglia e le persone di
cui mi circondo, ed è ciò a renderli interessanti ai miei occhi.
Mi piacciono quei film in cui ci sono personaggi considerati dei
reietti, ma che li raccontano senza trasformarli in freaks».
PRINCE AVALANCHE
In 1987, a fire destroyed a vast tract of forest in Texas, leaving behind
acres of burnt trees. Alvin and Lance work together in this surreal
landscape; their job is to repaint the median strip on the roads. Alvin,
a romantic introvert, is involved in an epistolary relationship; Lance,
the brother of the woman Alvin is in love with, is lazy and doesn’t
have many plans for the future. The forced cohabitation makes the
two come to terms with each other and sparks a true friendship with
hilarious consequences. An American remake of Á Annan Veg - Either
Way by Hafsteinn Gunnar Sigurdsson, which won the 2011 Torino Film
Festival.
“I guess I’m attracted to the odd. Probably everyone in all of my
movies is odd. But then so are my friends and family and the people
I hang out with – and that’s what makes them interesting to me.
I like movies where there are characters that are seen kind of outcasts
– but not make a freak show out of them.”
37
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
David Gordon Green (Little Rock,
Arkansas, Usa, 1975) cresce in Texas
e studia regia alla North Carolina
School of Art, e dopo una lunga serie
di cortometraggi nel 2001 esordisce
con George Washington,
lungometraggio vincitore del Torino
Film Festival. Nel 2003 realizza All
the Real Girls, premio speciale della
giuria al Sundance, e poi continua
a portare avanti il suo cinema indie
profondamente radicato nella cultura
americana e al tempo stesso
caratterizzato da un malinconico
realismo magico con Undertow
(2004), prodotto da Terence Malick
e in concorso al Torino Film Festival,
e Snow Angels (2007). Con Strafumati
(2008), Sua Maestà (2011) e Lo
spaventapassere (2011) vira verso
un cinema più commerciale, salvo
recuperare atmosfere e libertà
espressiva dei primi lavori con lo
stesso Prince Avalanche e il successivo
Joe (2013), presentato in concorso
alla Mostra di Venezia.
David Gordon Green (Little Rock, AR,
USA, 1975) grew up in Texas and studied
directing at the North Carolina School
of Art. After a long series of shorts, he
debuted in feature films in 2001 with
George Washington, which won that
year’s Torino Film Festival. In 2003, he
made All the Real Girls, which received
a Special Jury Prize at Sundance.
He continued making indie films, which
are deeply rooted in American culture
and at the same time have a magical
melancholy realism: Undertow (2004),
produced by Terence Malick and which
competed at the Torino Film Festival;
and Snow Angels (2007). His films
Pineapple Express (2008), Your
Highness (2011), and The Sitter (2011)
veered toward a more commercial type
of cinema, but he recaptured the
expressive atmosphere and freedom of
his early works with Prince Avalanche
and his next movie, Joe (2013), which
competed at the Venice Film Festival.
filmografia/filmography
Roughouse (cm, 1995), Pleasant Grove
(cm, 1996), Artificial Insemination
(cm, 1996), A Biography of Barrels
(cm, 1997), Phisical Pinball (cm, 1998),
George Washington (2000), All the
Real Girls (2003), Undertow (id., 2004),
Snow Angels (id., 2007), Pineapple
Express (Strafumati, 2008), Eastbound
& Down (ep., tv, 2009-2012), Black
Jack (tv, 2011), Your Highness
(Sua Maestà, 2011), The Sitter
(Lo spaventapassere, 2011),
Prince Avalanche (2013), Joe (2013).
katell quillévéré
SUZANNE
CONTENTS
Francia/France, 2013, HD, 94’, col.
regia/director
Katell Quillévéré
sceneggiatura/screenplay
Katell Quillévéré,
Mariette Désert
fotografia/cinematography
Tom Harari
montaggio/film editing
Thomas Marchand
scenografia/
production design
Anna Falguères
costumi/costume design
Moïra Douguet
musica/music
Verity
suono/sound
Yolande Decarsin
interpreti e personaggi/
cast and characters
Sara Forestier (Suzanne),
François Damiens
(Nicolas),
Adèle Haenel (Maria),
Paul Hamy (Nicolas),
Corinne Masiero (Eliane),
Paul Hamy (Julien),
Karim Leklou (Vince),
Apollonia Luisetti (Suzanne
da bambina/as a child),
Fanie Zanini (Maria da
bambina/as a child),
Timothé Vom Dorp (Charlie
da neonato/as a baby),
Maxim Driesen (Charlie da
ragazzino/as a young kid),
Jaime Dacunha (Charlie da
giovane adolescente/
as a young teenager)
produttore/producer
Bruno Levy
produzione/production
Move Movie
**
contatti/contacts
Film Distribution
Sanam Madjedi
Tel: +33 1531 033 99
[email protected]
www.filmsdistribution.com
38
Katell Quillévéré (Abidjan, Costa
d’Avorio, 1980), dopo gli studi
in cinema e filosofia a Parigi, ha
debuttato nella regia nel 2005 con
il cortometraggio À bras le corps,
presentato alla Quinzaine des
réalisateurs di Cannes e selezionato
per i César. Dopo altri due corti, ha
diretto il suo primo lungometraggio,
Un poison violent, vincitore del premio
Jean Vigo e selezionato inoltre alla
Quinzaine des réalisateurs.
SUZANNE
Nonostante la morte della madre, Suzanne e Maria hanno
trascorso un’infanzia felice e sono molto legate. Il loro padre
Nicolas, per quanto in maniera un po’ goffa, è sempre riuscito
a far funzionare le cose, impedendo che le ragazze soffrissero
troppo per la mancanza di una figura materna. Quando poi
Suzanne dà alla luce il piccolo Charlie, la famiglia si ritrova
ancora più unita: nulla perciò fa presagire i cambiamenti a cui
tutti andranno incontro nel momento in cui Suzanne incontrerà
un ragazzo difficile come Julien.
«Mentre il mio compagno si documentava su una serie di nemici
pubblici francesi, come ad esempio Mesrine, Besse o Vaujour, mi
ha passato le autobiografie delle loro mogli. In quei libri, il primo
capitolo è sempre dedicato all’infanzia e all’adolescenza per
cercare, senza poi realmente trovarli, episodi che giustifichino
la piega presa dalle loro vite quando trovano l’amore. Perché
incontrano e si innamorano di uomini così particolari, legandosi
in modo tale da arrivare a nascondere esplosivi in una prigione,
o pilotare un elicottero per aiutarli a fuggire?»
SUZANNE
Despite the death of their mother, Suzanne and Maria have led a
happy childhood and the two are very close. Their father Nicolas, albeit
with some awkwardness, has always managed to make things go
smoothly and the two girls have never suffered much from their lack
of a maternal figure. When Suzanne gives birth to little Charlie, the
family is even more closely united, but nobody could have foreseen the
changes they all face when Suzanne meets Julien, a rough character.
“When my companion was reading a number of books about French
public enemies such as Mesrine, Besse or Vaujour, he gave me their
wives’ autobiographies. In their books, the first chapter is always
devoted to their childhood and their adolescence in order to search
for, without really finding, events that could give sense to the direction
their lives have taken, and which would explain this decisive romantic
encounter. Why do they suddenly cross paths and fall in love with these
particular men, tying their fates to theirs to the point of being capable
of sneaking explosives into a prison, or learning to pilot a helicopter to
help them escape?”
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Katell Quillévéré (Abidjan, Ivory
Coast, 1980), after studying film and
philosophy in Paris, debuted in directing
in 2005 with the short À bras le corps,
presented at the Quinzaine des
réalisateurs in Cannes and selected for
the César Awards. After two other shorts,
she directed her first feature film, Un
poison violent, which won the Jean
Vigo Award and was also selected
for the Quinzaine des réalisateurs.
filmografia/filmography
À bras le corps (cm, 2005),
L’imprudence (cm, 2007), L’échappée
(cm, 2009), Un poison violent (2010),
Suzanne (2013).
giuseppe pollicelli, mario tani
TEMPORARY ROAD.
(UNA) VITA DI FRANCO BATTIATO
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 70’, col.
regia/directors
Giuseppe Pollicelli,
Mario Tani
fotografia/cinematography
Nicola Saraval
montaggio/film editing
Alessandro Latrofa
musica/music
Alessandro Latrofa,
Giuseppe Pollicelli,
Mario Tani
suono/sound
Tommaso Danisi
interprete/cast
Franco Battiato
produttore/producer
Mario Tani
produzione/production
Mac Film
**
contatti/contacts
Mac Film
[email protected]
www.macfilm.it
Mario Tani
[email protected]
TEMPORARY ROAD. (UNA) VITA DI FRANCO BATTIATO
Una lunga conversazione con Battiato, la registrazione dell’album
Apriti sesamo, esibizioni e dietro le quinte dell’ultimo tour, per
raccontare le tappe di una straordinaria vicenda umana all’insegna
dell’arte e della ricerca interiore.
«Su Battiato non è stato mai realizzato prima d’ora un film che
ne racconti in maniera strutturata e analitica la lunga e articolata
traiettoria artistica e umana. [...] L’appassionato e l’estimatore che
volessero studiare la sua arte – e i suoi legami con la biografia del
musicista – dovrebbero farlo in maniera autonoma, impegnandosi
a ricostruire il cammino (tuttora in pieno e tumultuoso
svolgimento) dell’artista siciliano, sforzandosi di comprendere che,
come direbbe Battiato stesso, “il tutto è più della somma delle sue
parti”. L’opera intende essere più di un documentario e nasce con
il proposito di risultare un vero e proprio film, un lavoro completo
che ripercorre le orme di una carriera, iniziata ormai quasi
cinquant’anni fa, e da considerare senza alcuna remora come
uno dei tasselli più significativi nel mosaico della musica
contemporanea».
TEMPORARY ROAD. (A) LIFE OF FRANCO BATTIATO
A long conversation with Franco Battiato, the recording of his album
Apriti sesamo, the performances and the behind the scenes of his
last tour, in a film that tells the stages of an extraordinary human life
dedicated to the pursuit of art and soul-searching.
“No one has ever made a movie about Franco Battiato that told his
long and multifaceted artistic and human path in a systematic way.
[…] Fans and connoisseurs wanting to study his art and its connections
to the musician’s biography should do so autonomously; they should
retrace the journey (still in full and tumultuous progress) of the
Sicilian artists, trying to understand that, as Battiato himself would say,
‘the whole is greater than the sum of its parts.’ This film is meant to
be more than just a documentary: it is aims to be a real feature, a
complete work that traces the steps of a career that started over fifty
years ago. A tribute to his artistic contributions, which unquestionably
represent one of the most significant pieces of the mosaic that is the
contemporary music scene.”
Giuseppe Pollicelli (Roma, Italia, 1974)
dal 2002 lavora come giornalista,
occupandosi di fumetti, illustrazione
e cinema d’animazione. Nel 2000 ha
pubblicato con Daniele Bevilacqua
Bonelli & dintorni e con Andrea
Materia Comicswood. Dizionario del
cinefumetto. Collabora con «Comic
Art», «Ciak», «Il Mucchio selvaggio»,
«Linea d’ombra» e il quotidiano
«Libero». Temporary Road è il suo
primo lavoro per il cinema.
Mario Tani (Bari, Italia, 1976),
laureatosi in cinema alla Sapienza di
Roma, dal 1990 dirige cortometraggi,
spot, videoclip e documentari, tra
i quali i premiati L’affaire, Un certain
regard (2006) e Le dernier combat
(2010). Tra i fondatori della casa di
produzione MAC Film, nel 2012 ha
prodotto il cortometraggio La stagione
dell’amore di Antonio Silvestre,
presentato al Festival di Roma.
Giuseppe Pollicelli (Rome, Italy, 1974)
has been working as a journalist since
2002, specialized in comics, illustration,
and animation. In 2000, he published
Bonelli & dintorni with Daniele
Bevilacqua, and Comicswood.
Dizionario del cinefumetto with
Andrea Materia. He has been
collaborating with “Comic Art,” “Ciak,”
“Il Mucchio selvaggio,” “Linea d’ombra,”
and the newspaper “Libero.” Temporary
Road is the first film he has worked on.
Mario Tani (Bari, Italy, 1976) studied
cinema at the Sapienza University of
Rome. In 1991, he started making short
films, commercials, music videos and
documentaries. His body of work
includes L’affaire, Un certain regard
(2006) and Le dernier combat (2010),
winning several prizes. He is one of the
founders of the production company
MAC Film; in 2012 he produced the
short La stagione dell’amore di Antonio
Silvestre, which was presented at this
year’s Rome Film Festival.
filmografia/filmography
Mario Tani:
Dies Irae (cm, 1998), L’anello di
Moebius (cm, 2000), The Buzz (cm,
2001), Rumori di città (cm, 2001),
L’affaire (cm, 2002), L’ospite (cm,
2003), Un certain regard (cm, 2006),
Emigranti (cm, 2008), Le dernier
combat (cm, 2010), Ad ogni danz
(cm, 2010), Donne in emigrazione
(cm, 2011).
Giuseppe Pollicelli, Mario Tani:
Temporary Road. (una) Vita di Franco
Battiato (doc., 2013).
39
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
chad hartigan
THIS IS MARTIN BONNER
CONTENTS
PREMIO CIPPUTI
Usa, 2013, HD, 83’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Chad Hartigan
fotografia/cinematography
Sean McElwee
montaggio/film editing
Julio C. Perez IV
scenografia, costumi/
production design,
costume design
Margaret Kaiser
musica/music
Keegan DeWitt
suono/sound
Andrew Scott Duncan
interpreti e personaggi/
cast and characters
Paul Eenhoorn
(Martin Bonner),
Richmond Arquett
(Travis Holloway),
Sam Buchanan (Diana),
Robert Longstreet
(Steve Helms),
Demetrius Grosse (Locy),
Tom Plunkett
(il supervisore/supervisor),
Christy Lighthouse
(l’oculista/optometrist),
Jef Derderian
(l’assistente oculista/
optometrist assistant),
Kristin Slaysman (April),
Jeff Pilliod (il banditore
d’asta/auctioneer)
produttore/producer
Cherie Saulter
produzione/production
600 West Productions
coproduttore/coproducer
Aaron Schnobrich
**
contatti/contacts
Chad Hartigan
[email protected]
QUESTO È MARTIN BONNER [T.L.]
I cinquant’anni sono l’età dei bilanci: è difficile non riflettere sul
passato e in certi casi darci un taglio per regalarsi una nuova vita.
È ciò che capita a Martin Bonner, capace di lasciarsi tutto alle
spalle (l’East Coast, i due figli ormai adulti) e di trasferirsi a Reno,
in Nevada, per lavorare in un centro che aiuta gli ex carcerati a
reinserirsi nella società. Qui conosce Travis, rilasciato dopo dodici
anni di prigione, e per quanto abbiano pochissimo in comune
Martin instaura con l’uomo una profonda amicizia.
«Molte delle situazioni in cui si trova il personaggio di Martin sono
ispirate a mio padre, che all’età di cinquantacinque anni si dovette
trasferire in una piccola città della Virginia per iniziare un nuovo
lavoro. Ricordo che mi chiedevo come avrebbe fatto a lavorare,
vista l’età, se davvero ci avrebbe provato e cosa avrebbe fatto tutto
il giorno. […] La sfida, allora, è diventata girare questo film e farlo
in un modo completamente svincolato dal mio giudizio di adulto
ancora giovane: volevo che nascesse attraverso il punto di vista
di Martin».
THIS IS MARTIN BONNER
When people turn fifty, it’s time to take stock of their life: it’s hard not
to reflect on the past and sometimes they make a break with the past
and start over. This is what happens to Martin Bonner, who leaves
everything behind (the East Coast, two grownup children) and moves
to Reno, Nevada, to work in a center that helps former inmates fit back
into society. He meets Travis, who was released after twelve years in
prison, and even though the two have very little in common, Martin
and Travis become good friends.
“A lot of the circumstances that the Martin character is in were inspired
by my dad. My dad had to move to a small town in Virginia at the age
of fifty-five to start a new job. I remember just wondering, how is he
going to make his work? He’s so old! Is he even going to try? What’s he
going to do all day? […] My challenge became making this movie and
having it be completely devoid of my young person’s judgmental
perspective. I wanted it to come from Martin’s perspective.”
40
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Chad Hartigan (Nicosia, Cipro)
è un regista e attore indipendente
nato da padre irlandese e da madre
americana. Dopo aver frequentato la
North Carolina School of the Arts, con
indirizzo cinema, nel 2006 ha
partecipato al film di Aaron Katz
Dance Party USA e nel 2008 ha scritto
e diretto il suo primo lungometraggio,
Luke and Brie Are on a First Date,
presentato al Hamptons International
Film Festival e alla base del remake
latinoamericano Luna en Leo (2013).
This Is Martin Bonner, suo secondo
film, è stato presentato in anteprima
al Sundance Film Festival, dove
ha vinto il premio del pubblico Best
of Next.
Chad Hartigan (Nicosia, Cyprus)
is an Irish, American independent
filmmaker and actor. After attending
the North Carolina School of the Arts,
School of Filmmaking, he wrote and
directed his first feature, Luke and Brie
Are on a First Date in 2008, which
premiered at the Hamptons
International Film Festival and went
on to spawn a Latin American remake
in 2013 called Luna en Leo. His second
feature, This Is Martin Bonner,
premiered at the 2013 Sundance
Film Festival where it won the
Audience Award for Best of NEXT.
filmografia/filmography
Luke and Brie Are on a First Date
(2008), This Is Martin Bonner (2013).
anurag kashyap
UGLY
CONTENTS
India, 2013, HD, 128’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Anurag Kashyap
fotografia/cinematography
Nikos Andritsakis
montaggio/film editing
Aarti Bajaj
scenografia/
production design
Mayur Sharma
costumi/costume design
Divya Gambhir,
Nidhi Gambhir
musica/music
Brian Mcomber
suono/sound
Mandar Kulkarni
interpreti/cast
Ronit Roy,
Rahul Bhat,
Tejaswini Kolhapure,
Vineet Kumar Singh,
Surveen Chawala,
Siddhant Kapoor,
Anshika Shrivastava
produttori/producers
Madhu Mantena,
Vikas Bahl,
Vikramaditya Motwane,
Arun Rangachari,
Vivek Rangachari
produzione/production
Phantom Films,
Dar Motion Pictures
coproduttori/coproducers
Vivek Agrawal,
Shahnaab Alam
**
contatti/contacts
Elle Driver
Angeline Nicolaï
Tel: +33 1 564 348 75
[email protected]
www.elledriver.eu
Anurag Kashyap (Gorakhpur, India,
1972) è un regista, produttore,
sceneggiatore e attore indiano.
I suoi film sono stati proiettati in
numerose rassegne internazionali,
tra cui il Festival di Locarno, dove è
stato in concorso con Black Friday
(2004), e il Festival di Cannes, dove
ha partecipato alla Quinzaine des
réalisateurs con Gangs of Wasseypur
(2012) e Ugly (2013), vincendo premi
e riconoscimenti.
BRUTTE PERSONE [T.L.]
Rahul è un attore che aspetta ancora la grande occasione.
Dal precedente matrimonio con Shalini, alcolista depressa
risposatasi con il potente commissario di polizia Bose, è nata la
piccola Kali. Bose, nonostante l’aria onesta e irreprensibile, è in
realtà un uomo autoritario e pericoloso, tanto per la moglie quanto
per i suoi nemici. La scomparsa di Kali, sparita nel nulla mentre
si trovava con il padre, scoperchia un vaso di Pandora in cui realtà
e menzogna, amore e cupidigia, convivono pericolosamente.
«Il film parla di quel periodo delle nostre vite in cui affrontiamo
una crisi e, guardandoci indietro, ci accorgiamo di come i nostri
sogni siano rimasti sulla carta. È allora che capiamo di essere
fragili e intrappolati in un sistema di valori stabilito. Finiamo per
trascurare le cose che ci circondano, specialmente in questi anni,
in cui non riusciamo nemmeno a staccare gli occhi dallo
smartphone e non ci interessiamo a quello che succede intorno
a noi. Pur avendo le sembianze di un thriller molto duro, il mio
è un film che parla di sentimenti. E lo fa in modo diretto».
UGLY
Rahul is an actor who is still waiting for his big break. He has a young
daughter, Kali, from his previous marriage to Shalini, a depressed
alcoholic whose second husband is the powerful police chief Bose.
Despite his honest and upstanding air, Bose is actually an authoritarian
and dangerous man, capable of mistreating his wife and his enemies.
Kali’s disappearance during a visit to her father opens up a Pandora’s
box in which reality and lies, and love and greed, make for a dangerous
combination.
“The film is about that time of life, when we face crisis and when we
look back, we realize, all our dreams remained unfulfilled. It is then
that we realize how fragile we are and how trapped we are among
moralities and other things. There are so many things around us which
we end to overlook, especially in today’s time when our eyes don’t shift
from our smartphones and we don’t even care to take interest what’s
going on just next to us. It’s a very emotional film in the garb of a very
strong thriller; and it’s a very ‘straight’ film.”
41
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Anurag Kashyap (Gorakhpur, India,
1972) is an Indian director, producer,
screenwriter and actor. His films have
been screened at many international
festivals, including the Locarno Film
Festival, where he competed with Black
Friday (2004), and the Cannes Film
Festival, where he participated at the
Quinzaine des réalisateurs with Gangs
of Wasseypur (2012) and Ugly (2013),
winning awards and recognitions.
filmografia/filmography
Last Train to Mahakali (tv, 1999),
Paanch (2003), Black Friday (2004),
No Smoking (2007), Return of
Hanuman (2007), Dev.D (2009),
Gulaal (2009), That Girl in Yellow
Boots (2010), Mumbay Cutting
(ep. Pramod Bai 23, 2011), Gangs
of Wasseypur (2012), Bombay Talkies
(2013), Ugly (2013).
nat faxon, jim rash
THE WAY WAY BACK
CONTENTS
Usa, 2013, 35mm, 103’, col.
regia, sceneggiatura/
directors, screenplay
Nat Faxon,
Jim Rash
fotografia/cinematography
John Bailey
montaggio/film editing
Tatiana S. Riegel
scenografia/
production design
Mark Ricker
costumi/costume design
Michelle Matland,
Ann Roth
musica/music
Rob Simonsen
interpreti e personaggi/
cast and characters
Liam James (Duncan),
Steve Carell (Trent),
AnnaSophia Robb
(Susanna),
Rob Corddry (Kip),
Amanda Peet (Joan),
Sam Rockwell (Owen),
Toni Collette (Pam),
Allison Janney (Betty),
Maya Rudolph (Caitlyn),
Jim Rash (Lewis),
Robert Capron (Kyle),
Nat Faxon (Roddy)
produttori/producers
Tom Rice,
Kevin J. Walsh
produzione/production
Sycamore Pictures,
The Walsh Company,
OddLot Entertainment
coproduttore/coproducer
Rebecca Rivo
coproduzione/coproduction
What Just Happened
Productions
distribuzione/distribution
20 Century Fox Italy
TH
**
contatti/contacts
20 Century Fox Italy
Tel: +39 06 881 759 655
Paolo Penza
TH
[email protected]
www.20thfox.it
42
C’ERA UNA VOLTA UN’ESTATE
Il quattordicenne Duncan è in vacanza a Cape Cod con la madre,
il suo nuovo fidanzato e la figlia di quest’ultimo. Trascurato
e introverso, Duncan trova conforto solamente nell’amicizia
con Owen, bizzarro manager di un parco acquatico che finisce
per assumerlo come suo assistente. Lontano dalla famiglia
e circondato da nuovi affetti, Duncan riesce finalmente ad
affrontare la vita con coraggio.
«Abbiamo la passione per i parchi acquatici e ci ha sempre
entusiasmato l’idea di crescere sulla East Coast e frequentare le sue
località di vacanza. Ma avevamo anche una mia storia personale:
[…] una conversazione avuta con il mio patrigno mentre, come ogni
anno in estate, la nostra station wagon ci portava in Michigan per
le vacanze. Probabilmente al secondo anno, lui mi ha chiesto dove
pensavo di situarmi in una scala da uno a dieci. Alla mia risposta
“sei”, sopra la media, ha obbiettato con un “tre” e mi ha impartito
una grande lezione di vita: “Eccoti un consiglio: esci di casa,
incontra persone nuove e approfitta dell’estate, non rimanere
appiccicato a me e a tua madre per tutto il tempo”». (J. Rash)
THE WAY WAY BACK
Fourteen-year-old Duncan is on a holyday in Cape Cod with his mother,
her new boyfriend, and the boyfriend’s daughter. Duncan is lonely and
shy, until he finds some comfort in Owen’s friendship. The eccentric
manager of a water park takes the boy under his wing and hires him as
his assistant. Away from his family and surrounded by his new friends,
Duncan finally manages to face life with courage.
“We had a fondness for water parks, and growing up on the East Coast
and destination vacations and all the things that come with that...
But then we had this personale story, [...] in which my stepfather and
I had a conversation in the station wagon on our way to our summer
vacations in Michigan. We’d go every year. In our second year maybe
going he had this conversation where he asked me what I thought
I was on a scale of one to ten, and I said ‘six,’ thinking ‘above average,’
and he said ‘three,’ and then went on to say this great lesson: ‘I’m
telling you to go out, and meet people and take advantage of your
summer, not stick around your mom and me all the time.’” (J. Rash)
F E S TA M O B I L E /
A MOVEABLE FEAST
Nat Faxon (1975) e Jim Rash (1970)
hanno recitato in numerose serie
televisive americane di successo,
tra cui My Name Is Earl, Mad Men,
La vita secondo Jim, CSI - Scena del
crimine, Friends, Will & Grace, That ’70s
Show, Community. Al cinema, tra i vari
titoli, hanno preso parte a film come
Minority Report (2002), S1m0ne
(2002) e Walk Hard - La storia di
Dewey Cox (2007). Come
sceneggiatori, dopo aver esordito
nel 2005 con il film per la tv Adopted,
hanno vinto, con Alexander Payne, un
Oscar per Paradiso amaro (2011), oltre
a ricevere una nomination ai Golden
Globes e ai Bafta Awards; il film è
stato inoltre presentato al 29° Torino
Film Festival. C’era una volta un’estate
segna il loro debutto come registi.
Nat Faxon (1975) and Jim Rash (1970)
acted in several popular American TV
series, appearing in My Name Is Earl,
Mad Men, Life According to Jim, CSI:
Crime Scene Investigation, Friends,
Will & Grace, That ’70s Show, and
Community. They also appeared in
many movies, like Minority Report
(2000), S1m0ne (2002), and Walk
Hard - The Dewey Cox Story (2007),
among others. The creative duo wrote
their first screenplay in 2005, the TV
movie Adopted. They received an
Oscar for best writing with Alexander
Payne for The Descendants (2011),
and nominations for the Golden Globes
and at the BAFTA Awards. The movie
was also presented in the 29 Torino
Film Festival. The Way Way Back marks
their debut as film directors.
TH
filmografia/filmography
The Way Way Back (C’era una volta
un’estate, 2013).
federico fellini
8½
CONTENTS
Il film viene proiettato nella versione restaurata
dal Centro sperimentale di cinematografia
e da Rti-Gruppo Mediaset/
The film will be screaning in a restored version
by Centro sperimentale di cinematografia
and Rti-Gruppo Mediaset
Italia/Italy, 1963, 35mm, 140’, bn/bw
regia/director
Federico Fellini
soggetto/story
Federico Fellini,
Ennio Flaiano
sceneggiatura/screenplay
Federico Fellini,
Tullio Pinelli,
Ennio Flaiano,
Brunello Rondi
fotografia/cinematography
Gianni Di Venanzo
montaggio/film editing
Leo Catozzo
scenografia, costumi/
production design,
costume design
Piero Gherardi
musica/music
Nino Rota
interpreti e personaggi/
cast and characters
Marcello Mastroianni
(Guido Anselmi),
Claudia Cardinale (Claudia),
Anouk Aimée (Luisa),
Sandra Milo (Carla),
Jean Rougeul (Carini,
il critico cinematografico/
film critic),
Rossella Falk (Rossella),
Mario Pisu (Mezzabotta),
Barbara Steele
(Gloria Morin),
Madeleine Lebeau (l’attrice
francese/French actress),
Eddra Gale (la Saraghina),
Guido Alberti
(Pace, il produttore/
producer)
produttore/producer
Angelo Rizzoli
produzione/production
Cineriz, Francinex
**
contatti/contacts
Centro sperimentale
di cinematografia
Cineteca nazionale
Laura Argento
Tel: +39 06 722 941
[email protected]
www.fondazionecsc.it
43
8½
Guido Anselmi è un celebre regista in crisi creativa. In cura presso
una stazione termale, cerca di lavorare invano al suo nuovo film.
Gli incontri con l’amante, la moglie, gli amici, un critico, la troupe
del film si mescolano ai suoi ricordi, alle fantasie, ai sogni. Guido
è però sempre più confuso e il produttore prende in mano la
situazione convocando una conferenza stampa che si rivela
inconcludente. L’incidente sembra far così definitivamente
naufragare un progetto che forse non è mai esistito, quando,
improvvisamente, Guido ritrova l’ispirazione.
«È un po’ difficile per me stabilire dove comincia e finisce il fatto
personale. È una distinzione che non mi interessa fare, che non
voglio fare e di cui non vedo nemmeno l’utilità. È evidente che
affrontando un tema come questo, io ritenessi che più il film è
autobiografico più diventa oggettivo. Il film era proprio questo:
una confessione sincera, pur se con quel tanto di trucco
nobilissimo che un uomo che si mette di fronte agli altri per
raccontare una cosa deve necessariamente mettere in opera
per poter comunicare».
8½
Guido Anselmi is a famous filmmakers suffering from a creative block.
Seeking refuge at a health spa, he struggles to work on his new movie,
but to no avail. His meetings with his lover, his wife, his friends, a film
critic, and his cast and crew blend with his memories, fantasies, and
dreams. Guido is getting increasingly lost, so his producer takes matters
in his own hands and convenes a press conference, which turns out to
be inconclusive. The project seems to fall through completely, when
Guido suddenly finds his inspiration.
“I find it a little bit difficult to establish where personal references start
and where they end. I’m not interested in making distinction between
fiction and reality, I don’t want to make it, and I don’t see the point in
it. It’s obvious that, in tackling a topic such as this, I believed that the
more autobiographical the movie was, the more objective it became.
That’s what the film was about: an honest confession, albeit with
a few noble gimmicks that a man standing in front of other people
to tell a story needs to employ in order to communicate.”
F E S TA M O B I L E
-
FEDERICO FELLINI/
A MOVEABLE FEAST
Federico Fellini (Rimini, 1920 - Roma,
1993) ha esordito come vignettista
sul «Marc’Aurelio», collaborando
in seguito come sceneggiatore
con registi quali Lattuada, Germi
e Rossellini. Il suo primo
lungometraggio, realizzato con
Alberto Lattuada nel 1950, è Luci del
varietà. Ha quindi diretto Lo sceicco
bianco, seguito dai Vitelloni, Leone
d’argento a Venezia. Nel 1957 ha vinto
il suo primo Oscar per il miglior film
straniero con La strada (1954), seguito
l’anno successivo da quello per Le
notti di Cabiria. Nel 1960 ha vinto con
La dolce vita la Palma d’oro a Cannes
e dieci anni dopo il suo terzo Oscar
con Amarcord. Con La voce della luna
(1990) ha firmato la sua ultima regia,
prima di ricevere nel 1993 l’Oscar alla
carriera.
Federico Fellini (Rimini, Italy, 1920 Rome, Italy, 1993) started off as a
cartoonist for “Marc’Aurelio,” and later
collaborated as a screenwriter for
Lattuada, Germi and Rossellini.
His first feature film, which he made
with Alberto Lattuada in 1950, was
Variety Lights; he then made The White
Sheik, followed by I vitelloni, which
won a Silver Lion in Venice. In 1957 he
won his first Oscar for best foreign film
with The Road (1954), and a second
one on the following year with Nights
of Cabiria. In 1960, he won Golden
Palm in Cannes with La dolce vita,
and ten years later the third Oscar with
Amarcord. The Voice of the Moon was
his final film, realized in 1990, before
receiving in 1993 an Oscar for lifetime
achievement.
filmografia essenziale/
essential filmography
Luci del varietà (coregia/codirector
Alberto Lattuada, 1950), Lo sceicco
bianco (1952), I vitelloni (1953), La
strada (1954), Il bidone (1955), Le notti
di Cabiria (1957), La dolce vita (1960),
8 1/2 (1963), Giulietta degli spiriti
(1965), Fellini - Satyricon (1969), Roma
(1972), Amarcord (1973), Il Casanova
di Federico Fellini (1976), Prova
d’orchestra (1978), La città delle donne
(1980), E la nave va (1983), Ginger e
Fred (1986), Intervista (1987), La voce
della luna (1990).
giancarlo scarchilli
ESSERE RICCARDO... E GLI ALTRI
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 60’, col.
regia, soggetto/
director, story
Giancarlo Scarchilli
fotografia/cinematography
Francesco Pennica
montaggio/film editing
Brunella Perrotta
musica/music
Pivio & Aldo De Scalzi
suono/sound
Gianluca Scarlata
interpreti/cast
Alessandro Gassmann,
Manrico Gammarota,
Paila Pavese,
Mauro Marino,
Sabrina Knaflitz,
Sergio Meogrossi,
Marco Cavicchioli,
Giacomo Rosselli,
Marta Richeldi,
Emanuele Basso
produttori/producers
Giancaro Scarchilli,
Massimo Spano
produzione/production
Michelangelo Film
distribuzione/distribution
Istituto Luce
**
contatti/contacts
Giancarlo Scarchilli
[email protected]
ESSERE RICCARDO... E GLI ALTRI
Il camerino sembra attendere l’ingresso dell’uomo e sapere in
anticipo cosa accadrà: i gesti consolidati del trucco, il ripasso di
uno dei monologhi dello spettacolo, il Riccardo III, i cui fantasmi
sembrano aleggiare nella stanza, mentre dai camerini attigui
giungono le voci degli attori che si preparano. L’uomo, regista
e attore, ne ripercorre la genesi, fino alla sera precedente, quella
della prova generale. Di colpo, una voce lo riporta al presente:
«Chi è di scena?» Il sipario si apre.
«A convincermi a realizzare un documentario sul lavoro di
Alessandro Gassmann è stata, come prima cosa, la sorpresa
provata ogni volta da spettatore di fronte al suo talento di regista
teatrale. Mi è sembrato doveroso e utile tentare di documentare
il lavoro di un’importante personalità dello spettacolo italiano
che, ancora oggi, molti considerano principalmente un attore.
Trovo che il suo vero grande talento, in teatro, sia proprio quello
di regista e direttore artistico, senza nulla togliere alla bravura
scenica e alla sensibilità d’interprete».
TO BE RICHARD... AND THE OTHERS [L.T.]
The dressing room seems to be waiting for the man to enter and to
know what is about to happen: the customary ritual of putting on
makeup, repeating one of the monologues of the show, Richard III,
whose ghosts seem to float in the room, as the voices of the other
actors can be heard in the dressing room next door as they prepare
for the performance. The man, who is the director of the mise-en-scène
and actor, retraces its genesis, all the way back to the evening before,
the dress rehearsal. All of a sudden, he is brought back to the present
by a voice: “Showtime!” The curtain goes up.
“What convinced me to make this documentary about the work of
Alessandro Gassmann was primarily my amazement as a spectator
every time I see how talented he is as a stage director. It struck me as
both proper and useful to try to document the work of an important
exponent of Italian theatre who, still today, is mainly considered an
actor. I think that his real talent, in theatre, is as a director and artistic
director, with all due respect for his talent onstage and the sensitivity
of his interpretation.”
44
F E S TA M O B I L E
-
NEL NOME DI RICCARDO III/
A MOVEABLE FEAST
Giancarlo Scarchilli (Roma, Italia,
1951), dopo una permanenza
a Londra dal 1974 al 1976 in cui ha
intensificato la scrittura di racconti
e poesie, è rientrato in Italia
diventando il collaboratore più stretto
di Sergio Citti e Vittorio Gassman,
con cui ha collaborato in diverse
produzioni cinematografiche e teatrali.
Nello stesso periodo ha diretto
documentari e pubblicità e nel 1997
ha esordito al cinema con Mi fai un
favore, cui è seguito I fobici (1999),
Scrivilo sui muri (2007) e Vittorio
racconta Gassman - Una vita da
mattatore, presentato alla 67° Mostra
di Venezia.
Giancarlo Scarchilli (Rome, Italy, 1951),
after living in London from 1974 to 1976,
during which period he concentrated on
writing short stories and poetry, returned
to Italy and became the closest
collaborator of Sergio Citti and Vittorio
Gassman, with whom he worked on
various movies and stage productions.
At the same time, he directed
documentaries and commercials and
debuted in film in 1997 with Mi fai
un favore, followed by I fobici (1999),
Scrivilo sui muri (2007) and Vittorio
racconta Gassman - Una vita da
mattatore, presented at the 67
Venice Film Festival.
TH
filmografia/filmography
Mi fai un favore (1997), I fobici (1999),
Scrivilo sui muri (2007), Vittorio
racconta Gassman - Una vita da
mattatore (doc., 2010), Essere
Riccardo... e gli altri (doc., 2013).
peter marcias
TUTTE LE STORIE DI PIERA
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, 35mm-video, 80’, bn/bw-col.
regia/director
Peter Marcias
soggetto, sceneggiatura/
story, screenplay
Peter Marcias,
Manuela Tempesta
fotografia/cinematography
Francesco Di Pierro
montaggio/film editing
Andrea Lotta
musica/music
Stefano Guzzetti
suono/sound
Davide Pesola
interpreti/cast
Piera Degli Esposti,
Lina Wertmüller,
Dacia Maraini,
Giuseppe Tornatore,
Paolo Taviani,
Vittorio Taviani,
Riccardo Milani,
Marco Bellocchio,
Nanni Moretti,
Paolo Sorrentino,
Laura Delli Colli
produttore/producer
Carlo Macchitella
produzione/production
Madeleine
coproduzione/coproduction
Studio Nobile Scarafoni
**
contatti/contacts
Peter Marcias
[email protected]
Premio
Maria Adriana Prolo
alla carriera 2013 a
Piera Degli Esposti/
Maria Andriana Prolo
Career Award 2013 to
Piera Degli Esposti
45
TUTTE LE STORIE DI PIERA
Piera Degli Esposti, una delle più grandi attrici italiane, qui con
i suoi ricordi, ricchi di spiritualità e passione, accanto alle
testimonianze di celebri cineasti. Ne emerge un racconto che
mette in luce la sua straordinaria personalità, gli amori e i sogni,
ma pure un trascorso familiare spesso drammatico: una carrellata
di volti e voci densa di emozioni, uniche e irripetibili. Come lei,
l’attrice e la donna.
«Raccontare una grande attrice è stato un compito arduo e al
tempo stesso molto stimolante. Nel caso di Piera Degli Esposti,
esempio di amore per la vita e per un lavoro difficile ma
appassionante come pochi, mi sono concentrato sull’obiettivo
di costruire uno strumento di studio per i nuovi attori, e più in
generale per le nuove generazioni».
ALL OF PIERA’S STORIES [L.T.]
Piera Degli Esposti, one of the greatest actresses in Italy, her memories
filled with spirituality and passion, and the interviews of famous
filmmakers, in a story that brings out her extraordinary personality,
her passions, her dreams, but also an often dramatic family
background. An array of faces and voices filled with emotions
as unique as the actress and the woman that she is.
“Making a film about a great actress was both a challenging and
extremely stimulating experience. Piera Degli Esposti’s story is an
example of love for life and for a demanding but exceptionally
rewarding job. So I decided to focus on the objective of building a sort
of guide for upcoming actors and for the new generations in general.”
F E S TA M O B I L E
-
PREMIO MARIA ADRIANA PROLO ALLA CARRIERA
A MOVEABLE FEAST
-
M A R I A A D R I A N A P R O L O C A R E E R AW A R D
2013
2013/
Peter Marcias (Oristano, Italia, 1977)
vive e lavora a Roma. Ha realizzato
documentari, spot e cortometraggi.
Nel 2006 ha partecipato al film
collettivo Bambini con l’episodio Sono
Alice, presentato in numerosi festival
internazionali. Successivamente ha
diretto la docufiction Ma la Spagna
non era cattolica? (2007), e il
documentario Liliana Cavani - Una
donna nel cinema (2010), presentato
alle giornate degli autori a Venezia
e candidato ai Nastri d’argento.
Per il cinema ha diretto tre film, il più
recente dei quali è Dimmi che destino
avrò (2012), presentato al 30° Torino
Film Festival.
Peter Marcias (Oristano, Italy, 1977)
lives and works in Rome. He directed
documentaries, commercials and shorts.
In 2006 directed Sono Alice, episode
of the collective project Bambini, which
partecipated in different international
film festivals. He then directed the
docu-fiction Ma la Spagna non era
cattolica? (2007), and the documentary
Liliana Cavani - Una donna nel cinema
(2010), presented at Venice Days and
nominated at the Nastri d’argento.
Of his three feature films, My Destiny
(2012) awarded at the 30 Torino Film
Festival.
TH
filmografia/filmography
La recita (cm, 2000), Il regalo (cm,
2001), L’alba (cm, 2002), Il canto delle
cicale (cm, 2004), Olivia (cm, 2003),
Ritorno a Serravalle (doc., 2003),
Antonio Romagnino (doc., 2004),
Bambini (coregia/codirectors Andrea
Burrafato, Alessio Maria Federici,
Michele Rho, ep. Sono Alice, 2006),
Ma la Spagna non era cattolica? (doc.,
2007), Un attimo sospesi (2008),
Liliana Cavani - Una donna nel cinema
(doc., 2010), I bambini della sua vita
(2011), Dimmi che destino avrò (2012),
Tutte le storie di Piera (doc., 2013).
paolo mitton
THE REPAIRMAN
CONTENTS
Italia-Regno Unito/Italy-UK, 2013, HD, 89’, col.
regia/director
Paolo Mitton
sceneggiatura/screenplay
Paolo Mitton,
Francesco Scarrone
fotografia/cinematography
David Rom
montaggio/film editing
Enrico Giovannone,
Matteo Paolini
scenografia/
production design
Francesco Boerio
costumi/costume design
Anna Filosa
musica/music
Alan Brunetta,
Ricky Mantoan
suono/sound
Mirko Guerra
interpreti e personaggi/
cast and characters
Daniele Savoca
(Scanio Libertetti),
Hannah Croft (Helena),
Paolo Giangrasso,
Fabio Marchisio,
Irene Ivaldi,
Francesca Porrini,
Elena Griseri,
Alessandro Federico,
Lorenzo Bartoli,
Beppe Rosso,
Anna Bonasso
produzione/production
Aida Productions,
Seven Stills Pictures
coproduzione/coproduction
FIP - Film
Investimenti Piemonte,
Acting Out Creative Studio
**
contatti/contacts
Aida Productions
Filippo Margiara
[email protected]
THE REPAIRMAN
Scanio Libertetti, ingegnere mancato che si guadagna da vivere
riparando macchine da caffè, segue un corso di recupero punti in
un’autoscuola di provincia. Tra amici ormai realizzati che non
perdono occasione per criticarlo, lo squillo insistente di un vecchio
telefono e lo zio panettiere che lo incoraggia a valorizzare le sue
doti, Scanio si muove in equilibrio precario fra le contraddizioni del
mondo moderno. Solo Helena, giovane inglese trasferitasi in Italia
per lavorare come esperta di risorse umane, sembra in grado di
capirlo e rassicurarlo. Almeno per un po’.
«Sono sempre stato affascinato dalle relazioni umane e dalla
loro imperfezione. Per questo ho scelto come protagonista di
The Repairman Scanio, un personaggio talmente fuori luogo
rispetto al mondo che lo circonda da generare imperfezioni in ogni
sua relazione. Perché è un personaggio antico in un mondo che
non ha voluto aspettarlo; perché di mestiere ripara, in un mondo
che le cose rotte preferisce sostituirle con un modello più recente».
THE REPAIRMAN
Scanio Libertetti, a would-be engineer, earns his living as a coffee
machine repairman and is taking a remedial course at a suburban
driving school to regain the points lost off his driver’s license. Scanio
teeters through the contradictions of the modern world, as his successful
friends criticize him relentlessly, his old cell phone rings non-stop, and
his uncle the baker encourages him to make the most of his talents.
Only Helena, a young English woman who has moved to Italy to work
as a human resources expert, seems able to understand and reassure
him. At least for a while.
“I have always been fascinated by human relationships and their
imperfections. This is why I chose Scanio as the protagonist of
The Repairman. He is so completely out of touch with his surrounding
world that he creates problems in every relationship he has. Because
he is an old-fashioned person in a world that didn’t want to wait for
him; because his job is to repair things, in a world that prefers to
replace broken things with a newest model.”
46
F E S TA M O B I L E
-
PROIEZIONE SPECIALE/
A MOVEABLE FEAST
-
SPECIAL SCREENING
Paolo Mitton è nato e cresciuto in
Italia, dove ha studiato ingegneria.
Trasferitosi all’età di ventun anni in
Belgio e poi a Parigi, per lavorare
presso una società di
telecomunicazioni, si è avvicinato al
cinema frequentando le sale d’essai
della capitale francese. Dopo due anni
in Spagna, dove ha partecipato a brevi
corsi di cinema e realizzato i primi
cortometraggi, si è stabilito
definitivamente a Londra, dove si
è occupato di montaggio ed effetti
speciali, lavorando alla
postproduzione di film come Troy
(2004), Harry Potter e il prigioniero
di Azkaban (2004) e La fabbrica di
cioccolato (2005). Nel frattempo ha
continuato a scrivere finché è nato
The Repairman, il suo primo
lungometraggio.
Paolo Mitton was born and raised
in Italy, where he studied engineering.
At twenty-one years of age, he moved
to Belgium and then to Paris, where
he worked for a telecommunications
company and began to frequent art
house cinemas. After spending two years
in Spain, where he attended brief film
courses and made his first shorts, he
moved permanently to London, where
he works as a film editor and in special
effects. He has worked on the
postproduction of movies such as Troy
(2004), Harry Potter and the Prisoner
of Azkaban (2004) and Charlie and the
Chocolate Factory (2005). In the
meantime, he continued to write, until
his first feature film, The Repairman,
was created.
filmografia/filmography
Bludimary (cm, 2001), Vita da
pendolare (cm, 2005), Mezze note
(cm, 2005), The Repairman (2013).
CONTENTS
Frances Ha (2012) di Noah Baumbach
Europop
CONTENTS
DI/BY PAOLO VIRZÌ
La mossa del pinguino (2013) di Claudio Amendola
Quali sono i film che in Europa attraggono
gli spettatori tanto da diventare fenomeni di
consumo popolare, e dunque in qualche modo
dicono qualcosa di profondo sullo spirito del
loro Paese? Di cosa ridono gli spettatori francesi,
cosa fa venire i brividi a quelli della Polonia e
cos’è che fa emozionare e commuovere gli
svedesi? Ecco a voi Europop, una sezione nuova
nuova del Festival, nella quale potrà capitare di
imbattersi in film di grande intrattenimento, che
a volte sono colpevolmente ignorati dai festival
o magari sono destinati a venire celebrati solo
in forma postuma, nelle retrospettive dove si
rimpiangono i bei film di una volta che facevano
ridere, piangere o morire di paura. Credo che
questa passeggiata tra le vette del box office
europeo possa essere molto istruttiva, una
specie di vivace reportage sui divertimenti
di massa di Paesi appartenenti allo stesso
continente, per molti versi destinati a
influenzarsi reciprocamente, ma spesso
incapaci, per misteriosi motivi legati ai
meccanismi della distribuzione, di esportare
al di là dai propri confini prodotti nazionali
di straordinario impatto sul proprio pubblico.
Si tratterà comunque di un’esperienza che non
potrà per definizione risultare noiosa, ma per
la quale, anzi, viene da garantire che sarà un
successo.
Aggiungo che è con piacere che abbiamo chiesto
a un eroe del cinema popolare italiano come
Claudio Amendola, al suo debutto come regista
con un film ovviamente ancora inedito nelle sale,
di chiudere in gloria la breve ma significativa
selezione di quest’anno.
48
F E S TA M O B I L E
-
EUROPOP/
A MOVEABLE FEAST
-
EUROPOP
Which European films attract so many spectators
that they become phenomena of popular
consumption and, thus, say something profound
about the spirit of their homeland? What makes
French audiences laugh; what gives the shivers
to viewers in Poland; and what is it that touches
and moves Swedish? Let me present Europop, a
brand new section of the Festival, in which viewers
will run into very entertaining movies that are
sometimes wrongly ignored by festivals or maybe
are destined to only become famous posthumously,
in retrospectives mourning the great movies of time
gone by, which moved their audiences to laughter
or tears, or scared them to death. I think this stroll
through the highpoints of European box office takes
might prove to be very educational, a sort of lively
investigation of the mass entertainment of countries
that belong to the same continent and are destined
to influence each other under many aspects, but
often – for mysterious reasons tied to their
distribution mechanisms – are unable to export
domestic products which have had an extraordinary
impact on their own audiences. Thus, by definition,
this experience will not be boring and is, on the
contrary, guaranteed to be a success.
Let me add that with great pleasure we asked
a hero of Italian popular cinema, Claudio
Amendola, in his directing debut of a film that
has obviously yet to be released in our cinemas,
to provide the glorious finale to this year’s short
but significant selection.
philippe le guay
ALCESTE À BICYCLETTE
CONTENTS
Francia/France, 2013, HD, 104’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Philippe Le Guay
soggetto/story
Fabrice Luchini,
Philippe Le Guay
fotografia/cinematography
Jean-Claude Larrieu
montaggio/film editing
Monica Coleman
scenografia/
production design
Françoise Dupertuis
costumi/costume design
Elisabeth Tavernier
musica/music
Jorge Arriagada
suono/sound
Laurent Poirier,
Vincent Guillon
interpreti e personaggi/
cast and characters
Fabrice Luchini
(Serge Tanneur), Lambert
Wilson (Gauthier Valence),
Maya Sansa (Francesca),
Laurie Bordesoules (Zoé),
Camille Japy (Christine),
Annie Mercier (Tamara),
Ged Marlon (Meynard),
Stéphan Wojtowicz
(il tassista/taxi driver),
Christine Murillo
(Mrs Françon),
Josiane Stoléru
(Raphaëlle La Puisaye),
Édith Le Merdy
(Mrs Bichet)
produttore/producer
Anne-Dominique Toussaint
coproduzione/coproduction
Les Films des Tournelles,
Pathé, Appaloosa
Développement,
France 2 Cinéma
distribuzione/distribution
Teodora Film
**
contatti/contacts
Teodora Film
Margherita Chiti
Tel: +39 335 798 73 69
[email protected]
www.teodoracinema.blogspot.it
49
MOLIÈRE IN BICICLETTA
Il celebre attore teatrale Serge Tanneur, ritiratosi dalle scene,
conduce una vita solitaria sull’Île de Ré, godendo di lunghe
passeggiate in bicicletta. Quando arriva la richiesta del collega
Gauthier Valence di interpretare Alceste nel Misantropo, Serge si
trova di fronte a una difficile decisione: da una parte non vorrebbe
tornare sui suoi passi, ma dall’altra sente che la solitudine lo ha
reso molto simile al personaggio di Molière. Le prove intanto
hanno inizio sull’isola…
«È vero che c’è una componente minimalista: due attori che
provano la prima scena del Misantropo per quasi tutto il tempo!
Ma più che la storia, sono i personaggi a creare l’identità del film,
e a me piace prendermi del tempo per dar loro sostanza e
contraddizioni. […] Ci sono otto prove e ognuna è una scommessa:
abbiamo dovuto trovare ogni volta una messa in scena diversa per
valorizzarle. Ho pensato molto ai duelli in Barry Lindon o a quelli
in Scaramouche, il magnifico film di George Sidney, dove in ogni
combattimento il vantaggio tra i contendenti passa di mano».
CYCLING WITH MOLIERE
After retiring from the stage, the famous actor Serge Tanneur lives
a solitary life on the Île de Ré, enjoying long bike rides. But when
his colleague Gauthier Valence asks him to play Alceste in The
Misanthrope, Serge is faced with a difficult decision. On the one hand,
he’d like to go back to his former acting days, but on the other hand,
he feels that the solitude has made him very similar to Molière’s
character. In the meantime, rehearsals have begun on the island…
“It’s true that there is a minimalist component: two actors rehearsing
the first scene of The Misanthrope for almost the entire time! But the
film’s identity is created by the characters more than by the story, and
I like to take my time to give them substance and contradictions. […]
There are eight rehearsals and every one is a gamble: each time,
we had to find a different mise-en-scène to make the most of them.
I thought a lot about the duels in Barry Lindon, or of those in
Scaramouche, the magnificent movie by George Sidney, in which the
advantage between the two opponents changed hands each time.”
F E S TA M O B I L E
-
EUROPOP/
A MOVEABLE FEAST
-
EUROPOP
Philippe Le Guay (Parigi, Francia,
1956), dopo gli studi all’Institut des
hautes études cinématographiques,
è stato docente di cinema a La Fémis
e nel 1989 ha diretto il suo primo
lungometraggio, Les deux Fragonard.
Sceneggiatore e attore, oltre che
regista, ha poi lavorato alla scrittura
di film per la televisione, mentre per
il cinema ha realizzato nel 1995 il suo
secondo lungometraggio, L’année
Juliette. Il film ha avviato la
collaborazione con l’attore Fabrice
Luchini, protagonista dei successivi
Il costo della vita (2003) e Le donne
del 6° piano (2011), presentato in
concorso a Berlino e premiato con
un César per la miglior attrice non
protagonista a Carmen Maura.
Philippe Le Guay (Paris, France, 1956),
after completing his studies at the
Institut des hautes études
cinématographiques, began teaching
film La Fémis. He directed his first
feature film, Les deux Fragonard, in
1989. A screenwriter, actor and director,
he next wrote screenplays for TV movies,
and in 1995 he made his second feature
film, L’année Juliette. This film also
marked the beginning of his
collaboration with the actor Fabrice
Luchini, who starred in his next movies,
The Cost of Living (2003) and The
Women on the Sixth Floor (2011),
which competed in Berlin and for which
Carmen Maura won a César as best
supporting actress.
filmografia/filmography
Le clou (cm, 1984), Les deux Fragonard
(1989), Urgence d’aimer (tv, 1992),
Rhésus Roméo (tv, 1993), L’année
Juliette (1995), Trois huit (2001),
Le coût de la vie (Il costo della vita,
2003), Du jour au lendemain (2006),
Les femmes du 6 étage (Le donne
del 6° piano, 2010), V comme Vian
(tv, 2011), Alceste à bicyclette
(Molière in bicicletta, 2013).
ÈME
wojciech smarzowski
DROGÓWKA
CONTENTS
TRAFFIC DEPARTMENT
Polonia/Poland, 2013, HD, 117’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Wojciech Smarzowski
fotografia/cinematography
Piotr Sobocinski Jr
montaggio/film editing
Pawel Laskowski
scenografia/
production design
Joanna Macha
costumi/costume design
Katarzyna Lewinska
musica/music
Mikolaj Trzaska
suono/sound
Katarzyna Dzida-Hamela,
Jacek Hamela
interpreti e personaggi/
cast and characters
Bartlomiej Topa (Krol),
Arkadiusz Jakubik (Petrycki),
Julia Kijowska (Madecka),
Eryk Lubos (Banas),
Robert Wabich (Hawryluk),
Marcin Dorociński
(Lisowski),
Jacek Braciak (Trybus),
Marian Dziędziel (Golab),
Izabela Kuna (Ewa),
Agata Kulesza (Jadzia),
Maciej Stuhr (Zareba),
Adam Woronowicz
(pubblico ministero/
prosecutor Czech)
produttori/producers
Dariusz Pietrykowski,
Andrzej Połeć,
Feliks Pastusiak
produzione/production
Film It
coproduzione/coproduction
Agora S.A.,
Telekomunikacja Polska,
Canal + Polska
**
contatti/contacts
Film It
Feliks Pastusiak
Tel: +48 22 853 86 68
[email protected]
www.filmit.com.pl
50
POLIZIA MUNICIPALE [T.L.]
La morte violenta di un agente della polizia municipale di Varsavia
sconvolge la vita di sei suoi colleghi, tutti legati da un forte
affiatamento professionale e da una grande amicizia che ha come
collanti l’alcol e le corse su auto truccate. Il principale indiziato
è il sergente Krol, che ha un grosso debito nei confronti del morto
ed è marito della sua amante. In fuga per evitare l’arresto, Krol
è costretto a dimostrare la sua innocenza. Le sue indagini
scoperchieranno un vaso di Pandora fatto di corruzione,
comportamenti illeciti e malversazioni da parte delle alte sfere
di polizia e dei politici locali.
«A tutti coloro che hanno la patente, a coloro che non ce l’hanno
ancora o che se la sono vista revocare dai vigili urbani; ai
passeggeri che siedono davanti o dietro, sia sobri che ubriachi;
ai pedoni e ai ciclisti; a coloro che hanno ricevuto, ricevono o non
hanno mai ricevuto un passaggio; a coloro che hanno offerto,
solitamente offrono o non hanno mai offerto un passaggio: questo
film è dedicato a tutti voi».
TRAFFIC DEPARTMENT
The violent death of a municipal cop in Warsaw upsets the lives of six
of his colleagues, who are united by a great professional team spirit
and a strong friendship, cemented by drinking and hot-rod races.
The primary suspect is Sergeant Krol, who owes the deceased a lot of
money and who is also married to the man’s lover. Krol flees to avoid
arrest and is forced to prove his innocence. His investigation opens up
a Pandora’s box of corruption, illegal activities and embezzlement in
the upper echelons of the police department and local politics.
“To all those who have driving licenses, and those who don’t have them
yet, or those who already have them suspended by the traffic police;
to front-seat and back-seat passengers – sober or drunk ; to pedestrians
and bikers; to those who once took or take, or never will take, and to
those who offered, offer, or never will, to all of you I dedicate this film.”
F E S TA M O B I L E
-
EUROPOP/
A MOVEABLE FEAST
-
EUROPOP
Wojciech Smarzowski (Korczyna,
Polonia, 1963) ha studiato fotografia
presso la Scuola di cinema di Łódź
per lavorare poi in ambito musicale
e televisivo, dirigendo videoclip e serie
tv. Ha esordito nel lungometraggio
come regista e sceneggiatore con il
film per la tv Malżowina (1998), a cui
hanno fatto seguito fra gli altri Wesele
(2004), vincitore al Festival di Locarno
del premio della giuria dei giovani,
e The Dark House (2009), thriller
ambientato nel passato comunista
della Polonia. Attualmente sta
ultimando la lavorazione al film
Anioł (2013).
Wojciech Smarzowski (Korczyna,
Poland, 1963) studied photography at
the Film School in Łódź, after which he
worked in the world of music and
television, directing video clips and
TV series. He debuted in feature films
as a director and screenwriter with the
made-for-TV movie Malżowina (1998),
which was followed by films such as
Wesele (2004), which won the Youth
Jury Prize at the Locarno International
Film Festival, and The Dark House
(2009), a thriller set in Poland’s
communist past. He is now completing
the production of the film Anioł (2013).
filmografia/filmography
Malżowina (tv, 1998), Na Wspólnej
(tv, 2003), Wesele (2004), Dom Zły
(The Dark House, 2009), Róża (2011),
Drogówka (Traffic Department, 2013).
per fly
MONICA Z
CONTENTS
Svezia-Danimarca/Sweden-Denmark, 2013, HD, 111’, col.
regia/director
Per Fly
sceneggiatura/screenplay
Peter Birro
fotografia/cinematography
Eric Kress
montaggio/film editing
Åsa Mossberg
scenografia/
production design
Josefin Åsberg
costumi/costume design
Kicki Ilander
musica/music
Peter Nordahl
suono/sound
Hans Møller
interpreti e personaggi/
cast and characters
Edda Magnason
(Monica Zetterlund),
Sverrir Gudnason
(Sture Åkerberg),
Kjell Bergqvist (Bengt)
produttore/producer
Lena Rehnberg
produzione/production
Stellanova Film
coproduzione/coproduction
Film i Väst AB,
Sveriges Television AB,
Eyeworks Fine & Mellow,
AB Svensk Filmindustri,
Danmarks Radio TV
**
contatti/contacts
Svenska Filminstitutet
Gunnar Almér
Tel: +46 866 511 41
[email protected]
www.sfi.se
Per Fly (Danimarca, 1960) esordisce
con il cortometraggio Kalder Katrine
(1994), e dopo aver diretto alcune
serie per la televisione danese e il film
d’animazione Prop og Berta (2000)
torna al cinema con il lungometraggio
La panchina (2000), primo film della
cosiddetta «trilogia delle classi», in
cui sono analizzate le divisioni sociali
all’alba del terzo millennio; gli altri
due tasselli del progetto sono L’eredità
(2003) e Gli innocenti (2005),
quest’ultimo premiato in diversi
festival internazionali. Nel 2007 ha
diretto i sei episodi della serie tv
Forestillinger.
MONICA Z
Monica è una ragazza della provincia svedese che sogna
l’atmosfera elettrica dei jazz club di città. Decisa a inseguire i suoi
sogni, diviene una nota cantante e attrice, amata e celebrata dagli
artisti e bohemien che la circondano. Ma il prezzo della fama per
lei, al contempo sofisticata e ingenua, è alto: lasciatasi alle spalle
una lunga sequela di amori finiti male e di promesse non
mantenute, si sente sempre più isolata. E niente è più doloroso
di trovarsi al mattino sola e con un cocktail in mano. Ispirato
a una storia vera.
«Da bambino ho visto delle foto di Monica Zetterlund; era così
sensuale e il suo modo di cantare così affascinante. La ricordavo
come una persona che aveva una grandissima voglia di vivere,
dotata di una volontà molto forte, in grado di far fare agli uomini
qualsiasi cosa volesse. Sapevo che morì sola e in modo tragico,
nell’incendio che distrusse il suo appartamento a Stoccolma.
Tra queste due personalità pensavo ci fosse un enorme dilemma.
Ho cercato di descrivere la sua vita come una grande avventura,
ma anche una grande tragedia».
WALTZ FOR MONICA
Monica is a Swedish country girl who dreams of the electric
atmosphere of city jazz clubs. Determined to follow her dreams,
she becomes a well-known singer and actress, loved and feted by
the artists and bohemians who surround her. But the girl is both
sophisticated and naïve and the price she has to pay for her fame is
high. She feels increasingly isolated after a long series of love stories
that ended badly and promises that weren’t kept. And nothing is more
painful than waking up alone in the morning with a cocktail in hand.
Based on a true story.
“As a young child, I had seen pictures of her [Monica Zetterlund]; she
was so sexy and her singing was so beautiful. I remembered her as a
person who had a huge appetite for life. She was very strong-willed,
talented and took men when she wanted. I knew that at the end she
had tragically died alone in the fire of her Stockholm apartment.
Between those two characters I thought there must be a big dilemma.
I wanted to show that her life was one big adventure but also a big
tragedy.”
51
F E S TA M O B I L E
-
EUROPOP/
A MOVEABLE FEAST
-
EUROPOP
Per Fly (Denmark, 1960) debuted with
the short Kalder Katrine (1994) and
after directing a few series for Danish TV
and the animated film Prop og Berta
(2000) returned to cinema with the
feature-length The Bench (2000), the
first movie of the so-called “class trilogy”
which analyzes social divisions at the
dawn of the third millennium. The other
two movies of the project are The
Inheritance (2003) and Manslaughter
(2005); this latter film received awards
at various international festivals. In 2007
he directed the six episodes of the TV
series Forestillinger.
filmografia/filmography
Kalder Katrine (cm, 1994), Tv-Ansjosen
(tv, 1995), Så du ansjosen (1995), Chock
4 - Liftarflickan (tv, 1997), Texa (tv,
1997), Bænken (La panchina, 2000),
Prop og Berta (2000), Arven (L’eredità,
2003), Drabet (Gli innocenti, 2005),
Forestillinger (tv, 2007), The Woman
Who Dreamed About a Man (2010),
Monica Z (2013).
claudio amendola
LA MOSSA DEL PINGUINO
CONTENTS
PREMIO CIPPUTI
Italia/Italy, 2013, 35mm, 94’, col.
regia/director
Claudio Amendola
soggetto/story
Michele Alberico,
Giulio Di Martino,
Andrea Natella
sceneggiatura/screenplay
Claudio Amendola,
Edoardo Leo,
Michele Alberico,
Giulio Di Martino
fotografia/cinematography
Antonio Grambone
montaggio/film editing
Alessio Doglione
scenografia/
production design
Roberto De Angelis
costumi/costume design
Antonella Cannarozzi
musica/music
Giorgio H. Federici
suono/sound
Maurizio Miani
interpreti e personaggi/
cast and characters
Edoardo Leo (Bruno),
Ricky Memphis (Salvatore),
Ennio Fantastichini
(Ottavio),
Antonello Fassari (Neno),
Francesca Inaudi (Eva),
Sergio Fiorentini
(il padre di Salvatore/
Salvatore’s father),
Rita Savagnone
(la direttrice del museo/
museum manager),
Emanuele Propizio (Fabio)
produttori/producers
Guido De Angelis,
Nicola De Angelis,
Marco De Angelis
produzione/production
DAP Italy
**
contatti/contacts
Videa
Angelica Canevari
Tel: +39 06 331 851
[email protected]
www.videa-cde.it
52
LA MOSSA DEL PINGUINO
Bruno, trentenne romano con moglie e figlio piccolo, non ha
ancora trovato una direzione nella vita. Dopo l’ennesimo
fallimento, che gli è costato gran parte dei suoi risparmi, ha
un’intuizione tanto folle quanto coraggiosa: scoperto il curling,
sport invernale poco conosciuto, decide di fondare una squadra
per partecipare alle selezioni per le Olimpiadi invernali di Torino
2006. Nascono così i Pinguini d’assalto, un’Armata Brancaleone
pronta a farsi strada, tra mille difficoltà e situazioni improbabili,
verso il podio. Ce la faranno?
«Ho subito intuito i numerosi spunti da commedia che questa
storia poteva offrire, ma al tempo stesso anche la possibilità
di toccare corde più amare. L’idea è quella di coinvolgere lo
spettatore dal punto di vista emotivo attraverso tutto quello
he lo sport, e ancor più lo spirito di squadra, rappresenta.
Ma anche di raccontare la vita di quattro personaggi molto
rappresentativi della nostra società».
THE MOVE OF THE PENGUIN [L.T.]
Bruno is a thirty-year-old man from Rome with a wife and an infant
son. But he still hasn’t found his path in life. After his latest failure,
which cost him most of his savings, he has an outlandish and bold
intuition: he discovers the little-known winter sport of curling and
decides to start a team to participate to the selections for the 2006
Turin Winter Olympics. And so it begins, the march of the Assault
Penguins, a rag tag team ready to fight its way through a plethora
of obstacles and improbable situations all the way to the podium.
Will these underdogs make it?
“I immediately sensed the story’s comedic potential, but at the same
time I also wanted to touch upon some of its more dramatic chords.
The idea was to get the viewers emotionally involved with everything
that sport and team spirit represent. But we also wanted to tell the
stories of four characters very similar to people in our society.”
F E S TA M O B I L E
-
EUROPOP/
A MOVEABLE FEAST
-
EUROPOP
Claudio Amendola (Roma, Italia,
1963), attore, doppiatore, produttore
e regista, al cinema ha recitato, tra i
molti titoli della sua carriera, in Mery
per sempre (1986) di Marco Risi,
Ultrà (1989) di Ricky Tognazzi,
Un’altra vita (1992) di Carlo
Mazzacurati, per cui ha vinto il David
di Donatello, La scorta (1993) di Ricky
Tognazzi, Pasolini, un delitto italiano
(1995) di Marco Tullio Giordana,
Il partigiano Johnny (2000) di Guido
Chiesa e Caterina va in città (2003) di
Paolo Virzì. In televisione ha ottenuto
un grande successo con la popolare
serie I Cesaroni. La mossa del pinguino
segna il suo debutto nella regia.
Claudio Amendola (Rome, Italy, 1963)
is an actor, dubber, producer, and now
film director too. He has played parts
in many movies throughout his career,
including among others Mary Forever
by Marco Risi (1988), Ultrà by Ricky
Tognazzi (1989), Another Life by
Carlo Mazzacurati (1992), which earned
Amendola a David di Donatello, The
Bodyguards by Ricky Tognazzi (1993),
Pasolini, an Italian Crime by Marco
Tullio Giordana (1995), Johnny the
Partisan by Guido Chiesa (2000), and
Caterina in the Big City by Paolo Virzì
(2003). He achieved great success in
television with the popular TV series
I Cesaroni. La mossa del pinguino
marks his debut behind the camera.
filmografia/filmography
La mossa del pinguino (2013).
john butler
THE STAG
CONTENTS
Irlanda/Ireland, 2013, HD, 94’, col.
regia/director
John Butler
sceneggiatura/screenplay
John Butler,
Peter McDonald
fotografia/cinematography
Peter Robertson
montaggio/film editing
John O’Connor
scenografia/
production design
Ferdia Murphy
costumi/costume design
Kathy Strachan
musica/music
Stephen Rennicks,
Hugh Drumm,
Sponge Music
suono/sound
Hugh Fox
interpreti e personaggi/
cast and characters
Andrew Scott (Davin),
Hugh O’Conor (Fionnan),
Peter McDonald
(«the Machine»),
Brian Gleeson (Simon),
Andrew Bennett
(Large Kevin),
Michael Legge
(Little Kevin),
Amy Huberman (Ruth)
produttori/producers
Rebecca O’Flanagan,
Robert Walpole
produzione/production
Treasure Entertainment
coproduttori/coproducers
Claire McCaughley,
Cathleen Dore,
Peter McDonald
**
contatti/contacts
Metro Films
Natalie Brenner
[email protected]
53
John Butler (Dublino, Irlanda), regista
e scrittore, ha diretto spot pubblicitari
e documentari, prima di realizzare
con Rory Bresnihan il cortometraggio
George, in concorso agli Irish Film
and Television Awards nel 2005,
premio vinto nel 2011 per la regia
della serie televisiva Your Bad Self.
Lo stesso anno è stato pubblicato
dalla casa editrice Picador il suo
romanzo d’esordio, The Tenderloin,
candidato all’Irish Book Awards. The
Stag è il suo primo lungometraggio
di finzione.
ADDIO AL CELIBATO [T.L.]
Molto concentrato sull’organizzazione del proprio matrimonio,
Fionnan avrebbe fatto a meno del classico addio al celibato.
Ma la fidanzata Ruth ha insistito e così, insieme agli amici di
sempre, Fionnan si prepara a passare un rilassante fine settimana
nella natura irlandese. O almeno queste sono le intenzioni del
gruppo, che non prevedevano la presenza del fratello di Ruth,
conosciuto da tutti come «the Machine», la macchina, un
ragazzone rozzo, naïf e allenatissimo, che trasforma
il weekend in un’avventura decisamente indimenticabile.
«Che cosa significa essere un uomo? Che cos’è la mascolinità
e quali caratteristiche maschili sono oggi positive? Volevo fare
una commedia che fosse divertente, ma che affrontasse questi
concetti in modo veritiero. I registi che esplorano temi di grande
portata in modo aderente alla realtà, ma anche dolorosamente
divertente, come ad esempio Alexander Payne, sono per me fonte
d’ispirazione. Penso a un film come Sideways, o ad altri studi sui
maschi e le loro debolezze come Swingers e A cena con gli amici».
THE STAG
Fionnan is busy organizing his own wedding, but he would rather do
without the usual stag party. However, his fiancée Ruth insists and so
Fionnan and his long-time friends get ready to spend a relaxing
weekend in the Irish countryside. Or at least that is the plan, which
does not include the presence of Ruth’s brother, known by all as “the
Machine,” a rough, naïf and very athletic guy. He will transform the
weekend into a decidedly unforgettable adventure.
“What does it mean to be a man? What is ‘masculinity,’ and, in 2013,
which masculine characteristics are positive? My aim was to make a
comedy which was funny, but which also addressed these concerns in a
way that was truthful. I’m inspired by filmmakers like Alexander Payne,
who explore big issues in a truthful and also achingly funny way, and
films like Sideways as well as other studies of men and their foibles like
Swingers and Diner were an inspiration.”
F E S TA M O B I L E
-
EUROPOP/
A MOVEABLE FEAST
-
EUROPOP
John Butler (Dublin, Ireland), director
and writer, directed commercials and
documentaries before collaborating with
Rory Bresnihan on the short George,
which was nominated for the Irish Film
and Television Awards in 2005. He won
this award in 2011 for directing the TV
series Your Bad Self. That same year the
publishing house Picador published his
debut novel The Tenderloin, nominated
for the Irish Book Awards. The Stag is
his first feature-length fiction film.
filmografia/filmography
The Million Dollar Deal (doc., tv,
1999), George (coregia/codirector Rory
Bresnihan, cm, 2005), The Ballad of
Kid Kanturk (cm, 2009), Your Bad Self
(ep. 1-6, tv, 2010), Immaturity for
Charity (tv, 2012), The Stag (2013).
CONTENTS
Sweetwater (2013) di Logan Miller
CONTENTS
AFTER HOURS
| AHARON KESHALES, NAVOT PAPUSHADO BIG BAD WOLVES |
| MANUEL MARTÍN CUENCA CANÍBAL | ANDREW BUJALSKI COMPUTER CHESS |
CHRISTOPHER MACBRIDE THE CONSPIRACY | ALEJANDRO JODOROWSKY LA DANZA DE LA REALIDAD | ARMANDO
CRISPINO L’ETRUSCO UCCIDE ANCORA | ANTONIO TUBLÉN LFO | ISABELL ŠUBA MÄNNER ZEIGEN FILME
& FRAUEN IHRE BRÜSTE | DENNIS ILIADIS PLUS ONE | SHANE MEADOWS THE STONE ROSES: MADE
OF STONE | LOGAN MILLER SWEETWATER | SIMON BARRETT, ADAM WINGARD, EDÚARDO SANCHEZ,
GREGG HALE, TIMO TJAHJANTO, GARETH HUW EVANS, JASON EISENER V/H/S/2 | EMANUEL HOSS-DESMARAIS
WHITEWASH | QUENTIN DUPIEUX WRONG COPS
VINCENT LANNOO AU NOM DU FILS
MARVIN KREN BLUTGLETSCHER
After Hours
CONTENTS
DI EMANUELA MARTINI
Plus One (2013) di Denis Iliadis
Dal vocabolario on line Treccani:
«after hours (agg. e s. m.)
1.a. Fuori orario, dopo la chiusura, e sim.:
un bar, un locale after hours.
2.b. Festa in ore notturne; locale aperto nelle stesse ore:
frequentare gli after hours.
2. Nel linguaggio del jazz, in varie locuzioni riferite
all’abitudine dei musicisti di recarsi a suonare, dopo
il lavoro e quasi sempre gratuitamente, in locali
notturni: un circolo, un incontro, una riunione
jazzistica after hours.
3. Nel linguaggio finanziario, con riferimento alle
contrattazioni che avvengono, per via telematica, dopo
l’orario ufficiale di chiusura del mercato di borsa».
Il richiamo della Treccani al linguaggio del jazz
è interessante, perché uno dei tanti titoli che
avevamo immaginato per questa sezione era
stato ’Round Midnight, cioè proiezioni che si
svolgono «intorno a mezzanotte», ma anche
il titolo di un celeberrimo brano jazz di
Thelonious Monk e del bel film che al jazz dedicò
Bertrand Tavernier nel 1986. Nonostante
abbiamo rinunciato a questo titolo (perché i film
non passano davvero a mezzanotte ma intorno
alle 22), si tratta comunque di un curioso
cortocircuito di idee, sensazioni e analogie.
After Hours è fatta per quei film che, per
atmosfera, impianto narrativo e produttivo,
eccentricità o provocazione, un tempo, quando
nelle sale esisteva il doppio programma,
venivano programmati nell’ultima fascia notturna
(o nei drive-in o a mezzanotte nei festival).
Spesso in odore di cult, oppure semplicemente
bizzarrie per spettatori fanatici. Naturalmente,
c’erano alcuni generi privilegiati: horror,
56
AFTER HOURS
fantascienza, thriller, noir, ma anche campioni
del surrealismo, autori «notturni» e produzioni
tra la serie B e la Z. Un universo che, per alcuni
decenni, si è intrecciato con quello della cinefilia
più libera e spericolata.
Ecco dunque un horror «ecologico» ambientato
in cima alle Alpi, Blutgletscher, diretto da Marvin
Kren, il regista di Rammbock (il primo zombie
movie tedesco), e un angosciante esercizio
orrifico sulla cospirazione, The Conspiracy di
Christopher MacBride; una distopica escursione
«asimoviana» nella fantascienza da camera,
LFO di Antonio Tublén, e un’invasione aliena
stile Ultracorpi in quello che a prima vista pare
un college movie, Plus One di Denis Iliadis; una
compilation di horror found footage, V/H/S/2,
sequel del film presentato al Festival lo scorso
anno, e l’omaggio a un autore italiano che si
cimentò nel genere negli anni Settanta, L’etrusco
uccide ancora di Armando Crispino.
Ci sono due vendicatrici: la protagonista di un
durissimo thriller belga sui preti pedofili, Au nom
du fils di Vincent Lannoo (in concorso nel 2011
con Vampires), e la farmer ex prostituta che si
scatena nel western di Logan Miller Sweetwater.
Ci sono poliziotti deviati e tarati, come quelli
turpi e imbroglioni di Wrong Cops di Quentin
Dupieux e quelli inquietanti e violenti di Big Bad
Wolves, il film israeliano di Aharon Keshales e
Navut Papushado che ha entusiasmato Quentin
Tarantino; ci sono assassini per caso, come il
nervoso protagonista del cupo noir canadese
Whitewash di Emanuel Hoss-Desmarais, o per
scelta, come il lucido serial killer di Caníbal,
agghiacciante percorso nella follia dello spagnolo
Manuel Martín Cuenca. Poi, ci sono due bizzarri
mockumentary, popolati di personaggi svitati e
imprevedibili, come Männer zeigen Filme & Frauen
ihre Bruste di Isabell Šuba, che nel 2012 mandò
a Cannes al suo posto un’attrice per riprenderla
durante la corvée, o come Computer Chess di
Andrew Bujalski, dove si racconta una sfida tra
campioni di scacchi e computer, in uno sperduto
motel all’inizio degli anni Ottanta.
Infine, due nomi eccellenti: il re dei folli
Alejandro Jodorowsky, che in La danza de la
realidad racconta (alla sua maniera) la propria
vita; e l’imprevedibile Shane Meadows, fanatico
ammiratore della band degli Stone Roses, che
in The Stone Roses: Made of Stone si è messo
alle loro costole con la macchina da presa per
documentare la loro riunione e l’entusiasmo
dei fan.
After Hours
CONTENTS
BY EMANUELA MARTINI
The Stone Roses: Made of Stone (2013) di Shane Meadows
From the Italian online dictionary Treccani:
“after hours – adjective and noun –
1.a. Adjective: After normal working hours, after closing time,
et al.: an after-hours bar or club.
1.b. Noun: A late night party, or a bar or club open later than
other establishments: doing an after-hours, going to an
after-hours.
2. In jazz terminology, various expressions referring to the
musicians’ habit of going to play in night clubs after
work, almost always for free: and after-hours jazz club,
meeting, or jam session.
3. In financial terminology, it refers to online trades made
after the official closing time of the stock exchange.”
It is interesting to note Treccani’s reference to jazz
terminology because one of the many titles we had
imagined for this section was ’Round Mindnight,
that for us means film screenings taking place
around midnight, but which is also the title of a
famous jazz standard by Thelonious Monk, as well
as a great Bertrand Tavernier film from 1986 entirely
dedicated to jazz. Even though we decided not to
use that title in the end (also because the films will
not be screened “around midnight,” but rather
around 10:00 PM), it is till a curious short circuit
of ideas, feelings, and analogies.
After Hours is made of those films which, back in
the day when movie theatres were programming
double features, were screened late at night in the
last time slot (or at drive-ins, or at midnight at film
festivals): films with certain kinds of atmospheres,
narrative structures, production values, eccentric or
provocative elements. They were frequently cult
movies, or simply oddities for fanatic moviegoers.
There were, of course, some preferred genres: horror,
science fiction, thrillers, noirs, but also some
57
AFTER HOURS
champions of surrealism, “dark” auteurs and B to Z
movies. For decades, this world was intertwined with
the freest and most daring forms of cinephilia.
In this spirit, the After Hours section features an
“environmental” horror movie set atop the Alps,
The Station, directed by Marvin Kren (who also
made Rammbock, the first zombie movie made
in Germany), and Christopher MacBride’s
documentary The Conspiracy, a nail-biting
conspiracy thriller. There is also a dystopian
excursion à la Asimov in the chamber sci-fi LFO
by Antonio Tublén; and an alien invasion along the
lines of Body Snatchers in a film that at first seems
like a college movie: Plus One by Denis Iliadis.
Then there is V/H/S/2, a horror compilation of
found footage (and sequel to V/H/S, which was
presented at last year’s Festival), and a tribute to the
Italian filmmaker from the 1970s, Armando Crispino
and his movie The Dead Are Alive.
There are two avenging women: the female lead
of a harsh Belgian thriller on pedophile priests,
Au nom du fils by Vincent Lannoo (in competition
in 2011 with Vampires), and the farmer and former
prostitute seeking revenge in Logan Miller’s western
Sweetwater. There are twisted and perverse cops,
like the vile and cheating police officers from Wrong
Cops by Quentin Dupieux, and the disturbing and
violent ones from Big Bad Wolves, the Israeli movie
directed by Aharon Keshales and Navut Papushado,
highly appreciated by Quentin Tarantino. There are
haphazard murderers, like the nervous protagonist
of the dark Canadian noir Whitewash by Emanuel
Hoss-Desmarais, and pro-choice murderers like the
lucid serial killer from Caníbal, a blood-curling
journey through madness with the Spanish
filmmaker Manuel Martín Cuenca. There are
also two bizarre mockumentaries inhabited
by loony and unpredictable characters: Men
Show Movies & Women Their Breasts by
Isabell Šuba (who sent an actress in her place
to Cannes in 2012 to film her during the chores
of the Festival), and Computer Chess by Andrew
Bujalski, who tells the story of a challenge
between chess champions and computers in
a remote motel in the early 1980s.
Finally, two illustrious names: the king of fools
Alejandro Jodorowsky, who tells his life (in his
own way) in La danza de la realidad; and the
unpredictable Shane Meadows, devoted fan
of the rock band The Stone Roses, who followed
them with his camera documenting their reunion
and the fans’ enthusiasm in the film The Stone
Roses: Made of Stone.
vincent lannoo
AU NOM DU FILS
CONTENTS
Belgio/Belgium, 2012, HD, 80’, col.
regia/director
Vincent Lannoo
sceneggiatura/screenplay
Vincent Lannoo,
Philippe Falardeau,
Albert Charles
fotografia/cinematography
Vincent van Gelder
montaggio/film editing
Frédérique Broos
scenografia/
production design
Vivian Sassen
costumi/costume design
Christophe Pidre,
Florence Scholtès
musica/music
Michelino Busceglia
suono/sound
Guilhem Donzel,
Matthieu Michaux,
Philippe Charbonnel
interpreti e personaggi/
cast and characters
Astrid Whettnall (Elisabeth),
Achille Ridolfi (padre/
Father Achille),
Phillipe Nahon
(padre/Father Taon),
Zacharie Chasseriaud
(Jean-Charles),
Albert Chassagne (Albert)
produttore/producer
Lionel Jadot
produzione/production
Yoni Productions
coproduzione/coproduction
Hands Up
**
contatti/contacts
Intramovies
Manuela Mazzone Lopez
Tel: +39 06 807 72 52
[email protected]
www.intramovies.com
NEL NOME DEL FIGLIO [T.L.]
