Q U A T T R O P O R T E AVERE IL CONTROLLO NON È MAI STATO COSÌ ECCITANTE QUATTROPORTE S Q4. SPORTIVITÀ E SICUREZZA SCOPRONO NUOVI CONFINI La nuova Quattroporte S Q4 amplia i confini della sportività: l’innovativo sistema Q4 gestisce in maniera attiva e intelligente la potenza del propulsore V6, concedendo a chi si mette al volante tutto il piacere di guida della trazione posteriore anche su fondi a bassa aderenza, nella massima sicurezza. Per la prima volta nella storia, la trazione integrale si guida come una Maserati. MOTORE: V6 2979 CC - POTENZA MAX: 410 CV A 5500 G/M - COPPIA MAX: 550 NM A 1750/5000 G/M VELOCITÀ MAX: 283 KM/H - ACCELERAZIONE 0-100 KM/H: 4,9 SECONDI CONSUMO CICLO COMBINATO: 10,5 L/100 KM - CO2 - EMISSIONI DI CO2: 246 G/KM www.maserati.it Main sponsor 31° Torino Film Festival 22 - 30 novembre 2013 CONTENTS CONTENTS TORINO FILM FESTIVAL 31° TORINO FILM FESTIVAL 22 - 30 novembre 2013 via Montebello 15 - 10124 Torino tel +39 011 8138811 fax +39 011 8138890 direttore Paolo Virzì vice direttore Emanuela Martini segretario generale Bruna Ponti assistente alla direzione & rapporti con gli autori Mara Signori con la collaborazione di Paola Ramello coordinamento del programma e ricerca film Luca Andreotti con la collaborazione di Mario Galasso logistica Flavio Armone MUSEO NAZIONALE DEL CINEMA presidente Ugo Nespolo direttore Alberto Barbera assistente di direzione e coordinamento dei festival Angela Savoldi coordinatore generale Daniele Tinti vice direttore e conservatore capo Donata Pesenti Campagnoni comunicazione, promozione e marketing Maria Grazia Girotto ufficio stampa Veronica Geraci amministrazione Erika Pichler TFFdoc, italiana.corti e spazio torino Davide Oberto con la collaborazione di Francesco Giai Via, Luca Cechet Sansoé e Paola Cassano (Italiana.doc, Italiana.corti) organizzazione e rapporti con gli autori Paola Cassano consulenti per la selezione Marì Alberione, Pier Maria Bocchi, Federico Gironi, Barbara Grespi, Federico Pedroni onde Massimo Causo con la collaborazione di Roberto Manassero corrispondenti Rodrigo Diaz (America Latina), Giovanna Fulvi (Asia), Jim Healy (Nord America), Erich Sargeant (Regno Unito, Irlanda, Nuova Zelanda, Australia), Peter Shepotinnik (Russia, ex Repubbliche Unione Sovietica) retrospettiva new hollywood Emanuela Martini con la collaborazione di Luca Andreotti comunicazione e marketing Maria Grazia Girotto con la collaborazione di Daniela Martinelli, Bianca Girardi CONTENTS ufficio stampa e pr internazionale Chicca Ungaro con la collaborazione di Flavia Corsano, Tiziana Ciancetta, Marta Franceschetti, Francesca Galletto, Paolo Morelli comunicazione web Cristiano Taglioretti (coordinamento), Guglielmo Maggioni (sito), Cristina Gallotti, Marco Petrilli (documentazione), Chiara Borroni (social network), ITS-ICTPiemonte (documentazione video) servizi fotografici IED Torino conferenze stampa (moderatore) Bruno Fornara ufficio ospitalità Elisa Liani con la collaborazione di Michele Altomonte, Dina Buzio, Dario Cazzola coordinamento autori Simona Carnino, Paolo Giannini, Raffaella Giordana, Marta Guerci, Ricke Merighi, Alessio Oggianu, Livia Siciliano, Watanabe Asako TFF press & lounge coordinamento organizzativo durante il festival Tiziana Tortarolo catering di ristorazione La Piazza dei Mestieri segreteria giurie Federica Ceppa, Simona Ceppa, Silvia Fessia ufficio accrediti Alberto Bianca, Paola Ceriotti, Simona De Pascalis amministrazione Sandra Giaracuni, Andrea Merlo assistenza logistica Thomas De Forti, Valerio Bertacchini, Fabio D’Errico, Marco Valentino, Ivan Chetta proiezione auditorium g. agnelli - lingotto e supervisione cinema digitale Angelo D’Alessio supervisione proiezioni pellicola Sergio Geninatti Chiolero supervisione videoproiezioni Pierluigi Patriarca interpreti Anna Ribotta, Marina Mocetti Spagnuolo, Giliola Viglietti con Ozumi Asuka (giapponese), Jung Imsuk (coreano), Kasia Kurdziel (polacco) sottotitoli elettronici Sub-Ti Limited, Londra biglietteria elettronica Soft-Solutions, Torino servizio maschere REAR, Torino illustrazione Gipi logo e grafica Flarvet, Torino stampa G. Canale & C. S.p.A., Borgaro T.se Stamperia Artistica Nazionale, Trofarello trasporti DHL International S.p.A. auto Maserati servizi assicurativi Reale Mutua Assicurazioni sigla Enarmonia, Chicca Richelmy (regia), Fabio Barovero (musica) ideazione e progetto uffici temporanei e installazioni scenografiche Elena D’Agnolo Vallan, Marco Ostini allestimenti: Ideazione Srl, Torino Interfiere stand & exhibition, Moncalieri cleaning services Multiservizi, Torino agenzie viaggi Amarganta Viaggi, Torino Etli, Torino Protravel Inc., NYC CATALOGO GENERALE A CURA DI Roberto Manassero PROGETTO GRAFICO E IMPAGINAZIONE Maicol Casale REDAZIONE Mara Dompè TESTI Cristina Gallotti, Marco Petrilli Sommario/Contents TRADUZIONI Cristina Gallotti, Olivia Jung, Gail McDowell, Marco Petrilli GRAN PREMIO TORINO 2013, XI GIURIE/JURIES, XII PREMI/AWARDS, XIX TORINO 31/FEATURE FILM COMPETITION, 1 FESTA MOBILE/A MOVEABLE FEAST, 17 GRAN PREMIO TORINO 2013 - CARLO MAZZACURATI, FESTA MOBILE - I FILM, 24 FESTA MOBILE - EUROPOP, 48 AFTER HOURS, TFFDOC, 55 75 INTERNAZIONALE.DOC, ITALIANA.DOC, 89 DOCUMENTI, 102 ITALIANA.CORTI, ONDE/WAVES, 78 115 131 ONDE PORTOGHESI/PORTOGUESE WAVES, YU LIKWAI, 156 E INTANTO IN ITALIA/MEANWHILE IN ITALY, © 2013 Museo Nazionale del Cinema Fondazione Maria Adriana Prolo ISBN 978-88-96469-17-0 SPAZIO TORINO, 171 TORINOFILMLAB, 177 NEW HOLLYWOOD, INDICI/INDEX, 209 185 150 165 18 CONTENTS RINGRAZIAMENTI/AKNOWLEDGEMENTS ARGENTINA Rewind My Future (Filip Gsella) BELGIO/BELGIUM CBA - Centre de l’Audiovisuel à Bruxelles (Karine de Villers) Bruno Tracq Yoni Production (Lionel Jadot) BRASILE/BRAZIL Michael Wahrmann CANADA Andréa Picard Entertainment One (Ruby Rondina) Scythia Films (Daniel Beckerman, Gökçe Erdem) CILE/CHILE Xavier Guerrero Yamamoto CINA/CHINA VFS Global (Chiara Aspesi) COREA DEL SUD/SOUTH KOREA Finecut (Youngjoo Suh, Namyoung Kim) Jeonju International Film Festival (Yeoun Yang) Sunyoung Kim Yoshie Fukuda DANIMARCA/DENMARK PingPongFilm (Alexander Brøndsted) ECUADOR La Facultad (Miguel Salazar, Isabel Carrasco) FRANCIA/FRANCE Alpha Violet (Keiko Funato, Virginie Devesa) Andolfi Production (Belinda Leduc) Catherine Bizerm Celluloid Dreams (Hengameh Panahi, Geraldine Bryant) Doc & Film International (Daniela Elstner, Hannah Horner) Ecce Films (Joséphine Avril) Elle Driver (Angeline Nicolaï, Lucie Cottet) Envie de Tempête Productions (Frédéric Dubreuil) The Festival Agency (Leslie Vouchot, Claire Thibault, Zelda Camilleri) Les films d’ici (Céline Paini) Films Distribution (Sanam Madjedi) Les Films du Béliers (Aurelién Deseez) Funny Balloon (Renan Artukmaç, Emanuelle Zinggeler) Memento Films International (Marion Klotz) Pauline Fleury MPM Film (Juliette Lepoutre, Wanling Chang, Camille Ferrero) Origine Films (Emilie Dubois, Jessica Arfuso) Le Pacte (Arnaud Aubelle) Pathé International (Benoit Sauvage) Jean-Pierre Rehm Pascale Ramonda Rendez-vous Pictures (Philippe Tasca) Rouge International (Nadia Turincev, Thomas Lambert) Tamasa Distribution (Laurence Berbon) Agnès Wildenstein GERMANIA/GERMANY Atlas International Film (Susanne Groh, Till Krafzi) DFFB (Laure Tinette, Hella Schmidt) Hochschule für Film und Fernsehen HFF «Konrad Wolf» (Cristina Marx) Fred Kelemen The Match Factory (David Bauduin, Viktoria Szabo) Yann-Eryl Mer Weydemann Bros (Jonas Weydemann, Jacob Weydemann) GIAPPONE/JAPAN Office Futaba (Kayoko Nakanishi) GRECIA Greek film Center (Iliana Zakopoulou, Liza Linardou) ITALIA/ITALY 20 Century Fox Italia (Osvaldo de Santis, Paolo Penza, Cristina Partenza) Apapaja Film (Simone Bachini, Chiara Nicoletti) Asmara Films (Ginevra Elkann, Francesca Zanza) TH CONTENTS BabyDoc Film (Enrico Giovannone, Andrea Parena) Andrea Diego Bernardini Paolo Bertolin Eddie Bertozzi Pietro Bianchi Bibi Film (Angelo Barbagallo, Riccardo Ciancarelli) Matteo Boscarol Carlo Chatrian Cinecittà Luce (Beppe Attene, Malcom Pellegrini, Alessio Massatani) Andrea Cirla De Angelis Group (Nicola De Angelis, Denise Tripodi, Quentin de Fouchecour) Alessandra Dell’Atti Miguel Dias Alessandra Di Savino Liliana Ellena Lorenzo Esposito Nicola Falcinella Lucky Red (Andrea Occhipinti, Georgette Ranucci, Stefano Massenzi, Alessandra Tieri) Feltrinelli Editore (Anastasia Plazzotta) Feltrinelli Real Cinema (Gabriele Barcaro) Antioco Floris GA&A (Gioia Avantaggiato, Gioia Marchetti, Laura Romano) Giuseppe Gariazzo Greta Giai Via Intra Movies (Jef Nuyts, Manuela Mazzone Lopez) M2 Pictures (Rudolph Gentile, Marco Dell’Utri, Carmen Danza) Medusa Film (Carlo Rossella, Gianpaolo Letta, Claudio Trionfera) Mazzino Montinari Movies Inspired (Stefano Jacono) New Gold Ent. (Maria Serena Lastrucci) Nexo Digital (Franco Di Sarro, Luca Bernini) Nostromo Pictures Italia (Juan Blanco, Adrián Guerra) One Movie Entertainment (Luca Colnaghi) Grazia Paganelli Parallelo 41 (Antonella Di Nocera) Parthénos Distribuzione (Federica Pacifici) Antonio Pezzuto Franco Picollo Rai Cinema José Nuno Rodrigues Valia Santella Sardegna Film Commission (Nevina Satta) SNC - Cineteca Nazionale (Emiliano Morreale, Laura Argento) Teodora Film (Vieri Razzini, Cesare Petrillo, Margherita Chiti, Stefano Finesi) Roberto Turigliatto Unipol Biografilm Collection (Andrea Romeo, Dario Bonazelli) Universal Picture International Italy (Richard Borg, Massimo Proietti, Cristina Casati, Matilde Ella Nuvola Marinai, Barbara Casucci, Marina Caprioli, Sauro Carboni, Livia Ajò) Videa-C.D.E. (Angelica Canevari, Antonio Adinolfi) Vivo Film (Gregorio Paonessa, Arianna Rossini, Camilla Flores) Whale Pictures (Alessandra Ibbadu, Giuseppina Caruso) Wildiside (Mario Gianani, Ludovica Damiani, Karin Annell, Ludovica Rapisarda) MESSICO/MEXICO David Barraza POLONIA/POLAND Film It & Grupa Filmowa (Feliks Pastusiak) PORTOGALLO/PORTUGAL Agencia - Curtas Metragens (Salette Ramalho) C.R.I.M. Produções (Joana Ferreira, Isabel Machado, Susanne Malorny) Indielisboa (Miguel Valverde) REGNO UNITO/UK BBC Worldwide (Lee Leschasin, Simona Argenti, Francesca Doria, Basia Heath) Fandango Portobello Sales (Stefan Larsen) Samm Haillay Hanway Films (Jonathan Lynch-Staunton) Matterhorn, Riaya Aboulela Metro International Entertainment (Nathalie Brenner, Tom Mucklow, Linda Deacy) Smoking Dogs Film (Lina Gopaul) Wavelength Pictures (John Flahive) SPAGNA/SPAIN 6sales (Gladys Reyes) Film Factory Entertainment (Vicente Canales, Carlota Caso) Latido Films (Oscar Alonso, Fabrizia Palazzo) Movies for Festivals (Johanna Tonini) SVEZIA/SWEDISH Svenska Film-institutet (Gunnar Almér, Camilla Österlund, Sara Rüster, Anita Simovic) THAILANDIA/THAILAND Hidden Rooster Films (Pornmanus «Bo» Rattanavich) UNGHERIA/HUNGARY Béla Tarr CONTENTS USA The Exchange (Cookie Carosella, Daniel Gusman) FiGa Films (Sandro Fiorin, Alex Garcia) Fox Searchlight (Rebecca Keary, Chrisophe Mercier) Mark Holdom The Little Film Company (Robbie Little, Elie Mechoulam) Outsider Pictures (Peter Peterson) Sierra/Affinity (Nick Meyer, Joey Monteiro, Siham Butakmani) Voltage Pictures (Nicolas Chartier, Katie Katz, Kevin Hoiseth, Brianna Brown) VENEZUELA Sudaca Films (Marite Ugas) La retrospettiva New Hollywood è stata realizzata in collaborazione con/ New Hollywood retrospective was organized in collaboration with 20 Century Fox, British Film Institute, Capricci Film, Classic Films Distribucion, Hollywood Classics, MGM, Paramount Pictures, Park Circus, Sony Pictures, Walt Disney Studios. TH Un ringraziamento particolare a/ Special thanks Susan Brooks, British Film Institute (Fleur Buckley, George Watson), Capricci Films (Julien Rejl, Manon Bayet), Classic Films Distribución (Eduard Ferrer), Jim Healy, Hollywood Classics (Melanie Tebb, Luke Brawley), Park Circus (Nicholas Varley), Walt Disney Studios (April Mcilroy). Il Festival ringrazia per la collaborazione/ Festival thanks for their collaboration tutto il personale del Museo Nazionale del Cinema, Torino GLBT Film Festival, Cinemambiente, Associazione Amici del Torino Film Festival, IED Torino, ITS - ITC Piemonte, La Piazza dei Mestieri, Galleria Alberto Peola, Biennale di Venezia, Piero Valetto, Dania Appoloni, Paolo Basso, Marta Benyei, Andrea Bernardini, Chiara Boffelli, Giulia Carluccio, Dario Ceruti, Giulio Genti, Susanna Gianandrea, Carmelo Gibilisco, Manlio Gomarasca, Arturo Invernici, Lorenzo Jona Celesia, Antonio La Grotta, Ester Ligori, Anna Maria Mari, Antonio Romano, Carmen Serena Santonocito, Cristina Sempio, Chiara Simonigh, Patrizia Tappero, Davide Varvello, Daniela Vincenzi. Un particolare ringraziamento a/ Special thanks to Luciana Littizzetto Il Festival aderisce a/ Festival is member of FIAPF e/and AFIC. CONTENTS Associazione Amici del Torino Film Festival info: ASSOCIAZIONE AMICI DEL TORINO FILM FESTIVAL via Montebello 15 10124 Torino Italia L’Associazione è stata promossa da giovani imprenditori e professionisti per concretare un impegno a sostegno del dialogo tra le culture e le esperienze dell’universo giovanile, della creatività artistica, della formazione professionale dei giovani. L’Associazione affianca istituzionalmente il Festival mettendo a disposizione risorse finanziarie, competenze e servizi professionali, per promuoverlo e valorizzarlo e per diffondere una maggiore consapevolezza del valore culturale, sociale, economico e d’immagine che il Festival ha per Torino e per le nuove generazioni. L’Associazione organizza inoltre nel corso dell’anno attività riservate ai soci, quali anteprime cinematografiche e altre iniziative. The Association Friends of the Torino Film Festival The Association Friends of the Torino Film Festival is promoted by young entrepreneurs and professionals in order to encourage and support the dialogue between the culture and the experiences of young people, their artistic creativity, and their professional schooling. The Association is an institutional support for the Festival, offering financial resources, expertise and professional services; it promotes and valorizes the Festival, and heightens its image as a vehicle of cultural, social and economic values for Turin and for the young generations. Throughout the year, the Association also organizes activities reserved to its members, such as film previews and other initiatives. soci benefattori Armando Testa Spa Camera Commercio Industria Artigianato Agricoltura - Torino Euphon Fondazione CRT soci benemeriti Gruppo Giovani Imprenditori Unione Industriale di Torino Confederazione Nazionale Artigianato Kodak soci sostenitori Gruppo Giovani Imprenditori API - Torino Lega Cooperative Torino Alberghina Studio Ottica Orange Essegierre Unione Giovani Dottori Commercialisti di Torino UTET soci onorari Art Directors Club Italiano British Council Centre Culturel Français Goethe Institut Juventus F.C. soci ordinari Giancarlo Baraldo Franco Carrer Piera Detassis Richi Ferrero Bruno Gambarotta Carlo Gonella Luciana Littizzetto Monica Mailander Luca Martini Ugo Nespolo Domenico Siniscalco Gigi Venegoni presidente Lorenzo Jona Celesia vice presidenti Andrea Alberghina Paola Goffi Davide Varvello segretario e tesoriere Emanuela Barreri comitato direttivo Andrea Alberghina Emanuela Barreri Mauro Boglione Paola Goffi Massimo Moretto Lorenzo Jona Celesia Cosimo Palumbo Davide Varvello CONTENTS Associazione Festival Italiani di Cinema info: ASSOCIAZIONE FESTIVAL ITALIANI DI CINEMA (AFIC) via Faà di Bruno 67 00195 Roma Italia Nel complesso del sistema audiovisivo italiano, i festival rappresentano un soggetto fondamentale per la promozione, la conoscenza e la diffusione della cultura cinematografica e audiovisiva, con un’attenzione particolare alle opere normalmente poco rappresentate nei circuiti commerciali come ad esempio il documentario, il film di ricerca, il cortometraggio. E devono diventare un sistema coordinato e riconosciuto dalle istituzioni pubbliche, dagli spettatori e dagli sponsor. Per questo motivo e per un concreto spirito di servizio è nata nel novembre 2004 l’Associazione Festival Italiani di Cinema (AFIC). Gli associati fanno riferimento ai principi di mutualità e solidarietà che già hanno ispirato in Europa l’attività della Coordination Européenne des Festivals. Inoltre, accettando il regolamento, si impegnano a seguire una serie di indicazioni deontologiche tese a salvaguardare e rafforzare il loro ruolo. L’AFIC nell’intento di promuovere il sistema festival nel suo insieme, rappresenta già oggi più di trenta manifestazioni cinematografiche e audiovisive italiane ed è concepita come strumento di coordinamento e reciproca informazione. Aderiscono all’AFIC le manifestazioni culturali nel campo dell’audiovisivo caratterizzate dalle finalità di ricerca, originalità, promozione dei talenti e delle opere cinematografiche nazionali e internazionali. L’AFIC si impegna a tutelare e promuovere, presso tutte le sedi istituzionali, l’obiettivo primario dei festival associati. The Association of Italian Film Festival Within the framework of the Italian audiovisual system, festivals represent a fundamental means for the promotion, knowledge and diffusion of film and audiovisual culture, with particular attention to works that normally receive little attention in commercial circuits, like documentaries, research films and shorts.They must also become a coordinated system that is recognized by public institutions, spectators and sponsors. For this reason, and in a concrete spirit of service, the Associazione Festival Italiani di Cinema (AFIC) was created in November 2004. Association members adhere to the principals of mutuality and solidarity that inspire the activities of the Coordination Européenne des Festivals in Europe. Moreover, by accepting the regulations, they promise to follow a series of deontological indications whose purpose is to safeguard and strengthen their role. AFIC’s aim is to promote the festival system as a whole, and already today it represents over thirty Italian cinematographic and audiovisual manifestations. It has been conceived as an instrument of coordinated and reciprocal information. AFIC members include cultural manifestations in the audiovisual field that are characterized by research, originality and the promotion of talents and cinematographic works, both at home and abroad. AFIC also strives to protect and promote at every institutional level the primary objective of the associated festivals. TorinoFilmLab info: TorinoFilmLab via Cagliari 42 10153 Torino Italia Tel: +39 011 237 92 21 [email protected] www.torinofilmlab.it TorinoFilmLab è un laboratorio internazionale di sviluppo di progetti cinematografici dedicato ai talenti emergenti di tutto il mondo, che sostiene in particolare le opere prime e seconde. Con le sue molteplici attività di formazione e sviluppo, è il luogo dove far nascere e crescere le proprie storie. E alla fine del percorso c’è la possibilità di ottenere un fondo di produzione. Il 31° Torino Film Festival ospita la sesta edizione del TorinoFilmLab Meeting Event (25-27 novembre), mercato di coproduzione che coinvolge oltre duecento sceneggiatori, registi, produttori, sales agents, distributori e professionisti da tutto il mondo. Il Meeting Event, che comprende una presentazione pubblica dei lavori sviluppati nel lab e la premiazione delle opere migliori, proporrà all’industry un totale di quaranta progetti provenienti da quattro programmi diversi, più cinque progetti «ospiti». Dal 2008 TorinoFilmLab ha assegnato un totale di oltre trenta premi per la produzione e lo sviluppo. Tra i film realizzati, ricordiamo quelli selezionati e premiati quest’anno nei festival più prestigiosi del mondo: Salvo di Fabio Grassadonia e Antonio Piazza, presentato alla Semaine de la critique di Cannes e vincitore del Grand Prix Nespresso e del Prix Révélation France 4; The Lunchbox di Ritesh Batra, selezionato alla Semaine de la critique di Cannes; Lupu di Bogdan Musta!