Ci sono persone per cui la religione è un impegno quotidiano
rivolto alla propria comunità; una di queste è sicuramente
Elisabeth, una donna dalla fede solida, sempre ben disposta
verso il prossimo e attiva nel diffondere il messaggio cattolico,
anche grazie al programma che conduce in radio. Quando conosce
padre Achille, Elisabeth è piena di certezze, ma a poco a poco
l’aura di positività che avvolge la sua vita inizia a incrinarsi,
scoprendo menzogne e ambiguità fino a un tragico epilogo,
che mina la sua fiducia nella chiesa e nei suoi confratelli.
«I momenti di vendetta sono costruiti in maniera sottintesa,
allusiva. Volevo che fossero gioiosi e al tempo stesso amorali,
in modo da poterli mettere in discussione alla fine del film:
intendevo mostrare che la vendetta è prima di tutto priva di
senso e che inoltre deve limitarsi a esistere in una dimensione
immaginaria. Ho spesso affrontato l’idea del “mostro” che vive
in ognuno di noi. Oggi trovo interessante andare alla ricerca degli
elementi che ne sono all’origine. Eccone dunque uno: la cecità
della fede, che qui tratto in forma di commedia nera».
IN THE NAME OF THE SON
There are some people for whom religion is a daily commitment
to their own community. Elisabeth is one of these people, a woman
of solid faith, always ready to help others and actively spreading the
Catholic message, in part through her radio program. When she meets
Father Achille, Elisabeth’s certainties are rock-solid, but slowly but
surely the aura of positivism that surrounds her life begins to crack,
uncovering lies and ambiguities. Until a tragic epilogue undermines
her faith in the church and her colleagues.
“The moments of revenge are constructed in a subtle, allusive way.
I wanted them to be both happy and amoral in order to attack them
at the end of the movie and show that revenge is, above all, senseless,
and should make do with living in the imagination. In my films I have
often dealt with the monster we all carry within; today, I find it
interesting to search for the sources of the monster. And here’s one:
the blindness of faith, in the form of a black comedy.”
58
AFTER HOURS
Vincent Lannoo (Bruxelles, Belgio,
1970) ha studiato teatro prima di
frequentare l’Institut des arts de
diffusion di Bruxelles. Oltre a videoclip
e spot pubblicitari ha realizzato diversi
cortometraggi tra cui J’adore le cinéma
(1998), selezionato al Festival
international du court métrage di
Clermont-Ferrand e vincitore dell’Iris
d’oro al Festival di Montréal; nel 2001
ha diretto il mockumentary Strass
secondo le regole del Dogma di Von
Trier. Nel 2010 è stato in concorso
al Torino Film Festival con Vampires,
che ha partecipato a numerosi festival
internazionali, vincendo il premio
come miglior film, il premio del
pubblico e quello per la sceneggiatura
al FanCine Málaga.
Vincent Lannoo (Brussels, Belgium,
1970) studied theater before enrolling
at the Institut des arts de diffusion in
Brussels. He has made video clips and
commercials and has also made various
shorts, including J’adore le cinéma
(1998), which was selected for the
Festival international du court métrage
in Clermont-Ferrand and won the
Golden Iris at the Montreal World Film
Festival. In 2001 he directed the
mockumentary Strass, following the
rules of Von Trier’s Dogma. In 2010 he
competed at the Torino Film Festival
with Vampires, which participated at
many international festivals, winning
best film, the Audience Award and best
screenplay at the FanCine Málaga.
filmografia/filmography
Meilleurs vœux (cm, 1995), Xmas
in Space (1997), J’adore le cinéma
(cm, 1998), Strass (2001), Ordinary
Man (2004), Vampires (2010), Little
Glory (2012), Au nom du fils (2012).
aharon keshales, navot papushado
BIG BAD WOLVES
CONTENTS
Israele/Israel, 2013, HD, 110’, col.
regia, sceneggiatura/
directors, screenplay
Aharon Keshales,
Navot Papushado
fotografia/cinematography
Giora Bejach
montaggio/film editing
Asaf Korman
scenografia/
production design
Arad Shawat
costumi/costume design
Michal Dor
musica/music
Frank Hayim Ilfman
suono/sound
Ronen Nagel
interpreti e personaggi/
cast and characters
Lior Ashkenazi (Micky),
Rotem Keinan (Dior),
Tzahi Grad (Gidi),
Dov Glickman (Yoram),
Menashe Noy (Rami),
Dvir Benedek (Tsvika),
Kais Nashef
(l’uomo a cavallo/
man on horse),
Nati Kluger (Eti),
Ami Weinberg
(preside/principal Meir),
Guy Adler (Eli),
Arthur Perry (Ofer),
Gur Bentwich (Shauli)
produttori/producers
Chalik Michaeli,
Avraham Pirchi,
Tami Leon,
Moshe Edery,
Leon Edery
produzione/production
United Channels Movies,
United King Films
**
contatti/contacts
6Sales
Gladys Reyes
Tel: +34 911 723 734
[email protected]
www.6sales.es
59
Aharon Keshales (Israele, 1976)
e Navot Papushado (Israele, 1980)
hanno studiato presso il Film and
Critic Department della Tel Aviv
University. Con Rabies (2011), esordio
nel lungometraggio per entrambi
e primo film horror nella storia del
cinema israeliano, hanno ottenuto
diversi premi nei festival di tutto
il mondo, oltre che un grande
successo al box office in patria.
Attualmente stanno ultimando
un episodio dell’horror antologico
ABCs of Death 2.
I LUPI CATTIVI [T.L.]
A causa di una serie di brutali omicidi le vite di tre uomini molto
diversi fra loro finiscono per scontrarsi: il padre di una delle vittime,
alla ricerca disperata di vendetta; il poliziotto a cui è stato
assegnato il caso, i cui metodi spesso non tengono conto di leggi
e procedure; e il principale tra i sospettati, un insegnante di studi
religiosi, rilasciato per un cavillo legale. Può il desiderio di rivalsa
trasformarsi in un deterrente per crimini ben peggiori?
«Big Bad Wolves è un thriller sui sequestri che prende spunto
dalla società in cui viviamo. L’ansia esistenziale è alla base della
nascita d’Israele e viene utilizzata per definire e rafforzare la
legittimità dello Stato: la paura delle azioni terroristiche, prime
fra tutte i rapimenti, la sensazione incessante di essere oggetto
di una persecuzione, l’intolleranza intrinseca e i comportamenti
machisti, a cui va aggiunto un atavico desiderio di vendetta, hanno
creato il terreno ideale per atti estremi e reazioni conseguenti».
BIG BAD WOLVES
A series of brutal homicides brings the lives of three very different men
on a collision course: the father of one of the victims, desperately
searching for revenge; the policeman who has been assigned the case
and whose methods often go outside the law and standard procedures;
and the prime suspect, a religious studies teacher who has been
released on a technicality. Can the longing for vengeance transform
itself into a deterrent for even worse crimes?
“Big Bad Wolves is a kidnapping thriller which draws inspiration
from the society in which we live. Existential anxiety serves as Israel’s
foundation and attempts to define and reinforce the legitimacy of the
state: a fear of terrorist activities, primarily kidnappings, unremitting
feelings of being persecuted, inherent intolerance and macho behavior
topped with a historical craving for vengeance create an ideal breeding
ground for extreme actions and subsequent reactions.”
AFTER HOURS
Aharon Keshales (Israel, 1976) and
Navot Papushado (Israel, 1980) studied
at the Film and Critic Department of Tel
Aviv University. Their debut feature film,
Rabies (2011), was the first horror movie
in the history of Israeli cinema. It won
many awards at festivals throughout
the world, and was also a box office
hit at home. They are now completing
an episode of the orror anthology,
ABCs of Death 2.
filmografia/filmography
Aharon Keshales, Navot Papushado:
Kalevet (Rabies, 2011), Big Bad
Wolves (2013).
marvin kren
BLUTGLETSCHER
CONTENTS
THE STATION
Austria, 2013, HD, 93’, col.
regia/director
Marvin Kren
sceneggiatura/screenplay
Benjamin Hessler
fotografia/cinematography
Moritz Schultheiss
montaggio/film editing
Daniel Prochaska
scenografia/
production design
Alexandra Maringer
costumi/costume design
Hanya Barakat
musica/music
Stefan Will,
Marco Dreckkötter
suono/sound
Dietmar Zuson
interpreti e personaggi/
cast and characters
Gerhard Liebmann (Janek),
Edita Malovcic (Tanja),
Hille Beseler (Birte),
Peter Knaack (Falk),
Felix Römer (Harald),
Brigitte Kren
(ministro/minister Bodicek)
produttore/producer
Helmut Grasser
produzione/production
Allegro Film
**
contatti/contacts
Rezo Films
Lucie Cottet
Tel: +33 1 424 646 30
[email protected]
www.rezofilms.com
Marvin Kren (Vienna, Austria, 1980)
ha cominciato a lavorare nel cinema
nel 2000, facendo esperienza sui
set di diverse produzioni e lavorando
nei settori della regia, della fotografia
e della produzione, oltre che come
attore. Nello stesso periodo ha
studiato economia presso l’Università
Bfi di Vienna e ha seguito un corso
di regia alla Hamburg Media School,
diplomandosi con il cortometraggio
Schautag (2009). Con l’horror
Rammbock (2010) ha poi esordito
nel lungometraggio.
LA STAZIONE [T.L.]
Sulle Alpi austriache alcuni scienziati conducono una ricerca
sulle conseguenze dei cambiamenti climatici. Isolati dal mondo,
scoprono che il ghiacciaio oggetto dei loro studi produce un
misterioso liquido rosso, dal quale derivano anche le strane
mutazioni genetiche riscontrate nella fauna locale, diventata
improvvisamente aggressiva e pericolosa. Ad attenderli un
incubo di sangue e morte.
«I nerd e i cinefili che dividono l’horror in mille sottogeneri
probabilmente definirebbero The Station un animal o un monster
horror, o ancora un creature feature. In ogni caso, nel mio film le
creature mostruose sono funzionali a un senso ulteriore.
The Station è un horror che prova un sottile piacere nel mostrare
a cosa la “civilizzazione” andrà incontro se non cambia abitudini.
Nel film l’orrore non viene da un’invasione aliena o dalle profondità
di una mente malata, come in tanti, troppi horror del ventesimo
secolo. In questo caso il male coinvolge tutti, costringe a portare
il peso di una colpa collettiva, la più grande per l’umanità:
la sistematica distruzione del nostro pianeta».
THE STATION
A group of scientists is researching the consequences of climate change
in the Austrian Alps. They discover that the glacier they are studying
is leaking a mysterious red liquid: the strange fluid seems to be causing
genetic mutations in the local wildlife, which has become aggressive
and dangerous. A nightmare of blood and death awaits them.
“Nerds and geeks who divide the genre of horror movies into countless
subgenres would label The Station an animal or monster horror movie
or creature feature. However, the monster creatures in my film serve a
bigger purpose: The Station is a horror movie which takes mischievous
delight in showing what will face ‘civilization’ if there is no change
in attitude. In The Station, the source of this horror is not an alien
invasion from another universe, nor does it come from the depths
of someone’s troubled mind, like in so many – almost too many –
20 century horror movies. The evil in The Station brings misery
to everyone, making them shoulder the global guilt, the greatest sin
of mankind: the systematic destruction of our planet.”
TH
60
AFTER HOURS
Marvin Kren (Vienna, Austria, 1980)
started working in the world of cinema
in 2000, gaining experience in the sets
of several productions and working
in directing, cinematography, and
production, as well as an actor.
Around that same time, he was also
studying economics at the BFI University
in Vienna, and following a filmmaking
course at the Hamburg Media School.
His final project was the short film
Schautag (2009). The next year he
made Rammbock, his debut feature
film.
filmografia/filmography
Zum Beispiel Praterstern (cm, 2005),
Trio (cm, 2008), Schautag (cm, 2009),
Rammbock (2010), Blutgletscher (The
Station, 2013).
manuel martín cuenca
CANÍBAL
CONTENTS
Spagna-Romania-Russia-Francia/
Spain-Romania-Russia-France, 2013, HD, 116’, col.
regia/director
Manuel Martín Cuenca
soggetto/story
da un racconto di/
from a short story by
Humberto Arenal
sceneggiatura/screenplay
Manuel Martín Cuenca,
Alejandro Hernández
fotografia/cinematography
Pau Esteve Birba
montaggio/film editing
Angel Hernández Zoido
scenografia/
production design
Isabel Viñuales
suono/sound
Eva Valiño,
Pelayo Gutiérrez,
Nacho Royo-Villanova
interpreti e personaggi/
cast and characters
Antonio de la Torre (Carlos),
Olimpia Melinte (Nina)
produttori/producers
Fernando Bovaira,
Simon de Santiago,
Manuel Martín Cuenca,
Alejandro Hernández
produzione/production
La Loma Blanca PC,
MOD Producciones,
Libra Film,
CTB Film Company LTD,
Luminor
**
contatti/contacts
Film Factory Entertainment
Carlota Caso
Tel: +34 933 684 608
[email protected]
www.filmfactory.es
CANNIBALE [T.L.]
Lo schivo e taciturno Carlos è un sarto di Granada che conduce
una vita appartata. Nessuno sospetta che sia in realtà un cannibale
spietato, un solitario che va a caccia di donne per ucciderle, farle a
pezzi, nasconderne le carni nel frigorifero e poi mangiarle. Quando
alla sua porta bussa Nina, sorella gemella di una delle sue vittime
in cerca di notizie sulla scomparsa, lentamente in Carlos emerge
un sentimento inatteso. Per lui, abituato al più indicibile degli
abomini, l’amore è un’esperienza difficile e pericolosa.
«Nel film il cannibalismo è una metafora del male. Ci interessava
il modo in cui può rappresentare qualcosa di negativo nella nostra
società, qualcosa che riguarda la presenza di una parte malvagia
in ciascuno di noi, connessa con la normalità e la banalità delle
nostre vite. Caníbal è una storia d’amore che coinvolge un
personaggio demoniaco: cosa succederebbe se un demone
s’innamorasse? E se l’amore lo facesse dubitare delle sue azioni?»
CANNIBAL [L.T.]
Carlos is a shy and reserved tailor who lives a secluded life in Granada.
Nobody suspects that he is actually a ruthless cannibal who hunts
women to kill them, chop them up, store their flesh in a freezer so
he can eat them. But then Nina, the twin sister one of his victims,
knocks at his door looking for information about the missing sibling.
An unexpected feeling slowly warms up in Carlo. For a man used to
committing the most unspeakable monstrosity of all, love is a difficult
and dangerous experience.
“In the film, cannibalism is just a metaphor for evil. We were interested
in how it represented something bad in our society. It’s about the
presence of evil in all of us, connecting with the normality of our lives,
in its banality. Caníbal is a demon’s love story: what would happen
if a demon fell in love? If love made him question his actions?”
61
AFTER HOURS
Manuel Martín Cuenca (Almería,
Spagna, 1964) ha cominciato a
lavorare come aiuto regista per Felipe
Vega, Alain Tanner e Icíar Bollaín.
Ha esordito nel 1990 con il
cortometraggio El dia blanco
e nel 2001 con il lungometraggio
documentario El juego de Cuba ha
vinto il Festival de Málaga. Nel 2003
ha partecipato al Festival di San
Sebastián con il film di finzione
La flaqueza del bolchevique, seguito
nel 2005 da Malas temporadas. Con
Últimos testigos: Carrillo Comunista
(2009) ha poi ottenuto una
nomination ai Goya per il miglior
documentario. Nel 2004 ha fondato
la casa di produzione Loma Blanca
e nel 2009 la casa editrice Lagartos
Editores, che pubblica giovani autori
andalusi.
Manuel Martín Cuenca (Almería,
Spain, 1964) started working as an
assistant director for Felive Vega,
Alain Tanner, and Icíar Bollaín.
He made his debut in 1990 with
the short film El día blanco and again
in 2001 with the feature-length
documentary film El juego de Cuba,
which won the Festival de Málaga.
He participated to the San Sebastián
Film Festival in 2003 with the fiction
feature La flaqueza del bolchevique,
and again in 2005 with Malas
temporadas. He received a nomination
for best documentary at the Goya
Awards for Últimos testigos: Carrillo
Comunista (2009). He started the
production company Loma Blanca
in 2004, and Lagartos Editores in
2009, a publishing company for
young Andalusian authors.
filmografia/filmography
El dia blanco (cm, 1990), Hombres sin
mujeres (cm, 1999), Nadie (Un cuento
de invierno) (cm, 2000), El juego de
Cuba (doc., 2001), Cuatros puntos
cardinales (2002), La flaqueza del
bolchevique (2003), Madrid 11M - Todos
íbamos in este train (coregia/codirectors
aa.vv., ep. Españoles por vía de sangre,
aa.vv., 2004), Malas temporadas
(2005), El tesoro (tv, 2008), Últimos
testigos: Carrillo Comunista (doc.,
2009), La mitad de Óscar (2010),
Caníbal (2013).
andrew bujalski
COMPUTER CHESS
CONTENTS
Usa, 2013, video, 92’, bn/bw-col.
regia, sceneggiatura,
montaggio/director,
screenplay, film editing
Andrew Bujalski
fotografia/cinematography
Matthias Grunsky
scenografia/
production design
Michael Bricker
costumi/costume design
Colin Wilkes
interpreti e personaggi/
cast and characters
Patrick Riester
(Peter Bishton),
Wiley Wiggins
(Martin Beuscher),
Myles Paige (Michael
Papageorge),
Robin Schwartz
(Shelly Flintic),
Gerald Peary
(Pat Henderson),
Gordon Kindlmann
(Tom Schoesser)
produttori/producers
Houston King,
Alex Lipschultz
produzione/production
Kino Lorber
**
contatti/contacts
The Film Sales Company
Jason Ishikawa
Tel: +1 212 481 50 20
[email protected]
www.filmsalescorp.com
SCACCHI AL COMPUTER [T.L.]
Primi anni Ottanta: un’epoca in cui l’evoluzione in campo
informatico aveva del miracoloso e i programmatori formavano
tribù di nerd occupati a risolvere algoritmi indecifrabili ai più.
Un periodo in cui l’umanità guardava con stupore, e forse
diffidenza, a questi ragazzi alle prese con codici e sfide paradossali.
Come ad esempio quella di permettere all’intelligenza artificiale di
un computer di sconfiggere il suo creatore in uno dei giochi più
antichi: gli scacchi.
«Cosa mi ha fatto pensare che fosse una buona idea girare una
commedia esistenziale su dei geni stravaganti cui premeva che
una macchina imparasse a sconfiggere il suo creatore proprio a
scacchi? Per un decennio ho fatto film in 16mm e le persone mi
chiedevano: “Perché non giri semplicemente in video?” Giusto, mi
sono detto, perché no? Perché non tirare fuori una bella, vecchia
videocamera e iniziare a sognare in un linguaggio di immagini
che il tempo ha sorpassato del tutto? Computer Chess è un progetto
che ho coltivato a lungo affettuosamente, e di sicuro la cosa più
intuitiva che abbia mai intrapreso».
COMPUTER CHESS
The early 1980s, an era when the progress in computer technology
seemed miraculous and programmers formed tribes of nerds busy
resolving algorithms that were incomprehensible to most people.
A time when the world looked with amazement, and even diffidence,
at these youngsters who took on codes and bizarre challenges.
Like the idea of letting the artificial intelligence of a computer beat
its creator at one of the oldest games around: chess.
“What on Earth made me think that it was a good idea to make an
existential comedy about the oddball geniuses who thought it
important that a machine learn to defeat its masters at, of all things,
chess? For a decade now I’ve been making features on 16mm film, and
people have asked constantly, ‘Why don’t you just shoot on video?’
Right, I wondered, why don’t I? Why don’t I dig up a beautiful, really
outdated old video camera and start dreaming in a language of images
that time has passed by entirely? Computer Chess was a long, fondly
held fantasy project for me and certainly the most purely intuitive thing
I’ve ever undertaken.”
62
AFTER HOURS
Andrew Bujalski (Boston,
Massachusetts, Usa, 1977) ha esordito
nel 2002 scrivendo e dirigendo il
mumblecore Funny Ha Ha, film
indipendente e a bassissimo budget
vincitore nel 2004 del Black Point Film
Festival e del premio Someone to
Watch agli Independent Spirit Awards,
nonché considerato dal critico del
«New York Times» A.O. Scott tra i
dieci titoli più importanti degli anni
Duemila. Il suo secondo
lungometraggio, Mutual Appreciation,
ha invece ricevuto il premio della
giuria al Newport International Film
Festival nel 2005. Oltre a lavorare
come regista e sceneggiatore, Bujalski
è stato anche attore e docente delle
università di Boston e del Texas.
Andrew Bujalski (Boston, MA, USA,
1977) debuted in 2002 by writing and
directing the mumblecore Funny Ha
Ha, an independent and very low budget
film that won best feature film at the
2004 Black Point Film Festival and the
Someone to Watch Award at the
Independent Spirit Awards. The “New
York Times” movie critic A.O. Scott
named it one of the ten most important
movies of the 2000s. His second feature
film, Mutual Appreciation, received the
Jury Award at the 2005 Newport
International Film Festival. Besides
working as a director and screenwriter,
Bujalski is also an actor and has taught
at Boston University and the University
of Texas.
filmografia/filmography
Funny Ha Ha (2002), Mutual
Appreciation (2005), Peoples House
(cm, 2007), Beeswax (2009),
Computer Chess (2013).
christopher macbride
THE CONSPIRACY
CONTENTS
Canada, 2012, HD, 86’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Christopher MacBride
fotografia/cinematography
Ian Anderson
montaggio/film editing
Adam Locke-Norton,
Christopher MacBride
scenografia/
production design
Brian Garvey
costumi/costume design
Megan Oppenheimer
musica/music
Darren Baker
suono/sound
Nelson Ferreira
interpreti e personaggi/
cast and characters
Aaron Poole
(se stesso/himself),
Jim Gilbert
(se stesso/himself),
Ian Anderson
(se stesso/himself),
Peter Apostolopolous
(l’amico di Jim/
Jim’s friend), Roger Beck
(se stesso/himself),
Angela Besharah
(la signora/dame),
Gordon Bolan
(l’agente di polizia/
police officer),
Laura DeCarteret
(Nicole Higgins),
Rob Faust (Mithras)
produttore/producer
Lee Kim
produzione/production
Resolute Films and
Entertainment, Dreampool
Picture, Agency 71
Productions
**
contatti/contacts
Pascale Ramonda
[email protected]
Christopher MacBride, sceneggiatore
e regista, dopo aver ricevuto un
premio dall’Ifa (Independent
Filmmakers Alliance) per la
sceneggiatura del corto Movie Talkers:
Scum of Humanity, ha continuato a
scrivere lavorando per la serie
televisiva Inside the Box. Accanto
all’attività di sceneggiatore ha
intrapreso quella di regista,
realizzando quattro cortometraggi:
Secrets, Chaos, Smoke Break e Sleep
Lab, quest’ultimo presentato in diversi
festival cinematografici internazionali.
LA COSPIRAZIONE [T.L.]
Due amici d’infanzia vogliono realizzare un documentario
sull’incredibile proliferare delle teorie complottistiche. Il progetto
non dovrebbe presentare particolari problemi, e infatti così è,
almeno fino a quando il personaggio principale del film sparisce
nel nulla. Prima di scomparire, però, l’uomo ha lasciato una ricerca
che conduce sulle tracce di una misteriosa società antica. E più
penetrano i segreti di questa organizzazione, più i due filmmaker
capiscono di avere a che fare con un sistema di poteri da cui non
sanno se riusciranno a fuggire.
«Come diciamo nel film, non puoi mai veramente provare o
confutare queste teorie, ciò che le genera e le rende sempre
affascinanti. Se i teorici della cospirazione hanno ragione ed
esistono per davvero grandi segreti tenuti nascosti alle masse,
è ovvio come tutto ciò sia interessante. Se invece sono solo dei
paranoici, allora si tratta di un incredibile fenomeno sociologico
ugualmente interessante. In entrambi i casi, sono stato catturato
dalla questione, e sapevo che ne avrei tratto una storia».
THE CONSPIRACY
Two childhood friends decide to make a documentary about how
the culture of global conspiracies has drastically risen in recent years.
The project seems fairly straight forward, and in fact this is the case,
at least until the lead character in the movie disappears into thin air.
But before disappearing, the man left some research which puts on
the tracks of a mysterious and ancient society. The more they learn
about the secrets of this organization, the more the two filmmakers
realize that they are dealing with a power system they might not be
able to escape.
“As we say in the film, you can’t really ever prove or disprove these
theories. And that’s sort of what keeps driving these ideas, and keeps
it endlessly fascinating. If conspiracy theorists are correct and there’s
massive secrets that aren’t being reported to the general public, then
that’s obviously interesting. And if they’re all just paranoids, then that’s
an incredible societal phenomenon and equally as interesting to me.
Either way, I was hooked, and I knew I wanted to set a story in that
world.”
63
AFTER HOURS
Christopher MacBride, screenwriter
and director, after receiving an award
from the IFA (Independent Filmmakers
Alliance) for the screenplay of the short
Movie Talkers: Scum of Humanity,
continued to write for the TV series
Inside the Box. Besides writing
screenplays, he also directs movies
and has made four shorts: Secrets,
Chaos, Smoke Break and Sleep Lab,
the latter of which was presented at
various international film festivals.
filmografia/filmography
Secrets (cm), Chaos (cm), Smoke
Break (cm), Sleep Lab (cm, 2009),
The Conspiracy (2012).
alejandro jodorowsky
LA DANZA DE LA REALIDAD
CONTENTS
Cile/Chile, 2013, HD, 130’, col.
regia, sceneggiatura,
produttore/
director, screenplay,
producer
Alejandro Jodorowsky
fotografia/cinematography
Jean-Marie Dreujou
montaggio/film editing
Maryline Monthieux
costumi/costume design
Pascale
Montandon-Jodorowsky
musica/music
Adan Jodorowsky
suono/sound
Guadalupe Cassius,
Sandy Notarianni
interpreti e personaggi/
cast and characters
Brontis Jodorowsky (Jaime),
Pamela Flores (Sara),
Jeremias Herskovits
(Alejandro da bambino/
as a child),
Alejandro Jodorowsky
(Alejandro da grande/
as an adult),
Bastian Bodenhöfer
(Carlos Ibáñez),
Andres Cox (Don Aquiles),
Adan Jodorowsky
(l’anarchico/anarchist),
Cristobal Jodorowsky
(il teosofo/theosophist)
produttori/producers
Michel Seydoux,
Moises Cosio
coproduzione/coproduction
Camera One,
La Soleil Films
**
contatti/contacts
Festival Agency
Claire Thibault
Tel: +33 954 904 863
[email protected]
www.thefestivalagency.com
64
LA DANZA DELLA REALTÀ [T.L.]
Per il piccolo Alejandro l’unico mezzo per sfuggire alla difficile
realtà che lo circonda è l’immaginazione. Nato da una famiglia
d’immigrati russi di religione ebraica a Tocopilla, nel bel mezzo
del deserto cileno, si trova schiacciato tra la rigida educazione
impartitagli dai genitori e l’ostilità dei suoi coetanei, che vedono
in lui, troppo diverso da loro, un estraneo. I suoi alleati in questa
lotta quotidiana? La letteratura, il cinema, la filosofia.
«Questo film è stato come una bomba atomica esplosa nel mio
cervello. Ho inventato una forma di terapia chiamata “psicomagia”,
secondo la quale bisogna compiere determinate azioni per
superare le turbe risalenti all’infanzia e alla propria famiglia.
Su questo ho scritto alcuni libri. La danza de la realidad non è solo
un film, ma anche una forma di terapia familiare, dato che tre dei
miei figli vi recitano. Sono ritornato alle mie origini, nei luoghi dove
sono cresciuto, con lo scopo di reinventare me stesso. È una forma
di ricostruzione che ha come punto di partenza la realtà, ma che
non mi permette di cambiare il passato».
DANCE OF REALITY
The only way young Alejandro can escape the difficult reality around
him is through his imagination. Born into a family of Russian Jewish
immigrants in Tocopilla, in the middle of Chile’s desert, he is crushed
between his parents’ strict education and the hostility of the other
children, who consider him an outsider and too different from them.
His only allies in this daily struggle are literature, movies and
philosophy.
“To me, this film is like a mental atomic bomb. I have written books
and invented a therapy called ‘psychomagic’ that involves acts to
heal family-related childhood psychological problems. La danza de
la realidad is not just a film, but also a kind of family therapy because
three of my sons act in it. I am going back to the source of my
childhood, to the same place where I grew up, in order to reinvent
myself. It’s a reconstruction that has reality as its starting point
but which does not allow me to change the past.”
AFTER HOURS
Alejandro Jodorowsky (Tocopilla, Cile,
1929) si trasferisce a Parigi negli anni
Cinquanta, dove fonda il Teatro panico
con Fernando Arrabal e Roland Topor.
Parallelamente inizia a interessarsi
di cinema: risale, infatti, al 1957 il
suo primo cortometraggio La cravate.
In seguito dirige i lungometraggi
Il paese incantato (1968), El Topo
(1971) e La montagna sacra (1973),
caratterizzati da uno stile visionario
e barocco, in cui convivono
surrealismo, spinte mistiche e
psichedelia, che lo fanno conoscere
in tutto il mondo. Romanziere, poeta,
autore di fumetti, a tuttora uno
dei più famosi artisti del movimento
surrealista, torna al cinema
saltuariamente, come nel caso
di Santa sangre (1989) e Il ladro
dell’arcobaleno (1990).
Alejandro Jodorowsky (Tocopilla,
Chile, 1929) moved to Paris in the
1950s, where he founded the Teatro
Panico with Fernando Arrabal and
Roland Topor. At the same time, his
interest in cinema grew: in fact, his
first short, La cravate, dates back to
1957. He gained world renown with
his subsequent feature-length films
Fando and Lis (1968), El Topo (1971)
and The Holy Mountain (1973), which
reflect his visionary and baroque style,
mixing surrealism, a mystical thrust
and pyschedelia. A novelist, poet and
comic book author, and still one of
the most famous artists of the Surrealist
movement, he occasionally returns
to cinema, as he did with Santa
sangre (1989) and The Rainbow
Thief (1990).
filmografia/filmography
La cravate (cm, 1957), Fando y Lis
(Il paese incantato, 1968), El Topo
(id., 1971), The Holy Mountain (La
montagna sacra, 1973), Tusk (1980),
Santa sangre (id., 1989), The Rainbow
Thief (Il ladro dell’arcobaleno, 1990),
La danza de la realidad (2013).
armando crispino
L’ETRUSCO UCCIDE ANCORA
CONTENTS
Italia-Rft-Jugoslavia/Italy-FRG-Yugoslavia, 1972, 35mm, 105’, col.
regia/director
Armando Crispino
soggetto/story
da un racconto di/
from a short story by
Bryan Edgar Wallace
sceneggiatura/screenplay
Lucio Battistrada,
Armando Crispino,
Lutz Eisholz
fotografia/cinematography
Erico Menczer
montaggio/film editing
Alberto Gallitti
costumi/costume design
Luca Sabatelli
musica/music
Riz Ortolani
suono/sound
Bruno Zanoli
interpreti e personaggi/
cast and characters
Alex Cord (Jason Porter),
Samantha Eggar (Myra
Shelton), John Marley
(Nikos Samarakis), Nadja
Tiller (Leni Samarakis),
Enzo Tarascio
(l’ispettore/inspector
Giuranna), Horst Frank
(Stephen), Enzo Cerusico
(Alberto), Carlo De Mejo
(Igor Samarakis), Daniela
Surina (Irene), Vladan
Milasinovic (Otello),
Christina von Blanc (Velia),
Mario Maranzana
(sergente/sergeant Vitanza)
produttore/producer
Artur Brauner
produzione/production
Index Films
coproduzione/coproduction
Mondial Televisione Films,
Central Cinema
Company Films
**
contatti/contacts
Centro sperimentale di
cinematografia
Cineteca nazionale
Laura Argento
Tel: +39 06 722 941
[email protected]
L’ETRUSCO UCCIDE ANCORA
A Spoleto una serie di misteriosi ed efferati omicidi coinvolge
delle coppie ignare. Secondo l’ispettore Giuranna, incaricato
delle indagini, le uccisioni sarebbero ispirate agli affreschi etruschi
della necropoli di Tarquinia, in cui vengono ritratti sacrifici umani
officiati in onore del dio Tuchulcha. I sospetti cadono su un
eterogeneo gruppo di persone: l’archeologo americano Jason
Porter, il coreografo tedesco Stephen e il direttore d’orchestra
Nikos Samarakis. A uno a uno, però, si dimostrano innocenti,
e per evitare che la scia di sangue si allunghi l’ispettore Giuranna
deve affidarsi alla sua esperienza di poliziotto navigato.
«L’idea per L’etrusco uccide ancora è nata durante una gita
occasionale che ho fatto, accompagnato da alcuni parenti, alla
necropoli di Cerveteri. Durante quella giornata ho provato quella
sensazione di inquietudine che l’inconscio avverte di fronte a
qualcosa di ignoto, di incomprensibile, e che turba
profondamente».
THE DEAD ARE ALIVE
Some couples find themselves unknowingly involved in a series of
mysterious and bloody murders. Inspector Giuranna, in charge of
solving the case, believes the killings were inspired by a series of
Etruscan wall paintings in the necropolis of Tarquinia depicting
human sacrifices in honor of the god Tuchulcha. The suspicions fall
on a heterogeneous group of persons: the American archaeologist
Jason Porter, the German choreographer Stephen, and the orchestra
director Nikos Samarakis. But, one by one, they prove their innocence.
To prevent the blood trail from spreading further, inspector Giuranna
will have to resort to his experienced crime-solving skills.
“I got the idea for The Dead Are Alive during a fortuitous trip I took
with some relatives to the necropolis of Cerveteri. During that day,
I felt that feeling of uneasiness that the subconscious perceives in front
of something unknown, inexplicable, and deeply disturbing.”
www.fondazionecsc.it
65
AFTER HOURS
Armando Crispino (Biella, Italia,
1924 - Roma, Italia, 2003) è stato
tra i fondatori del Cineclub di Torino,
oltre che critico cinematografico per
«L’Unità». Come sceneggiatore ha
lavorato con registi quali Antonio
Pietrangeli (Nata di marzo, 1957,
e Souvenir d’Italie, 1957), Giuliano
Montaldo (Una bella grinta, 1965)
e Carlo Lizzani (Requiescant, 1967).
Celebre soprattutto per i thriller
L’etrusco uccide ancora (1972) e
Macchie solari (1975), come regista
si è cimentato anche in altri generi,
dalla commedia in costume Le
piacevoli notti (diretta con Luciano
Lucignani nel 1966 e interpretata
da Vittorio Gassman, Gina
Lollobrigida e Ugo Tognazzi) allo
spaghetti western John il bastardo
(1967), dal bellico Commandos
(1968), con Lee Van Cleef, al
dramma conventuale La badessa
di Castro (1974).
Armando Crispino (Biella, Italy, 1924 Rome, Italy, 2003), founders of the
Cineclub in Turin and film critic for
the paper “L’Unità,” he worked as a
screenwriter for Antonio Pietrangeli
(March’s Child, 1957, and It Happened
in Rome, 1957), Giuliano Montaldo
(The Reckless, 1965), and Carlo Lizzani
(Requiescant - Kill and Prey, 1967).
He is famous for his thrillers The Dead
Are Alive (1972) and Sun Spots (1975).
He also dabbled with other movie
genres, from the comedy of manners
Pleasant Nights (which he directed
with Luciano Lucignani in 1966, with
performances by Vittorio Gassman,
Gina Lollobrigida, and Ugo Tognazzi)
to the spaghetti western John the
Bastard (1967), from the war movie
Commandos (1968, starring Lee Van
Cleef ) to the convent drama The
Abbess of Castro (1974).
filmografia/filmography
Le piacevoli notti (coregia/codirector
Luciano Lucignani, 1966), John il
bastardo (1967), Commandos (1968),
Faccia da schiaffi (1970), L’etrusco
uccide ancora (1972), La badessa di
Castro (1974), Macchie solari (1975),
Frankenstein all’italiana (1975).
antonio tublén
LFO
CONTENTS
Svezia-Danimarca/Sweden-Denmark, 2013, HD, 98’, col.
regia, sceneggiatura,
montaggio/director,
screenplay, film editing
Antonio Tublén
fotografia/cinematography
Alexander Brøndsted,
Linus Eklund
suono/sound
Samir Dounas
interpreti e personaggi/
cast and characters
Patrik Karlson
(Robert Nord),
Izabella Jo Tschig (Linn),
Per Löfberg (Simon),
Ahnna Rasch (Clara Nord)
produttori/producers
Alexander Brøndsted,
Fredric Ollerstam,
Antonio Tublén
produzione/production
PingPongFilm
**
contatti/contacts
PingPongFilm
Alexander Brøndsted
Tel: +45 292 819 86
[email protected]
www.pingpongfilm.com
Antonio Tublén ha debuttato nel 2004
con il cortometraggio Hollywood, a cui
sono seguiti Havanna (2005) e The
Amazing Death of Mrs Müller (2006),
codiretti con Alexander Brøndsted,
così come il suo primo
lungometraggio Original, presentato
nel 2009 al Tribeca Film Festival e
vincitore dello Shanghai International
Film Festival.
LFO
Robert è un uomo solitario di mezza età, dallo stile di vita
ordinario. Un giorno, mentre sta conducendo degli studi sulle
frequenze audio, scopre che con queste, tramite l’ipnosi, è
possibile controllare la mente umana. Dopo i primi esperimenti
su se stesso, passa ai suoi vicini di casa, tenendoli all’oscuro di
tutto: i risultati sono strabilianti. Ben presto, però, il desiderio di
potere e di rivalsa si fanno strada e Robert, novello Demiurgo,
perde sempre di più il controllo della situazione. Con conseguenze
tanto drammatiche quanto bizzarre.
«Cosa succederebbe se qualcuno si trovasse tra le mani più potere
di quanto è in grado di gestire? Quali sarebbero le conseguenze?
Il film racconta questa storia. Allo spettatore viene posta una
domanda: cosa faresti se ti trovassi in una situazione simile?
Questo succede quando il confine tra morale e immorale è incerto
e la vera natura dell’uomo finisce per rivelarsi: l’oscura verità sui
comportamenti umani».
LFO
Robert is a middle-aged loner who leads an ordinary life. One day,
as he is conducting a study of audio frequencies, he discovers that they
can be used to control the human mind through hypnosis. After first
experimenting on himself, he moves on to his neighbors, keeping them
in the dark about what he’s doing. The results are amazing. But soon,
his desire for power and revenge take over and the modern-day
demiurge steadily loses control of the situation. The consequences are
as dramatic as they are bizarre.
“This is a ‘what if’ story about when someone is handed more power
than they can handle and the consequences of that. But also asks the
viewer the same question – what would you do? This happens when
the boundary of morality is blurred out and the true nature of mankind
reveals itself. The dark truth of human behavior.”
66
AFTER HOURS
Antonio Tublén debuted in 2004 with
the short Hollywood. It was followed
by Havanna (2005) and The Amazing
Death of Mrs Müller (2006), which
he co-directed with Alexander Brøndsted,
as was his first feature film, Original,
presented in 2009 at the Tribeca Film
Festival and winner of the Shanghai
International Film Festival.
filmografia/filmography
Hollywood (cm, 2004), Havanna
(coregia/codirector Alexander
Brøndsted, cm, 2005) e The Amazing
Death of Mrs Müller (coregia/codirector
Alexander Brøndsted, cm, 2006),
Original (coregia/codirector Alexander
Brøndsted, 2009), LFO (2013).
isabell šuba
MÄNNER ZEIGEN FILME & FRAUEN IHRE BRÜSTE
CONTENTS
MEN SHOW MOVIES & WOMEN THEIR BREASTS
Germania/Germany, 2013, HD, 83’, col.
regia/director
Isabell Šuba
sceneggiatura/screenplay
Isabell Šuba,
Lisa Glock
fotografia/cinematography
Johannes Louis
montaggio/film editing
Clemens Walter
musica/music
Hektor Marroquin,
TUBBE
suono/sound
Tina Laschke
interpreti e personaggi/
cast and characters
Anne Haug (Isabell Šuba),
Matthias Weidenhöfer
(David Wentland),
Eva Bay (Viola Vaughn)
produttori/producers
Matthias Weidenhöfer,
Isabell Šuba
produzione/production
Beauty Killed the Beast
coproduzione/coproduction
Hochschule für Film und
Fernsehen «Konrad Wolf»
**
contatti/contacts
Hochschule für Film und
Fernsehen «Konrad Wolf»
Cristina Marx
Tel: +49 03 316 202 564
[email protected]
www.hff-potsdam.de
Isabell Šuba (Berlino, Germania, 1981)
studia presso la Hochschule für Film
und Fernsehen «Konrad Wolf» di
Potsdam-Babelsberg, dove sta
ultimando un master. In precedenza,
nello stesso istituto, ha studiato
media arts design. Ha inoltre diretto
diversi cortometraggi documentari, tra
cui Chica XX Mujer (2010), proiettato
a Cannes e al MoMA di New York, e
diversi altri cortometraggi di finzione.
Männer zeigen Filme & Frauen ihre
Brüste è il suo primo lungometraggio.
GLI UOMINI MOSTRANO FILM, LE DONNE LE TETTE [T.L.]
La giovane regista tedesca Isabell Šuba è entusiasta: un suo
cortometraggio verrà proiettato al 65° Festival di Cannes. Vi si reca
allora con David, il suo produttore, ma le cose si mettono subito
male: il loro appartamento è stato affittato ad altri ospiti della
kermesse, con cui dovranno fare i conti. Anche il rapporto con
David non è dei più facili: il suo comportamento sciovinista e
retrogrado inizia presto a dare sui nervi a Isabell, che lo tollera per
convenienza, visto che sono entrambi alla ricerca di investitori per
progetti futuri. Ma la sgradevole sensazione che si fa presto strada
in lei è che non ci sia spazio per le donne nel mondo del cinema.
«Abbiamo girato questo film nel maggio 2012 durante il 65°
Festival di Cannes, dove ero stata invitata dalla Germanfilms a
partecipare alla sezione cortometraggi con il mio Chica XX Mujer.
Tuttavia l’entusiasmo per la partecipazione a una delle più
prestigiose e importanti rassegne cinematografiche al mondo
si è rapidamente smorzato quando ho scoperto che non un solo
film del concorso era diretto da una donna».
MEN SHOW MOVIES & WOMEN THEIR BREASTS
The young German director Isabell Šuba is enthusiastic: one of her
shorts will be screened at the 65 Cannes Film Festival. She goes there
with David, her producer, but things immediately start going wrong:
their apartment has been rented to other festival guests, with whom
they’ll have to come to terms. Even her relationship with David isn’t
the easiest: his chauvinistic, reactionary behavior soon starts to get on
Isabell’s nerves, but she has to put up with him since they are both
searching for investors for future projects. But the unpleasant feeling
she’s getting is that there is no room for women in the world of movies.
TH
“Our film was made in May 2012 during the 65 Cannes Film Festival
where I was invited to the short film section by Germanfilms for my
short film Chica XX Mujer. However, my enthusiasm for being invited
to one of the most prestigious and important film festivals in the world
was quickly dampened when I heard that not a single film in the
competition had been directed by a woman.”
TH
67
AFTER HOURS
Isabell Šuba (Berlin, Germany, 1981)
studies at the “Konrad Wolf”
Hochschule für Film und Fernsehen
in Potsdam-Babelsberg, where she
is presently completing her master’s
degree. She also studied media arts
design at the same institute. She has
directed various documentary shorts,
including Chica XX Mujer (2010),
which screened at Cannes and at the
MoMA in New York, as well as various
fiction shorts. Männer zeigen Filme
& Frauen ihre Brüste is her first
feature-length film.
filmografia/filmography
Vier deutsche Fäuste (cm, doc., 2005),
12. Etage (cm, doc., 2007), Fußball
ist alles (cm, doc., 2008), Tallulah
& Killerhead (cm, 2009), Chica XX
Mujer (cm, doc., 2010), Jetzt aber
Ballett (cm, 2011), Peter Pan ist tot
(cm, 2012). Männer zeigen Filme
& Frauen ihre Brüste (2013).
dennis iliadis
PLUS ONE
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 97’, col.
regia, soggetto/
director, story
Dennis Iliadis
sceneggiatura/screenplay
Bill Gullo
fotografia/cinematography
Mihai Malaimare Jr.
montaggio/film editing
Yorgos Mavropsaridis
scenografia/
production design
Roshelle Berliner
costumi/costume design
Carol Beadle
musica/music
Nathan Larson
suono/sound
Rich Bologna
interpreti e personaggi/
cast and characters
Rhys Wakefield (David),
Logan Miller (Teddy),
Ashley Hinshaw (Jill),
Natalie Hall (Melanie)
produttori/producers
Dennis Iliadis,
Tim Perell
produzione/production
Process Media
distribuzione/distribution
One Movie Entertainment
**
contatti/contacts
One Movie Entertainment
Luca Colnaghi
Tel: +39 02 84 259 010
[email protected]
www.onemovie.it
Dennis Iliadis (Atene, Grecia) è
cresciuto tra Parigi e Rio de Janeiro
e dopo aver studiato presso la Brown
University, nel Rhode Island, si è
iscritto al Royal College of Art di
Londra. Nel 2004 ha esordito in
Grecia con il controverso thriller
Hardcore, a cui è seguito nel 2009
il suo primo lungometraggio girato
negli Stati Uniti, L’ultima casa a
sinistra, remake dell’omonimo horror
di Wes Craven del 1972.
Parallelamente all’attività
cinematografica, Iliadis ha lavorato
in teatro e diretto spot pubblicitari.
PLUS ONE
Tre compagni di college sono pronti per la festa più clamorosa
dell’anno: ad attenderli una notte di follie tra decine di persone pronte
a tutto pur di divertirsi. Ognuno di loro è alla ricerca di qualcosa di
diverso: l’amore, il sesso o anche solo la possibilità di instaurare
nuovi rapporti. Ma l’esplodere di misteriosi fenomeni sovrannaturali
trasforma radicalmente quella che avrebbe dovuto essere una semplice
nottata di baldoria. E man mano che la situazione sprofonda nel caos,
l’unico obiettivo diventa sopravvivere.
«Per quanto questo progetto possa apparire piuttosto semplice da
un punto di vista narrativo, in realtà ci siamo presi una buona dose di
rischi. Ci sono parecchi elementi di generi diversi – il college party
movie nella sua forma più folle, i fenomeni fantascientifici, i giovani
in una situazione di pericolo – che, combinati tra loro, fanno prendere
alla storia una direzione del tutto inattesa. […] Non si tratta di un film
dell’orrore, sebbene ne contenga alcuni topoi, ci sono anche momenti
comici, e pure una storia d’amore, grande e complicata».
PLUS ONE
Three college pals are ready for the biggest party of the year: a night of
madness with dozens of people ready for anything in the name of fun.
Each of them is searching for something different: love, sex, or even just
the chance to make new friends. But when mysterious supernatural
phenomena start exploding, what was supposed to be a night of revelry is
transformed into something radically different. As the situation descends
into chaos, it becomes clear that the only objective left is survival.
“The project is very high concept while taking immense risks. It takes a
number of very familiar elements – the crazy college party movie, sci-fi
phenomena, teens in danger – and spins them to a totally unexpected
direction. […] It is not a horror movie – although it has quite a few horror
movie elements. There’s comedy too. And a great twisted love story.”
68
AFTER HOURS
Dennis Iliadis (Athens, Greece) grew
up in Paris and Rio de Janeiro. After
studying at Brown University, in Rhode
Island, he enrolled at London’s Royal
College of Art. In 2004, he debuted in
Greece with the controversial thriller
Hardcore, followed in 2009 by his first
feature film shot in the United States,
The Last House on the Left, a remake
of the homonymous horror movie made
by Wes Craven in 1972. Besides his work
as a filmmaker, Iliadis has also worked
in theatre and has directed commercials.
filmografia/filmography
Ole (cm, 1994), Proini ptosi (cm,
1997), Hardcore (2004), The Last
House on the Left (L’ultima casa a
sinistra, 2009), Plus One (id., 2013).
shane meadows
THE STONE ROSES: MADE OF STONE
CONTENTS
Regno Unito/UK, 2013, HD, 96’, col.
regia/director
Shane Meadows
fotografia/cinematography
Laurie Rose
montaggio/film editing
Matthew Gray,
Chris King,
Tobias Zaldua
musica/music
The Stone Roses
interpreti/cast
Ian Brown,
Gary Mounfield,
John Squire,
Alan Wren
produttore/producer
Mark Herbert
produzione/production
Warp Films
coproduzione/coproduction
Film4,
Big Arty Productions
**
contatti/contacts
Altitude Film Sales
Mike Runagall
Tel: +44 207 612 06 62
[email protected]
www.altitudefilment.com
STONE ROSES: MADE OF STONE
2012: gli Stones Roses, band culto della scena musicale
Madchester, si riuniscono dopo sedici anni. Le prove per il nuovo
tour si intrecciano con immagini d’archivio, con i ricordi di chi
è stato colpito dalla loro musica e con i momenti più belli delle
tre date estive al Manchester’s Heaton Park, davanti a una folla
di 220.000 fan, adoranti.
«Nel 1990 avevo diciassette anni e un biglietto per Spike Island
[sede di un celebre concerto degli Stone Roses, ndr]. Per uno che
veniva da una città come Uttoxeter, era un bel colpo. Ma la notte
prima del concerto presi un acido e feci il viaggio più terribile
della mia vita; non so perché, ma regalai il mio biglietto a uno
sconosciuto. Quando la mattina dopo me ne resi conto, l’autobus
per Spike Island era partito. Vent’anni dopo, nell’ottobre del 2011,
Ian Brown mi telefona per dirmi che la mia band preferita si sta
riunendo: il sogno più grande di ogni fan dei Roses. Mi ha chiesto
di riprendere la conferenza stampa e io ho detto: “Spero che
abbiate intenzione di fare un film: solo, non date il lavoro
a nessun altro, lo faccio io”».
STONE ROSES: MADE OF STONE
2012: The Stone Roses, the iconic band of the Madchester music scene,
reunite after a sixteen-year-long hiatus. The rehearsals for the new
tour intertwine with archive footage, the personal experiences of people
touched by their music, and the best moments from the three summer
concerts at Manchester’s Heaton Park where the band performed
in front of 220,000 adoring fans.
“In 1990 I was seventeen, and had a ticket for Spike Island. For
someone from a town like Uttoxeter, this was a big deal. But the night
before the gig, I took acid, and had the most horrendous trip ever. For
some reason, I gave my ticket away to some bloke I met in the street.
I woke up the next morning and realised what I’d done but the bus had
left, and I wasn’t going to Spike Island. Roll on twenty-two years and
on October 2011 Ian Brown rings to tell me my favourite band of all
time are getting back together again. It was every Roses fan’s wildest
dream. Then he said they wanted me to film the press conference.
I said, ‘Well, I hope you’re going to ask about making a film – just
don’t give anyone else the job, I’ll do it.’”
69
AFTER HOURS
Shane Meadows (Uttoxeter, Regno
Unito, 1972), dopo aver abbandonato
la scuola ed essersi dedicato ai lavori
più svariati, ha cominciato a girare
i primi cortometraggi ed è stato
ingaggiato dal produttore Stephen
Woolley per dirigere il film
Ventiquattrosette (1997), che ha
partecipato a numerosi festival
e vinto diversi premi, tra cui il Fipresci
a Venezia. Con C’era una volta in
Inghilterra ha partecipato al Festival
di Cannes nel 2002, mentre nel 2006
ha presentato a Toronto This Is
England, dal quale ha poi tratto e
diretto due serie televisive. Nel 2008
il Torino Film Festival ha presentato
Somers Town e l’anno successivo
il mockumentary Le Donk &
Scor-Zay-Zee.
Shane Meadows (Uttoxeter, UK, 1972),
after dropping out of school, tried a
variety of jobs until he started shooting
short films. Film producer Stephen
Woolley signed him to direct Twenty
Four Seven (1997), which was presented
in several international film festivals
and won numerous awards such
as the FIPRESCI Award at Venice.
The following comedy Once Upon
a Time in the Midlands was selected
at the Cannes Film Festival, and in 2000
he presented at Toronto Film Festival
This Is England: the film was followed
by two tv series, also directed by
Meadows. In 2008 Somers Town
was screened at Turin Film Festival,
which the following year showed
the mockumentary Le Donk &
Scor-Zay-Zee.
filmografia essenziale/
essential filmography
King of the Gypsys (cm, 1995), Small
Time (1996), Where’s the Money,
Ronnie? (cm, 1996), Twenty Four
Seven (Ventiquattrosette, 1997),
A Room for Romeo Brass (1999), Once
Upon a Time in the Midlands (C’era
una volta in Inghilterra, 2002), Dead
Man’s Shoes (2004), Northern Soul
(mm, 2004), The Stairwell (cm, 2005),
This Is England (id., 2006), Somers
Town (2008), Le Donk & Scor-Zay-Zee
(2009), The Stone Roses: Made
of Stone (doc., 2013).
logan miller
SWEETWATER
CONTENTS
Usa, 2013, 35mm, 93’, col.
regia/director
Logan Miller
soggetto/story
Andrew McKenzie
sceneggiatura/screenplay
Logan Miller,
Noah Miller
fotografia/cinematography
Brad Shield
montaggio/film editing
Robert Dalva
scenografia/
production design
Waldemar Kalinowski
costumi/costume design
Hala Bahmet
musica/music
Martin Davich
interpreti e personaggi/
cast and characters
January Jones (Sarah
Ramírez), Jason Isaacs
(il profeta/prophet Josiah),
Ed Harris (lo sceriffo/
sheriff Jackson),
Eduardo Noriega (Miguel),
Stephen Root (Hugh),
Jason Aldean (Daniel),
Vic Browder (Martin)
produttori/producers
Jason Netter,
Trevor Drinkwater,
Noah Miller
produzione/production
Kickstart Productions,
Mythic International
Entertainment,
Raindance Entertainment
**
SWEETWATER
New Mexico. Sarah e Miguel possiedono della terra e sono pronti
a lavorare sodo per coltivarla. È la fine del diciannovesimo secolo,
epoca di villaggi di cowboy, di carovane e predicatori: e proprio
uno di questi, il potente ministro della chiesa Josiah, decide di
ostacolare i piani di Sarah e Miguel, e uccide quest’ultimo.
La legge non scritta del villaggio costringe Sarah a subire le
molestie di Josiah e ad arrendersi alla perdita del compagno:
ma un giorno dalla città arriva un nuovo sceriffo intenzionato
a fare giustizia, e Sarah trova finalmente il coraggio reagire.
«Crediamo che qualsiasi cosa considerata sacra nell’arte sia
pericolosa. Quando qualcosa è sacralizzato, è privato della
possibilità di evolvere e diventa inutile sia per l’arte stessa sia
per l’umanità. […] Volevamo perciò andare al di là di molte
convenzioni del western, creare una tragedia senza vincitori, senza
personaggi monolitici; un mondo dove tutti sono presi in mezzo a
un racconto oscuro, contorto, osceno: una triangolo di sangue che
prende fuoco fra le colline del New Mexico». (Logan e Noah Miller)
SWEETWATER
New Mexico. Sarah and Miguel own a patch of land, and they are
ready to work hard to cultivate it. It is the end of the 19 century,
a time of cowboys caravans and preachers. But the powerful local
religious leader, a man called Prophet Josiah, decides to ruin Sarah
and Miguel’s plans, and kills Miguel. The town’s unwritten law is clear:
Sarah can only submit to Josiah’s persecution and surrender to her
husband’s death. But one day a new sheriff arrives from the city to
bring justice to town, and Sarah finally finds the courage to react.
TH
contatti/contacts
Atlas International Film
Susanne Groh
Tel: + 49 89 210 975
[email protected]
www.atlasfilm.com
“We have the opinion that anything considered sacred in art is
dangerous. When something is sacred it is devoid of the prospect of
evolution, which benefits neither art nor mankind. […] We wanted
to look beyond many of the Western genre conventions, to create a
tragedy with no winners, no simply defined good characters, a world
where everyone is screwed up – a dark, twisted, and sordid narrative,
a blood triangle burning across the New Mexican highlands.”
(Logan and Noah Miller)
70
AFTER HOURS
Logan Miller (California, Usa) lavora
sempre in coppia con il gemello
Noah, con cui, oltre alla fase di
sceneggiatura, condivide anche
quella della regia. Eclettici e creativi,
i due sono giocatori di baseball
professionisti e hanno svolto lavori
saltuari come l’imbianchino e
l’annunciatore di numeri al bingo.
Per un certo periodo sono stati
anche modelli, ma non appena
hanno potuto, con in mano
diciassette carte di credito, hanno
scritto, girato e interpretato il loro
primo film, Touching Home (2008).
Il racconto di come abbiano fatto
a realizzare un film in meno di un
anno è poi diventato un libro, edito
in America da Harper: Either You’re in,
or You’re in the Way. Sweetwater è il
loro secondo lungometraggio.
Logan and Noah Miller (CA, USA)
are twin brothers who always work
together, co-writing and co-directing
movies. Eclectic and creative, they are
also professional baseball players, they
have done odd jobs ranging from
painting houses, to bingo callers,
and they were also models for a while.
But as soon as they could, with
seventeen credit cards in their pocket,
they wrote, directed, and even played
parts in their first feature film
Touching Home (2008). The story
of how they managed to make a movie
in less than a year then became a book,
Either You’re in, or You’re in the Way,
published in the United States by
Harper. Sweetwater is their second
movie.
filmografia/filmography
Logan Miller, Noah Miller:
Touching Home (2008).
Logan Miller:
Sweetwater (2013).
aa.vv.
V/H/S/2
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 96’, col.
regia/directors
Simon Barrett (Tape 49),
Adam Wingard (Phase
I Clinical Trails), Edúardo
Sanchez, Gregg Hale
(A Ride in the Park), Timo
Tjahjanto, Gareth Huw
Evans (Safe Haven), Jason
Eisener (Slumber Party
Alien Abduction)
sceneggiatura/screenplay
Simon Barrett (Tape 49,
Phase I Clinical Trails), Jamie
Nash (A Ride in the Park),
Timo Tjahjanto, Gareth
Huw Evans (Safe Haven),
Jason Eisener, John Davies
(Slumber Party Alien
Abduction)
fotografia/cinematography
Tarin Anderson (Tape 49),
Seamus Tierney (Phase
I Clinical Trial), Stephen
Scott (A Ride in the Park),
Abdul Dermawan Habir
(Safe Haven), Jeff Wheaton
(Slumber Party Alien
Abduction)
montaggio/film editing
David Geis (Tape 49), Adam
Wingard (Tape 49, Phase
I Clinical Trails), Bob Rose,
Edúardo Sanchez (A Ride in
the Park), Gareth Huw
Evans (Safe Haven), Jason
Eisener (Slumber Party Alien
Abduction)
interpreti/cast
Lawrence Michael Levine
(Tape 49), Hannah Hughes
(Phase I Clinical Trails),
Jay Saunders (A Ride in the
Park), Riley Eisener, Rylan
Logan (Slumber Party Alien
Abduction), Facry Albar
(Safe House)
produzione/production
Gary Binkow, Brad Miska,
Roxanne Benjamin
**
contatti/contacts
Memento Films
Marion Klotz
Tel: + 33 153 349 027
Simon Barrett ha scritto e prodotto
V/H/S e collabora con la Warner Bros.
Adam Wingard ha diretto gli episodi
Tape 56 di V/H/S e Q Is for Quack di
The ABCs of Death (2012).
Edúardo Sanchez è nato a Cuba ma
vive e lavora nel Maryland. Nel 1999
ha scritto e diretto con Daniel Myrick
The Blair Witch Project.
Gregg Hale, principalmente
produttore, ha lavorato con Edúardo
Sanchez per The Blair Witch Project
e Altered - Paura dallo spazio profondo
(2006).
Timo Tjahjanto (1980) sta ultimando
con Kimo Stamboel il thriller Killers,
coproduzione nippoindonesiana.
V/H/S/2
Larry e Ayesha, due investigatori privati, vengono ingaggiati per
scoprire che fine abbia fatto uno studente universitario. Quando
fanno irruzione nel suo appartamento trovano una grande quantità
di vhs, televisori e un computer portatile acceso che sta registrando
un video. Fermata la registrazione, la mandano indietro per vedere
di cosa si tratta, senza immaginare quello che li attende… Sequel
dell’horror antologico V/H/S (presentato lo scorso anno al Torino
Film Festival), composto dagli episodi Tape 49, Phase I Clinical
Trials, A Ride in the Park, Safe Haven, Sumber Party Alien Abduction.
Gareth Huw Evans (Regno Unito)
nel 2009 ha diretto l’action movie
indonesiano Merantau e nel 2011
The Raid, presentato al TFF.
Jason Eisener ha ottenuto due
menzioni speciali al Sundance
Film Festival con il cortometraggio
Treevenge (2008) e il lungo Hobo with
a Shotgun (2011), interpretato da
Rutger Hauer.
«Quando abbiamo realizzato V/H/S non avevamo pianificato
nulla, ci siamo letteralmente inventati la struttura e l’impostazione
stilistica man mano che procedevamo con le riprese. Se con il film
precedente l’idea era creare un’antologia horror autentica in tutti
i suoi dettagli e nello stile, con questa seconda prova volevamo
sperimentare tutte le opportunità cinematografiche messe a
disposizione dal found footage». (Adam Wingard)
Simon Barrett wrote and produced
V/H/S and collaborates with Warner
Bros.
V/H/S/2
Edúardo Sanchez was born in Cuba but
lives and works in Maryland. In 1999, he
and Daniel Myrick wrote and directed
The Blair Witch Project.
Larry and Ayesha, two private eyes, are hired to discover what has
happened to a university student. When they burst into his apartment
they find a lot of VHS machines,TV sets and a laptop computer that
is turned on and recording a video. They stop the video and rewind it
to see what it is about, without imagining what is about to happen
to them… A sequel of the horror anthology V/H/S, which was
presented at last year’s Torino Film Festival, it is composed of the
episodes Tape 49, Phase I Clinical Trials, A Ride in the Park, Safe
Haven, and Slumber Party Alien Abduction.
“When we made V/H/S there was no plan in place, we were literally
inventing the structure and tone as we went along. If the thesis of the
first film was to create a gritty stylized authentic horror anthology then
it was my intention this time around to experiment with the more
cinematic opportunities that found footage can offer.” (Adam Wingard)
[email protected]
Adam Wingard directed the episodes
Tape 56 for V/H/S and Q Is for Quack
for The ABCs of Death (2012).
Gregg Hale, primarly producer, has
worked with Edúardo Sanchez, on The
Blair Witch Project and Altered (2006).
Timo Tjahjanto (1980), with Kimo
Stamboel, is completing the thriller
Killers, a Japanese-Indonesian
co-production.
Gareth Huw Evans (UK) directed
the Indonesian action movie Merantau
in 2009 and The Raid in 2011, presented
at that year’s Torino Film Festival.
Jason Eisener received two special
mentions at the Sundance Film Festival
for his short Treevenge (2008) and the
feature-length Hobo with a Shotgun
(2011), starring Rutger Hauer.
71
AFTER HOURS
emanuel hoss-desmarais
WHITEWASH
CONTENTS
Canada, 2012, HD, 88’, col.
regia/director
Emanuel Hoss-Desmarais
sceneggiatura/screenplay
Marc Tulin,
Emanuel Hoss-Desmarais
fotografia/cinematography
André Turpin
montaggio/film editing
Arthur Tarnowski
scenografia/
production design
Emmanuel Fréchette
costume/costume design
Myriam Hoss-Desmarais
musica/music
Serge Nakauchi Pelletier
suono/sound
Pierre Bertrand
interpreti e personaggi/
cast and characters
Thomas Haden Church
(Bruce Landry),
Marc Labrèche
(Paul Blackburn)
produttori/producers
Luke Déry, Kim McCraw
produzione/production
micro_scope
**
contatti/contacts
Entertainment One
Ruby Rondina
[email protected]
www.entertainmentone.com
MASCHERARE [T.L.]
Mentre sta guidando ubriaco il suo spazzaneve durante una
tempesta di neve, Bruce investe accidentalmente un altro uomo,
uccidendolo. Preso dal panico, si nasconde in una foresta.
Lo attendono un inverno durissimo e l’oppressione del senso
di colpa, reso ancora più insostenibile dal fatto che, per questioni
di sopravvivenza, Bruce è costretto ad affidarsi al mezzo che lo ha
precipitato in questo incubo.
«Lo spazzaneve può essere considerato a tutti gli effetti un
personaggio. Mi piaceva l’idea che questa macchina, bloccata
da Madre Natura, finisse per essere personificata attraverso gli
occhi di Bruce. Bruce, in definitiva, cerca di trasferire su di lei
il suo senso di colpa, arrivando ad accusarla per quanto
è capitato. Il loro rapporto si evolve quando Bruce comincia
a capire quello che è successo alla sua vittima e riesce a superare
il trauma. In fondo vittima e carnefice condividono la stessa
traiettoria: entrambi hanno un passato difficile e finiscono per
scontrarsi per colpa di un tragico evento che ovviamente cambia
il loro destino».
WHITEWASH
As Bruce, drunk, drives his snowplow during a snowstorm, he
accidentally hits another man and kills him. Panic-stricken, he hides
in a forest, where he passes a rough winter, oppressed by guilty feelings
that are made even more unbearable by the fact that his survival
depends on the very machine that plunged him into this nightmare.
“The plow is definitely an important character. I liked the idea that
this machine, paralyzed by Mother Nature, ends up taking a human
form through the eyes of Bruce. And Bruce eventually tries to transfer
his guilt over to the plow and even gets to the point where he blames
it for what happened. Finally, their relationship evolves as Bruce begins
to make sense of and even cope with what happened to the victim.
And in a weird way, Bruce and the victim share a similar trajectory.
They both have a difficult past and they collide through this tragic
event which obviously impacts their fate.”
72
AFTER HOURS
Emanuel Hoss-Desmarais lavora
come regista cinematografico e
pubblicitario dal 2001. Con i suoi spot
ha vinto numerosi premi in tutto il
mondo, tra cui tre volte il Créa, il
più importante riconoscimento in
campo pubblicitario del Quebec.
Ha esordito al cinema nel 1997 con
il cortometraggio L’amour parallèle,
a cui sono seguiti Table 13 (2003)
e Marius Borodine (2010), apprezzato
nei festival di tutto il mondo.
Whitewash rappresenta il suo debutto
nel lungometraggio. Come attore ha
preso parte a numerose produzioni
internazionali, tra cui The Day After
Tomorrow - L’alba del giorno dopo
(2004) di Roland Emmerich.
Emanuel Hoss-Desmarais has been
a movie and advertising director since
2001. His commercials have won many
prizes throughout the world, including
three Créa Awards, Quebec’s highest
recognition in the field of advertising.
He debuted in cinema in 1997 with
the short L’amour parallèle, which was
followed by Table 13 (2003) and Marius
Borodine (2010), admired at festivals
world-wide. Whitewash is his first
feature film. As an actor, he has
participated in numerous international
productions, including The Day After
Tomorrow (2004) by Roland Emmerich.
filmografia/filmography
L’amour parallèle (cm, 1997), Table 13
(cm, 2003), Marius Borodine (cm,
2010), Whitewash (2012).
quentin dupieux
WRONG COPS
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 90’, col.
regia, sceneggiatura,
fotografia, montaggio/
director, screenplay,
cinematography,
film editing
Quentin Dupieux
scenografia/
production design
Joan Le Boru
musica/music
Mr Oizo
suono/sound
Zgolt Magyar
interpreti e personaggi/
cast and characters
Mark Burnham
(agente/officer Duke),
Eric Judor (agente/
officer Rough),
Steve Little (agente/
officer Sunshine),
Marilyn Manson
(David Dolores Frank),
Eric Wareheim
(agente/officer De Luca),
Grace Zabriskie (Donna),
Arden Myrin (agente/
officer Holmes),
Ray Wise (capitano/
captain Andy),
Steve Howey (Sandy),
Daniel Quinn
(vicino di casa/neighbor)
produttori/producers
Gregory Bernard,
Josef Lieck,
Diane Jassem
coproduttori/coproducers
Sergei Selyanov,
Daniel Goroshko
produzione/production
Realitism Films
coproduzione/coproduction
CTB Film Company
**
contatti/contacts
Le Pacte
Arnaud Aubelle
Tel: + 33 01 446 959 59
[email protected]
www.le-pacte.com
73
SBIRRI SBAGLIATI [T.L.]
La quotidianità allucinata, ma non per questo meno ridicola,
di un gruppo di poliziotti che, in una Los Angeles mai così surreale,
fanno di tutto per comportarsi male, dando sfogo ai loro istinti
più bassi e contravvenendo loro per primi alla legge. Quando
ci scappa il morto, la situazione sembra sfuggire di mano:
e tra ricatti, improbabili alleanze e situazioni paradossali, l’epilogo
non può che essere tutto da ridere. Colonna sonora del re
dell’elettronica Mr Oizo, alter ego del regista Quentin Dupieux.
«Abbiamo girato i primi trenta minuti, il primo capitolo, con
Marilyn Manson. Non pensavamo di fare un lungometraggio,
quanto piuttosto un corto per promuovere la mia musica.
Ma alla fine ci è piaciuto così tanto ed eravamo tutti così entusiasti
che abbiamo deciso di andare avanti con le riprese. Allora ho capito
che se avessi girato altri sette episodi sarebbe diventato un film
vero e proprio. E così è stato: un film diviso in capitoli, ma pur
sempre un film».
WRONG COPS
The wild-eyed, but nevertheless ridiculous, daily life of a group of cops
who, in an unusually surreal Los Angeles, do everything possible to
misbehave, giving full rein to their worst instincts and being the first
to break the law. When somebody dies, the situation seems to be out
of control. What with blackmail, improbable alliances and bizarre
situations, the ending could only be funny. The soundtrack is by the
king of electronic music, Mr Oizo, the alter ego of director Quentin
Dupieux.
“We shot the first chapter, the first thirty minutes, with Marilyn
Manson. It was not supposed to be a movie, it was supposed to
be a small short film to promote my music. But then we loved it and
everyone was so excited about it we decided to shoot more. But then
I realized if I shot seven more episodes it would be a movie. It became
a movie; it’s a chapter movie but it’s a movie.”
AFTER HOURS
Quentin Dupieux (Parigi, Francia,
1974), meglio noto come Mr Oizo,
è un dj e produttore di fama
internazionale, conosciuto per
la hit Flat Beat, scaturita dalla
collaborazione col marchio Levi’s, per
cui ha girato una serie di celebri spot
pubblicitari nel 1999. Come regista
ha esordito con il mediometraggio
Nonfilm (2002), nel quale emerge
il peculiare gusto per l’assurdo e il
nonsense che caratterizzerà anche
i successivi Steak (2007) e soprattutto
Rubber (2010), presentato alla
Semaine de la critique di Cannes.
Con il lungometraggio Wrong (2012)
ha partecipato al 30° Torino Film
Festival.
Quentin Dupieux (Paris, France, 1974),
better known as Mr Oizo, is a worldfamous DJ and producer, known for his
hit Flat Beat, which originated from his
collaboration with Levi’s, for which he
shot a series of popular ads in 1999.
He debuted as a director with the
medium-length movie Nonfilm (2002),
which revealed his particular taste for
the absurd and the nonsense that also
characterized his next movies, Steak
(2007) and above all Rubber (2010),
presented at the Semaine de la critique
in Cannes. His feature film Wrong
(2012) participated at the 30 Torino
Film Festival.
TH
filmografia/filmography
Nonfilm (mm, 2012), Steak (2007),
Rubber (2012), Wrong (2012),
Wrong Cops (2013).
CONTENTS
L’image manquante (2013) di Rithy Panh
CONTENTS
TFFDOC
INTERNAZIONALE.DOC
| MIGUEL MORAES CABRAL OS CAMINHOS DE JORGE | LAMINE AMMAR-KHODJA
| JOAQUIM PINTO E AGORA? LEMBRA-ME | JIDE TOM AKINLEMINU PORTRAIT OF
A LONE FARMER | BEN RIVERS, BEN RUSSELL A SPELL TO WARD OFF THE DARKNESS | ROBERTO MINERVINI STOP
THE POUNDING HEART | CARMIT HARASH TRÊVE | PETER SNOWDON THE UPRISING | XU RUOTAO, J.P. SNIADECKI,
MIA ENGBERG BELLEVILLE BABY
CHRONIQUES ÉQUIVOQUES
HUANG XIANG YUMEN
I TA L I A N A . D O C
| EDOARDO MORABITO I FANTASMI DI SAN BERILLO | MASSIMO DONATI, ALESSANDRO
| CLAUDIO CASAZZA, LUCA FERRI HABITAT [PIAVOLI] | YUKAI EBISUNO, RAFFAELLA MANTEGAZZA
IL LAGO | MAITE VITORIA DANERIS EL LUGAR DE LAS FRESAS | PENELOPE BORTOLUZZI LA PASSIONE DI ERTO |
GRETA DE LAZZARIS ROSARNO | FRANCESCA FRIGO SANPERÈ! - VENISSE IL FULMINE | CYOP&KAF IL SEGRETO |
NICOLA GRIGNANI, ALBERTO MUSSOLINI, LUCA SCAFFIDI, VALERIA TESTAGROSSA, ANDREA ZAMBELLI STRIPLIFE |
CLAUDIA MARELLI EMMAUS
LEONE FUORISCENA
CLAUDIO GIOVANNESI WOLF
DOCUMENTI
| ALBERTO GRIFI, MASSIMO SARCHIELLI ANNA (MATERIALI ESPANSI) | FILIPA CÉSAR
| CLAUDE LANZMANN LE DERNIER DES INJUSTES | FILIPA CÉSAR THE EMBASSY | HORACIO ALCALÁ
GRAZING THE SKY | RITHY PANH L’IMAGE MANQUANTE | MATI DIOP MILLE SOLEILS | DONATELLO FUMAROLA,
ALBERTO MOMO PAROLE E UTOPIA #6 ALBERTO GRIFI | PAROLE E UTOPIA #10 BÉLA TARR | YERVANT GIANIKIAN,
ANGELA RICCI LUCCHI PAYS BARBARE | JOHN AKOMFRAH THE STUART HALL PROJECT | JEAN-MARC LAMOURE
TARR BÉLA, I USED TO BE A FILMMAKER
GYM LUMBERA ANAK ARAW
CACHEU
TFFdoc
CONTENTS
DI DAVIDE OBERTO
Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker (2013) di Jean-Marc Lamoure
«Si può filmare solo la realtà,
ma la si può anche creare».
Béla Tarr
76
Al Torino Film Festival, e in particolare in
TFFdoc, da sempre cerchiamo di far saltare
i confini tra i generi. Ci siamo chiesti quale
possa essere il senso di uno spazio dedicato
esplicitamente al cinema documentario, nel
momento in cui anche i grandi festival
cominciano ad abbattere gli steccati, e abbiamo
deciso di rispondere con una programmazione
varia, nei temi e nelle forme, capace di disegnare
sugli schermi delle sale del Festival la vitalità
esplosiva che il documentario ha e che può
aprire nuove strade per il cinema
contemporaneo. Insomma, abbiamo costruito
un confine, ma solo per il piacere di farlo saltare.
Nelle due competizioni troverete un ventaglio
di storie e di temi raccontati nei modi più
diversi, spesso con un coinvolgimento diretto
del (o della) regista nel proprio film, a
dimostrazione di come la storia e la politica non
siano solo accadimenti estranei a chi li narra,
ma ne informino concretamente la vita. Un altro
dato interessante è la presenza in Italiana.doc
di un numero altissimo di primi e secondi
lungometraggi, tra l’altro di autori che arrivano
al Torino Film Festival per la prima volta: una
sorta di incoraggiante ricambio generazionale.
Nello spazio fuori concorso, Documenti,
abbiamo cercato di individuare/creare alcuni
percorsi tematici e formali. Un posto speciale
trova il focus dedicato alle tematiche coloniali
e postcoloniali. Abbiamo dedicato alcuni spazi
al rimosso coloniale della storia, soprattutto
europea, perché pensiamo sia un modo per
dotarsi di strumenti fondamentali per capire
molti aspetti della contemporaneità (dalla
TFFDOC
costruzione delle identità nazionali e non, alle
questioni legate alle migrazioni). Il film che ci ha
convinti a seguire questo percorso è The Stuart
Hall Project del cofondatore del Black Audio Film
Collective, e gigante del cinema documentario,
John Akomfrah, dedicato alla figura di Stuart Hall
– creatore dei cultural studies e uno dei teorici più
acuti del nostro tempo insieme a Noah
Chomsky, Michel Foucault e Susan Sontag.
Nel focus, insieme a Pays barbare, il grido
lancinante che Yervant Gianikian e Angela Ricci
Lucchi levano per squarciare il silenzio sul
passato coloniale e sul presente barbarico
italiano, trovano posto la folgorante opera
prima di un giovane regista filippino, Anak
araw - Albino di Gym Lumbera, due lavori
della videoartista portoghese Filipa César, The
Embassy e Cacheu, e Mille Soleils di Mati Diop,
ricerca, quarant’anni anni dopo, dei protagonisti
del film culto Touki Bouki - Il viaggio della iena
di Djibril Diop Mambéti.
Due maestri del cinema, Claude Lanzmann
e Rithy Panh, attraverso i loro ultimi film,
Le dernier des injustes e L’image manquante,
ci pongono di fronte all’impossibilità di narrare
per immagini l’indicibilità dello sterminio e alla
necessità di doverlo fare.
Infine abbiamo creato un corto circuito tra due
registi tra loro apparentemente lontanissimi,
ma che speriamo possa dar vita a un gioco di
sguardi e di immagini sulla possibilità del
cinema di confrontarsi con la realtà: da un lato
Béla Tarr, il grande autore ungherese che ha
annunciato il ritiro con Il cavallo di Torino, il film
Orso d’argento a Berlino a cui è dedicato il
documentario Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker
di Jean-Marc Lamoure; dall’altro lato Alberto
Grifi, la cui riflessione sul cinema e sul
documentario continua a essere di stimolo per
i cineasti italiani e non solo, come ha dimostrato
l’interesse suscitato dalla versione restaurata di
Anna, il film girato da Grifi e Massimo Sarchielli
tra il 1973 e il 1975. In collaborazione con la
Cineteca Nazionale e la Galleria Alberto Peola
di Torino, mostreremo le tredici ore circa che
raccolgono tutti i materiali, sia pellicola che
video, utilizzati per realizzare Anna. I due registi
si incroceranno virtualmente in sala attraverso
le interviste che due critici e cineasti italiani,
Alberto Momo e Donatello Fumarola, hanno
realizzato con loro e che sono parte di un
ambizioso progetto di creazione di un Atlante
sentimentale del cinema per il XXI secolo.
TFFdoc
CONTENTS
BY DAVIDE OBERTO
Anna (1975) di Alberto Grifi, Massimo Sarchielli
“You can only film
reality, but you can
also create it.”
Béla Tarr
77
We always like to break the boundaries between
genres at the Torino Film Festival, and especially
with TFFdoc. We asked ourselves what could be
the purpose of a section explicitly dedicated to
documentary films at a time when major film
festivals are starting to tear down the barriers.
So we decided to respond with an multifaceted
program, varying in themes and forms, capable
of capturing on the Festival’s screens the explosive
vitality of documentaries, which can open new
paths for contemporary cinema. Basically, we
set some boundaries for the pure pleasure of
blowing them up. Both the international
competition Internazionale.doc, and the Italian
competition Italiana.doc present a wide range
of stories and themes; they are narrated in a
variety of ways, often with the direct involvement
of the director, showing they are not outside
history and politics, but that they are concretely
(in)formed by it. Another interesting aspect is
the presence in Italiana.doc of a substantial
number of filmmakers debuting or presenting
their second feature-length documentary; many
of them are at the Torino Film Festival for the
first time: an encouraging generational turnover.
In the out of competition section Documenti,
we tried to find and create style-and theme-based
itineraries. We reserved a special focus on colonial
and post-colonial issues because we were convinced
that by giving space to the repressed facets of our
colonial history, we could provide the fundamental
instruments to understand many aspects of
contemporary societies (from the creation of
national and non-national identities, to issues
related to migration).
TFFDOC
The film that convinced us to undertake this path
was The Stuart Hall Project: the film tribute made
by the co-founder of the Black Audio Film Collective
and legendary documentarian John Akomfrah,
dedicated to Stuart Hall, cultural studies pioneer
and one of the brightest intellectuals of our time
along with Noah Chomsky, Michel Foucault
and Susan Sontag. The special focus features:
Pays barbare, the piercing outcry raised by Yervant
Gianikian and Angela Ricci Lucchi to break the
silence shrouding Italy’s colonial past and its
barbaric present; Anak araw - Albino, the striking
first feature-length film by the young Filipino
director Gym Lumbera; two films by the Portuguese
videoartist Filipa César, The Embassy and Cacheu;
and Mati Diop’s search in Mille Soleils for the
protagonists of the cult movie Touki Bouki - The
Journey of the Hyena forty years after it was
made by Djibril Diop Mambéty.
Two masters of cinema, Claude Lanzmann and
Rithy Panh place us in front of the impossibility
of narrating with images the unspeakable atrocities
of genocide and of the necessity of talking about it
with their latest movies Le dernier des injustes
and L’image manquante.
Finally, we also created short circuit between two
filmmakers apparently far from each other, hoping
that this combination would generate a game
of glances and images on cinema’s possibility
of confronting itself with reality. On one side,
a documentary by Jean-Marc Lamoure dedicated
to Béla Tarr, the great Hungarian filmmaker who
announced his retirement with The Turin Horse
(winner of a Silver Bear in Berlin). On the other,
Alberto Grifi, whose reflections on cinema and
documentary films continue to stimulate
filmmakers from Italy and beyond, as demonstrated
by the renewed interest stirred by the restored
version of the movie Anna (which Grifi and
Massimo Sarchielli originally shot between 1973
and 1975). Thanks to the collaboration with the
Italian National Film Archive and the Alberto
Peola Contemporary Art Gallery of Turin, we will
show the thirteen hours of footage, both film and
video, used to make Anna. The two directors will
cross paths virtually in the movie theater through
their interviews made to two Italian critics and
filmmakers, Alberto Momo and Donatello
Fumarola, as part of an ambitious project to
create an ‘emotional atlas of cinema for the
21 century.’
ST
mia engberg
BELLEVILLE BABY
CONTENTS
Svezia/Sweden, 2013, video-Super8, 75’, col.
regia, fotografia,
montaggio/
director, cinematography,
film editing
Mia Engberg
musica/music
Michel Wenzer
suono/sound
Jan Alvermark,
Owe Svensson
interprete/cast
Olivier Desautel (voce
di Vincent/Vincent’s voice)
produttore/producer
Tobias Janson
produzione/production
Story AB
coproduzione/coproduction
Sveriges Television,
Ingemar Persson
**
contatti/contacts
Svenska Filminstitutet
Sara Rüster
Tel: +46 866 511 41
[email protected]
www.sfi.se
BELLEVILLE BABY
Una telefonata inattesa: dopo anni di prigione Vincent si mette in
contatto con la sua ex. I due non si sentono da tempo, dal giorno
in cui Vincent sparì nel nulla, senza preavviso, lasciando il vuoto
dietro di sé. La sua è una richiesta d’aiuto: sta cercando di
ricostruirsi una vita, partendo dal passato. Vuole riprendere
possesso dei ricordi comuni, del tempo trascorso insieme. Per la
protagonista tornare su una vicenda che credeva conclusa non è
facile ma, piano piano, le immagini cominciano a scorrere:
l’incontro a Parigi, le manifestazioni politiche, la Vespa e il gatto
chiamato Baby. E se fosse tutto frutto della sua immaginazione?
«Quando ho iniziato a lavorare, il film somigliava più a una
raccolta di cortometraggi. Pensavo sarebbe stato adatto per il
circuito d’essai o per le gallerie d’arte, dato che sarebbe stato
possibile scomporlo e mostrarlo a piacimento. Dopo, però, ho
cominciato a considerare il racconto come un’unica storia.
E solo alla fine le cose hanno iniziato a comporsi fra loro».
BELLEVILLE BABY
An unexpected phone call: after twelve years in prison, Vincent gets in
touch with his ex. They haven’t heard each other in a while, ever since
Vincent suddenly disappeared into thin air, leaving a void behind him.
The call is a cry for help: he is trying to rebuild his life, starting from
where the past. He wants to reminisce about their shared memories,
about the time they spent together. It isn’t easy for the woman to stir
up what she believed was over, but the images slowly start to flow:
meeting in Paris, the political demonstrations, the Vespa, the cat
called Baby. What if it were all a figment of her imagination?
“When I started to work on the film it was more like a short film
compilation. I thought that I might screen it in an art house or gallery.
So you can see the different pieces as you want. But after a while I saw
the story as one story. It was just at the end that it was all melting
together.”
78
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
Mia Engberg (Stoccolma, Svezia) è
una regista e produttrice che vive e
lavora nella sua città natale. Nel 1994
ha studiato tecniche del documentario
agli Ateliers Varan di Parigi e ha
concluso gli studi al Dramatiska
Institute di Stoccolma nel 1997.
Ha in seguito realizzato diversi
cortometraggi in Svezia, Stati Uniti e
Francia ed è stata una delle fondatrici
della casa di produzione Story. Tra i
suoi documentari, The Stars We Are,
dedicato a un gruppo di skinhead
omosessuali, e Come Together (2007),
episodio della raccolta di
cortometraggi porno femministi
Dirty Diaries. Insegna regia presso
l’Accademia d’arte drammatica di
Stoccolma ed è inoltre bassista nel
gruppo ska Vagina Grande.
Mia Engberg (Stockholm, Sweden) is
a film director and producer who lives
and works in her hometown. In 1994
she studied documentary film techniques
at the Ateliers Varan in Paris; she then
completed her studies in 1997 at the
Dramatiska Institute in Stockholm.
Since then, she has made several short
films in Sweden, the United States,
and France, and she is one of the
founders of the production company
Story. She made many documentary
films, including The Stars We Are,
on homosexual skinheads, and Come
Together (2007), an episode of Dirty
Diaries, a series of pornographic and
feminists shorts. She teaches film
directing at Stockholm Academy of
Dramatic Arts and she is also the bass
player of the ska band Vagina Grande.
filmografia/filmography
Les Enfants du Square (cm, doc.,
1994), Parkside Girls (cm, doc., 1996),
The Stars We Are (cm, doc., 1997),
Kött är mord (cm, doc., 1997),
Manhood (cm, doc., 1999), California
über alles (cm, doc., 1999), Selma &
Sofie (cm, doc., 2001), Bitch & Butch
(cm, doc., 2002), 165 Hässelby (cm,
doc., 2005), Dirty Diaries
(coregia/codirectors aa.vv., Come
Together, cm, 2007), Belleville Baby
(doc., 2013).
miguel moraes cabral
OS CAMINHOS DE JORGE
CONTENTS
Portogallo-Belgio-Francia/Portugal-Belgium-France, 2013, HD, 63’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Miguel Moraes Cabral
fotografia/cinematography
Christophe Rolin,
Iván Castiñeiras
montaggio/film editing
Francisco Moreira,
Miguel Moraes Cabral
musica/music
Cipriano Mesquita
suono/sound
Iván Castiñeiras,
Catherine Boutaud,
Miguel Moraes Cabral
produttori/producers
Gabriel Vanderpas,
Adonis Liranza,
Miguel Moraes Cabral
produzione/production
Leila Films,
Quilombo Films,
Os Filmes do Caracol
**
contatti/contacts
IndieLisboa
Miguel Valverde
[email protected]
www.indielisboa.com
LE STRADE DI JORGE [T.L.]
Jorge fa l’arrotino. Sebbene sia ormai vecchio e in pensione,
continua a esercitare la professione. Anche la salute non è dalla
sua parte, ma questo non sembra ostacolarlo. Lungo le strade
che percorre giorno dopo giorno con la sua motocicletta, carico
degli attrezzi del mestiere, incontra persone che conosce da anni.
Con loro rivive il passato e guarda preoccupato al futuro.
«Os Caminhos de Jorge racconta la storia di un arrotino del
Portogallo settentrionale di oggi. È il ritratto suo e di alcuni suoi
clienti, in un mondo in trasformazione, in cui ciascuno deve trovare
la propria strada. Questo mondo sembra respingerli. È un film
con diverse sottotrame, un viaggio sempre più spirituale, in cui
sono esposti i ricordi di queste persone».
JORGE’S PATHS [L.T.]
Jorge is a knife-sharpener. Despite being old and retired, he still keeps
on working. Even health is not on his side, but this doesn’t seem to
stop him. He drives down the streets with his motorcycle loaded with
the trade’s tools day in and day out. Along the way he meets people
he has known for years; he relives the past with them and looks
concerned at the future.
“Os Caminhos de Jorge tells us the story of a knife-sharpener, in
today’s northern Portugal. It is a portrait of him and of some of his
clients, in a world in transformation where everyone has to find its
own way. This world appears to reject them. It is a multi-plot film in which we join the memory of these people in a journey that
becomes gradually a spiritual one.”
79
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
Miguel Moraes Cabral (1984) ha
studiato cinema a Lisbona, dove
si è laureato nel 2008, e ha
partecipato a un periodo di studio
all’estero presso l’Université de
Nanterre e l’École supérieure
Louis-Lumière di Parigi. Attualmente
lavora come sound designer,
specializzato nelle registrazioni audio
e nella postproduzione. Dal 2010 fa
parte del gruppo di selezionatori del
festival IndieLisboa, dove si occupa
di cortometraggi. Al momento sta
sviluppando la sceneggiatura del suo
primo film di finzione, che si svolgerà
nel Nord del Portogallo. Os Caminhos
de Jorge segna il suo debutto
nella regia.
Miguel Moraes Cabral (1984) studied
cinema at the Lisbon Theatre and Film
School, where he graduated in 2008; he
studied abroad in Paris at the Université
de Nanterre and at the École Supérieure
Louis-Lumière. He now works as a
sound designer, specialized in audio
recording and postproduction. Since
2010 he is part of the selection
committee of the film festival
IndieLisboa, where he is in charge
of the short film section. He is currently
developing the screenplay for his first
fictional film, which will take place in
Northern Portugal. Os Caminhos de
Jorge is his debut behind the camera.
filmografia/filmography
Os Caminhos de Jorge (doc., 2013).
lamine ammar-khodja
CHRONIQUES ÉQUIVOQUES
CONTENTS
Algeria-Francia/Algeria-France, 2013, HD, 61’, col.
Lamine Ammar-Khodja (Algeria, 1983)
è cresciuto a Bab Ezzouar, un
sobborgo di Algeri. Si è poi trasferito
in Francia nel 2003 e dopo alcuni
cortometraggi ha realizzato nel 2012
il suo primo lungometraggio
documentario, Demande à ton ombre,
presentato al MoMA di New York e in
diversi festival internazionali, tra cui il
FidMarseille, in cui ha vinto la sezione
dedicata alle opere prime.
regia, fotografia,
montaggio,
suono, produttore/
director,
cinematography,
film editing, sound,
producer
Lamine Ammar-Khodja
**
contatti/contacts
Lamine Ammar-khodja
[email protected]
CRONACHE AMBIGUE [T.L.]
L’Algeria festeggia il cinquantesimo anniversario della sua
indipendenza: otto frammenti di storie restituiscono il complesso
mosaico della sua capitale Algeri.
«Algeri è una città ambigua: la maggior parte delle persone che
vi abitano sono bianche. Noi la chiamiamo “la bianca”. La vita
quotidiana è permeata di ambiguità: nelle situazioni in cui
l’umorismo intensifica l’allarmante livello di disperazione; nel
furioso desiderio di vivere e nella sensazione che qualcosa stia
morendo; nelle accese discussioni che inondano le strade per dire
tutto e dire niente; nell’impressione che questa città loquace sia
silenziosa; nei cartelli bilingue che trasmettono la stessa ambiguità
che si ritrova nelle espressioni della vita quotidiana; nelle mura
così antiche del centro storico, che danno l’impressione di trovarsi
in una città coloniale mentre si passeggia di notte e la città dorme.
È ambigua anche l’immagine stessa di Algeri, che mai si capisce
se viene dall’esterno o da essa stessa».
EQUIVOCAL CHRONICLES [L.T.]
Algeria is celebrating the fiftieth anniversary of its independence:
eight fragments of stories portraying the complex mosaic of its capital,
Algiers.
“Algiers is an ambiguous city, the majority of people who live there
are white. We call this African city ‘the white.’ We find ambiguity
everywhere in the city’s daily life. In the situations where humor raises
the alarming level of despair. In the furious desire to live and in the
feeling that something is dying. In the loud discussions that flood
the streets to say everything and nothing at the same time. In the
impression that this talkative city is silent. In those bilingual signs
bearing a linguistic ambiguity that can be found in daily life
expressions. In the ancient walls of the city center, which give us
the impression that we are in a colonial city when we stroll by night
and the city is asleep. Even the image of Algiers is ambiguous, unsure
whether it came from abroad or if it is endogenous.”
80
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
Lamine Ammar-Khodja (Algeria, 1983)
grew up in Bab Ezzouar, a suburb of
Algiers. He moved to France in 2003,
and, after making a few shorts, he
directed his first feature-length
documentary in 2012: Ask Your Shadow.
The film was presented in New York at
the MoMA, and in several international
film festivals, including the FIDMarseille
where it received the first film prize.
filmografia/filmography
Comment recadrer un hors-la-loi en
tirant sur un fil (cm, doc., 2010),
’56 SUD (cm, doc., 2010), Alger moins
que zéro (cm, doc., 2011), Demande
à ton ombre (doc., 2012), Chroniques
équivoques (doc., 2013).
joaquim pinto
E AGORA? LEMBRA-ME
CONTENTS
Portogallo/Portugal, 2013, HD, 164’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Joaquim Pinto
fotografia,
suono, montaggio/
cinematography, sound,
film editing
Joaquim Pinto,
Nuno Leonel
interpreti/cast
Joaquim,
Nuno,
Jo,
Deolinda,
Cláudia,
Nelson
produttori/producers
Joana Ferriera,
Isabel Machado,
Christine Reeh
produzione/production
C.R.I.M. Produções
Audiovisuais, Lda.,
Presente
coproduzione/coproduction
Ica - Instituto do Cinema
e do Audiovisual,
Calouste Gulbenkian
Foundation, RTP
**
contatti/contacts
C.R.I.M. Produções
Audiovisuais
Joana Ferreira
Tel: +351 218 446 102
[email protected]
E ADESSO ? RICORDATI DI ME [T.L.]
Joaquim Pinto convive con l’HIV e l’epatite C da quasi vent’anni.
Il film è il taccuino di un anno di studi clinici con sostanze ancora
in fase di sperimentazione, capaci di alterare la mente. Una
riflessione aperta ed eclettica sul tempo e la memoria, le epidemie
e la globalizzazione, la sopravvivenza al di là di ogni aspettativa,
il dissenso e l’amore. Sospeso tra presente e passato, il film
è anche un omaggio agli amici defunti e a coloro che restano.
«In tempi di crisi, HIV ed epatite C non sono più temi prioritari.
A differenza di recenti documentari che hanno un approccio
esterno, questo film propone un ritorno alla riflessione “da dentro”
su questioni più generali, come le opere prodotte fino a metà anni
Ottanta da autori che avevano preso coscienza della loro
condizione di sieropositivi. In qualche modo sono un privilegiato:
non dipendo da padroni, non devo nascondere il mio stato, ho
accesso ai farmaci. Sono vivo grazie a battaglie che non mi hanno
avuto come protagonista e che hanno coinvolto interessi, governi,
liquidatori delle assicurazioni e industrie farmaceutiche».
WHAT NOW? REMIND ME
Joaquim Pinto has been living with HIV and VHC for almost twenty
years. The film is the notebook of a year of clinical studies with toxic,
mind altering drugs as yet unapproved. An open and eclectic reflection
on time and memory, on epidemics and globalization, on survival
beyond all expectations, on dissent and absolute love. In a to-and-fro
between the present and past memories, the film is also a tribute to
friends departed and those who remain.
“In times of crisis, HIV and HCV are no longer priority topics. Unlike
recent documentaries with an approach from the outside, this project
proposes a return to an ‘insider’ reflection for more general questions,
in keeping with the works produced until the mid-1980s by authors
who assumed their condition as HIV positive. Somehow I am
privileged. I don’t depend on bosses, I don’t have to hide my status,
I have access to medication. I am alive thanks to battles in which
I was not the protagonist and which involved interests, governments,
investigators and the pharmaceutical industry.”
81
TFFDOC
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INTERNAZIONALE.DOC
Joaquim Pinto (Porto, Portogallo,
1957), diplomato ingegnere del suono
alla Scuola di cinema del
Conservatorio di Lisbona, dal 1979
al 1987 ha lavorato con cineasti come
Manoel de Oliveira, Alain Tanner
e João Cesar Monteiro. Nel 1987 ha
esordito con Uma Pedra no Bolso,
seguito da Onde Bate o Sol (1989),
entrambi selezionati a Berlino. Nel
1992 Das Tripas Coração è stato in
concorso a Locarno e, insieme alle
opere precedenti, è stato presentato
nel 1999 nel corso della retrospettiva
sul cinema portoghese del 17° Torino
Film Festival. Oltre ad aver diretto
documentari, ha fondato insieme
a Nuno Leonel una casa editrice
specializzata in musica e letteratura.
Joaquim Pinto (Porto, Portugal, 1957)
studied sound engineering at the
National Conservatory Film School in
Lisbon. From 1979 to 1987 he worked
with filmmakers like Manoel de Oliveira,
Alain Tanner, and João Cesar Monteiro.
In 1987 he directed his first film, Uma
Pedra no Bolso, followed by Onde
Bate o Sol (1989), both of which were
selected at the Berlinale. Das Tripas
Coração was in the competition
section at the Locarno Festival in 1992.
His films were also part of the 1999
retrospective on Portuguese cinema from
the 17 Torino Film Festival. Aside from
making documentaries, he also started
with Nuno Leonel a publishing company
specialized in music and literature.
TH
filmografia/filmography
Uma Pedra no Bolso (1988), Onde
Bate o Sol (1989), Das Tripas Coração
(1992), Para cá dos Montes (cm, 1993)
Surfavela (coregia/codirector Nuno
Leonel, mm, doc., 1996), Moleque
de Rua (cm, doc., 1997), Com Cuspe
e com Jeito Se Bota no Cu do Sujeito
(cm, doc., 1998), Rabo de Peixe
(coregia/codirector Nuno Leonel,
mm, doc., 2003), Segurança
Maritima Passado, Presente e Futuro
(coregia/codirector Nuno Leonel,
cm, doc., 2006), Sol Menor
(coregia/codirector Nuno Leonel,
2007), Porca Miséria (coregia/
codirector Nuno Leonel, cm,
anim., 2007), E Agora? Lembra-me
(doc., 2013), O Novo Testamento
de Jesus Cristo Segundo João (coregia/
codirector Nuno Leonel, doc., 2013).
jide tom akinleminu
PORTRAIT OF A LONE FARMER
CONTENTS
PREMIO CIPPUTI
Danimarca-Nigeria-Germania/Denmark-Nigeria-Germany,
2013, HD-DV-16mm-8mm, 75’, col.
regia, sceneggiatura,
fotografia, produttore/
director, screenplay,
cinematography, producer
Jide Tom Akinleminu
montaggio/film editing
Nelia Szekely,
Vivien Hamann
suono/sound
Ade Ogunsakin,
Julian Cropp
interpreti/cast
Akin Akinleminu,
Grete Akinleminu,
Jide Tom Akinleminu,
Ade Ogunsakin,
Farmteam 2010,
Chief Aroloye,
Ile Mexico,
vigili del fuoco
dello Stato di Ondo/
Ondo State Fire Service,
Chief Sashere,
Oba Frederick Aroloye
produzione/production
Deutsche Film &
Fernsekakademie Berlin
(DFFB)
coproduzione/coproduction
Làbòsinmi Films
**
contatti/contacts
Deutsche Film &
Fernsekakademie Berlin
(DFFB)
Juli Schymik,
Laure Tinette
Tel: +49 3025 759 153/152
[email protected]
[email protected]
www.dffb.de
82
RITRATTO DI UN CONTADINO SOLITARIO [T.L.]
Dopo molti anni di separazione, un ragazzo va a trovare il padre
nella sua fattoria. Accolto dal calore dell’uomo e dalla semplicità
della campagna, ritrova un legame con le sue radici.
«Il film è un racconto riflessivo e personale. Una raccolta di
impressioni dalla terra di mio padre e suo padre. Un piccolo
villaggio circondato da enormi rocce che sembrano montagne.
Poiché guardare avanti sembra impossibile, mi guardo indietro
e mi accorgo che alcune cose non cambiano. Almeno, esiste
qualcosa di costante e, a suo modo, affidabile. Ed è un sollievo.
In questo film ho semplicemente passato del tempo con mio
padre, lasciandogli fare il suo lavoro di pollicoltore, mentre io
facevo il mio di cameraman. Di tanto in tanto, si parla. Iniziamo
a specchiarci l’uno nell’altro: lui vede in me suo padre, io vedo
in lui me stesso. Forse, guardando questo film, i miei “fratelli
di altre madri” sentiranno familiarità con questo particolare senso
di appartenenza a un luogo in cui si è in definitiva stranieri».
PORTRAIT OF A LONE FARMER
After not seeing each other for many years, a young man goes to
visit his father on his farm; he is warmly received by the man and
by the simplicity of the countryside, he finds a bound with his roots.
“Portrait of a Lone Farmer is a reflective and personal narrative.
A compilation of impressions from the land of my father and his father.
A small village surrounded by huge mountainlike rocks. As looking
ahead seems impossible, I look backwards, and see that some things
don’t change. At least, there is something that is constant and in its
own way, reliable. Relief. In this film, I simply spend some time with
my father, let him do his work as a poultryfarmer, while I do my work
as a cameraperson. Occasionally, we talk. We start mirroring each
other. He sees his father in me, and I see myself in him. Maybe,
watching this film, my ‘brothers from other mothers’ will feel familiar
with this peculiar sense of belonging to a place where you are
practically a stranger.”
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
Jide Tom Akinleminu (Danimarca,
1981), figlio di padre nigeriano e
madre danese, ha vissuto in Nigeria
fino al 1991, quando la famiglia si è
trasferita in Danimarca. Ha studiato
musica e ingegneria del suono
e poi fotografia, presso Fatamorgana,
la celebre scuola danese d’arte e
fotografia. Nel 2004 si è trasferito
a Berlino per studiare cinema alla
Dffb, l’accademia tedesca di cinema
e televisione, e ha lavorato come
direttore della fotografia in numerosi
film presentati in festival
internazionali, tra cui quelli di
Locarno, Oberhausen, la Berlinale
e il FidMarseille. Portrait of a Lone
Farmer è il suo primo lungometraggio.
Jide Tom Akinleminu (Denmark, 1981),
son of a Nigerian man and a Danish
woman, lived in Nigeria until 1991,
when his family moved to Denmark.
He studied music and sound
engineering, and then photography
at Fatamorgana, the famous
Danish school of art and photography.
He moved to Berlin in 2004 to study
cinema at DFFB, the German Film
and Television Academy. He has worked
as director of photography in many films
presented at various international
festivals, including Locarno,
Oberhausen, the Berlinale, and
FIDMarseille. Portrait of a Lone
Farmer is his first feature film.
filmografia/filmography
Portrait of a Lone Farmer (doc., 2013).
ben rivers, ben russell
A SPELL TO WARD OFF THE DARKNESS
CONTENTS
Francia-Estonia/France-Estonia, 2013, HD, 95’, col.
regia, fotografia,
montaggio/
directors, cinematography,
film editing
Ben Rivers, Ben Russell
suono/sound
Chu-Li Shewring,
Nicolas Becker,
Philippe Ciompi,
Gérard Lamps
musica/music
Veldo Tormis,
Lichens, Queequeg
interpreti/cast
Robert Aiki Aubrey Lowe,
Hunter Hunt-Hendrix
produttori/producers
Nadia Turincev,
Julie Gayet
produzione/production
Rouge International
coproduttore/coproducer
Indrek Kasela
coproduzione/coproduction
Black Hand
**
contatti/contacts
Rouge International
Thomas Lambert
Tel: +33 951 49 38 44
[email protected]
www.rouge-international.com
Ben Rivers ha studiato belle arti
alla Falmouth School of Art,
interessandosi di scultura
e poi fotografia e produzione
cinematografica, con un occhio
di riguardo al documentario e alle
contaminazioni con la finzione.
Ha ottenuto numerosi premi
internazionali, tra cui il premio
Fipresci alla Mostra di Venezia
per Two Years at Sea (2011).
UN INCANTESIMO PER ALLONTANARE L’OSCURITÀ [T.L.]
Un personaggio senza nome colto in tre momenti della sua vita:
prima come membro di una comune su un’isola al largo
dell’Estonia, poi abbandonato a se stesso nel Nord della Finlandia
e, infine, al microfono di una band di black metal. Tre esperienze
estreme che, tra immagini di una natura incontaminata
contrapposte al caos delle performance musicali del protagonista,
evocano i fantasmi dell’utopia e della libertà individuale.
«Passando dal documentario alla finzione, dall’indagine ideologica
al trasporto contemplativo, A Spell to Ward Off the Darkness chiede
allo spettatore di partecipare a un dialogo attinente al periodo
storico che stiamo vivendo: dove troviamo la fede se rivolgiamo lo
sguardo indietro al modernismo? Che posto occupano l’incertezza
e il mistero in un’esistenza dominata dalla conoscenza razionale?
C’è ancora un bagliore tra le ceneri del cinema? Come possiamo
considerarle ceneri se c’è ancora qualcosa che le smuove?»
A SPELL TO WARD OFF THE DARKNESS
A nameless character taken in three moments of his life: first as a
member of a commune on an island off the coast of Estonia; then,
abandoned and alone in northern Finland; and, finally, at the
microphone of a black metal band. Amid evocative images of the
pristine environment juxtaposed with the chaos of the main character’s
musical performances, these three extreme experiences evoke the ghosts
of utopia and individual freedom.
“By shifting between fiction and document, between ideological inquiry
and contemplative engagement, A Spell to Ward Off the Darkness
asks its viewer to participate in a dialogue that is especially relevant to
our present moment – where do we find belief in the backward glance
towards modernism? What is the place of uncertainty, of mystery, in an
existence that has been overdetermined by understanding? What glow
remains in the ash of cinema, and how can it be ash if the aura
persists?”
Ben Russell (Usa, 1976), artista e
regista sperimentale, ha presentato
i suoi film e le sue performance in
molti musei e festival, tra cui il
Museum of Contemporary Art di
Chicago, il Festival di Rotterdam e
la Mostra di Venezia. La serie Recent
Anthropologies (2000-2009) è stata
presentata al Torino Film Festival,
insieme al documentario Let Each One
Go Where He May, suo esordio nel
lungometraggio e vincitore del premio
Cult nel 2009. Nel 2012 è tornato al
Festival con Ponce de Léon, codiretto
con Jim Drain.
Ben Rivers studied fine arts at Falmouth
School of Art; he interested in sculpture,
photography and filmmaking, with an
interest in documentaries and their
fiction contaminations. He received
many international awards, including
the FIPRESCI Award at the Venice Film
Festival for Two Years at Sea (2011).
Ben Russell (USA, 1976) is a visual
artist and experimental filmmaker.
His films and performances have
been presented in several museums
and festivals, including the Museum
of Contemporary Art of Chicago, the
Rotterdam Festival, and the Venice
Festival. The series Recent
Anthropologies (2000-2009) was
presented to the Torino Film Festival
along with the documentary Let Each
One Go Where He May, his debut
into feature films, which won the Cult
Award in 2009. In 2012 presented in
Turin Ponce de Léon, codirected with
Jim Drain.
filmografia/filmography
Ben Rivers, Ben Russell:
A Spell to Ward Off the Darkness
(doc., 2013).
83
TFFDOC
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INTERNAZIONALE.DOC
roberto minervini
STOP THE POUNDING HEART
CONTENTS
Usa-Belgio-Italia/USA-Belgium-Italy, 2013, HD, 100’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Roberto Minervini
story/soggetto
Roberto Minervini,
Diego Romero
fotografia/cinematography
Diego Romero
Suarez-Llanos
montaggio/film editing
Marie-Hélène Dozo
musica/music
Jose Luis Villalobos
suono/sound
Tom Gambale
interpreti/cast
Sara Carlson,
Colby Trichell,
Leeanne Carlson
produttori/producers
João Leite,
Roberto Minervini,
Denise Lee,
Luigina Smerilli
produzione/production
Pulpa,
Ondarossa Film,
Poliana Productions
distribuzione/distribution
I Wonder Pictures Unipol-Biografilm
Collection
**
contatti/contacts
Doc & Film International
Tel: + 33 01 427 756 87
[email protected]
www.docandfilm.com
I Wonder Pictures
Unipol-Biografilm
Collection
[email protected]
www.iwonderpictures.it
Roberto Minervini (Monte Urano,
Fermo, Italia, 1970) è un regista e
scrittore nato in Italia, ma residente
da tempo negli Stati Uniti. Ha
conseguito un master in media
studies presso la New School
University di New York e un dottorato
di ricerca in storia del cinema presso
la Universidad autónoma de Madrid,
in Spagna. Con il suo lungometraggio
precedente, Low Tide (2012),
anch’esso girato in Texas, ha
partecipato alla Mostra di Venezia nel
2012 nella sezione Orizzonti.
STOP THE POUNDING HEART
Sara è un’adolescente nata in una famiglia di allevatori di capre
texani. I suoi genitori hanno educato personalmente i loro dodici
figli, seguendo in maniera rigorosa i precetti delle Bibbia. Come le
sue sorelle, Sara è stata cresciuta per essere una donna devota,
asservita agli uomini ma con l’obbligo morale di conservare intatta
fino al matrimonio la purezza fisica e spirituale. Ma quando Sara
incontra Colby, giovane dilettante del rodeo, entra in crisi,
mettendo in dubbio l’unico modello di vita che abbia mai
conosciuto.
«Per me il Texas è un posto unico, ricco di personaggi. Qui le
persone sono indipendenti in modo ostinato ed estremamente
orgogliose, e la cultura e le tradizioni del Sud sono seguite
e radicate. In quanto osservatore esterno mi sento attratto da
questa cultura a se stante fatta di armi, cowboy e comunità
spirituali eterogenee. Sebbene il Texas sia uno Stato molto vasto,
punteggiato di ampie aree metropolitane, il suo cuore è composto
da una miriade di piccole città, irrilevanti da un punto di vista
topografico, ma antropologicamente molto ricche».
STOP THE POUNDING HEART
Sara is a young girl raised in a family of Texas goat farmers. Her
parents homeschool their twelve children, rigorously following the
precepts of the Bible. Like her sisters, Sara is taught to be a devout
woman, subservient to men while keeping her emotional and physical
purity intact until marriage. When Sara meets Colby, a young amateur
bull rider, she is thrown into crisis, questioning the only way of life she
has ever known.
“I find Texas to be a unique place, full of character. The people
are fiercely independent and extremely proud, and the culture and
traditions of the South are staunch and firmly rooted. As a foreign
observer, I am drawn to this distinct culture of guns, cowboys, and
disparate spiritual communities. Even though Texas is a vast state
with large metropolitan areas, its core is composed of a myriad of
small towns, almost irrelevant from a topographical standpoint, but
very rich from an anthropological one.”
84
TFFDOC
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INTERNAZIONALE.DOC
Roberto Minervini (Monte Urano,
Fermo, Italy, 1970) is an Italian born,
US-based film director, writer and
lecturer. He holds a Master in media
studies from the New School University,
New York, and pursued a Phd in cinema
history at the Universidad autónoma
of Madrid, Spain. He lives and works
between Italy and the United States.
With his previous documentary, Low
Tide (2012), shoot as well in Texas, he
took part to the Venice Film Festival
in 2012, in the Orizzonti section.
filmografia/filmography
The Passage (doc., 2011), Low Tide
(doc., 2012), Stop the Pounding Heart
(id., doc., 2013).
carmit harash
TRÊVE
CONTENTS
Francia-Israele/France-Israel, 2013, Super8-video, 88’, bn/bw-col.
Carmit Harash (Israele) si è laureata
alla Scuola di cinema Sam Spiegel
di Gerusalemme e ha lavorato come
montatrice per la televisione.
Nel 2000 ha lasciato Israele per
trasferirsi in Francia, dove tuttora
vive. Film de guerre (2007) e Demain
(2010), che insieme a Trêve
compongono una trilogia che
indaga il rapporto tra Israele
e la guerra, sono stati entrambi
presentati al Torino Film Festival.
regia, sceneggiatura,
fotografia,
montaggio, suono/
director, screenplay,
cinematography,
film editing,
sound
Carmit Harash
produzione/production
Nyctalop
**
contatti/contacts
Carmit Harash
[email protected]
TREGUA [T.L.]
Il cessate il fuoco per gli israeliani non significa che la guerra sia
finita: non c’è garanzia di pace, neanche quando viene negoziata
e dichiarata ufficialmente. Per chi è nato durante la guerra ed è
cresciuto per diventare un soldato, il silenzio è solo un’attesa
ingannatrice.
«Israele è un Paese dove la guerra potrebbe scoppiare mentre
si è bloccati in un ingorgo stradale: un evento che per chi ci
vive può sembrare naturale e al tempo stesso sorprendente.
La tregua è uno stato mentale; è vivere in costante allerta e ansia.
Mescolando documentario e finzione, ho cercato di cogliere le
conseguenze di tutto questo. Gli israeliani sono condannati alla
guerra per tutta la vita? Si tratta di una scelta o è un’abitudine,
una necessità tramandata di padre in figlio? Questo film è il terzo
capitolo di una trilogia in cui la guerra è parte della vita quotidiana,
i suoi protagonisti sono persone a me vicine, non alti funzionari
ma semplici cittadini. Il nostro reciproco coinvolgimento li rende
i miei primi interlocutori politici».
TRUCE
For Israelis, the ceasefire doesn’t mean war is over. This permanent
threat hovers over daily life, as high officials pursue their declarations.
For those who are born in war and raised to become warriors, silence
is only a deceptive pause.
“Israel is, indeed, a country where war might break out while you are
stuck in a traffic jam, an event that seems both natural and, at the
same time, surprising to its citizens. Truce is a state of mind; it is living
in constant alert and anxiety. Mixing documentary and fiction,
I’m trying to see what the consequences of such life are. Are Israelis
sentenced to lifetime war? Is it a matter of choice? Or is it a habit?
A necessity passing from father to son? This film is the third part of
a trilogy in which war is part of daily life. Its leading actors are people
who are close to me. They are not high officials but ordinary citizens.
Our mutual commitment makes them my first political interlocutors.”
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INTERNAZIONALE.DOC
Carmit Harash (Israel) graduated from
the Sam Spiegel Film School in
Jerusalem and worked as a film editor
for television. In 2000 she left Israel
and moved to France, where she
currently lives. Film de guerre (2007)
and Demain (2010) were both presented
at the Torino Film Festival; together with
Trêve they form a trilogy that questions
the deep ties between Israelis and war.
filmografia/filmography
Le cercle de l’exil (mm, doc., 2003),
Jeudi, batailles perdues (cm, 2006),
Film de guerre (mm, doc., 2007),
Demain (mm, doc., 2010), Trêve
(doc., 2013).
peter snowdon
THE UPRISING
CONTENTS
Belgio-Regno Unito/Belgium-UK, 2013, video, 78’, col.
regia/director
Peter Snowdon
sceneggiatura, montaggio/
screenplay, film editing
Peter Snowdon,
Bruno Tracq
suono/sound
Olivier Touche
produttori/producers
Bruno Tracq,
Samm Haillay,
Duane Hopkins,
Andrew McVicar
produzione/production
Rien à voir,
Third Films
**
contatti/contacts
Peter Snowdon
Tel: +32 485 563 772
[email protected]
www.redrice.net
Peter Snowdon (Newcastle, Regno
Unito, 1964), dopo gli studi in
francese e filosofia all’Università di
Oxford, si è trasferito a Parigi per
lavorare nell’editoria, nel giornalismo
e come consulente presso l’Unesco.
Dal 1997 al 2000 ha vissuto in Egitto
e al suo ritorno ha iniziato a girare
documentari, partecipando a festival
internazionali come quello di
Edinburgo, Documenta Madrid,
Experiments in Cinema, Écrans
documentaires, Ann Arbor Film
Festival, Cinema Vérité a Teheran.
LA RIVOLTA [T.L.]
Dalla prima dimostrazione della cosiddetta «primavera araba»,
quella avvenuta nel dicembre 2010 contro l’allora presidente
tunisino Zinedine Ben Ali, i cittadini delle nazioni coinvolte nella
protesta hanno utilizzato il video per documentare, anche fuori
dai propri confini, ciò che stava accadendo. Le immagini raccolte
in Tunisia, Egitto, Bahrein, Libia, Siria e Yemen danno vita a una
rivolta panaraba che per il momento esiste solo sullo schermo.
«Questo film non si basa sull’idea ingenua che la ribellione
spontanea possa dare inizio a un mondo perfetto e giusto, ma
sulla prova incontrovertibile che il video funziona; che comunica
un’energia che può trasformare la vita delle persone. Il video è in
grado di preservare quella voce individuale senza la quale la più
grande delle folle non vale niente. E può fare in modo che l’invito
a rifiutare l’umiliazione e il ridicolo di cui i governi riempiono i loro
cittadini, e a cercare di vivere invece con onore e con dignità, possa
essere diretto non solo ai popoli di queste sei nazioni arabe, ma a
tutti noi, ovunque».
THE UPRISING
After the first uprising of the so-called “Arab spring,” which took place
in Tunisia in December 2010 against the then president Zinedine Ben
Ali, the people of the countries involved in the protest have been using
videos to document what was happening, even outside their borders.
The images taken in Tunisia, Egypt, Bahrain, Libya, Syria, and Yemen
have generated a pan-Arab revolution that, for the time being, exists
only on the screen.
“This film is based not on a naive belief in the power of spontaneous
rebellion to usher in a perfect and just world, but on the
incontrovertible evidence that video works. That it communicates
an energy that can transform people’s lives. That it can preserve the
individual voice without which the largest crowd is worth nothing.
And that this call to refuse the humiliation and ridicule that
governments heap upon those they govern, and to try and live
instead with honour and with dignity, can speak directly not only
to the people of these six Arab nations, but to all of us, everywhere.”
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TFFDOC
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INTERNAZIONALE.DOC
Peter Snowdon (Newcastle, UK, 1964),
after studying French and philosophy at
Oxford University, moved to Paris where
he worked in publishing, in journalism,
and as a consultant for UNESCO.
He lived in Egypt from 1997 to 2000.
After returning he started shooting
documentaries, which participated
in many international film festivals,
including the one in Edinburgh, the
Documenta Madrid, Experiments in
Cinema, Écrans documentaires, the
Ann Arbor Film Festival, and Cinema
Vérité in Teheran.
filmografia/filmography
Two Thousand Walls (a Song for
Jayyous) (cm, doc., 2006), Tree
Stain Man (Homage to Stan)
(cm, doc., 2007), Drying up Palestine
(coregia/codirector Rima Essa,
cm, doc., 2007), Breather (cm, 2007),
Bewick’s Mambo (cm, 2008), Rinse
and Spin (cm, 2008), Walking Through
Paradise (cm, doc., 2010), La forêt,
une fois (cm, doc., 2010), Uprising
(doc., 2013).
xu ruotao, j.p. sniadecki, huang xiang
YUMEN
CONTENTS
Cina-Usa/China-USA, 2013, 16mm, 65’, col.
regia, montaggio/
directors, film editing
Xu Ruotao,
J.P. Sniadecki,
Huang Xiang
soggetto/story
Xu Ruotao,
Yinyan
fotografia, suono/
cinematography, sound
J.P. Sniadecki,
Huang Xiang
interpreti/cast
Chen Qi,
Zhou Qian,
Chen Xuehua,
Huang Xiang,
Xu Ruotao
**
contatti/contacts
J.P. Sniadecki
[email protected]
J.P. Sniadecki (Michigan, Usa, 1979)
combina nel suo lavoro di regista il
documentario con l’arte e l’etnografia.
I suoi film sono stati proiettati in
festival, musei, università e gallerie
di tutto il mondo. Con Foreign Parts
(codiretto con Véréna Paravel) ha
vinto il Pardo d’oro a Locarno.
YUMEN
Il centro di Yumen, situato nell’arido distretto settentrionale
di Gansu, in Cina, un tempo prosperava grazie all’industria
estrattiva, ma ormai è ridotto a una città fantasma, un non luogo
fatto di rovine e disperazione. Tra i ruderi di un passato troppo
vicino e ormai tramontato, si aggirano gli ultimi abitanti, anime
inquiete che cercano di mettersi in contatto, ognuna a modo
suo, con il resto dell’umanità in nome di ciò che un tempo le
univa. In particolare, una donna solitaria, un artista errante
e un gruppo di giovani s’inseguono, segnando il territorio.
«Ho realizzato Yumen con due amici e artisti di grande talento:
Xu Ruotao, pittore astratto e filmmaker (ha girato Rumination,
un film che mi è piaciuto molto), e Huang Xiang, un performer
da poco passato anche alla regia. […] Insieme abbiamo fatto
un film che parla di storie di fantasmi e del peso di una
trasformazione enorme: lo si può considerare una di quelle
opere che indugiano sulle rovine di un luogo, un ruin porn fatto
in maniera giocosa. E pure un’opera di arte performativa».
(J.P. Sniadecki)
YUMEN
Downtown Yumen, located in China’s arid northern district of Gansu,
used to be a prosperous place thanks to its mining industry, but it
has become a ghost city, a non-place made of ruins and desperation.
Among the wreckage of a past that is too near and yet over, the last
inhabitants wander around, restless souls each trying in their own
way to get in touch with the rest of humanity in the name of what
used to unite them. In particular, a solitary woman, a traveling artist
and a group of young people follow each other, marking the territory.
“I made Yumen with two friends and talented artists: Xu Ruotao,
who’s an abstract painter and filmmaker (he made a film called
Rumination that I liked very much) and a performance artist named
Huang Xiang, who is just now going into filmmaking. […] We made
this film that deals with ghost stories, the weight of that tremendous
transformation and also it’s a kind of playful ruin porn, a piece of
performing art.” (J.P. Sniadecki)
87
Xu Ruotao (Shenyang, Cina, 1968)
vive a Songzhuang, in Cina,
e ha iniziato la sua carriera a
Yuanmingyuan, il primo villaggio
di artisti indipendenti cinese.
Ha esordito nel lungometraggio
nel 2009 con Rumination.
TFFDOC
-
INTERNAZIONALE.DOC
Huang Xiang (Cina, 1979) vive e
lavora a Songzhuang. A causa della
performance Jasmine Flower è stato
incarcerato per trenta giorni dalle
autorità cinesi. Come regista ha
diretto il lungometraggio Roast
Chicken (2012).
Xu Ruotao (Shenyang, China, 1968)
lives in Songzhuang, China, and began
his career in Yuanmingyuan, the first
Chinese village of independent artists.
He debuted in feature films in 2009
with Rumination.
J.P. Sniadecki (MI, USA, 1979),
in his work as a director, combines
documentaries, art and ethnography.
His films have been screened at festivals,
museums, universities and galleries
throughout the world. Foreign Parts
(co-directed with Véréna Paravel) won
the Golden Leopard at Locarno.
Huang Xiang (China, 1979) lives
and works in Songzhuang. After a
performance of Jasmine Flower, he
spent thirty days in jail on the orders
of the Chinese authorities. He directed
the feature-length Roast Chicken
(2012).
filmografia/filmography
Xu Ruotao:
Rumination (2009).
J.P. Sniadecki:
Chaiqian (doc., 2010), Foreign Parts
(coregia/codirector Véréna Paravel,
2010), People’s Park (doc., 2012).
Huang Xiang:
Roast Chicken (2012).
Xu Ruotao, J.P. Sniadecki,
Huang Xiang:
Yumen (doc., 2013).
CONTENTS
Anak araw - Albino (2012) di Gym Lumbera
claudia marelli
EMMAUS
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 85’, col.
regia, soggetto,
fotografia, produttore/
director, story,
cinematography, producer
Claudia Marelli
montaggio/film editing
Pietro Lassandro
musica/music
Vic Chesnutt
suono/sound
Giuseppe D’Amato
interpreti/cast
Angelo Sardu,
Antonello Manca,
Fausto Serra,
Claudia Marelli
**
contatti/contacts
Claudia Marelli
[email protected]
Claudia Marelli (Cagliari, Italia, 1980)
a diciotto anni ha lasciato la Sardegna
per andare a studiare a Roma, dove
vive tuttora. Emmaus segna il suo
esordio alla regia.
Claudia Marelli (Cagliari, Italy, 1980)
left Sardinia at eighteen years of age and
went to study in Rome, where she still
lives. Emmaus is the first film she has
directed.
filmografia/filmography
Emmaus (doc., 2013).
EMMAUS
Sardegna. Nella campagna della provincia di Iglesias sorge la
comunità terapeutica per le dipendenze patologiche dove, tra
incombenze quotidiane e ricordi del passato, vivono Antonello,
Angelo e Fausto.
«Questo film nasce dai miei ritorni a casa, da uno slancio amoroso
e da un’amicizia di vecchia data. Pensato come documentario
su una comunità riabilitativa, si è presto trasformato in un viaggio
in un mondo a me sconosciuto, spietato e crudele, rischiarato
da lampi di tenerezza inaspettata. L’incontro con Antonello,
Angelo e Fausto è stato così dirompente da far svanire l’idea
iniziale di raccontare l’istituzione e le metodologie terapeutiche,
per raccontare invece gli uomini. Sono stata catturata dalle loro
vite, dalle storie del loro passato, dalla loro forza e fragilità, dalla
durezza che convive con la cura e l’amore per gli animali, coi quali
condividono una vita di gabbie e recinti. Il film è anche la storia
del loro mettersi in gioco, con ironia e complicità, del nostro
divertimento, dello scambio dei ruoli (filmare, essere filmati)
e di un continuo rimando di sguardi».
EMMAUS
Sardinia. In the countryside in the province of Iglesias, there is a
therapeutic community for pathological addictions where Antonello,
Angelo and Fausto live and cope with daily chores and memories
of the past.
“This film was born of my home-comings, of a passionate impulse
and of a long-standing friendship. Initially a documentary about a
rehabilitation community, it soon transformed itself into a journey into
a world that is unknown to me, merciless and cruel, leavened with
flashes of unexpected tenderness. Meeting Antonello, Angelo and
Fausto was so overwhelming that it swept away the initial idea of
portraying the institution and its therapeutic methods, in favor of
describing the men. I was won over by the stories of their lives, by their
strength and fragility, by the harshness that goes in tandem with their
care and love for the animals, with whom they share a life of cages and
fences. The film is also the story of them putting themselves on the line,
with irony and complicity, of our fun times, of switching roles (filming,
being filmed) and of a continuous game of exchanged gazes.”
89
TFFDOC
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I TA L I A N A . D O C
edoardo morabito
I FANTASMI DI SAN BERILLO
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 74’, bn/bw-col.
regia, montaggio/
director, film editing
Edoardo Morabito
soggetto/story
Edoardo Morabito,
Irma Vecchio
fotografia/cinematography
Irma Vecchio
suono/sound
Riccardo Spagnol,
Daniele Scialò
narratrice/narrator
Donatella Finocchiaro
produzione/production
Lemur Films
realizzato con il
sostegno di/
realized with the
contribution of
Sicilia Film Commission
**
contatti/contacts
Lemur Films
[email protected]
www.lemurfilms.it
Edoardo Morabito (Catania, Italia,
1979) si è trasferito a Roma nel 2003
per frequentare il corso di montaggio
presso il Centro sperimentale di
cinematografia. Ha poi lavorato come
montatore di fiction e documentari,
tra cui Io sono Tony Scott di Franco
Maresco, presentato al Festival di
Locarno nel 2010, e Andata e ritorno di
Donatella Finocchiaro, selezionato alla
Mostra di Venezia nel 2011. Nel 2010
ha ricevuto una menzione speciale al
Premio Solinas Documentari per il
progetto I fantasmi di San Berillo, in
seguito suo esordio alla regia.
I FANTASMI DI SAN BERILLO
Fantasmi di ieri e di oggi, tra cui quello della scrittrice Goliarda
Sapienza, popolano il vecchio quartiere di San Berillo, a Catania.
1958: mentre in Italia si chiudono i bordelli, San Berillo viene raso
al suolo e i suoi abitanti deportati in periferia. Del quartiere rimane
un pezzetto, dove si riversano migliaia di prostitute da tutta Italia.
Fino a quando nel 2000 un blitz delle forze armate costringe
ancora una volta gli abitanti del quartiere ad abbandonare le loro
case.
«Sono entrato a San Berillo per seguire le “storie del sottosuolo”
di quei personaggi di cui ci si innamora per la loro bellezza e il
continuo attaccamento alla vita; per la loro sorprendente capacità
di leggere l’umano e nello stesso tempo per la facilità con cui
vengono tratti in inganno con le promesse più irreali; per il loro
sperare nonostante tutto; per l’abilità di aprirti il cuore come dei
bambini e poi essere crudeli come soltanto chi ha visitato l’abisso
sa essere; e, ancora, per la facilità con cui alla fine riescono a ridere
di tutto, della miseria ladra e di se stessi».
THE GHOSTS OF SAN BERILLO [L.T.]
Ghosts from the past and the present inhabit the old neighborhood
of San Berillo, in Catania; among them, the one of the celebrated
Italian writer Goliarda Sapienza. It is 1958: while brothels are being
shut down all over Italy, San Berillo is razed to the ground and its
inhabitants are deported to the suburbs. A piece of the neighborhood,
however, remains intact and thousands of prostitutes from all over
Italy find shelter there. Until 2000, when a police raid forces the
neighborhood’s inhabitants to abandon their homes once again.
“I went to San Berillo to follow the ‘underground stories’ of those
characters with whom you fall in love for their beauty and relentless
attachment to life. For their surprising aptitude in reading human
beings while also being easily fooled by the most unbelievable promises.
For their ability to still have hope, despite everything. For their skill in
opening your heart like a child’s and then being cruel like only those
who have seen the abyss can be. And then also for how easily they can
laugh about everything in the end, about the dire wretchedness and
about themselves.”
90
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I TA L I A N A . D O C
Edoardo Morabito (Catania, Italy,
1979) moved to Rome in 2003 to
attend an editing class at the Centro
sperimentale di cinematografia. He then
started working as an editor for fictions
and documentaries, including the
documentary films Io sono Tony
Scott (directed by Franco Maresco
and presented to the Locarno Festival
in 2010), and Andata e ritorno
(by Donatella Finocchiaro, selected
at the Venice Film Festival in 2011).
He received a special mention in 2010 at
the Solinas Prize for Documentary Films
for his project I fantasmi di San Berillo,
which also represents his debut in the
director’s seat.
filmografia/filmography
I fantasmi di San Berillo (doc., 2013).
massimo donati, alessandro leone
FUORISCENA
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 82’, col.
regia, sceneggiatura/
directors, screenplay
Massimo Donati,
Alessandro Leone
fotografia/cinematography
Daniele Azzola
montaggio/film editing
Piero Lassandro
musica/music
Rolando Marchesini
suono/sound
Giuseppe D’Amato
produttori/producers
Gioia Avvantaggiato,
Gabriella Pedranti
produzione, distribuzione/
production, distribution
GA&A Productions,
Ester Produzioni
**
contatti/contacts
GA&A Productions
Tel: +39 06 361 34 80
[email protected]
www.gaea.it
Massimo Donati (Milano, Italia, 1973)
è autore e regista di cinema e teatro.
Nel 2005 ha diretto Scene d’interni
con topo di gomma. Nel 2009 ha
sceneggiato Tre lire primo giorno di
Andrea Pellizzer e nel 2011 La via
del ring di Daniele Azzola. Con Diario
di spezie, da cui ha tratto l’omonimo
romanzo edito nel 2013 da
Mondadori, ha vinto il Premio
Solinas GialloNero.
FUORISCENA
L’Accademia Teatro alla Scala, eccellenza tra le più prestigiose
a livello internazionale, unica al mondo a formare tutte le figure
professionali del teatro d’arte, in un racconto corale che abbraccia
un anno intero, vissuto in completa immersione nell’intimità
delle vicende personali, nella spettacolarità delle rappresentazioni,
nel rigore delle pratiche quotidiane. Percorrere la strada verso
il tempio della Scala è un privilegio che in cambio chiede tutto.
«Raccontare l’Accademia ha da subito significato svelare il cuore
meno conosciuto di Milano. Un lavoro di paziente osservazione
degli eventi nella loro naturalezza, in cui la macchina da presa è
occhio discreto che segue gli allievi senza forzature, nella
quotidianità delle attività didattiche e degli spettacoli, attenta a
cogliere la poesia degli attimi di verità che si nutrono di fatica,
talento e determinazione, nella ricerca della perfezione fuori dalla
scena. Attraverso le stagioni, le storie di ballerini, cantanti, sarte e
scenografi si intrecciano per restituire le sfumature e la concretezza
delle loro passioni».
OFF STAGE [L.T.]
The Accademia Teatro alla Scala, excellence amongst the most
prestigious worldwide, is the only theatre academy in the world that
trains every professional figure involved in art theatre. It is a choral
story that encompasses an entire year: a full immersion in the intimacy
of personal events, in the spectacularity of the performances, in the
rigor of the daily training. Walking the path that leads to the Scala
temple is a privilege that demands everything in return.
“Shooting a film about the Accademia immediately meant revealing
the lesser known heart of Milan. It was a work of patient observation
of events as they unfolded spontaneously; the camera became a discreet
eye that followed students, without forcing anything, in their daily
routine of classes and performances, carefully seizing the poetry of
the moments of truth that develop out of hard work, talent, and
determination, in search for perfection off stage. The stories of dancers,
singers, costume and set designers intertwine through the seasons to
restore the nuances and the concreteness of their passions.”
Alessandro Leone (Taranto,
Italia, 1970), regista e critico
cinematografico, nel 2002 ha scritto
Pap Samb (sceneggiatura sostenuta
dal programma Medea) e nel 2005 ha
sceneggiato e diretto il corto La fune,
vincitore di numerosi premi in Italia
e all’estero. Ha cosceneggiato i film
Fuga dal call center di Federico Rizzo
e La via del ring di Davide Azzola. Suo
il volume La boxe immaginata dal
cinema, in uscita per Falsopiano.
Massimo Donati (Milan, Italy, 1973)
is a writer and director for cinema and
theatre. He directed the short feature
Scene d’interni con topo di gomma
in 2005. He wrote the screenplay to Tre
lire primo giorno (directed by Andrea
Pellizzer) in 2009, and La via del ring
(by Daniele Azzola) in 2011. He won a
Solinas GialloNero Prize for Diario di
spezie, from which he drew inspiration
for the novel he wrote by the same
name, published by Mondadori in 2013.
Alessandro Leone (Taranto, Italy, 1970)
is a film director and movie critic. In
2002 he wrote Pap Samb (screenplay
supported by the MEDEA Programme).
He then wrote the screenplay and
directed the short film La fune in 2005,
which received many awards in Italy
and abroad. He co-wrote the screenplay
to the movies Fuga dal call center
(directed by Federico Rizzo) and
La via del ring by Davide Azzola.
He also wrote the book La boxe
immaginata dal cinema, which
will be published by Falsopiano.
filmografia/filmography
Massimo Donati:
Scene d’interni con topo
di gomma (2005).
Massimo Donati, Alessandro Leone:
Fuoriscena (doc., 2013).
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TFFDOC
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I TA L I A N A . D O C
claudio casazza, luca ferri
HABITAT [PIAVOLI]
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 60’, col.
regia, fotografia,
produttori/directors,
cinematography, producers
Claudio Casazza,
Luca Ferri
montaggio/film editing
Claudio Casazza
musica/music
Dario Agazzi,
Luigi Nono
interpreti/cast
Franco Piavoli,
Flora Piavoli,
Agata Piavoli,
Luca Ferri
(voce/voice over),
Claudio Casazza
(voce/voice over),
Mario Piavoli
(voce/voice over)
distribuzione/distribution
Circuito Nomadica
**
contatti/contacts
Claudio Casazza
[email protected]
Luca Ferri
[email protected]
www.ferriferri.com
HABITAT [PIAVOLI]
Franco Piavoli nel suo mondo, nel suo habitat. La sua casa, i suoi
oggetti e le immagini dei suoi film che si perdono tra quelle
odierne. Il tempo che scorre, gli oggetti che rimangono e le
persone che se ne vanno.
«Un film asciutto, per nulla didascalico. A parlare per Franco
Piavoli, le sue stampe, i suoi libri e tutti gli ambienti della sua
residenza, che sembrano una perfetta estensione del suo agire
e del suo raccontarsi. Abbiamo preferito guardarci attorno e
registrare i segni e le cose. Il tempo che abbiamo passato insieme
ci ha poi permesso di non chiedergli nulla, registrando così alcuni
“frammenti” del suo pensiero in una modalità rilassata e non
invasiva. Il risultato sono immagini ferme, fisse, di pura
contemplazione in cui il regista si è serenamente specchiato
in quel gioco cinematografico che chiameremo per comodità
marchingegno. Nel meccanismo abbiamo espressamente voluto
che la telecamera, oggetto ingombrante, registrasse il tutto senza
la negazione della sua presenza».
HABITAT [PIAVOLI]
Franco Piavoli in his world, in his habitat. His home, his objects
and the pictures of his films that blend into the pictures of today.
Time that goes by, the objects that remains and people who fly away.
“A dry film, not didactic at all. For telling about Franco Piavoli we
were helped by his prints, his books and all the rooms of his house that
seem to be a perfect extension of his acting and talking about himself.
We preferred to look around and record signs and things. The time we
spent with him allowed us not to ask him anything and, by this way,
to record some fragments of his thinking in a relaxed and not invasive
way. The results are still images of pure contemplation, in which the
director could peacefully be reflected in that cinematographic game
that we call mechanism for convenience. In the mechanism we
explicitly wanted the camera, bulky object, to shoot without hiding
its presence.”
Claudio Casazza (1977) ha diretto
i documentari Era la città dei cinema
(2009), I frutti puri impazziscono Frammenti di Altro Lario (2010)
e il cortometraggio Mutuo soccorso
(2010), presentato al Milano Film
Festival. Nel 2012 ha partecipato a
FareCinema, corso di alta
specializzazione cinematografica
diretto da Marco Bellocchio, realizzato
il mockumentary Il vento fa suo il giro
e iniziato le riprese di Fattore Omega,
documentario sul fotografo Vito
Liverani.
Luca Ferri (1976) inizia la sua carriera
di regista nel 2005: tra i suoi film
Magog [o epifania del barbagianni]
(2011), Ecce Ubu (2012) e Kaputt/
Katastrophe (2012), prodotti da Lab80
e proiettati in festival e gallerie d’arte
italiane. I film sono stati recentemente
acquisiti dal Circuito Nomadica.
Claudio Casazza (1977) directed the
documentaries Era la città dei cinema
(2009) and I frutti puri impazziscono Frammenti di Altro Lario (2010),
and the short Mutuo soccorso (2010),
which was presented at the Milano
Film Festival. In 2012 he participated
at FareCinema, a course in advanced
film specialization directed by
Marco Bellocchio; he directed the
mockumentary Il vento fa suo il giro;
and he began shooting Fattore Omega,
a documentary about the photographer
Vito Liverani.
Luca Ferri (1976) began his career as
a director in 2005. Films he has directed
include Magog [o epifania del
barbagianni] (2011), Ecce Ubu (2012),
and Kaputt/Katastrophe (2012), all
of which were produced by Lab80
and have been screened at festivals
and Italian art galleries. His films
have recently been bought by Circuito
Nomadica.
filmografia essenziale/
essential filmography
Claudio Casazza:
Era la città dei cinema (doc., 2009),
I frutti puri impazziscono - Frammenti
di Altro Lario (doc., 2010), Mutuo
soccorso (cm, 2010), Il vento fa suo
il giro (doc., 2012).
Luca Ferri:
Magog [o epifania del barbagianni]
(cm, 2011), Ecce Ubu (2012),
Kaputt/Katastrophe (cm, 2012).
Claudio Casazza, Luca Ferri:
Habitat [Piavoli] (doc., 2013).
92
TFFDOC
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I TA L I A N A . D O C
yukai ebisuno, raffaella mantegazza
IL LAGO
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 65’, col.
regia, fotografia,
montaggio, suono/
directors, cinematography,
film editing, sound
Yukai Ebisuno,
Raffaella Mantegazza
musica/music
Kandagawa
Japanese Folk Song,
Daoyin Yangsheng Gong
interpreti/cast
Sumio Ebisuno,
Isabella Cosentino,
Eugenia Lupano,
Yukai Ebisuno,
Enrico Catalucci,
Lorenza Rigoldi,
Roberto Crolla,
Carla Foglia Viviani,
Cristina Viviani
produzione/production
Il Piccolo Cinema
**
contatti/contacts
Il piccolo cinema
Tel: +39 380 262 02 82
[email protected]
www.ilpiccolocinema.net
Yukai Ebisuno
[email protected]
Raffaella Mantegazza
[email protected]
IL LAGO
Sulle rive di un lago un uomo e una donna affrontano insieme
l’autunno della loro vita. In un giardino che sembra trovarsi in
Giappone un airone si fa messaggero di oscuri presagi. Un’anziana
donna osserva l’innocente saggezza del vuoto. Due culture che
si incontrano e un amore che ha resistito alle intemperie degli anni,
alla ricerca di un senso profondo della vita e della morte, tra le note
di un canto e i versi di una poesia.
«Abbiamo voluto provare a raccontare una fiaba con la realtà che
ci circonda, in un viaggio intimo dentro la nostra famiglia. Per tre
anni abbiamo seguito i genitori di Yukai, raccontando la storia
d’amore di una coppia italogiapponese che ha deciso di invecchiare
insieme, immersa nella natura. Osservarli è stato per noi guardare
il presente immaginando il nostro futuro. Il lago è diventato col
tempo il nostro punto di vista, il centro di gravità intorno a cui
ruota la vita. La storia si è trasformata a poco a poco, scandita dal
ritmo delle stagioni, in un racconto universale sullo scorrere del
tempo, sull’amore e sulla volontà di non smettere di sognare
giocando».
THE LAKE [L.T.]
Along the shores of a lake, man and a woman face together the
autumn of their life. In a garden apparently located in Japan, a
heron becomes the messenger of ominous forebodings. An elderly
woman watches the innocent wisdom of the void. The meeting of
two cultures and a love story that has endured the wear and tear
of time, in the search for a deeper meaning to life and death,
between the notes of a song and the verses of a poem.
“We wanted to try to tell a fairytale with the reality surrounding us,
through a personal journey inside our family. We followed Yukai’s
parents for three years, telling the love story of an Italian-Japanese
couple that decided to grow old together surrounded by nature.
For us, watching them was like looking at the present while imagining
our own future. With time, the lake became our point of view, the
center of gravity around which life revolved. Little by little, the rhythm
of the seasons started articulating the story, transforming it into a
universal tale on the passing of time, on love, and on not wanting
to stop dreaming by playing.”
93
TFFDOC
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I TA L I A N A . D O C
Yukai Ebisuno (Portoferraio, Livorno,
Italia, 1982) è figlio di madre italiana
e padre giapponese. Laureatosi in
cinema al Dams di Torino, lavora
come scenografo e nel 2009 collabora
con l’associazione culturale Documè.
Nel 2010 completa il master in regia
documentaria presso lo Ied di Milano
realizzando il cortometraggio
documentario Il lago canta.
Successivamente dirige con Raffaella
Mantegazza i documentari La cité de
la lumière (2010), Honduras sin
derechos (2012) e Spiriti che ha vinto
la sezione Italiana.corti al 30° Torino
Film Festival.
Raffaella Mantegazza (Busto Arsizio,
Varese, Italia, 1982) ha studiato
fotografia e arti visive all’Accademia
di belle arti e si è laureata in
antropologia culturale ed etnografia
all’Università di Torino. Oltre al lavoro
come fotografa indipendente,
si è dedicata all’attività artistica
esponendo in mostre personali
e collettive.
Yukai Ebisuno (Portoferraio, Livorno,
Italy, 1982), son of an Italian mother
and a Japanese father, graduated in
film studies from the DAMS in Turin.
He started working as a set designer,
and he collaborated with the cultural
society Documè in 2009. He completed
his master’s in documentary filmmaking
at IED in Milan, making the short
documentary Il lago canta. He then
directed with Raffaella Mantegazza the
documentary La cité de la lumière
(2010); in 2012 they directed Honduras
sin derechos and Spiriti, which won the
Italiana.corti section at the 30 Torino
Film Festival.
TH
Raffaella Mantegazza (Busto Arsizio,
Varese, Italy, 1982) studied photography
and visual arts at the Academy of Fine
Arts, and graduated in cultural
anthropology and ethnography from the
University of Turin. Besides working as
an independent photographer, she also
dedicates herself to art, exhibiting her
artwork in personal and collective shows.
filmografia/filmography
Yukai Ebisuno:
Muovi equilibri (cm, doc., 2009),
Bike vs Car (cm, 2009), Il lago canta,
(cm, doc., 2010), Ortometraggio
(cm, doc., 2010).
Yukai Ebisuno, Raffaella Mantegazza:
La cité de la lumière (cm, doc., 2010),
Honduras sin derechos (cm, doc.,
2012), Spiriti (cm, doc., 2012),
Il lago (doc., 2013).
maite vitoria daneris
EL LUGAR DE LAS FRESAS
CONTENTS
PREMIO CIPPUTI
Italia-Spagna/Italy-Spain, 2013, HD, 90’, col.
regia, sceneggiatura,
fotografia, produttore/
director, screenplay,
cinematography, producer
Maite Vitoria Daneris
montaggio/film editing
Renato Sanjuan,
Mirko Capozzoli
musica/music
Andrea Gattico
suono/sound
Mirko Guerra
interpreti/cast
Ernesta «Lina» Garrone,
Gianni Baccola,
Hassan Raqabi
**
contatti/contacts
Maite Vitoria Daneris
[email protected]
IL LUOGO DELLE FRAGOLE
Lina ha settant’anni ed è contadina da sempre. Ogni mattina parte
da San Mauro, il «paese delle fragole», per raggiungere il mercato
all’aperto più grande di Europa, quello di Porta Palazzo a Torino,
dove vende la sua verdura e la sua frutta, tra cui le sue fragole.
Senza figli, Lina ha cinque cani e un marito che vorrebbe che
smettesse di lavorare e che ovviamente rimane inascoltato. Finché
un giorno al mercato si presenta Hassan, un giovane immigrato
marocchino in cerca di lavoro.
«La parola trasformazione è l’elemento vitale e strutturale del film:
quella dei personaggi, dei loro rapporti e della loro storia, ma
anche del lavoro, dei contadini, di un’epoca. In piena
globalizzazione, Lina è ancora lì, nel luogo delle fragole, a
sopravvivere all’avvento di un’era globale. La trasformazione,
poi, è spesso associata all’idea di conflitto, altro leitmotiv del film:
attraverso la storia di Lina si passa dai campi di fragole di un paese
nel torinese alle contraddizioni della globalizzazione, dalle difficoltà
di un marocchino al problema dell’immigrazione».
THE STRAWBERRY PLACE [L.T.]
Lina is seventy years old and has always been a farmer. Every morning,
she leaves San Mauro, the “strawberry town,” and goes to Europe’s
biggest open-air market, Porta Palazzo in Turin, where she sells her
vegetables and fruits, including her strawberries. Lina doesn’t have
any children but she does have five dogs and a husband, who wishes
she would stop working, but his request is ignored. Until one day,
at the market, she meets Hassan, a young Moroccan immigrant
looking for a job.
“The word ‘transformation’ is the vital and structural element of the
film: that of the characters, of their relationships and of their stories,
but also of work, of farmers, of an era. In full globalization, Lina is still
there, in the strawberry place, surviving the advent of a global era.
Often, transformation is also associated with the idea of conflict,
another leitmotiv of the movie: through the story of Lina, we go
from the strawberry fields of a town on the outskirts of Turin to the
contradictions of globalization, from the difficulties of a Moroccan
boy to the problems of immigration.”
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TFFDOC
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I TA L I A N A . D O C
Maite Vitoria Daneris (Madrid,
Spagna, 1978) nel 1998 ha iniziato il
percorso di studi presso l’Accademia
di belle arti di Madrid, dove si è
concentrata soprattutto sulla
fotografia e il documentario. Nel 2004
ha diretto i suoi primi cortometraggi
documentari Volved e Somos nueve.
Nel 2005, trasferitasi a Torino, ha
iniziato a lavorare a diversi progetti
documentari, tra cui il premiato
cortometraggio Oggi no ma domani sì.
Dal 2007 ha lavorato al suo primo
lungometraggio, El lugar de las fresas,
partecipando a diversi progetti per lo
sviluppo del film, dal Match Making
e il Pitching Forum di Documentary
in Europe, al pitching del Festival
internacional de documentales de
Barcelona.
Maite Vitoria Daneris (Madrid, Spain,
1978) began her studies in 1998 at the
Fine Arts Academy in Madrid, where she
concentrated primarily on photography
and documentaries. In 2004, she
directed her first documentary shorts,
Volved and Somos nueve. In 2005, she
moved to Turin and began working on
various documentary projects, including
the award-winning short Oggi no ma
domani sì. Since 2007, she has been
working on her first feature-length film,
El lugar de las fresas, participated at
various projects to develop the film,
from Match Making of Documentary
in Europe to the Pitching Forum of the
same event and pitched at the Festival
internacional de documentales de
Barcelona.
filmografia/filmography
Volved (cm, doc., 2004), Somos nueve
(cm, doc., 2004), Oggi no ma domani
sì (cm, 2006), El lugar de las fresas
(doc., 2013).
penelope bortoluzzi
LA PASSIONE DI ERTO
CONTENTS
Francia-Italia/France-Italy, 2013, HD, 78’, bn/bw-col.
regia, montaggio/
director, film editing
Penelope Bortoluzzi
fotografia/cinematography
Penelope Bortoluzzi,
Stefano Savona
suono/sound
Jean Mallet,
Xavier Thibault
produzione/production
Picofilms,
À Vif Cinémas, Dugong
**
contatti/contacts
Picofilms
[email protected]
www.picofilms.com
LA PASSIONE DI ERTO
Erto, un paese delle Alpi friulane. Nella sua valle impervia viene
costruita alla fine degli anni Cinquanta la diga del Vajont, all’epoca
la più alta del mondo. Nel 1963 un versante del monte Toc precipita
nel lago artificiale della diga, provocando un’ondata che uccide
quasi duemila persone. Dall’altro lato della valle, di fronte a quel
monte, gli ertani non hanno mai smesso di mettere in scena la
Passione di Cristo. Da secoli, la sera del Venerdì santo, un Cristo
ertano viene tradito, condannato e crocifisso, mentre la Storia va
avanti con le sue costruzioni e distruzioni, le sue vittime e i suoi
sopravvissuti, i suoi calvari reali e immaginari.
«Il film racconta un paese attraverso i due eventi che ne hanno
scolpito la storia: un rito annuale atavico e una catastrofe unica,
senza precedenti. Ho cercato di raccontare una comunità che
porta le stimmate della sua storia, i volti di oggi e di ieri, una valle
e le sue cicatrici, l’eclissi di un mondo e i suoi vani tentativi di
resistenza, le peripezie tragicomiche di ciò che di quel mondo
rimane».
THE PASSION OF ERTO [L.T.]
Erto is a town in the Friuli Alps. A dam was built in its impervious
valley at the end of the 1950s: the Vajont Dam, which, at the time,
was the tallest in the world. But in 1963 the side of Mount Toc
collapsed into the dam’s artificial lake, causing a wave that killed
almost two thousand people. On the other side of the valley, in front
of that mountain, the people of Erto never stopped staging the Passion
of Christ. For centuries, a Christ from Erto is betrayed, condemned,
and crucified on Good Friday, while History goes on with its
constructions and destructions, its victims and its survivors, and its
Calvaries, real and imaginary.
“The film tells the story of a town through the two events that molded
its history: an annual ancestral ritual, and a unique and unprecedented
catastrophe. I wanted to tell the story of a community that bears the
stigmata of its history, the faces from the present and the past, a valley
and its scars, the eclipse of a world and its futile attempts to resist, the
tragicomic vicissitudes of what is left of that world.”
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TFFDOC
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I TA L I A N A . D O C
Penelope Bortoluzzi (Venezia, Italia),
dopo una formazione letteraria e
musicale nella sua città natale,
ha studiato cinema a Parigi.
Ha realizzato due cortometraggi,
Coulisses e, per il canale televisivo Arte,
Caroline. Il suo primo lungometraggio,
Fondamenta delle convertite, ha vinto
la menzione speciale del concorso
internazionale al Festival dei Popoli
di Firenze. Nel 2010 ha fondato a
Parigi la casa di produzione Picofilms
e ha prodotto i film di Stefano Savona
Palazzo delle aquile, proiettato al 29°
Torino Film Festival, e Tahrir Liberation
Square, del quale ha anche curato
il montaggio.
Penelope Bortoluzzi (Venice, Italy),
after studying literature and music
in her hometown, went to Paris to study
cinema. She made two short films,
Coulisses and Caroline (the latter
made for the television channel ARTE).
Her first feature film, Fondamenta
delle convertite, got a special mention
at Florence’s Festival dei Popoli.
She founded in Paris the production
company Picofilms in 2010, producing
Stefano Savona’s documentary films
Palazzo delle Aquile (screened at the
29 Torino Film Festival) and Tahrir
Liberation Square (which she also
edited).
TH
filmografia/filmography
Coulisses (cm, 2003), Caroline (cm,
2007), Fondamenta delle convertite
(doc., 2008), La Passione di Erto
(doc., 2013).
greta de lazzaris
ROSARNO
CONTENTS
PREMIO CIPPUTI
Italia/Italy, 2013, Mini-DV, 70’, col.
regia, fotografia/
director, cinematography
Greta De Lazzaris
montaggio/film editing
Aurelia Longo
suono/sound
Silvia Regina Moraes
produttori/producers
Greta De Lazzaris,
Mazzino Montinari,
Antonio Pezzuto,
Mario Raoli
**
contatti/contacts
Greta De Lazzaris
[email protected]
ROSARNO
La città di Rosarno, i suoi aranceti, in cui tanti sono impegnati
a raccogliere, smistare, caricare. I pascoli di pecore: un bambino
che sembra già adulto come pastore. Le donne di Rosarno e
quelle che vengono da lontano: le vite di tante persone in attesa
in un non luogo, ostile, provvisorio, di passaggio per tanti.
«Migrante è un nome generico per parlare di individui distinti,
che stanno sul ciglio di una strada aspettando un ipotetico
futuro. “Si accontentano di ammazzare il tempo aspettando
che il tempo li ammazzi”, scriveva Simone De Beauvoir. Il tempo
dell’attesa non è fotografabile. Nessun occhio umano riuscirà
mai a scoprire la verità, il tormento di ciascun individuo. Questa
è la questione davanti alla quale mi sono ritrovata a Rosarno, nel
2004, molti anni prima della rivolta, quando i drammi umani
che vi si svolgevano erano ancora ignorati da tutti. Ho impiegato
nove anni di vita per iniziare a montare il materiale raccolto, per
capire quali fossero l’immagine e la distanza giusta per provare
a restituire la realtà e la complessità di questa cittadina, la vita
dei suoi abitanti, migranti o rosarnesi».
ROSARNO
The town of Rosarno, its orange groves, where many hands are
busy harvesting, sorting, loading. The pastures where sheep are
grazing: a child shepherd who already seems grown up. Women
from Rosarno and from far away: the lives of many people waiting
in a non-place which is hostile and temporary for everyone.
“Migrant is a generic name for speaking about distinct individuals,
who are standing on the side of the road waiting for a hypothetical
future. ‘They make do with killing time as they wait for time to kill
them,’ wrote Simone De Beauvoir. You can’t take a picture of the
time spent waiting. No human eye will ever be able to discover the
truth, the torment of each individual. This is the question I found
myself faced with when I went to Rosarno in 2004, many years
before the revolt, when the human drama taking place was still being
ignored by everybody. It took nine years of my life to begin editing the
shot footage, to understand which were the right images and the
right distances, in order to give reality and complexity back to this
town and to the life of its inhabitants, migrants and locals alike.”
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TFFDOC
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I TA L I A N A . D O C
Greta De Lazzaris (Marsiglia, Francia),
dopo la laurea in letteratura con
indirizzo cinema conseguita presso
l’Università d’Aix-Marseille, nel 2002
si è trasferita a Roma dove ha lavorato
come aiuto e assistente operatore
principalmente con il direttore della
fotografia Marco Onorato. È stata
operatore di macchina e direttore
della fotografia per diversi
documentari, tra cui L’Orchestra di
Piazza Vittorio (2006) di Agostino
Ferrente, Ferrhotel (2011) di
Mariangela Barbanente, Nadea e
Sveta (2012) di Maura Delpero,
Mineo Housing (2012) di Cinzia
Castania, Apolitics Now! (2013)
di Giuseppe Schillaci. Nel 2003 ha
partecipato alla creazione dell’Apollo
11 a Roma, dove tuttora collabora
alla programmazione e cura rassegne,
come quelle su Vittorio De Seta e
Alberto Grifi. Rosarno è il suo primo
lungometraggio.
Greta De Lazzaris (Marseille, France),
after graduating in literature with a
specialization in film studies from the
University of Aix-Marseille, moved to
Rome in 2002 to work as an assistant
and assistant cameraman primarily
for the director of photography Marco
Onorato. She was cameraman and
director of photography for various
documentaries, including L’Orchestra
di Piazza Vittorio (2006) by Agostino
Ferrente, Ferrhotel (2011) by Mariangela
Barbanente, Nadea e Sveta (2012) by
Maura Delpero, Mineo Housing (2012)
by Cinzia Castania, and Apolitics Now!
(2013) by Giuseppe Schillaci. In 2003,
she participated in the creation of Apollo
11 in Rome, where she still collaborates
in programming and curating exhibits,
such as the ones on Vittorio De Seta
and Alberto Grifi. Rosarno is her first
feature-length film.
filmografia/filmography
Rosarno (doc., 2013).
francesca frigo
SANPERÈ! - VENISSE IL FULMINE
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 70’, col.
regia, fotografia/
director, cinematography
Francesca Frigo
soggetto/story
Andrea Parena,
Francesca Frigo
montaggio/film editing
Enrico Giovannone
suono/sound
Niccolò Bosio
interpreti/cast
Doiarè Diarra,
Youssouf Darko,
Kamara Tinemakan,
Lassine Karim Doumbia,
Youssouf Diallo,
Ibrahim Diallo,
Nouhou Kouame,
Adama Sangare
produzione/production
BabyDoc Film
**
contatti/contacts
BabyDoc Film
Tel: +39 011 817 91 92
[email protected]
www.babydocfilm.it
Francesca Frigo (Roma, Italia, 1982)
durante gli anni dell’università ha
curato la fotografia di diversi
cortometraggi e videoclip e dal 2007
ha iniziato a lavorare come filmmaker;
ai film documentari e ai programmi
per la televisione (Rai3, Mtv, Real
Time), ha affiancato il lavoro per la
casa di produzione torinese BabyDoc
Film, della quale è diventata socia
nel 2012. Sanperè! - Venisse il fulmine
è il suo primo lungometraggio
documentario.
SANPERÈ!
- VENISSE IL FULMINE
Un anno nel centro di accoglienza di Caramagna, in Piemonte,
dove risiedono il giovane ivoriano Diarra e i suoi compagni di
sventura arrivati dalla Libia in attesa di ricevere il permesso di
soggiorno e la risposta alla domanda di asilo politico. C’è chi è
in fuga dalla guerra, chi è in cerca di un nuovo futuro per il quale
ha pagato una grossa somma. Nel vuoto delle giornate, tante
parole, tanti confronti, l’incombere della chiusura del centro.
Fino a quando non finisce la cosiddetta «emergenza Nordafrica»,
che li ha visti protagonisti involontari per quasi due anni, e Diarra
e gli altri sono costretti a riprendere il loro cammino, ciascuno
per sé verso un diverso destino.
«L’idea nasce da un desiderio di conoscenza. […] Per circa un anno
abbiamo frequentato il centro, ascoltando i suoi abitanti e
facendoci coinvolgere nei loro cambiamenti. Con il mio film ho
cercato di restituire lo sguardo e i pensieri che queste persone
hanno avuto verso di noi e verso l’esperienza in quanto richiedenti
asilo politico in Italia».
SANPERÈ!
- GREAT THUNDERBOLTS [L.T.]
A year in the shelter of Caramagna (in Piedmont) where Diarra,
a young man from Côte d’Ivoire, and his companions of misfortune
live. They arrived from Libya, and they are waiting to get an immigrant
visa and political asylum. Some of them fled from war, others are
seeking a new future, for which they paid handsomely. The empty days
are interspersed with conversations, confrontations, and the looming
prospect of the shelter closing. Until the so-called “North Africa
emergency,” which they found themselves involuntarily involved in,
comes to an end. Diarra and the others are forced to hit the road
again, each of them heading toward a different destiny.
“The idea comes from a yearning for knowledge. […] We went to the
shelter for almost a year, listening to the people who lived there and
participating to their changes. I tried to capture in my film the looks
and the opinions they have made about us and about their experience
seeking political asylum in Italy.”
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I TA L I A N A . D O C
Francesca Frigo (Rome, Italy, 1982)
worked in photography for short films
and music videos during her university
years. She started working as a
filmmaker in 2007, making
documentary films and television
shows (for the channels RAI3, MTV,
RealTime). She has also been working
for the Turin-based production company
BabyDoc Film, making partner in 2012.
Sanperè! - Venisse il fulmine is her
first feature-length documentary.
filmografia/filmography
Sanperè! - Venisse il fulmine
(doc., 2013).
cyop&kaf
IL SEGRETO
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, DV, 89’, col.
regia/director
cyop&kaf
soggetto/story
Luca Rossomando
fotografia/cinematography
Ciro Malatesta
montaggio/film editing
Alessandra Carchedi
musica/music
Enzo Avitabile
suono/sound
Massimo Mariani
interpreti/cast
Ivano Calabria,
Luigi Provenzano,
Antonio D’Amato,
Mimmo Russo,
Emanuele Criscuolo,
Salvatore Di Matteo,
i ragazzi del quartiere/
kids of the neighborhood
la Torretta,
Gennaro Picco,
Salvatore Nocerino,
Francesco Albinni,
Ferdinando De Crescenzo,
Emanuele Pio Adamo,
Godwin Kofi «Emanuele»
Boateng, Francesco Verrano
produttori/producers
Antonella Di Nocera,
Daria D’Antonio
produzione/production
Quore Spinato,
Parallelo 41,
Napoli Monitor
**
contatti/contacts
cyop&caf
[email protected]
www.ilsegreto.org
www.cyopekaf.org
www.napolimonitor.it
cyop&kaf usa dipingere, anche
se talvolta inciampa nella scrittura,
nell’urbanistica, nella fotografia.
Quando per la prima volta gli è
capitata una telecamera tra le mani
era intento da tre anni a dialogare
con i Quartieri spagnoli di Napoli.
Il frutto di questo lavoro è diventato
prima un libro, QS, e poi un film,
Il segreto. Due opere-sintesi, che
insieme provano a dar conto della
complessità di un quartiere corroso
dai pregiudizi. Per guardare dietro
e dentro l’apparenza spesso brutale
delle cose.
IL SEGRETO
A metà gennaio in molti quartieri di Napoli si celebra ancora il
rito del cippo di Sant’Antonio. Passato il Capodanno, i ragazzini
si mettono in cerca di legna da bruciare, spingendosi anche molto
lontano dal proprio quartiere. Ogni banda ammassa la legna in
un nascondiglio – il «segreto» – per proteggerla dalle incursioni
dei gruppi provenenti dai quartieri vicini. Nei Quartieri spagnoli
la banda di Checco Lecco accumula abeti di tutte le dimensioni
in uno spazio abbandonato, lasciato libero dall’abbattimento
vent’anni prima di un palazzo danneggiato dal terremoto del 1980.
Ogni pomeriggio, divisi in piccoli gruppi, i ragazzi partono dal loro
«segreto» diretti nei quartieri eleganti, dove reperire gli abeti
dismessi dopo le feste natalizie. L’attesa del giorno del falò, il 17
gennaio, si consuma in frenetiche ricerche e poi nelle schermaglie,
a volte reali spesso immaginarie, per difendere il proprio tesoro
dagli assalti dei «nemici». Tutto si svolge in strada, la mattina a
volte si marina la scuola, mentre la notte si monta la guardia al
nascondiglio. Ma proprio l’ultimo giorno un ostacolo imprevisto
rischia di mandare tutto a monte.
THE SECRET [L.T.]
Many neighborhoods in Naples still celebrate the ritual of the
bonfires of Saint Anthony in mid January. Kids start collecting firewood
after New Year’s, sometimes venturing far from home to look for it.
Every group stashes their wood in a different hiding place, “the secret,”
so they can protect it from being raided by other neighboring groups.
Checco Lecco’s gang from the Spanish Quarters has been hiding
spruces of all sizes in an abandoned site: it was cleared twenty
years before when they demolished a building damaged by the 1980
earthquake. Every afternoon, the kids leave from their “secret”
in small groups and head to the elegant parts of town to retrieve
Christmas trees discarded after the holidays. The countdown to
January 17 , the day of the bonfires, is spent between hectic searches
and skirmishes, sometimes real and often imaginary, to defend their
treasure from the assaults of the “enemies.” Everything takes place in
the streets: in the morning kids occasionally skip school, and at night
they guard their hiding place. But, on the very last day before the
celebrations, an unexpected obstacle threatens to ruin everything.
TH
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TFFDOC
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I TA L I A N A . D O C
cyop&kaf usually paints, and
occasionally stumbles upon writing,
city planning, and photography.
When a video camera ended up in
his hands for the first time, he had
been working with Naples’ Spanish
Quarters for three years. The fruits of his
labor became first a book, QS, and then
a documentary film, Il segreto, which
try to convey the complexity of a
neighborhood corroded by prejudices.
To look inside and beyond the frequently
brutal appearance of things.
filmografia/filmography
Il segreto (doc., 2013).
aa.vv.
STRIPLIFE
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 64’, col.
Nicola Grignani nel 2002 ha fondato
con Alberto Mussolini e Luca Scaffidi
il collettivoTeleimmagini. Ha poi
diretto con Filippo Ticozzi, per
Marcopolo, la serie di documentari
Il paese sottile (2007).