ă, in concorso al Festival di Sarajevo; Il Sud è niente di Fabio Mollo, presentato nella sezione Discovery del Festival di Toronto. TorinoFilmLab TorinoFilmLab is an international film development laboratory dedicated to emerging talents from all over the world, with particular attention to first and second feature films. With its various training and development activities, it is a place where stories are born and grow. And where they have the possibility to gain production funding at the end of the process. The 31 Torino Film Festival hosts the sixth edition of the TorinoFilmLab Meeting Event (November 25-27), a co-production market involving over two-hundred scriptwriters, directors, producers, sales agents, distributors and other industry professionals from all around the world. The Meeting Event, which includes a public pitch of the projects developed within the lab, as well as the awards ceremony where prizes are assigned to the best projects, will showcase a total of forty projects coming from four different programmes, plus five “guest” projects. Since 2008 TorinoFilmLab assigned more than thirty awards aimed at the production or further development of projects. Among the many films that have already been completed, we would like to mention the ones selected and awarded in some of the world’s most prestigious festivals this year: Salvo by Fabio Grassadonia and Antonio Piazza (Critics’ Week of Cannes, winner of the Grand Prix Nespresso and of the Prix Révélation France 4); The Lunchbox by Ritesh Batra (Critics’ Week of Cannes); Wolf by Bogdan Musta!ă (competition at Sarajevo Film Festival); South Is Nothing by Fabio Mollo (Discovery section in Toronto International Film Festival). ST X 31° TORINO FILM FESTIVAL Gran Premio Torino 2013 CONTENTS Istituito nel 2009, il Gran Premio Torino è un riconoscimento assegnato ogni anno ai cineasti che, dall’emergere delle nouvelle vague in poi, hanno contribuito al rinnovamento del linguaggio cinematografico, alla creazione di nuovi modelli estetici, alla diffusione delle tendenze più significative del cinema contemporaneo. In questa edizione, il premio verrà assegnato per la prima volta a un regista italiano: Carlo Mazzacurati. Veneto, padovano anzi, ironico e malinconico, capace di accenti drammatici come di felici incursioni nel comico, Mazzacurati ha saputo raccontare nella sua trentennale carriera l’anima ambigua e inquieta della provincia italiana. Ambientati soprattutto (ma non solo) nel Nordest, paesaggio umano e fisico al centro di un grande affresco che riguarda l’intero Paese, interpretati da amici e collaboratori come Silvio Orlando, Fabrizio Bentivoglio, Diego Abatantuono, Antonio Albanese, Marco Messeri, Roberto Citran, i suoi film, da Il toro (1994) a Vesna va veloce (1996), da L’estate di Davide (1998) a La lingua del santo (2000) e La giusta distanza (2007), hanno avuto come protagonisti antieroi tragici, e talvolta grotteschi, tratteggiati con la compassione dell’umanista e lo sguardo poco riconciliato di un sociologo ostinatamente, teneramente dalla parte degli ultimi. In occasione del Gran Premio Torino, Carlo Mazzacurati presenterà in anteprima mondiale il suo ultimo film, La sedia della felicità, storia comica di una caccia al tesoro, di un trio di personaggi mal assortiti (Valerio Mastandrea, Isabella Ragonese, Giuseppe Battiston), di un viaggio vero e insieme simbolico che dal Polesine porta alle valli delle Dolomiti. Gran Premio Torino 2013 Created in 2009, the Gran Premio Torino is an award given every year to filmmakers who, from the rise of the nouvelles vagues on, have contributed to the renewal of the film language, to the creation of new aesthetic models and to the popolurization of the most significant trends in contemporary cinema. This year, the prize will be awarded for the first time to an Italian film director: Carlo Mazzacurati. From Padua (in Italy’s northeastern Veneto region), he is ironic and melancholic, capable of dramatic accents as well as happy incursions into comedy. In his thirty years behind the camera, Mazzacurati has described the ambiguous and unsettled soul of the Italian provinces. Most of his movies take place in Italy’s Northeast (but not only), a human and physical landscape at the center of a large tapestry that represents the entire country. His films feature friends and colleagues, like Silvio Orlando, Fabrizio Bentivoglio, Diego Abatantuono, Antonio Albanese, Marco Messeri, and Roberto Citran. The protagonists at the center of his movies, from The Bull (1994) Vesna Goes Fast (1996), from David’s Summer (1998) to Holy Tongue (2000) and The Right Distance (2007), are always tragic antiheroes, sometimes even grotesque; they are sketched with humanist compassion and the unreconciled perspective of a sociologist who is stubbornly and fondly on the side of the underdogs. On the occasion of the Gran Premio Torino, Carlo Mazzacurati will present the world premiere of his latest feature La sedia della felicità: a comedy about a treasure hunt, a ragtag trio (Valerio Mastandrea, Isabella Ragonese, and Giuseppe Battiston), a journey that is both real and symbolic from the Polesine area to the valleys of the Dolomite mountains. XI 31° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury CONTENTS TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N guillermo arriaga PRESIDENTE DELLA GIURIA PRESIDENT OF THE JURY (Città del Messico, Messico, 1958), scrittore e sceneggiatore, ha firmato la trilogia di Alejandro González Iñárritu che comprende Amores perros (2000), 21 grammi (2003), con cui ha ottenuto una nomination ai Bafta, e Babel (2006), che ha concorso all’Oscar per la miglior sceneggiatura originale; con Le tre sepolture di Tommy Lee Jones ha vinto il premio per la sceneggiatura al Festival di Cannes nel 2005. Nel 2008 ha esordito come regista con The Burning Plain - Il confine della solitudine, presentato alla Mostra di Venezia. (Mexico City, Mexico, 1958) is an author and screenwriter. He wrote the trilogy of films directed by Alejandro González Iñárritu: Amores Perros (2000), 21 Grams (2003), for which he received a BAFTA nomination, and Babel (2006), which earned him an Oscar nomination for best original screenplay. He wrote The Three Burials of Melquiades Estrada (2005), directed by Tommy Lee Jones, winning three awards in Cannes, including best screenplay. He made his debut as a director in 2008 with The Burning Plain, which was presented in the Venice Film Festival. stephen amidon (Chicago, Illinois, Usa, 1959), scrittore e giornalista, ha vissuto a lungo a Londra dove ha lavorato come critico cinematografico per il «Financial Times» e «The Sunday Times». Collaboratore di diverse riviste e quotidiani inglesi e americani, ha pubblicato una raccolta di racconti, due opere di non-fiction e sei romanzi, due dei quali sono usciti in Italia con Mondadori, Security e Il capitale umano. Da quest’ultimo Paolo Virzì ha tratto il suo ultimo film. XII (Chicago, IL, USA, 1959) is a writer and journalist. He lived in London, where he worked as a film critic for “The Financial Times” and “The Sunday Times.” He collaborates with many magazines ad daily newspapers from the UK and the US. He is the author of a collection of short stories, two non-fictions, and six novels, two of which have been published in Italy by Mondadori: Security and Human Capital. The latter has been adapted to screen, turning into Paolo Virzì’s latest movie. 31° TORINO FILM FESTIVAL CONTENTS aida begić (Sarajevo, Jugoslavia, 1976) ha studiato regia a Sarajevo, presentando come progetto di laurea il film First Death Experience, selezionato poi dalla Cinéfondation di Cannes nel 2001. Nel 2008 ha esordito nel lungometraggio con Snow, vincendo il Grand prix della Semaine de la critique di Cannes. Fondatrice della casa di produzione indipendente Film House, con Buon anno, Sarajevo ha partecipato nel 2012 a Un certain regard di Cannes, ottenendo una menzione della giuria. Il film ha inoltre partecipato al 30° Torino Film Festival. (Sarajevo, Yugoslavia, 1976) studied directing in Sarajevo and presented as her graduating project the film First Death Experience, which was selected by the Cinéfondation of Cannes in 2001. She debuted in feature films in 2008 with Snow, selected for the Semaine de la critique in Cannes and winner of the Grand Prix. A founder of the independent production company Film House, her film Children of Sarajevo participated in Un certain regard at Cannes Film Fest in 2012, and at the 30 of Torino Film Festival. TH francesca marciano (Italia), sceneggiatrice e scrittrice, ha lavorato con registi come Gabriele Salvatores (Turnè, 1990), Wilma Labate (La mia generazione, 1996 e La signorina Effe, 2007), Cristina Comencini (La bestia nel cuore, 2005). È stata a lungo collaboratrice di Carlo Verdone: ha partecipato alla scrittura di molti film, da Maledetto il giorno che ti ho incontrato (1992), a Sono pazzo di Iris Blond (1996), fino a L’amore è eterno finché dura (2004) e Io, loro e Lara (2010). Recentemente ha sceneggiato Io e te (2012) di Bernardo Bertolucci e Miele (2013) di Valeria Golino. (Italy) is an author and screenwriter. She has worked with directors like Gabriele Salvatores (On Tour, 1990), Wilma Labate (My Generation, 1996, and Miss F, 2007), and Cristina Comencini (Don’t Tell, 2005). She has collaborated extensively with Carlo Verdone, co-writing Damned the Day I Met You (1992), I’m Crazy About Iris Blonde (1996), Love is Eternal While it Lasts (2004), and Me, Them and Lara (2010). She recently wrote the screenplays to Me and You (2012) by Bernardo Bertolucci, and Miele (2013) by Valeria Golino. jorge perugorría (L’Avana, Cuba, 1965), pittore e attore, ha iniziato a recitare per il teatro nel 1984, portando in scena opere classiche e testi della tradizione popolare cubana. Nel 1993 l’interpretazione di Diego nel suo film d’esordio Fragola e cioccolato, diretto da Tomás Gutiérrez Alea e Juan Carlos Tabío, gli è valsa numerosi riconoscimenti. Da quel momento ha recitato in oltre cinquanta film, sia in America sia in Europa. Nel 2009 ha esordito nella regia con Afinidades e al momento sta ultimando il suo quarto film, Fátima y el parque de la fraternidad. XIII (Havana, Cuba, 1965) is a painter and an actor. He started acting for theatre in 1984, putting on stage classical plays and traditional Cuban stories. His performance in his debut film Fresa y chocolate (1993), directed by Tomás Gutiérrez Alea and Juan Carlos Tabío, earned him many awards and recognition. From then on, he has acted in over fifty movies, both in America and in Europe. He directed his first film Afinidades in 2009, and he is currently wrapping up his fourth movie, Fátima y el parque de la fraternidad. 31° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury CONTENTS TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC cíntia gil (Porto, Portogallo, 1979), ricercatrice in filosofia e membro del gruppo di ricerca in estetica, politica e arti dell’Istituto di filosofia dell’Università di Porto, tra il 2001 e il 2007 ha lavorato alla produzione di diversi film e nel 2012 ha insegnato alla scuola di cinema di Abrantes. Dopo essere stata membro della commissione di Curtas a Vila do Conde, ha cominciato a collaborare con DocLisboa, del quale è codirettrice. È inoltre vicepresidente dell’associazione portoghese del documentario Apordoc. (Porto, Portugal, 1979) is PhD researcher in philosophy and part of the “aesthetics, politics and arts” research group of the Philosophy Institute of Porto University. Between 2001 and 2007 she worked on the production of several films, and in 2012 taught at the Video and Documentary Film School of Abrantes. Formerly member of the selection committee of Curtas Vila do Conde, she is now co-director of DocLisboa. She is the vice-president of Apordoc - Portuguese Documentary Association. jean-charles hue (Francia), dopo un percorso come designer del vetro e stilista, ha frequentato la scuola d’arte di Cergy e si è poi dedicato alla realizzazione di cortometraggi, lungometraggi e documentari d’arte che sono stati presentati nei principali musei e gallerie d’arte contemporanea, oltre che in festival del cinema. Nel 2009 ha esordito nel lungometraggio con il film girato in Messico, Carne viva, cui è seguito nel 2011 La BM du Seigneur. (France), started off as a glass designer and stylist. After going to the Cergy Art Academy, he started making short films, features, and art documentaries. His works have been presented in many important contemporary art museums and galleries, as well as film festivals. He shot his first feature-length film Carne viva in Mexico in 2009, which was followed in 2011 by La BM du Seigneur. gabe klinger (San Paolo, Brasile, 1982), docente di cinema, ha insegnato all’università dell’Illinois e al Columbia College di Chicago. Archivista, curatore e filmmaker, ha lavorato inoltre come critico cinematografico collaborando con riviste quali «Sight & Sound», «Film Comment» e «Cinema Scope». Nel 2013 ha pubblicato un volume su Joe Dante, scritto con Nil Baskar, e diretto Double Play: James Benning and Richard Linklater, con il quale ha vinto il Leone d’oro per il miglior documentario sul cinema all’ultima edizione della Mostra del cinema di Venezia. XIV (São Paulo, Brazil, 1982) has taught film studies at University of Illinois and Columbia College in Chicago, Illinois. Archivist, curator, filmmaker and critic, his articles have appeared in “Sight & Sound,” “Film Comment,” “Cinema Scope,” and many other publications. His book on Joe Dante, co-edited by Nil Baskar, was published in 2013. With Double Play: James Benning and Richard Linklater he won the Golden Lion for best documentary on cinema at 2013 Venice Film Festival. 31° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury CONTENTS TFFDOC - I TA L I A N A . D O C jasmin basic (Svizzera), storica del cinema e curatrice, ha collaborato in qualità di coordinatrice e programmatrice con diversi festival, tra cui Visions du réel, Tous Écrans e l’International Film Festival and Forum on Human Rights di Ginevra. Curatrice di retrospettive su Michael Mann, David Cronenberg, Michael Snow, Harun Farocki, Atom Egoyan, ha collaborato con diverse realtà come la cineteca di Tangeri e quella francese, La Virreina di Barcellona, i «Cahiers du cinéma», il Centre Pompidou e il Forum des images di Parigi. (Switzerland), film historian and curator, she has collaborated as coordinator and programmer with Visions du réel, Tous Écrans, International Film Festival and Forum on Human Rights, in Geneva. She has curated retrospectives on Michael Mann, David Cronenberg, Michael Snow, Harun Farocki, Atom Egoyan and has also collaborated with the cinémathèque of Tangier, the Centre for the Image La Virreina in Barcelona, the French Cinémathèque, the Centre Pompidou, “Cahiers du cinéma” and the Forum des images in Paris. esmeralda calabria (Roma, Italia, 1964), montatrice cinematografica, ha collaborato con registi come Francesca Archibugi, Giuseppe Piccioni, Paolo Virzì, Nanni Moretti, Michele Placido e Giorgio Diritti. Ha vinto due David di Donatello per il montaggio di Fuori dal mondo (1999) di Giuseppe Piccioni e Romanzo criminale (2005) di Michele Placido. Come regista ha diretto, con Peppe Ruggiero e Andrea d’Ambrosio, il documentario Biutiful cauntri, menzione speciale al Torino Film Festival nel 2007 e Nastro d’argento per il miglior documentario distribuito in sala. (Rome, Italy, 1964) worked as a film editor with many directors, like Francesca Archibugi, Giuseppe Piccioni, Paolo Virzì, Nanni Moretti, Michele Placido and Giorgio Diritti, and won two David di Donatello awards for Romanzo criminale (2005), directed by Michele Placido. As a filmmaker, she directed the documentary Biutiful cauntri with Peppe Ruggiero and Andrea d’Ambrosio, which got a special mention at the Torino Film Festival in 2007 and received a Nastro d’argento for best documentary. salvatore mereu (Dorgali, Nuoro, Italia, 1965), regista tra i più talentuosi del cinema italiano, dopo alcuni corti nel 2003 ha diretto il lungometraggio Ballo a tre passi, premiato alla Settimana della critica di Venezia. Il successivo Sonetàula è stato presentato alla Berlinale 2008 nella sezione Panorama e ha vinto tre Globi d’oro, mentre Tajabone, realizzato in seguito a un percorso in due scuole medie di Cagliari, è stato presentato a Venezia, così come Bellas mariposas, in concorso nella sezione Orizzonti due anni dopo. XV (Dorgali, Nuoro, Italy, 1965) is one of the best directors of Italian cinema. After making a few shorts, he directed his first feature in 2003, Three Dancing Slaves, which won him the Film Critics’ Week Award in Venice. He then made Sonetàula, presented at the Berlinale in 2008 in the section Panorama, and winner of three Italian Golden Globes. After spending time in two middle schools in Cagliari, he made Tajabone, which was presented in the Venice Film Festival. Two years later he returned to Venice, competing in the section Orizzonti with his movie Bellas mariposas. 31° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury CONTENTS I TA L I A N A . C O R T I caterina carone (Ascoli Piceno, Italia, 1982), sceneggiatrice e regista, dopo la laurea in scienze della comunicazione a Bologna, ha frequentato la ZeLIG di Bolzano, diplomandosi in sviluppo del progetto, produzione e regia. Nel 2007 è stata invitata al Berlinale Talent Campus per Le chiavi per il paradiso, vincitore del Premio Kodak per la fotografia al Libero Bizzarri 2008. Lo stesso anno con il documentario Valentina Postika in attesa di partire ha vinto il Premio Solinas Documentario per il cinema, e la sezione Italiana.doc del Torino Film Festival. (Ascoli Piceno, Italy, 1982) is a screenwriter and director. After graduating in communication sciences from the University of Bologna, she went to the ZeLIG film school, in Bolzano, where she got a degree in project development, production and direction. She was invited to the Berlinale Talent Campus in 2007 for Le chiavi per il paradiso, winner of the Kodak Prize for best photography at the 2008 Libero Bizzarri Documentary Film Festival. In 2008 she also won the Premio Solinas - Documentario per il Cinema, and the Italiana.doc section of the Torino Film Festival, Valentina Postika in attesa di partire. andrea lissoni (Italia) è curatore dell’HangarBicocca di Milano. Cofondatore di Xing e codirettore del festival internazionale Live Arts Week, dal 2001 insegna all’Accademia di Brera e dal 2007 all’Università Bocconi. È curatore del magazine «Cujo», della piattaforma on line Vdrome e collabora con «Mousse Magazine». Ha curato esposizioni di artisti come Susan Hiller, Céleste Boursier Mougenot, Angela Ricci Lucchi e Yervant Gianikian, Wilfredo Prieto, Tomàs Saraceno, Apichatpong Weerasethakul e Mike Kelley. (Italy) is curator of the HangarBicocca in Milan. Co-founder of Xing and co-director of the international festival Live Arts Week, he has taught at the Brera Academy since 2001 and at the Università Bocconi since 2007. He is editor of the magazine “Cujo,” contributes regularly to “Mousse Magazine” and is co-curator of the online platform Vdrome. He curated exhibitions for artists as Susan Hiller, Céleste Boursier Mougenot, Angela Ricci Lucchi and Yervant Gianikian, Wilfredo Prieto, Tomàs Saraceno, Apichatpong Weerasethakul, and Mike Kelley. tommaso pincio (Roma, Italia, 1963), scrittore e traduttore, dopo l’Accademia di belle arti si è trasferito a New York, dove ha diretto la galleria d’arte Sperone Westwater. Ha esordito nel 1999 con M., cui è seguito Lo spazio sfinito. Per Einaudi Stile Libero ha pubblicato Un amore dell’altro mondo, La ragazza che non era lei, Cinacittà: memorie del mio delitto efferato, mentre Pulp Roma è uscito nel 2012 per Il Saggiatore. Collaboratore di «Rolling Stone», ha scritto per le pagine culturali del «Corriere della Sera», «la Repubblica» e «il manifesto». XVI (Rome, Italy, 1963) is an author and a translator. After studying at the Art School he moved to New York, where he directed the art gallery Sperone Western. He published his first novel M. in 1999, followed by Lo spazio infinito. He then published with Einaudi Stile Libero the novels Love-shaped Story, La ragazza che non era lei, Cinacittà: memorie del mio delitto efferato. His latest novel, Pulp Roma, was published by Il Saggiatore in 2012. He also writes for “Rolling Stone,” and for the cultural pages of “Corriere della Sera,” “la Repubblica,” and “il manifesto.” 31° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury CONTENTS anne brodie (Canada), scrittrice e critica cinematografica, si occupa da trent’anni di cinema per la televisione e il web, oltre che per la stampa tradizionale, e ha intervistato migliaia di registi. Attualmente collabora con diverse testate cartacee e online, tra cui «Studio 12 News», «Metro News Canada», Monstersandcritics.com. Membro Fipresci, fa parte dell’associazione dei critici cinematografici di Toronto e dell’Alliance of Women Film Journalists, oltre a presiedere la commissione dei festival cinematografici della Broadcast Film Critics Association. (Canada), writer and film critic, she has covered film and filmmakers on television, online and in print for thirty years and interviewed thousands of filmmakers. She currently reviews for “Studio 12 News,” “Metro News Canada,” Monstersandcritics.com and several other print and online outlets. Brodie is a FIPRESCI member and founding Canadian member of the Broadcast Film Critics Association and chairs its Film Festival Committee. She also belongs to the Toronto Film Critics Association and The Alliance of Women Film Journalists. franco la magna (Catania, Italia), critico cinematografico, negli anni Ottanta è stato responsabile delle pagine culturali del quotidiano catanese «Giornale del Sud» ed è attualmente vice direttore del quotidiano online «inScena», collaboratore della rivista «Cinemasessanta» e del settimanale online «A Sud’Europa». Autore di varie pubblicazioni, per la casa editrice Città del Sole dirige la collana Lo Specchio Scuro/Cinema Controluce ed è stato tra i promotori dell’Ufficio Cinema del Comune di Catania e della Catania Film Commission. (Catania, Italy) is a film critic. During 1980s, he was in charge of the cultural section of Catania’s newspaper “Giornale del Sud.” He is currently the director of the online daily “inScena” and he collaborates with the magazine “Cinemasessanta” and the online publication “A Sud’Europa.” He has written many articles, and he also manages the series Lo Specchio Scuro/Cinema Controluce for publishing company Città del Sole. He was one of the organizers of the Ufficio Cinema of the Municipality of Catania and of the Catania Film Commission. demetrios matheou (Regno Unito), giornalista, scrittore e programmatore, vive a Londra, dove scrive sul quotidiano «Sunday Herald», oltre a collaborare con «Sight and Sound» e far parte del gruppo di giornalisti del sito «The Arts Desk». Autore di recensioni per i principali quotidiani inglesi, ha anche scritto il libro The Faber Book of New South American Cinema ed è stato uno dei curatori della retrospettiva del British Film Institute South American Renaissance. Nel 2012 è stato tra i fondatori del London Argentine Film Festival. XVII (UK) is a London-based journalist, writer and programmer. He is currently the film critic for the “Sunday Herald” newspaper, a contributor to “Sight and Sound”, and a member of the collective of journalists who produce “The Arts Desk” website. His film writing has appeared in most of the UK’s broadsheet newspapers and is the author of The Faber Book of New South American Cinema. He co-curated South American Renaissance, a retrospective season for The British Film Institute and in 2012 he co-founded the London Argentine Film Festival. 31° TORINO FILM FESTIVAL giuria/jury CONTENTS PREMIO CIPPUTI CIPPUTI francesco tullio altan (Treviso, Italia, 1942) ha frequentato la facoltà di architettura di Venezia e alla fine degli anni Sessanta ha vissuto a Roma, occupandosi di scenografia e sceneggiatura per il cinema e la televisione. Si è trasferito a Rio de Janeiro nel 1970 e nel 1974 ha iniziato a collaborare con giornali italiani. Tornato in Italia nel 1975, ha creato la Pimpa e ha pubblicato i suoi primi fumetti su «Linus». Due anni dopo è nato il suo personaggio più celebre, Cipputi. Le sue vignette di satira politica sono pubblicate regolarmente dall’«Espresso» e dalla «Repubblica». (Treviso, Italy, 1942) studied architecture in Venice and in the late 1960s moved to Rome, where he was involved in making sets and writing screenplays for films and TV. He moved to Rio de Janeiro in 1970 and in 1974 began collaborating with Italian newspapers. He returned to Italy in 1975, created Pimpa and published his first comic strips in “Linus.” Two years later, he created his most famous character, Cipputi. His satirical political cartoons are regularly published in “l’Espresso” and “la Repubblica.” diego bianchi (Italia), conosciuto in rete come Zoro, dal 2003 ha un blog personale e collabora con quotidiani e riviste, oltre a essere autore della serie di video Tolleranza Zoro, trasmessi prima su Rai3 all’interno di Parla con me, poi su La7 in The Show Must Go Off. Regista, ha diretto nel 2011 il primo Finale di partita e l’anno successivo il secondo, Anno Zoro Finale di Partita 2012. È inoltre autore e conduttore del programma di Rai3 Gazebo. Nel 2012 ha pubblicato con Simone Conte Kansas City. La Roma di Luis Enrique. Cronache tifose di una revoluciòn complicata. (Italy), known online as Zoro, has been blogging since 2003, working also with newspapers and magazines. He made a series of videos Tolleranza Zoro, which aired first on the Rai3 channel in the program Parla con me, and then on La7 in The Show Must Go Off. As a director, he made the first Finale di partita in 2011, and the following year Anno Zoro Finale di partita 2012. He also writes and hosts the TV show Gazebo for Rai3. In 2012, he wrote with Simone Conte the book Kansas City. La Roma di Luis Enrique. Cronache tifose di una revoluciòn complicata. luca sofri (Massa, Italia, 1964), giornalista, è il fondatore e il direttore del «Post», quotidiano on line edito dal 2010. Scrive per «La Gazzetta dello Sport» e «Vanity Fair», collabora con «Internazionale» e in passato ha condotto programmi radiofonici, come Condor con Matteo Bordone, in onda su Radio2 fino al 2009, e televisivi, come Otto e mezzo e Passato prossimo, entrambi trasmessi da La7. Per Rizzoli ha pubblicato nel 2006 Playlist e nel 2011 Un grande paese. «Wittgenstein» è dal 2001 il suo seguitissimo blog personale. XVIII (Massa, Italy, 1964) is a journalist and the director of the online daily paper “Post,” which he founded in 2010. He also writes for “La Gazzetta dello Sport” and “Vanity Fair,” and collaborates with “Internazionale.” He has hosted radio shows like Condor with Matteo Bordone, which aired on Radio2 until 2009, and TV shows like Otto e mezzo and Passato prossimo, both on the La7 channel. He wrote the books Playlist in 2006 and Un grande paese in 2011, both of which were published by Rizzoli. His personal blog “Wittgenstein” has been widely followed since 2001. 31° TORINO FILM FESTIVAL Premi/Awards CONTENTS GRAN PREMIO TORINO a/to Carlo Mazzacurati TORINO 31 Concorso internazionale/ International Feature Film Competition Miglior film/Best Film: euro 15.000 Premio speciale della giuria/ Special Jury Award Premio per la miglior attrice/ Best Actress Award Premio per il miglior attore/Best Actor Award Premio per la miglior sceneggiatura/ Best Screenplay Award Premio del pubblico/Audience Award TFFDOC Miglior film/Best Film Internazionale.doc: euro 5000 Premio speciale della giuria/ Special Jury Award Internazionale.doc Miglior film/Best Film Italiana.doc, in collaborazione con/in collaboration with Persol: euro 5000 Premio speciale della giuria/ Special Jury Award Italiana.doc ITALIANA.CORTI Premio Chicca Richelmy per il miglior film/ Chicca Richelmy Award to Best Film: euro 2500, offerti dall’Associazione Chicca Richelmy/offered by the Associazione Chicca Richelmy Premio speciale della giuria/ Special Jury Award SPAZIO TORINO Concorso cortometraggi realizzati da registi nati o residenti in Piemonte/ Short film competition reserved to directors who were born or reside in Piedmont Miglior film/Best Film, in collaborazione con «La Stampa», «Torino Sette», Premio Achille Valdata/in collaboration with “La Stampa,” “Torino Sette,” Achille Valdata Award PREMIO FIPRESCI/FIPRESCI AWARD Miglior film/Best Film Torino 31 XIX PREMIO CIPPUTI/CIPPUTI AWARD Miglior film sul mondo del lavoro/ Best Film about the work world P R E M I C O L L AT E R A L I / C O L L AT E R A L AW A R D S PREMIO SCUOLA HOLDEN/ HOLDEN SCHOOL AWARD Premio per la miglior sceneggiatura/ Best Script Torino 31 PREMIO ACHILLE VALDATA/ ACHILLE VALDATA AWARD Giuria dei lettori di «Torino Sette»/ Jury composed of readers of “Torino Sette” Miglior film/Best Film Torino 31 PREMIO AVANTI!/AVANTI! AWARD Distribuzione delle opere prime premiate nella rete dei cineforum e dei cineclub/ Distribution of winning first films in the film forum and film club circuit Migliori cortometraggi e documentari italiani/ Best Italian Shorts and Documentaries PREMIO UCCA - VENTI CITTÀ/ UCCA - VENTI CITTÀ AWARD Distribuzione del film vincitore del concorso Italiana.doc in almeno venti città presso circoli e sale associate all’UCCA/Distribution of the winning documentary from the Italiana.doc competition in at least twenty cities at film clubs and UCCA-affiliated cinemas PREMIO GLI OCCHIALI DI GANDHI/ GANDHI’S GLASSES AWARD Assegnato dal Centro Studi «Sereno Regis» (Torino) al film che meglio interpreta la visione gandhiana del mondo/Awarded by the Centro Studi “Sereno Regis” (Turin) to the best movie representation of a Gandhi-like vision of the world PREMIO INTERFEDI/INTERFEDI AWARD Premio per il rispetto delle minoranze e per la laicità, attribuito dalla Giuria Interfedi/Interfed Jury Award for the respect of minority rights and laity 31° TORINO FILM FESTIVAL CONTENTS Regione Piemonte, Provincia di Torino e Città di Torino sono unite nel sostenere con convinzione il Torino Film Festival, uno dei punti cardine del sistema cinema piemontese. Un evento, che con il suo prestigio e la sua storia, garantisce una vetrina internazionale per valorizzare al massimo il grande investimento che proprio le istituzioni stanno mettendo in campo nel settore cinematografico, ambito strategico per lo sviluppo, l’occupazione e la promozione del territorio. Inalterato nella sua identità – che dopo trent’anni conferma la vocazione al cinema nuovo e alla scoperta delle migliori tendenze contemporanee – il Festival, sotto la prima edizione diretta da Paolo Virzì, si annuncia sempre più aperto ai diversi generi, stili e linguaggi cinematografici, verso quella che il nuovo direttore ha definito «l’utopia di un cinema senza confini». Nel preannunciarsi accogliente e innovativo, con una particolare sensibilità verso la fruizione sul web, il 31° Torino Film Festival conferma le consuete sezioni competitive (dal Tffdoc a Italiana.corti, al concorso internazionali lungometraggi) e non competitive, con delle originali novità tra cui la sezione Europop, dedicata ai film europei di gusto popolare. La particolare attenzione riservata agli esordienti è ulteriormente sottolineata dal consueto spazio dedicato ai film prodotti con la partecipazione di TorinoFilmLab che – proprio in concomitanza al Festival – vedrà la chiusura dei programmi con il tradizionale Meeting Event. La volontà di conquistare il grande pubblico è confermata anche dalla retrospettiva che quest’anno e il prossimo sarà dedicata ai film americani del decennio 1967-1976, che ha segnato il cambiamento radicale della cinematografia americana con nuovi autori e nuovi volti. Con l’augurio di un buon lavoro al nuovo direttore, rivolgiamo un ringraziamento a tutti coloro che si sono impegnati nella realizzazione di questa nuova edizione e un auspicio che il Festival rappresenti – sempre di più – un momento di crescita artistica ed economica per il Piemonte e di coinvolgimento di nuove fasce di pubblico. Maurizio Braccialarghe Assessore alla Cultura, Città di Torino Marco D’Acri Assessore alla Cultura, Provincia di Torino Michele Coppola Assessore alla Cultura, Regione Piemonte XX 31° TORINO FILM FESTIVAL CONTENTS The Piedmont Region, the Province of Turin and the City of Turin are united in wholeheartedly supporting the Torino Film Festival, one of the key points of Piedmont’s film system. The prestige and history of this event ensure a failsafe international showcase, maximizing and valorizing the important investments which the institutions are providing in the film sector, a strategic area of interest for development, employment and the promotion of the territory. True to its identity – which, after thirty years, confirms its vocation to new cinema and the discovery of the best contemporary trends – the Festival, under the first edition directed by Paolo Virzì, promises to be even more open to cinematography’s various genres, styles and languages, to what the new Festival director has called “the cinema without borders utopia.” In reaffirming its welcoming and innovative nature, with a particular feeling for cinema’s uses on the web, the 31 Torino Film Festival confirms the customary competitive sections (from Tffdoc to Italiana.corti, to the international feature films competition) and the non-competitive ones, plus original innovations, including the Europop section, dedicated to European films with a