Alberto Mussolini ha studiato al Dams
di Bologna a lavora per il Kreative Lab
di Milano.
regia, fotografia/
directors, cinematography
Nicola Grignani,
Alberto Mussolini,
Luca Scaffidi,
Valeria Testagrossa,
Andrea Zambelli
soggetto, sceneggiatura/
story, screenplay
Teleimmagini
montaggio/film editing
Luca Gasparini
musica/music
Walter Buonanno
interpreti/cast
Jaber Abu Ryila,
Mohammed Antar,
Majd Antar,
Noor Harazeen,
Gaza Parkour Team,
Moemen Faiz,
Fatima Raanan,
Salem Abu Sidu
produttore/producer
Raffaele Aspide
distribuzione/distribution
Vivo film
**
contatti/contacts
Vivo film
Tel: +39 06 807 80 02
[email protected]
www.vivofilm.it
Luca Scaffidi (Milano, Italia, 1978),
videomaker e direttore della fotografia,
anima progetti come Indymedia, New
Global Vision e Telestreet.
Valeria Testagrossa ha studiato
giornalismo alla Westminstser
University di Londra e ha lavorato
per «The Guardian».
STRIPLIFE
Striscia di Gaza. Un evento inspiegabile è avvenuto durante la
notte: decine di mante si sono arenate sulla spiaggia. Carretti di
pescatori accorrono per accaparrarsele. Intanto la città si sveglia.
Antar sprona il fratello ad alzarsi: è il grande giorno, nel pomeriggio
inciderà il suo primo disco. Noor si trucca, dovrà apparire davanti
alle telecamere. Jabber è già nel campo. Intorno a lui gli spari dei
fucili. Un corteo si snoda per le strade. Moemen è lì per fare il suo
lavoro, il fotografo. Al porto una barca rientra con lo scafo crivellato
di proiettili. Il canto del muezzin invade lo spazio, moltiplicato dai
minareti. Come in un sogno, i ragazzi del Parkour Team piroettano
in un cimitero.
«Striplife è un film corale che racconta la Striscia di Gaza. Nell’arco
narrativo di una giornata, le storie dei personaggi si fondono
alla descrizione del contesto ambientale. Uomini e donne
che resistono, capaci di tenerezza e sorrisi, determinati a non
soccombere a condizioni di vita che appaiono impossibili. […]
Non un film su Gaza, ma con Gaza».
STRIPLIFE
The Gaza Strip. Something inexplicable happened overnight: dozens
of manta rays got beached. Fishermen pushing carts flock to the shores
to grab as many as they can. Meanwhile the city wakes up. Antar urges
the brother to wake up: it’s a big day for him, he will be recording his
first album that afternoon. Noor is putting her make up on, she will
be appearing in front of the cameras. Jabber is already in the field,
surrounded by gunfire. A demonstration is marching down the streets.
Moemen is there to do his job: he is a photographer. A boat returns
to the harbor, its hull is riddled by bullet holes. The muezzin’s call
to prayer echoes is the air, multiplied by the minarets. The members
of the Parkour Team twirl around in a cemetery like in a dream.
“Striplife is a choral film about the Gaza Strip. During the narrative
timespan of a day, the characters’ stories merge with the description
of the environmental context. Men and women resisting, capable
of tenderness and smiles, determined not to succumb to seemingly
impossible life conditions. […] It’s not a film on Gaza, but a film
with Gaza.”
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I TA L I A N A . D O C
Andrea Zambelli ha partecipato nel
2008 al Torino Film Festival e l’anno
successivo al Festival di Toronto con
Di madre in figlia. Ha collaborato con
Davide Ferrario per Dopo mezzanotte
(2003) e La strada di Levi (2005).
Nicola Grignani founded the
Teleimmagini collective with Alberto
Mussolini and Luca Scaffidi in 2002.
He directed with Filippo Ticozzi the
documentary series for Marcopolo,
Il paese sottile (2007).
Alberto Mussolini graduated from
the DAMS in Bologna. He works for
the Kreative Lab in Milan.
Luca Scaffidi (Milan, Italy, 1978) is a
videomaker and photography director.
He organized projects for Indymedia,
New Global Vision, and Telestreet.
Valeria Testagrossa studied journalism
at Westminster University in London,
and worked for “The Guardian.”
Andrea Zambelli participated at
Torino and Toronto Film Festival
with is documentary From Mother
to Daughter (2008). He worked with
Davide Ferrario in After Midnight
(2003) and Primo Levi’s Journey (2005).
filmografia/filmography
Nicola Grignani, Alberto Mussolini,
Luca Scaffidi, Valeria Testagrossa,
Andrea Zambelli:
Striplife (doc., 2013).
claudio giovannesi
WOLF
CONTENTS
Italia-Repubblica Ceca/Italy-Czech Republic, HD, 2013, 60’, col.
regia/director
Claudio Giovannesi
soggetto/story
David Meghnagi
sceneggiatura/screenplay
David Meghnagi,
Claudio Giovannesi
fotografia/cinematography
Michele D’Attanasio
montaggio/film editing
Giuseppe Trepiccione
musica/music
Claudio Giovannesi,
Andrea Moscianese
suono/sound
Angelo Bonanni,
Filip Slavik
interpreti/cast
Wolf Murmelstein,
David Meghnagi,
Anna Murmelstein,
Riccardo Di Segni,
Marketa Pacovska,
Toman Brod
produzione/production
Vivo film,
Istituto Luce Cinecittà,
Produkce Radim Prochàzka
distribuzione/distribution
Istituto Luce Cinecittà
**
contatti/contacts
Vivo film
Tel: +39 06 807 80 02
[email protected]
WOLF
Il rabbino capo Benjamin Murmelstein (1905-1989) è stato
il direttore del ghetto artificiale di Terezín, con il compito di
rappresentare presso i nazisti una comunità destinata allo
sterminio. Vittima di una tragica contraddizione, dopo la
Liberazione fu processato – e assolto – per collaborazionismo
e una volta trasferitosi a Roma venne emarginato dalla comunità
ebraica fino alla morte. Suo figlio Wolf ha dedicato la vita a
riabilitarne la memoria, cercando di fornire un’immagine più
complessa del ruolo che ebbe a Terezín. Attraverso il dialogo
di Wolf con lo psicanalista David Meghnagi, il film ricostruisce il
rapporto di un figlio con la memoria del padre, tra accettazione,
rifiuto e tematizzazione di una tragedia comune e familiare.
«Ho provato a pormi delle domande che prescindono
dall’ebraismo e dalla Shoah e a lasciare che il film le ponesse a sua
volta: è possibile vivere al di là del proprio passato? Può un essere
umano sopravvivere alla memoria e alle colpe del proprio padre?
In che modo la Storia agisce e trasforma la vita individuale?
Dove finisce il passato e dove inizia il presente?»
www.vivofilm.it
WOLF
Rabbi Benjamin Murmelstein (1905-1989) was head of the Jewish
Council of the artificial ghetto of Terezín. The Nazis made him
representative of the community destined for extermination.
Victim of a tragic contradiction, after the Liberation he was tried
and absolved from the accusation of collaborating with the Nazis;
he moved to Rome, where he was ostracized by the Jewish community
until he died. His son Wolf devoted his life to redeem his image, trying
to paint a more complex picture of the role his father played in Terezín.
The film reconstructs through the conversation between Wolf and
the psychoanalyst David Meghnagi a son’s relationship with the
memory of his father, between the acceptance, the denial, and the
thematization of a common and familiar tragedy.
“I tried to ask myself questions beyond Judaism and the Shoah, trying
to let the film itself ask the questions: is it possible to live beyond one’s
past? Can a human being survive the memory and the faults of his
father? How does History act and transform individual lives? Where
does the past end and where does the present begin?”
100
TFFDOC
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I TA L I A N A . D O C
Claudio Giovannesi (Roma, Italia,
1978) è regista, sceneggiatore e
musicista. Laureato in lettere
moderne, si è diplomato al Centro
sperimentale di cinematografia di
Roma e dal 2001 al 2004 ha lavorato
per il programma di Rai3 Blob. Nel
2009 ha diretto il lungometraggio
La casa sulle nuvole, premio speciale
della giuria al Festival di Bruxelles,
e il documentario Fratelli d’Italia,
menzione speciale della giuria al
Festival di Roma. Nel 2012 ha diretto
il suo secondo lungometraggio,
Alì ha gli occhi azzurri, che ha vinto
il premio speciale della giuria
e il premio alla miglior opera prima
e seconda a Roma, il Premio Fice
e il Premio Mario Verdone, ed è stato
candidato ai Nastri d’argento come
miglior film, oltre che presentato in
concorso al Tribeca Film Festival.
Claudio Giovannesi (Rome, Italy, 1978)
is a filmmaker, screenwriter, and
musician. After getting a Bachelor of
Arts, he received a diploma from the
Centro sperimentale di cinematografia
in Rome. He worked for Rai3’s program
Blob from 2001 to 2004. In 2009 he
directed the feature film La casa
sulle nuvole (jury special award
at the Brussels Film Festival) and the
documentary Fratelli d’Italia, special
mention of the jury at the Rome Film
Festival). In 2012 he directed his second
feature film Ali Has Blue Eyes, winning
the special jury prize and the best debut
and second film award in Rome, FICE
Award and Mario Verdone Award.
The film was also nominated at the
Nastri d’argento and partecipated in
competition at Tribeca Film Festival.
filmografia/filmography
L’uomo del sottosuolo (cm, 2005),
Fratelli d’Italia (doc., 2009), La casa
sulle nuvole (2009), Alì ha gli occhi
azzurri (2012), Wolf (doc., 2013).
CONTENTS
Alberto Grifi con il primo modello del vidigrafo da lui costruito (1974)
gym lumbera
ANAK ARAW
CONTENTS
ALBINO
Filippine-Usa/Philippines-USA, 2012, Super8-16mm-35mm, 70’, bn/bw
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Gym Lumbera
fotografia/cinematography
Danilo Salas III
montaggio/film editing
Jet Leyco,
Gym Lumbera
scenografia/
production design
Timmy Harn,
Jacyn Esquilon
musica/music
Moki McFly,
Banda 24
suono/sound
Moki McFly
interpreti/cast
Jay G. De la Vega,
John Griffiths,
Feliciano Lumbera,
Rodrigo Magpantay,
Franco Giuseppe Cuozzo,
Banda 24
produttori/producers
Allison Lumbera,
Roger Basco
**
contatti/contacts
Jim Jasper Lumbera
[email protected]
Gym Lumbera (Batangas, Filippine)
è nato in una pittoresca cittadina
in riva a un lago con un vulcano
al centro. Direttore della fotografia,
ha lavorato in diverse produzioni,
tra cui La última película, presente
nella sezione Onde di questa
edizione del Torino Film Festival.
Nel 2010 ha esordito alla regia con
il cortometraggio Because of You,
cui sono seguiti diversi film, come
Tagalog, selezionato l’anno scorso
al Festival di Roma.
ALBINO
Sul lago Taal, situato sull’isola filippina di Luzon, nella provincia
di Batangas, vive un albino. L’uomo ritiene di essere figlio di un
americano e per dare credito alla sua convinzione cerca di imparare
l’inglese con un dizionario Tagalog-Inglese. Intanto la sua città sta
subendo un esodo di massa a causa di strani eventi come
l’apparizione di squali, esplosioni inspiegabili e morti senza senso.
«L’illusione coloniale è radicata nella storia di un filippino e della
sua famiglia. È un peso sulla sua identità, ma al tempo stesso una
parte di essa. Questa frattura non deriva solo dal colonialismo, ma
anche dall’industrializzazione e dall’urbanizzazione, che attraverso
cambiamenti violenti hanno costretto a un costante dualismo
l’esperienza e il ritmo interiore di ciascuno. […] Io sono per molti
versi quel tipo di filippino: nato nella provincia di Batangas, ora
vivo nella quasi cosmopolita Manila. E queste sono le mie stesse
battaglie, quello il dolore che mi disturba: la perenne malinconia
per la vita pastorale, mitigata dall’altrettanto immancabile fretta
della vita metropolitana».
ALBINO
On Taal Lake, located in an island of the Philippines, in the province
of Batangas, live an albino. He is convinced he is the son of an
American, so, to make his conviction credible, he tries to learn English
with the support of a Tagalog-English dictionary. Meanwhile the city
where he lives is experiencing a massive exodus triggered by a series of
unlikely events, like the appearance of sharks, inexplicable explosions,
and senseless deaths.
“The colonial illusion runs deeply in the history of a Filipino and its
family. It’s a burden to one’s identity, but at the same time a part
of it. This rift is not solely colonial, but also from industrialization and
urbanization – where abrupt changes of conditions tear one’s rhythm
and experience to a state of duality. […] I am, in many ways, that
Filipino: born in the province of Batangas, now residing in quasicosmopolitan Manila. And these are my struggles, too. Its an affliction
that continues to bother me. That constant longing for the pastoral
is always tempered by that constant rush of the metropolitan.”
102
TFFDOC
-
DOCUMENTI
Gym Lumbera (Batangas, Philippines)
was born in a picturesque town by
a lake with a volcano in the middle.
He worked as photography director
in several productions, including La
última película, featured in the Waves
section of this year’s Torino Film Festival.
He directed his first film in 2010, the
short Because of You, which was
followed by several other titles, including
Tagalog, selected last year by the Rome
Film Festival.
filmografia/filmography
Dahil sa ’yo (Because of You, cm,
2010), Class Picture (2011), Taglish
(2012), English (2012), Tagalog (2012),
ETA (2012), Anak araw (Albino, 2012).
Anna (Materiali espansi)
DI/BY JACOPO CHESSA, ANNAMARIA LICCIARDELLO
CONTENTS
Italia/Italy, 1972-1975, 16mm-¼ pollice-½ pollice, 823’, bn/bw
Anna (1975) di Alberto Grifi, Massimo Sarchielli
a cura di/edited by
Jacopo Chessa,
Annamaria Licciardello
montaggio/film editing
Giuseppe Giudice
laboratorio/laboratory
La Camera Ottica
restauro a cura del/
restored by
Centro Sperimentale
di Cinematografia
Cineteca Nazionale
in collaborazione con/
with the collaboration of
Associazione Culturale
Alberto Grifi,
Galleria Alberto Peola
**
regia, produttori/
directors, producers
Alberto Grifi,
Massimo Sarchielli
soggetto, sceneggiatura/
story, screenplay
Massimo Sarchielli,
Roland Knauss
fotografia/cinematography
Alberto Grifi, Mario Gianni,
Raoul Calabrò
interpreti/cast
Anna, Massimo Sarchielli,
Vincenzo Mazza,
Stefano Cattarossi,
Louis Waldon, Pilar Castel,
Alberto Grifi, Adriano Aprà,
Tatti Sanguineti,
Luciano Giaccari,
Gianni Menon,
Louis Marcorelles
103
Abbiamo dato corpo a un sogno di Alberto Grifi:
restaurare e poter rendere visibili le bobine video
da ¼ e da ½ pollice con cui è stato registrato
Anna (e inoltre quel poco di pellicola 16mm con
cui Grifi e Sarchielli avevano iniziato a girare).
Queste bobine contengono il «girato» del film
che conosciamo, le sequenze inedite e le parti
che precedono o seguono, quelle vidigrafate
e montate. Le nuove possibilità di registrazione
del videotape fanno sì che ogni bobina sia
un episodio a sé. Ma il «girato» è già frutto
di una selezione dovuta alla struttura del
nastro che permette di essere visionato subito
e, nel caso, riutilizzato. La non consequenzialità
temporale dei nastri è la riprova che ci troviamo
davanti a un secondo livello rispetto alla pura
registrazione. Uno stadio intermedio tra ripresa
e montaggio che è stato messo in forma
solo dopo, attraverso il montaggio delle
parti vidigrafate.
Questi materiali contengono anche altro:
la riflessione degli autori e dei protagonisti
sull’esperienza vissuta insieme e la ricezione
del pubblico e della critica a Venezia, nel 1975.
Se Anna è un testo chiuso, materialmente
identificato e identificabile con il negativo che ne
è la matrice, il video ha continuato a registrare,
in una dimensione processuale potenzialmente
continua.
TFFDOC
-
DOCUMENTI
We have brought to life a dream of Alberto Grifi’s:
to restore and enable the viewing of the ¼” and ½”
video reels on which Anna was recorded (as well
as the small amount of 16mm film with which
Grifi and Sarchielli had started to shoot). These
reels contain the “exposed” material of the film
we know, plus unreleased sequences, and the parts
that precede or follow the videographed and edited
material. The new recording possibilities offered
by videotape have rendered each reel a self-standing
episode. But the “exposed” material is also the
result of a selection process due to the tape’s
structure, which permits its immediate viewing
and, when needed, re-usage. The non-sequential
temporality of the tapes is proof that we are
dealing with a second level with respect to the
pure registration. An intermediate stage between
shooting and editing, which was generated only
afterward, through the editing of the videographed
footage.
This material also contains something else: the
reflections of the authors and the protagonists
about the shared experience and the reaction
of the public and the critics at the 1975 Venice
Film Festival. If Anna is a completed text,
materially identified and identifiable through
the negative that is its matrix, the video continued
recording, in a potentially continuous dimension
of the process.
filipa césar
CACHEU
CONTENTS
Portogallo/Portugal, 2012, HD, 10’, col.
regia, sceneggiatura,
produttore/director,
screenplay, producer
Filipa César
fotografia/cinematography
Matthias Biber
suono/sound
Nuno da Luz
interprete/cast
Joana Barrios
**
contatti/contacts
Filipa César
[email protected]
CACHEU
«Cacheu è una ripresa di dieci minuti di una lezione recitata
dall’attrice Joana Barrios e dedicata a quattro statue coloniali
oggi conservate nella Fortezza di Cacheu, uno dei primi bastioni
costruiti dai portoghesi nel 1588 per la tratta di schiavi dalla
Guinea-Bissau, nell’Africa occidentale. Barrios evoca conflitti
simbolici risalendo ai vari contesti in cui le statue sono comparse:
su un piedistallo durante il colonialismo portoghese, senza trono
e a pezzi dopo l’indipendenza nel film Sans Soleil di Chris Marker,
come fantasmi sullo sfondo in Mortu Nega di Flora Gomes, e infine
dislocate nella Fortezza di Cacheu. Il montaggio è un processo che
avviene prima delle riprese, in modo che l’immagine sia il risultato
di un assemblaggio performativo tra testo, recitazione, immagine
proiettata e le inquadrature della camera dell’operatore Matthias
Biber».
CACHEU
“Cacheu is a ten-minute shot of a lecture, performed by Joana Barrios,
revolving around four colonial statues, which are stored today at
the Fortress of Cacheu, one of the first bastions constructed by the
Portuguese in 1588 in order to facilitate slave trade in the West African
country of Guinea-Bissau. Barrios evokes symbolic conflicts by tracing
back different contexts in which the statues make an appearance:
on a pedestal during Portuguese colonialism, dethroned and broken
in pieces after Independence in the film Sans Soleil by Chris Marker,
as background ghosts in Mortu Nega by Flora Gomes, and finally
displayed at the Fortress of Cacheu. The montage is a process that
takes place before shooting, so that the image production is a result of
a performative assemblage between text, acting, projected image and
the framing of the camera by the director of photography, Matthias
Biber.”
104
TFFDOC
-
DOCUMENTI
Filipa César (Porto, Portogallo, 1975),
artista e filmmaker, ha seguito una
formazione artistica tra Porto e
Lisbona, città dove si è laureata in
belle arti. Ha poi lasciato il Portogallo
per trasferirsi a Berlino, dove ha
frequentato l’Accademia di cinema
e televisione «Konrad Wolf» e
conseguito un master presso
l’Accademia delle arti. Dal 2008
con i suoi progetti sperimentali ha
cominciato a occuparsi della storia
recente del Portogallo, mentre dal
2011 ha avviato una serie di ricerche
sulla storia cinematografica della
Guinea-Bissau. I suoi lavori sono stati
presentati nei maggiori festival di
cinema, tra cui la Berlinale,
Rotterdam, Oberhausen, DocLisboa,
e in diverse esposizioni e gallerie
d’arte, come la Fondazione Serralves
di Porto, la Tate Modern di Londra
e la Biennale di San Paolo.
Felipa César (Porto, Portugal, 1975)
is an artist and filmmaker. She studied
art in Porto and Lisbon, where she
graduated in fine arts. She then left
Portugal and moved to Berlin, where
she attended the “Konrad Wolf”
Academy of Film and Television
and earned a master’s degree at the
Academy of Arts. With her experimental
projects from 2008, she started working
on Portugal’s recent history, and from
2011 she launched in a series of
researches on Guinea-Bissau’s film
history. Her works have been presented
in major film festivals, including the
Berlinale, Rotterdam, Oberhausen,
DocLisboa, and have been displayed in
several exhibitions and art galleries, like
the Serralves Foundation in Porto, the
Tate Modern in London, and the São
Paulo Art Biennial.
filmografia essenziale/
essential filmography
Porto 1975 (cm, doc., 2010), Insert
(cm, doc., 2010), The Embassy
(cm, doc., 2011), Conakry (doc., 2012),
Cuba (cm, doc., 2012), Cacheu (cm,
doc., 2012).
claude lanzmann
LE DERNIER DES INJUSTES
CONTENTS
Francia-Austria/France-Austria, 2013, 16mm-HD, 218’, col.
regia/director
Claude Lanzmann
montaggio/film editing
Chantal Hymans
suono/sound
Antoine Bonfanti,
Manuel Grandpierre,
Alexander Koller
interpreti/cast
Benjamin Murmelstein,
Claude Lanzmann
produttori/producers
David Frenkel,
Jean Labadie,
Danny Krausz
produzione/production
Synecdoche,
Le Pacte,
Dor Film,
Les Films Aleph
coproduzione/coproduction
France 3 Cinéma
distribuzione/distribution
Andrea Cirla
**
contatti/contacts
Le Pacte
Camille Neel
Tel: + 33 01 446 959 59
[email protected]
www.le-pacte.com
Andrea Cirla
[email protected]
Alessandra Di Savino
[email protected]
L’ULTIMO DEGLI INGIUSTI [T.L.]
Roma, 1975. Lanzmann intervista per il film Shoah Benjamin
Murmelstein, l’unico presidente del Consiglio degli Anziani del
ghetto di Terezín, sopravvissuto alla Shoah. 2012. Il regista rimette
mano al materiale e torna nella «città che Hitler regalò agli ebrei»,
un ghetto modello utilizzato dalla propaganda nazista.
«Shoah era un film epico, il tono quello di una tragedia incessante.
Quando si ascolta Murmelstein, invece, è chiaro che non si adatta,
che è su un altro registro. Detto questo, lui è stato il primo che ho
filmato. [...] Arrivammo a Roma da Gerusalemme con un camera e
delle apparecchiature audio molto sofisticate, ma appena giunti
fummo svaligiati e dovemmo recuperare in gran fretta del materiale
da Parigi. Quell’incidente mi lasciò un po’ scioccato, ma girammo
ugualmente per una settimana con lui. Fu così difficile fare Shoah
come volevo, cioè senza commento, con la struttura del film che
genera il suo senso generale, che se avessi incluso anche il suo
episodio sarebbe durato venti ore! Così ho deciso di occuparmene
più avanti, ma l’ho rimandato per molto tempo».
THE LAST OF THE UNJUST
Rome, 1975: Lanzmann conducts an interview for his film Shoah with
Benjamin Murmelstein, the only Jewish Elder from Theresienstadt
ghetto who survived the Holocaust. 2012: Lanzmann reviews the
footage and returns to the “city Hitler gave to Jews:” a model ghetto
used as a Nazi propaganda showcase.
“Shoah is an epic, and the overall tone is of unremitting tragedy.
When you listen to Murmelstein, you see that it doesn’t fit with that;
it’s in another register. That said, he was the first protagonist we filmed.
[…] From Jerusalem, we had arrived in Rome with some very
sophisticated camera and sound equipment, but as soon as we arrived,
we were ransacked. We had to rush in some more equipment from
Paris. That incident left me a bit stunned, but we still filmed for a
whole week with him. It had been so difficult to make Shoah the
way I did it, without commentary – the construction of the film itself
generating its own intelligibility – that if I had included an episode
like that, the film would have lasted twenty hours! So I decided to deal
with it later, but I put it off for a long time.”
105
TFFDOC
-
DOCUMENTI
Claude Lanzmann (Parigi, Francia,
1925), tra i più grandi studiosi e
divulgatori del genocidio subito dagli
ebrei d’Europa, non ancora ventenne
è stato combattente della Resistenza.
Giornalista e scrittore, finita la guerra
ha insegnato all’Università di Berlino
ed è diventato amico e collaboratore
di Jean-Paul Sartre e Simone de
Beauvoir. In quegli anni ha iniziato
a scrivere su «Les Temps Modernes»,
di cui è tuttora direttore. Regista, il
suo documentario di oltre nove ore
Shoah (1985) è una delle operazioni
più significative della cultura
commemorativa mai compiute ed
è stato realizzato in dodici anni di
lavoro. Quest’anno la Berlinale gli
ha dedicato un omaggio e conferito
l’Orso d’oro alla carriera. Le dernier
des injustes, suo ultimo film, è stato
presentato fuori concorso a Cannes.
Claude Lanzmann (Paris, France, 1925)
is one of the greatest scholars and
popularizers of the genocide of European
Jews. By the time he was twenty, he
fought in the French Resistance. After
the war, he worked as a writer and
journalist, he taught at the University
of Berlin, and he became friends with
Jean-Paul Sartre and Simone de
Beauvoir. In those years, he started
writing for the magazine “Les Temps
Modernes,” which he now runs as chief
editor. As a film director, his nine-hour
documentary Shoah (1985), which took
him twelve years to make, is one of the
most significant pieces of
commemorative culture ever realized.
In 2013 the Berlinale dedicated him
a homage and awarded him the Golden
Bear for his lifetime achievements.
Le dernier des injustes was presented
in the out of competition section of the
Cannes Film Festival.
filmografia/filmography
Pourquoi Israel (doc., 1973), Shoah
(id., doc., 1985), Tsahal (doc., 1994),
Un vivant qui passe (doc., 1999),
Sobibor, 14 octobre 1943, 16 heures
(Sobibor - 14 ottobre 1943, ore 16.00,
doc., 2001), Lights and Shadows (cm,
doc., 2008), Le rapport Karski (doc.,
tv, 2010), Le dernier des injustes (doc.,
2013).
filipa césar
THE EMBASSY
CONTENTS
Portogallo/Portugal, 2011, HD, 27’, col.
Filipa César
vedi/see Cacheu p. 104
filmografia essenziale/
essential filmography
vedi/see Cacheu p. 104
regia, fotografia,
montaggio, produttore/
director, cinematography,
film editing, producer
Filipa César
sceneggiatura/screenplay
Armando Lona,
Filipa César
suono/sound
Nuno da Luz
interprete/cast
Armando Lona
**
contatti/contacts
Filipa César
[email protected]
L’AMBASCIATA [T.L.]
«The Embassy parla dei codici di rappresentazione utilizzati dall’ex
potenza coloniale portoghese nella Guinea-Bissau, Paese dell’Africa
occidentale, e dei modi in cui si costruisce la memoria. Nel film
viene mostrato un album che raffigura il punto di vista di un
colonizzatore portoghese, che ha fotografato con precisione
documentaristica paesaggi, persone, architetture e monumenti
della Guinea-Bissau degli anni Quaranta e Cinquanta. Al tempo
stesso, questo album – acquisito, sfogliato e incorniciato dalle
mani dell’archivista guineano Armando Lona – è il punto di
partenza per una narrazione a più livelli sulla storia
di questi due Paesi».
THE EMBASSY
“The Embassy deals with the codes of representation used by the
former Portuguese colonial power over the West African country
Guinea-Bissau and with modes of memory production. It shows a
photo album depicting the perspective of the Portuguese colonist,
who photographed with documentary diligence landscapes, people,
architecture and monuments in Guinea-Bissau in the 1940s and 1950s.
At the same time, this photo display – grabbed, flipped through and
re-framed by the hands of the Guinean archivist Armando Lona – is
the departure point for a multi-layered narration on the history of
these two countries.”
106
TFFDOC
-
DOCUMENTI
horacio alcalá
GRAZING THE SKY
CONTENTS
Spagna-Portogallo-Messico/Spain-Portugal-Mexico, 2013, HD, 85’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Horacio Alcalá
soggetto/story
Patrick Flynn
fotografia/cinematography
David Palacios
montaggio/film editing
Nacho Ruiz Capillas
suono/sound
James Muñoz
interpreti/cast
Antonio Segura,
Max La Sala,
Damian Istria,
Erika Nguyen,
Fadi Zmorrod,
Jonathan Moss,
Marie-Lee Guilbert,
Philippe Belanguer,
Saar Rombout,
Bahoz Temaux,
Arnau Serra Vila,
Julien Auger,
Mathieu Lagaillarde,
Sidney Pin,
Thibaut Brigner
produttori/producers
Carlos Batres,
Horacio Alcalá,
Aitor Echeverría
**
contatti/contacts
Latido Films
Oscar Alonso
Tel: +34 915 488 877
www.latidofilms.com
Horacio Alcalá, regista e
sceneggiatore, ha lavorato per
cinque anni al Cirque du Soleil
seguendo i tour europei degli
spettacoli Varekai, Dralion, Alegria.
Horacio Alcalá, director and
scriptwriter, was working for five years
at Cirque du Soleil in the European
tours in the shows Varekai, Dralion
and Alegria.
SFIORANDO IL CIELO [T.L.]
Per essere ammessi alla scuola di circo di Bruxelles, cinque artisti
del trapezio provenienti da diversi Paesi devono seguire un rigido
programma di allenamenti e imparare diverse tecniche. L’obiettivo
è il raggiungimento della perfezione, quel connubio di tecnica ed
eleganza che rende l’esercizio una meraviglia per lo sguardo dello
spettatore. La consapevolezza che l’ingresso nella scuola potrebbe
cambiare le loro vite rende ancora più intensa la preparazione
e rivela la grande determinazione dei candidati.
«Il documentario è fatto dei muscoli e della pelle degli artisti,
e dello scheletro delle istituzioni pubbliche e private, elementi
complementari che non possono esistere separatamente in
quell’universo chiamato circo. Utilizzando la metafora del trapezio,
il film esplora la realtà del circo contemporaneo. Come risultato
di questa ricerca, ci rendiamo conto che le capriole dei trapezisti
ci stupiranno allo stesso modo, che siano vestiti di seta o con
abiti informali, e che, quando lavorano in due, ogni salto dipenderà
dall’aiuto del partner».
GRAZING THE SKY
To be admitted to the Brussels College of Circus Arts, five trapeze artists
from various countries need to follow a strict training program and
learn several techniques. Their goal is to achieve perfection: that
harmonious synergy of technique and elegance that makes an exercise
marvelous in the eye of the spectator. The awareness that getting
into that school could change their lives forever makes the preparation
process even more intense, revealing the candidates’ great
determination.
“Our documentary is built from the muscles and skin of the artists
and the skeleton of the public and private institutions: they are
complementary and cannot exist separately in the universe called
circus. Using the trapeze as a metaphor, this movie explores the reality
of circus today and, as a result of this research, we come to realize that
whether dressed in silk or casual clothes, somersaulting trapeze artists
will astonish us equally and when they work as a duo, each leap will
depend on a partner’s help.”
107
TFFDOC
-
DOCUMENTI
filmografia/filmography
Azul de Prusia, Requiezcan (cm, 2005),
Le fil (cm, 2005), Frigoleto (tv, 2006),
Sin noticias de Bosnia (cm, 2008),
Manual de uso para una Nave Espacial
(cm, doc., 2009), Abraza mis recuerdos
(cm, 2010), Grazing the Sky (doc.,
2013).
rithy panh
L’IMAGE MANQUANTE
CONTENTS
Francia-Cambogia/France-Cambodia, 2013,
HD-8mm, 95’, bn/bw-col., anim.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Rithy Panh
fotografia/cinematography
Prum Mésa
montaggio/film editing
Rithy Panh,
Marie-Christine Rougerie
musica/music
Marc Marder
suono/sound
Eric Tisserand
interprete/cast
Randal Douc
(voce narrante/narrator)
produttore/producer
Catherine Dussart
coproduzione/coproduction
CDP,
ARTE France,
Bophana Production
**
contatti/contacts
Films Distribution
Sanam Madjedi
Tel: +33 153 103 399
L’IMMAGINE MANCANTE [T.L.]
«Per molti anni ho cercato l’immagine mancante: una fotografia
scattata tra il 1975 e il 1979 dai Khmer rossi quando governavano
la Cambogia. Di per sé, ovviamente, un’immagine non può
testimoniare un omicidio di massa, ma ci dà modo di riflettere,
ci spinge a pensare, a ricordare la storia. L’ho cercata invano negli
archivi, nei vecchi documenti, nei villaggi di campagna della
Cambogia. Oggi lo so: quest’immagine deve essere mancante.
Non la stavo cercando davvero: non sarebbe infatti risultata oscena
e insignificante? Così l’ho creata. Ciò che oggi vi consegno non
è né l’immagine, né la ricerca di un’unica immagine, ma il quadro
di un’indagine, quella resa possibile dal cinema».
[email protected]
www.filmsdistribution.com
THE MISSING PICTURE
“For many years, I have been looking for the missing picture: a
photograph taken between 1975 and 1979 by the Khmer Rouge
when they ruled over Cambodia... On its own, of course, an image
cannot prove mass murder, but it gives us cause for thought, prompts
us to meditate, to record History. I searched for it vainly in the archives,
in old papers, in the country villages of Cambodia. Today I know: this
image must be missing. I was not really looking for it; would it not
be obscene and insignificant? So I created it. What I give you today
is neither the picture nor the search for a unique image, but the picture
of a quest: the quest that cinema allows.”
Rithy Panh (Phnom Penh, Cambogia,
1964) dal 1975, per alcuni anni,
è stato costretto a lavorare nei campi
di lavoro dei Khmer rossi. Nel 1979
è riuscito a fuggire e a raggiungere
il campo per rifugiati di Mairut, in
Thailandia. L’anno seguente si è
trasferito in Francia, a Parigi, dove si
è laureato all’Insitut des hautes études
cinématographiques. Come regista
è noto soprattutto per i lavori
documentari dedicati alla sua terra
d’origine, tra cui La terre des âmes
errantes (1999), premiato al Cinéma
du réel di Parigi, e S-21, la machine de
mort Khmère rouge (2003), presentato
a Cannes e al 21° Torino Film Festival.
Ha diretto anche lavori di finzione,
come Rice People (1994) e Un soir
après la guerre, selezionato nel 1998
a Un certain regard di Cannes, e Un
barrage contre le Pacifique, interpretato
da Isabelle Huppert e presentato ai
festival di Toronto e Roma.
Rithy Panh (Phnom Penh, Cambodia,
1964), starting in 1975, was forced to
work in labor camps by the Khmer
Rouge. In 1979, he escaped to the
refugee camp in Mairut, Thailand.
The next year he moved to Paris,
where he graduated from the IDHEC.
As a director, he is best known for his
documentaries about his land of origin,
which include La terre des âmes
errantes (1999), awarded at Cinéma
du réel in Paris, and S-21, la machine
de mort Khmère rouge (2003),
presented at Cannes and at the
21 Torino Film Festival. He has also
directed fiction films, such as Rice
People (1994) and Un soir après la
guerre, selected in 1998 for Un certain
regard at Cannes, and Un barrage
contre le Pacifique, starring Isabelle
Huppert and presented at the festivals
in Toronto and Rome.
ST
filmografia essenziale/
essential filmography
Site 2 (doc., 1989), Souleymane Cissé
(doc., tv, 1990), Cambodge, entre
guerre et paix (doc., 1992), Neak sre
(Rice People, 1994), Bophana, une
tragédie cambodgienne (doc., 1996),
Un soir après la guerre (1997), La terre
des âmes errantes (doc., 1999),
Que la barque se brise, que la jonque
s’entrouvre (tv, 2000), S-21, la machine
de mort Khmère rouge (doc., 2002),
Les gens d’Angkor (doc., 2003), Les
artistes du Théâtre Brûlé (doc., 2005),
Le papier ne peut pas envelopper la
braise (doc., 2007), Un barrage
contre le Pacifique (2008), Gibier
d’élevage (2011), L’image manquante
(doc., anim., 2013).
108
TFFDOC
-
DOCUMENTI
mati diop
MILLE SOLEILS
CONTENTS
Francia/France, 2013, HD-35mm, 45’, col.
regia/director
Mati Diop
fotografia/
cinematography
Hélène Louvart,
Mati Diop
montaggio/film editing
Nicolas Milteau
suono/sound
Alioune Mbow,
Bruno Ehlinger
interprete/cast
Magaye Niang
produttore/producer
Corinne Castel
produzione/production
Anna Sanders Films
**
contatti/contacts
Anna Sanders Films
Corinne Castel
Tel: +33 06 818 989 18
[email protected]
www.annasandersfilms.com
MILLE SOLI [T.L.]
Nel 1972 Djibril Diop Mambéty ha girato Touki Bouki - Il viaggio
della iena, uno dei capolavori del cinema senegalese. Nel film
Mory e Anta sono innamorati e condividono il sogno di lasciare
Dakar. Fanno di tutto per trovare il denaro, ma al momento della
partenza Mory desiste, lasciando che Anta se ne vada da sola.
Dopo quarant’anni Mati Diop, nipote del regista, si chiede cosa
sia successo ai protagonisti del film: Magaye Niang, che
interpretava Mory, non ha mai lasciato Dakar, mentre Myriam
Niang è partita davvero. E ora Magaye Niang si interroga sul
destino del suo amore di gioventù.
«L’idea di questo film è nata da una conversazione con mio padre,
a cui ho posto delle domande sulla mia famiglia e sul ruolo che
occupa il cinema nella mia vita. Mi ha parlato di mio zio, Djibril
Diop Mambéty, e del Viaggio della iena, che mio nonno diceva
contenesse tutta la nostra storia. Ciò ha fatto nascere in me il
desiderio di trovare la storia del film, sapere da dove proviene
e che tracce ha lasciato».
A THOUSAND SUNS
In 1972, Djibril Diop Mambéty shot Touki Bouki - Journey of the
Hyena, a masterpiece of Senegalese cinema. In the movie, Mory and
Anta are in love and they share the dream of leaving Dakar. They try
everything to find the money, but when they are finally about to leave
Mory backs out, letting Anta leave by herself. Forty years later, Mati
Diop reflects on what has happened in the meantime to the film’s
main actors: Magaye Niang (who played Mory) never left Dakar,
while Myriam Niang did. And now Magaye Niang wonders what
happened to Anta, the love of his youth.
“I got the idea for this movie talking with my father. I was asking him
questions about my family and about the role that cinema played in
my life. He told me about my uncle, Djibril Diop Mambéty, and about
Journey of the Hyena, and how my grandfather said it contained our
entire story. This made me want to discover the movie’s story, to find
out where it came from and the traces it left.”
109
TFFDOC
-
DOCUMENTI
Mati Diop (Parigi, Francia, 1982), figlia
del musicista Wasis Diop e nipote del
regista senegalese Djibril Diop
Mambéty, ha studiato a Le Fresnoy
e al Pavillon, il laboratorio di ricerca
del Palais de Tokyo a Parigi. Ha quindi
diretto diversi corto e mediometraggi,
vincendo con Atlantiques (2010) e Big
in Vietnam (2012) il Tiger Award a
Rotterdam. Nel 2011 ha partecipato
alla Mostra del cinema di Venezia,
nella sezione Orizzonti, con Snow
Canon, selezionato poi in diversi altri
festival internazionali. Come attrice,
è stata protagonista di 35 rhums, di
Claire Denis, ruolo per il quale ha
ricevuto il premio come miglior attrice
al MK2 Young Talent Festival nel
2009, mentre per la sua
interpretazione in Simon Killer di
Antonio Campos ha ottenuto una
menzione speciale all’Afi Fest.
Mati Diop (Paris, France, 1982) is the
daughter of the musician Wasis Diop
and niece of the Senegalese director
Djibril Diop Mambéty. She studied at
Le Fresnoy and at the Pavillon, the
experimental laboratory of the Palais de
Tokyo, in Paris. She then directed several
short films and short features, winning
the Tiger Award in Rotterdam for
Atlantiques (2010) and Big in Vietnam
(2012). She participated to the 2011
Venice Film Festival (in the Horizons
section) with her movie Snow Canon,
which was also selected by several other
international festivals. She has also
played in 35 Shots of Rum by Claire
Denis, winning the best actress award
at the MK2 Young Talent Festival in
2009; she also won a special mention
at AFI Fest for her performance in
Simon Killer by Antonio Campos.
filmografia/filmography
Atlantiques (cm, 2009), Snow Canon
(mm, 2011), Big in Vietnam (mm,
2012), Mille Soleils (mm, 2013).
donatello fumarola, alberto momo
PAROLE E UTOPIA - ATLANTE
CONTENTS
SENTIMENTALE DEL CINEMA PER IL XXI SECOLO
Italia/Italy, 2013, video, 30’ x 2, col.
regia/directors
Donatello Fumarola,
Alberto Momo
Alberto Momo (Torino, Italia, 1972),
filmmaker e autore di documentari
d’architettura, ha presentato i suoi
lavori nei principali festival
internazionali, tra cui quelli di Venezia,
Locarno, Rotterdam e Montréal,
e alla Biennale di architettura.
Nel 2006 con Eliorama ha vinto il
premio per il miglior documentario
italiano al Torino Film Festival.
**
parole e utopia
#6 Alberto Grifi
Roma, 15 ottobre 2002
parole e utopia
#10 Béla Tarr
Procida, 3 luglio 2004
**
contatti/contacts
Donatello Fumarola
[email protected]
Alberto Momo
[email protected]
Donatello Fumarola (Torino, Italia,
1972), tra gli autori della trasmissione
televisiva di Rai3 Fuori Orario - Cose
(mai) viste, insieme ad Alberto
Momo ha curato dal 2002 la rubrica
amenic cinema per la rivista rock
«Blow Up». Alcuni episodi del loro
progetto Parole e Utopia sono stati
presentati al festival di Locarno, alla
Cineteca nazionale, alla Cineteca di
Lubiana e a Fuori Orario.
PAROLE E UTOPIA
«Parole e Utopia è un progetto che stiamo portando avanti
da diversi anni, costituito da conversazioni con cineasti da tutto
il mondo, che abbiamo iniziato a incontrare dal 2001, con l’insano
proposito di costituire una nostra mappa del cinema, di quello
che più amiamo. Finora ne abbiamo incontrati più di cinquanta.
E altri ancora ne mancano. Per il momento abbiamo trovato un
editore interessato all’operazione, Derive/Approdi, che ha voluto
farne un libro, un Atlante sentimentale del cinema per il XXI secolo.
Vorremmo arrivare a costituire un archivio vivente di tutti questi
materiali filmati».
Donatello Fumarola (Turin, Italy, 1972)
is one of the authors of Rai3’s program
Fuori Orario - Cose (mai) viste.
He has been collaborating since 2002
with the rock magazine “Blow Up,”
writing the column amenic cinema.
Some episodes from their project Parole
e Utopia were presented at the Locarno
Film Festival, at the National Film
Archives, and the Lubiana Film Archives,
and on the program Fuori Orario.
WORDS AND UTOPIA [L.T]
Alberto Momo (Turin, Italy, 1972)
is a filmmaker and author of
architecture documentaries.
He presented his work in major
international film festivals, including
Venice, Locarno, Rotterdam, Montreal,
and the Architecture Biennale. He won
best documentary at the Torino Film
Festival in 2006 with Eliorama.
“Parole e Utopia is a project we have been developing for several years
composed of conversations with filmmakers from around the world.
We started meeting them in 2001 with the insane idea of building
our own map of cinema, of what we love most of it. So far we have
met over fifty filmmakers. And we’re still missing a few. At the moment
we have a publisher, Derive/Approdi, interested in the project, that
would like to turn it into a book: an ‘Emotional Atlas of Cinema
for the 21 Century.’ We would like to build a living archive with
all the footage collected.”
ST
filmografia essenziale/
essential filmography
Donatello Fumarola:
Ultimo bagliore e nulla (2003),
Cut People: Amir Naderi (2007),
La nuit blanche et noir (coregia/
codirectors aa.vv., 2009).
Alberto Momo:
Todos os dias (cm, 1995), L’amorosa
traccia (cm, 1997), Liquido Atlante
(cm, 2002), Fiaba nera (2005),
Eliorama (coregia/codirector Maicol
Casale, doc., 2006), Ombre di Tosca
(cm, 2008), Playtime (coregia/
codirectors Maicol Casale, Federico
Ercole, ep., tv, 2010), Un’architettura
in movimento (doc., 2012).
Donatello Fumarola, Alberto Momo:
Parole e utopia: #6 Alberto Grifi - #10
Béla Tarr (doc., 2013).
110
TFFDOC
-
DOCUMENTI
yervant gianikian, angela ricci lucchi
PAYS BARBARE
CONTENTS
Francia/France, 2013, 16mm-35mm, 65’, bn/bw-col.
regia, sceneggiatura,
montaggio/
directors, screenplay,
film editing
Yervant Gianikian,
Angela Ricci Lucchi
musica/music
Giovanna Marini,
Keith Ullrich
interpreti/cast
Giovanna Marini
(voce/voice over),
Yervant Gianikian
(voce/voice over),
Angela Ricci Lucchi
(voce/voice over)
produttori/producers
Sylvie Brenet,
Setge Lalou
produzione/production
Les films d’ici
distribuzione/distribution
Feltrinelli Editore
**
contatti/contacts
Feltrinelli
Anastasia Plazzotta
[email protected]
Les films d’ici
Tel: +33 01 445 223 23
[email protected]
www.lesfilmsdici.fr/fr
PAESE BARBARO
Una delle pagine più buie e vergognose della storia d’Italia, la
guerra d’Africa, che portò alla conquista d’Etiopia, vista attraverso
un susseguirsi ininterrotto d’immagini di repertorio, spesso mai
mostrate in pubblico. I soldati, le battaglie, la rappresentazione
iconica del potere fascista incarnata da Mussolini stesso, principale
artefice di questo conflitto inutile, raccontato dai media dell’epoca
come una missione di civilizzazione nei confronti di un popolo
barbaro.
«Con la nostra “camera analitica” siamo tornati a frugare
negli archivi cinematografici per trovare fotogrammi
dell’Etiopia/Abissinia nel periodo coloniale italiano. Abbiamo
trovato diversi film privati di un medico. L’erotismo coloniale.
Il corpo nudo delle donne e il “corpo” del film. Vedute aeree
del territorio. Sui bombardieri si caricano bombe all’iprite, il cui
utilizzo è sempre stato negato. Fotogrammi militari sconosciuti
che mostrano gli uomini e le armi della violenta impresa italiana
per la conquista dell’Etiopia (1935-36)».
BARBARIC COUNTRY [L.T.]
One of the darkest and most shameful pages of Italy’s history: the
African war and the occupation of Ethiopia, seen through a sequence
of archive images, most of which have never been screened before.
The soldiers, the battles, the iconic representation of fascist power
personified in Mussolini himself, the main architect of this pointless
conflict, described back then by the media as a mission to bring
civilization to barbaric communities.
“We started rummaging through the film archives with our ‘analytic
camera’ to find photograms from Ethiopia / Abyssinia at the time
of the Italian colonization. We found a lot of private footage shot by
a doctor: L’erotismo coloniale. Women’s naked bodies and the ‘body’
of the film. Aerial shots of the area. Bombers being loaded with
mustard gas bombs, which the authorities have always denied using.
Recently unearthed military footage showing the men and the means
of the brutal Italian attempts at conquering Ethiopia (1935-1936).”
111
TFFDOC
-
DOCUMENTI
Yervant Gianikian (1942), di origine
armena, ha studiato architettura a
Venezia, mentre Angela Ricci Lucchi
(Lugo di Romagna, Ravenna, Italia,
1942) ha studiato pittura in Austria
con Oskar Kokoschka. Trasferitisi a
Milano, si sono dedicati al cinema a
partire dalla metà degli anni Settanta,
con produzioni indipendenti e
sperimentali che comprendono
le proiezioni-performance dei
«film profumati» e, in seguito, la
rielaborazione artigianale, tra viraggi,
ralenti e combinazioni di montaggio,
di materiale d’archivio. I loro film
sono stati proiettati in festival e musei
di tutto il mondo. La loro ultima
partecipazione al Torino Film Festival
risale al 2009 con Frammenti elettrici
n. 6 - Diario 1989. Dancing in the Dark.
Yervant Gianikian (1942), of Armenian
descent, studied architecture in Venice,
while Angela Ricci Lucchi (Lugo di
Romagna, Ravenna, Italy, 1942) studied
painting in Austria under Oskar
Kokoschka. After moving to Milan,
they started focusing on cinema in the
mid-1970s, making independent and
experimental productions, including
the screening-performances of “scented
films” and, later on, the manual
manipulation of archive footage from
die-toning to slow motion and various
editing combinations. Their films have
been screened in festivals and museums
around the world. They last participated
to the Torino Film Festival in 2009 with
Electric Fragments N. 6 - Diario 1989.
Dancing in the Dark.
filmografia essenziale/
essential filmography
Erat Sora (cm, 1975), Catalogo
comparativo (cm, 1975), Cataloghi non
è altro gli odori che sente (cm, 1976),
Profumo (cm, 1977), Un prestigiatore
una miniaturista (cm, 1978),
Milleunanotte (1979), Essence
d’absynthe (cm, 1981), Das Lied von der
Erde - Gustav Mahler (cm, 1982), Dal
polo all’equatore (1986), Frammenti
(1987), Passion (cm, 1988), Uomini
anni vita (1990), Diario africano (cm,
1994), Aria (cm, 1994), Prigionieri della
guerra (1995), Lo specchio di Diana
(mm, 1996), Nocturne (cm, 1997),
Io ricordo (cm, 1997), Su tutte le vette
è pace (1998), Inventario balcanico
(2000), Images d’Orient - Tourisme
vandale (2001), Corpi. Frammenti
elettrici n. 3 (cm, 2002), Rom
(Uomini). Frammenti elettrici n. 1 (cm,
2002), Oh! Uomo (2004), Ghiro Ghiro
Tondo (2007), Frammenti elettrici
n. 6 - Diario 1989. Dancing in the
Dark (2009), Pays barbare (2013).
john akomfrah
THE STUART HALL PROJECT
CONTENTS
Regno Unito/UK, 2013, HD, 98’, bn/bw-col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
John Akomfrah
fotografia/cinematography
Dewald Aukema
montaggio/film editing
Nse Asuquo
musica/music
Trevor Mathison
suono/sound
Trevor Mathison,
Robin Fellows
interprete/cast
Stuart Hall
produttori/producers
David Lawson,
Lina Gopaul
produzione/production
Smoking Dogs Films
coproduzione/coproduction
British Film Institute
Film Fund,
Arts Council England,
BBC Archive,
Creation Rebel Films,
The Open University,
Time/Image
**
contatti/contacts
John Flahive
Tel: +44 796 877 27 92
[email protected]
www.wavelengthpictures.co.uk
IL PROGETTO STUART HALL [T.L.]
«Quando avevo diciannove anni Miles Davis ha messo le sue
mani sulla mia anima»: così sostiene Stuart Hall, eminente
intellettuale del Regno Unito del secondo dopoguerra.
Un personaggio carismatico che, ispirandosi a Marx e Gramsci,
è stato in grado di catalizzare l’entusiasmo delle nuove generazioni
intorno alla New Left, cercando una nuova via per un Paese
al centro di tumultuosi cambiamenti sociali ed economici.
«Stuart Hall per noi era come una rockstar; un’icona pop
intellettuale la cui presenza emblematica nel più visibile dei media
– la televisione – ci indicava la via verso “le possibilità impossibili”.
Il fatto che fosse lì, nelle nostre camere da letto e nei nostri salotti,
ci ha aperto il cammino verso quello spazio a cui si riferiva come
il luogo della “conversazione incompleta”, quello spazio in cui
inizia il dialogo tra noi e il mondo esterno, il luogo dell’identità.
Con lui e attraverso di lui abbiamo iniziato a farci le domande
fondamentali per questa discussione: chi siamo, cosa siamo
e cosa possiamo diventare».
THE STUART HALL PROJECT
“I was nine years old when Miles Davis put his hands on my soul,”
thus spoke Stuart Hall, an eminent political figure in the United
Kingdom after World War 2. He is a charismatic character; drawing
inspiration from Marx to Gramsci, he managed to catalyze the new
generations’ enthusiasm around the concept of New Left, seeking
a new political path for a nation in the middle of tumultuous social
and economic changes.
“Stuart Hall was a kind of rock star for us; a pop icon with brains
whose very iconic presence on this most public of platforms – television
– suggested all manner of ‘impossible possibilities.’ By just being there
in our bedrooms and living rooms, he opened up pathways into that
space that he has referred as the place of ‘the unfinished conversation,’
that space in which the dialogue between us and the external world
begins, that place of identity. With him and through him we begun
to ask the indispensable questions of that conversation: who are we,
what are we and what could we become.”
112
TFFDOC
-
DOCUMENTI
John Akomfrah (Londra, Regno Unito,
1957) è considerato una figura chiave
del black cinema britannico.
Fondatore nel 1982 del Black Audio
Film Collective, ha esordito nella
regia quattro anni più tardi con il
documentario Handsworth Song e con
il successivo Testament (1989) si è
fatto conoscere nel circuito dei festival
internazionali, ottenendo premi e
riconoscimenti. Nel corso della sua
decennale carriera ha diretto una
trentina di progetti, tra corti, lunghi,
documentari e produzioni televisive.
Oltre a lavorare come regista, è il
responsabile della Smoking Dogs
Films e della Creation Rebel Films.
John Akomfrah (London, UK, 1957) is
considered a key figure in black British
cinema. He founded the Black Audio
Film Collective in 1982. Four years later,
he made his directorial debut with the
documentary Handsworth Song,
followed by Testament (1989), making
himself known in the international film
festival circuit, winning awards and
earning recognitions. Throughout his
career, he has made about thirty
projects, ranging from shorts to feature
films, from documentaries to TV
productions. Aside from working as
a director, he is also head of Smoking
Dog Films and Creation Rebel Films.
filmografia essenziale/
essential filmography
Handsworth Song (doc., 1986),
Testament (1989), Who Need a Heart
(1991), Seven Songs for Malcolm X
(doc., 1995), The Last Angel of History
(doc., 1995), Speak Like a Child (1997),
The Call of the Mist (1998), The
Wonderful World of Louis Armstrong
(doc., 1999), Digitopia (2000), Stalkers
(2003), Wetin Dey (2006), The Nine
Muses (doc., 2010), The Stuart Hall
Project (doc., 2013).
jean-marc lamoure
TARR BÉLA, I USED TO BE A FILMMAKER
CONTENTS
Francia/France, 2013, HD-Super8, 84’, bn/bw-col.
regia/director
Jean-Marc Lamoure
fotografia/cinematography
Jean-Marc Lamoure,
Frédéric Lombard
montaggio/film editing
Nadia Ben Rachid
suono/sound
Frédéric Salles,
Yohann Angelvy
produttori/producers
Marie-Pierre Macia,
Juliette Lepoutre
produzione/production
MPM Film
**
contatti/contacts
MPM Film
Wanling Chang
Tel: +33 158 535 712
[email protected]
www.mpmfilm.com
Jean-Marc Lamoure (Francia) ha
lavorato a lungo in Africa orientale
occupandosi di antropologia visuale.
Nel 2004 ha diretto insieme a
Thomas Osmond il suo primo
documentario, Chaalo, les voix du
deuil. Parallelamente a quest’opera
d’inchiesta, ha realizzato Farenji e
ha collaborato a numerosi progetti
di altri registi. A Marsiglia, dove vive e
lavora, realizza scenografie per teatro,
musica e danza e tiene workshop di
pratica cinematografica. Nel 2010 ha
fondato insieme a Pilar Arcila la casa
di produzione Ab Joy Productions.
TARR BÉLA, ERO UN FILMMAKER [T.L.]
Dal dicembre 2008 al giugno 2010, Béla Tarr e Agnes Hranitzky,
sua moglie e coregista, riuniscono i loro collaboratori di fiducia
vicino a Budapest per girare l’ultimo film, Il cavallo di Torino. Due
uomini e una donna immersi in un paesaggio desolato; un film
rigoroso, dai dialoghi scarni, dove la natura prevarica l’uomo.
Ma quello che il cinema non mostra è proprio se stesso. E allora
sarà con stupore che si assisterà allo svelamento della messa in
scena, e soprattutto al confessarsi dei collaboratori del regista che
riveleranno una parte della realtà di cui è permeato il suo cinema.
«Ho incontrato il cinema di Béla Tarr una dozzina di anni fa
durante una proiezione di Satantango a Parigi. Un film che, a
immagine del suo lavoro, ci permette di ripensare alla nostra
presenza in un mondo liberato da chiese e bandiere, con il tempo
come unico denominatore comune. Mentre il nazionalismo
risorgeva ovunque e le grandi religioni monoteiste investivano
nuovamente politica, apparati giuridici e società, questo pensiero
dissidente mi è apparso coraggioso e necessario».
TARR BÉLA, I USED TO BE A FILMMAKER
Between December 2008 and June 2010, Béla Tarr and his wife and
co-director Agnes Hranitzky reunited with their trusted collaborators
to shoot their final movie, The Turin Horse. Two men and a woman
surrounded by a desolate landscape; a rigorous film, with sparse
dialogues, where nature prevails over human beings. But what cinema
doesn’t show is itself in the making. And so it is astonishing to see the
setting unveiled, and especially surprising to hear the confessions made
by the director’s collaborators, which reveal an aspect of the reality
that permeates his way of doing cinema.
“I saw my first Béla Tarr film about twelve years ago; they were
screening Satantango in Paris. The movie, reflecting Tarr’s body of
work, allows us to ponder over our presence in a world free of churches
and flags, where time is the only common denominator. It seemed to
me that, at a time when nationalism was resurfacing everywhere and
the great monotheistic religions were assailing once more politics, the
judiciary, and society, Tarr’s dissident mindset was brave and necessary.”
113
TFFDOC
-
DOCUMENTI
Jean-Marc Lamoure (France) worked
extensively in East Africa, focusing on
visual anthropology. He directed his first
documentary film in 2004 with Thomas
Osmond, Chaalo, les voix du deuil.
Around that time he also made the
documentary Farenji, and he
collaborated in several projects by
other film directors. He lives and
works in Marseille, where he makes set
designs for music, dance and theatre
productions, and he teaches a workshop
on filmmaking. In 2010, he started the
production company Ab Joy Productions
with Pilar Arcila.
filmografia/filmography
Chaalo, les voix du deuil
(coregia/codirector Thomas Osmond,
mm, doc., 2004), Farenji (doc., 2008),
Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker
(doc., 2013).
CONTENTS
The Turin Horse (2011) di Béla Tarr
CONTENTS
I TA L I A N A . C O R T I
37°4 S | EMANUELE SIMONELLI, ASTUTILLO SMERIGLIA HOMO HOMINI BISONTE |
| FABIO SCACCHIOLI, VINCENZO CORE NO MORE LONELY NIGHTS |
VALENTINA CARNELUTTI RECUIEM | FRANCESCA COGNI SUI BORDI | ANTONIO PRATA TERRADENTRO |
LORENZO CIOFFI IL VIAGGIO DI ETTORE | SALVATORE MEREU LA VITA ADESSO
ADRIANO VALERIO
FEDERICO TOCCHELLA ISACCO
adriano valerio
37°4 S
CONTENTS
Francia/France, 2013, HD, 12’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Adriano Valerio
fotografia/cinematography
Loran Bonnardot,
Adriano Valerio
montaggio/film editing
Claire Aubinais
musica/music
Roman Trouillet
interpreti e personaggi/
cast and characters
Riaan Repetto (Nick),
Natalie Swain (Anne),
Harold Green (Harold),
Edwin Glass (Edwin),
Justin Green
(voce fuori campo/
voice over)
produzione/production
oriGine films,
Pianissimo
**
contatti/contacts
oriGine films
Olivier Berlemont,
Emilie Dubois
Tel: +33 610 641 526
[email protected]
www.originefilms.fr
Adriano Valerio
[email protected]
37°4 S
Tristan da Cunha. Su quest’isola sperduta nel Sud dell’Oceano
Atlantico vivono solo duecentosettanta persone. Tra loro Nick
e Anne, due adolescenti che si conoscono da sempre e che da
sempre sono innamorati. Ma ora Anne ha deciso di andare a
studiare in Inghilterra, a 6125 miglia da Tristan da Cunha.
E di lasciare solo Nick.
«A Tristan sono andato con l’obiettivo di scrivere una
sceneggiatura per un lungometraggio ambientato sull’isola;
il cortometraggio 37°4 S è nato come puro esperimento per
verificare la possibilità di girare lì un’opera di finzione, ed è la
prima volta che uno straniero ha il permesso di scrivere e girare
una fiction sull’isola. Solo dopo molti tentativi ho trovato Natalie
e Riaan, due ragazzi disposti a recitare, ma non a imparare
i dialoghi né a provare le scene. Ho dovuto quindi cambiare
il dispositivo narrativo e inserire una voce fuori campo, quella
di Justin, l’unico tristanese che ha accettato di prestare la sua
voce al personaggio di Nick».
37°4 S
Tristan da Cunha. On this island lost in the South Atlantic Ocean live
only two hundred seventy people. Among them are Nick and Anne, two
teenagers who have always known each other and have always been in
love with one another. But Anne has decided to go study in the United
Kingdom, 6,125 miles away from Tristan da Cunha, leaving Nick
behind.
“I went to Tristan with the objective of writing a screenplay for a feature
film set on the island. The short film 37°4 S was created purely as an
experiment to assess the possibility of shooting a fiction in Tristan; this
was the first time a foreigner got the permission to write and shoot
a work of fiction on the island. After many attempts I found Natalie
and Riaan, who were willing to act, but not to memorize the dialogues
or rehearse the scenes. So I had to change the narrative device and use
voice over, Justin’s, the only one in Tristan who accepted to lend his
voice to the character Nick.”
116
I TA L I A N A . C O R T I
Adriano Valerio (Italia, 1977), dopo
aver studiato giurisprudenza e cinema
con Marco Bellocchio, si è trasferito in
Francia dove ha conseguito una laurea
in belle arti presso l’École
internationale de création
audiovisuelle et de réalisation,
a Parigi. Successivamente è divenuto
prima assistente, poi docente presso
il medesimo istituto. Come
insegnante ha collaborato con
l’Istituto Marangoni in Francia,
l’Accademia libanese delle belle arti
di Beirut e l’Ihb Artmedia di
Casablanca. Nel 2012 ha fondato
l’Ong Camera Mundi, nata con lo
scopo di organizzare seminari e
workshop di regia nei Paesi in via
di sviluppo.
Adriano Valerio (Italy, 1977), after
studying law and cinema with Marco
Bellocchio, moved to France where he
earned a degree in fine arts at EICAR,
in Paris. He then became first assistant
at the institute, and subsequently
a professor. As a teacher, he has worked
with the Istituto Marangoni in France,
the Lebanese Academy of Fine Arts
in Beirut, and IHB Artmedia in
Casablanca. He founded the NGO
Camera Mundi in 2012 with the purpose
of organizing filmmaking seminars
and workshops in developing countries.
filmografia/filmography
Un ange passe (cm, 2003), Claire
(cm, 2004), Da lontano (cm, 2007),
Orbite (cm, 2009), Curling (cm, 2010),
37°4 S (cm, 2013).
emanuele simonelli, astutillo smeriglia
HOMO HOMINI BISONTE
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 8’, col., anim.
Emanuele Simonelli (Roma, Italia,
1974), detto emanuelesi.com,
disegna da lontano.
regia/directors
Emanuele Simonelli,
Astutillo Smeriglia
sceneggiatura, montaggio/
screenplay, film editing
Astutillo Smeriglia
musica/music
Musopen.org
animazione/animation
Emanuele Simonelli
interpreti e personaggi/
cast and characters
Guglielmo Favilla
(narratore/voice over),
Fabrizio Odetto
(voci maschili/
male voices),
Simona De Vitis
(voce femminile/
female voice)
produttore/producer
Antonio Zucconi
produzione/production
Comafilm
**
contatti/contacts
Antonio Zucconi
[email protected]
Astutillo Smeriglia si occupa di
animazioni e montaggio. I suoi
cortometraggi sono stati premiati
in numerosi festival. Nel 2011 e nel
2012 con Il pianeta perfetto e Training
autogeno ha vinto il premio per il
miglior corto di animazione ai Nastri
d’argento. Nel 2013, con Preti, ha
ottenuto la candidatura al David di
Donatello per il miglior
cortometraggio.
HOMO HOMINI BISONTE
Onestamente, cosa c’è di meglio di un bisonte? Probabilmente
nulla. Grazie a questo breve e surreale excursus attraverso la
storia del continente americano scopriremo perché.
«Homo homini bisonte, cortometraggio autoprodotto e realizzato
in coppia, nasce dal nostro interesse comune per il curioso
comportamento di questi animali dalla stazza poderosa, abituati
a vivere in branchi e a correre avanti e indietro per tutta la vita
senza nessuno scopo apparente: gli esseri umani».
HOMO HOMINI BISONTE
Is there honestly anything better than a buffalo? Probably not.
We will discover why thanks to this short and surreal overview
of American history.
“The idea for the self-produced short which the two of us made,
Homo Homini Bisonte, comes from our common interest for the
peculiar behavior of these imposing creatures, living in herds, running
back and forth their entire life for no apparent reason: human beings.”
117
I TA L I A N A . C O R T I
Emanuele Simonelli (Rome, Italy,
1974), known as emanuelesi.com,
draws from afar.
Astutillo Smeriglia works in animation
and editing. His short films have
received awards in many festivals.
He won the award Nastro d’argento
for best short animation in 2011 and
2012 for Il pianeta perfetto and
Training Autogeno, respectively.
In 2013, Preti was nominated for the
David di Donatello Award for best short.
filmografia/filmography
Astutillo Smeriglia:
Il pianeta perfetto (cm, 2010),
Training autogeno (cm, 2011),
Preti (cm, 2012).
Emanuele Simonelli,
Astutillo Smeriglia:
Homo homini bisonte
(cm, anim., 2013).
federico tocchella
ISACCO
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 15’, col., anim.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Federico Tocchella
fotografia/cinematography
Daniele Ciprì
montaggio/film editing
Gianni Vezzosi
scenografia/
production design
Carmen De Lillo
costumi/costume design
Daria Calvelli
musica/music
Giorgio Giampà
suono/sound
Alessandro Bianchi,
Angelo Bonanni
interpreti/cast
Anatol Sassi,
Mattia Baldelli,
Leonardo Russo,
Giovanni Calcagno,
Vanessa Scalera,
Valeria Ghignone,
Jaon Macalpin Gunn,
Salvatore Guzzo,
Mario Cenciarelli,
Maria Ricciardella
produzione/production
TFILM
**
contatti/contacts
TFILM
Federico Tocchella
Tel: +393 471 275 524
www.tfilm.it
ISACCO
Un bambino gioca nel parco con i pupazzi di plastilina che
costruisce e anima con le mani. Inventa e racconta storie usandoli
come protagonisti. Il suo pupazzo preferito si chiama Isacco,
è un bambino come lui, che sogna, desidera, ha fiducia nel mondo.
Isacco è felice perché deve andare con suo padre in montagna,
per aiutarlo. Suo padre si chiama Abramo e la storia che il bambino
mette in scena è il racconto biblico. Che effetto farà vederla ancora
una volta dopo aver conosciuto Isacco?
«Isacco è un film che fonde il cinema dal vero, l’animazione e gli
effetti speciali usando la plastilina come materia espressiva per
rappresentare le emozioni più profonde dei personaggi reali.
È una storia che parla del rapporto tra padre e figlio, della fiducia
e del tradimento, della paura e della capacità di superarla attraverso
la fantasia».
ISACCO
A child is playing in the park with some clay figures that he molds
and animates with his hands. He makes up stories using them as his
protagonists. His favorite puppet is called Isaac: he is a little boy just
like him, who dreams, makes wishes, and trusts the world. Isaac is
happy because he has to go to the mountains to help his father, who
is called Abraham. As it turns out, the story enacted by the child is
the biblical tale. But, after having gotten to know Isaac, what effect
will the story have?
“Isaac is a short film that merges together observational cinema,
animation, and the special effects of claymation, using clay as the
expressive medium to represent the deepest emotions of real characters.
It’s a story about the father-son bond, about trust and betrayal, about
fear and overcoming it by using your imagination.”
118
I TA L I A N A . C O R T I
Federico Tocchella (Roma, Italia, 1979)
è regista, animatore e produttore
indipendente, diplomato al
Dipartimento animazione del Centro
sperimentale di cinematografia.
Nel corso degli anni ha maturato
una sensibilità verso commistioni
inedite di tecniche e narrazioni.
Con la sua impresa cinematografica
TFILM, nata nel 2007, ha realizzato
spot, sigle e videoclip per privati e
fondazioni. L’amore ci dividerà e Isacco
sono i suoi primi due cortometraggi.
Dal 2006 al 2011 ha insegnato al
Centro sperimentale di cinematografia
come docente di animazione 3D e
tutor per i film di diploma. Dal 2012
è coordinatore e docente del corso
di VFX della Scuola di cinema Gian
Maria Volontè di Roma.
Federico Tocchella (Rome, Italy, 1979)
is a film director, animator, and
independent producer. He graduated
from the animation department of the
Experimental Centre of Cinematography
in Rome. Over the years, he developed
a keen interest in creating
unprecedented combinations of
technique and narration. He started
the production company TFILM
in 2007, and has since made several
commercials, jingles, and music videos
for foundations and private
commissioners. L’amore ci dividerà
and Isacco are his first short films.
He taught 3D animation at the
Experimental Centre of Cinematography
from 2006 to 2011, working also as
a tutor for the students’ graduation
film-projects. He has been working
since 2012 as program coordinator
and professor of the visual effects
course offered by the Gian Maria
Volonté Film School in Rome.
filmografia/filmography
L’amore ci dividerà (cm, 2009),
Isacco (cm, anim., 2013).
fabio scacchioli, vincenzo core
NO MORE LONELY NIGHTS
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 21’, col.
Fabio Scacchioli (Teramo, Italia, 1979)
realizza film, video e installazioni.
Vincenzo Core (Giulianova, Teramo,
Italia, 1979) è autore di musiche per
video, spettacoli di danza, installazioni
e performance. Insieme collaborano
dal 2009, concentrandosi sulla
relazione immagine/suono,
e sui concetti di «audiovisione»
e «cinema espanso».
regia/directors
Fabio Scacchioli,
Vincenzo Core
fotografia, montaggio/
cinematography,
film editing
Fabio Scacchioli
musica, suono/
music, sound
Vincenzo Core
interprete/cast
Chiara Nepa
(voce/voice over)
**
contatti/contacts
Fabio Scacchioli
[email protected]
Fabio Scacchioli (Teramo, Italy,
1979) makes films, videos, and art
installations.
NO MORE LONELY NIGHTS
Un’esperienza di scavo tra le forme del cinema di finzione.
È necessario perdersi all’infinito, indefinitamente, in una
moltitudine di immagini, di suoni, di universi di cristallo, al punto
di esplodere in paesaggi molecolari, in labirinti subatomici oltre
i quali l’immagine cessa di rappresentare, diventa pulsazione,
rivela il vibrare del non visto, del non mostrato, il soffio che sta
dietro le immagini, oltre la storia e al di là delle forme. Il cinema
come lingua dell’invisibile, in attesa tra le porosità e le increspature
dell’immagine come simulazione.
«Tutte le immagini di questo film preesistevano al film stesso,
come nascoste, dormienti, e una dopo l’altra sono affiorate per
un attimo e subito tornate alle proprie traiettorie sotterranee.
Come una moltitudine di fiumi carsici, hanno continuato il proprio
movimento lontano dagli occhi, alcune sono riaffiorate altrove
e più volte, e ogni volta si trattava di altre immagini, identiche e
diverse come inevitabile».
NO MORE LONELY NIGHTS
An experience through the forms of fictional cinema. Loosing yourself
infinitely, indefinitely, in a multitude of images, sounds, crystal
universes, until exploding in molecular landscapes and subatomic
labyrinths beyond which images are no longer representative, becoming
palpitations, revealing the vibrations of the unseen, of the unshown,
the murmur behind the images, beyond story and forms. Cinema as
the language of the invisible, pending between the pores and the ripples
of image as simulation.
“All the images used in this film existed before the film itself, as if they
were hiding, sleeping, just to emerge for an instant one after the other,
and then plunging again in their own underground trajectories. They
continue their paths hidden from sight, like a multitude of karstic rivers,
some of them resurface elsewhere several times, and every time with
other images, identic and inevitably different.”
119
I TA L I A N A . C O R T I
Vincenzo Core (Giulianova, Teramo,
Italy, 1979) composes music for videos,
dance shows, installations, and
performances. They have been working
together since 2009, focusing on the
relation between image and sound,
and on the concepts of “audio-vision”
and “expanded cinema.”
filmografia/filmography
Fabio Scacchioli, Vincenzo Core:
Dead Seequences (cm, 2009),
Objets oubliés (cm, 2009), Da una
terra di cenere e nebbia (cm, 2010),
Miss Candace Hilligoss’ Flickering
Halo (cm, 2011), Spettrografia di una
battaglia (cm, 2012), No More Lonely
Nights (cm, 2013).
valentina carnelutti
RECUIEM
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 20’, col.
regia, sceneggiatura,
scenografia/
director, screenplay,
production design
Valentina Carnelutti
fotografia/cinematography
Massimo Schiavon
montaggio/film editing
Sara Zavarise
costumi/costume design
Eva Coen
musica/music
Francesco Tricarico
suono/sound
Mirco Mencacci
interpreti e personaggi/
cast and characters
Teresa Saponangelo
(Emma),
Francesco Tricarico
(Gabriele),
Lydia Biondi
(nonna/grandmother),
Irene Buonomo (Annetta),
Flavio Palazzoli (Leo)
produttore/producer
Fiore Leone
produzione/production
Fiore Leone Produzioni
coproduzione
Dugong
**
contatti/contacts
Fiore Leone
Tel: +39 349 80 75 489
[email protected]
RECUIEM
Quando Leo e la sorellina Annetta si svegliano al mattino, la
loro mamma Emma dorme ancora nel suo letto. O forse no.
Leo e Annetta trascorrono da soli l’intera giornata. Fanno colazione,
fanno confusione, giocano. Aspettano, provano la loro vita senza
la mamma. Fino all’arrivo della nonna e di Gabriele, il fidanzato
di Emma. Fino a quando, con gli adulti e con le parole, l’ambiguità
si scioglie, e a suo modo ciascuno va incontro alla sera.
«reCuiem nasce da un racconto breve che ho scritto più di dieci
anni fa. Ho due figlie, oggi maggiorenni, che crescevano con me,
e spesso mi sono chiesta che ne sarebbe stato di loro se fossi
morta. Questo interrogativo, insieme alla loro curiosità infantile
attorno alla questione della morte, ha dato luogo al racconto.
Senza voler esaurire tutte le domande con delle risposte, ho scritto
con l’intento di osservarle, accoglierle. Anni dopo, il confronto
con la realtà di un lutto ha vivificato ogni dettaglio del racconto,
restituendo a questa storia lontana l’aspirazione a diventare un
film».
RECUIEM
When Leo and his little sister Annetta wake up in the morning, their
mother Emma is still sleeping in her bed. Or maybe not. Leo and
Annetta spend the entire day by themselves. They have breakfast, they
make a mess, they play. They wait, experiencing what their lives would
be like without their mother. Until their grandmother and Gabriele,
Emma’s partner, arrive. Until, with the adults and with words, the
ambiguity dissolves and they all face the evening in their own way.
“reCuiem comes from a short story I wrote over ten years ago. I have
two daughters, who are now over eighteen; when they were growing
up, I would often ask myself what would happen to them if I died.
The short story I wrote originated from this question and their child-like
curiosity about death. I didn’t want to answer all the questions;
I wanted to observe them, to embrace them. Years later, dealing
with the reality of mourning rendered every detail of the story vivid,
bringing back the remote aspiration of turning it into a film.”
120
I TA L I A N A . C O R T I
Valentina Carnelutti, attrice
e sceneggiatrice, ha lavorato
con registi quali Marco Tullio
Giordana (La meglio gioventù),
Theo Angelopoulos (La polvere
del tempo), Paolo Virzì (Tutta la
vita davanti), Citto Maselli (Le ombre
rosse), Angelo Orlando (Sfiorarsi,
di cui ha scritto la sceneggiatura),
Enrico Pau (Jimmy della collina),
Pippo Mezzapesa (Il paese delle
spose infelici). Ha scritto e diretto
il documentario Melkam Zena - Buone
notizie (prodotto nel 2012 da Action
Aid), e il videoclip del singolo di
Francesco Tricarico Le conseguenze
dell’ingenuità. reCuiem è il suo primo
cortometraggio.
Valentina Carnelutti is an actress
and screenwriter. She has worked
with film directors the likes of Marco
Tullio Giordana (The Best of Youth),
Theo Angelopoulos (The Dust of Time),
Paolo Virzì (A Whole Life Ahead),
Citto Maselli (Le ombre rosse),
Angelo Orlando (Sfiorarsi, for which
she also wrote the screenplay),
Enrico Pau (Jimmy on the Hill),
Pippo Mezzapesa (Il paese delle
spose infelici). She wrote and directed
the documentary film Melkam Zena Buone notizie (produced by Action
Aid in 2012), and the music video
of the Francesco Tricarico’s single
Le conseguenze dell’ingenuità.
reCuiem is her first short film.
filmografia/filmography
Melkam Zena - Buone notizie
(doc., 2012), reCuiem (cm, 2013).
francesca cogni
SUI BORDI
CONTENTS
DOVE FINISCE IL MARE
Italia-Francia/Italy-France, 2013, Super8-HD, 39’, col.
regia, sceneggiatura,
fotografia, montaggio/
director, screenplay,
cinematography,
film editing
Francesca Cogni
musica, suono/
music, sound
Donatello De Mattia
produzione/production
Ginger TooA,
Shurúq Film,
Film Flamme S.A.C.R.E.,
Home Movies - Archivio
Nazionale del Film
di Famiglia
**
contatti/contacts
Francesca Cogni
[email protected]
Francesca Cogni (Italia), videomaker
e disegnatrice, lavora con il disegno,
il video e l’animazione. Nel 2008
ha fondato con Donatello De Mattia
la casa di produzione TooA, rivolta
a progetti artistici e culturali che
abbiano stretta relazione con il
territorio: film, ricerche fotografiche,
mappe, bandiere, opere grafiche,
giochi di società e installazioni,
laboratori, festival, incontri e mostre.
SUI BORDI
- DOVE FINISCE IL MARE
Un viaggio in mare carico di aspettative che, quando raggiunge
la terraferma, si scontra con la sua durezza. La Fortezza Europa
chiude le sue porte, svela la rigidezza e l’assurdità di leggi e
istituzioni. L’attesa perenne, la violenza contro le frontiere fisiche
e psicologiche. Un film in Super8, video e disegni animati per
raccontare ancora una volta le migrazioni del Mediterraneo,
provando a restituire immagini e corpo a ciò che scivola
distrattamente nella cronaca.
«Questo film è mosso da una forte intenzione politica, che prova
a ricercare una traduzione visiva in grado di porre delle domande,
che chiede allo spettatore di trovare una propria strada tra le
immagini. Non è stato facile trovare una forma: l’urgenza del
discorso si scontrava con la volontà di non prendere la parola
al posto degli altri, di cercare un modo di raccontare che fosse
esplicitamente personale, una riflessione che non volesse imporre,
sottrarre, utilizzare le storie di altri perpetrando una visione
(mediaticamente) subalterna dell’alterità. Si trattava di capire
dove mi collocassi io, all’interno di questa urgenza».
ON THE EDGES
- WHERE THE SEA ENDS [L.T.]
A long voyage by sea full of expectations shattered upon arriving to dry
land. The Fortress Europe closes its doors, revealing the hardness and
the absurdity of its laws and its institutions. The perpetual wait, the
violence against physical and psychological borders. This Super8 film
uses video footage and animation to portray once more the migrations
of the Mediterranean Sea, trying to restore body and images to what
we distractedly read in newspapers.
“This movie stems from a strong political motivation that tries to seize
a visual translation capable of posing questions, asking viewers to find
their own way through the images. Finding a form wasn’t easy: the
urgency of the issue at hand would clash with my intention of not
speaking in other people’s place, trying to tell the story in a way that
was explicitly personal; a reflection that wouldn’t impose, detract,
or use other people’s stories to perpetuate a vision (in the media)
dependent on the concept of otherness. It was a matter of
understanding where I stood within this urgency.”
121
I TA L I A N A . C O R T I
Francesca Cogni (Italy) is a videomaker
and illustrator who works with drawings,
videos, and animations. She founded
the production company TooA
with Donatello De Mattia in 2008,
promoting artistic and cultural
projects rooted in the territory: films,
photographic researches, maps,
flags, graphic works, board games,
installations, workshops, festivals,
encounters and exhibitions.
filmografia essenziale/
essential filmography
Take Me, I’m Yours (cm, 2003),
7712632 (coregia/codirector Simona
Bonini, cm, 2003), Fluxus (cm, 2003),
Il giardino (cm, 2004), Oggetti
migratori (cm, 2005), Odissee nella
Laguna (cm, 2005), Mwanza casa
mia (coregia/codirector Simona
Bonini, cm, 2008), 42 - Storie da
un edificio mondo (coregia/codirector
Donatello De Mattia, cm, 2009),
Pasta madre (cm, 2011), La nostra
casa (coregia/codirector Donatello
De Mattia, cm, 2012), Sui bordi Dove finisce il mare (cm, doc., 2013).
antonio prata
TERRADENTRO
CONTENTS
Italia-Svizzera/Italy-Switzerland, 2013, HD, 31’, col.
regia, soggetto/
director, story
Antonio Prata
sceneggiatura/screenplay
Antonio Prata,
Marco Colli
fotografia/cinematography
Davide Pangrazio,
Antonio Prata
montaggio/film editing
Mauro Ruvolo,
Davide Pangrazio
suono/sound
Claudio Montesano Casillas
interpreti e personaggi/
cast and characters
Antonio Prata
(narratore/narrator),
Paolo Gasparini,
Danila Stalteri,
Teresa Del Vecchio
(voci/voices)
produttori/producers
Enzo Porcelli,
Silvana Bezzola Rigolini
produzione/production
Aura Film,
ACHAB Film,
RSI Radiotelevisione
Svizzera
**
contatti/contacts
Aura Film
Enzo Porcelli
Tel: +41 794 636 973
[email protected]
TERRADENTRO
La ricerca di un luogo in cui mettere radici: l’Abruzzo, terra
d’origine, sconvolto da un violento terremoto che ha cancellato
i ricordi e sradicato un’identità ora illusoria; oppure la Svizzera,
stravolta da una distruzione – ricostruzione programmata –,
che cancella anche le tracce del passato e sembra indolore,
nell’apparente indifferenza delle persone.
«La nostalgia è un sentimento che a volte pesa; spesso però ci dà
la forza per andare avanti. Quando ho letto, per utilizzarle nel film,
le lettere che i miei genitori si scrivevano negli anni Sessanta, ho
capito che la lontananza del luogo d’origine è per noi “senso di
vita”, ci permette di immaginare un posto dove vorremmo vivere
ma non ci fa mai piantare radici. Qual è il nostro posto, la nostra
vera casa? Viviamo in uno smarrimento perenne, tra due mondi
che non ci appartengono. A noi non è concesso di “restare”.