popular flair. The special attention reserved to new filmmakers is further underlined by the time-honored space dedicated to films produced with the participation of TorinoFilmLab, which – in conjunction with the Festival – will conclude its programs with its traditional Meeting Event. The intention to gain the favor of the greater public is confirmed in part by the retrospective which, this year and next year, will be dedicated to American films made between 1967 and 1976, a decade which marked a radical change in American cinematography, with new directors and new faces. In wishing all the best to the new director, we would also like to thank those who have given their all to organize this year’s Festival. We also share our hope that the Festival will increasingly represent a moment of artistic and economic growth for Piedmont, and attract ever new audiences. ST Maurizio Braccialarghe Councilor for Culture, City of Turin Marco D’Acri Councilor for Culture, Province of Turin Michele Coppola Councilor for Culture, Piedmont Region XXI 31° TORINO FILM FESTIVAL CONTENTS Il trentunesimo filmone È davvero un’occasione ghiotta, per un amante dei film, poter mettere il naso nell’officina di un festival del cinema. Se poi il festival è quello di Torino si tratta proprio di un colpo di fortuna. Quando ero passato da queste parti da spettatore a volte ero entrato in sala all’ultimo momento e a caso, senza neanche consultare il programma. Eppure non mi era mai capitato di sbagliare film, mai. E chi per passione o per professione frequenta i festival di cinema sa bene quanto invece in occasioni come queste siano in agguato fatalmente le fregature. Film nemmeno brutti, ma della categoria più subdola: finti belli. Qui a Torino invece, chissà perché, sarà la vicinanza con la chiostra alpina, intorno a questo evento culturale così importante spira un’aria di purezza e di pulizia, di serietà, di passione autentica, testimoniata dalla grande, crescente quantità e dalla qualità dei suoi spettatori. Forse anche perché si tratta del primo festival cinematografico metropolitano che abbiamo avuto in Italia, nato per l’appunto nel cuore di una grande città la cui identità affonda le radici nel lavoro, nella fabbrica, nella letteratura, negli albori dell’industria cinematografica, nella passione per la politica, per la filosofia e per il gioco del pallone. Credo che sia stata proprio la vigilanza severa e affettuosa di questo suo pubblico folto ed esigente, composto da appassionati di cinema che invadono Torino nei giorni del suo festival, ma anche in gran parte da semplici cittadini, studenti, lavoratori, intere famiglie che da anni programmano le ferie proprio nell’ultima settimana di novembre, oltre alle straordinarie persone che questo festival hanno creato e animato negli anni, a determinare quella qualità raffinata ed insieme popolare che fa spiccare il Torino Film Festival nel panorama internazionale degli eventi dedicati all’arte cinematografica. Come e in che cosa possa essere utile il sottoscritto nel ruolo imprevisto e temporaneo di direttore, è cosa tutta da scoprire. Per voi spettatori, ma soprattutto per me. Credo di aver cercato intanto di non sciupare nulla di quanto di bello finora qui è stato costruito. Di essermi avvicinato a tutto questo con un sentimento di rispetto e di ammirazione verso chi negli anni ha lavorato a costruire la grande credibilità di questo appuntamento. D’altronde sono qui di passaggio, mi tocca fare un altro mestiere: i film mi piace scoprirli, guardarli e riguardarli, ma anche fabbricarli. Ma posso assicurare che stavolta per me è stato straordinario innamorarsi dei film degli altri, comporli insieme in un corpo complesso, in quel grandioso film che è un festival. E dunque ecco a voi il filmone di quest’anno, il trentunesimo della sua storia torinese. Mi pare proprio potente, ricco di voci diverse, cinéphile e pop: c’è il dramma familiare francocanadese e quello venezuelano, il coming of age e il noir estremo americano, i blockbusters europei, i film tragicomici italiani, le nuove narrazioni televisive, le commedie mainstream con le vecchie glorie, quelle esistenziali francesi, quella crudele coreana o giapponese, nuovi pedinamenti zavattiniani in Thailandia o nella provincia catalana, il cinema di frontiera di Yu Likwai e la grande immortale epopea degli antieroi della retrospettiva New Hollywood, e poi oggetti bizzarri, commoventi, rarità, e infine ci sono le voci vive del cinema contemporaneo del reale, insomma la nuova affascinante stagione del documentario. Adesso il filmone è pronto a esprimere la propria vita in nove intensissimi giorni, nei quali gli illusi come me avranno la sensazione di vivere in un mondo diverso a quello al quale siamo abituati, in questi tempacci di crisi nei quali è così difficile far circolare le cose belle, sopraffatti come siamo dalla rassegnazione al peggio. Godetevi allora questa cosa preziosa: l’utopia di un grande racconto cinematografico senza confini. Buona visione. Paolo Virzì XXII 31° TORINO FILM FESTIVAL CONTENTS The 31 mega-film ST For a film lover, it is truly something special to be able to stick your nose into the behind-the-scenes workings of a film festival. And if the festival in point is the Torino Film Festival, then it is a real stroke of luck. When I used to attend as a spectator, sometimes I would enter the cinemas at the last moment and at random, without even checking the program first. And yet never got a fraud, not once. Those who frequent film festivals – out of passion or for professional reasons – know quite well that major letdowns can lie in ambush on occasions like these. Not ugly movies, but ones that belong to a more deceitful category: supposed-to-be-beautiful movies. But for some reason, here in Torino (maybe it’s the city’s vicinity to the Alpine cloister), this important cultural event is surrounded by an aura of purity and integrity, of professionalism and authentic passion, and this is proven by the quality – and the great and growing number – of its spectators. In part, this might be because it is Italy’s first metropolitan film festival, born in the heart of a big city whose identity is rooted in work, factories, literature, the dawn of the movie industry, and in a passion for politics, philosophy and the game of soccer. The festival’s large and exacting public is composed of film aficionados who invade Torino during the Festival, but also of normal citizens, students, workers, and entire families who take their vacation during the last week of November, as well as the extraordinary people who have created and animated this Festival over the years. They all watch over the festival with uncompromising but loving care and I think this has forged the sophisticated and yet mainstream quality that makes the Torino Film Festival stand out in the international panorama of events dedicated to the cinematographic art. How – and in what capacity – yours truly can be beneficial in this unexpected and temporary role of director has yet to be discovered. By you spectators and, above all, by me. My goal has been to not spoil any of the good that has been created to date. To approach all this with a feeling of respect and admiration for those who, over the years, have worked to construct the great credibility of this festival. After all, I am only passing through, my job is a different one: I like to discover movies, to watch them over and over again, but I also like to make them. But I can assure you that, this time, it was an extraordinary experience to fall in love with the movies of others, to blend them into a complex whole, into that grand film that is a festival. And so, here is this year’s mega-film, the thirty-first of its Torinese history. To me, it is powerful, lavish, full of different voices, cinéphile and pop: there is Franco-Canadian family drama, as well as a Venezuelan version; there are coming of age movies, American extreme noir, European blockbusters, and Italian dramedies; new television narrations, mainstream comedies with the old glories, French existential films, and cruel Korean or Japanese ones; new Zavattini-like tailings in Thailand or in the Catalan countryside; the frontier cinema of Yu Likwai; the grand, immortal epics of the anti-heroes in the New Hollywood retrospective; and then bizarre, moving, or rare films; and finally the live voices of the contemporary cinema of reality, or in other words, the new, fascinating season of documentaries. Now the mega-film is ready to unspool its own plot over nine very intense days, during which dreamers like me will feel like we are living in a different world, in these bad times of crisis when it is so difficult to make the beautiful things go around since we are so crushingly resigned to the worst. So enjoy this gem: the utopia of a great, boundless, cinematographic tale. Happy viewing. Paolo Virzì XXIII CONTENTS CONTENTS TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N 2 AUTOMNES 3 HIVERS | JUSTINE TRIET LA BATAILLE DE SOLFÉRINO | | LEE JU HYOUNG BULG-EUN GAJOG | KYLE PATRICK ALVAREZ C.O.G. | FERNANDO EIMBCKE CLUB SÁNDWICH | SÉBASTIEN PILOTE LE DÉMANTÈLEMENT | PIERFRANCESCO DILIBERTO «PIF» LA MAFIA UCCIDE SOLO D’ESTATE | MARIANA RONDÓN PELO MALO | NEUS BALLÚS LA PLAGA | VISRA VICHIT VADAKAN SAO KARAOKE | JUNICHI INOUE SENSÔ TO HITORI NO ONNA | FEDERICO FERRONE, MICHELE MANZOLINI IL TRENO VA A MOSCA | HÉLIER CISTERNE VANDAL SÉBASTIEN BETBEDER JEREMY SAULNIER BLUE RUIN sébastien betbeder 2 AUTOMNES 3 HIVERS CONTENTS Francia/France, 2013, 16mm-HD, 93’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Sébastien Betbeder fotografia/cinematography Sylvain Verdet montaggio/film editing Julie Dupré musica/music Bertrand Betsch suono/sound Roman Dymny interpreti e personaggi/ cast and characters Vincent Macaigne (Arman), Maud Wyler (Amélie), Bastien Bouillon, (Benjamin), Audrey Bastien, Thomas Blanchard, Pauline Etienne, Jean-Quentin Chatelain, Olivier Chantreau produttore/producer Frédéric Dubreuil produzione/production Envie de Tempête Productions ** contatti/contacts Alpha Violet Virginie Devesa Tel: +33 620 411 137 [email protected] www.alphaviolet.com 2 AUTUNNI 3 INVERNI [T.L.] A trentatré anni Arman decide che è giunto il momento di cambiare vita: il primo passo è andare a correre. Così il sabato va al parco con le migliori intenzioni, e alla prima curva si scontra con Amélie: molto prima del previsto, la sua vita cambia davvero. Al destino della coppia è legato quello di Benjamin, il migliore amico di Arman, e della sua fidanzata: mentre i mesi passano le vite dei quattro si incrociano, tra ricordi, incidenti e storie d’amore. «La struttura in capitoli, lo sguardo in macchina e le pause nel racconto si sono rivelate scelte registiche idilliache. Tra il pubblico e i personaggi si crea un rapporto intimo e speciale, accade qualcosa di magico e unico quando chi sta sullo schermo ti guarda e ti parla direttamente. Volevo fare questo film per condividere alcuni aspetti della società in cui vivo; per dare testimonianza, con umiltà, di un’epoca che volge al termine, di come cambia il modo in cui le persone si relazionano. Amiamo in modo diverso nel 2013 e abbiamo un approccio diverso alla morte. Siamo sempre meno spensierati». 2 AUTUMNS 3 WINTERS Arman is thirty-three years old and has decided that the time has come to change his lifestyle: the first step is to go for a run and that Saturday he goes to the park with the best of intentions. At the first curve he runs into Amélie and his life really does change, much sooner than predicted. The destiny of the couple is tied to that of Benjamin, Arman’s best friend, and his girlfriend. As the months pass, the lives of the four intertwine, between memories, accidents and love stories. “The chapter structure, the direct camera address, and the parentheses in the story turned out to be idyllic directorial decisions. An intimate and special relationship then emerges between the audience and the characters. Something magical and unique happens when the person on the screen looks at you and talks to you directly. I wanted to make this film in order to share something of what the society in which I live is like; to bear witness – modestly – to an era that is coming to an end, to the changing way people relate to each other. We love differently in 2013, we have a different approach to death. We are increasingly less carefree.” 2 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Sébastien Betbeder (Pau, Francia, 1975), formatosi a Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains, ha realizzato diversi cortometraggi, tra cui Nu devant un fantôme (2005), basato sulle lettere di Franz Kafka, e Les mains d’Andréa (2006), presentato a Locarno e vincitore del premio del pubblico al Festival Côté court di Pantin. Nello stesso anno ha diretto il suo primo lungometraggio, Nuage, selezionato a Locarno. Nel 2008 ha presentato al Torino Film Festival il mediometraggio La vie lointaine e l’anno successivo il cortometraggio Toutes les montagnes se ressemblent, realizzato in coppia con Christelle Lheureux. Nel 2010 ha girato un ideale seguito a La vie lointaine, il mediometraggio Yoshido (Les autres vies), selezionato da numerosi festival, tra cui quelli di Parigi e Rotterdam. Nel 2012 è stato selezionato nella sezione Onde del Torino Film Festival con Les nuits avec Théodore. Sébastien Betbeder (Pau, France, 1975) studied at Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains and has made numerous shorts, including Nu devant un fantôme (2005), based on the letters of Franz Kafka, and Les mains d’Andréa (2006), presented at Locarno and the winner of the Audience Award at the Festival Côté court in Pantin. That same year, he directed his first feature film, Nuage, selected at Locarno. In 2008, he presented La vie lointaine at the Torino Film Festival, and the next year, he made the short Toutes les montagnes se ressemblent in collaboration with Christelle Lheureux. In 2010, he shot an ideal sequel to La vie lointaine, Yoshido (Les autres vies), selected for numerous festivals, including Paris and Rotterdam. In 2012 premiered at Torino Film Festival, Onde section, with Les nuits avec Théodore. filmografia/filmography La fragilité des revenants (cm, 1999), Le haut mal (cm, 2000), Des voix alentour (cm, 2003), Nu devant un fantôme (cm, 2005), Les mains d’Andréa (cm, 2006), Nuage (2007), La vie lointaine (mm, 2008), Toutes les montagnes se ressemblent (coregia/codirector Christelle Lheureux, cm, 2009), The Unbroken Line (cm, 2010), Yoshido (Les autres vies) (mm, 2010), Sarah Adams (cm, 2011), Les nuits avec Théodore (2012), 2 automnes 3 hivers (2013). justine triet LA BATAILLE DE SOLFÉRINO CONTENTS Francia/France, 2013, HD, 94’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Justine Triet fotografia/cinematography Tom Harari montaggio/film editing Damien Maestraggi suono/sound Julien Sicart interpreti e personaggi/ cast and characters Laetitia Dosch (Laetitia), Vincent Macaigne (Vincent), Arthur Harari (Arthur), Virgil Vernier (Virgil), Marc-Antoine Vaugeois (Marc), Jeane Arra-Bellanger (Jeane), Liv Harari (Liv), Emilie Brisavoine (Emilie) produttore/producer Emmanuel Chaumet produzione/production Ecce Films ** contatti/contacts Ecce Films Joséphine Avril Tel: +33 014 77 02 723 [email protected] LA BATTAGLIA DI SOLFÉRINO [T.L.] 6 maggio 2012: ballottaggio delle elezioni presidenziali in Francia. Presagendo la vittoria di Hollande, i giornalisti si accalcano in rue Solférino, dove ha sede il quartier generale del partito socialista. Tra di loro c’è anche Laetitia, che per coprire la diretta dell’evento ha lasciato le due figlie a un babysitter, raccomandandogli di non affidarle al padre delle bambine, nel caso questi si presentasse. Ovviamente niente va come previsto, e nella folla che invade le strade di Parigi si consuma lo scontro tra Laetitia e l’ex compagno, non meno burrascoso della sfida politica appena conclusa. «Spesso, le persone che vogliono realizzare film realistici credono all’ideale della purezza. Al contrario, ciò che a me interessa è l’impurità, sia nella forma sia nel contenuto. I miei personaggi sono degli sporchi disadattati, bambini cresciuti in preda al panico che hanno perso la capacità di vivere. Io preferisco le cose nella loro crudezza rispetto ai fantasmi o al racconto moderno. Laetitia e Vincent a volte sono difficili, mostruosi o violenti, ma sono vivi!» AGE OF PANIC May 6, 2012 marks the run-off between the two candidates for President of France. Foreseeing Hollande’s victory, the journalists throng Rue Solférino, where the headquarters of the Socialist Party are located. One of the journalists in the crowd is Laetitia, who, in order to cover the event live, has entrusted her two daughters to a babysitter and warned him not to give them to the girls’ father in case he shows up. Obviously, nothing goes as planned, and the crowd that invades the streets of Paris is also the setting of a showdown between Laetitia and her former companion, and it is no less rowdy than the political confrontation that has just ended. “Often, people who want to make realistic movies believe in the ideal of purity. But what interests me, on the contrary, is impurity, both in the form and the content. My characters are ‘filthy misfits,’ children who have grown up panic stricken and who have lost the ability to live. I prefer things in their crudeness rather than ghosts or modern stories. Laetitia and Vincent are at times difficult, monstrous or violent, but they are alive!” 