Noi continueremo ad arrivare e poi a ripartire».
EARTHINSIDE [L.T.]
The search for a place where to put down roots. Abruzzo, the
homeland, wreaked by a violent earthquake that erased all
memories, uprooting an identity that now seems like an illusion.
Or Switzerland, devastated by another kind of destruction
(programmed reconstruction), which erases the traces of the
past and seems painless in the face of people’s apparent indifference.
“Homesickness is a feeling that is sometimes hard to bear, but which
also gives us the strength to go forward. I used the letters my parents
wrote each other over the 1960s to make the movie; as I was reading
them, I understood that for us being away from our hometown gives
meaning to our life, allowing us to imagine a place where we would
like to live, but which also prevents us from settling down. What’s
our place? Where is our real home? We live in constant bewilderment
between two worlds that don’t belong to us. We aren’t allowed to stay.
We will continue arriving and then leaving again and again.”
122
I TA L I A N A . C O R T I
Antonio Prata (Zurigo, Svizzera, 1972)
ha studiato in Italia fino al 1989, per
poi trasferirsi a Zurigo, dove ha
vissuto fino al 1995, anno in cui si
è definitivamente trasferito nel
Canton Ticino. Qui ha frequentato
il Conservatorio di scienze audiovisive
Pio Bordoni di Lugano. Si è diplomato
come cineasta nel 2007 con Il resto
di una storia, menzione speciale al
25° Torino Film Festival, miglior
cortometraggio a DocLisboa nel 2008
e vincitore del premio First Steps a
Visions du réel. Ha poi approfondito
gli studi nel campo del documentario
e nell’utilizzo di materiali di repertorio
e diretto L’inverno è più lungo,
mediometraggio girato all’interno
di una comunità di recupero per
tossicodipendenti.
Antonio Prata (Zurich, Switzerland,
1972) studied in Italy until 1989;
he then moved to Zurich, where he
lived until 1995, when he moved to
Canton Ticino for good. He studied at
the Conservatorio di scienze audiovisive
Pio Bordoni in Lugano. He climbed to
the ranks of filmmaker in 2007 with Il
resto di una storia, which got a special
mention at the 25 Torino Film Festival
and won the award for best short film
at DocLisboa in 2008 and the First
Steps Award at Visions du réel
Documentary Film Festival. He then
continued his studies in the field of
documentary filmmaking and in the
use of archive footage, making L’inverno
è più lungo, a medium-lenght film shot
inside a drug rehabilitation center.
TH
filmografia/filmography
Il resto di una storia (cm, doc., 2007),
L’inverno è più lungo (mm, doc., 2012),
Terradentro (cm, doc., 2013).
lorenzo cioffi
IL VIAGGIO DI ETTORE
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, Super8-HD, 25’, col.
Lorenzo Cioffi (Napoli, Italia, 1979)
lavora come documentarista dal 2006
e nel corso degli anni si è cimentato
soprattutto con il documentario
“di creazione”, reportage per la
televisione e documentari divulgativi.
Tra i suoi lavori, Napoli 24, progetto
che ha coinvolto ventiquattro registi
napoletani ed è stato presentato
al 28° Torino Film Festival.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Lorenzo Cioffi
fotografia/cinematography
Corrado Costetti
montaggio/film editing
Chiara Ronchini
suono/sound
Francesco Amodeo
interprete/cast
Ettore Pugliaro
realizzato con il
contributo di/
realized with the
contribution of
Cinecittà Luce,
Assessorato alla Cultura
del Comune di Napoli
**
contatti/contacts
Cinecitta Luce
Alessio Massatani
[email protected]
www.cinecittaluce.it
IL VIAGGIO DI ETTORE
Il genovese Ettore Pugliaro è stato per vent’anni operaio all’Italsider
di Bagnoli. A Napoli sono nati i suoi figli, e lì è rimasto finché la
fabbrica è stata attiva. Dopo molto tempo vi fa ritorno: appena
sceso dal treno si mette in cammino verso Bagnoli, attraversando
la città da est a ovest. L’Italsider non c’è più, e con essa quasi tutta
la Napoli industriale che conosceva, di cui ha fieramente fatto parte
e che per decenni ha costituito l’anima moderna della città.
«Nella seconda metà del Novecento, Napoli è stata una città
industriale. Questo fatto è stato rimosso, come se la sua anima
millenaria non ammettesse altro. Nell’ultimo decennio, la Napoli
del degrado della periferia si è imposta nella narrazione dominante,
ma la sua anima operaia ha rappresentato il meglio della coscienza
civile della città. Nel ripercorrere la storia di “Napoli com’era” il
film vuole mettere in luce come, con la chiusura dell’industria,
sia venuta meno questa componente fondamentale, non per
i posti di lavoro in quanto tali, ma per “la capacità di”, per
“la possibilità di”».
ETTORE’S JOURNEY [L.T.]
Ettore Pugliaro is a man from Genoa who worked for twenty years
at the Italsider factory in Bagnoli. His children were born in Naples,
and that’s where he stayed for as long as the plant was open.
He returns there many years later: he gets off the train and walks
to Bagnoli, crossing the town from east to west. But Italsider is gone,
and with it so is most of Naples’ industrial side: the one he once
knew, which he was proud to be a part of, and which represented
the city’s modern soul for many decades.
“During the second half of the 20 century, Naples was an industrial
city. But this fact was removed, as if its thousand-year-old soul couldn’t
bear anything more. Over the last ten years, the version of Naples
characterized by the degradation of its suburbs has asserted itself in the
mainstream media; but it was its working class soul that represented
the very best of the city’s civil consciousness. The film traces the story
of ‘Naples as it once was,’ highlighting how the factory’s closing meant
loosing this fundamental component: not just in terms of jobs, but also
its ‘capability to’ and ‘possibility of.’”
TH
123
I TA L I A N A . C O R T I
Lorenzo Cioffi (Naples, Italy, 1979)
has worked as a documentary filmmaker
since 2006. Over the years, he has
dabbled especially with “documentaries
of creation,” investigative TV reports,
and educational documentaries.
Napoli 24, one of his projects involving
twenty-four film directors from Naples,
was presented at the 28 Torino Film
Festival.
TH
filmografia/filmography
Pugni (doc., 2008), In viaggio
sull’Urania (doc., 2009), L’ultima
chance (doc., 2010), Napoli 24
(coregia/codirectors aa.vv., 2010),
Passeurs de rêves (doc., 2012),
Il viaggio di Ettore (cm, doc., 2013).
salvatore mereu
LA VITA ADESSO
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 17’, col.
regia/director
Salvatore Mereu
soggetto/story
Martina Manca
sceneggiatura/screenplay
Martina Manca,
Salvatore Mereu
fotografia/cinematography
Francesco Nonnoi
montaggio/film editing
Andrea Lotta
scenografia/
production design
Gabriel Lasio
costumi/costume design
Cristina Cuboni
interpreti/cast
Laurent Gagné,
Gianfranco Cudrano,
Andreana G. Raffaellu
produttore/producer
Antioco Floris
produzione/production
Celcam, Viacolvento
**
contatti/contacts
Viacolvento
Salvatore Mereu
Tel: +39 078 439 007
[email protected]
LA VITA ADESSO
Luca ha dieci anni e vive solo con il padre. I due sono legati da
un intenso rapporto, ma c’è qualcosa che rende la vita di Luca
diversa da quella di tutti gli altri bambini della sua età: suo padre
è malato di Alzheimer. Dopo giornate trascorse fra momenti di
forte tensione e affettuose complicità, i due sono costretti a
separarsi per l’intervento dei servizi sociali.
«La storia di Luca – ispirata a caldo a un episodio di vita
vissuta dove il feroce progredire della malattia sta scambiando
drammaticamente i ruoli e un ragazzino, per tenerlo
disperatamente con sé, deve fare da padre a un padre nel
frattempo diventato bambino – ci ha subito scaldato il cuore.
Fino all’irresponsabilità. A spingerci, mancando noi di esperienza
diretta, è stato più di tutto il gusto di provare a raccontare una
storia, cercando, non senza pericolo, di restituire l’emozione
provata nel sentirla la prima volta dalle parole di Martina Manca,
colei che ce l’ha proposta. L’incontro con Laurent, il ragazzino
che poteva renderla possibile, ha fatto il resto».
LIFE NOW [L.T.]
Luca is ten years old and lives alone with his father. The two share
an intense relationship but there is something that makes Luca’s
life different from that of the other children his age: his father has
Alzheimer’s. After days of moments of great tension and affectionate
complicity, the two are forced to part.
“Luca’s story was inspired in the heat of the moment by an episode
of lived life: the vicious progression of an illness and how it can
dramatically make roles change; a kid, who has to parent his own
father, who has turned into a child. The story was so heartwarming,
verging on irresponsible. Since we lacked direct experience, what
really pushed us was the pleasure of trying to tell a story, attempting
(not without perils) to capture and convey our feelings when we first
heard the story from Martina Manca. Meeting Laurent, the kid who
could make it possible, did the rest.”
124
I TA L I A N A . C O R T I
-
FUORI CONCORSO
OUT OF COMPETITION
Salvatore Mereu (Dorgali, Nuoro,
Italia, 1965), dopo gli studi al Dams
e al Centro sperimentale di
cinematografia di Roma, ha diretto
alcuni cortometraggi e nel 2003 il
primo lungometraggio, Ballo a tre
passi, premiato alla Settimana
internazionale della critica della 60°
Mostra di Venezia e vincitore di un
David di Donatello come miglior
regista esordiente. Con il successivo
Sonetàula (2008) ha partecipato alla
sezione Panorama della Berlinale
e vinto tre Globi d’oro, tra cui
il Gran premio della stampa estera.
Tajabone (2010), realizzato in seguito
a un’esperienza scolastica con gli
allievi di due scuole medie di Cagliari,
è stato presentato alla 67ª Mostra di
Venezia, così come Bellas mariposas,
in concorso nella sezione Orizzonti
nel 2012. Nel 2006 ha fondato la casa
di produzione Viacolvento.
Salvatore Mereu (Dorgali, Nuoro, Italy,
1965), after studying at DAMS and the
Centro sperimentale di cinematografia in
Rome, directed a number of shorts and,
in 2003, his first feature film, Ballo a tre
passi, which received an award at
the International Critics Week at the
60 Venice Film Festival, as well as a
David di Donatello for best new director.
His next movie, Sonetàula, participated
in the Panorama section of the 2008
Berlinale and won three Golden Globes,
including the Foreign Press Grand Prize.
Tajabone (2010), which he made after
a teaching project with students of two
middle schools in Cagliari, was presented
at the 67 Venice Film Festival, as
was Bellas mariposas, which competed
in the Orizzonti section in 2012.
He founded the production company
Viacolvento in 2006.
TH
TH
filmografia/filmography
Prima della fucilazione (cm, 1997),
Miguel (cm, 2000), Ballo a tre passi
(2003), Il mare (cm, 2005), Sonetàula
(2008), Tajabone (2010), Bellas
mariposas (2012), Transumanza
(cm, 2013), La vita adesso (cm, 2013).
CONTENTS
BIG BANG TV
DAVID FINCHER HOUSE OF CARDS
| SEAN DURKIN SOUTHCLIFFE |
JANE CAMPION, GARTH DAVIS TOP OF THE LAKE
Big Bang TV
CONTENTS
DI FEDERICO GIRONI
Top of the Lake (2013) di Jane Campion, Garth Davis
Jane Campion, Holly Hunter, Peter Mullan,
David Fincher, Kevin Spacey, Robin Wright,
Sean Durkin, Eddie Marsan. Fino a qualche anno
fa, un simile elenco di nomi poteva solo essere
associato al mondo del cinema tradizionalmente
inteso; oggi è la lista delle personalità che
animano la prima edizione di Big Bang Tv,
neonata sezione con la quale il Torino Film
Festival ufficializza il suo attento e non recente
interesse per quello che accade nel mondo
delle serie televisive.
La tv non è soltanto «la nuova letteratura»,
come titolava in settembre «IL», supplemento
mensile del «Sole 24 Ore», ma un nuovo modo
di intendere il cinema e la narrazione
audiovisiva. È il luogo dove gli spazi di messa
in onda e la struttura seriale si sono fatti
catalizzatori capaci di esaltare la libertà artistica
e creativa, permettendo agli autori di andare
fuori formato rispetto ai canoni tradizionali,
di osare tematicamente e stilisticamente
come certo cinema hollywoodiano non può
e non vuole più fare. Non stupisce quindi che,
nelle recenti stagioni, donne e uomini di cinema
abbiano deciso di approfittare di questa libertà
cimentandosi in prodotti televisivi che, proprio
grazie al loro contributo, hanno ulteriormente
arricchito un linguaggio, uno stile e una modalità
di narrazione sempre più trasversali tra piccolo e
grande schermo. Le serie selezionate dal Festival
sono esempio di questo dinamismo linguistico
capace di elevatissimi risultati artistici.
126
BIG BANG TV
Dopo la pionieristica esperienza del 1990
con Un angelo alla mia tavola, Jane Campion
torna in tv con una miniserie in sei puntate
acclamata internazionalmente. Top of the Lake,
girata e ambientata nelle conturbanti location
della Nuova Zelanda, parte da uno spunto
«giallo» (l’investigazione di un’agente di polizia
sulla sparizione di una dodicenne incinta) per
esplorare con stile magico e misterioso un
mondo fatto di comuni neofemministe,
famiglie criminali, violenze quotidiane, passati
che riaffiorano, legami familiari complessi
e commoventi. E la Campion trova in Elisabeth
Moss (già nel cast di serie come The West
Wing e Mad Men), Peter Mullan, Holly Hunter
e David Wenham gli interpreti capaci di dare
ulteriore spessore ai suoi personaggi sfumati
e mitologici.
Sono invece Kevin Spacey e Robin Wright i
protagonisti della serie tv House of Cards – di cui
il festival proietta il pilot –, tratta dai romanzi di
Michael Dobbs, già adattati in precedenza dalla
Bbc. Spacey e Wright sono gli Underwood,
coppia ambiziosa e affamata di potere: lui è
il leader del Partito democratico al Congresso
degli Stati Uniti, impegnato in una complessa
vendetta contro il neoeletto presidente che
gli ha negato la nomina a segretario di Stato
promessagli; lei una moglie che supporta
e pungola il marito, ma non si nega di sfamare
la propria bramosia. Prima produzione di Netflix,
House of Cards esalta i suoi chiaroscuri morali,
il suo cinismo e la sua epica shakespeariana
grazie al talento di David Fincher, che della
serie è produttore esecutivo e regista dei primi
due episodi, premiato anche con un Emmy per
questa sua prima esperienza televisiva.
Alla prima esperienza in tv è anche il più
giovane Sean Durkin, regista di quel La fuga
di Martha presentato al Sundance, a Cannes
e a Toronto. Durkin è volato dagli Stati Uniti
all’Inghilterra per dirigere per Channel 4 una
miniserie in quattro episodi scritta da Tony
Grisoni, sceneggiatore di Terry Gilliam e della
trilogia televisiva di Red Riding. Interpretata
da Sean Harris, Rory Kinnear, Eddie Marsan
e Kaya Scodelario, Southcliffe ricostruisce in
maniera frammentata e non lineare la storia
e le conseguenze di tre sparatorie in una
piccola e immaginaria cittadina costiera del
Kent, con uno stile asciutto, autunnale e
raggelante nella sua analisi minuziosa di
tragedie, dolori, colpe e redenzioni.
Big Bang TV
CONTENTS
BY FEDERICO GIRONI
Southcliffe (2013) di Sean Durkin
Jane Campion, Holly Hunter, Peter Mullan, David
Fincher, Kevin Spacey, Robin Wright, Sean Durkin,
Eddie Marsan. Until a few years ago, a list of
names such as this would have been associated
only to the traditional world of cinema. Nowadays,
however, this is the list of celebrities animating the
first edition of Big Bang TV, the new section of the
Torino Film Festival. The TFF’s watchful and not-so
recent interest for what is going on in the world
of TV series is finally made official with this brand
new section.
“IL,” the monthly supplement of the paper
“Il Sole 24 Ore,” called television “the new form
of literature.” But TV is more than that: it is a
new way of understanding cinema and audiovisual
storytelling. It is the place where broadcasting
slots and serial structures have become catalyzing
agents capable of exalting artistic and creative
freedom. It has given writers the chance to go
beyond traditional formats, to dare thematically
and stylistically in a way that Hollywood movies
no longer can nor want to.
So it isn’t that surprising if women and men
from the world of cinema have recently decided
to seize the opportunity of this freedom, dabbling
with the realm of TV. With their contribution,
they have further enriched the language, style,
and modernity of storytelling, becoming
increasingly crosscutting between the small and
the big screen. The TV series selected by the Festival
are examples of how this linguistic vitality is capable
of achieving very high-level artistic results.
127
BIG BANG TV
After the pioneering experience of An Angel at
My Table back in 1990, Jane Campion returns
to television with an internationally acclaimed
six-episode mini-series: Top of the Lake, filmed in
New Zealand, where it also takes place. Starting
from a detective story (a police officer investigating
the disappearance of a pregnant twelve-year old),
this drama series explores in a magical and
mysterious way a world made of common
neo-feminists, criminal clans, daily violence,
resurfacing pasts, complicated and moving family
bonds. Jane Campion finds in Elisabeth Moss
(from the shows The West Wing and Mad Men),
Peter Mullan, Holly Hunter, and David Wenham
actors capable of giving further depth to her
nuanced and mythological characters.
Kevin Spacey and Robin Wright are instead the
protagonists of the TV series House of Cards,
based on the novels by Michael Dobbs, which were
previously adapted by the BBC. Spacey and Wright
are the Underwoods, an ambitious and power
hungry couple. He is the leader of the Democratic
Party in the U.S. Congress, seeking an intricate
revenge against the newly elected President for
not appointing him Secretary of State as promised.
She is his supporting and conniving wife who
follows her own desires. House of Cards is the
first mini-series produced by Netflix and the Festival
will screen the pilot. The drama’s moral ambiguity,
its cynicism, and its Shakespearian undertones are
enriched by the talent of David Fincher, executive
producer as wells director of the first two episodes,
who also received an Emmy for his first television
experience.
The young Sean Durkin also made his TV debut.
After directing the film Martha Marcy May
Marlene (which was screened at Sundance,
Cannes, and Toronto), Durkin flew from the
United States to the UK to direct Southcliffe
for Channel 4, a four-episode mini-series written
by Tony Grisoni (screenwriter for several of Terry
Gilliam’s films and for the three-part TV movie
Red Riding).
With a cast comprising Sean Harris, Rory Kinnear,
Eddie Marsan, and Kaya Scodelario, Southcliffe
portrays the story and consequences of three
shootings in a fictional small coastal town
in Kent; Durkin employs a fragmented and
nonlinear structure to tell the story, a dry style,
and a somber and chillingly detailed analysis
of tragedies, sufferings, faults and redemptions.
david fincher
HOUSE OF CARDS
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 109’, col.
regia/director
David Fincher
soggetto/story
dall’omonimo romanzo di/
from the novel of the same
title by Michael Dobbs
e dalla omonima serie tv/
and from the tv series
of the same title
sceneggiatura/screenplay
Beau Willimont
fotografia/cinematography
Eigil Bryld
montaggio/film editing
Bryon Smith
costumi/costume design
Johanna Argan
musica/music
Jeff Beal
interpreti e personaggi/
cast and characters
Kevin Spacey
(Francis Underwood),
Robin Wright
(Claire Underwood),
Kate Mara (Zoe Barnes),
Corey Stoll (Peter Russo),
Michael Kelly
(Doug Stamper),
Sakina Jaffrey
(Linda Vazquez),
Kristen Connolly
(Christina Gallagher),
Constance Zimmer
(Janine Skorsky)
produttore/producer
Karyn McCarthy
produzione/production
Media Rights Capital
**
contatti/contacts
Sky Italia
Francesca De Michele
[email protected]
HOUSE OF CARDS
Francis Underwood è il capo dei democratici al Congresso degli
Stati Uniti. Abile calcolatore, nonostante i modi sornioni, si
destreggia con successo tra politici corrotti e facilmente corruttibili,
lobbisti e giornalisti senza scrupoli. Nei suoi vent’anni di carriera
ha saputo ottenere per gli uomini a lui legati le cariche più
importanti: il suo obiettivo è la segreteria di Stato. Al suo fianco,
nella vita così come nel tessere trame, la moglie Claire, che ama
«più di quanto uno squalo ami il sangue». La prima serie tv
prodotta dal servizio di streaming Netflix, di cui viene presentato
il pilot.
«Il concetto che sta dietro a ogni tipo di burocrazia è il
sostentamento della burocrazia stessa, la sua perpetuazione.
Qualsiasi gruppo di homo sapiens, unito sotto lo stesso ideale,
crede che la salvaguardia di quest’ultimo, o la sua trasmissione,
sia importante quanto l’ideale stesso. È una cosa che succede.
Quello che mi interessava di Francis è il fatto che non fosse
amorale (anche se in realtà lo considero tale), ma, piuttosto,
apolitico. Il suo scopo è quello di acquisire terreno per gente
come lui».
HOUSE OF CARDS
Congressman Francis Underwood is the Leader of the Democratic Party
in the United States House of Representatives. Cunning and scheming,
he moves deftly among corrupted and easily corruptible politicians,
journalists, and unscrupulous lobbyists. In his twenty years of career,
he has managed to place the people connected to him in the most
prestigious offices: his objective is becoming Secretary of State.
His conniving wife Claire is by his side, a partner in life and in schemes,
whom he loves “more than sharks love blood.” The pilot of the first TV
series produced by the streaming company Netflix.
“The governing idea behind any bureaucracy is the funding of that
bureaucracy, the perpetuation of that bureaucracy. Any group of homo
sapiens, if they’re united under an ideal, believe that their protection
of that ideal, or the furthering of that ideal, is as important as the
deal itself. It’ll just happen. What interested me was Francis is…
Francis is not amoral – actually, I guess he is amoral – but he’s
apolitical. He’s in it for the ground-acquisition of people like himself.”
128
BIG BANG TV
David Fincher (Denver, Colorado, Usa,
1962) inizia a lavorare come esperto
di effetti speciali per la Industrial Light
& Magic di Lucas e come regista di
spot e videoclip. Nel 1992 esordisce
con Alien3 e trova la consacrazione
con il successivo Seven (1995),
al quale seguono, tra gli altri, il
controverso Fight Club (1999)
e Zodiac (2007), che partecipa
in concorso a Cannes. Candidato
all’Oscar per Il curioso caso di
Benjamin Button (2008), ottiene
diverse candidature anche con
The Social Network (2010), che vince
un Golden Globe e regala ad Aaron
Sorkin un Oscar per la sceneggiatura.
Con House of Cards ha invece vinto
un Emmy Award per la regia.
David Fincher (Denver, CO, USA,
1962) started as a special effects expert
for George Lucas’s company Industrial
Light & Magic, and as a director
for commercials and music videos.
He directed his first feature, Alien3
in 1992, and received acclamation for
his subsequent film, Seven (1995).
This was followed by many other movies
including the controversial Fight Club
(1999) and Zodiac (2007), which was
in competition at Cannes. He received
an Oscar nomination for The Curious
Case of Benjamin Button (2008),
and several more nominations for The
Social Network (2010), which won a
Golden Globe and earned Aaron Sorkin
an Academy Award for best original
screenplay. House of Cards won an
Emmy Award for outstanding directing.
filmografia/filmography
The Beat of the Live Drum (doc., 1985),
Alien3 (id., 1992), Seven (id., 1995),
The Game (The Game - Nessuna
regola, 1997), Fight Club (id., 1999),
Panic Room (id., 2002), Zodiac (id.,
2007), The Curious Case of Benjamin
Button (Il curioso caso di Benjamin
Button, 2008), The Social Network
(id., 2010), The Girl with the Dragon
Tattoo (Millennium - Uomini che
odiano le donne, 2011), House of
Cards (id., ep., tv, 2013).
sean durkin
SOUTHCLIFFE
CONTENTS
Regno Unito/UK, 2013, HD, 188’ (4 x 47’), col.
regia/director
Sean Durkin
sceneggiatura/screenplay
Tony Grisoni
fotografia/cinematography
Mátyás Erdély
montaggio/film editing
Victoria Boydell,
Daniel Greenway
scenografia/
production design
Tom Bowyer
costumi/costume design
Suzanne Cave
interpreti e personaggi/
cast and characters
Rory Kinnear
(David Whitehead),
Sean Harris
(Stephen Morton),
Shirley Henderson
(Claire Salter),
Anatol Yusef (Paul Gould),
Eddie Marsan (Andrew
Salter), Kaya Scodelario
(Anna Salter), Al Weaver
(Anthony), Amanda Drew
(Jacqui Whitehead),
Joe Dempsie
(Chris Cooper)
produttori/producers
Peter Carlton, Derrin
Schlesinger
produzione/production
Warp Films
coproduzione/coproduction
Borderline Films
**
contatti/contacts
BBC Worldwide
Francesca Doria
Tel: +44 020 843 313 02
[email protected]
www.bbcworldwide.com
EPISODI/EPISODES
Hollow Shore
Light Falls
Sorrow’s Child
All Souls
129
SOUTHCLIFFE
Un anno dopo che la cittadina inglese di Southcliffe è stata
al centro di un’improvvisa e sanguinosa catena di omicidi, il
giornalista David Whitehead, che aveva indagato sul caso, riceve
un messaggio in cui si preannuncia che altro sangue tornerà
a scorrere. Peccato che Stephen Morton, il killer che sconvolse
Southcliffe, si sia suicidato. Che si tratti di uno scherzo di cattivo
gusto? O forse delle minacce di un fanatico mitomane? L’unica
soluzione per David è tornare sul luogo dei misfatti per fare
chiarezza, per lui una scelta difficile, visto che nel piccolo centro
ha passato la sua dolorosa infanzia.
«Quando ho letto la sceneggiatura ho capito che, anche senza
la catena di omicidi, i personaggi erano così ricchi che si sarebbe
potuto fare un film drammatico su di loro e sulle loro vite: questo
per me è molto importante. Infatti, normalmente, a interessarmi
non è la storia ma i personaggi, di cui, se ben strutturati,
si possono raccontare le vite, l’unica cosa che m’importi.
Mi sembrava che, su quelle pagine, li avrei potuti seguire anche
se non fosse successo nulla».
SOUTHCLIFFE
The British town of Southcliffe finds itself at the center of a sudden
and bloody killing spree. A year later, David Whitehead, a journalist
who had covered the case, receives a message announcing that more
blood will be shed. Too bad that the killer that had been terrifying
Shouthcliffe, Stephen Morton, committed suicide. Could it be a bad
practical joke? Or maybe the threat of a fanatic copycat? David’s only
solution is to go back to where it all happened and shed some light:
a difficult choice for him, since he spent his painful childhood in that
small town.
“I read the script and I just felt like even without the spree killing,
there was enough in these characters that you could make a drama
about them and their lives and for me that’s always the thing. For me,
I’m not so interested in plot, I’m interested in character, and if the
characters are rich, you follow their lives, and that’s what matters to
me. It felt like, on the page, I could have followed the characters even
if there was no event.”
BIG BANG TV
Sean Durkin (Canada, 1981)
è cresciuto in Inghilterra.
Successivamente si è trasferito negli
Stati Uniti, dove ha studiato cinema
presso la New York University,
laureandosi nel 2005. L’anno
successivo ha esordito nella regia con
il cortometraggio Doris, a cui è seguito
nel 2010 Mary Last Seen, selezionato
alla Quinzaine des réalisateurs. Con
il suo primo lungometraggio La fuga
di Martha (2011) ha partecipato a
Un certain regard di Cannes, e ha
ottenuto numerosi riconoscimenti
internazionali, tra cui il premio per
la miglior regia al Sundance Film
Festival. Attualmente sta lavorando
a Janis, biografia della cantante Janis
Joplin.
Sean Durkin (Canada, 1981) grew up
in the United Kingdom. He then moved
to the United States, where he studied
cinema at New York University,
graduating in 2005. He made his first
film, the short Doris, the next year,
followed by Mary Last Seen in 2010,
which was selected at Quinzaine des
réalisateurs. His first feature film,
Martha Marcy May Marlene (2011),
participated at Cannes in the section
Un certain regard and won many
international awards, including best
director at the Sundance Film Festival.
He is currently working on Janis, a
biography of the singer Janis Joplin.
filmografia/filmography
Doris (cm, 2006), Mary Last Seen
(cm, 2010), Martha Marcy May
Marlene (La fuga di Martha, 2011),
Southcliffe (tv, 2013).
jane campion, garth davis
TOP OF THE LAKE
CONTENTS
Australia-Nuova Zelanda/Australia-New Zealand, 2013,
HDcam, 360’ (6 x 60’), col.
regia, sceneggiatura/
directors, screenplay
Jane Campion, Garth Davis
fotografia/cinematography
Adam Arkapaw
montaggio/film editing
Alexandre De Franceschi,
Scott Gray
scenografia/
production design
Fiona Crombie
costumi/costume design
Emily Seresin
musica/music
Mark Bradshaw
interpreti e personaggi/
cast and characters
Elisabeth Moss (Robin
Griffin), David Wenham
(Al Parker), Peter Mullan
(Matt Mitcham), Thomas
M. Wright (Johnno), Holly
Hunter (GJ), Jay Ryan (Mark
Mitcham), Kip Chapman
(Luke Mitcham), Jacqueline
Joe (Tui), Robyn Malcolm
(Anita), Genevieve Lemon
(Bunny), Georgi Kay
(Melissa), Skye Wansey
(Grishina), Alison Bruce
(Anne-Marie), Sarah
Valentine (Prue), Robyn
Nevin (Jude), Calvin Tuteao
(Turangi), Lucy Lawless
(Caroline Platt), Darren
Gilshenan (Bob Platt),
Mirrah Foulkes (Simone),
Luke Buchanan (Jamie),
Jacek Koman (Wolfgang
Zanic)
produttore/producer
Philippa Campbell
produzione/production
See-Saw Films,
Escapade Pictures
**
contatti/contacts
Sky Italia
Francesca De Michele
[email protected]
EPISODI/EPISODES
Paradise Sold
Searchers Search
The Edge of the Universe
A Rainbow Above Us
The Dark Creator
No Goodbye Thanks
130
Jane Campion (Nuova Zelanda, 1954)
ha studiato pittura prima di iscriversi
alla Australian Film Television and
Radio School ed esordire con il
cortometraggio An Exercise in
Discipline - Peel, Palma d’oro a Cannes
nel 1986. Lo stesso riconoscimento è
poi andato sette anni dopo al
lungometraggio Lezioni di piano,
vincitore inoltre dell’Oscar per la
migliore sceneggiatura. Tra i più
celebri registi contemporanei, ha vinto
il Leone d’argento e il premio speciale
della giuria alla Mostra di Venezia per
Un angelo alla mia tavola (1990).
Garth Davis è un regista pubblicitario
conosciuto per le collaborazioni con
importanti marchi. Ha inoltre diretto
il documentario P.I.N.S. (2000),
il cortometraggio Alice (2003) e la
serie tv Love My Way.
TOP OF THE LAKE
Dov’è finita Tui, dodicenne incinta reduce da un tentativo di
suicidio? Un caso complicato per la detective Robin Griffin, da
poco tornata dagli Stati Uniti nella nativa Nuova Zelanda. Per
risolverlo dovrà spingersi nella sperduta cittadina di Laketop, dove
domina incontrastato Matt, boss della malavita locale e padre di
Tui, e sollevare il velo di omertà che ricopre gli inconfessabili
segreti della piccola comunità, per trovarsi di fronte a inattesi
frammenti del proprio passato, a lungo rimasti nascosti. Miniserie
prodotta dalla Bbc Worldwide (e trasmessa in una versione da sette
puntate da 47’ l’una), che segna il debutto di Jane Campion nel
campo della produzione televisiva.
«Ai miei occhi è molto interessante il concetto di “paradiso”. […]
Un sacco di persone si sono trasferite nella regione in cui ho scelto
di girare il film nella speranza di trovare la felicità, ma è impossibile
trovare il paradiso, non sulla terra, perché la mente umana è in
grado di scivolare nella follia in ogni luogo. Più ci si avvicina a un
qualsiasi ideale, maggiore sarà la sofferenza derivata dal suo
fallimento». (Jane Campion)
TOP OF THE LAKE
Jane Campion (New Zealand, 1954)
studied painting before enrolling at the
Australian Film Television and Rasio
School. She made her debut with the
short film An Exercise in Discipline Peel, Palme d’Or at Cannes in 1986.
She won the award again seven years
later with The Piano, which also
received an Oscar for best original
screenplay. One of the most renown
contemporary filmmakers, she had
already won a Silver Lion and the
Special Jury Prize at the Venice Film
Festival for An Angel at My Table
(1990).
Garth Davis is a commercial director
know for his work for important brands.
He also directed the documentary
P.I.N.S. (2000), the short film Alice
(2003), and the TV series Love My Way
(2006).
Where did Tui, the pregnant twelve-year old that survived an attempted
suicide, go? It is a difficult case for detective Robin Griffin, who recently
got back to the United States from her native New Zealand. To solve
it she will have to venture into the remote town of Laketop, where
Matt (Tui’s father and local mobster boss) reigns undisputed. She will
break the code of silence, revealing the unmentionable secrets of the
small community, but she will also have to confront unexpected and
long-forgotten fragments from her path. This TV miniseries produced
by BBC (aired in seven 50-minute episodes) marks Jane Champion’s
television production debut.
filmografia/filmography
Jane Campion:
An Exercise in Discipline - Peel (cm,
1986), Sweetie (id., 1989), An Angel
at My Table (Un angelo alla mia tavola,
1990), The Piano (Lezioni di piano,
1993), The Portrait of a Lady (Ritratto
di signora, 1996), Holy Smoke (Holy
Smoke - Fuoco sacro, 1999), In the
Cut (id., 2003), Bright Star (id., 2010).
“I’m really interested in concepts like paradise. […] A lot of people move
to this area in the hope of making themselves happy but of course there
is no such thing as paradise, not on earth – our minds drive us crazy
wherever we are. The closer you get to the so-called ideal, the more
painful it is because it doesn’t work.” (Jane Campion)
Garth Davis:
P.I.N.S. (doc., 2000), Alice (cm,
2003), Love My Way (tv, 2006).
BIG BANG TV
Jane Campion, Garth Davis:
Top of the Lake (tv, 2013).
CONTENTS
O N D E / W AV E S
| CHRISTOPH GIRARDET, MATTHIAS MÜLLER CUT | TODD CHANDLER
| ALBERT SERRA HISTÒRIA DE LA MEVA MORT | TONINO DE BERNARDI HOTEL DE L’UNIVERS |
MELISSA DULLIUS, GUSTAVO JAHN IN THE TRAVELER’S HEART | GIUSEPPE BOCCASSINI LEZUO | MICHALIS
KONSTANTATOS LUTON | DANIELLE LESSOVITZ NEON HEARTACHE | LEONARDO BRZEZICKI NOCHE | MANUEL
ALEJANDRO SALAS PISA | ATSUSHI SHINOHARA SCENERIES OF NEW BEGINNINGS | TITO MOLINA SILENCIO
EN LA TIERRA DE LOS SUEÑOS | STEFAN IVANCIC SOLES DE PRIMAVERA | ARAN HUGHES, CHRISTINA
KOUTSOSPYROU STO LYKO | RAYA MARTIN, MARK PERANSON LA ÚLTIMA PELÍCULA
THERESA SCHWARTZMAN ALLIGATOR TEARS
FLOOD TIDE
O N D E P O R T O G H E S I / P O R T O G U E S E W AV E S
| JORGE QUINTELA CAROSELLO | JOÃO PEDRO RODRIGUES,
| TELMO CHURRO REI INÚTIL
JOÃO MANSO, MIGUEL MANSO BIBLIOGRAFIA
JOÃO RUI GUERRA DA MATA MAHJONG
YU LIKWAI
YU LIKWAI NEON GODDESSES
OF LOVE
| DANGKOU
| TIN SEUNG YAN GAAN | MINGRI TIANYA | DANCE WITH ME TO THE END
Alla fine (o all’inizio) del mondo
CONTENTS
DI MASSIMO CAUSO, ROBERTO MANASSERO
Flood Tide (2013) di Todd Chandler
Derive, attraversamenti, percorsi, viaggi: a
riguardarli tutti insieme, pronti a confrontarsi
sulla scena del Torino Film Festival, i film
di Onde compongono una mappa fluida di
istanze di ricerca nella crisi della realtà. Non
c’è praticamente un solo autore che non abbia
sospinto il suo film in direzione di un altrove
dal quale far scaturire il senso del presente.
Non sembri però voluto, tale percorso: come
ogni viaggio, anche quello che presiede al lavoro
di selezione segue dinamiche tanto consapevoli
quanto imprevedibili. E tanto meno sembri
involuto: come ogni anno, quello di Onde è in
realtà un appuntamento con il cinema che si
libera nella ricerca di forme, identità, narrazioni,
espressioni, attimi fugaci che si protraggono
per la durata (lunga, corta, infinita…) di un film.
Che sembri però determinato e preciso – il
percorso – quello sì: perché, nella logica
sfuggente di ogni singola parola, la frase che
andiamo a comporre con i venticinque titoli
che, tra selezione e omaggi, fanno il programma
di Onde, ha un senso ben compiuto.
Un senso in cui si dice tutto lo stridore del
presente, il suo odore acre, il dolore un po’
rabbioso e un po’ impotente, il senso di perdita
che spinge alla deriva per ritrovarsi, e anche la
curiosità della ricerca di nuovi approdi tradita
dalla mancanza di senso. È tutto un assistere
stanco e divertito alla concava seduzione
132
ONDE/
W AV E S
dell’ombra sulla luce, dell’oscurità sui lumi
(la barra la tiene l’Albert Serra di Història de la
meva mort, ma c’è anche lo sciamanico furore
di Pisa di Manuel Alejandro Salas, per non dire
di come in Cut Müller e Girardet incidano
finalmente la carne e non più soltanto il corpo
della pellicola). È un curioso sospingersi sulle
tracce precise di viaggi alla fine o all’inizio del
mondo e del cinema (La última película di
Martin e Peranson, così come gli esoterici
Dullius e Janh di In the Traveler’s Heart e il
visionario emigrare di Lezuo di Boccassini).
Escursioni al termine di esistenze terrene,
in cui la felicità è così concreta che intravede
improvviso il suo limite (Sceneries of New
Beginnings di Atsushi Shinohara), o il tempo
è così assoluto da non scorgere la sua solitudine
(Silencio en la tierra de los sueños di Tito Molina).
È un vano e continuo tentativo di risorgere dal
grande freddo di un mondo ideale che perde
la presa sulle esistenze (Soles de primavera di
Ivancic), un simbolico ripartire dalla fine di
chi ha mollato la presa sulla realtà (la statica
dispersione di Noche di Leonardo Brzezicki
e la traversata fluviale in Flood Tide di Todd
Chandler).
È la necessaria deriva che sfocia nel naufragio
di due fratelli sulle tracce di se stessi (un altro
fiume, un’altra zattera, quella dei fratelli Manso
in Bibliografia), ma sono anche le attese
esistenziali in fuga dal presente di Carosello
di Jorge Quintela, Rei Inútil di Telmo Churro
e Mahjong del duo Rodrigues e Guerra da Mata,
gli altri tre lavori che compongono l’omaggio
di Onde al cinema portoghese nel suo anno
più splendido (per vitalità espressiva) e difficile
(per difficoltà economiche). In tutto questo, dal
cinema greco si alzano gli opposti gridi sacrificali
di una tragedia antica riscritta sui margini dei
margini dell’Impero (To the Wolf di Hughes e
Koutsospyrou) o nello scarto tra notte e giorno,
in cui implode la recondita violenza (Luton di
Michalis Konstantatos). Del resto non manca
il gioco a rimpiattino con la sostanza profonda
dei sentimenti: con gli amori necessari (madrefiglia in Alligator Tears della Schwartzman,
fratello-sorella in Neon Heartache della
Lessovitz) e con l’inesausta ricerca di vita del
nostro Tonino De Bernardi (Hotel de l’Univers).
Il tutto mentre il cinema di Yu Likwai,
protagonista dell’omaggio di Onde 2013, guarda
lucido dalla distanza di un’Asia immalinconita
nel suo futuro felicemente distopico.
To the end (or the beginning) of the world
CONTENTS
BY MASSIMO CAUSO, ROBERTO MANASSERO
Història de la meva mort (2013) di Albert Serra
Drifts, crossings, paths, journeys: seen altogether,
poised to take each other’s measure on the stage
of the Torino Film Festival, the films of Waves
create a fluid map of instances of research into
the crisis of reality. There is virtually not one author
who has not nudged his film in the direction of an
elsewhere, in order to catalyze the meaning of the
present. And yet this path does not seem
intentional: like every journey, the one governing
the selection process, too, follows dynamics that
are as cognizant as they are unpredictable. But nor
does it seem accidental: as always, this year’s
Waves is actually an appointment with the cinema
that takes flight in its search for forms, identities,
narrations, expressions, fleeting moments which
protract themselves over the duration (long, short,
infinite…) of a film. And yet, the path does, in fact,
seem deliberate and precise: because, in the elusive
logic of every individual word, there is a very clear
meaning to the sentence we have composed with
the twenty-five titles (between selections and
tributes) that make up the program of Waves.
A meaning which encompasses all the stridency
of the present, its acrid odor, the pain that is part
anger and part impotence, the feeling of loss that
compels people to drift in order to find themselves
once again, and also the curiosity to search out new
havens – a curiosity that has been betrayed by a
dearth of meaning. It is all a weary and amused
spectating at the concave seduction of shadows
133
ONDE/
W AV E S
over light, of obscurity over illumination (Albert
Serra’s Història de la meva mort; the shamanic
fury of Pisa by Manuel Alejandro Salas; not to
mention how, in Cut, Müller and Girardet finally
slice into flesh and not just the body of film).
It is a curious push onward on the precise tracks
of journeys to the end or to the beginning of the
world and of cinema (La última película by Martin
and Peranson, just like the exoteric Dullius and
Janh of In the Traveler’s Heart and the visionary
emigration of Lezuo by Boccassini). Excursions
at the end of earthly existences, in which the joy
is so concrete that it suddenly sees its own limits
(Sceneries of New Beginnings by Atsushi
Shinohara), or time is so absolute that it fails
to discern its own solitude (Silencio en la tierra
de los sueños by Tito Molina). It is a futile and
continuous attempt to resurrect from the big chill
of an ideal world that is losing its hold on lives
(Soles de primavera by Ivancic), a symbolic
starting over of those who have lost their grip on
reality (the static dispersion of Noche by Leonardo
Brzezicki, and the river crossing in Flood Tide by
Todd Chandler).
It is the necessary drift that flows into the shipwreck
of two brothers in search of themselves (another
river, another raft, that of the Manso brothers in
Bibliografia), but also the existential expectations
fleeing the present of Carosello by Jorge Quintela,
Rei Inútil by Telmo Churro, and Mahjong by the
duo Rodrigues and Guerra da Mata, the three
movies that compose Wave’s tribute to Portuguese
cinema in its most splendid (for expressive vitality)
and difficult (for economic difficulties) year. In all
this, Greek cinema offers the opposing sacrificial
cries of an ancient tragedy rewritten in the margins
of the margins of the Empire (To the Wolf by
Hughes and Koutsospyrou) or in the lag between
night and day, in which hidden violence implodes
(Luton by Michalis Konstantatos). There is even
a game of hide-and-seek with the profound
substance of feelings within the requisite loves
(mother-daughter in Alligator Tears by
Schwartzman, brother-sister in Neon Heartache
by Lessovitz) and with Tonino De Bernardi’s
boundless investigation of life (Hotel de l’Univers).
All this, while the cinema of Yu Likwai, to whom
Waves pays tribute this year, looks lucidly on from
the distance of an Asia rendered melancholy in its
happily dystopian future.
theresa schwartzman
ALLIGATOR TEARS
CONTENTS
Usa, 2013, video, 23’, bn/bw-col.
Theresa Schwartzman (Baltimora,
Maryland, Usa, 1968) ha studiato
regia alla Ucla a Los Angeles, dove
lavora come ricercatrice per progetti
cinematografici e televisivi.
Alligator Tears è il suo primo film.
regia, montaggio/
director, film editing
Theresa Schwartzman
fotografia/cinematography
Juli Kang
interpreti/cast
Andrea Caro,
Diana Caro,
Francesca Caro,
Angela Sostre,
Regina Romiti,
Jade Alexandra,
Annie Blairs
**
contatti/contacts
Theresa Schwartzman
[email protected]
Theresa Schwartzman (Baltimore,
MD, USA, 1968) studied directing at
UCLA and currently lives in Los Angeles
where she works as a researcher for film
and television projects. Alligator Tears
is her first movie.
LACRIME DI COCCODRILLO [T.L.]
Tre coppie di madri e figlie mettono in scena alcuni brani di
un classico melodramma con Bette Davis, Perdutamente tua.
Ma le battute vengono dimenticate, nessuno sembra avere il
controllo del set. E quello che era cominciato come il tentativo
di capire se film come Perdutamente tua hanno ancora oggi una
rilevanza si trasforma in qualcosa di più personale e confuso.
Dov’è Bette Davis quando davvero c’è bisogno di lei?
«I coccodrilli hanno l’idea giusta. Mangiano i loro figli».
ALLIGATOR TEARS
Three pairs of mothers and daughters act out scenes from the classic
Bette Davis melodrama Now, Voyager. Lines are forgotten, nobody
seems to be in control of the set. What began as an attempt to see
if films like Now, Voyager have any relevance today descends into
something more personal, and more confusing. Where is Bette
Davis when you really need her?
“Alligators have the right idea. They eat their young.”
134
ONDE/
W AV E S
filmografia/filmography
Alligator Tears (cm, 2013).
christoph girardet, matthias müller
CUT
CONTENTS
Germania/Germany, 2013, 13’, video, bn/bw-col.
Christoph Girardet (Langenhagen,
Germania, 1966) ha studiato belle arti
alla Scuola d’arte di Braunschweig.
Dal 1989 realizza videoinstallazioni
e dal 1999 collabora con Matthias
Müller. I suoi lavori sono stati ospitati
al Sigmund Freud Museum di Vienna
e alla Sean Kelly Gallery di New York.
Vive e lavora ad Hannover.
Matthias Müller (Bielefeld, Germania,
1961) ha studiato arte e letteratura
tedesca all’Università di Bielefeld.
Ha insegnato all’Università Johann
Wolfgang Goethe di Francoforte
e dal 2003 è professore di cinema
sperimentale alla Kunsthochschule
für Medien di Colonia. In coppia con
Girardet ha partecipato al Torino Film
Festival negli anni 2002, 2003, 2008
e 2009.
regia, montaggio, suono,
produttori/directors, film
editing, sound, producers
Christoph Girardet,
Matthias Müller
contatti/contacts
Matthias Müller
[email protected]
TAGLIO [T.L.]
Lacerata, ridotta a brandelli, strappata, stracciata, squarciata,
dilaniata. Infetta, bruciata, incancrenita, purulenta. È come appare
la carne umana in novantacinque scene di altrettanti film e serie
televisive: dal classico Narciso Nero (1947) di Emeric Pressburger
e Michael Powell a un insospettabile, e attualissimo, Mad Men.
«Il corpo come una ferita che non guarisce mai».
CUT
Lacerated, torn to pieces, shredded, slashed, mutilated. Infected,
burned, gangrened, purulent. That is how human flesh appears in
ninety-five shots from ninety-five movies and TV series: from
Emeric Pressburger and Michael Powell’s classic drama Black
Narcissus (1947) to an unexpected footage from the popular
show Mad Men.
“The body as a wound that never heals.”
Christoph Girardet (Langenhagen,
Germany, 1966) studied fine arts at the
Braunschweig School of Art. He started
producing video installations in 1989
and started his collaboration with
Matthias Müller in 1999. He exhibited
of his work at institutions such as the
Sigmund Freud Museum in Vienna
and the Sean Kelly Gallery in New York.
He now lives and works in Hannover.
Matthias Müller (Bielefeld, Germany,
1961) studied arts and German
literature at the Bielefeld University.
He has been a guest professor at the
Johann Wolfgang Goethe University
of Frankfurt. He has been teaching
experimental film at the Academy
of Media Arts in Cologne since 2003.
He participated with Girardet at the
Torino Film Festival in 2002, 2003,
2008, and 2009.
filmografia/filmography
Christoph Girardet:
Schwertkampf (cm, 1991), Fieberrot
(cm, 1993), Release (cm, 1997),
Scratch (cm, 2001), Absence (cm,
2002), Nero (cm, 2006).
Matthias Müller:
Home Stories (cm, 1990), Sleepy
Heaven (cm, 1993), Vacancy
(cm, 1998), Phantom (cm, 2001),
Album (cm, 2004).
Christoph Girardet, Matthias Müller:
Manual (cm, 2002), Beacon (cm,
2002), 10 - Uma Série de 4 Curta
Metragens (2002), Play (cm, 2003),
Mirror (cm, 2003), Kristall (cm, 2006),
Contre-jour (cm, 2008), Maybe Siam
(cm, 2009), Meteor (cm, 2013), Cut
(cm, 2013).
135
ONDE/
W AV E S
todd chandler
FLOOD TIDE
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 70’, col.
regia, sceneggiatura,
montaggio, produttore/
director, screenplay,
film editing, producer
Todd Chandler
fotografia/cinematography
Ava Berkofsky
musica/music
Dark Dark Dark
suono/sound
Jeremy Fleishman
interpreti/cast
Nona Marie Invie,
Jonathan Kaiser,
Marshall Lacount,
Pauline Oliveros,
Beth Ahlstrand,
Peggy Gillespie,
Jack Millard,
John Cooley,
Todd Chandler
produzione/production
New York State Council
on the Arts (NYSCA),
Experimental Television
Center, free103pont9,
EMPAC Rensselaer,
Blackbird Media
coproduttore/coproducer
Ava Berkofsky
**
contatti/contacts
Todd Chandler
[email protected]
MAREA CRESCENTE [T.L.]
Un gruppo di artisti e musicisti vive in un piccolo centro dal
passato industriale, alla continua ricerca di lavoro per sopravvivere,
utilizzando l’arte e la musica per costruirsi il proprio piccolo
mondo. Alla morte della loro amica Maya organizzano un viaggio
straordinario, senza sapere di essere accompagnati dal fantasma
di lei. Mentre vanno alla deriva, superando lussuosi complessi
edilizi, vuoti e di recente costruzione, esplorano castelli in rovina, e
nuotano dentro cave iridescenti, Maya racconta una storia parallela
su di un fiume, strano e tortuoso, che scorre in entrambi i versi.
«Nel film risuonano le voci dei componenti del gruppo Dark Dark
Dark, un coro di amici e di personaggi incontrati lungo la strada.
Insieme creano una narrazione calma su temi quali la perdita e
l’eventualità, il fiume e la città, il senso di comunità e l’isolamento,
il magico e l’ordinario».
FLOOD TIDE
A group of artists and musicians living in a small, post-industrial
town chase jobs, struggle with bills, and use art and music to build
their own small worlds. When their friend Maya dies, they set out
on an extraordinary voyage, unknowingly accompanied by her ghostly
presence. While they drift past empty new condo developments, explore
crumbling castles, and swim in iridescent quarries, Maya narrates a
parallel story about a strange and meandering river that flows both
ways.
“The film rings with voices from members of the band Dark Dark Dark,
a chorus of friends, and characters met along the river. Together they
create a quiet narrative of loss and possibility, river and town,
community and isolation, magic and mundane.”
Todd Chandler è un filmmaker e
musicista americano. I suoi film si
estendono oltre lo schermo attraverso
performance, installazioni ed eventi.
Nel 2006 ha contribuito a creare la
Miss Rockaway Armada, un progetto
artistico collettivo di zattere di
grosse dimensioni, dall’aspetto
scultoreo, realizzate con rifiuti
e fatte navigare lungo il Mississippi.
Questa esperienza ha portato
all’organizzazione di altri due progetti
simili, tra cui il Swoon’s Swimming
Cities of Switchback Sea, tenutosi
nel 2008 a New York, lungo l’Hudson
River. Proprio durante questo
viaggio ha girato il suo primo
lungometraggio, Flood Tide, un’opera
di finzione che pone al centro le
zattere degli artisti e il loro viaggio.
Chandler, inoltre, è tra i fondatori dei
Dark Dark Dark, band che si sta
facendo conoscere all’interno della
scena indie americana. Il gruppo
compare nel film e ne ha composto
la colonna sonora.
Todd Chandler is an American
filmmaker and musician. Live
performance, installation, and site
specific events are natural extensions
of his films. In 2006 he helped create
the The Miss Rockaway Armada,
a collective art project that built and
navigated large, sculptural junk rafts
down the Mississippi River. The voyage
led to two more raft projects, including
the artist Swoon’s Swimming Cities of
Switchback Sea, which took place on
the New York’s Hudson River in 2008.
It was on this journey that he shot his
first feature film, Flood Tide, a work
of fiction that uses the rafts and their
journey as a centerpiece. Chandler was
also a founding member of Dark Dark
Dark, one of the emerging bands of the
indie music scene in the United States.
The band stars in the film and performs
the original soundtrack.
filmografia/filmography
The Road Becomes What You
Leave (doc., 2006), Let Them Believe
(cm, 2011), Flood Tide (2013).
136
ONDE/
W AV E S
albert serra
HISTÒRIA DE LA MEVA MORT
CONTENTS
Spagna-Francia/Spain-France, 2013, HD, 148’, col.
regia, sceneggiatura,
montaggio/director,
screenplay, film editing
Albert Serra
fotografia/cinematography
Jimmy Gimferrer
scenografia/
production design
Mihnea Mihailescu,
Sebastan Vogler
musica/music
Joe Robinson,
Enric Juncà,
Ferran Font,
Marc Verdaguer
suono/sound
Joan Pons,
Jordi Ribas
interpreti/cast
Vincenç Altaió,
Clara Visa,
Noelia Rodenas,
Monte Triola,
Eliseu Huertas,
Lluís Serrat
produttori/producers
Thierry Lounas,
Albert Serra,
Montse Triola
produzione/production
Andergraun Films,
Capricci Films
coproduzione/coproduction
Televisio de Catalunya
**
contatti/contacts
Capricci Films
Julien Rejl
[email protected]
www.capricci.fr
STORIA DELLA MIA MORTE [T.L.]
Gli ultimi giorni di Casanova: lasciati i libertinaggi e l’atmosfera
elegante del castello svizzero in cui ha vissuto a lungo, si ritrova,
sperduto e straniato, a vagare tra i paesaggi poveri e tenebrosi
dell’Europa settentrionale. A incombere su di lui, massimo
esponente di un’era ormai tramontata, l’inquietante apparizione
del conte Dracula, la cui misteriosa figura incarna la violenza
e il fascino occulto e notturno dell’epoca che si sta aprendo.
«Dato che non sono troppo interessato dalla figura di Dracula,
ho pensato che probabilmente, combinandola con un linguaggio
figurativo più vicino alla mia sensibilità, il film avrebbe assunto per
me un maggiore significato. Così ho contaminato l’idea iniziale
con Casanova, il cui universo mi è più familiare. Allora ho capito
quanto potesse essere interessante realizzare un film sulla notte e
sulla transizione dai lumi e dalla sensualità del diciottesimo secolo
all’oscurità, alla violenza e alla sessualità del diciannovesimo
e del Romanticismo».
STORY OF MY DEATH
Casanova’s last days: the debauchery and the elegant atmosphere of
the Swiss chateau where he used to live are now behind him, as he
finds himself lost and alienated, wandering through the sparse and eerie
countryside of northern Europe. A disquieting presence is looming over
this leading figure of a faded time: the apparition of Count Dracula,
whose mysterious figure embodies the violence and the occult and
nocturnal fascination of the era about to begin.
“As I’m not really interested in the theme of Dracula, I decided that
perhaps merged with imagery I was closer to, the film would make
more sense to me. I decided to cross the initial idea with Casanova,
whose universe I was far more familiar with. And I realised how
interesting it could be to make a film about night, and the transition
from the lightness and sensuality of the 18 century to the darkness,
violence, and sexuality of the 19 century, of Romanticism.”
TH
TH
137
ONDE/
W AV E S
Albert Serra (Banyoles, Spagna, 1975)
ha studiato storia dell’arte e si è
laureato in letteratura spagnola e
letteratura comparata. Ha esordito
con il cortometraggio Crespìa, the Film
Not the Village (2003) e con il primo
lungometraggio Honor de cavalleria
(2006), revisione intellettuale e
minimalista del Don Chisciotte, ha
partecipato alla Quinzaine des
réalisateurs di Cannes e vinto la 24ª
edizione del Torino Film Festival, a
cui ha partecipato una seconda volta
nel 2008 con El cant dels ocells, nuova
riflessione sui miti e le leggende della
cultura occidentale, in questo caso il
viaggio dei Re Magi. Con i successivi,
sperimentali Els nome de Crist (2010)
e El senior ha fet en mi meravelles
(2011), presentati entrambi a Locarno,
Serra si è avvicinato al mondo della
videoarte, arrivando nella primavera
del 2013 a ottenere una personale al
Centre Pompidou di Parigi, in
occasione della quale ha presentato
il cortometraggio Cuba libre.
Albert Serra (Banyoles, Spain, 1975)
studied art history and graduated in
Spanish literature and compared
literature. He started off with the short
film Crespìa, the Film Not the Village
(2003); his first feature film was
Quixotic/Honor de Cavalleria (2006),
an intellectual and minimalist revision
of Don Quixote, which participated to
the Quinzaine des réalisateurs in Cannes
and won the 24 edition of the Torino
Film Festival. He also participated to the
TFF in 2008 with Birdsong - El cant
dels ocells, a reflection on the myths
and legends of Western culture and,
specifically, the journey of the Three
Kings. His following movies, both
presented in Locarno, were more
experimental: Els nome de Crist (2010)
and El senior ha fet en mi meravelles
(2011); with them Serra got closer to the
world of video art, earning a solo
exhibition the Centre Pompidou
in the spring of 2013, during which he
presented the short Cuba Libre.
TH
filmografia/filmography
Crespìa, the Film Not the Village
(cm, 2003), Honor de cavalleria
(2006), El cant dels ocells (2008), L’alto
arrigo (cm, 2008), Bauca (cm, 2009),
Lectura d’un poema (cm, 2009), El
senior ha fet en mi meravelles (2011),
Els nome de Crist (2011), Cuba libre
(cm, 2013), Història de la meva mort
(2013).
tonino de bernardi
HOTEL DE L’UNIVERS
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 110’, col.
regia, sceneggiatura,
fotografia, produttore/
director, screenplay,
cinematography, producer
Tonino De Bernardi
montaggio/film editing
Maicol Casale
interpreti/cast
Joana Preiss,
Lou Castel,
Joana Curvo,
Enrica Brizi,
Giulietta De Bernardi,
Joel Brisse,
Remy Heritier,
Olivia Contini,
Serge Nicolai,
Fulvio Baglivi,
Enrico Ghezzi
produzione/production
Lontane Province Film
**
contatti/contacts
Tonino De Bernardi
[email protected]
HOTEL DE L’UNIVERS
«Perché l’hai uccisa?» ripete Lou a Philippe. Continua la
vita-odissea di Joana, come una Moll Flanders dei nostri giorni,
che si sposta in tempi e luoghi diversi, come stazioni di una via
crucis personale, e sbalzi del presente. Da Parigi a Roma, fino a
San Paolo. Il corpo ha perso ogni valore, se non quello economico.
«Non c’è mai vera fine tra un mio film e il successivo. Hotel de
l’Univers continua Casa dolce casa (2012), ma vuole essere anche
diverso (altrimenti perché farlo?). È la trilogia ideale “degli uomini
e delle donne cosiddette perdute” ovvero delle donne e degli
uomini perduti. Prostituzione e corpo mercificato sono la cifra
simbolica del mondo odierno, e richiamano Il capitale di Marx.
È più che mai per me una ricerca, e non nel senso di cinema di
ricerca, ma di cinema che interroga il nostro vivere. Prologo e
cinque percorsi “Da casa verso”, più o meno percorsi d’iniziazione
in canto e musica. Tutti nel film vanno e ognuno rivela qualcosa
di diverso, mentre traccia la sua linea. Donne e uomini si
contrappongono, idealmente vittima e carnefice».
HOTEL DE L’UNIVERS
“Why did you kill her?” Lou asks Philippe again. The life-odyssey of
Joana, a modern-day Moll Flanders, continues as she moves through
different times and places, like the stations of a personal via crucis,
with occasional leaps into the present. From Paris to Rome and on
to São Paulo. The body has lost every value, except the economic one.
“There is never a real break between one of my films and the next one.
Hotel de l’Univers continues Casa dolce casa (2012), but it is also
different (otherwise, why make it?). It is the ideal trilogy ‘of so-called
lost men and women,’ or rather, of women and of men who are lost.
Prostitution and the commercialized body are the symbols of today’s
world, and recall Marx’s Das Kapital. More than ever, it is an
investigation for me, not in the sense of investigative cinema, but of
cinema that questions our lifestyles. A prologue and five paths ‘from
home toward,’ more or less paths of initiation in singing and music.
Everyone in the movie is going somewhere and they all reveal
something different, as they trace their path. Women and men
oppose each other, ideally victims and executioners.”
138
ONDE/
W AV E S
Tonino De Bernardi (Chivasso, Torino,
Italia, 1937) ha esordito realizzando
con il pittore Paolo Menzio Il mostro
verde nel 1967 ed è stato autore
underground fino ai primi anni
Ottanta. Ha insegnato lettere alle
scuole medie fino al 1992 e ha
lavorato con tutti i tipi di supporto
compreso il digitale. È stato alla
Mostra di Venezia nel 1999, in
concorso, con Appassionate e, nel
2007, a Orizzonti, con Médée Miracle.
Con Pane/Piazza delle camelie ha
partecipato ai festival di Rotterdam
e Torino, dove ha anche presentato
Butterfly - L’attesa. Con Ed è così. Circa.
Più o meno ha invece preso parte al
concorso Italiana.doc del 29° Torino
Film Festival e l’anno successivo ha
presentato Casa dolce casa.
Tonino De Bernardi (Chivasso, Turin,
Italy, 1937) debuted with Il mostro
verde, which he made with the artist
Paolo Menzio in 1967. He was an
underground filmmaker until the early
1980s. He taught literature at a middle
school until 1992. He has worked with
every type of film and video, including
digital. He has competed at Venice, in
1999 with Appassionate and in 2007
with Medea Miracle, in the Orizzonti
section; in 2008 his film Pane/Piazza
delle camelie participated at the film
festivals of Rotterdam and Turin, at
which he also presented Butterfly L’attesa. With Ed è così. Circa. Più
o meno (2011) he was in the Italian
documentary competition at the 29
Torino Film Festival; and the following
year with Casa dolce casa.
TH
filmografia essenziale/
essential filmography
Dei (1968-1969), Il quadrato (19711972), Il rapporto coniugal parentale
(1973-1976), L’io e le aggregazioni
(1977-1979), Donne (1980-1982),
Piccoli orrori (1994), Fiori del destino
(1997), Appassionate (1999), Rosatigre
(2000), La strada nel bosco (2001),
Farelavita (2001), Lei (2002), Le
cinéma dans tous ses états (ep. Terra,
cm, 2002), Serva e padrona (2003),
Latitudini (2003), Marlene de Sousa
(2004), Passato presente (2005),
Accoltellati (Accoltellatori) (2006),
Médée Miracle (2007), Pane/Piazza
delle camelie (2008), Butterfly - L’attesa
(2010), Ed è così. Circa. Più o meno
(2011), Iolanda, tra bimba e corsara
(2012), Casa dolce casa (2012), Hotel
de l’Univers (2013).
melissa dullius, gustavo jahn
IN THE TRAVELER’S HEART
CONTENTS
Lituania-Germania-Brasile/Lithuania-Germany-Brazil,
2013, 16mm, 20’, col., muto/silent
regia, sceneggiatura,
fotografia,
montaggio, interpreti/
directors, screenplay,
cinematography,
film editing, cast
Melissa Dullius,
Gustavo Jahn
produzione/production
Distruktur
**
contatti/contacts
Melissa Dullius,
Gustavo Jahn
Tel: +49 30 439 170 84
[email protected]
www.distruktur.com
NEL CUORE DEL VIAGGIATORE [T.L.]
L’inverno avvolge ogni cosa mentre il Viaggiatore attraversa
a piedi un paesaggio antico. In questo luogo c’è un’altra presenza,
qualcuno di molto simile a lui. Il Viaggiatore riconoscerà questa
figura che condivide il suo stesso spazio? È un angelo custode
o un demone?
«Il protagonista di In the Traveler’s Heart, il Viaggiatore, rappresenta
un’immagine di autosufficienza e coraggio, ma al tempo stesso
anche di grande ingenuità. Il Viaggiatore porta con sé tutto ciò di
cui necessita, come fosse un ronin, un samurai senza un signore.
D’altro canto si sente come perseguitato dalla solitudine e dalla
natura selvaggia che lo circonda».
IN THE TRAVELER’S HEART
The winter reigns as the Traveler crosses by feet an ancient landscape.
In this place there’s also another presence, someone who’s very similar
to the Traveler. Does the Traveler realise this figure that cohabits the
same space as him? Is the other a guardian angel or a devil?
“The protagonist from In the Traveler’s Heart, the Traveler, represents
an image of self-sufficiency and bravery, but at the same time of great
ingenuousness. The Traveler carries with him everything he needs, like
a ronin – a samurai without a master. On the other hand he is
haunted by solitude and the wild nature.”
139
ONDE/
W AV E S
Melissa Dullius e Gustavo Jahn
sono due registi e artisti brasiliani
che vivono a Berlino e operano
sotto il nome Distruktur. Tra i film
da loro realizzati, il cortometraggio
Triangulum (2008), presentato al
Forum Expanded della Berlinale
e in seguito a Torino, e il
mediometraggio Cat Effekt (2011),
girato a Mosca e presentato
con successo nei festival di tutto
il mondo. In the Traveler’s Heart
è stato realizzato in Lituania durante
una residenza artistica presso la
Nida Art Colony.
Melissa Dullius and Gustavo Jahn
are two Brazilian directors and artists
who live in Berlin and work under the
name Distruktur. One of their films,
the short Triangulum (2008), was
presented at the Forum Expanded at
the Berlinale and later in Torino Film
Festival. Their medium-length film
Cat Effekt (2011) was shot in Moscow
and was successfully presented
at festivals throughout the world.
In the Traveler’s Heart was made
in Lithuania during an artistic
residency at the Nida Art Colony.
filmografia/filmography
Éternau (cm, 2006), Triangulum
(cm, 2008), Don’t Look Back/
Labirinto (cm, 2009-2012), Cat Effekt
(mm, 2011), In the Traveler’s Heart
(cm, 2013).
giuseppe boccassini
LEZUO
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, MiniDV-Super8-35mm, 17’, bn/bw-col.
regia, fotografia,
montaggio,
suono, produttore/
director, cinematography,
film editing,
sound, producer
Giuseppe Boccassini
**
contatti/contacts
Giuseppe Boccassini
[email protected]
LEZUO
Nel 1843 Andrea Lezuo, intagliatore nativo di Arabba, comune
delle Dolomiti, parte per «la Merica» a bordo della nave Ehon.
Attraverso un collage analogico di materiali audiovisivi eterogenei,
ripercorrendo l’esperienza iniziatica del suo protagonista, il film
cerca di restituire alla realtà del viaggio la sua fisicità.
«Rispetto al mondo contemporaneo, l’immaginazione dell’epoca
era svincolata dalla potenza dei mezzi meccanici di riproduzione,
rappresentati dalla fotografia, valorizzata esclusivamente nel
suo scarto oggettivizzante a discapito delle altre arti. Il cinema,
nonostante i suoi precursori, per potersi affermare non aveva
ancora raggiunto l’ultimo tassello per la perfetta mimesi meccanica
dell’uomo con il reale: il movimento. Lo farà di lì a poco. In qualche
modo il film cerca di ritrovare questa dimensione visiva incerta,
traballante e allo stesso tempo occulta, misteriosa, viva, ormai
perduta, attraverso una proposta estetica che si realizza
nella commistione tra forma e non forma, tra il conoscibile
e l’irriconoscibile, tra la realtà e l’immaginazione».
LEZUO
In 1843, Andrea Lezuo, a woodcarver born in Arabba, a town in the
Dolomites, leaves for “la Merica” onboard the ship Ehon. Through
an anthological collage of heterogeneous audiovisual material, the
film portrays the physicality of the voyage, as it traces an experience
that is a sort of initiation.
“Compared to the contemporary world, the imagination of that era
was less bound by the power of mechanical methods of reproduction,
represented by photography, valorized exclusively in its objectifying
deviation to the detriment of the other arts. Despite its precursors,
cinema, in its path toward affirmation, had not yet achieved the final
step for the perfect, realistic, mechanical imitation of man: movement.
It would soon do so. In a certain sense, the film tries to relocate that
visual dimension which is uncertain, shaky, and at the same time
occult, mysterious, alive, and now lost, through a proposed aesthetic
that comes about through the mixture of form and non-form, of the
knowable and the unrecognizable, of reality and the imagination.”
140
ONDE/
W AV E S
Giuseppe Boccassini (Terlizzi, Bari,
Italia, 1979) laureato in teoria del
cinema al Dams di Bologna con
una tesi su Elio Petri, ha poi
conseguito una laurea in regia
cinematografica presso la Nuova
università del cinema e della
televisione, con sede a Cinecittà e
ad Alicante. Ha lavorato come regista,
direttore della fotografia e montatore
per il cinema e per la televisione a
Madrid, ed è cofondatore del Gruppo
Farfa, progetto cinematografico ed
educativo sviluppato in Puglia. I suoi
lavori hanno partecipato a numerosi
festival internazionali.
Giuseppe Boccassini (Terlizzi, Bari,
Italy, 1979) graduated in film theory
from the DAMS in Bologna with a
thesis on Elio Petri. He then received
a degree in film directing from the
Nuova università del cinema e della
televisione, with campuses at Cinecittà,
in Rome, and Alicante. He has worked
as a director, cinematographer and
editor for film and television in Madrid,
and is one of the co-founders of the
Gruppo Farfa, a cinematographic and
educational project developed in Puglia.
His works premiered at numerous
international festivals.
filmografia/filmography
La giostra (cm, 2005), La poesia
e il carnevale (cm, 2005), Farfa
(cm, 2005), Berlin (cm, 2006),
Anacromorfosi (cm, 2006), The Yo
Yo Man (cm, 2007), Panico
companatico (cm, 2009), Specularità
in negativo (cm, 2010), Eidola (cm,
2010), 0 (cm, 2010-11), BO #00001
(cm, 2011), BO #00002 (cm, 2011),
Osceno (cm, 2012), Lezuo (cm, 2013).
michalis konstantatos
LUTON
CONTENTS
Grecia/Greece, 2013, HD, 93’, col.
regia/director
Michalis Konstantatos
sceneggiatura/screenplay
Michalis Konstantatos,
Stelios Likouresis
fotografia/cinematography
Yiannis Fotou
montaggio/film editing
Yorgos Mavropsaridis
scenografia/
production design
Kiki Pitta
costumi/costume design
Lita Kokkonari
suono/sound
Leandros Ntounis
interpreti/cast
Nicholas Vlachakis,
Eleftheria Komi,
Christos Sapountzis
produttore/producer
Yorgos Tsourgiannis
produzione/production
Horsefly
coproduttore/coproducer
Fabian Massah
coproduzione/coproduction
Faliro House Productions,
Greek Film Centre,
Hellenic Broadcasting
Corporation,
Arctos Broadcast Facilities,
2l35 Two Thirty Five,
Endorphine Production,
Costas Varybopiotis,
Yiannis Fotou
**
contatti/contacts
Pascale Ramonda
[email protected]
Michalis Konstantatos (Atene, Grecia,
1977) ha studiato regia alla Scuola
ellenica di cinema e televisione
Stavrakos, sociologia all’università e
ha ottenuto un master in architettura.
Dal 2002 ha diretto cortometraggi,
video musicali e film sperimentali.
Cofondatore e direttore della
compagnia teatrale Punto cieco,
ha messo in scena commedie teatrali
e realizzato installazioni all’interno
di spazi pubblici e scritto e diretto
due cortometraggi premiati in diversi
festival internazionali. Luton è il suo
primo lungometraggio.
LUTON
Quando i giorni si ripetono scanditi da azioni sempre uguali
(sistemare la merce sugli scaffali, andare a scuola, gironzolare
in un centro commerciale dopo una giornata di lavoro), è difficile
pensare che le cose potrebbero andare diversamente. Ed è così
per Makis, proprietario di un negozietto che vende un po’ di tutto,
per Jimmy, che frequenta un istituto superiore privato, e per Maria,
un’avvocato sulla trentina. Ma le vite delle persone, anche quelle
più insignificanti, nascondono sempre qualcosa.
«Osservando la vita quotidiana di varie persone che mi stanno
intorno, ho cominciato a notare che tendono a condurre esistenze
progressivamente sempre più statiche; vite che li opprimono
e danno luogo a comportamenti patogeni. Al tempo stesso,
le esplosioni di violenza e di comportamenti illeciti diventano
frequenti ovunque e la maggior parte delle volte nascono senza
un episodio scatenante da persone insospettabili».
LUTON
When the days repeat themselves in patterned moments and recurring
actions (placing the merchandise on shelves, going to school, wandering
around a shopping mall after a day of work), it is difficult to think that
things could be different. And that’s how it is for Makis (the owner of
a small shop that sells a little bit of everything), Jimmy (who goes to
a private school), and Maria (a lawyer in her thirties). But people’s
lives, even the most insignificant, always hide something.
“By looking at various people around me and their everyday life,
I began noticing that more and more they tend to lead increasingly
fixed lives. Lives that suppress them and give rise to certain pathogenic
behaviours. At the same time various outbursts of violence and illicit
behaviour become more and more frequent everywhere. Most of the
times these are unprovoked and come from people that no one would
expect to.”
141
ONDE/
W AV E S
Michalis Konstantatos (Athenes,
Greece, 1977) studied directing at the
Hellenic Cinema & Television School
Stavrakos, sociology at university, and
has a master’s degree in architecture.
He has been directing since 2002,
making music videos and experimental
movies. He co-founded and directs the
theater company Punto Cieco, putting
on stage comedies and making
installations inside public places.
He wrote and directed two short films,
which won awards in several
international film festivals.
Luton is his first feature film.
filmografia/filmography
Only for Ever (cm, 2003), Two Times
Now (cm, 2007), Luton (2013).
danielle lessovitz
NEON HEARTACHE
CONTENTS
Usa, 2013, HD, 9’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Danielle Lessovitz
fotografia/cinematography
Chananun Chrotrungroj
scenografia/
production design
Lindsey Martin
suono/sound
David Grinbaum
interpreti e personaggi/
cast and characters
Eden Einhorn (Eden),
Sean Dibona (Luke),
Madeline McMurphy
(la vicina/neighbor)
produttori/producers
Jess Fuerst,
Danielle Lessovitz
**
contatti/contacts
Danielle Lessovitz
[email protected]
www.daniellelessovitz.com
MAL DI CUORE AL NEON [T.L.]
Quando suo fratello maggiore esce, Eden resta a casa da sola.
È un po’ annoiata, e così la tentazione di frugare tra le cose del
fratello si fa irresistibile: in fondo lei sa bene cosa cercare. Quando
Sean torna a casa, la trova vestita con la sua divisa da lottatore
mentre balla insieme a una ragazzina un po’ goffa, loro vicina
di casa. I due fratelli si rincorrono, lui cerca di toglierle l’elmetto,
lei scalcia, lui la immobilizza, un po’ per finta, un po’ per davvero;
lei ride e lui le sta sopra in un gioco che ha qualcosa di
improvvisamente adulto.
«L’inevitabilità dell’età adulta mi ricorda la presenza inquietante
della centrale elettrica che sovrastava gli scenari della mia infanzia.
Nel film ho cercato di documentare i primi momenti di questo
passaggio inevitabile, ponendo l’attenzione su quelle situazioni
in cui i personaggi scoprono per la prima volta se stessi come
persone dotate di un genere d’appartenenza e una sessualità,
con tutte complicazione che ne derivano».
NEON HEARTHACHE
Eden is left at home alone when her older brother goes out. She is a
bit bored and the temptation to rummage among her brother’s things
becomes irresistible: after all, she knows what she’s searching for. When
Sean returns home, he finds her dressed in his wrestling uniform as she
dances with a rather awkward girl, their next-door-neighbor. He chases
her and tries to take his helmet back, she kicks him, he pins her, partly
in play and partly for real. She laughs and he’s on top of her in a game
that suddenly has something adult about it.
“For me, the inevitability of adult life felt very much like the ominous
power plant towering in the background of my childhood. In the film,
I try to document the very first moments of this inevitability by focusing
on the moments in which my characters become aware of each other
as gendered, sexual beings and all of the complexity it implies for the,
first time.”
142
ONDE/
W AV E S
Danielle Lessovitz (Kansas City,
Kansas, Usa) si è laureata con
una specializzazione in cinema
documentario e sound design per
installazioni presso la Tisch
School of the Arts di New York,
ed è attualmente borsista nello
stesso istituto. Nel 2009 ha diretto
il suo primo cortometraggio,
Batteries, proiettato ai festival
di Filadelfia e di Tallgrass, in Kansas.
Il suo terzo cortometraggio, The
Earthquake (2012), è stato
presentato al 30° Torino Film Festival
e ha ricevuto il New Filmmaker Award
dalla Jewish Film Society di Filadelfia
e il premio Best Heartland Short
al festival di Kansas City.
Danielle Lessovitz (Kansas City, KS,
USA) graduated with a major in
documentary film and sound design
for installation and now has a
scholarship at the Tisch School of the
Arts in New York to study directing.
In 2009, she directed her first short,
Batteries, which was screened at the
film festivals in Philadelphia and
Tallgrass, Kansas. Her third short,
The Earthquake, has been screened
at 30 Torino Film Festival, and has
received a New Filmmaker Award
from the Philadelphia Jewish Film
Society and Best Heartland Short
at the Kansas City Film Festival.
TH
filmografia/filmography
Batteries (cm, 2009), Father, Son, Bull
(cm, doc., 2011), The Earthquake (cm,
2012), The Anatomy of Injury (cm,
2013), Neon Heartache (cm, 2013).
leonardo brzezicki
NOCHE
CONTENTS
Argentina, 2013, HD, 85’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Leonardo Brzezicki
fotografia/cinematography
Max Ruggeri
montaggio/film editing
Filip Gsella
scenografia/
production design
Alexis Dos Santos
musica/music
Ismael Pinkler
suono/sound
Leandro de Loredo
interpreti/cast
Flavia Noguera,
Jair Jesus Toledo,
Maria Soldi,
Nadyne Sandrone,
Gaston Re,
Julian Tello,
Pablo Matias Vega
produttori/producers
Leonardo Brzezicki,
Ginevra Elkann
produzione/production
Rewind My Future,
Asmara Films
**
contatti/contacts
Asmara Films
Francesca Zanza
Tel: +39 06 321 19 60
[email protected]
NOTTE [T.L.]
Una grande casa colonica in un paesaggio subtropicale, sei
ventenni che tornano nel posto in cui il loro amico Miguel ha
trascorso gli ultimi giorni di vita prima di suicidarsi. Vogliono
inscatolare e raccogliere tutto ciò che l’amico ha lasciato dietro
di sé: piatti audio ancora attaccati alle casse, cavi che giacciono
sul pavimento, vestiti e oggetti sparsi qui e là. Miguel registrava
ossessivamente i suoni della natura e i suoi discorsi solitari,
e quelle registrazioni ora riecheggiano ovunque nella casa e
all’esterno, attraverso altoparlanti che confondono i piani della
percezione, tra un prima e un dopo, tra la notte e il giorno e tra
la vita e la morte.
«Ho voluto fare un film molto interiore, in cui scandagliare aspetti
sensuali e fisici più che psicologici, aspetti in cui i sensi fossero
l’elemento centrale, in cui la struttura narrativa favorisse
associazioni poetiche piuttosto che una narrazione diretta.
Ho intrapreso un viaggio rarefatto, soggettivo e ambiguo, che
non ammette interpretazioni univoche».
www.asmarafilms.com
NIGHT
A large colonial house in a subtropical landscape. A group of six
twenty-year olds returns to the place where their friend Miguel spent
his last few days before committing suicide. They want to box his
things up and collect everything their friend left behind: audio disks still
connected to the speakers, cables on the floor, clothes and objects
scattered here and there. Miguel obsessively recorded the sounds
of nature and his lonely conversations. Now those recordings echo
everywhere, inside the house and outside, through speakers that
muddle the fields of perception, between a before and after, between
night and day, and between life and death.
“I think I wanted to make a very internal film, to look into the sensual
and physical aspects rather than the psychological, in which senses
become the most important element, where the narrative structure
favours poetic associations rather than straightforward storytelling.
I wanted to get into a rarified journey, subjective and ambiguous,
which cannot admit single interpretations.”
143
ONDE/
W AV E S
Leonardo Brzezicki (Argentina, 1978)
ha studiato regia cinematografica
presso l’Università di Buenos Aires
e recitazione con il regista teatrale
Ricardo Bartis. Ha diretto numerosi
cortometraggi, tra cui la commedia
Con vos contar corderitos (2002),
premiata al Latin American Short Film
Festival di Rosario. Con il successivo
cortometraggio Tokyo Tonight (2005)
è entrato in lizza per aggiudicarsi la
residenza artistica Le Pavillion presso
il Palais de Tokyo di Parigi, mentre
come attore è apparso in svariate
produzioni indipendenti, tra cui
Unmade Beds (2009) di Alexis Dos
Santos. Noche è il suo primo
lungometraggio.
Leonardo Brzezicki (Argentina, 1978)
studied Film at the University of Buenos
Aires, and trained as an actor with
theatre director Ricardo Bartis. He has
directed several short films: with You
Counting Lambs (2002), a comedy,
won first prize at the Latin American
Short Film Festival in Rosario. He was
pre-selected for Le Pavillion, the artist’s
residence at Palais de Tokyo in Paris,
with his short Tokyo Tonight (2005).
As an actor he has appeared in several
independent productions, for example
in Unmade Beds (2009) by Alexis Dos
Santos. Night is his first feature film.
filmografia/filmography
Stand By (cm, 2001), Con vos contar
corderitos (cm, 2002), Tokyo Tonight
(cm, 2005), Noche (2013).
manuel alejandro salas
PISA
CONTENTS
Cile/Chile, 2013, 16mm, 8’, bn/bw
Manuel Alejandro Salas (Ecuador)
ha iniziato a filmare a diciassette anni
e ha sviluppato nel tempo una poetica
influenzata dall’espressionismo
tedesco e dal surrealismo. Ha lavorato
nella sede di New York dello studio
di effetti speciali The Mill, e
attualmente è uno studente di
cinema e televisione al Savannah
College of Art and Design, in Georgia.
regia, fotografia,
montaggio, produttore/
director, cinematography,
film editing, producer
Manuel Alejandro Salas
interpreti/cast
Manuel Alejandro Salas,
Christian Hernandez
**
contatti/contacts
Manuel Alejandro Salas
[email protected]
PISA
Franz è uno sciamano che si incolpa per la morte della moglie.
Trascorre le giornate chiuso in casa lottando contro l’idea di
uccidersi per amore. Imparando dai suoi stessi metodi di
insegnamento, cerca di cambiare il suo essere, sia esternamente
sia nella dimensione interiore. Franz intraprende un viaggio
spirituale in cui dovrà superare la paura di lasciarsi andare.
«Franz è uno sciamano che per lavoro cura l’anima delle persone,
ma non sa curare se stesso dai ricordi dolorosi della moglie
perduta da tempo».
PISA
Franz is a shaman who blames himself for the death of his wife.
He spends his days locked in his house fighting the thoughts of killing
himself for love. Learning from his own teaching methods, he tries
to change his internal and external self. Franz embarks in a spiritual
journey where he will have to overcome his fear of letting go.
“Franz is a shaman who cures people’s souls for a living, but he can’t
cure himself from the troubling memories of his long gone wife.”
144
ONDE/
W AV E S
Manuel Alejandro Salas (Ecuador)
started shooting films when he was
seventeen. His poetics developed over
time, influenced by German
expressionism and surrealism.
He worked in the New York office
of the special effects company The Mill,
and he is currently studying cinema and
television at the Savannah College
of Art and Design, in Georgia (USA).
filmografia/filmography
Hold the Old and the Bulldog’s Dream
(cm, 2009), A Velvet Hedrons (cm,
2010), Al viento (cm, 2012), Pisa
(cm, 2013).
atsushi shinohara
SCENERIES OF NEW BEGINNINGS
CONTENTS
Giappone/Japan, 2013, HD, 73’, col.
regia, sceneggiatura,
produttore/director,
screenplay, producer
Atsushi Shinohara
fotografia/cinematography
Masaaki Yokoyama
montaggio/film editing
Atsushi Shinohara,
Shingo Arakawa
musica/music
Miwako Yamane
suono/sound
Chinsui Son
interpreti/cast
Sou Hirosawa,
Atsushi Shinohara,
Koji Mitsumizo,
Tateto Serizawa
**
contatti/contacts
Atsushi Shinohara
[email protected]
Atsushi Shinohara (Fukuoka,
Giappone, 1983), nato nella prefettura
di Fukuoka e cresciuto a Nagasaki, ha
lavorato come attore con Yoshikatsu
Kimura in Karate Girl (2011), con
Shuichi Okita in A Story of Yonosuke
(2012) e con Ryosuke Hashiguchi in
Zen Tai (2013). Sceneries of New
Beginnings, primo tassello di una serie
di lavori a venire, segna il suo esordio
come regista.
SCENARI DI NUOVI INIZI [T.L.]
Keinosuke non è mai stato sereno, neppure quando era bambino.
Viene colto da improvvisi e devastanti attacchi di depressione che
gli impediscono qualsiasi reazione o slancio di positività. Quando
incontra Jun, che ha vissuto le difficoltà psicologiche dell’abbandono
dei genitori, sente di poter costruire un rapporto d’amore basato sulla
reciproca comprensione e, per la prima volta in vita sua, perfino una
famiglia. Ma spesso la volontà non basta.
«A volte un dolore sconosciuto assale nella notte. Un’oscurità
schiacciante cresce poco a poco nel cuore di un uomo, mentre
una donna si spende per stargli vicino nonostante non ne capisca
la sofferenza. Nel film il pubblico si confronta costantemente con
l’isolamento di queste due persone, con il loro legame psicologico,
con la loro ostinazione, attraverso l’utilizzo di immagini ripetitive
riprese da angolazioni fisse che vogliono illustrare l’eccezionale amore
che quest’uomo e questa donna condividono. La storia si muove sul
confine tra realtà e fantasia, chiedendo allo spettatore cosa sia reale».
SCENERIES OF NEW BEGINNINGS
Keinosuke has never been tranquil, not even as a child. He suffers from
sudden and devastating attacks of depression, which block any reaction
or positive impulse of his. When he meets Jun, who experienced
psychological pain when she was abandoned by her parents, he feels that
he can construct a loving relationship based on reciprocal understanding
and, for the first time in his life, even a family. But often just wanting
something isn’t enough.
“Sometimes in life, an unknown suffering attacks overnight.
An overwhelming darkness gradually grows in a man’s heart as a woman
dedicates herself to supporting him even though she doesn’t understand
his suffering. The audience is constantly confronted with their isolation in
life, their psychological connection, and their stubbornness using repetitive
imagery, which I fixed from angles to illustrate the tremendous love this
man and woman share. The story dances on the line of reality and fantasy,
asking the audience what is real.”
145
ONDE/
W AV E S
Atsushi Shinohara (Fukuoka, Japan,
1983) was born in Fukuoka and grew
up in Nagasaki. He has worked as an
actor with Yoshikatsu Kimura in Karate
Girl (2011), with Shuichi Okita in
A Story of Yonosuke (2012), and with
Ryosuke Hashiguchi in Zen Tai (2013).
Sceneries of New Beginnings, the first
installment of a series of upcoming
works, marks his debut as a director.
filmografia/filmography
Sceneries of New Beginnings (2013).
tito molina
SILENCIO EN LA TIERRA DE LOS SUEÑOS
CONTENTS
Ecuador, 2013, HD, 94’, col.
regia, fotografia,
montaggio/
director, cinematography,
film editing
Tito Molina
sceneggiatura/screenplay
Tito Molina,
Ana-Felicia Scutelnicu
scenografia/
production design
Miguel Salazar
suono/sound
Estebanoise Brauer
interpreti e personaggi/
cast and characters
Bertha Naranjo
(la donna/woman),
Ney Moreira, Martín
Rodríguez, Yeliber Mero
(i musicisti/musicians),
Cokie (il cane/dog)
produttori/producers
Miguel Salazar,
Jonas Weydemann,
Jakob D. Weydemann
produzione/production
La Facultad S.A.,
Weydemann Bros.
**
contatti/contacts
La Facultad
Isabel Carrasco
Tel: +593 042 136 413
[email protected]
www.lafacultad.com
SILENZIO NELLA TERRA DEI SOGNI [T.L.]
Una donna anziana vive sola: a farle compagnia un cane con la
testa nera, che sorveglia la casa e i movimenti sempre uguali della
padrona. Ogni tanto la donna e l’animale escono per fare lunghe
camminate sulla spiaggia, in riva all’oceano. Ad andatura lenta e
solenne, ogni passeggiata è un nuovo inizio, ogni ritorno la
conferma di una vita vissuta.
«Come il lettore di una poesia, lo spettatore di un film è trasportato
in un mondo che sta al di là del tramite che lo veicola: le parole
nel caso della poesia, le immagini e i suoni per quel che riguarda
il cinema. La storia che prende forma nell’intimo di uno spettatore
non è la stessa proiettata sullo schermo; nasce da essa, ma finisce
in un luogo diverso e lontano. E il mondo che lo spettatore scopre
al di là del film non si può descrivere a parole, è un luogo
inenarrabile di cui, come nella poesia, non si può trasmettere
l’esperienza. In questo luogo interiore la storia è raccontata da
silenzi e da immagini che vanno al di là della realtà e aprono le
porte di un mondo onirico, che potremmo chiamare la terra dei
sogni».
SILENCE IN DREAMLAND
An elderly woman lives alone. A black-head dog keeps her company
and watches over the house and the repetitive movements of the
woman. Every so often, she and the dog go out for long walks along
the beach. Her pace is slow, each walk is a new beginning, and each
homecoming is a confirmation of a life that has been lived.
“As the poem reader, the audience of a movie is transported to a world
beyond the means of the message; the words in the case of the poem,
and the images and sound in the case of movies. The story projected
inside the audience is not the same projected in the screen; it is born
there, but ends up in a special and distant place. The world the
audience discovers behind a movie cannot be described with words.
It is an inexpressible place and the experience lived there is equally
impossible to transmit, just like with the poem. In that interior place
the story is told through silence and images that go beyond reality and
open the door to a dream world, a place we could call the land of
dreams.”
146
ONDE/
W AV E S
Tito Molina (Ecuador) ha partecipato
nel 1999 con il suo primo
cortometraggio Trailer2 alla
retrospettiva sul nuovo cinema
ecuadoregno di New York, al Festival
di Barcellona e a quello di cinema
latino di Chicago. Ha poi fatto parte
della troupe di produzioni americane
come Rapimento e riscatto (2000) di
Taylor Hackford e Danza di sangue Dancer Upstairs (2002) di John
Malkovich e nel frattempo si è
trasferito a Barcellona per studiare
regia. Con il corto El niño y el mar
(2007) ha vinto il gran premio
del cinema spagnolo al Festival di
Bilbao e nel 2008 ha esordito nel
lungometraggio con Por qué mueren
los castaños. Silencio en la tierra de
los sueños, sviluppato all’interno
del programma Berlinale Talents,
è il suo secondo lungometraggio.
Tito Molina (Ecuador) participated
in 1999 with his first short, Trailer2,
at the retrospective on new Ecuadorian
cinema in New York, at the Barcelona
Film Festival, and at the Chicago Latino
Film Festival. He then was on the crews
of American productions such as Proof
of Life (2000) by Taylor Hackford and
The Dancer Upstairs (2002) by John
Malkovich. In the meantime, he moved
to Barcelona to study directing. His
short El niño y el mar (2007) won the
Grand Prize for Spanish Films at the
film festival in Bilbao, and in 2008 he
debuted in feature films with Por qué
mueren los castaños. Silencio en
la tierra de los sueños, developed
during Berlinale Talents program,
is his second feature film.
filmografia/filmography
Trailer2 (cm, 1999), Ergo (cm, 2002),
Ipso facto (cm, 2002), Diario de una
pared (cm, 2003), El niño y el mar
(cm, 2007), Por qué mueren los
castaños (2008), Silencio en la tierra
de los sueños (2013).
stefan ivancic
SOLES DE PRIMAVERA
CONTENTS
Serbia, 2013, HD, 24’, col.
regia/director
Stefan Ivancic
sceneggiatura/screenplay
Stefan Ivancic,
Andrej Ivancic,
Mateja Vidakovic
fotografia/cinematography
Igor Djordjevic
montaggio/film editing
Natasa Pantic,
Jelena Maksimovic
suono/sound
Mladjan Matavulj,
Filip Verkic
interpreti/cast
Andrej Ivancic,
Dimitrije Ivancic,
Stefan Ivancic,
Marko Grabez
produttori/producers
Stefan Ivancic,
Dragana Jovovic,
Anastasija Zamahajev
produzione/production
Fakultet dramskih
umetnosti
**
contatti/contacts
Stefan Ivancic
[email protected]
Stefan Ivancic (Belgrado, Jugoslavia,
1985) ha studiato ingegneria
meccanica in Spagna e al momento
si sta specializzando in regia presso
la facoltà di arti drammatiche
di Belgrado. Lavora come critico
cinematografico, in particolare
per il web magazine spagnolo
«Lumière», e come produttore
(per il lungometraggio The Load
di Ogjen Glavonic). Come regista
ha esordito nel 2012 con
il cortometraggio Scrap Material.
SOLI DI PRIMAVERA [T.L.]
Per la prima volta, quattro cugini serbi in bilico tra adolescenza
ed età adulta che vivono lontani l’uno dall’altro si ritrovano per
le vacanze a Belgrado. Passato, presente e futuro convivono, resi
ancora più accessibili dall’indolenza delle giornate estive.
«Ho lasciato la Jugoslavia quando avevo sei anni e ho vissuto a
Barcellona dal 1991 al 2009, mentre mio fratello Dimi è nato in
Spagna e vive ancora lì. Ero solito tornare a Belgrado ogni anno
e passarvi le vacanze estive. Era sempre doloroso tornare in
Spagna, lasciare il mio Paese volta dopo volta. Soles de primavera
è nato dalla combinazione di questi sentimenti con l’idea di fare
un film con Dimi, mio fratello minore, e il mio cugino più giovane,
Bibi. Volevo girare un film con loro e su di noi. All’inizio è stato
strano, perché è difficile rendersi conto di fatti legati alla propria
vita, alla propria realtà, mentre sono ancora “in svolgimento”.
Le emozioni sono così recenti che nell’immediato non si riesce
nemmeno a notarle; poi col tempo finiscono per rivelarsi».
SOLES DE PRIMAVERA
For the first time, four Serbian cousins on the border between
adolescence and adulthood, who live far from one another, find
themselves for a holyday in Belgrade. Past, present, and future coexist
together, made even more accessible by the languor of the summer
days.
“I left Yugoslavia when I was six, and I lived in Barcelona from 1991
until 2009. My brother Dimi was born in Spain and he still lives there.
I used to come to Belgrade every year, and spend here the hot summer
days. It was always painful to go back to Spain, to leave my country
again and again. Soles de primavera was born from a combination
of this feeling and the idea of making a film together with my younger
brother Dimi and my small cousin Bibi. I wanted to make a film with
them, and about us. At the beginning it was strange because it’s
difficult to perceive the things that are linked to your own life, your own
reality, as clearly as the things that are ‘around.’ It’s so close that at the
beginning you can’t see it – however, as time goes by, emotions are
slowly unveiled.”
147
ONDE/
W AV E S
Stefan Ivancic (Belgrad, Yugoslavia,
1985) studied mechanical engineering
in Spain, and he is currently studying
directing at the dramatic arts
department of the University of
Belgrade. He works as a film critic,
in particular for the Spanish online
magazine “Lumière,” and as a producer
(for the feature film The Load by Ogjen
Glavonic). He made his debut as a
director in 2012 with the short film
Scrap Material.
filmografia/filmography
Sekundarna sirovina (Scrap
Material, cm, 2012), Soles de
primavera (cm, 2013).
aran hughes, christina koutsospyrou
STO LYKO
CONTENTS
TO THE WOLF
Grecia-Francia/Greece-France, 2012, HD, 74’, col.
regia, fotografia,
montaggio/directors,
cinematography,
film editing
Aran Hughes,
Christina Koutsospyrou
suono/sound
Nikos Konstantinou
interpreti/cast
Giorgos Katsaros,
Ilias Katsaros,
Spiridoula Katsarou,
Adam Paxnis,
Kiki Paxni,
Vasiliki Spiropoulou
produttori/producers
Julien Mata,
Alice Baldo
produzione/production
Linel Films
**
contatti/contacts
Linel Films
Aran Hughes,
Christina Koutsospyrou
[email protected]
[email protected]
www.tothewolffilm.com
Aran Hughes (Londra, Regno Unito,
1983) ha frequentato la London
University of the Arts e diretto due
cortometraggi, prima di cominciare
a lavorare nel 2010 a Sto lyko, suo
primo lungometraggio.
Christina Koutsospyrou (Atene,
Grecia, 1980), artista e regista, ha
studiato presso il London College of
Communication, dove ha sviluppato
la passione per la fotografia e il
cinema. Nel 2010 è tornata in patria
per iniziare a lavorare a Sto lyko,
suo primo progetto filmico.
AL LUPO [T.L.]
Quattro giorni nella vita di due famiglie di pastori che lottano
per la sopravvivenza in un remoto villaggio tra le montagne della
Nafpaktia, regione della Grecia occidentale. La crisi ha colpito
anche questa terra inospitale, spazzata dal vento e dalla pioggia:
l’anziano Paxnis lo aveva previsto; persa ogni speranza, lui e la
moglie si aspettano il peggio. Giorgios, invece, impossibilitato a
vendere le sue capre e schiacciato dai debiti, cerca conforto nel
bere. La bellezza ancestrale della natura osserva indifferente la
catastrofe, e gli uomini non hanno altra soluzione che rivolgere
la loro rabbia contro i più deboli.
«Sto lyko non è stato concepito come reazione alla crisi della
Grecia. L’intenzione era quella di studiare la vita quotidiana
di un remoto villaggio greco. Ma una volta iniziate le riprese,
l’impatto delle crescenti difficoltà finanziarie è stato amplificato
dai media, e noi stessi abbiamo cominciato a modificare il nostro
oggetto d’attenzione. Ci siamo concentrati sugli effetti che un
nuovo tipo di povertà ha su una parte già marginalizzata della
società, pur mantenendo l’intenzione di realizzare un ritratto
intimo della vita rurale».
TO THE WOLF
Four days in the life of two families of shepherds struggling to survive
in a remote village in the Nafpaktia Mountains, in western Greece.
The crisis has also affected this inhospitable land lashed by unrelenting
winds and rains: old Paxnis had seen it coming and, having lost every
hope, his wife and he are expecting the worse; Giorgios, instead, unable
to sell his goats, finds himself buried in debts and seeks comfort in the
bottom of a bottle. Nature watches indifferently as the catastrophe
unfolds, and men end up turning their rage against the weak.
“To the Wolf was not conceived as a response to the Greek crisis.
Our initial intention was to present a study of everyday life in a remote
Greek village. However, as filming began, the impact of the deepening
financial problems was magnified by widespread media coverage and
our focus began to shift. We started zooming in on the effect of this
new political poverty on an already marginalised society, while still
maintaining our intention to present an intimate portrait of rural life.”
148
ONDE/
W AV E S
Aran Hughes (London, UK, 1983)
attended London University of the
Arts and directed two short films before
starting to work on To the Wolf, his
first feature, in 2010.
Christina Koutsospyrou (Athens,
Greece, 1980) is an artist and director;
she studied at the London College of
Communication, where she developed
a passion for photography and cinema.
She returned to her home country in
2010 to start working on To the Wolf,
her first film project.
filmografia/filmography
Aran Hughes:
My Polska (coregia/codirector Joseph
Fawcett, cm, 2009), Pride of Dover
(cm, 2010).
Aran Hughes, Christina Koutsospyrou:
Sto lyko (To the Wolf, doc., 2012).
raya martin, mark peranson
LA ÚLTIMA PELÍCULA
CONTENTS
Canada-Danimarca-Messico-Filippine/
Canada-Denmark-Mexico-Philippines, 2013, 35mm, 88’, col.
regia, sceneggiatura/
directors, screenplay
Raya Martin,
Mark Peranson
fotografia/cinematography
Gym Lumbera
montaggio/film editing
Lawrence S. Ang,
Mark Peranson
scenografia/
production design
Paloma Camarena
suono/sound
Aldonza Contreras
interpreti/cast
Alex Ross Perry,
Gabino Rodríguez,
Iazua Larios,
René Redzepi
produttore/producer
Mark Peranson
produzione/production
Cinema Scope Productions
coproduttori/coproducers
Pablo Cruz,
Tine Fischer,
Raya Martin
**
contatti/contacts
Cinema Scope Productions
Mark Peranson
[email protected]
Mark Peranson (Canada), critico
cinematografico, è direttore della
rivista «Cinema Scope». Selezionatore
dal 2000 al Vancouver International
Festival, è il responsabile della
programmazione del Festival di
Locarno, dove è stato parte del
comitato selettivo dal 2010 al 2012.
Nel 2008 ha esordito con il
documentario Waiting for Sancho.
L’ULTIMO FILM [T.L.]
La fine del mondo pronosticata dai Maya è vicina e un regista
decide di esplorare lo Yucatan alla ricerca delle location per quello
che sarà il suo ultimo film. Insieme a una guida locale raggiunge la
zona in cui milioni di anni fa un asteroide colpì la terra, rischiando
di annientarla e determinando l’estinzione dei dinosauri. Qui
s’imbatte in uno strano gruppo di seguaci della new age e mistici
Maya e in un reporter, che ingaggia nel film. Nonostante le
previsioni il mondo non finisce, al contrario del film, che il regista
decide di montare all’infinito.
Raya Martin (Manila, Philippines,
1984), a usual guest of TFF, won the
Lino Miccichè Award in Pesaro with
Short Film About the Indio Nacional
(2006), and got a special mention in
Marseilles with Autohystoria. In 2008,
his film Now Showing participated to
the Quinzaine des réalisateurs and in
2009 Independencia participated to the
section Un certain regard at Cannes.
«Che cos’è il cinema? Visto che i suoi confini, come l’universo,
sono in continua espansione, oggi l’indagine più approfondita sulla
sua esistenza riguarda la ragione stessa per cui continuiamo a fare
film, come li facciamo e chi coinvolgono. Se si confronta il cinema
con l’Apocalisse la questione diventa esistenziale: la sua filosofia, la
sua materialità sono messe in discussione. […] Invece di chiederci
se ci stiamo avvicinando alla fine del cinema, domandiamoci
piuttosto come sarebbe l’ultimo film del mondo e cosa avrebbe in
comune con il primo».
Mark Peranson (Canada) is a film critic
and director of the magazine “Cinema
Scope.” He has been part of the
selection committee since the 2000
Vancouver International Film Festival.
After being a programmer in the
selection committee of the Locarno
Film Festival from 2010 to 2012, he
became the Head of Programming.
In 2008 he directed his first film, the
documentary Waiting for Sancho.
THE LAST FILM
The Mayan apocalypse is near and a filmmaker decides to explore
Yucatan, searching for the location for his latest movie. With a local
guide, he reaches the area where a meteorite smashed into the Earth
millions of years ago, risking to destroy the entire planet and wiping out
the dinosaurs. In this place, he runs into a bizarre group of new age
followers, Mayan mystics, and a reporter, which he hires for the movie.
Despite the prophecy, the world doesn’t end; unlike the film, which the
director decides to keep on editing forever.
“What is cinema? As cinema’s boundaries are, like the universe,
constantly expanding, the earnest exploration of its contemporary
existence extends to why we continue making films, how we make
them, up until the people involved in making them. When confronted
by the Apocalypse, the very basis of cinema becomes as existential: its
philosophy, the materiality, is questioned. […] Instead of asking if we are
approaching the End of Cinema, ask rather, how would the last movie
in the world look like? What does the last movie have in common with
the first?”
149
Raya Martin (Manila, Filippine, 1984),
selezionato più volte dal Torino Film
Festival, ha vinto con Short Film About
the Indio Nacional il premio Lino
Miccichè a Pesaro nel 2006, mentre
con Autohystoria ha ottenuto una
menzione speciale a Marsiglia. L’anno
successivo con Now Showing ha
partecipato alla Quinzaine des
réalisateurs e con Independencia
(2009) al Certain regard di Cannes.
ONDE/
W AV E S
filmografia essenziale/
essential filmography
Raya Martin:
Bakasyon (The Visit, cm, 2004),
Maicling pelicula nañg ysañg indio
nacional (O Ang Mahabang
Kalingkutan ng Katagalugan)
(Short Film About the Indio
Nacional, or the Prolonged Sorrow
of the Filipinos, cm, 2005),
Autohystoria (2007), Now Showing
(2008), Independencia(2009),
How to Disappear Completely (2013).
Mark Peranson:
Waiting for Sancho (doc., 2008).
Raya Martin, Mark Peranson:
La última película (2013).
Onde portoghesi/
Portoguese Waves
CONTENTS
«Cinema portoghese: si suoni l’allarme»,
scrivevano Miguel Gomes e Luís Urbano lo
scorso settembre, alla 70ª Mostra di Venezia.
Lanciato con un comunicato dall’autore di
bandiera della nuova generazione di registi
portoghesi e da uno dei produttori europei
più illuminati del momento (che al Lido
presentavano un capolavoro come Redempion),
quel grido risultava tanto preoccupante quanto
paradossale. Preoccupante perché diceva del
tentativo da parte dei privati (le pay tv) di
rinnegare una legge che in sostanza li obbligava
a finanziare l’Ica (l’Istituto nazionale del cinema
portoghese), e in più giungeva mentre si
paventava la chiusura della Cinemateca
Portuguesa. Paradossale perché quell’allarme
risuonava mentre quelli di noi che avevano
frequentato il cinema portoghese nel corso
dell’anno (IndieLisboa, Curtas) avevano la
consapevolezza di una scena particolarmente
vitale, in cui si muove una generazione di
filmmaker capace di rinnovare in giovinezza
e continuità una tradizione gloriosa.
Giunti a fine anno, la situazione continua a
essere incerta (confermati tagli sostanziosi al
comparto cinematografico e nessun intervento
governativo sulle renitenti pay tv), ma poiché
quel che continua ad apparire certo è il livello
eccellente della più giovane e avanzata
produzione portoghese, ci è sembrato doveroso
dare testimonianza di un tale stato delle cose.
Il risultato è questa piccola ma, ci pare,
significativa selezione di opere portoghesi, scelte
tra le tante davvero notevoli viste quest’anno.
Andiamo da Mahjong, in cui João Pedro
Rodrigues e João Rui Guerra da Mata trovano un
mélo noir iperrealista nella Chinatown di Varziela
(Vila do Conde) per il progetto «Estaleiro» di
Curtas, al magnifico «naufragio» tra i flutti
del Tago dei fratelli João e Miguel Manso, che
in Bibliografia ripensano la loro storia familiare,
osservandola con gli occhi del loro smarrimento
nel presente. E poi ci sono le circonvoluzioni
di pensiero in fuga dagli sprechi della vita di
un anziano italiano che osserva lo scorrere di un
Carosello, poste in opera con sublime leggerezza
da Jorge Quintela nel suo cortometraggio
vincitore di Curtas, e il gioco di dimensioni
esistenziali e responsabilità quotidiane,
raccontate da Telmo Churro in Rei Inútil sulla
pelle non poco ironica di un adolescente alle
prese con la scuola, con Dio e con i re filosofi.
150
ONDE PORTOGHESI/
P O R T O G U E S E W AV E S
“Ring the alarm bells: Portuguese cinema is in
danger,” wrote Miguel Gomes and Luís Urbano in
September at the 70 Venice Film Festival. This is
the alarm sounded by the emblematic director from
Portugal’s new generation of filmmakers and by one
of the brightest European producers at the moment
when they were presenting their masterpiece
Redemption at the Venice Lido. Their warning
sounded as alarming as it seemed paradoxical.
They called attention to a law, the new Film Act,
which would basically force the private sector to
finance the ICA Institute. They voiced their concern
because of the cable TV operators’ non-compliance,
which was particularly worrisome given that, at the
time, the Cinemateca Portuguesa was also at risk
of being shut down. But their outcry also sounded
paradoxical because those of us who have been
following Portuguese cinema this year (from the
IndieLisboa to the Curtas festivals) are aware of the
particularly lively scene stirred by a new generation
of Portuguese filmmakers capable of bringing new
life and continuity to a glorious tradition. As we
reach the end of the year, the situation continues
to be uncertain: while substantial budget cuts to
the film sector have been confirmed, the
government has been done nothing to correct the
non-compliance of private TV operators. Yet, what
appears to be certain is the excellent level displayed
by the younger and more advanced Portuguese
productions. In light of this, we felt that the right
thing to do was to bear witness to the state of
things. The result is this small but significant
selection of Portuguese films chosen among the
many remarkable ones seen this year. We start with
Mahjong, in which João Pedro Rodrigues and João
Rui Guerra da Mata find a hyperrealist noir drama
set in the Chinatown of Varziela for the project
“Estaleiro” of the Curtas Vila do Conde. We then
continue with the magnificent “shipwreck” along
the waves of river Tago of the brothers João and
Miguel Manso, who ponder over their family history
in the film Bibliografia through the eyes of their
present disorientation. Then we sit for a while,
looking at a Carosello in the company of an old
Italian man and his convolutions of thoughts fleeing
life’s wastefulness, captured with sublime lightness
with Jorge Quintela in his winning short from
Curtas. And there is the game of existential
dimensions and daily responsibilities narrated by
Telmo Churro in Rei Inútil, ironically gambling with
the life of a teenager who is grappling with school,
God, and the philosopher kings.
TH
joão manso, miguel manso
BIBLIOGRAFIA
CONTENTS
Portogallo/Portugal, 2013, HD, 70’, col.
regia, sceneggiatura,
produttori/directors,
screenplay, producers
João Manso,
Miguel Manso
fotografia/cinematography
Takashi Sugimoto
montaggio/film editing
Tomás Baltazar,
João Manso,
Miguel Manso
musica/music
Tiago Sousa
suono/sound
Nuno Morão
interpreti/cast
António Poppe,
João Manso,
Maria Leite,
Miguel Manso,
Natxo Checa,
Tiago Sousa,
Vasco Gato
coproduzione/coproduction
Camone - Associacão
Cultural, RTP2
**
contatti/contacts
IndieLisboa
Miguel Valverde
[email protected]
www.indielisboa.com
João Manso (Almeirim, Portogallo,
1980), laureato in cinema, video
e comunicazione multimediale presso
l’Università di Lisbona, dal 2007
lavora come regista, assistente alla
regia e montatore per il cinema, la
televisione e la pubblicità. Ha montato
e diretto cortometraggi, documentari
e video musicali. Bibliografia è il suo
primo lungometraggio.
BIBLIOGRAFIA
Nell’estate del 1969 quattro amici percorsero a bordo di una
zattera i fiumi Zêzere e Tago, che dal centro del Portogallo si
gettano nell’oceano. Quarant’anni dopo, il figlio di uno di loro
ne ha raccontato le gesta in un libro di poesie, come metafora
della letteratura di viaggio portoghese del sedicesimo e
diciassettesimo secolo. Ora ha deciso di virare le parole in realtà,
invitando tre amici a ripercorrere lo stesso viaggio e chiedendo
al fratello di filmarlo.
«Il grande tema del viaggio attraversa la letteratura universale.
Nella genesi della letteratura portoghese, e ancora nell’epoca
moderna, è mutualmente alimentato dal contributo delle scoperte.
Il viaggio può anche essere compreso per un’altra sua
caratteristica: più che uno spostamento nello spazio che implica
movimento, è l’incrocio di una distanza interiore, dove il desiderio
di un cambiamento coincide con l’esigenza di esperienza e
sensorialità. Vogliamo mostrare la costruzione di una zattera
arcaica e la sua navigazione, a partire dal cuore geodetico del
Paese fino all’ultima foce costiera della sua capitale».
BIBLIOGRAPHY
In the summer of 1969, four friends rode on a raft down the rivers
Zêzere and Tago, which flow from the middle of Portugal into the
ocean. Forty years later, one of their sons writes their adventure in
a book of poems as a metaphor of Portuguese travel literature from
the 16 and 17 century. He decides to change direction and turn
words into reality: he invites three friends to undertake that very
same journey, and he asks his brother to film it.
TH
TH
“The great subject of the journey travels within the universal literature.
It is, mutually, in the Portuguese literature genesis, fed, yet in the
modern epoch, by the contribution of the Discoveries. The journey
may as well be understood by one other aspect included therein: more
than a translation in space implying movement, it will be the crossover
of an interior distance, where the longing for a change and the demand
of experience and senses, coincide. Thus, we intend to show the
construction, by four people, of an archaic raft and its consequent
sailing, starting from the geodetic heart of the country until the last
and coastal river mouth of its capital.”
151
ONDE PORTOGHESI/
P O R T O G U E S E W AV E S
Miguel Manso (Santarém, Portogallo,
1979), scrittore, ha pubblicato finora
otto libri di poesia, tra cui Santo
Subito, Ensinar o Caminho ao Diablo,
Um Lugar a Menos. Collaboratore
della compagnia teatrale Cão Solteiro,
questo è il primo film che dirige.
João Manso (Almeirim, Portugal,
1980), graduate in film, video and
multimedia Communication in Lisbon
University, works since 2007 as a
director, assistant director and freelance
video editor in film, television and
advertising. He directed and edited short
films, documentaries and music videos.
Bibliografia is his first feature film.
Miguel Manso (Santarém, Portugal,
1979) is a writer; he has published eight
books of poetry, among them Santo
Subito, Ensinar o Caminho ao Diabo,
Um Lugar a Menos. He collaborated
with the theater company Cão Solteiro
and this is his debut as director.
filmografia/filmography
João Manso:
De quoi tu parles quand tu parles
d’amour? (cm, 2003), Onde Estão
os Touros? (cm, doc., 2007), O Amor
Acontece (cm, 2011).
João Manso, Miguel Manso:
Bibliografia (doc., 2013).
jorge quintela
CAROSELLO
CONTENTS
Portogallo-Italia/Portugal-Italy, 2013, HD, 7’, col.
regia/director
Jorge Quintela
sceneggiatura/screenplay
Pedro Bastos
musica/music
Morteshopping
suono/sound
Davide Luciani
interpreti/cast
Francisco Dias de Castro,
Vittorio Luciani
produttori/producers
Rodrigo Areias,
Ricardo Freitas,
Davide Luciani
produzione/production
Bando á Parte
**
contatti/contacts
Jorge Quintela
[email protected]
CAROSELLO
Ripensare alla propria vita durante un pomeriggio qualsiasi,
seduti su una panchina, guardando una giostra che gira in una
piazza di Firenze. Un flusso di coscienza in cui il ricordo della
moglie scomparsa, del suo profumo e della sua cucina, la
constatazione di essere null’altro che un prolungamento della
figura paterna, a cui si deve la propria educazione, e tanti altri
dettagli apparentemente insignificanti del passato possono farci
capire molte, troppe cose di noi stessi.
«Carosello cerca di immortalare una vita intera in un unico
movimento».
CAROUSEL
A man sitting on a bench on an afternoon like any other, thinking
about his life while looking at a carousel in a square in Florence.
Memories resurface in a stream of consciousness: his departed wife,
her scent, her cooking; the realization that he is nothing more that
an extension of his own father, to whom he owes his upbringing,
his education; and many other apparently insignificant details from
the past that could help us understand many things about ourselves,
perhaps too many.
“Carousel tries to capture an entire life in a single movement.”
152
ONDE PORTOGHESI/
P O R T O G U E S E W AV E S
Jorge Quintela (Porto, Portogallo,
1981) ha studiato fotografia e arti
audiovisive presso la Escola Superior
Artística do Porto, dove si è diplomato
nel 2003. Successivamente ha
lavorato come direttore della
fotografia e ha organizzato eventi
e seminari in tutto il Portogallo
per diverse associazioni culturali.
Dal 2005 collabora come produttore
con la casa di produzione Bando á
Parte. Come regista ha esordito nel
2010 con il documentario On the
Road to Femina e con Carosello (2013)
ha vinto il premio per il miglior
cortometraggio al festival Curtas
di Vila do Conde.
Jorge Quintela (Porto, Portugal, 1981)
studied photography and audiovisual
arts at the Escuela Superior Artística
do Porto, where he graduated in 2003.
He then started working as a
photography director and organizing
events and seminars for various cultural
associations throughout Portugal.
He has been collaborating as a producer
for the production company Bando á
Parte since 2005. He made his debut
as a film director with the documentary
On the Road to Femina in 2010.
His recent exploit, Carousel (2013),
received the award for best short film
in competition at the Curtas Vila
do Conde Film Festival.
filmografia/filmography
On the Road to Femina (mm, doc.,
2010), Ausstieg (cm, 2010), Love
Is the Answer for the Lack of Argument
(cm, 2011), Carosello (cm, 2013).
joão pedro rodrigues, joão rui guerra da mata
MAHJONG
CONTENTS
Portogallo/Portugal, 2013, HD, 35’, col.
regia, sceneggiatura/
directors, screenplay
João Pedro Rodrigues,
João Rui Guerra da Mata
fotografia/cinematography
José Magro
montaggio/film editing
Mariana Gaivão
musica/music
Luís Fernandes
suono/sound
Adrian Santos,
Nuno Carvalho
interpreti/cast
Anne Pham,
Fernando Vhou,
João Pedro Rodrigues,
João Rui Guerra da Mata
produzione/production
Curtas Metragens C.R.L.
**
contatti/contacts
Agencia da Curta Metragem
Salette Ramalho
Tel: +351 252 646 683
[email protected]
www.curtas.pt/agencia
João Pedro Rodrigues (Lisbona,
Portogallo, 1966) ha esordito nel 1997
con il cortometraggio Parabéns!. Nel
2000 ha partecipato in concorso a
Venezia con Il fantasma e ha ottenuto
una menzione speciale a Cannes nel
2005 con Odete. Ha partecipato al 30°
Torino Film Festival con il corto
Manhã de Santo António e ha vinto
la sezione Internazionale.doc con
A Última Vez Que Vi Macau (2012),
diretto con João Rui Guerra da Mata.
MAHJONG
Varziela è la più grande comunità cinese in Portogallo. Per le strade
di questa Chinatown notturna e misteriosa, si aggira una donna
con i tacchi alti, una parrucca bionda e un vestito orientale di seta.
A inseguirla, tra magazzini di merce contraffatta, un misterioso
uomo in nero. Intanto due cosche avversarie, appartenenti alla
mafia del Sol Levante, si fronteggiano. E, come in una partita di
mahjong, il risultato finale sarà del tutto imprevedibile.
«Mahjong prosegue la tematica asiatica presente nei film che
abbiamo fatto a partire dal 2007, come i cortometraggi China,
China, girato a Martim Moniz, la zona più multiculturale di
Lisbona, Alvorada Vermelha e infine il lungo A Última Vez Que
Vi Macau, questi ultimi due girati quasi per intero a Macao.
Mentre A Última Vez Que Vi Macau è un documentario che parla
di un luogo immaginario, Mahjong, invece, è l’atto di immaginare
un luogo reale».
MAHJONG
Varziela is the largest Chinese community in Portugal. A woman
wearing high heels, a blond wig, and an oriental silk dress wanders
in the night through the streets of this Chinatown. A mysterious man
in black is following her between the stores and warehouses of
counterfeit goods. Meanwhile, two rival gangs from the Japanese
mafia are confronting each other. The final result will be utterly
unpredictable, just like in a game of mahjong.
“Mahjong perpetuates the Asian theme of the films we started to
make together in 2007, with the short film China, China, shot in
Martim Moniz, the most multicultural area of Lisbon, then the short
Alvorada Vermelha (2011), and finally the feature A Última Vez
Que Vi Macau (2012), these last two shot mainly in Macao. If A
Última Vez Que Vi Macau was a documentary about an imaginary
place, Mahjong is the imagination of a real place.”
153
ONDE PORTOGHESI/
P O R T O G U E S E W AV E S
João Rui Guerra da Mata (Portogallo)
ha iniziato a lavorare nel cinema come
attore, sceneggiatore e assistente
alla regia per João Pedro Rodrigues,
con il quale ha poi diretto China,
China, premiato come miglior
cortometraggio al Festival di Belfort.
Ha partecipato al 30° Torino Film
Festival con il corto O Que Arde Cura,
interpretato dallo stesso Rodrigues.
João Pedro Rodrigues (Lisbon, Portugal,
1966) debuted in 1997 with the short
film Parabéns!. The feature Phantom
was in competition in Venice in 2000,
and Odete received a special mention
in Cannes in 2005. He participated
at the 30 Torino Film Festival
with the documentary Manhã
de Santo António, and won the
Internazionale.doc section with
A Última Vez Que Vi Macau (2012),
which he directed with João Rui
Guerra da Mata.
TH
João Rui Guerra da Mata (Portugal)
started working in the movie industry
as an actor, screenwriter, and assistant
director for João Pedro Rodrigues.
Later he co-directed with Rodrigues
China, China, awarded for best short
at the Belfort Film Festival. He
participated at the 30 Torino Film
Festival with the short As the Flames
Rose, featuring João Pedro Rodrigues.
TH
filmografia/filmography
João Pedro Rodrigues, João Rui
Guerra da Mata:
China, China (cm, 2007), Alvorada
Vermelha (cm, 2011), A Última
Vez Que Vi Macau (doc., 2012),
Mahjong (cm, 2013).
telmo churro
REI INÚTIL
CONTENTS
Portogallo/Portugal, 2013, HD, 25’, col.
regia, sceneggiatura,
montaggio/director,
screenplay, film editing
Telmo Churro
fotografia/cinematography
Mário Castanheira
suono/sound
Ricardo Leal
interpreti e personaggi/
cast and characters
Pedro Neto (Tiago),
Bárbara Valentina (Mãe),
Fernando Rebelo
(Don Sancho II),
Joana Feijó (Rita),
Manuel Mozos
(il professore di storia/
professor of history)
produttori/producers
Luís Urbano,
Sandro Aguilar
produzione/production
O Som e a Fúria
**
contatti/contacts
Agencia da Curta Metragem
Salette Ramalho
Tel: +351 252 646 683
[email protected]
www.curtas.pt/agencia
Telmo Churro (Lisbona, Portogallo,
1977), dopo gli studi in cinema alla
Escola Superior Artística di Porto
e la specializzazione in montaggio
alla Escola Superior de Teatro
e Cinema di Amadora, ha iniziato
nel 2000 a lavorare in ambito
cinematografico, come montatore,
assistente alla regia, sceneggiatore
e segretario di edizione. Rei Inútil è il
suo primo cortometraggio da regista.
UNA COSA INUTILE [T.L.]
Aprile si avvicina e per il terzo anno consecutivo Tiago pensa
al viaggio di diploma, ancora in forse, da fare con la ragazza
del momento: il problema è che neanche quest’anno sa se passerà
gli esami e, a dirla tutta, le premesse non sono buone. Le uniche
speranze di ottenere il diploma sono concentrate nel risultato
dell’esame di storia, ma la domanda del test riguardava Don
Sancho II e Tiago non è così convinto di aver risposto bene sulla
vita del leggendario sovrano.
«Quando ho iniziato a pensare a Rei Inútil immaginavo un ragazzo,
una specie di resistente in una città, la mia, sempre più deserta.
In un luogo che molti, specie se turisti, considerano allegro, questo
ragazzo malinconico si sarebbe confrontato con ciò che è rimasto:
i parchi e i loro animali, le statue dei poeti morti, le chiese svuotate
di fedeli. Un personaggio, i suoi piccoli problemi, la città
monumentale: un rapporto di scala tra il corpo e la statua, tra la
vita mondana e un alto potere spirituale. Poi il film mi ha condotto
su altri percorsi, e io l’ho seguito».
REX INUTILIS
April approaches, and for the third year in a row, Tiago is thinking
about his still-uncertain graduation trip, which he wants to take with
his girlfriend of the moment. The problem is that he isn’t sure he’ll pass
his exams this year either and, to be quite honest, the outlook is not
good. His only chance for getting his diploma lies in his history exam,
but the questions are about Don Sancho II and Tiago isn’t convinced
that he wrote the correct answers about the life of the legendary king.
“When I got the first urge to make Rei Inútil I thought of a young
man, a resistant in a city that is my own, increasingly deserted of
inhabitants. In this city, which some many consider cheerful – especially
tourists – this melancholic boy would be confronted with what was left:
parks and their animals, statues of dead poets, churches empty of their
faithful. And him, with his small problems, facing the monumental city.
Hence, a scale relation. The living body opposing the statue, or the
mundane life discussed with the highest spiritual power. Then, the film
rocked me through other paths, and there I went.”
154
ONDE PORTOGHESI/
P O R T O G U E S E W AV E S
Telmo Churro (Lisbon, Portugal, 1977),
after studying film at the Escola Superior
Artística in Porto and specializing in film
editing at the Escola Superior de Teatro
e Cinema in Amadora, began working
in the film world in 2000 as an editor,
assistant director, screenwriter and script
supervisor. Rei Inútil is the first short
he has directed.
filmografia/filmography
Rei Inútil (cm, 2013).
CONTENTS
Luton (2013) di Michalis Konstantatos
Yu Likwai
Futuro anteriore
CONTENTS
DI MASSIMO CAUSO
Love Will Tear Us Apart (1999) di Yu Likwai
A guardare i suoi film lo si direbbe un nostalgico
tendente al malinconico, ma Yu Likwai è
piuttosto una sorta di futurologo che venne dal
passato, un residuo di consapevolezza disperso
in territorio ostile, in un tempo a venire che è già
trascorso senza che ce ne rendessimo conto.
Sarà che appartiene a una generazione che a
Hong Kong ci è nata ed è cresciuta in vista
dell’handover, destinata ad arrivare ancora
giovane al 1997 e dunque portata a coniugare
il suo tempo al futuro anteriore, proiettandosi
laddove il passaggio alla Cina sarà già stato.
Scarto non da poco rispetto alla stirpe di maestri
che lo precede (Ann Hui, Fruit Chan, Wong
Karwai…), autori che a Hong Kong ci sono
arrivati con le loro famiglie molto prima e hanno
raggiunto la scadenza del 1997 con ben altro
spirito. È forse per questo che il cinema di Yu
Likwai è segnato da un distacco ostinato dalle
conseguenze del tempo, il motivo per cui questo
regista (che è anche uno dei più grandi direttori
della fotografia asiatici in attività) filma la realtà
come fosse un vetro trasparente che separa
i personaggi dalle loro storie e dal loro presente.
A Yu Likwai il futuro si presenta come già scritto,
uno scenario in cui si muovono figure alle quali
il tempo non appartiene se non nella misura
in cui è già stato vissuto. Dietro l’allure che
promana dal gioco di intitolare i suoi film
sull’onda new wave di Velvet Underground
e Joy Division, c’è in fondo quell’ombreggiare
neoromantico di un’inquietudine da futuro
rimosso che appartiene al suo cinema.
Esattamente come dietro le astrazioni
156
ONDE
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YU LIKWAI
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YU LIKWAI
metropolitane in cui sprofonda i suoi personaggi
c’è l’impossibilità di collocarli in uno spazio
reale. Nei suoi film Hong Kong è un’ipotesi
scritta sulla pelle di figure in transito, uno
scenario che si configura come una porzione
di una Cina continentale da considerarsi nella
sua interezza. Per niente partecipe del mito
hongkonghese (poetica della «scadenza»
di Wong Karwai compresa...), il cinema di
Yu Likwai nasce semmai in considerazione
della sua illusorietà a termine e si consuma
nella consapevolezza di una globalità che
ha già risucchiato tutto nell’indeterminatezza
dei singoli destini: da Shenzhen a Hong Kong,
dalla Cina sino al Brasile…
Sin dal suo dittico di partenza, composto
da Neon Goddesses (1996) e Love Will Tear
Us Apart (1999, documentario/finzione, in
conseguenza diretta), Hong Kong è il punto
di arrivo di una Cina pensata nella sua interezza,
la meta dorata di un transito di umane
migrazioni che si annulla nelle promesse tradite
del libero mercato. Immancabilmente inscritti
in vaghi melodrammi (più che il genere, il mood
di riferimento del cinema di Yu Likwai), questi
personaggi risuonano di distanze esistenziali,
di disamori vissuti come in latitanza di sé.
Il loro spazio vitale si realizza in una gestualità
minima, in relazioni improprie e indefinite,
nei non amori che nutrono sentimenti confusi,
nelle unioni che non legano le esistenze.
Ne consegue il dittico postatomico: All
Tomorrow’s Parties (2003) e Dance with
Me to the End of Love (2004) sono traccia
di una malinconia insordita nell’estinzione
del tempo, che prende forma in una fantascienza
che trasfigura la classica distopia nell’avvenire
di un mondo irregimentato in ipotesi di
annullamento totalitario (dal comunismo
all’islamismo dei talebani). Prove di astrazione
quietamente visionaria destinate a confluire
in quel film della contaminazione per eccellenza
che è Plastic City (2008). Un saggio sulla
falsificazione e sulla trasversalità che tiene
in sé tutte le dimensioni del tempo, dello spazio,
della visione, del cinema: si colloca sull’onda
della nuova economia guidata dalla Cina e la
cavalca dalle strade delle favelas di San Paolo,
descrive giochi di potere ed erge a eroi due
dannati perdenti, parte dalle gang della giungla
di cemento metropolitana e si consuma
nell’arcaica magia delle tribù amazzoniche
della foresta pluviale…
Yu Likwai
Future perfect
CONTENTS
BY MASSIMO CAUSO
All Tomorrow’s Parties (2003) di Yu Likwai
To watch his films, you would say he is a nostalgic
tending toward the melancholic, but instead,
Yu Likwai is more like a futurologist who comes
from the past, a residue of awareness lost in
hostile territory, in a future time which has
already come and gone unbeknownst to us.
It might be because he belongs to a generation
that was born and raised in a Hong Kong
overshadowed by the handover.
He was destined to still be young in 1997 and
thus, obliged to conjugate his era in the future
perfect, projecting himself into a time when
the city would already have been relinquished
to China. Quite a leap, compared to the breed
of maestros who preceded him (Ann Hui, Fruit
Chan, Wong Karwai…), filmmakers who had
come to Hong Kong with their families much
earlier and had reached the 1997 deadline with
quite a different spirit.
This might be the reason why the cinema of
Yu Likwai is marked by a stubborn detachment
from the consequences of time, the reason why
this director (who is also one of the greatest
directors of photography active in Asia today)
films reality as though it were a pane of transparent
glass separating his characters from their stories
and from their present.
To Yu Likwai, the future presents itself as something
already written, a scenario for the actions of figures
to whom time does not seem to belong, if not in
the measure to which it has already been lived.
Behind the allure that emanates from his game
of entitling his films in the new wave wake of the
Velvet Underground and Joy Division, his cinema
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ONDE
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YU LIKWAI
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YU LIKWAI
has the deep, neo-Romantic shadow of anxiety
of a repressed future. In the same manner, his
characters are submerged in metropolitan
abstractions that make it impossible to place them
in a real space. His Hong Kong films are marked
by a hypothesis engraved on the skin of figures in
transit, a scenario which reveals itself as a portion
of a continental China that is to be considered
in its entirety. A far cry from the Hong Kong myth
(including Won Karwai’s poetics of “deadlines”),
the cinema of Yu Likwai, if anything, springs
from the consideration of its terminable illusoriness
and exhausts itself in the awareness of a globalism
that has already sucked everything down into the
open-endedness of each single destiny: from
Shenzhen to Hong Kong, from China all the
way to Brazil…
Right from his initial diptych, composed of Neon
Goddesses (1996) and Love Will Tear Us Apart
(1999, documentary/fiction, in direct consequence),
Hong Kong is the arrival point of a China that is
conceived as a whole, the golden target of human
migrations that are annulled in the betrayed
promises of the free market. Unfailingly inscribed
in vague melodramas (which, more than genres,
are the mood of reference of Yu Likwai’s cinema),
these characters resonate with existential distances,
estrangements experienced like an absence from
oneself. Their vital space is worn down in a
modicum of gestures, in improper and indefinite
relationships, in non-loves that nurture confused
feelings, in unions that do not bind existences.
This led to the post-atomic diptych: All Tomorrow’s
Parties (2003) and Dance with Me to the End
of Love (2004) are the traces of a melancholy
deafened in the extinction of time, that takes form
in a type of science fiction that transfigures the
classic dystopia into the coming of a world that
is unregulated in hypotheses of totalitarian
annulment (from Communism to the Islamism
of the Taliban). Examples of quietly visionary
abstraction, destined to flow into that film of
contamination par excellence, Plastic City (2008).
A treatise on the falsifications and the
crosscurrents that encompass all the dimensions
of time, of space, of vision, of cinema: it takes
its place on the wave of the new economy
led by China and rides it from the streets
of the São Paulo shantytowns, tracing power
games and making heroes out of two ill-fated
losers; it starts with the gangs of the metropolitan
asphalt jungle and burns out in the archaic
magic of the tribes of the Amazonian rain forest…
CONTENTS
Yu Likwai (Hong Kong, Cina, 1966), dopo gli
studi in Belgio preso l’Insas (Institut national
supérieur des arts de spectacle), si è laureato
in cinema nel 1994 e ha iniziato a lavorare come
direttore della fotografia, avviando un’importante
collaborazione con Jia Zhangke. Sua la fotografia
di numerosi film del regista cinese, tra cui
Pickpocket (1997), Platform (2000), Unknown
Pleasures (2002), The World (2004), Still Life
(2006), 24 City (2008), I Wish I Knew (2010)
e Il tocco del peccato (2013), vincitore del premio
per la miglior sceneggiatura all’ultimo Festival
di Cannes. Dal sodalizio tra i due autori è nata
nel 2003 anche la casa di produzione Xstream
Pictures. Yu Likwai ha inoltre lavorato con la
regista di Hong Kong Ann Hui, curando
la fotografia di Ordinary Heroes (1999)
e soprattutto di A Simple Life, presentato
in concorso alla Mostra di Venezia nel 2011
e vincitore della Coppa Volpi per la migliore
interprete femminile Deannie Yip. Recentemente
ha collaborato al primo film da regista della
scrittrice cinese Quan Ling, Forgetting to Know
You (2013), prodotto da Jia Zhangke e presentato
al Forum della scorsa Berlinale. Parallelamente
al lavoro di direttore della fotografia, nel 1996
Yu Likwai ha avviato la carriera di regista con
il cortometraggio documentario Yuan Ping,
seguito l’anno successivo dal mediometraggio
documentario Neon Goddesses (1996). Nel 1999
ha poi diretto il lungometraggio Love Will Tear
Us Apart, presentato in concorso a Cannes,
e nel 2003 All Tomorrow’s Parties (2003),
selezionato sempre a Cannes, nella sezione
Un certain regard, e vincitore di una menzione
speciale per la fotografia al Bafici e del Premio
New Visions al festival di Sitges. Nel 2004
Yu Likwai ha partecipato al progetto Jeonju
International Film Festival con il cortometraggio
Dance with Me to the End of Love, presentato
nello stesso anno al Torino Film Festival, e nel
2008 ha diretto quello che al momento resta il
suo ultimo film da regista, Plastic City,
presentato in concorso alla Mostra di Venezia.
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ONDE
W AV E S
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YU LIKWAI
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YU LIKWAI
Yu Likwai (Hong Kong, China, 1966) studied in
Belgium at the INSAS (Institut National Supérieur
des Arts de Spectacle), graduating in film in 1994,
and began working as a cinematographer, the start
of an important collaboration with Jia Zhangke.
He directed the photography of many of the
Chinese filmmaker’s movies, including Pickpocket
(1997), Platform (2000), Unknown Pleasures
(2002), The World (2004), Still Life (2006), 24
City (2008), I Wish I Knew (2010), and A Touch
of Sin (2013), which won best screenplay at the
last Cannes Film Festival. The collaboration
between the two artists also led to the founding of
the production company Xstream Pictures in 2003.
Yu Likwai has also worked as director of
photography with the Hong Kong director Ann
Hui on Ordinary Heroes (1999) and above
all on A Simple Life, which competed at the 2011
Venice Film Festival and for which Deannie Yip
won the Volpi Cup for best actress.
He recently collaborated on the first film directed
by the Chinese author Quan Ling, Forgetting to
Know You (2013), produced by Jia Zhangke and
presented at the Forum of the last Berlinale.
Alongside his work as director of photography,
in 1996 Yu Likwai began his career as a director
with the short documentary Yuan Ping, followed
the next year by the medium-length documentary
Neon Goddesses (1996). In 1999 he directed the
feature-length Love Will Tear Us Apart, which
competed at Cannes, and in 2003 All Tomorrow’s
Parties (2003), selected for Cannes in the section
Un certain regard, and winner of a special mention
for the photography at BAFICI and the New
Visions Award at the Sitges Film Festival. In 2004
Yu Likwai participated in the Jeonju International
Film Festival project with the short Dance with
Me to the End of Love, presented that same year
at the Torino Film Festival, and in 2008 he made
what for the moment is his most recent film
as a director, Plastic City, which competed at
the Venice Film Festival.
filmografia/filmography
Yuan Ping (cm, doc., 1995), Neon Goddesses
(mm, doc., 1996), Tin seung yan gaan (Love
Will Tear Us Apart, 1999), Mingri tianya (All
Tomorrow’s Parties, 2003), Jeonju Digital Project
2004 (coregia/codirectors aa.vv., ep. Dance with
Me to the End of Love, 2004), Dangkou (Plastic
City, 2008).
CONTENTS
Plastic City (2008) di Yu Likwai
yu likwai
NEON GODDESSES
CONTENTS
Belgio-Hong Kong/Belgium-Hong Kong, 1996, 16mm, 46’, col.
regia, fotografia/director,
cinematography
Yu Likwai
montaggio/film editing
Michèle Hubinon
suono/sound
Zhang Yang
produttore/producer
Karine de Villers
produzione/production
Centre de l’Audiovisuel
à Bruxelles (CBA),
Hu Tong Communication
coproduzione/coproduction
Ministère de la
Communauté française
de Belgique,
La Loterie Nationale
LE DEE DEL NEON [T.L.]
Documentario dedicato a tre ragazze di provincia trasferitesi a Pechino. Yu Quin, diplomata in musica
e madre di una bambina, ha lasciato la figlia al villaggio e ha trovato lavoro nel bar di un night club;
Hu Jin ha abbandonato gli studi prima di trasferirsi e occasionalmente viene assunta come comparsa
e modella; Zun Jia, dopo diversi tentativi di suicidio e un periodo di dipendenza dalle droghe, è finita
a fare la ballerina in una discoteca. Frastornate dalle luci al neon e dalla musica assordante, le tre
donne provano a dimenticare il loro difficile passato e a rifarsi una vita.
NEON GODDESSES
A documentary about three girls from the provinces who move to Beijing. Yu Quin, who has a diploma
in music and a young daughter, left her child behind in the village and has found a job working at the
bar in a night club. Hu Jin dropped out of school before moving away and finds occasional work as an extra
and a model. Zun Jia, after various failed suicide attempts and a stint as a drug addict, has ended up as a
dancer in a disco. Dazed by the neon lights and the deafening music, the three women try to forget their
difficult past and make a new life for themselves.
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ONDE
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YU LIKWAI
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YU LIKWAI
yu likwai
TIN SEUNG YAN GAAN
CONTENTS
LOVE WILL TEAR US APART
Hong Kong, 1999, 35mm, 109’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Yu Likwai
fotografia/cinematography
Lai Yiu Fai
montaggio/film editing
Chow Keung
scenografia/
production design
Elbut Poon
interpreti e personaggi/
cast and characters
Tony Leung (Ah Jian),
Wong Ning (Ah Ying),
Lu Li Ping (Ah Yan),
Rolf Chow (Ah Chun)
produttori/producers
Stanley Kwan,
Tony Leung
produzione/production
Hu Tong Communication
vendita all’estero/
world sales
Celluloid Dreams
LOVE WILL TEAR US APART
Ying è una prostituta di Wuhan, che decide di traferirsi con un breve permesso di soggiorno a Hong
Kong: qui non conosce nessuno e nessuno, neppure la città, sa della sua esistenza. In questo nuovo
scenario, incontra altre tre persone giunte a Hong Kong dalla Cina continentale: Yan, un’insegnante di
danza che ora lavora come addetta all’ascensore in un ristorante, Jian, il ragazzo di Yan, impiegato in
un negozio di video porno e, infine, Chun che di mestiere ripara ascensori. Tra bordelli d’infimo ordine
e karaoke deserti, le loro vite si intrecciano e prendono direzioni diverse.
«Questo è un film sulla Hong Kong “post cinese”: nel senso che in questa Regione amministrativa
speciale della Repubblica popolare cinese l’essenza dei cinesi si è sfaldata, ha perso di senso.
Emigrante per natura, la gente qui soffre costantemente di una nostalgia per un altrove indefinito.
Il film si propone di fare una sorta di esame patologico su cosa significhi “essere cinese” nella mia
città natale».
LOVE WILL TEAR US APART
Ying, a prostitute in Wuhan, decides to move to Hong Kong with a short-term residency permit: there, no
one knows her and no one – not even the city – knows she exists. In Hong Kong she meets three other people
who have arrived from continental China: Yan, a dance teacher who now works an elevator in a restaurant;
Jian, Yan’s boyfriend, who works in a store that sells porn videos; and Chun, who services elevators. Between
third-rate brothels and deserted karaoke clubs, their lives mingle and take different directions.
“This is a film about ‘post-Chinese’ Hong Kong. ‘Post-Chinese’ in the sense that in this Special Administrative
Region of the People’s Republic of China the Chinese essence has become brittle and emptied of its substance.
Migrants by nature, the people here are perpetual victims of a nostalgia from somewhere else. The film sets
out to construct a kind of pathology of what it means to be Chinese in my native city.”
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ONDE
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yu likwai
MINGRI TIANYA
ALL TOMORROW’S PARTIES
CONTENTS
Cina/China, 2003, 35mm, 95’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Yu Likwai
fotografia/cinematography
Lai Yiu Fai
montaggio/film editing
Chow Keung
scenografia/
production design
Zhao Xiao Yu
costumi/costume design
Fu Jing Ping
musica/music
Yoshihiro Hanno
suono/sound
Ken Wong
interpreti e personaggi/
cast and characters
Cho Yong Won (Xuelan),
Diao Yi Nan (Zhuai),
Na Ren (Lanlan),
Zhao Wei Wei (Mian)
produttori/producers
Li Kit Ming,
Hengameh Panahi
produzione/production
Lumen Films
vendita all’estero/
world sales
Celluloid Dreams
ALL TOMORROW’S PARTIES
Metà del ventunesimo secolo. La potente setta del Gui Dao detta legge nell’Asia post apocalittica
e porta avanti una campagna di epurazione dei dissidenti. Tra questi, i due fratelli Zhuai e Mian
vengono catturati e inviati a Camp Prosperity per essere rieducati. Inaspettatamente, il potere viene
rovesciato e i due ragazzi hanno la possibilità di sperimentare la libertà: Zhuai si innamora di Xuelan
e porta la ragazza e suo figlio in una città deserta, dove si stabiliscono in un appartamento
abbandonato cercando di vivere i piccoli piaceri della vita.
«Non so se il soggetto di All Tomorrow’s Parties possa essere considerato fantascienza. Anticipare
il futuro non significa automaticamente fare della fantascienza. […] Il film è una storia che predice
il futuro: un’Asia post apocalittica. Potrà succedere domani, nel 2075 o nel 3000: chi lo sa. […]
A pensarci bene, il racconto può adattarsi facilmente a ogni evento contemporaneo, potrebbe anche
essere un film sul dopoguerra. L’ho ambientato nel futuro perché mi permetteva di esprimere meglio
le mie emozioni nei confronti delle nostre assurdità e delle nostre fragilità».
ALL TOMORROW’S PARTIES
The mid-21 century. The powerful sect Gui Dao controls post-apocalyptic Asia and is conducting a campaign
to eliminate all dissidents. These include the two brothers Zhuai and Mian, who are captured and sent to
Camp Prosperity to be re-educated. Unexpectedly, the sect is overthrown and the two young men have a
chance to taste freedom. Zhuai falls in love with Xuelan and takes her and her son to a deserted city, where
they set up home in an abandoned apartment and try to explore the small pleasures of life.
ST
“I don’t really know if the subject matter of All Tomorrow’s Parties can really be categorized as science
fiction. For me, anticipating the future does not automatically imply science fiction. […] The film is a story
of anticipation: a post-apocalyptic Asia. It can happen tomorrow, it can happen in 2075 or 3000, who knows.
[…] As a matter of fact, the story could easily fit within the realms of any contemporary event. It could even
be considered a post-war film. I situate the film in the future simply to enable me to better express my feelings
against our absurditites, our fragilities.”
162
ONDE
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yu likwai
DANCE WITH ME TO THE END OF LOVE
CONTENTS
Corea del Sud-Hong Kong/
South Korea-Hong Kong, 2004, DigiBeta, 30’, col., muto/silent
regia, sceneggiatura,
fotografia, montaggio,
produttore/director,
screenplay, cinematography,
film editing, producer
Yu Likwai
musica/musica
Xiao He
suono/sound
Zhang Yang
interpreti/cast
Na Ren,
Chow Chi Sung,
Ah Dun,
Xiao He
produzione, distribuzione/
production, distribution
Jeonju International
Film Festival
**
DANCE WITH ME TO THE END OF LOVE
Plasticity soffre il Grande freddo, le condizioni atmosferiche estreme inibiscono l’esistenza sulla
superficie terrestre e il mondo è ridotto a una landa desolata. Vicino alla cinquantesima periferia,
si trova un ostello sotterraneo dove lavora come portiere Kirin, un orfano dall’origine sconosciuta
che prende il nome dalle lattine di birre che raccoglie per guadagnarsi da vivere. La sua è una vita
solitaria, fino a quando incontra la bella nomade Lanlan.
«Voglio dare il mio contributo al cinema muto. Secondo me, i film muti sono grandi lezioni
di cinema, sono pionieristici in termini di linguaggio cinematografico e costruzione narrativa,
hanno inventato praticamente tutto. Con questo cortometraggio voglio abbandonarmi a quello
stesso spirito di ingenuità e sincerità, esplorando le possibilità del digitale in continuità con una
grande tradizione. Voglio rappresentare il tempo presente come una parodia, per creare una dialettica
tra realtà e immaginario: tutto è familiare e contemporaneo, eppure la rappresentazione crea una sorta
di discrepanza e distanza».
DANCE WITH ME TO THE END OF LOVE
Plasticity suffers from the Big Chill. The extreme weather condition prohibits any human existence on
the ground surface. Near the 50 Periphery, an underground hostel sleeps under this deserted landscape…
Kirin is the doorkeeper of the hostel. He is an orphan and nobodies know exactly where he is from.
People name him Kirin simply because he earns his life by collecting emptied beer cans. He lives in his
own solitude until one day he meet the beautiful nomad Lanlan.
TH
“In this short film project, I want to make my tribute to the silent film. For me, the silent movies are the
biggest lesson of cinema. In terms of cinema language and narrative construction, the silent movies have
nearly all invented for us. They are the pioneer of cinema. With this chance of making this short film,
I want to indulge myself with this spirit of naivety and sincerity, exploring the digital visual possibilities
in continuity of this great tradition. Shooting the present time as a Parody, to create dialectic between
the reality and imagery. Everything is familiar and contemporary, yet the treatment itself will create
a sort of discrepancy and distance.”
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ONDE
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yu likwai
DANGKOU
CONTENTS
PLASTIC CITY
Brasile-Cina-Giappone/Brazil-China-Japan, 2008, 35mm, 118’, col.
regia/director
Yu Likwai
sceneggiatura/screenplay
Yu Likwai,
Fernando Bonassi
fotografia/cinematography
Lai Yiu Fai
montaggio/film editing
Wenders Li,
André Finotti
scenografia/
production design
Cassio Amarante
costumi/costume design
Cristina Camargo
musica/music
Fernando Corona,
Yoshihiro Hanno
suono/sound
Ken Wong
interpreti e personaggi/
cast and characters
Joe Odagiri (Kirin),
Anthony Wong (Yuda),
Huang Yi (Ocho),
Tainá Müller (Rita),
Jeff Chen (Mr Taiwan),
Phelippe Haagensen
(Tetsuo),
Antônio Petrin (Coelho),
Milhelm Cortaz (Not Dead),
Alexandre Borges (Danilo),
Cláudio Jaborandy (Mário)
produttori/producers
Fabiano Gullane,
Caio Gullane,
Chow Keung,
Jia Zhang-Ke,
Yuji Sadai,
Siuming Tsui,
Debora Ivanov,
Gabriel Lacerda
produzione/production
Gullane,
Xstream Pictures
coproduttori/coproducers
François Da Silva,
Jacqueline Liu,
Fumino Osaka
coproduzione/coproduction
Bitters End,
Sundream Motion Pictures,
Paris Filmes
vendita all’estero/
world sales
Celluloid Dreams
164
PLASTIC CITY
Il quartiere Libertade di San Paolo è controllato dal boss sinobrasiliano Yuda e dal figlio adottivo Kirin;
i due gestiscono il traffico dei capi di vestiario contraffatti provenienti dalla Cina. Costruito negli anni,
l’impero di Yuda sembra inattaccabile, ma una cospirazione tra politica e mafia lo mette in ginocchio.
Al contrario di Kirin, che decide di combattere per riconquistare l’onore del padre putativo, Yuda sceglie
di arrendersi fuggendo nella foresta dove anni prima aveva trovato e salvato il figlio.
«Plastic City è una storia di sopravvivenza. Comincia e finisce in una foresta mistica come l’Amazzonia,
dove la lotta tra anima e corpo trova piena espressione. Mi interessano molto questi due aspetti:
le contraddizioni di un gangster edonista e la sua realtà spirituale. Certamente, poi, il film è anche
la storia di un padre e di un figlio. Per Kirin, il padre adottivo Yuda è decisamente “l’altro”, è paterno,
ma distante. E lo stesso disilluso Yuda trova la definitiva liberazione e la serenità spirituale solamente
uccidendosi di fronte al “figlio”. Il gesto finale pone fine a un mondo e ne fa nascere uno nuovo».
PLASTIC CITY
São Paulo. The Libertade neighborhood is controlled by the Sino-Brazilian boss Yuda and his adopted son,
Kirin. The two control the trafficking of counterfeit clothing from China. Yuda has constructed a unassailable
empire over the years, but a conspiracy between politicians and the mafia bring Yuda to his knees. Kirin wants
to fight back to regain his father’s honor, but Yuda decides to give in and take refuge in the forest, where years
earlier he had found and saved his son.
“Plastic City is a story about survivors. It starts and ends in the mystic forest of the Amazon, where the
wrestling-match between body and soul finds its full expression. I’m particularly interested in those two, linked
aspects of survival: the duality of a gangster’s hedonism and his spiritual reality. It is, indeed, also a father-son
story. For Kirin, his adoptive father Yuda is radically ‘other:’ parental, yet erratic. And yet the disabused Yuda
finds his ultimate liberation and spiritual equanimity by killing himself in front of his ‘son.’ His final gesture
kills one world and makes way for the birth of a new one.”
ONDE
W AV E S
-
YU LIKWAI
-
YU LIKWAI
CONTENTS
E I N TA N T O I N I TA L I A /
M E A N W H I L E I N I TA LY
MAURIZIO ZACCARO ADELANTE PETROLEROS
| FRANCESCA ARCHIBUGI PAROLE POVERE |
ANTONIETTA DE LILLO LA PAZZA DELLA PORTA ACCANTO
E intanto in Italia
Meanwhile in Italy
CONTENTS
DI/BY PAOLO VIRZÌ
La pazza della porta accanto (2013) di Antonietta De Lillo
In questa sezione saranno
presentati i seguenti progetti
di film in lavorazione/
As part of this program,
the following directors
will introduce their new
films still in progress
Antonietta De Lillo
PRESENTA / PRESENTS
Oggi insieme
domani Anche
Francesco Bruni
PRESENTA / PRESENTS
Noi 4
Alice Rohrwacher
PRESENTA / PRESENTS
Le meraviglie
Gianni Zanasi
PRESENTA / PRESENTS
Che succede intanto nel deriso, bistrattato,
eroico cinema italiano? Cosa bolle in pentola
nella cucina di alcuni cineasti contemporanei
dei quali ci interessa seguire le vicende? C’è
chi ha girato un film e ha accettato di mostrarci
qualche primizia esclusiva, chi deve ancora
iniziare le riprese ma viene a condividere certi
suoi preparativi, e chi invece, come interludio
tra un film e l’altro, ha realizzato un
documentario e ci fa il regalo di presentarcelo
in anteprima. Sarà l’occasione per il pubblico
del Festival di incontrare alcuni dei protagonisti
del nostro cinema – con una selezione che va
da quelli che consideriamo i più promettenti
ad alcuni che invece già possono essere
celebrati come giovani maestri – per dialogare
con loro su quello che stanno combinando, sul
loro percorso, il loro modo di raccontare, di
concepire e allestire un’opera cinematografica,
cercando magari di sollecitare anche la
condivisione di quei travagli segreti che
costituiscono l’officina creativa di un film.
La felicità è un
sistema complesso
Diego Bianchi (Zoro)
PRESENTA / PRESENTS
Arance e martello
166
E I N TA N T O I N I TA L I A /
M E A N W H I L E I N I TA LY
What is happening meanwhile in the sneered,
sidelined, and heroic Italian cinema? What is
brewing in the kitchen of contemporary
filmmakers? Some are making movies and
accepted to show us some exclusive footage; some
still need to start shooting, but they shared with
us some of their preparations nonetheless; and
others have made documentaries as an interlude
between making features, and have given us the
gift premiering them at the Torino Film Festival.
It will be a chance for the Festival’s audience
to meet some of our movie industry’s protagonists,
ranging from the some of most promising talents
to those already acclaimed as young masters.
These encounters will offer the possibility to talk
with them about what they have been doing,
about their paths, their way of telling stories,
their creative process, maybe getting them
to share some of the secret pains comprising
a film’s creative laboratory.
maurizio zaccaro
ADELANTE PETROLEROS
L’ORO NERO DELL’ECUADOR
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 75’, col.
regia, soggetto,
sceneggiatura, produttore/
director, story,
screenplay, producer
Maurizio Zaccaro
fotografia/cinematography
Maurizio Zaccaro,
Eloy Zecca
montaggio/film editing
Dario Indelicato
musica/music
Carlo Siliotto,
Claudio Capponi,
Alessio Vlad,
Andrea Alessi
produzione/production
FreeSolo Produzioni
**
contatti/contacts
Maurizio Zaccaro
[email protected]
ADELANTE PETROLEROS
- L’ORO NERO DELL’ECUADOR
Sette anni fa l’Ecuador ha deciso di rinunciare allo sfruttamento
dei giacimenti petroliferi della foresta pluviale: per fare questo
ha chiesto alla comunità internazionale di compensare il mancato
guadagno con la creazione di un fondo per raccogliere in dodici
anni circa la metà del ricavo previsto. A distanza di sei anni i
risultati sono così fallimentari che il 15 agosto scorso il presidente
Correo ha annunciato di voler iniziare lo sfruttamento petrolifero
nel parco naturale dello Yasuní.
«Il fenomeno del land grabbing (letteralmente, razzia di terre)
è facile da spiegare: si tratta di concessioni, o di acquisti massicci
da parte delle multinazionali degli Stati più ricchi, di enormi
porzioni di territorio nei Paesi più poveri di Sud America, Africa,
e così via, per trasformarli in colture intensive e soprattutto per
estrarre ricchezze del sottosuolo come oro e petrolio. Quello
che sta accadendo in queste terre, quindi, è la distruzione degli
ecosistemi locali e l’estinzione delle nazioni indigene che hanno
nella foresta pluviale il loro territorio ancestrale».
ADELANTE PETROLEROS
- THE BLACK GOLD OF ECUADOR [L.T.]
Seven years ago, Ecuador decided to not to exploit the oilfields under
the rainforest. In order to do so, it asked the international community
to compensate it for the loss of profit by creating a fund that would
collect almost half of the expected revenue over twelve years. Six years
later, the initiative resulted in such a failure that on 15 August 2013,
President Correo announced that they would start drilling for oil in
the Yasuní National Park.
“The land grabbing issue can be easily explained: multinational
corporations from the wealthiest nations are buying or leasing
enormous pieces of land in developing countries in Latin America,
Africa, and so on; their purpose is to exploit the soil for intensive
farming or to extract precious materials like gold or oil. But this is
actually happening in these lands is the destruction of local ecosystems
and the extinction of indigenous nations for which the rainforest
represents their ancestral home.”
167
E I N TA N T O I N I TA L I A /
M E A N W H I L E I N I TA LY
Maurizio Zaccaro (Milano, Italia,
1952), diplomato alla Scuola del
cinema di Milano, nel 1977 ha
realizzato Overkill, vincitore a
Oberhausen. La frequentazione del
laboratorio di Ipotesi Cinema lo ha
portato a realizzare nel 1987 In coda
alla coda, mentre nel 1991 con Dove
comincia la notte ha vinto un David di
Donatello, premio ottenuto anche nel
1999 con Un uomo perbene. Dal 2000
al 2011 ha diretto fiction televisive e
miniserie (Cuore, I ragazzi della via Pal,
Le ragazze dello swing) e nel 2009 ha
diretto il documentario Il Piccolo,
presentato come il successivo Un
foglio bianco (2011) a Venezia. Nel
2012 ha curato la direzione artistica
del progetto di Ermanno Olmi Come
voglio che sia IL MIO FUTURO,
Proiezione speciale a Venezia.
Maurizio Zaccaro (Milan, Italy, 1952),
after graduating from the Milan Film
School in 1977, made the short film
Overkill, receiving an award at
Oberhausen. He then went to the film
school Ipotesi Cinema, which brought
him to making In coda alla coda in
1987. He won a David di Donatello
in 1991 for Where the Night Begins,
and second one in 1999 for Un uomo
per bene. He directed many TV movies
and miniseries from 2000 to 2011
(Cuore, I ragazzi della via Pal, Le
ragazze dello swing), and he directed
the documentary film Il Piccolo (2009),
participating at the Venice Film Festival,
just like Un foglio bianco (2011).
In 2012 he worked as the artistic director
for Ermanno Olmi’s project Come
voglio che sia IL MIO FUTURO,
which participated in Venice in the
Special Screenings section.
filmografia essenziale/
essential filmography
Overkill (cm, 1977), In coda della coda
(1988), Dove comincia la notte (1990),
Kalkstein - La valle di pietra (1992),
L’articolo 2 (1993), Il carniere (1996),
La missione (1997), Cristallo di rocca
(1998), Un uomo perbene (1999),
I ragazzi della via Pal (tv, 2002),
Al di là delle frontiere (tv, 2003),
Mafalda di Savoia (tv, 2005),
’O professore (tv, 2006), Lo smemorato
di Collegno (tv, 2008), I nove semi
(l’India di Vandana Shiva) (2009),
Un foglio bianco (2011), A testa alta
(2013), Adelante petroleros - L’oro nero
dell’Ecuador (doc., 2013).
francesca archibugi
PAROLE POVERE
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 60’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Francesca Archibugi
fotografia/cinematography
Debora Vrizzi
montaggio/film editing
Esmeralda Calabria
musica/music
Battista Lena
suono/sound
Francesco Morosini
interprete/cast
Pierluigi Cappello
produzione/production
Agherose,
Dorino Minigutti,
Tucker Film,
Thomas Bertacche
coproduzione/coproduction
Centro Espressioni
Cinematografiche,
Banca Popolare FriulAdria,
Mittelfest di Cividale
del Friuli
**
contatti/contacts
Agherose
Patrizia Di Lenardo
Tel: +39 043 218 417 18
[email protected]
www.agherose.com
PAROLE POVERE
Parole povere è la collisione tra gli occhi di una regista e le parole di
un poeta: lei offre il suo sguardo, lui la sua identità. La macchina da
presa cerca risposte con affettuoso pudore, il montaggio racconta,
senza estetizzare, la musica diventa scansione narrativa e la storia
di Pierluigi scorre sullo schermo così come nella quotidianità: le
radici friulane e le testimonianze degli amici; i luoghi e i ricordi;
l’ombra scura del ’76 e il profilo delle montagne; la sedia a rotelle
che spezza la libertà di un sedicenne e disegna, millimetro dopo
millimetro, la libertà di un uomo. Di un poeta. Di un guerriero mite
che abita «tra l’ultima parola detta e la prima nuova da dire».
«Mi sono avvicinata a Pierluigi Cappello quando è diventato il mio
compagno di comodino. Non ci conoscevamo, eppure eravamo
già intimi. Le sue poesie sono piene di immagini e forse le ho
perfino sognate. Non sapevo nulla della sua vicenda personale,
dell’incidente in moto a sedici anni e della sua vita in carrozzina
da allora. Nessun indizio dalle poesie: nei suoi versi Pierluigi corre,
a volte vola».
SIMPLE TERMS [L.T.]
Parole povere is the collision between the eyes of a filmmaker and
the words of a poet: she offers her gaze, he offers his identity.
The camera looks for answers with doting discretion, the editing
conveys without embellishments, the music turns into a narrative
scansion, and Pierluigi’s story runs on the screen as it would in
everyday life: his roots in Friuli and the personal stories told by his
friends; the places and the memories; the dark shadow of 1976 and
the silhouette of the mountains; the wheelchair, crippling the freedom
of a sixteen-year-old boy and drawing, millimeter after millimeter,
the freedom of a man. Of a poet. Of a warrior, mild and kind, who
lives “between the last word spoken and the new one to be said.”
“I approached Pierluigi Cappello when he became my bedside table
companion. We didn’t know each other, but were already intimate.
His poems are full of images, I might even have dreamt some. I didn’t
know anything about his personal life, about the motorcycle accident
when he was sixteen, and that he spent the rest of his life in a
wheelchair. There’s no trace of it in the poems: in his verses Pierluigi
runs, and sometimes he flies.”
168
E I N TA N T O I N I TA L I A /
M E A N W H I L E I N I TA LY
Francesca Archibugi (Roma, Italia,
1960), dopo essere stata Ottilia
nelle Affinità elettive (1979) di Gianni
Amico, ha frequentato il Centro
sperimentale di cinematografia
di Roma e la Scuola Ipotesi Cinema
di Bassano, specializzandosi in
sceneggiatura e regia. Con il film
d’esordio Mignon è partita (1988)
ha ottenuto due David di Donatello
e due Nastri d’argento, oltre a
un’ottima accoglienza di pubblico
e critica. Dopo Verso sera (1990),
interpretato da Marcello Mastroianni,
con Il grande cocomero (1993) ha vinto
diversi premi, tra cui quello della
giuria ecumenica a Cannes. Nel 1994
ha diretto Con gli occhi chiusi e quattro
anni dopo ha presentato a Venezia
L’albero delle pere. Nel 2001 ha
partecipato al Festival di Cannes
con Domani e, dopo l’esperienza
televisiva di Renzo e Lucia, ha diretto
Lezioni di volo (2007) e Questioni di
cuore (2009).
Francesca Archibugi (Rome, Italy,
1960), after playing Ottilia in Le affinità
elettive (1979), directed by Gianni
Amico, studied scriptwriting and film
direction at the Centro Sperimentale
di Cinematografia in Rome and
at the school Ipotesi Cinema in Bassano.
She received two David di Donatello
awards and two Nastri d’argento for
her debut feature Mignon Has Come
to Stay (1988), a hit with the public and
the critics alike. After Towards Evening
(1990), featuring Marcello Mastroianni,
she made The Great Pumpkin (1993),
winning several awards, including the
prize of the ecumenical jury at Cannes.
She directed With Closed Eyes in 1994,
and she presented The Pear Tree in
Venice four years later. In 2001 she
participated at the Cannes Film Festival
with Tomorrow. After her experience in
television directing the TV movie Renzo
e Lucia, she made the features Flying
Lessons (2007) and A Matter of Heart
(2009).
filmografia/filmography
Mignon è partita (1988), Verso sera
(1990), Il grande cocomero (1993), Con
gli occhi chiusi (1994), L’unico paese al
mondo (cm, 1994), Ritratti d’autore
(coregia/codirectors aa.vv, ep., tv,
1996), La strana storia di Banda Sonora
(doc., 1997), L’albero delle pere (1998),
Domani (2001), Renzo e Lucia (tv,
2004), Gabbiani. Studio su Il gabbiano
di Anton Cechov (doc., 2004), Lezioni
di volo (2007), Questione di cuore
(2009), Giulia ha picchiato Filippo (cm,
2012), Parole povere (mm, doc., 2013).
antonietta de lillo
LA PAZZA DELLA PORTA ACCANTO
CONTENTS
CONVERSAZIONE CON ALDA MERINI
Italia/Italy, 2013, HD, 52’, col.
regia/director
Antonietta De Lillo
montaggio/film editing
Valeria Sapienza
musica/music
Philippe Sarde,
Ascanio Celestini
interprete/cast
Alda Merini
produzione/production
marechiarofilm
**
contatti/contacts
marechiarofilm
Antonietta De Lillo
Tel: +39 06 772 002 42
[email protected]
www.marechiarofilm.it
All’interno del programma sarà
proiettato Frammenti d’amore per
il film partecipato: materiali
d’archivio, opere di animazione,
filmini di matrimoni,
documentari, lavori ancora in
lavorazione, che andranno a
comporre Oggi insieme domani
Anche, secondo film
«partecipato» della
marechiarofilm, dedicato ai temi
dell’amore e della separazione
nella società italiana
contemporanea.
During the program, Frammenti
d’amore per il film partecipato
will be screened: archive material,
animated films, home movies of
weddings, documentaries, works
still in production, all of which will
compose Oggi insieme domani
Anche, the second “participated”
film of marechiarofilm, about topics
regarding love and separation in
contemporary Italian society.
169
LA PAZZA DELLA PORTA ACCANTO
CONVERSAZIONE CON ALDA MERINI
Alda Merini racconta la propria vita in una narrazione intima
e familiare, oscillando tra pubblico e privato e soffermandosi
sui capitoli più significativi della sua esistenza: l’infanzia, la
femminilità, gli amori, la maternità e il rapporto con i figli, la follia
e la lucida riflessione sulla poesia e sull’arte. Il volto della poetessa
e i dettagli di occhi, mani e corpo ne compongono un ritratto che
non nasconde le contraddizioni di una tra le più importanti e note
figure letterarie del secolo scorso.