3 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Justine Triet (Francia, 1978), laureata all’École nationale supérieure des beaux-arts di Parigi, ha realizzato il primo cortometraggio documentario, Sur place, nel 2007, cui è seguito l’anno successivo Solférino. Nel 2009, ha diretto Des ombres dans la maison, ambientato in un quartiere di San Paolo, mentre un anno dopo ha diretto il primo corto di finzione, Vilaine fille mauvais garçon, vincitore di numerosi premi in festival francesi e internazionali (tra cui il premio Efa per il cinema europeo alla Berlinale, il Grand Prix dei festival di Angers e Belfort) e selezionato per il César del cortometraggio. La bataille de Solférino segna il suo esordio nel lungometraggio. Justine Triet (France, 1978) graduated from the École nationale supérieure des beaux-arts in Paris and made her first short documentary, Sur place, in 2007; it was followed the next year by Solférino. In 2009, she directed Des ombres dans la maison, set in a neighborhood of São Paulo, and the next year she directed her first fiction short, Vilaine fille mauvais garçon, which won numerous awards at festivals in France and abroad (including the Prix UIP Berlin at the Berlinale, and the Grand Prix of the festivals of Angers and Belfort) and was selected for the César Award for best short film. Age of Panic is her first feature film. filmografia/filmography Sur place (cm, doc., 2007), Solférino (cm, doc., 2008), Des ombres dans la maison (cm, doc., 2009), Vilaine fille mauvais garçon (cm, 2010), La bataille de Solférino (2013). jeremy saulnier BLUE RUIN CONTENTS Usa, 2013, HD, 92’, col. regia, sceneggiatura, fotografia/director, screenplay, cinematography Jeremy Saulnier montaggio/film editing Julia Bloch scenografia/ production design Kaet McAnneny costumi/costume design Brooke Bennet musica/music Brooke Blair, William Blair interpreti e personaggi/ cast and characters Macon Blair (Dwight), Devin Ratray (Ben Gaffney), Amy Hardgreaves (Sam), Kevin Kolack (Teddy Clealand), Eve Plumb (Kris Clealand), David W. Thompson (William), Brent Werzner (Carl Clealand), Stacy Rock (Hope Clealand), Sidné Anderson (agente/officer Eddy) produttori/producers Anish Savjani, Richard Peete, Vincent Savino produzione/production Filmscience coproduttori/coproducers Tyler Byrne, Alex Orr distribuzione/distribution Movies Inspired ** contatti/contatti Movies Inspired Stefano Jacono [email protected] www.moviesinspired.com 4 BLUE RUIN Dwight conduce un’esistenza misera e solitaria: senza una casa in cui vivere, dorme in una vecchia Pontiac e si accontenta del cibo che riesce a recuperare dai cassonetti dell’immondizia. Quando scopre che il responsabile del brutale omicidio dei suoi genitori, causa scatenante della sua deriva sociale, è tornato in libertà, il desiderio di vendetta diviene un’ossessione. Per mettere in atto il suo piano sanguinoso dovrà tornare in Virginia e fare i conti con il proprio passato, pronto ad affrontare e annientare colui che gli ha distrutto la vita anni prima. «Sebbene possa essere stato ispirato da un miscuglio complicato di emozioni su temi quali la morte, la religione, la famiglia e la cultura americana, sono stato molto chiaro con me stesso nel volermi concentrare sulla narrazione. Questo film non è una forma di terapia personale, tanto meno una dichiarazione d’intenti: a muovermi è il desiderio di intrattenere il pubblico». BLUE RUIN Dwight leads a wretched and solitary life: since he doesn’t have a home to live in, he sleeps in an old Pontiac and makes do with whatever food he can scrounge in the trash dumpsters. When he discovers that the person who brutally murdered his parents – the event which sparked his social deviation – has been released from prison, his desire for revenge becomes an obsession. In order to carry out his gory plan, he has to return to Virginia and come to terms with his past, ready to face and annihilate the man who destroyed his life years earlier. “While I may have been inspired by a complicated mix of emotions that I have about things like mortality and religion and family and American culture, I was strict with myself about focusing on the narrative. The film is not therapy for myself, it’s not a statement on anything – I just want to entertain the audience.” TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Jeremy Saulnier (Alexandria, Virginia, Usa) ha studiato presso la Tisch School of the Arts della New York University e ha poi cominciato a lavorare sui set come direttore della fotografia, mansione che ricopre tuttora e che lo vede spesso collaborare con il regista Matthew Potterfield (Putty Hill, 2010, e I Used to Be Darker, 2013). Regista di spot pubblicitari, ha esordito nel cinema con i cortometraggi Goldfarb (1998) e Crabwalk (2004) e nel 2007 ha diretto il suo primo lungometraggio Murder Party, film in bilico tra horror e commedia diventato un piccolo cult del cinema indipendente americano. Vive e lavora a Brooklyn. Jeremy Saulnier (Alexandria, VA, USA) studied at New York University’s Tisch School of the Arts and began working on sets as a director of photography, a job he still does and which often sees him collaborating with the director Matthew Potterfield (Putty Hill, 2010, and I Used to Be Darker, 2013). After directing commercials, he debuted in cinema with the shorts Goldfarb (1998) and Crabwalk (2004). In 2007 he directed his first feature film, Murder Party, part horror movie and part comedy, and a minor cult movie of American indie cinema. He lives and works in Brooklyn, NY. filmografia/filmography Goldfrab (cm, 1998), Crabwalk (cm, 2004), Murder Party (2007), Blue Ruin (id., 2013). lee ju hyoung BULG-EUN GAJOG CONTENTS RED FAMILY Corea del Sud/South Korea, 2013, HD, 99’, col. regia/director Lee Ju Hyoung sceneggiatura/screenplay Kim Ki-duk fotografia/cinematography Lee Chunhee montaggio/film editing Kim Ki-duk, Kim Heuk costumi/costume design Kim Jina musica/music Choi Inyoung suono/sound Kim Jiheop interpreti e personaggi/ cast and characters Kim Yumi (Baek Seunghae), Jung Woo (Kim Jaehong), Son Byeongho (Cho Myungsik), Park Soyoung (Oh Minji) produttore/producer Kim Donghoo produzione/production Kim Ki-duk Film ** contatti/contacts Finecut Kim Namyoung Kim Sunyoung Yoshie Fukuda [email protected] Lee Ju Hyoung (1977) ha studiato presso l’École européen supérieure de l’image (Éesi) di Angoulême, in Francia, dove ha girato i suoi primi film: i cortometraggi d’animazione Death of a Worm (2004), Le pot de terre et de fer (2008) e Moving Walkaway (2009), con i quali ha partecipato a numerosi festival internazionali, e il documentario We’ve Never Seen a Night Which Has Finished by Reaching a Day (2010). Red Family, scritto e prodotto da Kim Ki-duk, è il suo primo lungometraggio. FAMIGLIA ROSSA [T.L.] Lee Ju Hyoung (1977) studied at the l’École européen supérieure de l’image (ÉESI) in Angoulême (France), where he shot his first films: the short animation films Death of a Worm (2004), Le pot de terre et de fer (2008) and Moving Walkaway (2009), which participated in many international film festivals, and the documentary We’ve Never Seen a Night Which Has Finished by Reaching a Day (2010). Red Family, written and produced by Kim Ki-duk, is his first feature film. «Paragonerei Red Family a una cipolla: le intenzioni più pure e candide di un individuo sono ricoperte da strati di ideologia. Questo film parla proprio dell’atto di liberarsi degli strati superficiali. I personaggi del film riescono ad affrancarsi da queste imposizioni ideologiche e arrivano addirittura a distruggere i loro stessi corpi, che le avevano incamerate, per annullare se stessi». filmografia/filmography Death of a Worm (cm, 2004), Le pot de terre et de fer (cm, 2008), Moving Walkaway (cm, 2009), We’ve Never Seen a Night Which Has Finished by Reaching a Day (doc., 2010), Bulg-Eun Gajog (Red Family, 2013). Un gruppo di spie nordcoreane viene infiltrato dal governo di Pyongyang in Corea del Sud. I quattro sono fatti passare per una famiglia qualsiasi, così da dare il meno possibile nell’occhio e condurre le operazioni in tutta tranquillità. La vicinanza a una «vera» famiglia di sudcoreani, alle prese con problemi economici ma nonostante tutto ancora capace di amarsi, mette in crisi i quattro 007: dietro il distacco interpersonale della missione segreta, infatti, tutti instaurano coi vicini sentimenti di amicizia e comprensione. Pur spalleggiandosi l’un l’altro per coprire i rispettivi errori, gli agenti finiscono per trovarsi in difficoltà. RED FAMILY The North Korean government infiltrates a group of spies in South Korea. To avoid raising suspicions and conduct their operations undisturbed, they pose as an ordinary family. They live close to a “real” South Korean family: they are struggling economically, but they are still capable of loving each other. Their proximity throws the group of spies in a crisis: despite the interpersonal detachment required by the mission, they start bonding with their neighbors. Even though they support one another trying to cover their respective mistakes, a wrong move puts the North Korean agents’ lives at stake. “I’d say that the film Red Family is like an onion. An individual’s pure white intentions are covered by layers of ideology and this film is about peeling them off. The characters in the film strip bare from their ideologies and eventually destroy their own bodies that contained them and return to naught.” 5 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N kyle patrick alvarez C.O.G. CONTENTS Usa, 2013, HD, 88’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Kyle Patrick Alvarez soggetto/story dall’omonimo racconto di/ from the short story of the same title by David Sedaris fotografia/cinematography Jas Shelton scenografia/ production design Gary Barbosa costumi/ costume design Julie Carnhan suono/sound Brian Mazzola interpreti e personaggi/ cast and characters Jonathan Groff (David), Denis O’Hare (Jon), Corey Stoll (Curly), Dean Stockwell (Hobbs), Casey Wilson (Martha), Trojan Bellisario (Jennifer), Dale Dickey (Debbie) produttori/producers Cookie Carosella, Stephen Nemeth produzione/production Forty Second Productions, Rhino Films ** contatti/contacts Cookie Carosella [email protected] www.cog-movie.com Kyle Patrick Alvarez (1984, Usa) si è laureato presso la University of Miami nel 2005, dove ha studiato cinema e letteratura inglese. Ha esordito nella regia e nella sceneggiatura con Easier with Practice (2010), lungometraggio che ha ottenuto un buon numero di premi nei festival di tutto il mondo. Vive e lavora a Los Angeles. FIGLIO DI DIO [T.L.] David parte dall’East Coast alla volta dell’Oregon per passare l’estate a raccogliere mele con la sua amica Jennifer. Ma la defezione di quest’ultima lo lascia solo in un ambiente che per lui, arrogante e di buona famiglia, è decisamente inusuale e sconosciuto. La frequentazione dei colleghi, alcuni apertamente ostili, altri ben disposti, dà inizio a un processo di crescita inatteso. In particolare, l’amicizia con Jon, fervente protestante e cercatore di pietre preziose, gli indica un nuovo percorso di vita. «Questo è un film vero e proprio, non un biopic. È una mia interpretazione e lo presento non come parte dell’opera di David Sedaris, ma come qualcosa di indipendente. Il film dovrebbe essere visto come un prolungamento di me così come è un prolungamento della storia di Sedaris. Non ho preso alla leggera la fiducia da lui accordataci e gli sarò per sempre grato dell’opportunità di raccontare questa vicenda, in un modo che spero il pubblico trovi intrigante, divertente e commovente». C.O.G David leaves the East Coast and goes to Oregon to spend the summer harvesting apples with his friend Jennifer. But she abandons him in an environment which is decidedly unusual and foreign to the arrogant young man, who comes from a good family. His dealings with his colleagues, some of whom are openly hostile to him, others who are more accommodating, spark an unexpected process of interior growth. In particular, his friendship with Jon, a fervent Protestant who is a prospector of precious gems, shows him a new path his life could take. “This is a movie, not a biopic. It’s an interpretation and is presented not as a part of the canon of Mr Sedaris’ life but as its own separate thing. I hope it’s clear that the movie’s identity is as much an extension of me as it is Sedaris’ story. Mr Sedaris’ trust is something I did not take lightly and I’ll be forever grateful for the opportunity to tell this specific story in a way I hope people find intriguing, funny and touching.” 6 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Kyle Patrick Alvarez (1984, USA) graduated in 2005 from the University of Miami, where he studied film production and English literature. He debuted in directing and screenwriting with Easier with Practice (2010), a feature film which received quite a few awards at festivals throughout the world. He presently lives and works in Los Angeles. filmografia/filmography Easier with Practice (2010), C.O.G. (2013). fernando eimbcke CLUB SÁNDWICH CONTENTS Messico/Mexico, 2013, 35mm, 82’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Fernando Eimbcke fotografia/cinematography María Secco montaggio/film editing Mariana Rodríguez scenografia/ production design Eugenio Caballero costumi/costume design Andrea Manuel musica/music Camino Lara suono/sound Lena Esquenazi interpreti e personaggi/ cast and characters María Renée Prudencio (Paloma), Lucio Giménez Cacho (Hector), Danae Reynaud (Jazmin), Leonel Tinajero (padre di Jazmin/ Jazmin’s father), Carolina Politi (infermiera/nurse), Enrique Arreola (taxista/taxi driver) produttori/producers Christian Valdelièvre, Jaime Ramos produzione/production Cinepantera ** contatti/contacts Funny Balloons Renan Artukmac [email protected] www.funny-balloons.com CLUB SANDWICH Paloma è una madre single di trentacinque anni che ha come migliore amico il figlio quindicenne Hector. Inseparabili, i due condividono tempo libero, segreti e confessioni. Il loro rapporto è destinato però a cambiare durante una vacanza al mare: qui Hector incontra la coetanea Jazmin e sono subito scintille. Per la giovane madre scoprire che il figlio prova attrazione per una ragazza è uno shock: oltre alla sorpresa, a sconvolgerla è l’idea di venir messa da parte. «Nella prima stesura di Club Sándwich il personaggio principale era Hector, un adolescente che deve fare i conti con la nascita del desiderio sessuale mentre è in vacanza con la madre. Era un coming of age. Durante la fase di scrittura ho cercato di parlare di adolescenza con alcuni ragazzini, ma tutti quanti erano molto riservati rispetto a questo argomento, come del resto rispetto a molti altri. Ho quindi deciso di parlarne piuttosto con le loro madri, e grazie a queste conversazioni ho capito ben presto che la protagonista della storia doveva essere Paloma, la madre». CLUB SANDWICH Paloma is a thirty-five-year-old single mother whose best friend is her fifteen-year-old son, Hector. The two are inseparable and share their free time, their secrets and intimate confessions. But their relationship is destined to change during a seaside vacation when Hector meets Jazmin and the attraction is immediate and mutual. It is a shock when the young mother discovers that her son is attracted to a girl: besides the surprise, she is upset at the idea of being pushed aside. “In the first treatment of Club Sandwich the main character was Hector, an adolescent who experiences his sexual awakening while on vacation with his mother – it was a coming of age story. During the writing process I tried to talk with teenagers about adolescence, but they tended to be very reserved regarding this topic, as well as many others, so I decided to talk with their mothers instead. Through these interviews I soon realized that the main character of the story was Paloma, the mother.” 