«Da quando realizzai Ogni sedia ha il suo rumore nel 1995 ho
sempre avuto nel cuore l’dea di recuperare il materiale prezioso
“rimasto nel cassetto” dell’incontro con Alda Merini. Un materiale
che in quel lavoro si intrecciava con la performance di Licia
Maglietta, tagliando inevitabilmente fuori la parte della
conversazione con Alda Merini. A distanza di vent’anni, grazie alla
collaborazione di Rai Cinema, questo materiale è stato finalmente
recuperato ed è diventato La pazza della porta accanto, un lavoro
che restituisce integralmente quello straordinario incontro».
THE CRAZY WOMAN NEXT-DOOR
CONVERSATION WITH ALDA MERINI [L.T.]
Alda Merini tells her life in a personal and familiar narrative,
fluctuating between public and private, lingering on the most significant
chapters of her existence: childhood, womanhood, love, maternity
and the relationship with her children, madness and the lucid reflection
on poetry and art. The face of the poetess and the details of her eyes,
hands, and body create a portrait that does not hide the contradictions
of one of the most important and renowned literary figures of the
twentieth century.
“Ever since I made Ogni sedia ha il suo rumore in 1995, I have
always wanted to retrieve the precious unused footage from the
encounter with Alda Merini. At the time, that material was entwined
with Licia Maglietta’s performance, inevitably cutting out parts of the
conversation with Alda Merini. This footage was recovered almost
twenty years later thanks to the collaboration of Rai Cinema, becoming
La pazza della porta accanto, which restores that extraordinary
encounter in its entirety.”
E I N TA N T O I N I TA L I A /
M E A N W H I L E I N I TA LY
Antonietta De Lillo (Napoli, Italia,
1960) ha iniziato a lavorare come
fotoreporter, prima di dirigere nel
1985 con Giorgio Magliulo Una casa
in bilico, Nastro d’argento come
miglior opera prima. Tra il 1992
e il 1999 ha realizzato documentari
e videoritratti premiati in diversi
festival internazionali, tra cui Ogni
sedia ha il suo rumore, dedicato ad
Alda Merini. Con Racconti di Vittoria
(1995) ha ottenuto il Premio Fedic
e quello del Sindacato critici
cinematografici a Venezia, mentre
con Non è giusto ha partecipato al
Festival di Locarno. Il resto di niente
(2004), presentato a Venezia, ha vinto
tre David di Donatello e il Premio
Flaiano per la sceneggiatura. Nel 2007
ha fondato la casa di produzione e
distribuzione marechiarofilm.
Antonietta De Lillo (Naples, Italy,
1960) started working as a press
photographer before making Una casa
in bilico with Giorgio Magliulo in 1985,
which won the award Nastro d’argento
for best new director. Between 1992 and
1999, she made many documentary
films and video-portraits, which won
awards in several international film
festivals; Ogni sedia ha il suo rumore,
dedicated to Alda Merini, is among
them. She directed Racconti di Vittoria
in 1995, winning in Venice the FEDIC
Award and the prize from the Film
Critics Union. She then participated
to the Locarno Film Festival with Non
è giusto. Il resto di niente, presented
in Venice in 2004, won three David di
Donatello Awards, and the Flaiano
Award for best screenplay. In 2007 she
started the production and distribution
company marechiarofilm.
filmografia essenziale/
essential filmography
Una casa in bilico (coregia/codirector
Giorgio Magliulo, 1985), Matilda
(coregia/codirector Giorgio Magliulo,
1990), Angelo Novi fotografo di scena
(doc., 1992), Promessi sposi (doc.,
1993), La notte americana del Dr Lucio
Fulci (doc., 1994), Ogni sedia ha il suo
rumore (doc., 1995), Racconti di
Vittoria (1995), Viento ’e Terra (1996),
Diari del 900 (1997), Il faro (2000),
Non è giusto (2001), Pianeta Tonino
(2002), Il resto di niente (2004),
Il pranzo di Natale (2011), La pazza
della porta accanto (mm, doc., 2013).
CONTENTS
CONTENTS
SPAZIO TORINO
- TRAGEDIA IN TRE ATTI | DAVIDE LUCHINO CARMINE | RENATO PORFIDO CHASING |
| MAURO DE FAZIO, LUCIO VIGLIERCHIO IL SIGNORE DELLE CHIAVI |
FELIPE AGUILA TRILOGIA DELL’AMORE | GIANCARLO TOVO UN ALTRO RITMO
STEFANO CRAVERO BANDINI
ROCCO RICCIO L’ILLUSIONISTA
stefano cravero
BANDINI - TRAGEDIA IN TRE ATTI
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, 8mm, 7’, col.
BANDINI - A TRAGEDY
IN THREE ACTS [L.T.]
regia/director
Stefano Cravero
musica/music
Maurizio Schembri,
Moby
May 10 , 1967. During the Monaco Grand
Prix, the Ferrari pilot Lorenzo Bandini dies
in a crash at the harbor chicane. An 8mm
camera witnessed the accident by chance,
capturing a man’s death in a small roll
of film, imprisoning it perhaps forever.
TH
**
contatti/contacts
Stefano Cravero
[email protected]
Stefano Cravero works as a film editor.
He graduated from the art school DAMS
in Turin, after which he attended the
Centro sperimentale di cinematografia
in Rome.
BANDINI
- TRAGEDIA IN TRE ATTI
10 maggio 1967. Durante il Gran premio di Monaco, il pilota della
Ferrari Lorenzo Bandini muore in un incidente all’altezza della chicane
del porto. Una cinepresa 8mm, testimone casuale dell’evento, ha
imprigionato la morte di un uomo in un piccolo rullo di pellicola,
forse per sempre.
filmografia/filmography
Bandini - Tragedia in tre atti (cm, 2013).
Stefano Cravero lavora come montatore per il cinema. Laureato
al Dams di Torino, si è diplomato in montaggio al Centro sperimentale
di cinematografia di Roma.
davide luchino
CARMINE
Italia/Italy, 2013, HD, 15’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Davide Luchino
fotografia/cinematography
Federico Maiocco
montaggio/film editing
Marco Quattrocolo,
Davide Luchino
musica/music
Mattia Pastore
interpreti e personaggi/
cast and characters
Francesco «Cece»
De Maria (Carmine),
Ilenia Massa (Ilenia)
produzione/production
Geko video, NuzwebTV,
Vdea production,
Associazione Gattonardo
**
contatti/contacts
Davide Luchino
[email protected]
172
CARMINE
Carmine is thirty years old, he lives with
his parents and he spends his time online:
he doesn’t go out anymore, he only
communicates with the outside world
through the web. But one day, his
Internet connection breaks down…
CARMINE
A trent’anni Carmine vive con i genitori e passa il tempo in rete:
non esce più e comunica con il mondo solamente attraverso il web.
Un bel giorno, però, la connessione internet salta…
Davide Luchino (Cuneo, Italia, 1978), laureato in storia e critica del
cinema, ha lavorato per la televisione e il cinema e autoprodotto tre
cortometraggi. Nel 2010 si è laureato in scienze della formazione
primaria a Roma e ha iniziato a lavorare come insegnante.
SPAZIO TORINO
Davide Luchino (Cuneo, Italy, 1978)
majored in history and criticism of the
cinema. He has worked in television
and cinema, and he has self-produced
three short films. He graduated in
primary education in Rome in 2010
and he has started working as a teacher.
filmografia/filmography
Ve-Li (cm, 2001), Sirene alla luna
(cm, 2002), Tutte le volte che nevica
(cm, 2003), Carmine (cm, 2013).
renato porfido
CHASING
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, DV, 12’, col.
regia/director
Renato Porfido
soggetto, sceneggiatura/
story, screenplay
Renato Porfido, Rita C. Foti
fotografia/cinematography
Massimiliano Nicotra
montaggio, musica/
film editing, music
Gioele Fazzeri
interpreti e personaggi/
cast and characters
Alessio Zucca Nigra
(Lorenzo), Renato Porfido
(il padre di Lorenzo/
Lorenzo’s father)
produttori/producers
Angelo C. Ciaiola,
Renato Porfido,
Rita C. Foti
produzione/production
Caleido Film
**
contatti/contacts
Renato Porfido
[email protected]
CHASING
A small town in northern Italy, a simple
family of three: the father, a construction
worker, the mother, a housewife, their
eighteen-year-old son, Lorenzo, who also
works in construction. But everything
changes when Lorenzo develops a
gambling addiction to slot machines:
he becomes increasingly alienated,
estranged from his friends, and absorbed
in a guilt-fuelled spiral.
CHASING
Una città di provincia nel Nord Italia, una famiglia semplice: padre
muratore, madre casalinga, figlio diciottenne, Lorenzo, muratore
anche lui. Tutto cambia quando Lorenzo sviluppa una dipendenza
dalle slot-machine: sempre più solo ed estraneo alla vita dei coetanei,
il ragazzo viene assorbito da un vortice alimentato da rimorsi e sensi
di colpa.
Renato Porfido (Susa, Turin, Italy, 1977)
graduated from the Teatro Nuovo in Turin
and works as an actor for film and theater.
filmografia/filmography
Chasing (cm, 2013).
Renato Porfido (Susa, Torino, Italia, 1977), attore teatrale e
cinematografico, si è diplomato al Teatro nuovo di Torino.
rocco riccio
L’ILLUSIONISTA
Italia/Italy, 2013, HD, 17’, col.
regia/director
Rocco Riccio
soggetto, sceneggiatura/
story, screenplay
Rocco Riccio,
Paolo Chiambretto,
Lorenzo Fabbro
fotografia/cinematography
Federico Torres
montaggio/film editing
Luca Vigliani
scenografia/
production design
Francesco Boerio
costumi/costume design
Anna Filosa
interpreti/cast
Fabio Marchisio,
Alice Lussiana Parente,
Gianluca Gambino
produttore/producer
Tommaso Caroni
**
contatti/contacts
Rocco Riccio
[email protected]
173
THE ILLUSIONIST [L.T.]
It’s an ordinary day in the life of a humble
illusionist performing at a private party.
Reality and human affairs become the
perfect synthesis of the concept of magic,
which creates illusions that conceal various
truths.
Rocco Riccio (1982) was the artistic
director of the PoliMovie International
Club at the Polytechnic University
of Turin. He currently works as the
creative manager for the communication
agency ActingOUT.
L’ILLUSIONISTA
Una giornata di ordinaria amministrazione per un modesto
prestigiatore al lavoro durante una festa privata. La realtà e le vicende
umane diventano la sintesi perfetta del concetto di magia, creatrice
di illusioni che nascondono diverse verità.
Rocco Riccio (1982) è stato direttore artistico del PoliMovie
International Club presso il Politecnico di Torino. Attualmente è
creative manager presso l’agenzia di comunicazione ActingOUT.
SPAZIO TORINO
filmografia/filmography
Rendez-vous (cm, 2009), The Secret
(cm, 2010), Studio 13 (cm, doc., 2011),
Sex Choices (mm, doc., 2011),
Sarajevolution (doc., 2012), Inside Aut
(cm, 2012), L’illusionista (cm, 2013).
mauro de fazio, lucio viglierchio
IL SIGNORE DELLE CHIAVI
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 19’, col.
regia/directors
Mauro De Fazio,
Lucio Viglierchio
sceneggiatura/screenplay
Alessia Maldera, Mauro De
Fazio, Lucio Viglierchio
fotografia/cinematography
Sandro De Frino
interpreti e personaggi/
cast and characters
Alessandro Tessitore
(Roberto), Claudia Appiano
(la sorella di Roberto/
Roberto’s sister),
Salvatore Bottari
(il medico/doctor)
produzione/production
NoriaFilm
coproduzione/coproduction
Zenit Arti Audiovisive,
Laboratorio Urbano
Mente Locale
**
contatti/contacts
Lucio Viglierchio
[email protected]
THE LORD OF THE KEYS [L.T.]
Robert is obsessed with control, channeling
in particular his psychosis into keys.
But one day, while installing the latest
in a series of locks on his front door,
he looses a screw.
Mauro De Fazio (Turin, Italy, 1980)
directed several shorts and a feature-length
film, Appunti di viaggio (2008).
IL SIGNORE DELLE CHIAVI
Roberto vive nell’ossessione del controllo, e canalizza la sua psicosi
in particolare verso le chiavi. Ma un giorno, mettendo l’ennesima
serratura alle porte di casa, perde una vite.
Lucio Viglierchio (Turin, Italy, 1978)
started collaborating with Zenit Arti
Audiovisive in 2003, working in editing
and postproduction.
filmografia/filmography
Mauro De Fazio, Lucio Viglierchio:
Il signore delle chiavi (cm, 2013).
Mauro De Fazio (Torino, Italia, 1980) ha diretto numerosi
cortometraggi e un lungometraggio, Appunti di viaggio (2008).
Lucio Viglierchio (Torino, Italia, 1978) dal 2003 ha iniziato
a collaborare con Zenit Arti Audiovisive, occupandosi di montaggio
e postproduzione.
felipe aguila
TRILOGIA DELL’AMORE
Italia/Italy, 2013, Super8, 15’, col.
regia/director
Felipe Aguila
interpreti/cast
Stefano Bighi, Alice
Pieraccioni, Ivan Fiandaca,
Alessandro Baltera, David
Bowes, Martina Liossi,
Maurizio Fellitto, Nicolás
Zengarini, Cristina Borgarelli,
Vins Harp, Abdo, Elisabetta
Rossetti, Cristiano Gattuso
produzione/production
Mal Fait productions
collaboratori/collaborators
Enrico Giovannone,
Sara Meloni,
Claudio Malpede, Ivan
Augello, Francesca Frigo,
Andrea Parena, Giovanni
Rizzello, Annalisa Di Rosa,
Francesco Pini
**
contatti/contacts
[email protected]
174
TRILOGY OF LOVE [L.T.]
In a café in a city like any other, a group
of customers share their everyday lives.
Love, envy, jealousy, and friendship coexist,
creating stories that evolve as the seasons
go by.
Felipe Aguila (Santiago de Chile, Chile,
1977) participated in many international
exhibitions and screenings, from Zagreb
to Caracas. His videos have been featured
in many museums and art galleries in
Turin, where he currently lives and works.
TRILOGIA DELL’AMORE
In un bar di una città qualsiasi, un gruppo di avventori condivide
il quotidiano, dove amore, invidia, gelosia e amicizia coesistono,
dando vita a storie che evolvono con il passare delle stagioni.
Felipe Aguila (Santiago del Cile, Cile, 1977) ha partecipato a mostre
e proiezioni internazionali, da Zagabria a Caracas. A Torino, dove vive
e lavora, le sue opere sono state proiettate in diversi musei e gallerie.
SPAZIO TORINO
filmografia/filmography
Filum (cm, 2007), Battaglia navale senza
nemico (cm, 2008), Oceano (cm, 2009),
Trilogia dell’amore (cm, 2013).
giancarlo tovo
UN ALTRO RITMO
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 14’, col.
ANOTHER RHYTHM [L.T.]
regia/director
Giancarlo Tovo
sceneggiatura/screenplay
Andrea Mattacheo
musica/music
Lorenzo Brondetta
interpreti/cast
Eugenio Allegri,
Luisella Tamietto
produttore/producer
Roberta Zendrini
produzione/production
Museo Nazionale
del Cinema,
Fondazione Carlo
Molo Onlus
**
contatti/contacts
Roberta Zendrini
[email protected]
To wake up at home, at sixty years of age,
and discover you are no longer able to
speak. Even if you are a professor of the
theory of language, the language is trapped
inside your mind and refuses to take form
as words. And what if, instead, the doors
of a cage have opened?
UN ALTRO RITMO
Svegliarsi nella propria casa, a sessant’anni, e scoprire che non si
riesce più a parlare. Anche se si è stati docenti di teoria del linguaggio,
il linguaggio è intrappolato nella mente, si rifiuta di prendere forma
in parole. E se invece si fossero aperte le porte di una gabbia?
Giancarlo Tovo (Torino, Italia, 1957) lavora dal 1981 come fotografo: le
sue immagini sono state pubblicate su riviste internazionali e vantano
partecipazioni a mostre nelle gallerie di tutto il mondo.
175
SPAZIO TORINO
SPECIAL EVENT
-
EVENTO SPECIALE
Giancarlo Tovo (Turin, Italy, 1957) has
been working as a photographer since
1981: his images have been published
in international magazines and have
participated at art gallery exhibitions
throughout the world.
filmografia/filmography
Un altro ritmo (cm, 2013).
CONTENTS
The Lunchbox (2013) di Ritesh Batra
CONTENTS
TORINOFILMLAB
RITESH BATRA THE LUNCHBOX
| BOGDAN MUSTAŢĂ LUPU | NAWAPOL THAMRONGRATTANARIT
| FABIO GRASSADONIA, ANTONIO PIAZZA SALVO | FABIO MOLLO
MARY IS HAPPY, MARY IS HAPPY
IL SUD È NIENTE
| ALESSIO FAVA YURI ESPOSITO
ritesh batra
THE LUNCHBOX
CONTENTS
India, 2013, HD, 104’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Ritesh Batra
montaggio/film editing
John Lyons
scenografia/
production design
Shruti Gupte
musica/music
Max Richter
suono/sound
Michael Kaczmarek
interpreti e personaggi/
cast and characters
Irrfan Khan (Saajan),
Nimrat Kaur (Ila),
Nawazuddin Siddiqui
(Shaikh), Denzil Smith
(Mr Shroff),
Bharati Achrekar
(Mrs Deshpande),
Nakul Vaid (il marito di Ila/
Ila’s husband),
Yashvi Puneet Nagar
(Yashvi), Lillete Dibey
(la madre di Ila/Ila’s mother)
produttori/producers
Guneet Monga,
Anurag Kashyap,
Arun Rangachari
produzione/production
Sikhya Entertainment,
Dar Motion Pictures,
NFDC, Roh Films,
ASAP Films,
Cine Mosaic
coproduttori/coproducers
Nina Lath Gupta,
Shanaab Alam,
Vivek Rangachari,
Sunil John,
Nittin Keni,
Karsten Stöter,
Benny Dreschel,
Cedomir Kolar,
Marc Baschet,
Danis Tanovic
distribuzione/distribution
Academy2
**
contatti/contacts
Academy2
Beatrice Gulino
Tel: +39 06 841 64 88
[email protected]
www.academytwo.com
178
LUNCHBOX
Ila è una casalinga che, con le sue ricette, spera di ridare vitalità
al proprio matrimonio. Saajan è invece un modesto impiegato
che si vede recapitare per sbaglio il cestino per il pranzo che Ila
ha amorevolmente preparato per il marito. Insospettita dalla
mancata reazione del consorte, Ila infila nella pietanziera un
biglietto: sarà l’inizio di un scambio di messaggi che si trasformerà
in un’affettuosa amicizia tra la donna e Saajan, nella quale i due
si confesseranno solitudini, paure, ricordi e piccole gioie.
Pur rimanendo estranei nella vita reale, Ila e Saajan intrecceranno,
però, una compromettente relazione virtuale.
«Fondamentale nella storia è che i percorsi di vita dei due
protagonisti non sarebbero mai riusciti a incontrarsi se non fosse
stato commesso un errore nella consegna del lunchbox. Esistono
molteplici città all’interno di Mumbai. Il loro background e i loro
mondi così diversi ci fanno sperare che qualcosa di buono possa
accadere anche nei luoghi più inusuali».
THE LUNCHBOX
Ila is a housewife who hopes to reignite the spark in her marriage
with her recipes. Sajaan is a humble employee who receives a
misdelivered lunchbox, which Ila had lovingly prepared for her husband.
So, concerned about her spouse’s lack of reaction, Ila write a note and
places it inside the lunchbox: it is be the beginning of an epistolary
exchange that will turn into an endearing friendship between Ila and
Sanjaan. In the letters, they confess their loneliness, their fears, their
memories, and their little delights. Despite being strangers in real life,
Ila and Sanjaan still manage to weave together a compromising
virtual relationship.
“What’s fundamental in this story is that the life paths of the
protagonists would never have crossed if it hadn’t been for a
lunchbox delivery mistake. There are many cities inside Mumbai.
Their backgrounds and their worlds are so different that it makes
us hope that something good could happen even in the most
unexpected places.”
TORINOFILMLAB
Ritesh Batra (Mumbai, India) ha
presentato i suoi cortometraggi in
numerosi festival in tutto il mondo.
Il suo ultimo cortometraggio in lingua
araba, Café Regular, Cairo, ha ottenuto
dodici premi internazionali, tra i quali
il premio Fipresci a Oberhausen
e una menzione speciale della giuria
al Tribeca e al Chicago Film Festival.
Con la sua sceneggiatura The Story
of Ram ha partecipato nel 2009
a un laboratorio di regia e scrittura
organizzato dal Sundance e al
momento sta lavorando al suo
prossimo lungometraggio,
Photograph, e a una raccolta di
cortometraggi. Vive con la sua
famiglia tra New York e Mumbai.
Ritesh Batra (Mumbai, India) has
presented his short films in many
festivals around the world. His latest
short, Café Regular, Cairo, which he
shot in Arabic, received twelve
international awards, including the
FIPRESCI prize in Oberhausen, and
a special mention from the juries of
Tribeca and the Chicago Film Festival.
In 2009, he participated with his script
The Story of Ram in a screenwriting
and directing workshop organized by
Sundance. He is currently working on
his next feature Photograph, and on a
collection of short films. He lives with his
family between New York and Mumbai.
filmografia/filmography
The Morning Ritual (cm, 2008),
Gareeb Nawaz’s Taxi (cm, 2010),
Café Regular, Cairo (cm, 2011),
The Lunchbox (Lunchbox, 2013).
bogdan musta#ă
LUPU
CONTENTS
WOLF
Romania, 2013, 35mm, 78’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Bogdan Musta!ă
fotografia/cinematography
Barbu Balasoiu
montaggio/film editing
George Cragg,
Stefan Ion Tatu
scenografia/
production design
Oana Novicov
interpreti/cast
Mihai Vasilescu,
Ada Condeescu,
Carmen Ungureanu,
Costel Cascaval,
Sergiu Nicolaescu
produttore/producer
Marcian Lazar
produzione/production
Strada Film
coproduzione/coproduction
Neue Road Production
**
contatti/contacts
Strada Film
Smaranda Onea
Tel: +402 141 180 99
[email protected]
www.stradafilm.ro
LUPO [T.L.]
La situazione familiare di Lupu non è affatto facile: il padre è morto
e la madre ha un altro uomo. Il ragazzo fatica ad accettare questa
nuova presenza nella sua vita, ma soprattutto soffre per la perdita
del padre, che a volte sente così vicino da fargli credere che non si
tratti solamente di ricordi. Lupu cerca una spiraglio di felicità nel
rapporto con Clara, ma la ragazza ha altre storie, non sa cosa
farsene del suo amore, e Lupu si ritrova come sempre intrappolato
in un sistema di relazioni in cui a mancare sono la reciprocità e la
confessione di un affetto autentico.
«All’inizio la storia era quella di un ragazzo e di un anziano; poi
ha iniziato a cambiare, ho inserito il padre e la ragazza e da lì ho
costruito l’intero film. Durante il montaggio ci sono state diverse
versioni: l’obiettivo era fare in modo che il pubblico vedesse
il film con l’immaginazione, che si facesse domande sui suoi
aspetti contraddittori. Abbiamo pensato molto a dove collocare
lo spettatore, e alla fine lo abbiamo posto proprio nel mezzo
di tutti questi elementi indefiniti».
WOLF
The situation at home isn’t easy for Lupu: his father is dead and his
mother has a new partner. The boy has a hard time accepting this new
presence in his life, but he struggles especially in accepting the death
of his father: sometimes the memory of him is so vivid that he seems
to come back to life. Lupu seeks a glimmer of happiness with Clara,
but she is already in other relationships and isn’t interested in him.
Lupu finds himself trapped as usual in a network of relationships that
lack in reciprocity and expressions of true affection.
“In the beginning the story was about a boy and an old man; then it
started to change, I added the father and the girl, and from there on
I built the entire movie. We made several versions in the editing phase:
our goal was to make the viewers see the film through their own
imagination, stimulating them to ask questions about its
contradictions. We thought a lot about where we wanted to place
the spectator, and in the end we put him right in the middle of all
those ambiguous elements.”
179
TORINOFILMLAB
Bogdan Musta#ă (Romania, 1975) ha
studiato presso la scuola romena di
cinema. Durante la sua formazione
ha realizzato alcuni cortometraggi,
tra cui Daniela, premiato al Festival
di Monaco e a quello di Karlovy Vary.
Dopo la laurea ha vissuto in Vietnam
e a Dubai, dove ha lavorato come
sceneggiatore e regista per il cinema
e la televisione. Tornato in Romania,
nel 2008 ha vinto l’Orso d’oro per il
miglior cortometraggio alla Berlinale
con A Good Day for a Swim, in seguito
selezionato in diversi festival
internazionali. Lupu è il suo primo
lungometraggio.
Bogdan Musta!ă (Romania, 1975)
studied at the Romanian Film School.
He made a few short films as a student,
including Daniela, which received
awards in the Munich and the Karlovy
Vary Film Festivals. After graduating,
he lived in Vietnam and then in Dubai,
where he worked as a scriptwriter and
director for several television and movie
projects. He returned to Romania and
made A Good Day for a Swim, which
won the Golden Bear for best short film
at the 2008 Berlinale and participated in
several other international film festivals.
Wolf is his feature film debut.
filmografia/filmography
Seaside Vacation (cm, 1998), Pumac
(cm, 1999), Daniela (cm, 2000),
A Good Day for a Swim (cm, 2008),
Lupu (Wolf, 2013).
nawapol thamrongrattanarit
MARY IS HAPPY, MARY IS HAPPY
CONTENTS
Thailandia/Thailand, 2013, HD, 127’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Nawapol
Thamrongrattanarit
fotografia/cinematography
Pairach Khumwan
montaggio/film editing
Chonlasit Upanigkit
scenografia/
production design
Rasiguet Sookkarn
costumi/costume design
Phim U-Mari
musica/music
Somsiri Sangkaew
interpreti e personaggi/
cast and characters
Patcha Poonpiriya (Mary),
Chonnikan Netjui (Suri)
produttore/producer
Aditya Assarat
produzione/production
Pop Pictures Co. Ltd.
**
contatti/contacts
Pop Pictures
Aditya Assarat
[email protected]
www.pop-pictures-ltd.com
Nawapol Thamrongrattanarit (1984)
è uno scrittore, sceneggiatore e
regista thailandese che, ancora
studente universitario, ha iniziato
a dedicarsi al cinema da autodidatta,
realizzando diversi cortometraggi.
Con 36 (2012), il suo lungometraggio
d’esordio, ha ottenuto svariati
riconoscimenti nelle più importanti
rassegne asiatiche, partecipando
anche al Festival di Rotterdam.
Mary Is Happy, Mary Is Happy è stato
presentato alla 70ª Mostra di Venezia,
all’interno del programma Biennale
College.
MARY È FELICE, MARY È FELICE [T.L.]
Mary è all’ultimo anno delle scuole superiori: con l’avvicinarsi
del diploma si trova a fronteggiare cambiamenti inevitabili che
investono la sfera sentimentale e delle amicizie. A far precipitare
la situazione, una serie di eventi inspiegabili e privi di logica che
la colpiscono. Mary capisce che l’unica soluzione per andare
avanti è trovare un senso alla sua vita.
«Questo film è nato come un esperimento per trovare un nuovo
modo di raccontare una storia. Essendo uno sceneggiatore
professionista, sono abituato ad avere il controllo. Ma
nell’adattamento cinematografico del flusso di tweet di un account
anonimo, aperto da qualcuno che non ho mai visto, la sfida
consisteva nel prendere una serie di eventi casuali e trasformarli
in una narrazione coerente. Ho selezionato un blocco di 410 tweet.
Li ho usati così com’erano, senza saltarne nessuno e senza
modificare l’ordine cronologico. […] Il risultato sintetizza la natura
imprevedibile della vita quotidiana».
MARY IS HAPPY, MARY IS HAPPY
Mary is a senior in high school: as graduation approaches, she has
to face the inevitable changes affecting her relationship and her
friendships. The situation spins out of control after a series of
unexplainable and random events happen to her. Mary understands
that the only way she can go on is to give sense to her life.
“This film is an experiment to find a new way to tell a story. Being
a professional script writer, I’m used to being in control. But adapting
the Twitter stream of someone I’ve never met into a film, the challenge
was to take a series of random, often meaningless daily events and
form them into a coherent narrative. I chose a section of 410
consecutive Tweets. I used all of them as they were written, without
skipping any nor changing their order. […] I think the result comments
on the unpredictable nature of daily life in the contemporary world.”
180
TORINOFILMLAB
Nawapol Thamrongrattanarit (1984)
is an author, screenwriter, and director
from Thailand. While he was still a
university student, he started working
as a self-taught film director, making
several short films. His debut feature
36 (2012) won several awards in some
of the most prestigious festivals in Asia,
and also participated to the Rotterdam
Film Festival. Mary Is Happy,
Mary Is Happy was screened at the
70 Venice Film Festival, in Biennale
College program.
TH
filmografia/filmography
See (cm, doc., 2006), Bangkok Tanks
(cm, 2007), 36 (2012), Mary Is Happy,
Mary Is Happy (2013).
fabio grassadonia, antonio piazza
SALVO
CONTENTS
Italia-Francia/Italy-France, 2013, 35mm, 104’, col.
regia, sceneggiatura/
directors, screenplay
Fabio Grassadonia,
Antonio Piazza
fotografia/cinematography
Daniele Ciprì
montaggio/film editing
Desideria Rayner
scenografia/
production design
Marco Dentici
interpreti e personaggi/
cast and characters
Saleh Bakri (Salvo),
Sara Serraiocco (Rita),
Luigi Lo Cascio
(Enzo Puleo),
Giuditta Perriera
(Mimma Puleo),
Mario Pupella (boss),
Redouane Behache
(un picciotto/mafia guy),
Jacopo Menicagli
(un picciotto/mafia guy)
produttori/producers
Massimo Cristaldi,
Fabrizio Mosca
produzione/production
Acaba Produzioni,
Cristaldi Pictures
coproduzione/coproduction
Mact Productions,
Cité Films,
Arte France Cinema
distribuzione/distribution
Good Films
**
contatti/contacts
Good Films
[email protected]
www.goodfilms.it
SALVO
Salvo è un killer della mafia incaricato di uccidere il boss di una
cosca rivale. Introdottosi in casa sua, scopre che la sua vittima
ha una sorella, Rita, che vive reclusa perché cieca. Una volta
compiuto il delitto vorrebbe disfarsi della ragazza, che, come per
miracolo, ha ripreso a vedere, individuando il volto dell’assassino.
Sconvolto da un evento inatteso e inspiegabile, Salvo la rapisce
e la porta in un capannone fuori Palermo. La convivenza forzata
li porterà a conoscersi e a scoprirsi sempre più, entrambi prigionieri
del loro stesso mondo.
«Per evitare le secche e i rischi di un cinema troppo concettuale,
abbiamo articolato la storia all’interno della forma drammaturgica
classica, giocando con alcuni generi riconoscibili: con il noir prima
di tutto; con la storia d’amore; con la commedia nera, attraverso la
coppia di piccolo borghesi, complici della latitanza del protagonista,
guardiani e carcerieri del loro mondo angusto e grottesco; infine,
aiutati dai paesaggi epici e desertici dell’entroterra siciliano, anche
con il western all’italiana».
SALVO
Salvo is a mafia hit man assigned to kill the head of a rival clan.
He breaks into his home and discovers that his target has a sister,
Rita, who lives as a recluse because she is blind. After murdering his
victim, however, he needs to get rid of the girl, who miraculously started
seeing again and could now recognize the killer’s face. Overwhelmed
by the sudden and inexplicable event, Salvo kidnaps Rita and takes her
to a warehouse outside Palermo. Forced to live together, they will discover
one another, realizing they are both prisoners of the same world.
“To avoid the drought and the risks of overly conceptual films, we decided
to arrange the story within a classical dramaturgic structure, playing with
some recognizable genres: noir elements, the love story, the dark comedy
of a petty bourgeois couple (the fugitive’s accomplices who become the
guardians and wardens of their confined and grotesque world); and there
is also some spaghetti western at the end with the epic desert-like
landscapes of Sicily’s hinterland.”
181
TORINOFILMLAB
Fabio Grassadonia e Antonio Piazza
sono entrambi scrittori e registi
palermitani. Hanno lavorato a lungo
come sceneggiatori e come consulenti
per alcune società di produzione
italiane, come Filmauro e Fandango.
Nel 2004 hanno scritto la commedia
musicale Ogni volta che te ne vai di
Davide Cocchi, ambientata nel mondo
delle balere romagnole. Nel 2010
hanno poi esordito nella regia con
il cortometraggio Rita, premiato ai
Nastri d’argento e presentato in più
di cento festival internazionali, e con
Salvo, loro primo lungometraggio,
hanno ottenuto il gran premio della
Semaine de la critique e il France 4
Visionary Award al Festival di Cannes.
Fabio Grassadonia and Antonio Piazza
are both writers and directors from
Palermo. They have worked extensively
as screenwriters and as consultants for
some Italian production companies, like
Filmauro and Fandango. In 2004 they
wrote a musical comedy, Ogni volta che
te ne vai, directed by Davide Cocchi and
set in the world of Romagna’s
traditional dance halls. They directed
their first film in 2010, the short Rita,
which was awarded at the Nastri
d’argento and was presented in over
a hundred international film festivals.
Their first full-length feature, Salvo,
won the Grand Prize for la Semaine
de la critique and the France 4 Visionary
Award at the 2013 Cannes Film Festival.
filmografia/filmography
Fabio Grassadonia, Antonio Piazza:
Rita (cm, 2010), Salvo (2013).
fabio mollo
IL SUD È NIENTE
CONTENTS
Francia-Italia/France-Italy, 2013, HD, 90’, col.
regia/director
Fabio Mollo
sceneggiatura/screenplay
Fabio Mollo,
Andrea Paolo Massara,
Josella Porto
fotografia/cinematography
Debora Vrizzi
montaggio/film editing
Filippo Montemurro
scenografia/
production design
Giovanna Cirianni
musica/music
Giorgio Giampà
suono/sound
Marta Billingsley,
Piero Fancellu,
Edouard Morin,
Piergiorgio De Luca
interpreti e personaggi/
cast and characters
Miriam Karlkvist (Grazia),
Vinicio Marchioni
(Cristiano),
Valentina Lodovini (Bianca),
Andrea Bellisario (Carmelo),
Alessandra Costanzo
(la nonna/grandmother),
Giorgio Musumeci (Pietro)
produttori/producers
Jean Denis Le Dinahet,
Sebastien Msika
produzione/production
b24 Film,
Madakai
distribuzione/distribution
Istituto Luce Cinecittà
**
contatti/contacts
Cinecittà Luce
Marlon Pellegrini
[email protected]
www.cinecitta.com
IL SUD È NIENTE
A diciassette anni si mette in discussione tutto, si distrugge
quello che si è e si inizia la ricerca della forma definitiva del proprio
essere. È così anche per Grazia, che vive a Reggio Calabria con
il fantasma di un fratello sulla cui scomparsa aleggia il silenzio;
per lei è il momento di sovvertire una situazione che rischia di
intrappolarla. Una notte, dopo un litigio con il padre, entra in
mare e vede una figura in cui riconosce il fratello: sarà il segnale
che la porterà a forzare il rifiuto del padre a svelarle la verità.
«Ci sono ancora parti della nostra società in cui il silenzio è l’arma
più violenta, un’arma a cui tutti si sottomettono. È una questione
di scelta di vita, un modo per sopravvivere, un credo collettivo,
il risultato di una specie di tradizione purtroppo radicata. L’omertà
ha conseguenze sulla vita sociale delle persone, ma anche sulla
loro vita privata ed emotiva. Il film è la storia di un Sud che è più
emozionale che geografico. È la storia di un padre e di una figlia,
del silenzio che sta distruggendo il loro rapporto».
SOUTH IS NOTHING
When you are seventeen, you question everything, destroy who you
are, and start looking for your definitive self. That also applies to
Grazia, who lives in Reggio Calabria with her brother’s ghost, whose
death is shrouded in silence. It is time for her to overturn a situation
that threatens to trap her. One night, after arguing with her father,
she goes into the sea; there she sees a figure, which she recognizes
as her brother. She interprets it as a sign to keep pushing her father
into revealing her the truth.
“There still are parts of our society where silence is the most violent
weapon to which everyone bows down to. It’s a matter of life choices,
a way to survive, a collective belief, the consequence of a sort of
unfortunately well-rooted tradition. The code of silence affects people’s
social lives, but also their private and emotional spheres. It’s the story
of a father and his daughter, and of the silence that is tearing their
relationship apart.”
182
TORINOFILMLAB
Fabio Mollo (Reggio Calabria, Italia,
1980) si è laureato nel 2002 in storia
del cinema presso la University of
East London e nel 2007 si è
diplomato in regia al Centro
sperimentale di cinematografia di
Roma. Dopo l’esordio nella regia con
Troppo vento (2003), che ha ricevuto
numerosi riconoscimenti, ha scritto
e diretto diversi cortometraggi e
documentari, tra cui Giganti (2007),
miglior cortometraggio al Torino Film
Festival, menzione speciale ai Nastri
d’argento e a Clermont-Ferrand e in
concorso alla Berlinale. Nel 2005 è
stato finalista al premio Solinas,
mentre nel 2011 è stato selezionato
all’Atelier della Cinéfondation del
Festival di Cannes e al Talent Project
Market della Berlinale. Il Sud è niente,
presentato in anteprima al Festival di
Toronto, è il suo primo
lungometraggio.
Fabio Mollo (Reggio Calabria, Italy,
1980) majored in film history from
the University of East London in 2002,
and in directing from the Centro
sperimentale di cinematografia in Rome
in 2007. His directorial debut, the short
film Troppo vento (2003), received
many awards. He has written and
directed several documentary films,
including Giganti (2007), which the
best short film award at the Torino Film
Festival; it also reveived a special
mention at the Nastri d’argento and
at the Clermont-Ferrand Festival, and
it competed in the Berlinale. He was
a finalist for the Solinas Award in 2005.
He was selected for the Atelier de la
Cinéfondation of the Cannes Festival
and for the Talent Project Market at
the Berlinale in 2011. South is Nothing
is his first feature film, and it premiered
at the Toronto Film Festival.
filmografia/filmography
Troppo vento (cm, 2003), Acqua (cm,
2004), Ogni piccola cosa (cm, 2004),
Quello che sento (cm, 2004), Cuntami
(cm, 2004), Carmilla (cm, 2005), Al
buio (cm, 2005), Giganti (cm, 2007),
Napoli 24 (coregia/codirectors aa.vv.,
ep., 2010), Il Sud è niente (2013).
alessio fava
YURI ESPOSITO
CONTENTS
Italia/Italy, 2013, HD, 77’, col.
regia/director
Alessio Fava
soggetto, sceneggiatura/
story, screenplay
Leonardo Staglianò
fotografia/cinematography
Alessandro Dominici
montaggio/film editing
Massimo Magnetti
scenografia/
production design
Giorgio Barullo
costumi/costume design
Cristina Audisio
musica/music
Alessandro Cortini,
Matteo Milani,
Morning Telefilm
suono/sound
Matteo Milani
interpreti/cast
Matteo Lanfranchi,
Beatrice Cevolani,
Claudio Morganti,
Massimiliano Speziani,
Michele di Mauro,
Alessia Olivetti,
Tommaso Banfi,
Giulio Caterino,
Marco Tocco,
Camilla Maya Vindigni
produttore/producer
Max Chicco
produzione/production
Meibi
**
contatti/contacts
Max Chicco
[email protected]
www.meibi.it
YURI ESPOSITO
Yuri Esposito, a causa di una rara malattia, è costretto a muoversi
più lentamente di chi gli sta intorno. Nonostante questo handicap
è felice e soddisfatto, anche grazie alla moglie Lucia che lo ama
e alla passione per l’apnea statica, disciplina in cui eccelle.
Quando scopre che la sua compagna è incinta, però, gli crolla il
mondo addosso: temendo di non essere un buon padre, proprio
per la sindrome che lo affligge, decide, nonostante le rimostranze
di Lucia, di provare una cura sperimentale pur di poter essere come
tutti gli altri. Ma la felicità non è solo una questione di velocità.
«Ho sempre immaginato il mondo di Yuri come un mondo
perfetto, un mondo “giusto” ed elegante: le immagini del film
nascono proprio da questa riflessione; ho cercato, con esse, di
riproporre il fascino dei suoi movimenti e della sua vita così bella
ma tanto diversa dalla nostra. È un’estetica che cambia con lui,
l’eleganza si trasforma in un punto di vista più “sporco”, più
frammentato, nello stesso modo in cui si trasforma la sua vita».
YURI ESPOSITO
Because of a rare disease, Yuri Esposito is forced to move slower than
everybody else. He is happy and satisfied despite this disability, also
thanks to his loving wife Lucia and to his passion for static apnea,
which he excels at. When he discovers his wife is pregnant, his world
crashes down on him: he is afraid of not being unable to be a good
father because of his syndrome. Because of it, he decides to try an
experimental cure despite Lucia’s protests, just to be like everyone else.
But happiness is more than a matter of speed.
“I’ve always imagined Yuri’s world as a perfect world, a world which
is ‘fair’ and elegant. The images of the film were born out of this
reflection. I’ve made an effort, through them, of showing the
fascination of his movements and his life, so beautiful but so different
from ours. It is an aesthetics which changes together with his
transformation. Elegance turns into a point of view which is more
‘blurred,’ more fragmented, in the same way his life takes a turn.”
183
TORINOFILMLAB
Alessio Fava (Torino, Italia, 1976)
si è formato presso l’Istituto superiore
di comunicazione, l’Accademia
internazionale di arti e media
di Torino e la Scuola di arte
cinematografica di Genova. Con il
cortometraggio d’esordio Un giorno
da re (2004) ha partecipato al Torino
Film Festival e dopo Noage film noir
(2006) si è dedicato soprattutto alla
regia pubblicitaria e televisiva,
collaborando con Sky. Nel 2012 ha
poi diretto Project Genesis e con il
progetto di Yuri Esposito, suo primo
lungometraggio, è stato selezionato
dal programma Biennale College alla
70ª Mostra di Venezia.
Alessio Fava (Turin, Italy, 1976) studied
at the Communication Institute, at the
International Art and Media Academy
in Turin, and at the Genoa Art and
Film School. He partipated to the Torino
Film Festival with the first short film
he made, Un giorno da re (2004).
After the short Noage Film Noir
(2006), he has mostly been directing
commercials and television programs,
working with Sky. In 2012 he directed
the short film Project Genesis, and
Yuri Esposito, his first full-length
feature, which was selected by the
Biennale College program of the
70 Venice Film Festival.
TH
filmografia/filmography
Un giorno da re (cm, 2004), Noage
film noir (cm, 2006), Chinese Training
(cm, 2008), Fast Microwave (cm,
2008), Bad School (cm, 2008), The
Last Match (cm, 2009), Prestissimo
con moto (cm, 2009), Project Genesis
(cm, 2012), Yuri Esposito (2013).
CONTENTS
They Shoot Horses, Don’t They? (1969) di Sydney Pollack
CONTENTS
N E W H O L LY W O O D
| ROGER CORMAN THE WILD ANGELS | ARTHUR PENN BONNIE &
| FRANK PERRY THE SWIMMER | PETER BOGDANOVICH TARGETS | PAUL MAZURSKY BOB & CAROL & TED
& ALICE | DENNIS HOPPER EASY RIDER | HASKELL WEXLER MEDIUM COOL | JOHN SCHLESINGER MIDNIGHT
COWBOY | FRANCIS FORD COPPOLA THE RAIN PEOPLE | SYDNEY POLLACK THEY SHOOT HORSES, DON’T THEY? |
BOB RAFELSON FIVE EASY PIECES | MICHAEL WADLEIGH WOODSTOCK | HAL ASHBY HAROLD AND MAUDE |
PETER BOGDANOVICH THE LAST PICTURE SHOW | ALAN ARKIN LITTLE MURDERS | GEORGE LUCAS THX 1138 |
MONTE HELLMAN TWO-LANE BLACKTOP | RICHARD C. SARAFIAN VANISHING POINT | MARTIN SCORSESE BOXCAR
BERTHA | BILL L. NORTON CISCO PIKE | JOHN HUSTON FAT CITY | BOB RAFELSON THE KING OF MARVIN
GARDENS | WILLIAM GUERCIO ELECTRA GLIDE IN BLUE | HAL ASHBY THE LAST DETAIL | SAM PECKINPAH
PAT GARRETT & BILLY THE KID | BRIAN DE PALMA SISTERS | ROBERT ALTMAN CALIFORNIA SPLIT |
JOHN BYRUM INSERTS | ALAN J. PAKULA THE PARALLAX VIEW | JERRY SCHATZBERG SCARECROW |
MICHAEL CIMINO THUNDERBOLT AND LIGHTFOOT | DICK RICHARDS FAREWELL, MY LOVELY |
ROBERT KRAMER, JOHN DOUGLAS MILESTONES | ARTHUR PENN NIGHT MOVES | MICHAEL RITCHIE SMILE
SAM PECKINPAH RIDE THE HIGH COUNTRY
CLYDE
Suicide Is Painless: il nuovo cinema americano
tra il 1967 e il 1976
CONTENTS
DI EMANUELA MARTINI
Pat Garret & Billy the Kid (1973) di Sam Peckinpah
Negli anni Sessanta l’industria cinematografica
hollywoodiana è nel pieno della crisi generata
dalla concorrenza della televisione e
dall’incapacità degli Studios di tenere il passo
con il terremoto culturale che scuote gli Stati
Uniti: assassini politici come quelli dei Kennedy
(1963 e 1968), di Malcolm X (1965) e di Martin
Luther King (1968), la guerra del Vietnam
(con l’intervento statunitense dal 1962 al 1973),
i movimenti di protesta degli studenti e degli
afroamericani stanno demolendo l’American
Dream dalle radici e la vecchia Hollywood non
riesce più a trovare una sintonia con il pubblico.
Fin dall’inizio del decennio emergono nuovi
modelli narrativi espressi da compagnie
186
N E W H O L LY W O O D
indipendenti come la Corman Factory, nuove
interpretazioni della realtà e della storia, nuovi
volti e comportamenti che parlano al pubblico
giovane. Nel 1962 e 1963 Sam Peckinpah e
Monte Hellman girano il loro primi, crepuscolari
western; nel 1966 Roger Corman produce
e dirige I selvaggi, su una banda di bikers
californiani, mentre giovani registi formatisi
in televisione come Arthur Penn, Robert Altman,
Sydney Pollack riescono a esordire sul grande
schermo. Ma l’anno di svolta è il 1967, quando
due film di studio, Gangster Story di Arthur
Penn e Il laureato di Mike Nichols, ribaltano
rispettivamente il gangster film e la commedia
romantica. Poi, nel 1969, esce Easy Rider, diretto
CONTENTS
da Dennis Hopper e prodotto da Peter Fonda
(perché Roger Corman, per una volta non
lungimirante, si rifiuta di produrlo): basso costo,
enorme successo (nel 1972 aveva incassato
più di 60 milioni di dollari), nuovi ritmi, temi,
antieroi disillusi, musica rock e blues. Da questo
momento, storia, stile, facce, tutto cambia, nella
narrazione di sé che l’America traccia attraverso
il cinema; scompaiono ottimismo, perfezione,
eroismo, sostituiti da dubbio, angoscia,
sconfitta.
La storia passata (gli indiani, la Depressione)
e presente (il Vietnam, i complotti politici) viene
riletta sotto un segno diverso; la disillusione
diventa il sentimento dominante; i divi diventano
antidivi, gli eroi loser, il rock la musica guida,
i poliziotti e i cowboy sopravvissuti perdenti
o bastardi venduti; l’ideale di libertà del viaggio
e della strada da una parte e l’angoscia
disumanizzante delle metropoli dall’altra sono
i punti fissi di un immaginario che rifonda
il cinema americano. E, via via che ci si addentra
negli anni Settanta, che la controcultura, hippie
o leftist, perde di vigore, che vengono alla luce
le connessioni tra crimine e politica e l’incidenza
sotterranea dei servizi segreti sulla politica,
la visione si fa sempre più cupa. Nella seconda
metà del decennio (complice lo scandalo
Watergate, 1974), la paranoia e il sospetto
dilagano nella cultura e nel cinema.
Nel frattempo Hollywood si è accorta del
fenomeno e, con inaspettata rapidità, ha dato
lavoro ai giovani autori, sceneggiatori, attori,
produttori, senza condizionarne, almeno per
alcuni anni, idee e stile. Esordiscono Peter
Bogdanovich, Bob Rafelson, Jerry Schatzberg,
Martin Scorsese, Steven Spielberg, Francis Ford
Coppola, Jonathan Demme, Michael Cimino,
Clint Eastwood, John Milius, Alan J. Pakula,
Brian De Palma, Jim McBride, Dick Richards,
Hal Ashby, Mel Brooks, Woody Allen e molti
altri; indipendenti come John Cassavetes
e Robert Kramer si affrancano dai circuiti
marginali; Arthur Penn, Sydney Pollack, Mike
Nichols, Paul Mazursky e soprattutto Sam
Peckinpah e Robert Altman escono
dall’anonimato e dalla televisione e si affermano
grandi autori. I nuovi, disillusi protagonisti sono
ben lontani dai tradizionali divi hollywoodiani,
sono stropicciati e imperfetti, con le facce
all’apparenza normali di Jack Nicholson,
Dustin Hoffman, Robert De Niro, Gene
Hackman, Ellen Burstyn, Karen Black.
187
N E W H O L LY W O O D
Durante quel decennio, ogni nuovo film
americano è una scoperta, e intere generazioni
di cineasti e spettatori ne sono influenzati.
La retrospettiva si sviluppa su due anni
e presenta circa ottanta titoli, in ordine non
cronologico, per poter proiettare in entrambi
gli anni i film che vengono via via restaurati
e per offrire, sia nel 2013 che nel 2014, un
panorama dell’evoluzione delle atmosfere
e dei temi dominanti del decennio.
In questa edizione si va dagli anticipatori,
come Sfida nell’alta Sierra (1962) di Peckinpah
e I selvaggi (1966) di Corman, alla crisi
dell’americano medio di Un uomo a nudo
(1968) di Frank Perry e di Bob & Carol & Ted &
Alice (1969) di Paul Mazursky; dall’esplosione
dell’on the road di Easy Rider (1969) di Dennis
Hopper, Punto zero (1971) di Richard C. Sarafian,
Strada a doppia corsia (1971) di Monte Hellman,
all’angoscia paranoica post Watergate di Perché
un assassinio (1974) di Alan J. Pakula e Bersaglio
di notte (1975) di Arthur Penn; dalla critica alla
politica e alla corruzione di America, America,
dove vai? (1969) di Haskell Wexler e Per un
chilo di droga (1972) di Bill L. Norton, allo
sguardo tragico o satirico sulla società dello
spettacolo di Non si uccidono così anche
i cavalli? (1969) di Sydney Pollack e Smile (1975)
di Michael Ritchie; dalla sconsolata riflessione
sul cinema e sul passato di Peter Bogdanovich
(Bersagli, 1968, e L’ultimo spettacolo, 1971)
all’attacco ai generi di Sam Peckinpah (Pat
Garrett e Billy the Kid, 1973) e Brian De Palma
(Le due sorelle, 1973). Ci sono i primi film di
quelli che diventeranno i nuovi maestri, come
George Lucas (L’uomo che fuggì dal futuro, 1971),
Francis Ford Coppola (Non torno a casa
stasera, 1969), Martin Scorsese (America 1929:
sterminateli senza pietà, 1972), Michael Cimino
(Una calibro 20 per lo specialista, 1974), e opere
quasi uniche, come Electra Glide (1973) di
William Guercio, Piccoli omicidi (1971) di Alan
Arkin e Il pornografo (1974) di John Byrum.
Ci sono caposaldi del crollo dell’American
Dream, come Cinque pezzi facili (1970) e Il re
dei giardini di Marvin (1972) di Bob Rafelson,
Un uomo da marciapiede (1969) di John
Schlesinger, Lo spaventapasseri (1974) di Jerry
Schatzberg, California Poker (1974) di Robert
Altman, e della crisi della controcultura, come
Milestones (1975) di Robert Kramer. C’è un
mondo, incagliato e frustrato, nel quale però
tutto pareva ancora possibile.
Suicide Is Painless: new Hollywood cinema
between 1967 and 1976
CONTENTS
BY EMANUELA MARTINI
The King of Marvin Gardens (1972) di Bob Rafelson
During the 1960s, the Hollywood film industry was
thrown into crisis by the competition from television
and by the Studios’ inability to stay in step with
the ongoing cultural upheaval in the United States.
Political assassinations like those of the Kennedy
brothers (1963 and 1968), Malcolm X (1965)
and Martin Luther King (1968), the Vietnam
war (which involved the United States from 1962
to 1973), and the protest movements of students
and African-Americans were all demolishing the
American Dream from its roots up, and old
Hollywood was no longer able to keep in synch
with its public. Right from the early 1960s, new
narrative models emerged, created by independent
companies such as the Corman Factory; there were
188
N E W H O L LY W O O D
new interpretations of reality and history, new faces
and behaviors that were speaking to the younger
audiences. In 1962 and 1963, Sam Peckinpah
and Monte Hellman shot their first crepuscular
westerns; in 1966, Roger Corman produced and
directed The Wild Angels, about a gang of
California bikers; while young directors who had
gotten their start in TV, like Arthur Penn, Robert
Altman and Sydney Pollack, made their debut on
the silver screen. But the defining year was 1967,
when two studio movies, Bonnie & Clyde by Arthur
Penn and The Graduate by Mike Nichols, turned
gangster films and romantic comedies, respectively,
on their head. Then, in 1969, Easy Rider was
released. Directed by Dennis Hopper and produced
CONTENTS
by Peter Fonda (because, for once, Roger Corman
was not ahead of the game and refused to produce
it), it was low-budget, hugely successful (in 1972
had made more than 60 million dollars in box
office receipts), and featured new rhythms and
themes, disillusioned anti-heroes, and rock and
blues music. From that moment on, stories, styles,
faces, everything changed in the way America
portrayed itself in film. Optimism, perfection and
heroism disappeared and were replaced by doubt,
anxiety and defeat.
The past (Indians, the Depression) and the present
(Vietnam, political conniving) were given a new
reading under a different light; disillusion became
the dominant feeling; movie stars segued into
anti-stars; heroes turned into losers; rock was
the dominant music; policemen and cowboys
were either losers who had survived or bastards
who had sold out; the on-the-road ideals of the
freedom to travel – on the one hand – and the
dehumanizing anxiety of the metropolis – on the
other – were the cardinal points of an imaginary
that re-established American cinema.
Progressing further into the 1970s, the
counterculture (both hippie and leftist) lost its vigor
and the attention swerved to the links between
crime and politics, and to the subversive influence
of the secret services on politics: the outlook
became even gloomier. In the second half of the
1970s (abetted by the Watergate scandal in 1974),
paranoia and suspicion were rampant in American
culture and film. In the meantime, Hollywood
had woken up to the phenomenon and, with
unexpected swiftness, hired young directors,
screenwriters, actors and producers, giving them
carte blanche (for a few years) on ideas and styles.
This marked the debut of Peter Bogdanovich,
Bob Rafelson, Jerry Schatzberg, Martin Scorsese,
Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, Jonathan
Demme, Michael Cimino, Clint Eastwood,
John Milius, Alan J. Pakula, Brian De Palma,
Jim McBride, Dick Richards, Hal Ashby, Mel
Brooks, Woody Allen and many others.
Independents like John Cassavetes and Robert
Kramer came to the fore on the fringe circuits;
Arthur Penn, Sydney Pollack, Mike Nichols,
Paul Mazursky and, above all, Sam Peckinpah
and Robert Altman stepped out from anonymity
and television and made their name as grand
filmmakers. The new, disillusioned protagonists
were a far cry from the traditional Hollywood stars;
they were crumpled and imperfect, with the
apparently ordinary faces of Jack Nicholson,
189
N E W H O L LY W O O D
Dustin Hoffman, Robert De Niro, Gene Hackman,
Ellen Burstyn and Karen Black. During that decade,
every new American film was a discovery and entire
generations of film lovers and audiences have been
influenced by them.
The retrospective will last two years and will present
roughly eighty films, in non-chronological order.
Thus, in each of the years, we will be screening the
movies as they are restored and a panorama of the
evolution of the moods and the dominant themes
of the decade will be projected in both 2013 and
2014. This year, we range from the precursors, like
Ride the High Country (1962) by Peckinpah and
The Wild Angels (1966) by Corman, to the crisis
of the American middleman in The Swimmer
(1968) by Frank Perry and in Bob & Carol & Ted
& Alice (1969) by Paul Mazursky; from the
explosion of the on-the-road phenomenon of Easy
Rider (1969) by Dennis Hopper, Vanishing Point
(1971) by Richard C. Sarafian, and Two-Lane
Blacktop (1971) by Monte Hellman, to the postWatergate paranoia of The Parallax View (1974)
by Alan J. Pakula and Night Moves (1975) by
Arthur Penn; from the denunciation of politics
and corruption of Medium Cool (1969) by Haskell
Wexler and Cisco Pike (1972) by Bill L. Norton,
to the tragic or satirical commentaries of show
business in They Shoot Horses, Don’t They?
(1969) by Sydney Pollack and Smile (1975) by
Michael Ritchie; from the despondent reflections
on cinema and the past of Peter Bogdanovich
(Targets, 1968, and The Last Picture Show,
1971) to the attacks on genres unleashed by Sam
Peckinpah (Pat Garrett & Billy the Kid, 1973) and
Brian De Palma (Sisters, 1973). There are the first
films by those who will become the new maestros,
like George Lucas (THX 1138, 1971), Francis Ford
Coppola (The Rain People, 1969), Martin Scorsese
(Boxcar Bertha, 1972) and Michael Cimino
(Thunderbolt and Lightfoot, 1974); and virtually
unique movies, like Electra Glide in Blue (1973)
by William Guercio, Little Murders (1971) by Alan
Arkin and Inserts (1974) by John Byrum.
There are cornerstones of the collapse of the
American Dream, like Five Easy Pieces (1970)
and The King of Marvin Gardens (1972) by Bob
Rafelson, Midnight Cowboy (1969) by John
Schlesinger, Scarecrow (1974) by Jerry Schatzberg,
and California Split (1974) by Robert Altman,
and mainstays of the crisis of the counterculture,
like Milestones (1975) by Robert Kramer.
It was a frustrated world that had run aground,
but everything still seemed possible in it.
sam peckinpah
RIDE THE HIGH COUNTRY
CONTENTS
Usa, 1962, 35mm, 94’, col.
regia/director
Sam Peckinpah
sceneggiatura/screenplay
N.B. Stone Jr.
(Sam Peckinpah,
Robert Creighton Williams,
non accreditati/uncredited)
fotografia/cinematography
George Bassman,
Lucien Ballard
montaggio/film editing
Frank Santillo
scenografia/
production design
Leroy Coleman,
George W. Davis
musica/music
George Bassman
interpreti e personaggi/
cast and characters
Randolph Scott
(Gil Westrum),
Joel McCrea (Steve Judd),
Mariette Hartley
(Elsa Knudsen), Ron Starr
(Heck Longtree), Edgar
Buchanan (Judge Tolliver)
produttore/producer
Richard E. Lyons
produzione/production
Metro-Goldwyn-Mayer
SFIDA NELL’ALTA SIERRA
All’inizio del Novecento, due anziani uomini di legge devono scortare
un carico d’oro, ma incontrano una ragazza malmaritata con un
brutale minatore e tutti i piani che hanno fatto vanno all’aria.
Seconda regia di Sam Peckinpah e prototipo (postfordiano) del
western crepuscolare, malinconico e dolente, con scene di furore
(il matrimonio) e crollo degli ideali. Interpreti: Joel McCrea e Randolph
Scott, due vecchie glorie del western di serie B.
roger corman
THE WILD ANGELS
Usa, 1966, 35mm, 93’, bn/bw
regia, produttore/
director, producer
Roger Corman
sceneggiatura/screenplay
Charles B. Griffith
(Peter Bogdanovich,
non accreditato/uncredited)
fotografia/cinematography
Richard Moore
montaggio/film editing
Monte Hellman
(Peter Bogdanovich,
non accreditato/uncredited)
scenografia/
production design
Richard Beck-Meyer
musica/musica
Mike Curb (Davie Allan,
non accreditato/uncredited)
interpreti e personaggi/
cast and characters
Peter Fonda (Heavenly
Blues), Nancy Sinatra
(Mike «Monkey»),
Bruce Dern
(Joe «Loser» Kearns),
Diane Ladd (Gaysh)
produzione/production
American International
Pictures
190
I SELVAGGI
Peter Fonda e Bruce Dern guidano una gang di bikers californiani tra
scorribande, risse, inseguimenti con la polizia, un’orgia in chiesa.
Dieci anni dopo Il selvaggio con Brando e tre anni prima di Easy Rider,
Corman acchiappa i sintomi della ribellione, tra nichilismo anarcoide
e «cultura acida». Tra gli extra, i veri Hell’s Angels di Venice; tra
le ragazze, Nancy Sinatra (figlia di Frank) e Diana Ladd (mamma
di Laura Dern). Memorabile il funerale in moto.
N E W H O L LY W O O D
RIDE THE HIGH COUNTRY
The early 1900s. Two elderly law enforcers
have to transport a gold shipment but their
plans go awry when they meet a woman
who is unhappily married to a violent
miner. The second film directed by Sam
Peckinpah and the (post-Ford) prototype
of the somber, melancholy and pain-filled
western, with scenes of frenzy (the
wedding) and collapsing ideals. Starring
Joel McCrea and Randolph Scott, two
old glories of B westerns.
filmografia/filmography
The Deadly Companions (La morte
cavalca a Rio Bravo, 1961), Ride the
High Country (Sfida nell’alta Sierra,
1962), Major Dundee (Sierra
Charriba, 1965), The Wild Bunch (Il mucchio selvaggio, 1969), The Ballad
of Cable Hogue (La ballata di Cable
Hogue, 1970), Straw Dogs (Cane di
paglia, 1971), Junior Bonner (L’ultimo
buscadero, 1972), The Getaway (Getaway!, 1972), Pat Garrett and Billy
the Kid (Pat Garrett e Billy the
Kid, 1973), Bring Me the Head
of Alfredo Garcia (Voglio la testa
di Garcia, 1974), The Killer Elite (Killer
Elite, 1975), Gross of Iron (La croce di
ferro, 1977), Convoy (Convoy - Trincea
d’asfalto, 1978), The Osterman
Weekend (Osterman Weekend, 1983).
THE WILD ANGELS
Peter Fonda and Bruce Dern lead a gang
of California bikers: joyrides, brawls, police
chases, an orgy in a church. Ten years after
The Wild One with Brando, and three
years before Easy Rider, Corman captures
the signs of rebellion, between anarchic
nihilism and the “acid” culture. Walk-ons
include the real Hell’s Angels of Venice
Beach; among the girls, Nancy Sinatra
(Frank’s daughter) and Diana Ladd
(Laura Dern’s mother). The motorcycle
funeral is memorable.
filmografia essenziale/essential filmography
The Little Shop of Horrors (La piccola
bottega degli orrori, 1960), Pit and the
Pendulum (Il pozzo e il pendolo, 1961),
The Raven (I maghi del terrore, 1963),
The Terror (La vergine di cera, 1963), The
Haunted Palace (La città dei mostri, 1963),
X (L’uomo dagli occhi a raggi, 1963), The
Masque of the Red Death (La maschera
della morte rossa, 1964), The Tomb of
Ligeia (La tomba di Ligeia, 1964), The
St. Valentine’s Day Massacre (Il massacro
del giorno di San Valentino, 1967), The Trip
(Il serpente di fuoco, 1967), Bloody Mama,
(Il clan dei Barker, 1970), Von Richthofen
and Brown (Il barone rosso, 1971),
Frankenstein Unbound (Frankenstein
oltre le frontiere del tempo, 1990).
arthur penn
BONNIE & CLYDE
CONTENTS
Usa, 1967, 35mm, 93’, col.
regia/director
Arthur Penn
sceneggiatura/screenplay
David Newman,
Robert Benton
(Robert Towne,
non accreditato/uncredited)
fotografia/cinematography
Burnett Guffey
montaggio/film editing
Dede Allen
scenografia/
production design
Dean Tavoularis
musica/musica
Charles Strouse
interpreti e personaggi/
cast and characters
Warren Beatty
(Clyde Barrow),
Faye Dunaway
(Bonnie Parker),
Michael J. Pollard
(C.W. Moss),
Gene Hackman
(Buck Barrow)
produttore/producer
Warren Beatty
produzione/production
Warner Bros.-Seven Arts,
Tatira-Hiller
GANGSTER STORY
Sono belli, giovani, innamorati (anche se lui è impotente): la storia di
Bonnie Parker e Clyde Barrow, la leggendaria coppia di fuorilegge che
negli anni Trenta si fece strada attraverso la Depressione rapinando
banche. Esplosivo gangster movie con cui Penn rivoluziona il genere:
ralenti, piani sequenza e montaggio singultato, per raccontare la
violenza e il cinismo della società americana. Chimica nevrotica
e tenera tra Faye Dunaway e Warren Beatty.
frank perry
THE SWIMMER
Usa, 1968, 35mm, 95’, col.
regia/director
Frank Perry
soggetto/story
dal racconto Il nuotatore di/
from the short story of the
same title by John Cheever
sceneggiatura/screenplay
Eleanor Perry
fotografia/cinematography
David L. Quaid
montaggio/film editing
Sidney Katz, Carl Lerner,
Pat Somerset
scenografia/
production design
Peter Dohanos
musica/music
Marvin Hamlisch
interpreti e personaggi/
cast and characters
Burt Lancaster (Ned Merrill),
Janet Landgard
(Julie Ann Hooper),
Janice Rule (Shirley Abbott)
produttori/producers
Roger Lewis, Frank Perry
produzione/production
Columbia Pictures, Alan
Shane Associates
191
UN UOMO A NUDO
Un cinquantenne benestante fa il bagno nella piscina di un amico.
Poi decide di tornare a casa così, nuotando attraverso tutte le piscine
che costellano il sobborgo del Connecticut nel quale vive. Grande
assolo di Burt Lancaster, che porta con sé una tensione compressa
e una palese infelicità, per questo incubo di disillusione suburbana
sospeso tra Kafka e Beckett. Tratto da un racconto di John Cheever,
diretto da Perry, con una scena girata da Pollack.
N E W H O L LY W O O D
BONNIE & CLYDE
They are beautiful, young, in love (even
if he is impotent): the story of Bonnie
Parker and Clyde Barrow, the legendary
pair of outlaws who made a living robbing
banks during the Depression in 1930s.
Penn revolutionized the gangster movie
genre with this explosive film: slow-motion,
long takes, and staggered editing,
to portray the violence and cynicism
of American society. The chemistry
between Faye Dunaway and Warren
Beatty is neurotic and tender.
filmografia/filmography
Billy the Kid (Furia selvaggia, 1958), The
Miracle Worker (Anna dei miracoli, 1962),
Mickey One (id., 1965), The Chase (La
caccia, 1966), Bonnie & Clyde (Gangster
Story, 1967), Alice’s Restaurant (id., 1969),
Little Big Man (Il piccolo grande uomo,
1970), Visions of Eight (coregia/codirectors
aa.vv., Ciò che l’occhio non vede, ep. The
Hightest, 1973), Night Moves (Bersaglio di
notte, 1975), The Missouri Breaks (Missouri,
1976), Four Friends (Gli amici di Georgia,
1981), Target (Target - Scuola omicidi, 1985),
Dead of Winter (Omicidio allo specchio,
1987), Penn & Teller Get Killed (Con la morte
non si scherza, 1989), Lumière et compagnie
(coregia/codirectors aa.vv., ep., 1995).
THE SWIMMER
A wealthy fifty-year-old man goes
swimming in a friend’s pool. Then he
decides to return home by swimming
in all the pools that dot the Connecticut
suburb where he lives. A great solo turn by
Burt Lancaster, who displays compressed
tension and evident unhappiness, in this
nightmare of suburban disillusionment,
suspended between Kafka and Beckett.
Based on a short story by John Cheever,
directed by Perry, with one scene directed
by Pollack.
filmografia essenziale/
essential filmography
David and Lisa (id., 1962), Ladybug Ladybug
(1963), The Swimmer (Un uomo a nudo,
1968), Last Summer (I brevi giorni selvaggi,
1969), Trilogy (1969), Diary of a Mad
Housewife (Diario di una casalinga inquieta,
1970), Doc (1971), Play It As It Lays (1972),
Man on a Swing (1974), Rancho Deluxe
(1975), Mommie Dearest (Mammina
cara, 1981), Monsignor (Monsignore,
1982), Compromising Positions
(Posizioni compromettenti, 1985), Hello
Again (1987), On the Bridge (1992).
peter bogdanovich
TARGETS
CONTENTS
Usa, 1968, 35mm, 90’, col.
regia, produttore/
director, producer
Peter Bogdanovich
soggetto/story
Peter Bogdanovich,
Polly Platt
sceneggiatura/screenplay
Peter Bogdanovich
(Samuel Fuller,
non accreditato/uncredited)
fotografia/cinematography
László Kovács
montaggio/film editing
Peter Bogdanovich
(non accreditato/uncredited)
scenografia, costumi/
production, costume design
Polly Platt
interpreti e personaggi/
cast and characters
Tim O’Kelly
(Bobby Thompson),
Boris Karloff (Byron Orlok),
Arthur Peterson
(Ed Loughlin),
Peter Bogdanovich
(Sammy Michaels)
produzione/production
Saticoy
BERSAGLI
Un pazzo spara agli spettatori che guardano in un drive La vergine
di cera con Boris Karloff. Un vecchio attore horror (ancora Karloff)
è l’unico che può fermarlo. Esordio ultra metalinguistico (ma di serie
B e di genere: produce Roger Corman) di Bogdanovich, che interpreta
anche la parte di un regista, e l’ultima grande interpretazione di Karloff,
per raccontare un mondo la cui violenza insensata e diffusa ha ormai
superato ogni orrore cinematografico.
paul mazursky
BOB & CAROL & TED & ALICE
Usa, 1969, 35mm, 105’
regia/director
Paul Mazursky
sceneggiatura/screenplay
Paul Mazursky,
Larry Tucker
fotografia/cinematography
Charles Lang
montaggio/film editing
Stuart H. Pappé
scenografia/
production design
Pato Guzman
musica/music
Quincy Jones
interpreti e personaggi/
cast and characters
Elliott Gould
(Ted Henderson),
Natalie Wood
(Carol Sanders),
Robert Culp
(Bob Sanders),
Dyan Cannon
(Alice Henderson)
produttore/producer
Larry Tucker
produzione/production
Columbia Pictures
Corporation,
Frankovich Productions
192
BOB & CAROL & TED & ALICE
Dopo aver sperimentato un week-end di terapia di gruppo, Bob (Robert
Culp) e Carol (Natalie Wood) tornano a casa e cercano di convincere
i loro amici Ted (Elliott Gould) e Alice (Dyan Cannon) che è necessario
liberarsi e raccontare francamente agli altri le proprie emozioni.
E, parlando, nell’aria cresce la tensione sessuale. Mazursky esordisce
con una commedia che scava nel disagio dei trentenni cresciuti nel
puritanesimo ed entrati nell’era permissiva. Essere o non essere
«moderni»?
N E W H O L LY W O O D
TARGETS
A lunatic shoots at people who are at a
drive-in to see The Terror, starring Boris
Karloff. An elderly horror actor (Karloff,
again) is the only one who can stop him.
The ultra-meta-linguistic debut film (a
genre B movie: it was produced by Roger
Corman) by Bogdanovich, who also plays
the part of a director, with the last great
performance by Karloff, the movie portrays
a world in which senseless and widespread
violence has surpassed any cinematographic
horror.
filmografia essenziale/
essential filmography
Targets (Bersagli, 1968), Voyage to the
Planet of Prehistoric Woman (1968),
The Last Picture Show (L’ultimo spettacolo,
1971), Directed by John Ford (doc.,
1971-2006), What’s Up, Doc? (Ma papà
ti manda sola?, 1972), Paper Moon (id.,
1973), Daisy Miller (id., 1974), At Long
Last Love (Finalmente arrivò l’amore, 1975),
Nickelodeon (Vecchia America, 1976), They All Laughed (…e tutti risero,
1981), Mask (Dietro la maschera,
1985), Texasville (id., 1990), Noises
Off… (Rumori fuori scena, 1992), The
Thing Called Love (Quella cosa chiamata
amore, 1993), The Cat’s Meow (Hollywood
Confidential, 2001), The Mystery of Natalie
Wood (tv, 2004).
BOB & CAROL & TED & ALICE
After a weekend of group therapy, Bob
(Robert Culp) and Carol (Natalie Wood)
return home and try to convince their
friends Ted (Elliott Gould) and Alice
(Dyan Cannon) that they need to liberate
themselves and candidly share their
emotions with the others. As they talk,
the sexual tension rises. Mazursky debuts
with a comedy that explores the malaise
of thirty-year-olds raised in Puritanism
and entering the era of permissiveness.
To be or not to be “modern?”
filmografia essenziale/essential filmography
Alex in Wonderland (Il mondo di Alex, 1970),
Blume in Love (Una pazza storia d’amore,
1973), Harry and Tonto (Harry e Tonto,
1974), Next Stop: Greenwich Village (Stop
a Greenwich Village, 1976), An Unmarried
Woman (Una donna tutta sola, 1977),
Willie and Phil (Io, Willy e Phil, 1980),
Tempest (Tempesta, 1982), Moscow on the
Hudson (Mosca a New York, 1984), Down
and Out in Beverly Hills (Su e giù per Beverly
Hills, 1986), Moon Over Parador (Il dittatore
del Parador in arte Jack, 1988), Enemies,
a Love Story (Nemici - Una storia d’amore,
1989), Scenes from a Mall (Storie di amori
e infedeltà, 1991), The Pickle (Buona fortuna
Mr Stone, 1993), Faithful (Infedeli per
sempre, 1996).
dennis hopper
EASY RIDER
CONTENTS
Usa, 1969, 35mm, 95’
regia/director
Dennis Hopper
sceneggiatura/screenplay
Peter Fonda,
Dennis Hopper,
Terry Southern
fotografia/cinematography
László Kovács (Baird Bryant,
non accreditato/uncredited)
montaggio/film editing
Donn Cambern
scenografia/
production design
Jeremy Kay
interpreti e personaggi/
cast and characters
Peter Fonda (Wyatt/Captain
America),
Dennis Hopper (Billy),
Phil Spector (Connection),
Jack Nicholson
(George Hanson),
Karen Black (Karen)
produttori/producers
Peter Fonda (Bob Rafelson,
non accreditato/uncredited)
produzione/production
Columbia Pictures
Corporation, Pando
Company Inc., Raybert
EASY RIDER
- LIBERTÀ E PAURA
Da ovest a est: Billy e Capitan America attraversano gli States sui
loro chopper nuovi fiammanti diretti al carnevale di New Orleans.
Quintessenza del road movie e sintesi della cultura alternativa,
un viaggio nella decadenza dell’American Dream, nei nuovi sogni
ribelli, nella musica rock. Indie fino al midollo, costò due lire e incassò
milioni. Dirige Dennis Hopper (Billy), producono Peter Fonda (Capitan
America) e Bob Rafelson, ruba la scena a tutti Jack Nicholson.
haskell wexler
MEDIUM COOL
Usa, 1969, 35mm, 111’, col.
regia, sceneggiatura,
fotografia/director,
screenplay, cinematography
Haskell Wexler
montaggio/film editing
Verna Fields
scenografia/
production design
Leon Ericksen
musica/music
Mike Bloomfield
interpreti e personaggi/
cast and characters
Robert Forster
(John Cassellis),
Verna Bloom (Eileen),
Peter Bonerz (Gus),
Marianna Hill (Ruth),
Harold Blankenship (Harold)
produttori/producers
Tully Friedman,
Haskell Wexler,
Jerrold Wexler
produzione/production
H&J
193
AMERICA, AMERICA, DOVE VAI?
Un cameraman televisivo va a Chicago per la convention democratica
del 1968, incontra una donna sola con il suo bambino, se ne innamora
e il suo sguardo cambia, da oggettivo si fa coinvolto. Miscuglio
inestricabile di finzione e verità (è stato girato davvero in mezzo agli
scontri tra polizia e giovani dimostranti) e rabbioso atto d’accusa,
scritto e diretto da un grande direttore della fotografia (vincitore
di due Oscar), poi messo sotto inchiesta dall’Fbi.
N E W H O L LY W O O D
EASY RIDER
From West to East: Billy and Captain
American cross the United States, driving
their brand new choppers to New Orleans
for Mardi Gras. The epitome of road
movies and a synthesis of the radical
culture, a voyage into the decline of the
American Dream, into the new dreams
of rebellion, and into rock music. Indie to
its core, it was produced on a shoestring
budget and made millions. Directed by
Dennis Hopper (Billy), produced by
Peter Fonda (Captain America) and Bob
Rafelson, and Jack Nicholson steals every
scene he’s in.
filmografia/filmography
Easy Rider (Easy Rider - Libertà e paura,
1969), The Last Movie (Fuga da Hollywood,
1971), Out of the Blue (Snack bar blues,
1980), Colors (Colors - Colori di guerra,
1988), Catchfire (Ore contate, 1990),
The Hot Spot (The Hot Spot - Il posto
caldo, 1990), Chasers (Una bionda sotto
scorta, 1994), Pashmy Dream (cm, 2008),
Homeless (cm, 2000).
MEDIUM COOL
A TV cameraman goes to Chicago
to cover the 1968 Democratic convention
and meets a single woman and her child.
He falls in love with her and his viewpoint
changes, from objective to involved.
A tangle of fiction and real events
(it was indeed shot during the clashes
between the police and the young
demonstrators) and an angry accusation,
written and directed by a great director
of photography (a two-time Oscar winner),
who was subsequently investigated by
the FBI.
filmografia essenziale/essential filmography
America America (f./d.o.p., Il ribelle
dell’Anatolia, 1963), The Best Man (f./d.o.p.,
L’amaro sapore del potere, 1964), The Bus
(doc., 1965), Who’s Afraid of Virginia Woolf?
(f./d.o.p., Chi ha paura di Virginia Woolf?,
1966), Tibbs (f./d.o.p., La calda notte
dell’ispettore Tibbs, 1967), The Conversation
(f./d.o.p., La conversazione, 1974),
Introduction to the Enemy (doc., 1974),
Some Flew Over the Cuckoo’s Nest (f./d.o.p.,
Qualcuno volò sul nido del cuculo, 1975),
This Land Is My Land (f./d.o.p., Questa terra
è la mia terra, 1976), Bus II (1983), Latino
(1985), Colors (f./d.o.p., Colors - Colori di
guerra, 1988), Limbo (f./d.o.p., id., 1999),
Bus Rider’s Union (doc., 2000), Silver City
(f./d.o.p., 2004), Who Needs Sleep? (doc.,
2006).
john schlesinger
MIDNIGHT COWBOY
CONTENTS
Usa, 1969, 35mm, 113’, col.
regia/director
John Schlesinger
soggetto/story
dall’omonimo romanzo di/
from the novel
of the same title by
James Leo Herlihy
sceneggiatura/screenplay
Waldo Salt
fotografia/cinematography
Adam Holender
montaggio/film editing
Hugh A. Robertson
scenografia/
production design
John Robert Lloyd
musica/music
John Barry
(non accreditato/uncredited)
interpreti e personaggi/
cast and characters
Dustin Hoffman (Ratso),
Jon Voight (Joe Buck),
Sylvia Miles (Cass),
John McGiver
(Mr O’Daniel),
Brenda Vaccaro (Shirley)
produttore/producer
Jerome Hellman
UN UOMO DA MARCIAPIEDE
Alto, biondo e naïf, arriva a New York dal Texas per farsi strada come
gigolo. Ma la metropoli se lo mangia e finisce a far marchette nei
bassifondi tra gli omosessuali. Trova però un amico, un poveraccio
tisico che sogna di andare in Florida. Dal Free Cinema, Schlesinger
approda negli Stati Uniti e cattura subito il crollo del Sogno con
un’amarissima favola urbana che vince tre Oscar. Jon Voight è il
campagnolo e un gigantesco Dustin Hoffman è il tisico.
francis ford coppola
THE RAIN PEOPLE
Usa, 1969, 35mm, 101’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Francis Ford Coppola
fotografia/cinematography
Bill Butler
montaggio/film editing
Barry Malkin
scenografia/
production design
Leon Ericksen
musica/music
Ronald Stein
interpreti e personaggi/
cast and characters
James Caan
(Jimmy Kilgannon),
Shirley Knight
(Natalie Ravenna),
Robert Duvall (Gordon),
Marya Zimmet (Rosalie),
Tom Aldredge (Mr Alfred),
Laura Crews (Ellen)
produttori/producers
Ronald Colby, Bart Patton
produzione/production
American Zoetrope,
Warner Bros.-Seven Arts
194
NON TORNO A CASA STASERA
«La gente della pioggia è fatta di pioggia, così che quando piange,
sparisce»: una casalinga incinta di Long Island fuggita di casa e un
ex giocatore di football ritardato attraversano in auto il Paese, diretti
in California. On the road sospeso tra disillusione paranoica e umana
comprensione, più dalle parti di John Ford che di Easy Rider, fatto di
notti, di telefonate, di incontri umanissimi, di ricerca inappagata.
Quarta regia di Coppola, la prima decisamente d’autore.
N E W H O L LY W O O D
MIDNIGHT COWBOY
Tall, blond and naïve, he travels from Texas
to New York to get rich as a gigolo. But the
city demolishes him and he ends up doing
tricks in the slums with homosexuals. He
makes a friend, a penniless consumptive
who dreams of going to Florida. From Free
Cinema, Schlesinger lands in the USA and
immediately captures the collapse of
the “Dream” with a bitter urban fairytale
that won three Oscars. With Jon Voight
playing the hick and an immense Dustin
Hoffman as the consumptive.
filmografia essenziale/essential filmography
A Kind of Loving (Una maniera d’amare,
1962), Billy Liar (Billy il bugiardo, 1963),
Darling (id., 1965), Far From the Madding
Crowd (Via dalla pazza folla, 1967),
Midnight Cowboy (Un uomo da marciapiede,
1969), Sunday Bloody Sunday (Domenica
maledetta domenica, 1971), The Day of
the Locust (Il giorno della locusta, 1975),
Marathon Man (Il maratoneta, 1976), Yanks
(Yankees, 1979), Honky Tonk Freeway (Crazy
runners - Quei pazzi pazzi sulle autostrade,
1981), The Falcon and the Snowman
(Il gioco del falco, 1985), The Believers
(The Believers - I credenti del male, 1987),
Madame Sousatzka (id., 1988), Pacific
Heights (Uno sconosciuto alla porta, 1990),
The Innocent (id., 1993), Cold Comfort
Farm (id., tv ,1995).
THE RAIN PEOPLE
“The rain people are people made of rain.
When they cry, they disappear altogether
because they cry themselves away:”
a pregnant Long Island housewife who has
run away from her husband and a braindamaged former football player cross the
country by car, on their way to California.
An on-the-road movie suspended between
paranoid disillusionment and empathetic
understanding, more John Ford than Easy
Rider, composed of nighttime, phone calls,
compassionate encounters, unsatisfied
searches. The fourth film by Coppola, his
first decidedly art-house movie.
filmografia essenziale/essential filmography
Dementia 13 (Terrore alla tredicesima ora,
1963), You’re a Big Boy Now (Buttati
Bernardo!, 1966), The Godfather (Il Padrino,
1972), The Conversation (La conversazione,
1974), The Godfather - Part II (Il Padrino Parte II, 1974), Apocalypse Now (id.,
1979), Rumble Fish (Rusty il selvaggio,
1983), The Cotton Club (Cotton Club,
1984), Gardens of Stone (Giardini di pietra,
1987), The Godfather - Part III (Il padrino Parte III, 1990), Bram Stoker’s
Dracula (Dracula di Bram Stoker, 1992), The Rainmaker (L’uomo della pioggia,
1997), Youth Without Youth (Un’altra
giovinezza, 2007), Tetro (Segreti di famiglia,
2009), Twixt (2011).
sydney pollack
THEY SHOOT HORSES, DON’T THEY?
CONTENTS
Usa, 1969, 35mm, 129’, col.
regia/director
Sydney Pollack
soggetto/story
dall’omonimo romanzo di/
from the novel of the same
title by Horace McCoy
sceneggiatura/screenplay
James Poe,
Robert E. Thompson
fotografia/cinematography
Philip Lathrop
montaggio/film editing
Frederic Steinkamp
scenografia/
production design
Harry Horner
costumi/costume design
Donfeld
musica/music
John Green
interpreti e personaggi/
cast and characters
Jane Fonda (Gloria),
Michel Sarrazin (Robert),
Susannah York (Alice),
Gig Young (Rocky)
produttori/producers
Robert Chartoff,
Irwin Winkler
produzione/production
ABC-Palomar Pictures
NON SI UCCIDONO COSÌ ANCHE I CAVALLI?
In California, in piena Depressione, un gruppo di disperati balla per
centinaia di ore sulla pista di una maratona di danza, tra le incitazioni
degli spettatori e i ritmi vertiginosi imposti dal maestro di cerimonie,
un laido, gelido Gig Young (premio Oscar). Posta in palio: 1500 dollari.
Chi cade è fuori. Quinta regia di Pollack, dal romanzo di Horace
McCoy, un incubo claustrofobico, avvolgente e violento che lascia
senza fiato e senza speranza. Con una dolente Jane Fonda.
bob rafelson
FIVE EASY PIECES
Usa, 1970, 35mm, 98’, col.
regia/director
Bob Rafelson
soggetto/story
Bob Rafelson,
Carole Eastman
(come/as Adrien Joyce)
sceneggiatura/screenplay
Carole Eastman (come/as
Adrien Joyce)
fotografia/cinematography
László Kovács
montaggio/film editing
Christopher Holmes
interpreti e personaggi/
cast and characters
Jack Nicholson
(Robert Eroica Dupea),
Karen Black
(Rayette Dipesto),
Billy Green Bush (Elton),
Lois Smith (Partita Dupea),
Susan Anspack
(Catherine Van Oost)
Fannie Flagg (Stoney),
Sally Struthers (Betty),
Marlena MacGuire (Twinky)
produttori/producers
Bob Rafelson,
Richard Wechsler
produzione/production
BBS, Columbia Pictures
Corporation, Raybert
195
CINQUE PEZZI FACILI
Robert Eroica Dupea è pianista, ma ha lasciato la famiglia borghese e
intellettuale per mettersi sulla strada. Operaio in un oleodotto, quando
viene a sapere che il padre sta male decide di tornare a casa. Viaggio
all’incontrario, storia di un ritorno impossibile, di radici insieme
rimpiante e mal sopportate, di cose che vanno a male, un tour de force
di Jack Nicholson (forse nella sua prova migliore). Seconda regia di
Rafelson, un caposaldo. Indimenticabili la maldestra, petulante
cameriera Karen Black e il monologo di Robert davanti al padre muto.
N E W H O L LY W O O D
THEY SHOOT HORSES, DON’T THEY?
In California, during the Depression,
a group of hopeless people dance for
hundreds of hours at a dance marathon,
egged on by the audience and the dizzying
tempo set by the master of ceremonies,
a foul, icy Gig Young (who won an Oscar).
The prize: 1,500 dollars. If you fall down,
you’re out. Pollack’s fifth movie as director,
based on the novel by Horace McCoy,
a claustrophobic nightmare, encircling
and violent, leaving viewers breathless
and hopeless. With an aching Jane Fonda.
filmografia essenziale/essential filmography
The Slender Thread (La vita corre sul filo,
1965), This Property Is Condemned (Questa ragazza è di tutti, 1966), The
Scalphunters (Joe Bass l’implacabile,
1967), Castle Keep (Ardenne ’44: un inferno,
1968), Jeremiah Johnson (Corvo Rosso
non avrai il mio scalpo, 1972),The Way
We Were (Come eravamo, 1973), The
Yakuza (Yakuza, 1975), Three Days of the
Condor (I tre giorni del condor, 1976), Bobby
Deerfield (Un attimo, una vita, 1977), The Electric Horseman (Il cavaliere elettrico,
1979), Tootsie (id., 1982), Out of Africa (La mia Africa, 1985), Havana (id., 1990),
The Firm (Il socio, 1993), The Interpreter
(id., 2005), Sketches of Frank Gehry (Frank
Gehry - Creatore di sogni, doc., 2005).
FIVE EASY PIECES
Robert Eroica Dupea is a pianist, but he
has left his bourgeois, intellectual family
to go on the road. While working on an
oil pipeline, he learns that his father is sick
and decides to return home. A backward
journey, the story of an impossible return,
of roots that are both regretted and
endured with difficulty, a tour de force
by Jack Nicholson (perhaps his best
performance). The second movie directed
by Rafelson is a cornerstone. Star turns
are the clumsy, petulant maid Karen
Black and Robert’s monologue before
his mute father.
filmografia/filmography
Head (Sogni perduti - Head, 1968), Five Easy
Pieces (Cinque pezzi facili, 1970), The King
of Marvin Gardens (Il re dei giardini di
Marvin, 1972), Stay Hungry (Un autentico
campione, 1976), The Postman Always
Rings Twice (Il postino suona sempre due
volte, 1981), Black Widow (La vedova nera,
1987), Mountains of the Moon (Le montagne
della luna, 1990), Man Trouble (La gatta
e la volpe, 1992), Blood & Wine (id., 1996),
Poodle Springs (Marlowe - Omicidio a Poodle
Springs, tv, 1998), No Good Deed (Inganni
svelati - No Good Deed, 2002).
michael wadleigh
WOODSTOCK
CONTENTS
Usa, 1970, 35mm, 184’, col.
regia/director
Michael Wadleigh
assistenti alla regia/
assistant directors
Martin Scorsese,
Thelma Schoonmaker
fotografia/cinematography
Malcolm Hart,
Michael Margetts
montaggio/film editing
Hubert de La Bouillerie,
Jere Huggins,
Thelma Schoonmaker,
Martin Scorsese,
Michael Wadleigh,
Stanley Warnow,
Yeu-Bun Yee
interpreti/cast
Jimi Hendrix, Richie Havens,
Joan Baez, The Who,
Sha Na Na, Joe Cocker,
Arlo Guthrie, Crosby, Stills,
Nash & Young, Santana,
Jefferson Airplane, Janis
Joplin, Lawrence Ferlinghetti,
Jerry Garcia, Bill Graham
produttore/producer
Bob Maurice
produzione/production
Wadleigh-Maurice
WOODSTOCK
From August 15-18, 1969, over 400,000
young people gathered north of New York
to celebrate three days of peace, music
(rock) and love (free). Rain, mud, weed,
LSD, Army helicopters, fans, and thirty-two
rock bands. Plus Michael Wadleigh and his
assistant Martin Scorsese, who filmed, cut,
spliced and edited. The manifesto of the
hippie culture (which was already on the
wane). With all the legends of rock music,
concluding with Jimi Hendrix and his solo
rendition of the Star-Spangled Banner.
WOODSTOCK: TRE GIORNI DI PACE, AMORE, E MUSICA
Dal 15 al 18 agosto del 1969, più di quattrocentomila giovani si
riunirono a nord di New York, per celebrare tre giorni di pace,
musica (rock) e amore (libero). Tra la pioggia, il fango, l’erba, l’Lsd,
gli elicotteri dell’esercito, i fan e i trentadue gruppi musicali c’erano
Michael Wadleigh e il suo assistente Martin Scorsese, che ripresero,
spezzettarono, ricucirono, montarono. Ecco il manifesto della cultura
hippie (già declinante). Con tutti i miti del rock e chiuso da Jimi
Hendrix, nell’angosciante assolo di Star-Spangled Banner.
hal ashby
HAROLD AND MAUDE
Usa, 1971, 35mm, 91’, col.
regia/director
Hal Ashby
sceneggiatura/screenplay
Colin Higgins
fotografia/cinematography
John A. Alonzo
montaggio/film editing
William A. Sawyer,
Edward Warschilka
scenografia/
production design
Michael D. Haller
interpreti e personaggi/
cast and characters
Ruth Gordon (Maude),
Bud Cort (Harold),
Vivian Pickles (Mrs Chasen),
Cyril Cusack (Glaucus),
Charles Tyner
(lo zio/uncle Victor),
Ellen Geer (Sunshine Doré)
produttori/producers
Colin Higgins,
Charles Mulvehill
produzione/production
Mildred Lewis
and Colin Higgins
Productions,
Paramount Pictures
196
HAROLD E MAUDE
Harold ha diciotto anni, è ossessionato dalla morte, va ai funerali,
visita i cimiteri, inscena tentativi di suicidio per attirare l’attenzione
della madre. Finché non incontra Maude, scultrice ottantenne
attaccatissima alla vita. Commedia necrofila e surreale sulla libertà
di essere se stessi, interpretata da Bud Cort (il Brewster McCloud
di Altman) e Ruth Gordon (grande sceneggiatrice hollywoodiana,
con il marito Garson Kanin). Seconda regia di Ashby, con musiche
di Cat Stevens.
N E W H O L LY W O O D
filmografia/filmography
Woodstock (Woodstock: tre giorni di pace,
amore, e musica, doc., 1970), Wolfen
(Wolfen - La belva immortale, 1981),
Woodstock: The Lost Performances (doc.,
1990), Jimi Hendrix: Live at Woodstock
(doc., 1999).
HAROLD AND MAUDE
Harold is eighteen years old, he is obsessed
with death, he goes to funerals, he visits
cemeteries, his fakes his suicide to attract
his mother’s attention. And then one
day he meets Maude, an eithy-year-old
sculptress who loves life. A necrophile
and surreal comedy about the freedom
to be yourself, starring Bud Cort
(Altman’s Brewster McCloud) and Ruth
Gordon (a great Hollywood screenwriter,
with her husband Garson Kanin).
Ashby’s second time behind the camera,
with music by Cat Stevens.
filmografia essenziale/essential filmography
The Landlord (Il padrone di casa, 1970),
Harold and Maude (Harold e Maude, 1971),
The Last Detail (L’ultima corvè, 1973),
Shampoo (id., 1975), Bound for Glory
(Questa terra è la mia terra, 1976),
Coming Home (Tornando a casa, 1978),
Being There (Oltre il giardino, 1979),
Second-Hand Hearts (Cuori di seconda
mano, 1981), Lookin’ to Get Out (Cercando
di uscire, 1982), Let’s Spend the Night
Together (Time Is on Our Side: The Rolling
Stones, 1982), The Slugger’s Wife (La moglie
del campione, 1985), 8 Million Ways to Die
(8 milioni di modi per morire, 1986).
peter bogdanovich
THE LAST PICTURE SHOW
CONTENTS
Usa, 1971, 35mm, 118’, bn/bw
regia/director
Peter Bogdanovich
soggetto/story
dall’omonimo romanzo di/
from the novel of the same
title by Larry McMurtry
sceneggiatura/screenplay
Larry McMurtry,
Peter Bogdanovich
fotografia/cinematography
Robert Surtees
montaggio/film editing
Donn Cambern
(Peter Bogdanovich,
non accreditato/uncredited)
musica/music
Bob Wills and
His Texas Playboys
interpreti e personaggi/
cast and characters
Timothy Bottoms
(Sonny Crawford),
Jeff Bridges
(Duane Jackson), Cybill
Shepherd (Jacy Farrow),
Ben Johnson (Sam), Cloris
Leachman (Ruth Popper),
Ellen Burstyn (Lois Farrow)
produzione/production
Columbia Pictures
Corporation, BBS
THE LAST PICTURE SHOW
L’ULTIMO SPETTACOLO
La vita scorre ad Anarene, Texas, nel 1951: mentre i giovani inseguono
le prime avventure sentimentali e finiscono per partire per la Corea,
i più maturi fanno i conti sconsolati con la propria vita. E l’unico
cinema in città chiude dopo l’ultima proiezione del Fiume rosso
di Hawks. Straziante, bellissimo ritratto di provincia e malinconica
riflessione sulla scomparsa del cinema classico. Lancia Jeff Bridges,
Timothy Bottoms, Cybill Shepherd. Ma la parte del leone tocca al
vecchio cowboy Ben Johnson (premio Oscar).
Life in Anarene, Texas, in 1951: the young
people are having their first sentimental
adventures before leaving for Korea, the
older ones are disconsolately summing up
their lives. And the only cinema in town
will be closing after its last show, Red River
by Hawks. A heart-breaking, beautiful
portrait of country life and a melancholy
reflection on the death of classic cinema.
The movie launched the careers of Jeff
Bridges, Timothy Bottoms and Cybill
Shepherd. But the lion’s share went
to the old cowboy Ben Johnson (who
won an Oscar).
filmografia/filmography
vedi/see p.192
alan arkin
LITTLE MURDERS
Usa, 1971, 35mm, 110’, col.
regia/director
Alan Arkin
soggetto/story
dall’omonimo romanzo di/
from the novel of the same
title by Jules Feiffer
sceneggiatura/screenplay
Jules Feiffer
montaggio/film editing
Howard Kuperman
scenografia/
production design
Gene Rudolf
musica/music
Fred Kaz
interpreti e personaggi/
cast and characters
Elliott Gould
(Alfred Chamberlain),
Marcia Rodd
(Patsy Newquist),
Vincent Gardenia
(Mr Newquist),
Donald Sutherland
(rev. Dupas)
produttori/producers
Jack Brodsky,
Elliott Gould
produzione/production
20 Century Fox
TH
197
LITTLE MURDERS
PICCOLI OMICIDI
Un uomo coperto di sangue viaggia in una metropolitana piena; tutti
gli altri passeggeri restano indifferenti. È la sequenza più famosa della
commedia nera e paranoica scritta dall’umorista Jules Feiffer e diretta
dall’attore Alan Arkin: la storia di un fotografo apatico che non sente
più niente, parte integrante di una New York popolata di sparatori folli,
maniaci telefonici, bande di violenti, e della ragazza che vuole
«salvarlo». Prodotta dal protagonista Elliott Gould, con un cammeo
di Donald Sutherland.
N E W H O L LY W O O D
A man covered in blood rides in a packed
subway car; the other passengers look on
indifferently. This is the most famous
sequence of the paranoid black comedy
written by the humorist Jules Feiffer and
directed by the actor Alan Arkin. The story
of an apathetic photographer who has
lost all touch with his feelings, firmly
entrenched in a New York inhabited
by lunatic gunmen, telephone maniacs,
violent gangs, and of the girl who wants
to “save him.” Produced by the lead
character Elliott Gould, with a cameo
by Donald Sutherland.
filmografia/filmography
T.G.I.F. (cm, 1967), People Soup
(cm, 1969), Little Murders (Piccoli omicidi,
1971), Twigs (tv, 1975), Fay (ep., tv, 1975),
Fire Sale (Quella pazza famiglia Fikus, 1977),
Trying Times (ep., tv, 1987-1989), Samuel
Beckett Is Coming Soon (1993), Blood
(Thinner Than Water) (cm, 2004).
george lucas
THX 1138
CONTENTS
Usa, 1971, 35mm, 86’, col.
regia, soggetto, montaggio/
director, story, film editing
George Lucas
sceneggiatura/screenplay
George Lucas,
Walter Murch
fotografia/cinematography
Albert Kihn,
David Myers
scenografia/
production design
Al Locatelli
costumi/costume design
Donald Longhurst
musica/music
Lalo Schifrin
interpreti e personaggi/
cast and characters
Robert Duvall (THX),
Donald Pleasence (SEN),
Don Pedro Colley (SRT),
Maggie McOmie (LUH),
Ian Wolfe (PTO),
Marshall Efron (TWA),
Sid Haig (NCH)
produttore/producer
Larry Sturhahn
produzione/production
American Zoetrope,
Warner Bros.
L’UOMO CHE FUGGÌ DAL FUTURO
In un mondo futuro finalizzato alla produzione e al consumo delle
merci, si vive sotto terra, controllati attraverso la somministrazione
di droghe. Le sigle alfanumeriche hanno sostituito i nomi e tutti
indossano divise. Anche l’amore è stato bandito. Ma THX e LUH
smettono di usare la droga e decidono di fuggire in superficie.
Sviluppando il suo cortometraggio di laurea, Lucas esordisce
a basso costo con un lucido esempio di fantascienza orwelliana.
monte hellman
TWO-LANE BLACKTOP
Usa, 1971, 35mm, 102’, col.
regia, montaggio/
director, film editing
Monte Hellman
soggetto/story
Will Corry (Floyd Mutrux,
non accreditato/uncredited)
sceneggiatura/screenplay
Rudy Wurlitzer, Will Corry
fotografia/cinematography
Jack Deerson
(Gregory Sandor,
non accreditato/uncredited)
costumi/costume design
Richard Bruno
musica/music
Billy James
interpreti e personaggi/
cast and characters
James Taylor (il pilota/driver),
Dennis Wilson
(il meccanico/mechanic),
Warren Oates (Gto),
Laurie Bird (la ragazza/girl)
produttore/producer
Michael Laughlin
produzione/production
Michael Laughlin
Enterprises,
Universal Pictures
198
STRADA A DOPPIA CORSIA
Due automobilisti senza nome (i musicisti James Taylor e Dennis
Wilson) viaggiano su una Chevrolet truccata e partecipano a gare
clandestine. Un giorno sfidano a una corsa fino a Washington il pilota
di una Ferrari Gto; ma dopo un po’ ognuno se ne va per la sua strada.
Road movie esistenziale, fatto di strade, auto, incontri, silenzi,
chiacchiere (di Gto, un grande Warren Oates), paesaggi, senza
un filo di retorica. Monte Hellman anticipa Wim Wenders.
Esordio nella sceneggiatura di Rudy Wurlitzer.
N E W H O L LY W O O D
THX
1138
In a future world dedicated to the
production and consumption of goods,
people live underground; they are
controlled through the administration
of drugs, alphanumerical codes have taken
the place of names, and everybody wears
uniforms. Even love has been banned.
But THX and LUH stop taking the
drugs and decide to escape to the surface.
By developing his graduating short film,
Lucas debuts on a low budget with a lucid
example of Orwellian science fiction.
filmografia essenziale/
essential filmography
THX 1138 (L’uomo che fuggì dal futuro,
1971), American Graffiti (id., 1973), Star
Wars (Guerre stellari, 1977), Star Wars
Episode I: The Phantom Menace (Star Wars:
Episodio I - La minaccia fantasma, 1999),
Star Wars Episode II: Attack of the Clones
(Star Wars: Episodio II - L’attacco dei cloni,
2002), Star Wars Episode III: Revenge of the
Sith (Star Wars: Episodio III - La vendetta dei
Sith, 2005).
TWO-LANE BLACKTOP
Two nameless drivers (the musicians
James Taylor and Dennis Wilson) have
a souped-up Chevrolet and participate
in illegal car races. One day, they challenge
the driver of a Ferrari GTO to a race all
the way to Washington. But after a while
each goes his own way. An existential
road movie, with roads, cars, encounters,
silences, chitchat (by GTO, a great Warren
Oates), landscapes, and without a touch
of rhetoric. Monte Hellman, a precursor
of Wim Wenders. Debut script by Rudy
Wurlitzer.
filmografia essenziale/essential filmography
Beast from Haunted Cave (1959), Back Door
to Hell (1964), Flight to Fury (1964), Back
Door to Hell (1964), Ride in the Whirlwind
(Le colline blu, 1966), The Shooting (La
sparatoria, 1967), Two-Lane Blacktop (Strada
a doppia corsia, 1971), Cockfighter (1974),
Amore, piombo e furore (1978), Inside the
Coppola Personality (1981), Iguana (1988),
Silent Night, Deadly Night III: Better Watch
Out! (video, 1989), Stanley’s Girlfriend
(cm, 2006), Trapped Ashes (coregia/
codirectors aa.vv., ep. Stanley’s Girlfriend,
2006), Somewhere Near Salinas:
A Conversation with Kris Kristofferson (cm,
2007), Road to Nowhere (2010), Venice 70:
Future Reloaded (coregia/codirectors aa.vv.,
ep. Vive L’amour, 2013).
richard c. sarafian
VANISHING POINT
CONTENTS
Usa, 1971, 35mm, 99’, col.
regia/director
Richard C. Sarafian
soggetto/story
Malcolm Hart
sceneggiatura/screenplay
Guillermo Cabrera Infante
(Barry Hall,
non accreditato/uncredited)
fotografia/cinematography
John A. Alonzo
montaggio/film editing
Stefan Arnsten
scenografia/
production design
Glen Daniels
interpreti e personaggi/
cast and characters
Barry Newman (Kowalski),
Cleavon Little (Super Soul),
Victoria Medlin (Vera),
Paul Koslo (il poliziotto
giovane/young cop),
Robert Donner (il poliziotto
anziano/older cop)
produttore/producer
Norman Spencer
produzione/production
Cupid Productions,
20 Century Fox Film
Corporation
TH
PUNTO ZERO
Kowalski, un reduce del Vietnam, per vivere consegna auto attraverso
gli States. Un giorno scommette che porterà una Dodge Challenger
dal Colorado a San Francisco in meno di quindici ore. La stradale
lo blocca per eccesso di velocità, lui fugge e inizia la caccia. Lo guida
via radio Super Soul, un dj cieco. Attraverso tre Stati, Kowalski si
trasforma in un mito per contadini e dropout. Musica senza tregua
nel terzo film di Sarafian. Barry Newman diventò un attore di culto.
martin scorsese
BOXCAR BERTHA
Usa, 1972, 35mm, 88’, col.
regia/director
Martin Scorsese
soggetto/story
da Box-car Bertha:
autobiografia di una
vagabonda americana di/
from Sisters of the Road: The
Autobiography of Box-Car
Bertha by Ben L. Reitman
sceneggiatura/screenplay
Joyce Hooper Corrington,
John William Corrington
fotografia/cinematography
John M. Stephens
montaggio/film editing
Buzz Feitshans
musica/music
Gib Guilbeau, Thad Maxwell
interpreti e personaggi/
cast and characters
Barbara Hershey (Boxcar
Bertha), David Carradine
(Big Bill Shelly),
Barry Primus (Rake Brown),
Bernie Casey (Von Morton),
John Carradine
(H. Buckram Sartoris)
produttore/producer
Roger Corman
produzione/production
American International
Pictures
199
AMERICA 1929: STERMINATELI SENZA PIETÀ
Dall’autobiografia di Bertha Thompson, la storia di una hobo e di un
sindacalista che, nella campagna dell’Arkansas impoverita dalla crisi
del ’29, diventano fuorilegge quasi per caso e agitatori per scelta.
Secondo lungometraggio di Scorsese, prodotto da Corman come
un exploitation a basso costo, tra leggenda folk e mélo, duro,
romantico e «cristologico». La splendente Barbara Hershey e David
Carradine (al primo ruolo da protagonista) s’innamorarono sul set.
N E W H O L LY W O O D
VANISHING POINT
Vietnam veteran Kowalski delivers cars
across America for a living. One day, he
bets that he can drive a Dodge Challenger
from Colorado to San Francisco in less
than fifteen hours. The highway police stop
him for speeding, he makes a run for it
and the hunt is on. The blind DJ Super
Soul guides him by radio. After crossing
three state borders, Kowalski becomes a
hero of farmers and dropouts. Non-stop
music in the third film by Sarafian. Barry
Newman becomes a cult actor.
filmografia essenziale/essential filmography
The Twilight Zone (Ai confini della realtà,
ep., tv, 1963), Bonanza (ep., tv, 1963),
The Long Hot Summer (ep., tv, 1963) Andy
(1965), Run Wild, Run Free (Corri libero
e selvaggio, 1969), Fragment of Fear
(Frammenti di paura, 1970), Vanishing Point
(Punto zero, 1971), Man in the Wilderness
(Uomo bianco, va’ col tuo Dio, 1971), The
Man Who Loved Cat Dancing (L’uomo che
amò Gatta danzante, 1973), Lolly-Madonna
XXX (La terra si tinse di rosso, 1973),
The Next Man (Il prossimo uomo, 1976),
Sunburn (Sunburn - Bruciata dal sole, 1979),
Splendor in the Grass (Splendore nell’erba, tv,
1981), Gangster Wars (1981), Street Justice
(Street Justice - Un’ombra nella notte, 1987),
Solar Crisis (1990).
BOXCAR BERTHA
Based on the autobiography of Bertha
Thompson, the story of a hobo and a
union organizer who, in the Arkansas
countryside impoverished by the 1929 crisis,
become outlaws almost by accident and
agitators by choice. Scorsese’s second
feature film, produced by Corman as a
low-cost exploitation, between folk legend
and melodrama, is harsh, romantic and
“Christological.” Gorgeous Barbara
Hershey and David Carradine (in his
first starring role) fell in love on the set.
filmografia essenziale/essential filmography
Who’s That Knocking at My Door? (Chi
sta bussando alla mia porta?, 1967), Mean
Streets (Mean Streets - Domenica in chiesa,
lunedì all’inferno, 1973), Alice Doesn’t Live
Here Anymore (Alice non abita più qui,
1974), Taxi Driver (id., 1976), New York,
New York (id., 1977), Raging Bull (Toro
scatenato, 1980), After Hours (Fuori orario,
1985), The Last Temptation of Christ
(L’ultima tentazione di Cristo, 1988),
Goodfellas (Quei bravi ragazzi, 1990),
Cape Fear (Cape Fear - Il promontorio
della paura, 1991), The Age of Innocence
(L’età dell’innocenza, 1993), Casino (Casinò,
1995), Bringing Out the Dead (Al di là della
vita, 2000), Gangs of New York (id., 2002),
Shutter Island (id., 2010).
bill l. norton
CISCO PIKE
CONTENTS
Usa, 1972, 35mm, 95’, col.
regia/director
Bill L. Norton
sceneggiatura/screenplay
Bill L. Norton
(Robert Towne,
non accreditato/uncredited)
fotografia/cinematography
Vilis Lapenieks
montaggio/film editing
Robert C. Jones
scenografia/
production design
Alfred Sweeney
costumi/costume design
Rosanna Norton
interpreti e personaggi/
cast and characters
Kris Kristofferson
(Cisco Pike),
Karen Black (Sue),
Gene Hackman
(ufficiale/officer
Leo Holland),
Harry Dean Stanton
(Jesse Dupre)
produttore/producer
Gerald Ayres
produzione/production
Acrobat Productions,
Columbia Pictures
Corporation
PER
100 CHILI DI DROGA
Ex rock star, rovinato dalla droga, sta rimettendo a posto la propria
vita, ma viene ricattato da un poliziotto corrotto che gli dà tre giorni
per vendere una partita di marijuana. Cupissima corsa contro il tempo,
dentro una Los Angeles da incubo, diretta con rigore asciutto da
Bill L. Norton (poi, una fiorente carriera televisiva). Si fronteggiano
Kris Kristofferson (allora famoso folksinger, al suo primo film)
e il re dei poliziotti (sceriffi, politici) corrotti, Gene Hackman.
john huston
FAT CITY
Usa, 1972, 35mm, 100’, col.
regia/director
John Huston
soggetto/story
dall’omonimo romanzo di/
from the novel of the same
title by Leonard Gardner
sceneggiatura/screenplay
Leonard Gardner
fotografia/cinematography
Conrad L. Hall
montaggio/film editing
Walter Thompson
scenografia/
production design
Richard Sylbert
costumi/costume design
Dorothy Jeakins
interpreti e personaggi/
cast and characters
Stacy Keach (Billy Tully),
Jeff Bridges (Ernie Munger),
Susan Tyrrell (Oma),
Candy Clark (Faye)
produttori/producers
John Huston,
Ray Stark
produzione/production
Columbia Pictures,
Rastar Pictures
200
CITTÀ AMARA
Sogno di un Eldorado irraggiungibile (la «Fat City» del titolo), per
due pugili che si arrabattano negli incontri di bassissima categoria
di una città marginale (Stockton). Periferia triste dell’impero per
anime arrivate al capolinea, si tratti di maturi pugili falliti o di giovani
volonterosi: Stacy Keach e Jeff Bridges intrecciano amicizia, bevute,
delusioni in uno dei capolavori malinconici e lucidi di quegli anni.
Diretto da un vecchio leone che aveva capito tutto.
N E W H O L LY W O O D
CISCO PIKE
A former rock star, who has been ruined by
drugs, is getting his life back together when
he is blackmailed by a corrupt cop, who
gives him three days to sell a shipment
of marijuana. A gloomy race against time,
in a nightmarish Los Angeles, directed with
firm rigor by Bill L. Norton (who then had
a flourishing career in TV). With Kris
Kristofferson (a famous folk singer, in his
first film) and the king of corrupt cops
(sheriffs, politicians), Gene Hackman.
filmografia essenziale/
essential filmography
Cisko Pike (Per 100 chili di droga, 1972),
Gargoyles (tv, 1972), More American Graffiti
(American Graffiti 2, 1979), Baby: Secret of
the Lost Legend (Baby - Il segreto della
leggenda perduta, 1985), Twilight Zone
(Ai confini della realtà, ep., tv, 1985-1986),
Three for the Road (In tre si litiga meglio,
1987), Tour of Duty (Vietnam addio, ep.,
tv, 1987-1989), Gone in the Night (Senza
movente, tv, 1996), Every Mother’s Worst
Fear (Trappola in rete, 1998), Buffy the
Vampire Slayer (Buffy, l’ammazzavampiri,
ep., tv, 2002), Haunted (Fantasmi, ep., tv,
2002), The Guardian (ep., tv, 2004),
Medium (id., ep., tv, 2005), Ghost
Whisperer (id., ep., tv, 2005).
FAT CITY
The dream of an impossible Eldorado (the
“Fat City” of the title) for two boxers who
fight in the lowest category in a marginal
city (Stockton). A sad periphery of the
empire for souls who have reached the end
of the line, whether they be over-the-hill
failed boxers or eager newcomers. Stacy
Keach and Jeff Bridges share friendship,
drinking binges and disappointments in
a melancholy, lucid masterpiece about
those years. Directed by an old oak who
understood it all.
filmografia essenziale/essential filmography
The Maltese Falcon (Il mistero del falco,
1941), The Treasure of the Sierra Madre
(Il tesoro della Sierra Madre, 1948), The
Asphalt Jungle (Giungla d’asfalto, 1950),
The Red Badge of Courage (La prova del
fuoco, 1951), Heaven Knows, Mr Allison
(L’anima e la carne, 1957), The List of Adrian
Messenger (I cinque volti dell’assassino,
1963), Reflections in a Golden Eye (Riflessi
in un occhio d’oro, 1967), The Life and Times
of Judge Roy Bean (L’uomo dai 7 capestri,
1972), The Mackintosh Man (L’agente
speciale Mackintosh, 1973), The Man Who
Would Be King (L’uomo che volle farsi re,
1975), Wise Blood (La saggezza nel sangue,
1979), Prizzi’s Honor (L’onore dei Prizzi,
1985), The Dead (The Dead - Gente di
Dublino, 1987).
bob rafelson
THE KING OF MARVIN GARDENS
CONTENTS
Usa, 1972, 35mm, 103’, col.
regia, produttore/
director, producer
Bob Rafelson
soggetto/story
Bob Rafelson,
Jacob Brackman
sceneggiatura/screenplay
Jacob Brackman
fotografia/cinematography
László Kovács
montaggio/film editing
John F. Link
scenografia/
production design
Toby Carr Rafelson
suono/sound
James Nelson,
Tom Overton
interpreti e personaggi/
cast and characters
Jack Nicholson
(David Staebler), Bruce Dern
(Jason Staebler),
Ellen Burstyn (Sally), Julia
Anne Robinson (Jessica),
Scatman Crothers (Lewis),
John P. Ryan (Surtees)
produzione/production
BBS Productions
THE KING OF MARVIN GARDENS
In the board game Monopoly, Marvin
Gardens is the most expensive property,
the one everyone wants to own. Marven
Gardens is also a residential area of
Atlantic City, the setting for the story
of two brothers: Jason, an oddball swindler,
and David, a radio personality in
Philadelphia. Bruce Dern and Jack
Nicholson in a precise account of family
ties and incompatibilities, in a world where
you can gamble everything. And you lose.
filmografia/filmography
vedi/see p. 195
IL RE DEI GIARDINI DI MARVIN
I Giardini di Marvin sono il Parco della Vittoria del Monopoli
americano: la casella più costosa, la più ambita. Marven Gardens
è anche un’area residenziale di Atlantic City, dove si svolge la storia
di due fratelli: Jason, affarista bislacco, e David, che lo raggiunge da
Filadelfia, dove racconta le proprie storie alla radio. Bruce Dern
e Jack Nicholson in un accorato resoconto di legami e incompatibilità
familiari, in un mondo dove ci si gioca tutto. E si perde.
william guercio
ELECTRA GLIDE IN BLUE
Usa, 1973, 35mm, 114’, col.
regia, musica/director, music
William Guercio
soggetto/story
Robert Boris,
Rupert Hitzig
sceneggiatura/screenplay
Robert Boris
fotografia/cinematography
Conrad L. Hall
montaggio/film editing
Gerald B. Greenberg,
John F. Link
costumi/costume design
Rita Riggs
interpreti e personaggi/
cast and characters
Robert Blake
(John Wintergreen),
Billy Green Bush (Zipper),
Mitch Ryan (Harve Poole),
Jeannine Riley (Jolene),
Elisha Cook Jr (Willie)
produttori/producers
William Guercio
(Rupert Hitzig,
non accreditato/uncredited)
produzione/production
Guercio-Hitzig
201
ELECTRA GLIDE IN BLUE
John Wintergreen, a Vietnam veteran,
is just over five feet tall; he works as
a cop in Arizona. His dream is to become
a member of the homicide squad, in order
to bring people to justice, but also to finally
drive one of the squad’s mighty Electra
Glides. His dream comes true but he
realizes that there isn’t much justice
around. Set in the desert (Ford’s
Monument Valley), a bizarre and
surreal parable, the only film directed
by the musician and music impresario
William Guercio.
ELECTRA GLIDE
Un veterano del Vietnam, John Wintergreen, è alto poco più di un
metro e mezzo e fa il poliziotto in Arizona. Il suo sogno è entrare
nella omicidi, per fare giustizia, ma anche per cavalcare, finalmente,
la monumentale Electra Glide in dotazione a questo corpo. Ci riesce,
ma si accorge che di giustizia ce n’è ben poca. Ambientato nel deserto
(la fordiana Monument Valley), un bizzarro apologo surreale, unica
regia di un musicista e impresario musicale.
N E W H O L LY W O O D
filmografia/filmography
Electra Glide in Blue (Electra Glide, 1973).
hal ashby
THE LAST DETAIL
CONTENTS
Usa, 1973, 35mm, 104’, col.
regia/director
Hal Ashby
soggetto/story
dal romanzo di/
from the novel of the same
title by Darryl Ponicsan
sceneggiatura/screenplay
Robert Towne
fotografia/cinematography
Michael Chapman
montaggio/film editing
Robert C. Jones (Ken Zemke,
non accreditato/uncredited)
musica/music
Johnny Mandel
interpreti e personaggi/
cast and characters
Jack Nicholson (Buddusky),
Otis Young (Mulhall),
Randy Quaid (Meadows),
Carol Kane (la prostituta
ragazzina/young prostitute)
produttore/producer
Gerald Ayres
produzione/production
Columbia Pictures
Corporation,
Bright-Persky Associates,
Acrobat Productions
THE LAST DETAIL
Two rowdy Navy noncommissioned officers
have one week to escort to prison a young
sailor who tried to steal forty dollars and
has been sentenced to eight years. They
take a liking to the slightly obtuse young
man and decide to teach him how to live,
drink, fight and womanize. Nicholson and
Otis Young take care of Randy Quaid in a
wicked and cheerful buddy movie, written
by the great screenwriter Robert Towne.
filmografia/filmography
vedi/see p. 196
L’ULTIMA CORVÈ
Due sboccati sottufficiali di Marina hanno una settimana per scortare
in carcere un giovane marinaio che ha tentato di rubare quaranta
dollari ed è stato condannato a otto anni. In viaggio, si affezionano al
ragazzo un po’ tonto e decidono di insegnargli a vivere, a bere, fare a
pugni, andare a donne. Jack Nicholson e Otis Young si prendono cura
di Randy Quaid in un buddy movie cattivo e ilare, scritto da un grande
sceneggiatore, Robert Towne.
sam peckinpah
PAT GARRETT & BILLY THE KID
Usa, 1973, 35mm, 122’, col.
regia/director
Sam Peckinpah
sceneggiatura/screenplay
Rudy Wurlitzer
fotografia/cinematography
John Coquillon
montaggio/film editing
David Berlatsky,
Garth Craven, Tony
de Zarraga, Richard Halsey,
Roger Spottiswoode,
Robert L. Wolfe
musica/music
Bob Dylan
interpreti e personaggi/
cast and characters
James Coburn (Pat Garrett),
Kris Kristofferson
(Billy the Kid), Richard
Jaeckel (sceriffo/sheriff Kip
McKinney), Katy Jurado
(Mrs Baker), Jason Robards
(governatore/governor
Wallace), Bob Dylan (Alias),
Harry Dean Stanton (Luke)
produttore/producer
Gordon Carroll
produzione/production
Metro-Goldwyn-Mayer
202
PAT GARRETT & BILLY THE KID
PAT GARRETT E BILLY THE KID
«L’America sta invecchiando e io voglio invecchiare con lei»: parole
sante (e antimitiche) dello sceriffo Pat Garrett (James Coburn), un ex
fuorilegge che si è messo al soldo degli allevatori del New Mexico per
dare la caccia al Kid (Kris Kristofferson), suo antico compagno di
scorrerie. Magnifica ballata crepuscolare di Peckinpah, che comincia
con un tremendo frame mortuario e si snoda amaramente sulle note
della musica di Bob Dylan (che interpreta l’enigmatico Alias).
Hit: la morte in riva al fiume e Knockin’ on Heaven’s Door.
N E W H O L LY W O O D
“This country’s getting older and I aim
to grow old with it:” very true (and
antimythical) words coming from sheriff
Pat Garrett (James Coburn), a former
outlaw who has being hired by some New
Mexico landowners to hunt down the Kid
(Kris Kristofferson), his old companion in
crime. Peckinpah’s magnificent crepuscular
ballad, which starts with a tremendous
obituary frame and bitterly unspools to
the music of Bob Dylan (who plays the
enigmatic Alias). Hit: the death by the
river sequence with Knockin’ on Heaven’s
Door.
filmografia/filmography
vedi/see p. 190
brian de palma
SISTERS
CONTENTS
Usa, 1973, 35mm, 93’, col.
regia, soggetto/
director, story
Brian De Palma
sceneggiatura/screenplay
Brian De Palma,
Louisa Rose
fotografia/cinematography
Gregory Sandor
montaggio/film editing
Paul Hirsch
scenografia/
production design
Gary Weist
musica/music
Bernard Herrmann
interpreti e personaggi/
cast and characters
Margot Kidder
(Danielle Breton/Dominique
Blanchion), Jennifer Salt
(Grace Collier), Charles
Durning (Joseph Larch),
William Finley (Emil Breton),
Lisle Wilson (Phillip Woode)
produttore/producer
Edward R. Pressman
produzione/production
American International
Pictures,
Pressman-Williams
LE DUE SORELLE
Una giornalista guarda dalla finestra e assiste a un omicidio nella casa
di fronte. La vittima faceva il guardone in una trasmissione televisiva
intitolata Peeping Toms. Una modella è in cura da uno psichiatra per
il trauma subito quando fu separata dalla gemella siamese. Vertigine
di visioni intersecate, sdoppiamenti di personalità e omaggi a
Hitchcock nel primo horror diretto da Brian de Palma, insieme a Peter
Bogdanovich il «metaregista» per eccellenza della New Hollywood.
robert altman
CALIFORNIA SPLIT
Usa, 1974, 35mm, 108’, col.
regia/director
Robert Altman
soggetto, sceneggiatura/
story, screenplay
Joseph Walsh
fotografia/cinematography
Paul Lohmann
montaggio/film editing
Lou Lombardo,
O. Nicholas Brown
scenografia/
production design
Leon Ericksen
costumi/costume design
Hugh McFarland
musica/music
Phyllis Shotwell
interpreti e personaggi/
cast and characters
George Segal (Bill Denny),
Elliott Gould (Charlie
Waters), Ann Prentiss
(Barbara Miller), Gwen
Welles (Susan Peters),
Edward Walsh (Lew),
Joseph Walsh (Sparkie)
produttori/producers
Robert Altman,
Joseph Walsh
produzione/production
Columbia Pictures
203
CALIFORNIA POKER
Un giornalista e uno stralunato giocatore di professione s’incontrano
a un tavolo di poker, fanno amicizia, cominciano a scommettere su
tutto, compresi i nomi dei sette nani, e un giorno decidono di tentare
il colpo grosso a Reno. George Segal ed Elliott Gould ciondolano,
chiacchierano, giocano, fanno scherzi, si prendono cura di due giovani
prostitute, girano a vuoto, nella magnifica jam session di Altman, tutta
improvvisazione sotto controllo. Ma, alla fine, c’è qualcuno che vince?
N E W H O L LY W O O D
SISTERS
A journalist looks out the window and sees
a murder taking place in the house across
the way. The murdered man played a
voyeur in a TV program entitled Peeping
Toms. A model gets psychiatric help for
the trauma she suffered when she was
separated from her Siamese twin. Vertigo
from crossing views, split personalities and
nods to Hitchcock in the first horror movie
directed by Brian de Palma, the New
Hollywood “meta-director” par excellence,
together with Peter Bogdanovich.
filmografia essenziale/essential filmography
Hi, Mom! (id., 1970), Get to Know Your
Rabbit (Conosci il tuo coniglio, 1972),
Phantom of the Paradise (Il fantasma del
palcoscenico, 1974), Obsession (Complesso
di colpa, 1976), Carrie (Carrie, lo sguardo
di Satana, 1977), The Fury (Fury, 1978),
Home Movies (Home Movies - Vizietti
familiari, 1979), Dressed to Kill (Vestito
per uccidere, 1980), Blow Out (id., 1981),
Scarface (id., 1983), Body Double (Omicidio
a luci rosse, 1984), Wise Guys (Cadaveri
e compari, 1986), The Untouchables
(Gli intoccabili, 1987), Raising Cain (Doppia
personalità, 1992), Carlito’s Way (id., 1993),
Mission Impossible (id., 1996), Snake Eyes
(Omicidio in diretta, 1998), Mission to Mars
(id., 2000), Femme Fatale (id., 2002).
CALIFORNIA SPLIT
A journalist and a moody professional
gambler meet at a poker table, become
friends and start to bet on everything,
including the names of the seven dwarfs.
One day they decide to try to win big
in Reno. George Segal and Elliott Gould
hang around, chat, gamble, play tricks on
people, take care of two young prostitutes
and wander in Altman’s magnificent jam
session, controlled improvisation. But,
in the end, does anybody actually win?
filmografia essenziale/
essential filmography
That Cold Day in the Park (Quel freddo
giorno nel parco, 1969), M*A*S*H*
(M.A.S.H, 1970), Brewster McCloud (Anche
gli uccelli uccidono, 1970), McCabe and Mrs
Killer (I compari, 1971), Images (id., 1972),
The Long Goodbye (Il lungo addio, 1973),
Thieves Like Us (Gang, 1974), Nashville (id.,
1975), Buffalo Bill and the Indians, or Sitting
Bull’s History Lesson (Buffalo Bill e gli
indiani, 1976), 3 Women (Tre donne, 1977),
A Wedding (Un matrimonio, 1978), Quintet
(id., 1979), Streamers (id., 1983), The Player
(I protagonisti, 1992), Short Cuts (America
oggi, 1993), Cookie’s Fortune (La fortuna
di Cookie, 1999), Dr T and the Women
(Il dottor T e le donne, 2000), Gosford Park
(id., 2001), A Prairie Home Companion
(Radio America, 2006).
john byrum
INSERTS
CONTENTS
Usa, 1974, 35mm, 117’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
John Byrum
fotografia/cinematography
Denys N. Coop
montaggio/film editing
Michael Bradsell
scenografia/
production design
John Clark
costumi/costume design
Shirley Russell
interpreti e personaggi/
cast and characters
Richard Dreyfuss
(Boy Wonder),
Jessica Harper
(Cathy Cake),
Bob Hoskins (Big Mac),
Veronica Cartwright
(Harlene),
Stephen Davies (Rex)
produttori/producers
Davina Belling,
Clive Parsons
produzione/production
Film and General
Productions
IL PORNOGRAFO
Usa, 1974, 35mm, 102’, col.
204
In 1930s Hollywood, Boy Wonder, a
maestro of silent cinema who has fallen
on hard times, directs porn movies for
a living. A claustrophobic tour de force by
an obsessed Richard Dreyfuss (who had
become famous the year before with
American Graffiti), who is locked up in
his house with young actresses ready to do
anything and threatened by a bootlegger
who is about to become a movie mogul
(an allusive, perfidious Bob Hoskins), a
caustic and wicked portrait of the Movie
Mecca, distantly inspired by Sternberg.
filmografia/filmography
The Razor’s Edge (Il filo del rasoio, 1984),
Heart Beat (1980), Inserts (Il pornografo,
1974), Alfred Hitchcock Presents (ep., tv,
1985), The Whoopee Boys (The Whoopee
Boys - Giuggioloni e porcelloni, 1986),
Shannon’s Deal (ep., tv, 1990), Murder
in High Places (tv, 1990).
Negli anni Trenta a Hollywood, Boy Wonder, maestro del muto caduto
in disgrazia, per vivere dirige film porno. Claustrofobico tour de force
di un ossessionato Richard Dreyfuss (che era diventato famoso l’anno
prima con American Graffiti), chiuso nella sua casa tra giovani attrici
pronte a tutto e minacciato da un contrabbandiere di alcol che sta per
diventare un mogul del cinema (un insinuante, perfido Bob Hoskins),
un ritratto caustico e malevolo della Mecca del cinema, vagamente
ispirato a Sternberg.
alan j. pakula
THE PARALLAX VIEW
regia, produttore/
director, producer
Alan J. Pakula
soggetto/story
dal romanzo
Programmazione omicidi di/
from the novel of the same
title by Loren Singer
sceneggiatura/screenplay
David Giler,
Lorenzo Semple Jr
fotografia/cinematography
Gordon Willis
montaggio/film editing
John W. Wheeler
musica/music
Michael Small
interpreti e personaggi/
cast and characters
Warren Beatty
(Joseph Frady),
Paula Prentiss
(Lee Carter),
William Daniels
(Austin Tucker)
produzione/production
Doubleday Productions,
Gus, Harbor Productions
INSERTS
PERCHÉ UN ASSASSINIO
Un senatore viene assassinato e poco dopo cominciano a morire tutti
i giornalisti presenti al fatto. Un reporter indaga e scopre la Parallax
Corporation, misteriosa organizzazione che contamina la politica
col crimine. Dopo un decennio di assassini politici e dopo un anno
dall’impeachment di Nixon per lo scandalo Watergate, la paranoia
dilaga. Specialista riconosciuto: Alan J. Pakula, che tesse intorno
a Warren Beatty un incubo senza sbocco.
N E W H O L LY W O O D
THE PARALLAX VIEW
A senator is assassinated and shortly
afterward all the journalists who reported
on the crime start to die. A reporter
investigates and discovers Parallax
Corporation, a mysterious organization
that contaminates politics with crime.
After a decade of political assassinations
and one year after Nixon’s impeachment
over the Watergate scandal, paranoia is
rampant. The acknowledged specialist:
Alan J. Pakula, who weaves a no-exit
nightmare around Warren Beatty.
filmografia essenziale/essential filmography
The Sterile Cuckoo (Pookie, 1969), Klute
(Una squillo per l’ispettore Klute, 1971),
Love and Pain and the Whole Damn Thing
(Amore e dolore e tutto quel dannato
pasticcio, 1973), All the President’s Men
(Tutti gli uomini del presidente, 1976),
Comes a Horseman (Arriva un cavaliere
libero e selvaggio, 1978), Starting Over
(E ora punto e a capo, 1979), Rollover
(Il volto dei potenti, 1981), Sophie’s Choice
(La scelta di Sophie, 1982), Dream Lover
(id., 1986), Orphans (Un ostaggio di
riguardo, 1987), See You in the Morning
(Ci penseremo domani, 1989), Presumed
Innocent (Presunto innocente, 1990),
Consenting Adults (Giochi d’adulti, 1992),
The Pelican Brief (Il rapporto Pelican, 1993),
The Devil’s Own (L’ombra del diavolo, 1997).
jerry schatzberg
SCARECROW
CONTENTS
Usa, 1974, 35mm, 117’, col.
regia/director
Jerry Schatzberg
soggetto, sceneggiatura/
screenplay, story
Garry Michael White
fotografia/cinematography
Vilmos Zsigmond
montaggio/film editing
Evan Lottman
scenografia/
production design
Al Brenner
costumi/costume design
Jo Ynocencio
musica/music
Fred Myrow
interpreti e personaggi/
cast and characters
Gene Hackman (Max),
Al Pacino (Lionel),
Doroty Tristan (Coley),
Ann Wedgeworth (Frenchy),
Richard Lynch (Jack Riley),
Eileen Brennan (Darlene),
Penny Allen (Annie)
produttore/producer
Robert M. Sherman
produzione/production
Warner Bros.
LO SPAVENTAPASSERI
Max, dopo sei anni di prigione, sogna di aprire un lavaggio auto a
Pittsburgh. Lionel è un ex marinaio diretto a Detroit per incontrare
un figlio che non conosce. Fanno amicizia in California e si mettono
in viaggio insieme, attraverso un’America rurale e marginale. Terzo film
di Schatzberg e uno dei capolavori dell’epoca, picaresco e tragico come
un racconto di Steinbeck, dove l’utopia viene sempre schiacciata dalla
realtà. Coppia beckettiana composta da Gene Hackman e Al Pacino.
michael cimino
THUNDERBOLT AND LIGHTFOOT
Usa, 1974, 35mm, 115’, col.
regia, sceneggiatura/
director, screenplay
Michael Cimino
fotografia/cinematography
Frank Stanley
montaggio/film editing
Ferris Webster
scenografia/
production design
Tambi Larsen
musica/music
Dee Barton,
James L. Berkey
interpreti e personaggi/
cast and characters
Clint Eastwood
(Thunderbolt),
Jeff Bridges (Lightfoot),
George Kennedy (Red Leary),
Geoffrey Lewis
(Eddie Goody),
Catherine Bach (Melody),
Gary Busey (Curly)
produttore/producer
Robert Daley
produzione/production
The Malpaso Company
205
UNA CALIBRO
20 PER LO SPECIALISTA
Un pastore scappa da una chiesa, per poco non viene investito da
un ragazzo, che poi gli dà un passaggio in auto. Il pastore è in realtà
un ladro e il ragazzo non vede l’ora di imparare il mestiere. Clint
Eastwood e Jeff Bridges nell’esordio di Cimino (prodotto dalla Malpaso
di Eastwood): un heist movie alla caccia di un bottino perduto, ma
anche la storia di un’amicizia che cresce come un rapporto tra padre
e figlio. Sullo sfondo, motel, banche e chiese di campagna.
N E W H O L LY W O O D
SCARECROW
After spending six years in prison,
Max dreams of opening a car wash in
Pittsburgh. Lionel is a former sailor on
his way to Detroit to meet a son he’s never
seen before. The two become friends in
California and travel together across rural
and marginal America. Schatzberg’s third
movie and one of the masterpieces of the
era, as picaresque and tragic as a story by
Steinbeck, in which utopia is always being
trampled by reality. Gene Hackman and
Al Pacino form a Beckettian pair.
filmografia/filmography
Puzzle of a Downfall Child (Mannequin Frammenti di una donna, 1970), The Panic
in Needle Park (Panico a Needle Park, 1971),
Scarecrow (Lo spaventapasseri, 1973), Sweet
Revenge (1976), The Seduction of Joe Tynan
(La seduzione del potere, 1979), Honeysuckle
Rose (Accordi sul palcoscenico, 1980),
Misunderstood (Incompreso - L’ultimo sole
d’estate, 1984), No Small Affair (Una cotta
importante, 1984), Street Smart (Street
Smart - Per le strade di New York, 1987),
Clinton and Nadine (La contropartita, tv,
1988), Reunion (L’amico ritrovato, 1989),
Lumière et compagnie (coregia/codirectors
aa.vv., ep., 1995), The Day the Ponies Come
Back (2000).
THUNDERBOLT AND LIGHTFOOT
A pastor runs from a church and is almost
run over by a young man, who then gives
him a lift in his car. The pastor is actually
a thief and the young man can’t wait to
learn the trade. Clint Eastwood and Jeff
Bridges in Cimino’s debut movie (produced
by Eastwood’s Malpaso). A heist movie
hunting down lost booty, but also the story
of a friendship that grows like a father and
son relationship. In the background,
motels, banks and country churches.
filmografia/filmography
Thunderbolt and Lightfoot (Una calibro
20 per lo specialista, 1974), The Deer
Hunter (Il cacciatore, 1978), Heaven’s Gate
(I cancelli del cielo, 1980), Year of the
Dragon (L’anno del dragone, 1985),
The Sicilian (Il siciliano, 1987), Desperate
Hours (Ore disperate, 1990), Sunchaser
(Verso il sole, 1996), Chacun son cinéma
(coregia/codirectors aa.vv., ep. No
Translation Needed, 2007).
dick richards
FAREWELL, MY LOVELY
CONTENTS
Usa, 1975, 35mm, 95’, col.
regia/director
Dick Richards
soggetto/story
dal romanzo Addio,
mia amata di/
from the novel
of the same title by
Raymond Chandler
sceneggiatura/screenplay
David Zelag Goodman
fotografia/cinematography
John A. Alonzo
montaggio/film editing
Joel Cox
musica/music
David Shire
interpreti e personaggi/
cast and characters
Robert Mitchum
(Philip Marlowe),
Charlotte Rampling
(Helen Grayle),
John Ireland
(detective Nulty),
Sylvester Stallone (Jonnie)
produttori/producers
Jerry Bruckheimer,
George Pappas
produzione/production
EK, ITC Entertainment
MARLOWE, IL POLIZIOTTO PRIVATO
Philip Marlowe indaga sulla scomparsa di Velma, ballerina di night
club e pupa di un gangster appena uscito di prigione. Tratto da Addio,
mia amata di Chandler, un intrigo contorto in una Los Angeles oscura
e mortifera. Enorme Robert Mitchum, spiegazzato e troppo vecchio
per quel mestiere, che sembra aver già visto tutto il male che circola
in città; e Charlotte Rampling è ambigua e pericolosa. Dirige Dick
Richards, senza nostalgia ma con lucida, «iperrealistica»
consapevolezza dell’impossibilità del mito.
robert kramer, john douglas
MILESTONES
Usa, 1975, 35mm, 195’, col.
regia, sceneggiatura,
fotografia/directors,
screenplay, cinematography
Robert Kramer,
John Douglas
musica/music
Bobby Buechler
montaggio/film editing
Robert Kramer,
John Douglas,
Marilyn Mulford
suono/sound
Jane Schwartz,
Philip Spinelli,
Marilyn Mulford
interpreti e personaggi/
cast and characters
Grace Paley (Helen),
Mary Chapelle (Mama),
Sharon Krebs (Jane),
Jim Nolfi (Jimmy),
Susie Solf (Karen),
Joe Stork (Larry),
Pacil Zimet (Peter),
John Douglas (John)
produttori/producers
Barbara Stone,
David C. Stone
206
MILESTONES
Circa cinquanta personaggi e un viaggio attraverso gli States, per
raccontare quello che rimane dell’utopia nella transizione dai Sessanta
ai Settanta: coppie mature, padri e figli, coppie gay, reduci, ex radicali,
hippie invecchiati, tutte le vite si intrecciano in un affresco epico e
libero dell’America qui e ora, dopo il Vietnam. Robert Kramer (che
codirige con il documentarista John Douglas) spalanca l’orizzonte,
mescola documentario e finzione e lascia che la gente parli.
N E W H O L LY W O O D
FAREWELL, MY LOVELY
Philip Marlowe is investigating the
disappearance of Velma, a night club
dancer and the moll of a gangster who
has just been released from prison. Based
on Chandler’s tale Farewell, My Lovely,
a contorted intrigue in a gloomy and
deadened Los Angeles. Robert Mitchum is
fantastic; crumpled and too old for the job,
he seems to have already seen all the evil
the city has to offer. Charlotte Rampling is
ambiguous and dangerous. Dick Richards
directs without nostalgia, but with a lucid,
“hyper-realistic” awareness of the legend’s
impossibility.
filmografia/filmography
The Culpepper Cattle Co. (Fango sudore
e polvere da sparo, 1972), Rafferty and the
Gold Dust Twins (1975), Farewell, My Lovely
(Marlowe, il poliziotto privato, 1975), March
or Die (La bandera - Marcia o muori, 1977),
Death Valley (Death Valley - Una vacanza
nell’estremo terrore, 1982), Man, Woman
and Child (Un uomo, una donna e un
bambino, 1983), Black Jack (1986).
MILESTONES
About fifty characters and a journey across
the United States to show what remains
of the utopia in the transition from the
1960s to the 1970s: mature couples,
fathers and children, gay couples, veterans,
former radicals, ageing hippies, all these
lives intertwine into an epic and freehand
fresco of America here-and-now, after
Vietnam. Robert Kramer (who co-directs
with the documentary maker John
Douglas) explodes the horizon, mixing
documentary and fiction.
filmografia essenziale/essential filmography
Robert Kramer:
Faln (1965), In the Country (1966), The
Edge (1967), Ice (id., 1969), People’s
War (1969), Scenes from the Class Struggle
in Portugal (Scene di lotta di classe dal
Portogallo, 1979), Guns (Fucili, 1980), À toute allure (1982), La peur (1983), Notre
nazi/Unser Nazi (1984), Diesel (1985), Un
plan d’enfer (1986), X-Country (1987), Doc’s
Kingdom (1987), Route One/USA (1989),
Dear Doc (1989), Maquette (brouillon de
film) (1990), Berlin 10/90 (1990-91),Sous
le vent (1991), Series of Videoletters: Steve
Dwoskin/Robert Kramer (1991), Point de
départ/Starting Place (1993), La Roue: Greg
Lemond - Andrew Hampsten (1993), Walk
the Walk (1996), Le Manteau (1996), Ghosts
of Electricity (1997).
arthur penn
NIGHT MOVES
CONTENTS
Usa, 1975, 35mm, 100’, col.
regia/director
Arthur Penn
sceneggiatura/screenplay
Alan Sharp
fotografia/cinematography
Bruce Surtees
montaggio/film editing
Dede Allen,
Stephen A. Rotter
musica/music
Michael Small
scenografia/
production design
George Jenkins
interpreti e personaggi/
cast and characters
Gene Hackman
(Harry Moseby),
Jennifer Warren (Paula),
Susan Clark (Ellen Moseby),
Edward Binns (Joey Ziegler),
Harris Yulin (Marty Heller),
Kenneth Mars (Nick)
produttore/producer
Robert M. Sherman
produzione/production
Warner Bros.
NIGHT MOVES
Harry Moseby, a Los Angeles detective,
is investigating the disappearance of
a sixteen-year-old girl, the daughter
of a Hollywood producer. As the case
turns murky, Moseby discovers that his
wife is cheating on him. The crisis of a
man who has lost his bearings, in his life
and in his surrounding reality. One of
the most disenchanted and melancholy
examples of the post-Watergate chaos.
Gene Hackman – solitary, defeated and
confused – in one of the season’s most
lucid film noirs.
BERSAGLIO DI NOTTE
Un detective di Los Angeles, Harry Moseby, indaga sulla scomparsa di
una sedicenne, figlia di un produttore hollywoodiano. Mentre il caso si
intorbida, Moseby scopre che la moglie lo tradisce. La crisi di un uomo
che non riesce più a orizzontarsi né nella propria vita né nella realtà
che lo circonda, in uno degli esemplari più disillusi e malinconici del
caos post Watergate. Gene Hackman solitario, sconfitto e confuso,
in uno dei noir più lucidi della stagione.
michael ritchie
SMILE
Usa, 1975, 35mm, 113’, col.
regia, produttore/
director, producer
Michael Ritchie
sceneggiatura/screenplay
Jerry Belson
fotografia/cinematography
Conrad L. Hall
montaggio/film editing
Richard A. Harris
costumi/costume design
Patricia Norris
suono/sound
Richard Chew
interpreti e personaggi/
cast and characters
Bruce Dern (Big Bob),
Barbara Feldon (Brenda),
Michael Kidd (Tommy),
Geoffrey Lewis (Wilson),
Eric Shea (Little Bob)
produzione/production
David V. Picker Productions,
Twin Roads Productions
207
SORRIDI [T.L.]
Ventitré ragazze arrivano a Santa Barbara da tutta la California per
partecipare al concorso di Young American Miss. Per quattro giorni
vengono interrogate sui loro talenti, le loro aspirazioni, la loro vita,
addestrate da un coreografo, «pesate» e spiate da giudici e guardoni.
Ma le ragazzine sanno che l’unica dote importante è il fisico. Satira
della società dello spettacolo, costruita e girata come Nashville (e uscita
poco dopo il capolavoro di Altman), uno spaccato di provinciale
euforia orchestrato da Michael Ritchie e dal protagonista Bruce Dern.
N E W H O L LY W O O D
filmografia/filmography
vedi/see p. 191
SMILE
Twenty-three girls arrive in Santa Barbara
from every corner of California to
participate in the “Young American Miss”
beauty pageant. For four days, they are
questioned regarding their talents, their
aspirations, their life; they are trained by
a choreographer, and “weighed” and spied
on by the judges and voyeurs. But the girls
know that the only important aspect is
their appearance. A satire of society of
spectacle, constructed and shot like
Nashville (and released shortly after
Altman’s masterpiece), a cross-section
of provincial euphoria, orchestrated by
Ritchie and the movie’s star, Bruce Dern.
filmografia essenziale/essential filmography
Downhill Racer (Gli spericolati, 1969), Prime
Cut (Arma da taglio, 1972), The Candidate
(Il candidato, 1972), The Bad News Bears
(Che botte se incontri gli orsi, 1976), SemiTough (Un gioco da duri, 1977), An Almost
Perfect Affair (Un amore perfetto o quasi,
1979), The Island (L’isola, 1980), The
Survivors (Come ti ammazzo un killer, 1983),
Fletch (Fletch - Un colpo da prima pagina,
1985), The Golden Child (Il bambino d’oro,
1986), The Couch Trip (Lo strizzacervelli,
1988), Fletch Lives (Fletch - Cronista
d’assalto, 1989), Cops and Robbersons
(Poliziotti a domicilio, 1994), The Scout
(Un colpo da campione, 1994).
CONTENTS
Scarecrow (1974) di Jerry Schatzberg
CONTENTS
INDICI/
INDICES
CONTENTS
Indice dei film/
Index to films
2 automnes 3 hivers, 2
37°4 S, 116
8 ½, 43
A
Adelante petroleros, 167
Alceste à bicyclette, 49
Alligator Tears, 134
All Is Lost, 24
Altro ritmo, Un, 175
Anak araw, 102
Anna (Materiali espansi), 103
Au nom du fils, 58
B
Bandini - Tragedia in tre atti, 172
Bataille de Solférino, La, 3
Belleville Baby, 78
Bibliografia, 151
Big Bad Wolves, 59
Blood Pressure, 25
Blue Ruin, 4
Blutgletscher, 60
Bob & Carol & Ted & Alice, 192
Bonnie & Clyde, 191
Boxcar Bertha, 199
Bulg-Eun Gajog, 5
C
C.O.G., 6
Cacheu, 104
California Split, 203
Caminhos de Jorge, Os, 79
Caníbal, 61
Carmine, 172
Carosello, 152
Chasing, 173
Chroniques équivoques, 80
Cisco Pike, 200
Club Sándwich, 7
Computer Chess, 62
Conspiracy, The, 63
Cut, 135
D
Dance with Me to the End of Love, 163
Dangkou, 164
210
INDICI/
INDICES
Danza de la realidad, La, 64
Démantèlement, Le, 8
Dernier des injustes, Le, 105
Drinking Buddies, 26
Drogówka, 50
E
E Agora? Lembra-me, 81
Easy Rider, 193
Electra Glide in Blue, 201
Embassy, The, 106
Emmaus, 89
Enough Said, 27
Essere Riccardo… e gli altri, 44
Etrusco uccide ancora, L’, 65
F
Fantasmi di San Berillo, I, 90
Farewell, My Lovely, 206
Fat City, 200
Five Easy Pieces, 195
Flood Tide, 136
Frances Ha, 28
Fuoriscena, 91
G
Grand Piano, 29
Grand Seduction, The, 30
Grazing the Sky, 107
H
Habitat [Piavoli], 92
Harold and Maude, 196
Història de la meva mort, 137
Homo Homini Bisonte, 117
Hotel de l’univers, 138
House of Cards, 128
Husband, The, 31
I
Ida, 32
Illusionista, L’, 173
Image manquante, L’, 108
Inserts, 204
Inside Llewyn Davis, 33
In the Traveler’s Heart, 139
Isacco, 118
CONTENTS
K
King of Marvin Gardens, The, 201
L
Lago, Il, 93
Last Detail, The, 202
Last Picture Show, The, 197
Last Vegas, 34
Lezuo, 140
LFO, 66
Little Murders, 197
Loubia hamra, 35
Lugar de las fresas, El, 94
Lunchbox, The, 178
Lupu, 179
Luton, 141
M
Mafia uccide solo d’estate, La, 9
Mahjong, 153
Männer zeigen Filme & Frauen ihre
Brüste, 67
Mary Is Happy, Mary Is Happy, 180
Medium Cool, 193
Midnight Cowboy, 194
Milestones, 206
Mille soleils, 109
Mingri tianya, 162
Monica Z, 51
Mossa del pinguino, La, 52
N
Neon Goddesses, 160
Neon Heartache, 142
Night Moves, 207
No More Lonely Nights, 119
Noche, 143
O
Only Lovers Left Alive, 36
P
Parallax View, The, 204
Parole e utopia #6 Alberto Grifi, #10 Béla
Tarr, 110
Parole povere, 168
Passione di Erto, La, 95
211
INDICI/
INDICES
Pat Garrett & Billy the Kid, 202
Pays barbare, 111
Pazza della porta accanto, La, 169
Pelo malo, 10
Pisa, 144
Plaga, La, 11
Plus One, 68
Portrait of a Lone Farmer, 82
Prince Avalanche, 37
R
Rain People, The, 194
reCuiem, 120
Rei Inútil, 154
Repairman, The, 46
Ride the High Country, 190
Rosarno, 96
S
Salvo, 181
Sanperè! - Venisse il fulmine, 97
Sao Karaoke, 12
Scarecrow, 205
Sceneries of New Beginnings, 145
Sedia della felicità, La, 20
Segreto, Il, 98
Sensô to hitori no onna, 13
Signore delle chiavi, Il, 174
Silencio en la tierra de los sueños, 146
Sisters, 203
Smile, 207
Soles de primavera, 147
Southcliffe, 129
Spell to Ward Off the Darkness, A, 83
Stag, The, 53
Sto lyko, 148
Stone Roses: Made of Stone, The, 69
Stop the Pounding Heart, 84
Striplife, 99
Stuart Hall Project, The, 112
Sud è niente, Il, 182
Sui bordi, 121
Suzanne, 38
Sweetwater, 70
Swimmer, The, 191
CONTENTS
T
Targets, 192
Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker, 113
Temporary Road. (una) Vita di Franco
Battiato, 39
Terradentro, 122
They Shoot Horses, Don’t They?, 195
This Is Martin Bonner, 40
Thunderbolt and Lightfoot, 205
THX 1138, 198
Tin seung yan gaan, 161
Top of the Lake, 130
Treno va a Mosca, Il, 14
Trêve, 85
Trilogia dell’amore, 174
Tutte le storie di Piera, 45
Two-Lane Blacktop, 198
U
Ugly, 41
Última película, La, 149
Uprising, The, 86
V
V/H/S/2, 71
Vandal, 15
Vanishing Point, 199
Viaggio di Ettore, Il, 123
Vita adesso, La, 124
W
Way Way Back, The, 42
Whitewash, 72
Wild Angels, The, 190
Wolf, 100
Woodstock, 196
Wrong Cops, 73
Y
Yumen, 87
Yuri Esposito, 183
212
INDICI/
INDICES
CONTENTS
Indice dei registi/
Index to directors
A
Felipe Aguila, 174
Jide Tom Akinleminu, 82
John Akomfrah, 112
Horacio Alcalá, 107
Robert Altman, 203
Kyle Patrick Alvarez, 6
Claudio Amendola, 52
Lamine Ammar-Khodja, 80
Francesca Archibugi, 168
Alan Arkin, 197
Hal Ashby, 196, 202
B
Neus Ballús, 11
Simon Barrett, 71
Ritesh Batra, 178
Noah Baumbach, 28
Sébastien Betbeder, 2
Giuseppe Boccassini, 140
Peter Bogdanovich, 192, 197
Penelope Bortoluzzi, 95
Leonardo Brzezicki, 143
Andrew Bujalski, 62
John Butler, 53
John Byrum, 204
C
Jane Campion, 130
Valentina Carnelutti, 120
Claudio Casazza, 92
Filipa César, 104, 106
Todd Chandler, 136
J.C. Chandor, 24
Telmo Churro, 154
Michael Cimino, 205
Lorenzo Cioffi, 123
Hélier Cisterne, 15
Ethan Coen, 33
Joel Coen, 33
Francesca Cogni, 121
Francis Ford Coppola, 194
Vincenzo Core, 119
Roger Corman, 190
Stefano Cravero, 172
Armando Crispino, 65
Manuel Martín Cuenca, 61
cyop&kaf, 98
213
INDICI/
INDICES
D
Maite Vitoria Daneris, 94
Garth Davis, 130
Tonino De Bernardi, 138
Mauro De Fazio, 174
Greta De Lazzaris, 96
Antonietta De Lillo, 169
Brian De Palma, 203
Pierfrancesco Diliberto «Pif», 9
Mati Diop, 109
Massimo Donati, 91
John Douglas, 206
Melissa Dullius, 139
Quentin Dupieux, 73
Sean Durkin, 129
E
Yukai Ebisuno, 93
Fernando Eimbcke, 7
Jason Eisener, 71
Mia Engberg, 78
Gareth Huw Evans, 71
F
Alessio Fava, 183
Nat Faxon, 42
Federico Fellini, 43
Luca Ferri, 92
Federico Ferrone, 14
David Fincher, 128
Per Fly, 51
Francesca Frigo, 97
Donatello Fumarola, 110
G
Sean Garrity, 25
Yervant Gianikian, 111
Claudio Giovannesi, 100
Christoph Girardet, 135
Fabio Grassadonia, 181
David Gordon Green, 37
Alberto Grifi, 103
Nicola Grignani, 99
William Guercio, 201
João Rui Guerra da Mata, 153
CONTENTS
H
Gregg Hale, 71
Carmit Harash, 85
Chad Hartigan, 40
Monte Hellman, 198
Nicole Holofcener, 27
Dennis Hopper, 193
Emanuel Hoss-Desmarais, 72
Huang Xiang, 87
Aran Hughes, 148
John Huston, 200
I
Dennis Iliadis, 68
Junichi Inoue, 13
Stefan Ivancic, 147
J
Gustavo Jahn, 139
Jim Jarmusch, 36
Alejandro Jodorowsky, 64
Lee Ju Hyoung, 5
K
Anurag Kashyap, 41
Aharon Keshales, 59
Michalis Konstantatos, 141
Christina Koutsospyrou, 148
Robert Kramer, 206
Marvin Kren, 60
L
Jean-Marc Lamoure, 113
Vincent Lannoo, 58
Claude Lanzmann, 105
Philippe Le Guay, 49
Alessandro Leone, 91
Danielle Lessovitz, 142
Yu Likwai, 160-164
George Lucas, 198
Davide Luchino, 172
Gym Lumbera, 102
M
Christopher MacBride, 63
João Manso, 151
Miguel Manso, 151
Raffaella Mantegazza, 93
214
INDICI/
INDICES
Michele Manzolini, 14
Peter Marcias, 45
Claudia Marelli, 89
Narimane Mari, 35
Raya Martin, 149
Paul Mazursky, 192
Carlo Mazzacurati, 20
Bruce McDonald, 31
Don McKellar, 30
Shane Meadows, 69
Salvatore Mereu, 124
Logan Miller, 70
Roberto Minervini, 84
Eugenio Mira, 29
Paolo Mitton, 46
Tito Molina, 146
Fabio Mollo, 182
Alberto Momo, 110
Edoardo Morabito, 90
Miguel Moraes Cabral, 79
Matthias Müller, 135
Alberto Mussolini, 99
Bogdan Musta!ă, 179
N
Bill L. Norton, 200
P
Alan J. Pakula, 204
Rithy Panh, 108
Navot Papushado, 59
Paweł Pawlikowski, 32
Sam Peckinpah, 190, 202
Arthur Penn, 191, 207
Mark Peranson, 149
Frank Perry, 191
Antonio Piazza, 181
Sébastien Pilote, 8
Joaquim Pinto, 81
Sydney Pollack, 195
Giuseppe Pollicelli, 39
Renato Porfido, 173
Antonio Prata, 122
Q
Katell Quillévéré, 38
Jorge Quintela, 152
CONTENTS
R
Bob Rafelson, 195, 201
Jim Rash, 42
Angela Ricci Lucchi, 111
Rocco Riccio, 173
Dick Richards, 206
Michael Ritchie, 207
Ben Rivers, 83
João Pedro Rodrigues, 153
Mariana Rondón, 10
Ben Russell, 83
S
Manuel Alejandro Salas, 144
Edúardo Sanchez, 71
Richard C. Sarafian, 199
Massimo Sarchielli, 103
Jeremy Saulnier, 4
Fabio Scacchioli, 119
Luca Scaffidi, 99
Giancarlo Scarchilli, 44
Jerry Schatzberg, 205
John Schlesinger, 194
Theresa Schwartzman, 134
Martin Scorsese, 199
Albert Serra, 137
Atsushi Shinohara, 145
Emanuele Simonelli, 117
Wojciech Smarzowski, 50
Astutillo Smeriglia, 117
J.P. Sniadecki, 87
Peter Snowdon, 86
Isabell Šuba, 67
Joe Swanberg, 26
T
Mario Tani, 39
Valeria Testagrossa, 99
Nawapol Thamrongrattanarit, 180
Timo Tjahjanto, 71
Federico Tocchella, 118
Giancarlo Tovo, 175
Justine Triet, 3
Antonio Tublén, 66
Jon Turteltaub, 34
215
INDICI/
INDICES
V
Adriano Valerio, 116
Visra Vichit Vadakan, 12
Lucio Viglierchio, 174
W
Michael Wadleigh, 196
Haskell Wexler, 193
Adam Wingard, 71
X
Xu Ruotao, 87
Z
Maurizio Zaccaro, 167
Andrea Zambelli, 99
CONTENTS
Indice dei film per nazione/
Index to films by countries
Algeria
Chroniques équivoques, 80
Loubia hamra, 35
Argentina
Noche, 143
Australia
Top of the Lake, 130
Austria
Blutgletscher, 60
Dernier des injustes, Le, 105
Belgio/Belgium
Au nom du fils, 58,
Caminhos de Jorge, Os, 79
Neon Goddesses, 159
Stop the Pounding Heart, 84
Uprising, The, 86
Ecuador
Pisa, 144
Silencio en la tierra de los sueños, 146
Estonia
Spell to Ward Off the Darkness, A, 83
Filippine/Philippines
Anak araw, 102
Última película, La, 149
Cina/China
Dangkou, 164
Mingri tianya, 162
Yumen, 87
Francia/France
2 automnes 3 hivers, 2
37°4 S, 116
8 ½, 43
Alceste à bicyclette, 49
Bataille de Solférino, La, 3
Caminhos de Jorge, Os, 79
Caníbal, 61
Chroniques équivoques, 80
Dernier des injustes, Le, 105
Història de la meva mort, 137
Image manquante, L’, 108
Inside Llewyn Davis, 33
Loubia hamra, 35
Lunchbox, The, 178
Mille soleils, 109
Passione di Erto, La, 95
Pays barbare, 111
Salvo, 181
Spell to Ward Off the Darkness, A, 83
Sto lyko, 148
Sud è niente, Il, 182
Sui bordi, 121
Suzanne, 38
Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker, 113
Trêve, 85
Vandal, 15
Wrong Cops, 73
Corea del Sud/South Korea
Bulg-Eun Gajog, 5
Dance with Me to the End of Love, 163
Germania/Germany
Cut, 135
Etrusco uccide ancora, L’, 65
Brasile/Brazil
Dangkou, 163
In the Traveler’s Heart, 139
Cambogia/Cambodia
Image manquante, L’, 108
Canada
Blood Pressure, 25
Conspiracy, The, 63
Démantèlement, Le, 8
Grand Seduction, The, 30
Husband, The, 31
Última película, La, 149
Whitewash, 72
Cile/Chile
Danza de la realidad, La, 64
216
Danimarca/Denmark
LFO, 66
Portrait of a Lone Farmer, 82
Última película, La, 149
INDICI/
INDICES
CONTENTS
In the Traveler’s Heart, 139
Lunchbox, The, 178
Lupu, 179
Männer zeigen Filme
& Frauen ihre Brüste, 67
Portrait of a Lone Farmer, 82
Giappone/Japan
Dangkou, 163
Sceneries of New Beginnings, 145
Sensô to hitori no onna, 13
Grecia/Greece
Luton, 141
Sto lyko, 148
Guinea-Bissau
Cacheu, 104
Hong Kong
Dance with Me to the End of Love, 162
Dangkou, 163
Mingri tianya, 161
Neon Goddesses, 160
Tin seung yan gaan, 161
India
Lunchbox, The, 178
Ugly, 41
Irlanda/Ireland
Stag, The, 53
Israele/Israel
Big Bad Wolves, 59
Trêve, 85
Italia/Italy
8 ½, 43
Adelante petroleros, 167
Altro ritmo, Un, 175
Anna (Materiali espansi), 103
Bandini - Tragedia in tre atti, 172
Carmine, 172
Chasing, 173
Emmaus, 89
Essere Riccardo… e gli altri, 44
Etrusco uccide ancora, L’, 65
217
INDICI/
INDICES
Fantasmi di San Berillo, I, 90
Fuoriscena, 91
Habitat [Piavoli], 92
Homo Homini Bisonte, 117
Hotel de l’univers, 138
Illusionista, L’, 173
Isacco, 118
Lago, Il, 93
Lezuo, 140
Lugar de las fresas, El, 94
Mafia uccide solo d’estate, La, 9
Mossa del pinguino, La, 52
No More Lonely Nights, 119
Parole e utopia #6 Alberto Grifi,
#10 Béla Tarr, 110
Parole povere, 168
Passione di Erto, La, 95
Pazza della porta accanto, La, 169
reCuiem, 120
Repairman, The, 46
Rosarno, 96
Salvo, 181
Sanperè! - Venisse il fulmine, 97
Sedia della felicità, La, 20
Segreto, Il, 98
Signore delle chiavi, Il, 174
Stop the Pounding Heart, 84
Striplife, 99
Sud è niente, Il, 182
Sui bordi, 121
Temporary Road. (una) Vita di Franco
Battiato, 39
Treno va a Mosca, Il, 14
Trilogia dell’amore, 174
Tutte le storie di Piera, 45
Viaggio di Ettore, Il, 123
Vita adesso, La, 124
Wolf, 100
Yuri Esposito, 183
Jugoslavia/Yugoslavia
Etrusco uccide ancora, L’, 65
Lituania/Lithuania
In the Traveler’s Heart, 139
Messico/Mexico
Club Sándwich, 7
CONTENTS
Grazing the Sky, 107
Última película, La, 149
Nuova Zelanda/New Zealand
Top of the Lake, 130
Polonia/Poland
Ida, 32,
Drogówka, 50
Portogallo/Portugal
Bibliografia, 151
Cacheu, 104
Caminhos de Jorge, Os, 79
Carosello, 152
E Agora? Lembra-me, 81
Embassy, The, 106
Grazing the Sky, 107
Mahjong, 153
Rei Inútil, 154
Regno Unito/UK
Southcliffe, 129
Sto lyko, 148
Stone Roses: Made of Stone, The, 69
Stuart Hall Project, The, 112
Top of the Lake, 130
Uprising, The, 86
Repubblica Ceca/Czech Republic
Wolf, 100
Romania
Caníbal, 61
Lupu, 179
Russia
Caníbal, 61
Serbia
Soles de primavera, 147
Spagna/Spain
Caníbal, 61
Grand Piano, 29
Grazing the Sky, 107
Història de la meva mort, 137
Plaga, La, 11
218
INDICI/
INDICES
Svezia/Swedish
Belleville Baby, 78
LFO, 66
Lugar de las fresas, El, 94
Monica Z, 51,
Svizzera/Switzerland
Terradentro, 122
Thailandia/Thailand
Mary Is Happy, Mary Is Happy, 180
Sao Karaoke, 12
Usa
Alligator Tears, 134
All Is Lost, 24
Anak araw, 102
Blue Ruin, 4
Bob & Carol & Ted & Alice, 192
Bonnie & Clyde, 191
Boxcar Bertha, 199
C.O.G., 6
California Split, 203
Cisco Pike, 200
Computer Chess, 62
Drinking Buddies, 26
Easy Rider, 193
Electra Glide in Blue, 201
Enough Said, 27
Farewell, My Lovely, 206
Fat City, 200
Five Easy Pieces, 195
Flood Tide, 136
Frances Ha, 28
Harold and Maude, 196
House of Cards, 128
Inserts, 204
King of Marvin Gardens, The, 201
Last Detail, The, 202
Last Picture Show, The, 197
Last Vegas, 34
Little Murders, 197
Medium Cool, 193
Midnight Cowboy, 194
Milestones, 206
Neon Heartache, 142
Night Moves, 207
Only Lovers Left Alive, 36
CONTENTS
Parallax View, The, 204
Pat Garrett & Billy the Kid, 202
Plus One, 68
Prince Avalanche, 37
Rain People, The, 194
Ride the High Country, 190
Sao Karaoke, 12
Scarecrow, 205
Sisters, 203
Smile, 207
Stop the Pounding Heart, 84
Sweetwater, 70
Swimmer, The, 191
Targets, 192
They Shoot Horses, Don’t They?, 195
This Is Martin Bonner, 40
Thunderbolt and Lightfoot, 205
THX 1138, 198
Two-Lane Blacktop, 198
V/H/S/2, 71
Vanishing Point, 199
Way Way Back, The, 42
Wild Angels, The, 190
Woodstock, 196
Wrong Cops, 73
Yumen, 87
Venezuela
Pelo malo, 10
219
INDICI/
INDICES
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