7 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Fernando Eimbcke (Città del Messico, Messico, 1970) ha completato gli studi nel 1996 presso il Centro universitario di studi cinematografici della Universidad nacional autónoma de Mexico. Nel 2003 è stato ospite del Berlinale Talent Campus, per il quale ha realizzato il cortometraggio The Look of Love, e nel 2004 ha scritto e diretto il suo primo lungometraggio, Temporada de patos, selezionato alla Semaine de la critique di Cannes. Nel 2008 con Sul lago Tahoe ha vinto il premio Fipresci e l’Alfred Bauer Award alla Berlinale e ha partecipato al 26° Torino Film Festival. Successivamente ha diretto il cortometraggio La Bienvenida (2010), episodio del film antologico Revolución. Fernando Eimbcke (Mexico City, Mexico, 1970) graduated in 1996 from the Film Studies Center of the Universidad nacional autónoma de Mexico. In 2003, he was a guest of the Berlinale Talent Campus, where he made the short The Look of Love, and in 2004 he wrote and directed his first feature film, Temporada de patos, selected for the Semaine de la critique in Cannes. In 2008, his movie Lake Tahoe won the FIPRESCI Award and the Alfred Bauer Award at the Berlinale and participated at the 26 Torino Film Festival. He next directed the short La Bienvenida (2010), an episode of the film anthology Revolución. TH filmografia/filmography Disculpe las molestias (cm, 1993), Alcanzar una estrella (cm, 1993), ¿Perdón? (cm, 1994), No todo es permanente (cm, 1995), La suerte de la fea… a la bonita no le importa (cm, 2002), No sea malito (cm, 2003), The Look of Love (cm, 2003), Temporada de patos (2004), Adiós a las trampas (cm, 2005), Perro que ladra (cm, 2005), Lake Tahoe (Sul lago Tahoe, 2008), Revolución (ep. La Bienvenida, 2010), Club Sándwich (2013). sébastien pilote LE DÉMANTÈLEMENT CONTENTS PREMIO CIPPUTI Canada, 2013, 35mm, 110’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Sébastien Pilote fotografia/cinematography Michel La Veaux montaggio/film editing Stéphane Lafleur scenografia/ production design Mario Hervieux costumi/costume design Sophie Lefebvre musica/music Serge Nakaushi Pelletier suono/sound Gilles Corbeil, Olivier Calvert, Stéphane Bergeron interpreti e personaggi/ cast and characters Gabriel Arcand (Gaby Gagnon), Gilles Renaud (l’amico commercialista/ accountant friend), Lucie Laurier (Marie Gagnon), Sophie Desmarais (Frédérique Gagnon), Johanne-Marie Tremblay (Françoise) produttori/producers Bernadette Payeur, Marc Daigle produzione/production ACPAV ** contatti/contacs Entertainment One Ruby Rondina [email protected] www.entertainmentone.com LO SMANTELLAMENTO [T.L.] Nonostante il nome della fattoria che possiede sia Gagnon & Fils, Gaby non ha figli, bensì due figlie, per di più cresciute in città e senza il minimo interesse per la campagna. Quando però una delle figlie, in procinto di separarsi, gli chiede un aiuto economico, Gaby, che non dispone del denaro necessario, non esita a fare ciò che è necessario per amore della famiglia: vendere la fattoria e i terreni di proprietà, per trasferirsi in un piccolo appartamento nel paese più vicino. «Quando scrivo mi fisso dei paletti: nel caso di Le démantèlement volevo raccontare la storia di una caduta che fosse anche la storia di un eroismo (l’eroismo di un meraviglioso perdente) e al tempo stesso costruire il film intorno a un personaggio unico, circondato però da una costellazione di figure secondarie; infine, volevo che Gaby incontrasse le persone a lui vicine in successione, mai insieme, per mostrare come sia in un certo senso un personaggio a pezzi, smantellato. Si è più creativi quando si deve lavorare con dei vincoli». THE DISMANTLEMENT Even though the farm he owns is called Gagnon & Fils, Gaby doesn’t have any sons – he has two daughters who grew up in the city and couldn’t care less about the countryside. One of his daughters is in the process of leaving her husband and asks Gaby for financial help. Gaby, who doesn’t have the money she needs, doesn’t think twice and does what has to be done for the love of his family. He sells the farm and its fields and moves into an apartment in the nearest town. “When I write, I set certain parameters. In the case of The Dismantlement, I wanted to build a story about a downward journey that would also be a story of heroism – the story of a beautiful loser. I wanted to build the film around a unique character, this time by surrounding him with a constellation of secondary characters. Finally, I wanted Gaby to meet the people close to him in succession, never together, to show that he himself is dismantled in a sense. You’re more creative when you have to work with constraints.” 8 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Sébastien Pilote (Canada, 1973) si è laureato in arte e cinema all’Università del Québec a Chicoutimi e ha poi lavorato come programmatore al Festival Regard sur le court métrage di Saguenay. Ha quindi diretto quasi cento reportage televisivi a tema sociale, ottenendo quattro nomination ai Prix Gémeaux. Nel 2007 ha diretto il primo cortometraggio, Dust Bowl Ha! Ha!, che ha partecipato in concorso a numerosi festival internazionali vincendo, tra gli altri riconoscimenti, il premio dell’associazione dei critici di cinema del Québec, quello di miglior cortometraggio al Festival du nouveau cinéma di Montréal e il Grand Prix al Festival di cortometraggi di Barcellona. Il suo primo lungometraggio, Le vendeur (2011), è stato presentato in oltre sessanta festival, tra cui il Sundance, Salonicco e il Torino Film Festival, dove ha vinto il premio Fipresci. Sébastien Pilote (Canada, 1973) got his degree in Art and Film from the University of Quebec at Chicoutimi and then worked as a programmer at the Festival Regard sur le court métrage in Saguenay. He next directed almost one hundred TV investigations on social topics and received four nominations for the Gemini Awards. In 2007 he directed his first short, Dust Bowl Ha! Ha!, which competed at many international festivals and won awards such as Quebec’s Film Critics Association Award, best short at the Festival du nouveau cinéma in Montreal and the Grand Prix at the Short Film Festival of Barcelona. His first feature film, Le vendeur (2011), was presented at over sixty festivals, including Sundance, Salonicco and the Torino Film Festival, where it won the FIPRESCI Award. filmografia/filmography Dust Bowl Ha! Ha! (cm, 2007), Le vendeur (2011), Le démantèlement (2013). pierfrancesco diliberto «pif» LA MAFIA UCCIDE SOLO D’ESTATE CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 90’, col. regia/director Pierfrancesco Diliberto «Pif» soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Michele Astori, Pierfrancesco Diliberto «Pif», Marco Martani fotografia/cinematography Roberto Forza montaggio/film editing Cristiano Travaglioli scenografia/ production design Marcello Di Carlo costumi/costume design Cristiana Ricceri musica/music Santi Pulvirenti suono/sound Luca Bertolin interpreti e personaggi/ cast and characters Cristiana Capotondi (Flora), Pierfrancesco Diliberto «Pif» (Arturo), Ginevra Antona (Flora bambina/as a child), Alex Bisconti (Arturo bambino/as a child) Claudio Gioè (Johnny), Ninni Bruschetta (Fra Giacinto), Barbara Tabita (Maria Pia), Rosario Lisma (Lorenzo) produttori/producers Mario Gianani, Lorenzo Mieli produzione/production Wildside distribuzione/distribution 01 Distribution ** contatti/contacts 01 Distribution Tel: +39 06 684 70 01 LA MAFIA UCCIDE SOLO D’ESTATE Il giorno in cui il noto mafioso Vito Ciancimino viene eletto sindaco di Palermo è anche quello in cui nasce Arturo, e questa coincidenza avrà nella sua vita molte più conseguenze di quanto ci si potrebbe aspettare. Il ragazzo infatti cresce con due ossessioni, ugualmente totalizzanti: l’amore tormentato per Flora, la compagna di banco di cui è innamorato sin dalle elementari, e quella per lo spaventoso legame tra la sua città e la mafia, che lo isola da tutti, Flora compresa, fino a quando, purtroppo, la cronaca non gli dà ragione. «Un giorno mi sono fermato e mi sono guardato indietro. E lì, è nata la domanda: ma come è possibile che a Palermo la mafia entrasse così prepotentemente nella vita delle persone e che in pochi dicessero qualcosa?» THE MAFIA KILLS ONLY IN SUMMERTIME [L.T.] The day the well-known Mafioso Vito Ciancimino is elected mayor of Palermo is also the day Arturo is born, and this coincidence will have many more consequences on his life than one would think. In fact, the boy has two obsessions, each of which consumes him entirely: his tormented love for Flora, who shares a desk with him in class and who he has been in love with since elementary school; and his obsession about the frightening connections between his city and the Mafia. This second obsession isolates him from everybody, including Flora, until, unfortunately, current events prove him right. “One day I stopped and looked around. And that’s when I asked myself the question: how can the Mafia enter the lives of people so arrogantly in Palermo and so few say anything about it?” [email protected] www.01distribution.it 9 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Pierfrancesco Diliberto, in arte «Pif» (Palermo, Italia, 1972), si è avvicinato al mondo del cinema lavorando nella produzione di Un tè con Mussolini (1998) di Franco Zeffirelli e I cento passi (1999) di Marco Tullio Giordana. Nel frattempo, dopo aver vinto un concorso per autori televisivi di Mediaset nel 1998, ha iniziato a scrivere per la televisione e per Le Iene, di cui è diventato inviato. Dal 2007 ha iniziato a lavorare al programma di Mtv Il testimone e nel 2012, in occasione del ventesimo anniversario dalla morte di Giovanni Falcone e Paolo Borsellino, ha scritto il racconto Sarà stata una fuga di gas, pubblicato nella raccolta Dove eravamo. Vent’anni dopo Capaci e via D’Amelio. La mafia uccide solo d’estate è il suo primo film da regista. Pierfrancesco Diliberto, a.k.a. “Pif ” (Palermo, Italy, 1972), got his start in the world of cinema by working on the production of Tea with Mussolini (1998) by Franco Zeffirelli and One Hundred Steps (1999) by Marco Tullio Giordana. In the meantime, after winning a contest for TV writers held by Mediaset in 1998, he began writing for TV and for the program Le Iene, for which he became a correspondent. In 2007, he began working on the MTV program Il testimone and in 2012, on the occasion of the 20 anniversary of the deaths of Giovanni Falcone and Paolo Borsellino, he wrote the short story Sarà stata una fuga di gas, which was published in the anthology Dove eravamo. Vent’anni dopo Capaci e via D’Amelio. La mafia uccide solo d’estate is his directional debut. TH filmografia/filmography La mafia uccide solo d’estate (2013). mariana rondón PELO MALO CONTENTS Venezuela, 2013, HD, 93’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Mariana Rondón fotografia/cinematography Micaela Cajahuaringa montaggio, produttore/ film editing, producer Marité Ugás scenografia/ production design Matías Tikas musica/music Camilo Froideval suono/sound Lena Esquenazi interpreti e personaggi/ cast and characters Samuel Lange (Junior), Samantha Castillo (Marta) produzione/production Sudaca Films coproduzione/coproduction Imagen Latina, Hanfgarn & Ufer Filmproduktion, La Sociedad Post, Artefactos S.F, José Ibáñez ** contatti/contacts FiGa Films Sandro Fiorin Tel: +1 323 258 52 41 CAPELLI DIFFICILI [T.L.] In una megastruttura abitativa della periferia di Caracas, Junior, nove anni, vive con la giovane madre Marta, vedova e disoccupata. I rapporti tra i due sono tutt’altro che amorevoli: a disturbare Marta è l’ossessione del figlio per il proprio aspetto; dal canto suo Junior vorrebbe soltanto potersi stirare i capelli, crespi e scarmigliati, così da fare bella figura nella foto di classe. Per Marta, però, impegnata nella quotidiana lotta per la sopravvivenza, i vezzi del figlio risultano intollerabili, tanto da arrivare ad accusarlo di ambiguità sessuale. In un crescendo di soprusi e incomprensioni, Junior si trova a dover affrontare in modo doloroso le frustrazioni della madre, resa cieca dalla sua stessa vulnerabilità. «Mi interessa parlare di personaggi indifesi, ai quali mancano i mezzi per sopravvivere a livello emotivo. Come punto di partenza ho voluto mettere in dubbio l’amore materno: è una questione istintuale o un dovere incondizionato? Le emozioni non sono un dovere». [email protected] www.figafilms.com BAD HAIR On the outskirts of Caracas, nine-year-old Junior lives with his young mother Marta, an unemployed widow, in a huge apartment complex. Theirs is anything but a loving relationship: Marta is disturbed by her son’s obsession with his looks; Junior only wants to straighten his hair, which is frizzy and messy, so he can look good in the class photo. Junior’s affectations are intolerable to Marta, who is involved in a daily struggle for survival, and she even accuses her son of sexual ambiguity. In a crescendo of domination and misunderstandings, Junior finds himself painfully dealing with his mother’s frustrations, whose own vulnerability has made her blind to his problems. “I’m interested in talking about helpless characters, who lack resources for emotional survival. I started by questioning a mother’s love. Is it a matter of instinct or is it an unconditional duty? Emotion is not duty.” 10 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Mariana Rondón (Venezuela) è una regista, sceneggiatrice e artista visiva. Ha studiato animazione a Parigi e si è poi diplomata presso la Escuela internacional de cine y televisión de San Antonio, a Cuba. Ha esordito nel lungometraggio con A la medianoche y media (2000), per dirigere poi Lo que se hereda no se hurta (2007), film per la tv prodotto in Messico, e Postales de Leningrado (2007), con cui si è aggiudicata diversi premi in festival internazionali. Nel campo delle arti plastiche ha partecipato a numerose esposizioni internazionali con l’istallazione robotica You Came with the Breeze. Mariana Rondón (Venezuela) is a director, screenwriter and visual artists. She studied animation in Paris and received her degree from the EICTV Film School of Cuba. She debuted in feature films with A la medianoche y media (2000), and then directed Lo que se hereda no se hurta (2007), a made-forTV movie produced in Mexico; and Postales de Leningrado (2007), for which she received various awards at numerous international festivals. In the field of the plastic arts, she has participated at many international exhibits with the robotic installation You Came with the Breeze. filmografia/filmography A la medianoche y media (2000), Lo que se hereda no se hurta (tv, 2007), Postales de Leningrado (2007), Pelo malo (2013). neus ballús LA PLAGA CONTENTS PREMIO CIPPUTI Spagna/Spain, 2013, HD, 85’, col. regia, soggetto/ director, story Neus Ballús fotografia/cinematography Diego Dussuel montaggio/film editing Neus Ballús, Domi Parra musica/music David Crespo interpreti/cast Raul Molist, Maria Ros, Rosemarie Abella, Iurie Timbur, Maribel Martí produttore/producer Judit Quintana produzione/production El Kinògraf coproduzione/coproduction Televisió de Catalunya, Arte France, Institut Català de les Empreses Culturals, Insituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales ** contatti/contacts Movies for Festivals Johanna Tonini Tel: +34 676 560 286 [email protected] www.moviesforfestivals.com Neus Ballús (Mollet del Vallès, Spagna, 1980) ha studiato montaggio e regia presso la Universidad Pompeu Fabra di Barcellona. Ha esordito nel 2004 con il cortometraggio documentario La Gabi e successivamente ha diretto The Grandad with a Movie Camera (2005), presentato come il precedente nel circuito dei festival internazionali. Immersion (2009) è stato girato completamente sott’acqua, mentre le riprese di La plaga (2013), suo esordio nel lungometraggio, sono durate quattro anni. L’INFESTAZIONE [T.L.] Raul, coltivatore diretto di prodotti organici, assume Iurie, lottatore moldavo alla disperata ricerca di lavoro. Le storie dei due uomini s’incrociano con quelle di Maria, una donna anziana costretta a lasciare la casa di campagna per l’ospizio, Rose, un’infermiera filippina appena arrivata in Spagna, e Maribel, una prostituta che ha sempre meno clienti. A dominare le loro vite la solitudine e la crisi economica, capaci di spazzare via ogni certezza. Intorno a loro, la periferia di Barcellona, tra complessi industriali, costruzioni di edilizia popolare e autostrade, da cui si scorgono le ultime avvisaglie di campagna. «A causa del sentimento di solitudine e incertezza che lo pervade, considero La plaga un western contemporaneo. Anche perché nel film si parla della vita ai margini della società, in un paesaggio strano, immerso nella calura estiva… Questi sono gli elementi che avevo in mente quando delineavo l’atmosfera e l’estetica del film». THE PLAGUE [L.T.] Raul, an organic produce farmer, hires Iurie, a Moldavian wrestler who is desperate to find a job. The lives of the two men soon intersect those of Maria, an elderly woman who is forced to leave her home in the country for a hospice; Rose, a Filipino nurse who has just arrived in Spain; and Maribel, a prostitute who is steadily losing clients. Their lives are dominated by solitude; the economic crisis weighs on them all, destroying any certainties. The setting is the outskirts of Barcelona: industrial complexes, low-rent housing and highways offering the last glimpses of the countryside. “Because of this feeling of loneliness and uncertainty, I’ve always thought of La plaga as a contemporary western. Also because we’re talking about the life on the margins of the system, in a strange landscape, in the heat of the summer… And that’s something that I had always in mind in creating the aesthetic atmosphere of the film.” 11 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Neus Ballús (Mollet del Vallès, Spain, 1980) studied film editing and directing at the Universidad Pompeu Fabra in Barcelona. He debuted in 2004 with the short documentary La Gabi and next directed The Grandad with a Movie Camera (2005), both of which were presented on the international festival circuit. In making Immersion (2009), he did all the shooting underwater, and the filming of La plaga (2013), his debut feature-length movie, lasted four years. filmografia/filmography La Gabi (cm, doc., 2004), The Grandad with a Movie Camera (cm, doc., 2005), Pepitu Ricu (cm, doc., 2006), Immersion (cm, doc., 2009), La plaga (2013). visra vichit vadakan SAO KARAOKE CONTENTS KARAOKE GIRL Thailandia-Usa/Thailand-USA, 2013, Super16-HD, 77’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Visra Vichit Vadakan fotografia/cinematography Sandi Sissel, Chananun Chotrungroj montaggio/film editing Perry Blackshear, Saranee Wongpan scenografia/ production design Songwat Asawanonda musica/music Koichi Shimizu suono/sound Sunij Asvinikul, Tundorn Asvinikul, Pratheep Prakrai interpreti/cast Sa Sittijun, la famiglia Sittijun/ Sittijun family, Supavich Mepremwattana produttori/producers Pornmanus Rattanavich, Pran Tadaveerawat produzione/production Hidden Rooster Films coproduttore/coproducer Samina Akbari ** contatti/contacts Hidden Rooster Film Pornmanus «Bo» Rattanavich [email protected] www.hiddenroosterfilms.com Visra Vichit Vadakan (Thailandia, 1981) ha studiato presso la Stanford University e si è diplomata alla Tisch School of the Arts di New York. Ha esordito nella regia con il cortometraggio Fall (2008), quindi ha diretto il documentario sperimentale Rise (2009) e In Space (2010), tutti presentati in importanti festival internazionali. Dopo aver debuttato nel lungometraggio con Karaoke Girl (2013), sta sviluppando il nuovo progetto Karma Police. LA RAGAZZA DEL KARAOKE [T.L.] Sa, a quindici anni, si è trasferita dalla campagna a Bangkok per cercare un lavoro con cui sostenere la famiglia lontana, schiacciata da debiti e povertà. Dopo tre anni passati in fabbrica si è resa conto che l’unica soluzione per avere uno stipendio decente è quella di vendere il proprio corpo, lavorando in un locale di karaoke, in cui l’intrattenimento dei clienti si spinge ben oltre l’interpretazione di qualche canzone. Ora che ha compiuto ventitré anni è giunto il momento di tornare a casa, per fare visita ai genitori. «Attraverso l’esperienza reale di una donna, Karaoke Girl svela l’aspetto più umano di una categoria che fa parte della nostra società e che troppo spesso viene ritratta in modo bozzettistico. Piuttosto che fare ricorso a una struttura narrativa classica, il film ci mostra il mondo interiore di una donna premurosa e ottimista, nonostante il difficile passato». KARAOKE GIRL Fifteen-year-old Sa moves to Bangkok from the countryside in search of a job to support her family far away, which is weighed down by debts and poverty. After working for three years in a factory, she realizes that the only way to earn a decent salary is to sell her body, working in a karaoke club where entertaining the audience goes well beyond singing a few songs. Now that she has turned twenty-three it’s time to return home and visit her parents. “Peering through the lens of one woman’s real experience, Karaoke Girl humanizes the reality of a class of our social fabric usually painted as flat caricature. Rather than presenting traditional narrative, Karaoke Girl offers a personal landscape of this woman who is thoughtful and optimistic despite her difficult past.” 12 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Visra Vichit Vadakan (Thailand, 1981) studied at Stanford University and graduated from the Tisch School of the Arts in New York. She debuted in directing with the short Fall (2008), after which she directed the experimental documentary Rise (2009) and In Space (2010), all of which were presented at important international festivals. After her debut in feature films with Karaoke Girl (2013), she is now developing a new project, Karma Police. filmografia/filmography Fall (cm, 2008), Rise (cm, doc., 2009), In Space (cm, 2010), Sao Karaoke (Karaoke Girl, 2013). junichi inoue SENSÔ TO HITORI NO ONNA CONTENTS A WOMAN AND WAR Giappone/Japan, 2013, HD, 98’, col. regia/director Junichi Inoue sceneggiatura/screenplay Haruhiko Arai, Futoshi Nakano fotografia/cinematography Atsuhiro Nabeshima montaggio/film editing Tomoko Hiruta scenografia/ production design Toshihiro Isomi musica/music Shinji Aoyama, Isao Yamada suono/sound Masaru Usui interpreti/cast Noriko Eguchi, Masatoshi Nagase, Jun Murakami, Akira Emoto, Shoko Takao, Yoko Oshima, Yoshi Sako, Yota Kawase, Kazuhiro Sano, Miku Chiba, Fuko Makino, Yoko Oike, Marron, Nao Seta, Mikiya Sanada, Yoichi Iijima, Ryo Ushimaru, Takahiro Ono, Hayato Kusano, Yuto Fukushi, Guillaume Tauveron produttore/producer Ikki Katashima produzione/production Dogsugar Movies, A Woman and War Production Committee ** contatti/contacts Office Futaba Kayoko Nakanishi Tel: +81 909 392 59 84 [email protected] 13 UNA DONNA E LA GUERRA [T.L.] In Giappone, negli ultimi anni della Seconda guerra mondiale, si incrociano i destini di tre personaggi: una prostituta che non ha mai provato piacere ma continua a inseguirlo, uno scrittore fallito che sfoga nel sesso il dolore per gli stravolgimenti subiti dal suo Paese e un reduce tornato a casa senza un braccio, incapace di riprendere a vivere normalmente perché ossessionato dagli stupri commessi sul fronte cinese. Un groviglio inestricabile di colpe e violenze generato dalla follia della guerra, che perseguiterà i tre personaggi come in un incubo. «La gente tende a dimenticare; i giapponesi, in particolare, dimenticano molto facilmente. Ciò li porta a ignorare avvenimenti sconvenienti oltre ai crimini commessi durante la Seconda guerra mondiale. Di sicuro, questa facilità a dimenticare è alla base dei rapporti tumultuosi che intercorrono tra il Giappone e il resto dei Paesi asiatici. Come regista, il mio scopo era girare un film che parli di argomenti che altrimenti i giapponesi dimenticherebbero». A WOMAN AND WAR Japan, the final years of WWII: the crossed destinies of a prostitute who has never experienced pleasure but continues to search for it, of a failed author who uses sex to drown the pain he feels for the upheavals his country is undergoing, and of a soldier who has returned home without an arm and is unable to live a normal life again because he is obsessed by the rapes committed on the Chinese front. An inextricable tangle of guilt and violence generated by the madness of war, which hounds the three characters like a nightmare. “People forget. The Japanese people are particularly forgetful. That forgetfulness allows them to ignore inconvenient historic facts and their WWII crimes. Surely such forgetfulness has led to Japan’s shaky relations in Asia now. My goal as a filmmaker was to make a movie about those issues that the Japanese would rather forget.” TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Junichi Inoue (Aichi, Giappone, 1965) ha studiato presso l’Università di Waseda, a Tokyo, una delle più importanti università private del Giappone, lavorando contemporaneamente per la Wakamatsu Production. Dopo aver collaborato a svariate produzioni in veste di assistente alla regia, nel 1990 ha esordito come regista con un episodio del film antologico A Hole in Underpants, codiretto, tra gli altri dallo stesso Wakamatsu. Dalla metà degli anni Novanta ha iniziato a lavorare come sceneggiatore, firmando diversi film, tra cui nel 2011 Pure Asia di Ikki Katashima. A Woman and War segna il suo debutto nel lungometraggio. Junichi Inoue (Aichi, Japan, 1965) studied at the University of Waseda, in Tokyo, one of Japan’s most important private universities; at the same time he worked for Wakamatsu Production. After collaborating on many productions as director’s assistant, he debuted as a director in 1990 with an episode of the anthological movie A Hole in Underpants, codirected, among the others, by Wakamatsu himself. He began working as a screenwriter in the mid-1990s, writing various movie scripts, including Pure Asia by Ikki Katashima in 2011. A Woman and War is his first feature film. filmografia/filmography Pantsu no ana: Mukesode mukenai ichige tachi (A Hole in Underpants, coregia/codirectors aa.vv., 1990), Sensô to irori no onna (A Woman and War, 2013). federico ferrone, michele manzolini IL TRENO VA A MOSCA CONTENTS PREMIO CIPPUTI Italia-Regno Unito/Italy-UK, 2013, 8mm-HD, 70’, bn/bw-col. regia/directors Federico Ferrone, Michele Manzolini soggetto/story Federico Ferrone, Michele Manzolini, Francesco Ragazzi sceneggiatura/screenplay Federico Ferrone, Michele Manzolini, Jaime P. Cousido, Denver Beattie fotografia/cinematography Andrea Vaccari, Marcello Dapporto, Enzo Pasi, Luigi Pattuelli, Sauro Ravaglia montaggio/film editing Sara Fgaier musica/music Francesco Serra suono/sound Diego Schiavo interprete/cast Sauro Ravaglia produttori/producers Claudio Giapponesi, Francesco Ragazzi, Federico Ferrone, Michele Manzolini, Simone Bachini produzione/production Kiné, Vezfilm coproduzione/coproduction Home Movies, Fondazione culturale San Fedele, Fondazione Cineteca di Bologna, Apapaja Film ** contatti/contacts Apapaja Film Simone Bachini [email protected] www.apapaja.com 14 Federico Ferrone (1981) e Michele Manzolini (1980) hanno codiretto nel 2007 il film documentario Merica e hanno lavorato come registi e produttori per la rete Al-Jazeera. Con Francesco Ragazzi e Magdalena Szymkow hanno inoltre fondato nel 2010 la casa di produzione Vezfilm, con cui hanno prodotto Anita di Luca Magi (2012), selezionato nella sezione Italiana.Doc del 30° Torino Film Festival e a Doclisboa. IL TRENO VA A MOSCA 1957. Ad Alfonsine, uno dei tanti paesini della Romagna rossa distrutti dalla guerra, il barbiere comunista Sauro Ravaglia e i suoi amici, tutti appassionati cineamatori, sognano l’Unione Sovietica, unica terra in cui si realizza il loro ideale di pace, fratellanza e uguaglianza. Quando si presenta l’occasione di visitare Mosca, durante il Festival mondiale della gioventù socialista, il gruppetto parte: le aspettative sono altissime e tanta la voglia di portare a casa più immagini possibili di quello che sarà il viaggio della vita. «Per Sauro l’utopia non era solo un’idea politica, ma una prospettiva da poter quasi toccare con mano. Per noi, cresciuti in un’epoca in cui non si sogna più una società ideale, fare un film come questo segna il tentativo di far riaffiorare quel desiderio di utopia che abbiamo sempre finto di ignorare. Anche se un po’ di nostalgia inevitabilmente traspare, non abbiamo voluto fare un film nostalgico. Il fatto che Sauro ancora oggi continui a girare il mondo è la testimonianza che forse l’utopia non è un obiettivo realizzabile, ma una ricerca lunga una vita intera». THE TRAIN GOES TO MOSCOW [L.T.] 1957. In Alfonsine, one of the many towns in Romagna that was destroyed by the war, the communist barber Sauro Ravaglia and his home-movie makers friends dream of the Soviet Union, the only place where their ideals of peace, brotherhood and equality have come true. When they get the chance to visit Moscow during the World Festival of Youth and Students, the group of friends depart: their expectations are high and they want to bring home as many images as possible of what will be the best trip of their life. “To Sauro, utopia wasn’t only a political idea but a virtually tangible prospect. To us, who grew up in a time when people don’t dream of an ideal society anymore, making a movie like this was an attempt to bring back that dream of utopia we have always pretended to ignore. Even if a bit of nostalgia inevitably comes through, we didn’t want to make a nostalgic movie. The fact that, still today, Sauro is traveling the world over is proof that maybe utopia isn’t a feasible objective, but a life-long search.” TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Federico Ferrone (1981) and Michele Manzolini (1980) have codirected the documentary film Merica in 2007. In the following years they have worked as directors and producers for the Al-Jazeera network. Together with Francesco Ragazzi and Magdalena Szymkow in 2010 they created the production company Vezfilm, with which they produced Anita, directed by Luca Magi, that premiered at Italiana.Doc section at 30 Torino Film Festival, and at Doclisboa. TH filmografia/filmography Federico Ferrone: Banliyö - Banlieue (coregia/codirectors Francesco Ragazzi, Constance Rivière, cm, doc., 2004). Federico Ferrone, Michele Manzolini: Merica (coregia/codirector Francesco Ragazzi, doc., 2007), Il nemico interno (doc., 2009), Il treno va a Mosca (doc., 2013). hélier cisterne VANDAL CONTENTS Francia/France, 2013, HD, 81’, col. regia/director Hélier Cisterne sceneggiatura/screenplay Hélier Cisterne, Gilles Taurand, Katell Quillévéré fotografia/cinematography Hichame Alaouié montaggio/film editing Thomas Marchand scenografia/ production design Anna Falguères musica/music Ulysse Klotz suono/sound Florent Klockenbring interpreti/cast Zinedine Benchenine, Chloé Lecerf, Emile Berling, Kévin Azaïs, Jean-Marc Barr, Brigitte Sy, Ramzy Bédia, Marina Foïs produttore/producer Justin Taurand produzione/production Les Films du Bélier coproduttori/coproducers Joseph Rouschop, Valérie Bournonville coproduzione/coproduction Tarantula, Hérodiade, Région Rhône-Alpes ** contatti/contacts Film Distribution Sanam Madjedi Tel: +33 1531 033 99 [email protected] www.filmsdistribution.com VANDALO [T.L.] Figlio di genitori separati e con un pessimo rapporto con la madre, il quindicenne Chérif viene mandato a vivere con gli zii nella città del padre, con cui il ragazzo non ha contatti dal divorzio. La speranza è che, cambiando ambiente, il ragazzo possa mettere la testa a posto: dagli zii la vita è in effetti piuttosto tranquilla e il cugino è il classico bravo ragazzo, timido e introverso. O almeno questo è ciò che sembra fino alla sera in cui il ragazzo porta Chérif nel suo vero ambiente, rivelandogli un nuovo mondo, quello dei graffitari. «Ho voluto tracciare il ritratto di un teenager per rappresentare la strana e insolita esperienza dell’adolescenza, età divisa tra famiglia, amici e amore, tre mondi solitamente segnati dal conflitto. In più c’è la scuola, che diventa motivo di stress nel momento in cui spinge a scegliere un percorso di studio e determinare il proprio futuro. Lungi dall’essere spensierato, questo periodo è comunque pieno di fantasia e di aspirazioni che migliorano la vita quotidiana. Per me il lato romantico e lirico dell’adolescenza era dunque molto importante». VANDAL Fifteen-year-old Chérif’s parents are divorced and his relationship with his mother is terrible. He is sent to live with his uncle and aunt in the same city where his father lives, with whom he has had no contact since the divorce. The hope is that the boy will improve in this new environment. In fact, life at his aunt and uncle’s is fairly tranquil and Chérif’s cousin is the typical straight arrow. Or at least this is how it seems, until the young boy one evening shows Chérif his real lifestyle and reveals him a new world of teen graffiti artists. “I wanted to sketch the portrait of an adolescent, and through him embody the strange and unusual experience of this age torn between family, friends and love – three worlds known for being areas of every confrontation. School too, which is made stressful by the anxiety of having to choose a career path and determine one’s future. Far from being carefree, this period is, however, still filled with fantasy and aspirations that enhance daily life. This romantic and lyrical side specific to adolescence was important to me.” 15 TORINO 31/ F E AT U R E F I L M C O M P E T I T I O N Hélier Cisterne (Parigi, Francia, 1981), dopo gli studi in filosofia, ha esordito come cineasta nel 2003 con il cortometraggio Dehors. Il suo secondo film, Les deux vies du serpent, è stato presentato alla Semaine de la critique di Cannes e ha vinto il Grand Prix al festival del cortometraggio di Brest e un Orso di bronzo al Festival delle nazioni, in Austria. Il successivo Les paradis perdus ha ottenuto la menzione speciale del Premio della stampa al Festival di ClermontFerrand ed è stato selezionato nella categoria miglior cortometraggio ai César del 2009. Vandal è il suo primo lungometraggio. Hélier Cisterne (Paris, France, 1981), after studies in philosophy, debuted as a director in 2003 with the short Dehors. His second film, Les deux vies du serpent, was presented at the Semaine de la critique in Cannes and won the Grand Prix at the Brest Short Film Festival and a Bronze Bear at the Festival of Nations in Austria. His next film, Les paradis perdus, received the special mention of the Press Prize at the Festival of Clermont-Ferrand and was selected for the category best short film at the 2009 César Awards. Vandal is his first feature film. filmografia/filmography Dehors (cm, 2003) Les deux vies du serpent (cm, 2006), Les paradis perdus (cm, 2008), Sous la lame de l’épée (cm, 2011), Vandal (2013). CONTENTS Only Lovers Left Alive (2013) di Jim Jarmusch CONTENTS F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST GRAN PREMIO TORINO 2013 CARLO MAZZACURATI LA SEDIA DELLA FELICITÀ FILM | SEAN GARRITY BLOOD PRESSURE | JOE SWANBERG DRINKING BUDDIES | | NOAH BAUMBACH FRANCES HA | EUGENIO MIRA GRAND PIANO | DON MCKELLAR THE GRAND SEDUCTION | BRUCE MCDONALD THE HUSBAND | PAWEŁ PAWLIKOWSKI IDA | ETHAN COEN, JOEL COEN INSIDE LLEWYN DAVIS | JON TURTELTAUB LAST VEGAS | NARIMANE MARI LOUBIA HAMRA | JIM JARMUSCH ONLY LOVERS LEFT ALIVE | DAVID GORDON GREEN PRINCE AVALANCHE | KATELL QUILLÉVÉRÉ SUZANNE | GIUSEPPE POLLICELLI, MARIO TANI TEMPORARY ROAD. (UNA) VITA DI FRANCO BATTIATO | CHAD HARTIGAN THIS IS MARTIN BONNER | ANURAG KASHYAP UGLY | NAT FAXON, JIM RASH THE WAY WAY BACK | FEDERICO FELLINI 8 ½ | GIANCARLO SCARCHILLI ESSERE RICCARDO… E GLI ALTRI | PETER MARCIAS TUTTE LE STORIE DI PIERA | PAOLO MITTON THE REPAIRMAN J.C. CHANDOR ALL IS LOST NICOLE HOLOFCENER ENOUGH SAID EUROPOP PHILIPPE LE GUAY ALCESTE À BICYCLETTE | WOJCIECH SMARZOWSKI DROGÓWKA | PER FLY MONICA Z | | JOHN BUTLER THE STAG CLAUDIO AMENDOLA LA MOSSA DEL PINGUINO Ai suonatori un po’ sballati e ai balordi come me CONTENTS DI EMANUELA MARTINI La Passione (2010) di Carlo Mazzacurati C’era una volta, alcuni decenni fa, la prima commissione di selezione della Settimana della critica della Mostra del cinema di Venezia. La Sic era appena nata, nel 1984, sulla scia della Semaine de la critique che già agitava da qualche anno il Festival di Cannes, e i selezionatori erano all’epoca giovani critici piuttosto esigenti che, dovendo scegliere per il concorso sette e solo sette film di autori esordienti, si ostinavano a respingere tutti i film italiani che arrivavano, perché non all’altezza di quelli proposti dal resto del mondo. Se oggi il nostro cinema ci sembra affogato in una palude di conformismo, inettitudine e mancanza di idee, anche allora l’orizzonte non era roseo, offuscato da farraginose presunzioni autoriali post sessantottine. Insomma, ai giovani critici non piaceva nulla. Finché finalmente, nel 1987, arrivò un oggetto curioso. Da non crederci: un noir (un esordiente che faceva cinema di genere?) ambientato nel Nordest padano piatto e nebbioso che, come tutti i noir che si rispettino, sotto gli intrighi dell’indagine svelava molto del Paese, del paesaggio, del carattere, del passato e forse del futuro degli abitanti di quella fetta di Italia (a proposito di futuro, credo che La ragazza del lago di Andrea Molaioli debba molto a questo film). Era Notte italiana, diretto da Carlo Mazzacurati e prodotto dalla Sacher Film, che proprio nel 1987 era stata fondata da Nanni Moretti e Angelo Barbagallo. Era un film che sfidava le mode e le regole, che aveva un insolito gusto del racconto e sapeva descrivere con affetto e amarezza la vita di quei posti e quella gente, che ti catturava e non ti mollava. Il paesaggio, con i suoi ritmi, i suoi colori, i suoi umori, i suoi silenzi, era parte 18 F E S TA M O B I L E - GRAN PREMIO TORINO A MOVEABLE FEAST 2013/ integrante dei personaggi e della loro storia, li segnava, li costruiva, li destrutturava o addirittura li faceva svaporare. Un ruolo che il paesaggio, meglio se provinciale o campagnolo e meglio ancora se padano o padovano, ha continuato ad avere in tutti i film successivi di Mazzacurati: dalla periferia romana burina di Un’altra vita alle strade impervie dell’Est di Il toro, da Concalbero, il minuscolo centro agricolo veneto di La giusta distanza, a Casale Marittimo e gli altri scorci della Val di Cecina dove è stato girato La Passione, tutti i paesaggi dei film di Mazzacurati «respirano», occultano segreti, danno calore o, a volte, raggelano i protagonisti, accolgono e riflettono la loro progressiva consapevolezza. La provincia, gretta o consolante, conformista o surreale, ostile o creativa, impicciona o riservata: dalla provincia non usciamo, come cultura, come stile di vita, come pigra formazione e spirito di adattamento (neppure se viviamo nelle nostre rare metropoli). E la provincia, lo sapevano Germi, Fellini e Pietrangeli, come lo sa Mazzacurati, genera mostri, oscuri e all’apparenza innocui come l’autista di autobus di La giusta distanza, oppure solari e maldestri come i ladri per caso che popolano la Padova di La lingua del Santo o l’eccentrica accozzaglia di loser che s’inseguono, sempre a Padova, in La sedia della felicità. Attraverso gli ambienti si snodano i caratteri, i vizi, le intuizioni, la generosità e la meschinità di un popolo che, raschia raschia, forse non è cambiato tanto dagli anni Cinquanta (quando, più o meno, ha cominciato a riconoscersi come nazione), e se mai è cambiato in peggio, diventando, dagli anni Ottanta a oggi, ancora più confuso e disperato. Gli arroganti, i potenti, non fanno per Mazzacurati. I suoi «cattivi» sono immersi nell’anonimato banale e spesso sono dei poveracci tali e quali agli altri. Le sue vittime sono un rimprovero doloroso alla nostra intolleranza e alla nostra cecità. I suoi «eroi» sono persone comuni, magari un po’ stanche, che incappano per caso in qualcosa che li costringe ad andare alla ricerca di un senso. L’unico vero atto di eroismo che compiono è non tirarsi indietro davanti a questa ricerca. Possiamo farlo tutti: è sufficiente che, complice la provincia con la sua lentezza, ci fermiamo per pensare e, magari, per opporre dei rifiuti o accettare delle scommesse. Carlo Mazzacurati lo fa da quando fa dei film: scommette sulle nostre possibilità di sopravvivenza e di onestà. Credo pensi che, sotto sotto, siamo ancora «buoni». To the players a little ’busted and to fools like me CONTENTS BY EMANUELA MARTINI Notte Italiana (1987) di Carlo Mazzacurati Once upon a time, a few decades back, the first selection committee of the Venice Film Festival’s International Film Critics’ Week. It was created in 1984 in the wake of the Semaine de la critique, which had already been agitating the waters at Cannes for several years. The committee was composed of young, fairly demanding movie critics and their task was to choose seven – and only seven – films by debuting directors. They carried on rejecting every Italian movie proposed, considering them inferior to the other films from the rest of the world. If Italian cinema today strikes us as mired in a swamp of conformism, ineptitude and unoriginality, the horizon wasn’t particularly rosy back then, either, blurred as it was by muddled, post-1968 authorial arrogance. In short, the young movie critics disliked all of it. Until finally, in 1987, an unusual object arrived. Unbelievable: a noir (a newcomer who makes a genre film?) set in the Northeast of the flat and foggy Po valley which, like every self-respecting noir, under the guise and intrigues of an investigation revealed a lot about the country, the landscape, the character, the past and maybe the future of the inhabitants of that slice of Italy (speaking about the future, I think that The Girl by the Lake by Andrea Molaioli owes a lot to this movie). The film in question was Italian Night; it was directed by Carlo Mazzacurati and produced by Sacher Film, which had been founded in 1987 by Nanni Moretti and Angelo Barbagallo. The movie defied the fashions and the rules; it found unusual pleasure in telling its tale and described with warmth and bitterness the life of those places and those people; it grabbed you and didn’t let go. The landscape – with its rhythms, its colors, its moods, its silences – was an essential part of the characters and their story; it scarred 19 F E S TA M O B I L E - GRAN PREMIO TORINO A MOVEABLE FEAST 2013/ them, it constructed them, it de-structured them, sometimes it even evaporated them. The landscape (better if provincial or rural, and better yet if in the Po valley or around Padua) continued to play this role in all of Mazzacurati’s subsequent films: from the loutish and violent suburbs of Rome in Another Life to the impenetrable streets of Eastern Europe in The Bull; from Concalbero, the tiny farming town in the Veneto region in The Right Distance, to Casale Marittimo and the other glimpses of the Val di Cecina, where he shot The Passion, all of the landscapes of Mazzacurati’s films “breathe,” hide secrets, give off warmth or, sometimes, freeze the protagonists, welcoming and reflecting their growing awareness. The provinces can be narrow-minded or comforting, conventional or surreal, hostile or creative, prying or reserved. We can’t get rid of provinces, as a culture, as a lifestyle, a lazy education or a spirit of adaptation (and this holds true even if we live in one of our few metropolises). And, as Germi and Fellini and Pietrangeli knew, as Mazzacurati knows, the provinces can generate obscure and apparently innocuous monsters, like the bus driver in The Right Distance, or sunny, clumsy and confused ones, like the accidental thieves populating Padua in Holy Tongue, or the eccentric rabble of losers chasing after each other in his newest film, La sedia della felicità. These settings are the backdrop for the tics, vices, intuitions, generosity and pettiness of a population which, below the surface, probably hasn’t changed much since the 1950s (more or less when Italy began to recognize itself as a nation). If anything, it has changed for the worse from the 1980s to the present, becoming even more confused and desperate. Arrogant or powerful people hold no interest for Carlo Mazzacurati. His “bad guys” are steeped in banal anonymity and, often, they are simply poor devils, just like everyone else. His victims are a painful rebuke to our intolerance and blindness. His “heroes” are normal, maybe slightly exhausted people who have stumbled by chance onto something that forces them to try and make some sense out of it. Their one true act of heroism is their willingness to take on the challenge. This is something all of us are capable of doing: all we have to do – with the complicity of the provinces and their slow pace – is stop a moment to think and, maybe, to put up some resistance or accept a bet. This is what Carlo Mazzacurati does in his films: he bets on our potential for survival and honesty. I think, deep down, he believes we are still “good.” carlo mazzacurati LA SEDIA DELLA FELICITÀ CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 90’, col. regia/director Carlo Mazzacurati sceneggiatura/screenplay Doriana Leondeff, Marco Pettenello, Carlo Mazzacurati fotografia/cinematography Luca Bigazzi montaggio/film editing Clelio Benevento scenografia/ production design Giancarlo Basili costumi/costume design Maria Rita Barbera musica/music Mark Orton suono/sound Alessandro Palmerini interpreti e personaggi/ cast and characters Valerio Mastandrea (Dino), Isabella Ragonese (Bruna), Giuseppe Battiston (padre/Father Weiner), Katia Ricciarelli (Norma Pecche), Raul Cremona (il mago/conjurer Kasimir), Marco Marzocca (il fioraio/flower seller), Milena Vukotic (Armida Barbisan), Roberto Citran (il pescivendolo/fish seller), Mirco Artuso (Bepin Lievore), Roberto Abbiati (Giani), Lucia Mascino (Elisa), Natalino Balasso (Volpato), Maria Paiato (la sorella del pescivendolo/ fish seller’s sister), Antonio Albanese, Fabrizio Bentivoglio, Silvio Orlando produttore/producer Angelo Barbagallo produzione/production BiBi Film Tv coproduzione/coproduction Rai Cinema distribuzione/distribution 01 Distribution ** contatti/contacts 01 Distribution Tel: +39 06 684 70 01 [email protected] LA SEDIA DELLA FELICITÀ Un tesoro nascosto in una sedia; un’estetista e un tatuatore che, dandogli la caccia, si innamorano; un misterioso prete che incombe su di loro come una minaccia. Dapprima rivali, poi alleati, i tre diventano protagonisti di una rocambolesca avventura che, tra equivoci e colpi di scena, li vedrà lanciati in un inseguimento, dai colli alla pianura, dalla laguna veneta alle cime nevose delle Dolomiti, dove in una sperduta valle vivono un orso e due fratelli. «L’ispirazione per questo film nasce da un paesaggio umano e fisico che conosco bene, il Nordest, che pur avendo un’identità precisa credo possa raccontare bene il resto dell’Italia. C’era poi il desiderio di narrare una storia in tono comico, senza però perdere né in realismo né in verità. Volevo anche che l’umanità di questo racconto emergesse a volte attraverso le forme del grottesco, a volte in toni più lirici; ma la cosa che più mi stava a cuore era riuscire a tenere insieme il senso di catastrofe, in cui sembra che tutti stiamo cadendo, con l’energia e la voglia di riscatto che nonostante tutto si sente nell’aria». THE CHAIR OF HAPPINESS [L.T.] A treasure hidden in a chair; a beautician and a tattoo artist who fall in love while looking for it; a mysterious priest looming over them like a threat. Rivals at first, then allies, the three of them become the protagonists of an incredible adventure, between misunderstandings and dramatic twists, chased from the hills to the valley, from the Venetian Lagoon to the snow-capped peaks of the Dolomites, where they find a remote valley inhabited by bear and two brothers. “I got the inspiration for this movie from a human and physical landscape I know well: Italy’s North-East. Even though it has its own specific identity, I still think it could epitomize the rest of Italy. I wanted to tell a story with comic undertones, without sacrificing realism or truth. I also wanted the story’s humanity to emerge sometimes from grotesque and sometimes from more lyrical tones. But what was really important was keeping together the sense of catastrophe, where we all seem to be falling into, with the energy and yearning for redemption that we still feel in the air despite everything.” www.01distribution.it 20 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Carlo Mazzacurati (Padova, Italia, 1956), dopo gli inizi come sceneggiatore per il cinema e la televisione, nel 1987 ha esordito nel lungometraggio con Notte italiana, con cui ha partecipato alla Mostra di Venezia e vinto il Nastro d’argento e il Ciak d’oro. Nel 1994 con Il toro ha ricevuto il Leone d’argento a Venezia, festival nel quale ha presentato nel 2000 La lingua del santo. Nel 2007 con La giusta distanza ha partecipato al Festival di Roma e tre anni dopo è tornato a Venezia con La Passione. Al Torino Film Festival, che quest’anno gli consegna il Gran Premio Torino, ha presentato nel 2000 il documentario codiretto con Marco Paolini Ritratti - Andrea Zanzotto, dedicato al grande poeta suo conterraneo. Carlo Mazzacurati (Padua, Italy, 1956) started off as a screenwriter for cinema and television. In 1987 he directed his debut film, Italian Night, which was presented at the Venice Film Festival, and won the Nastro d’argento and the Golden Ciak awards. He received a Silver Lion in Venice for The Bull in 1994, where he also presented Holy Tongue in 2000. In the same year, he also participated at the Torino Film Festival with Ritratti - Andrea Zanzotto, the documentary co-directed with Marco Paolini dedicated to a great poet and fellow countryman. In 2007 he participated at the Rome Film Festival with The Right Distance, and three years later he returned to Venice with his next feature The Passion. This year, the Torino Film Festival will be awarding him the Gran Premio Torino. filmografia/filmography Vagabondi (cm, 1980), Notte italiana (1987), Il prete bello (1989), Un’altra vita (1992), Il toro (1994), L’unico paese al mondo (1994), Vesna va veloce (1996), L’estate di Davide (1998), Ritratti: Mario Rigoni Stern (doc., 1999), La lingua del santo (2000), Ritratti: Andrea Zanzotto (coregia/ codirector Marco Paolini, doc., 2000), A cavallo della tigre (2002), Ritratti: Luigi Meneghello (doc., 2002), L’amore ritrovato (2004), La giusta distanza (2007), La Passione (2010), Sei Venezia (doc., 2010), Medici con l’Africa (doc., 2012), La sedia della felicità (2013). CONTENTS Festa mobile CONTENTS DI EMANUELA MARTINI Enough Said (2013) di Nicole Holofcener Santo protettore: Federico Fellini, al quale rendiamo omaggio, insieme al Centro sperimentale di cinematografia e a Rti-Gruppo Mediaset, con l’anteprima del primo restauro digitale di 8 ½. Apertura: la commedia «matura» Last Vegas di Jon Turteltaub, dove i quattro amici Robert De Niro, Michael Douglas, Morgan Freeman e Kevin Kline vanno nella città del gioco per un addio al celibato (e relativo hangover) e fanno i conti con i difficili equilibri di un’amicizia che dura da una vita. Chiusura: il thriller Grand Piano di Eugenio Mira, dove Elijah Wood deve suonare per la propria vita, minacciato da John Cusak, in una sorta di «Speed al pianoforte». Tra questi tre momenti, Festa mobile 2013 presenta come sempre (fuori concorso) il «bottino» di film che ci sono piaciuti, raccolti in giro per il mondo e ancora inediti in Italia: dal caotico viaggio di formazione della maldestra Greta Gerwig in Frances Ha di Noah Baumbach alla rincorsa surreale del cantautore protagonista di Inside Llewyn Davis dei fratelli Coen (due spaccati tipicamente newyorkesi); dall’inedito, romantico, impacciato James Gandolfini di Enough Said di Nicole Holofcener (omaggio postumo allo straordinario interprete di Tony Soprano) ai vampiri colti, girovaghi e riservati Tilda Swinton e Tom Hiddleston di Only Lovers Left Alive di Jim Jarmusch; dalla strana, laconica 22 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST coppia di operai addetti alla segnaletica di una strada texana di Prince Avalanche di David Gordon Green (remake dell’islandese Á Annan Veg - Either Way, vincitore del Torino Film Festival 2011) alla solitaria lotta contro gli elementi di Robert Redford in All Is Lost di J.C. Chandor, tutti questi personaggi hanno parlato alla nostra intelligenza, al nostro gusto, alla nostra sensibilità. In mezzo, una quantità di giovani autori: Nat Faxon e Jim Rash, gli sceneggiatori di Paradiso amaro di Alexander Payne che esordiscono nella regia con il coming of age The Way Way Back; l’algerina Narimane Mari, che in Red Beans racconta la storia del suo Paese attraverso un travolgente gioco di ragazzi; il polacco Paweł Pawlikowski, che mette in scena con rigore doloroso la storia di Ida, giovane suora; gli americani Joe Swanberg e Chad Hartigan, che nel logorroico Drinking Buddies e nel commovente This Is Martin Bonner tratteggiano, con toni molto diversi, storie di solitudini profonde, amicizie complicate, rapporti umani faticosi ma indispensabili; il canadese Sean Garrity con l’inquietante Blood Pressure, l’indiano Anurag Kashyap con il durissimo noir Ugly, la francese Katell Quillévéré con Suzanne, il piemontese Paolo Mitton con The Repairman. Tra gli italiani, anche Piera Degli Esposti che si racconta (e «viene raccontata») in Tutte le storie di Piera di Peter Marcias, Alessandro Gassmann che, con Giancarlo Scarchilli, presenta la sua riflessione su Riccardo III (Essere Riccardo… e gli altri), Franco Battiato che, con Giuseppe Pollicelli e Mario Tani, ripercorre la sua ricerca creativa ed esistenziale in Temporary Road. Ritornano autori che amano (ricambiati) il Torino Film Festival, come i canadesi Don McKellar e Bruce McDonald, rispettivamente con una commedia «stile Ealing» ambientata in un villaggio di pescatori di Terranova (The Grand Seduction) e con l’umanissimo, nevrotico dramma di un marito tradito dalla moglie con un ragazzo minorenne (The Husband). E, last but not least, ritorna un autore che amiamo molto, Carlo Mazzacurati, che ci fa un gran regalo presentando proprio al Torino Film Festival il suo nuovo film, La sedia della felicità, ancora un viaggio tra i dropout stralunati del Nordest, una caccia a un bottino, un repertorio tenero e amarognolo di bizzarra umanità nostrana. Grazie, Carlo. A Moveable Feast CONTENTS BY EMANUELA MARTINI Inside Llewyn Davis (2013) di Ethan e Joel Coen Patron saint: Federico Fellini, to whom, in collaboration with the Centro sperimentale di cinematografia and Rti-Gruppo Mediaset, we pay tribute with the preview screening of the digitally restored 8 ½. Opening film: the “mature” comedy Last Vegas by Jon Turteltaub, in which four friends – Robert De Niro, Michael Douglas, Morgan Freeman and Kevin Kline – go to the gambler’s Mecca for a stag party (and ensuing hangover) and have to deal with the difficult equilibriums of a lifetime-long friendship. Closing film: the thriller Grand Piano by Eugenio Mira, in which Elijah Wood is threatened by John Cusack and has to play for his life, in a sort of “piano version of Speed.” These three moments underpin the 2013 A Moveable Feast, which, as always, presents (out of competition) the “booty” of films we liked best, gathered from all over the world and as yet unscreened in Italy. Clumsy Greta Gerwig’s chaotic journey of self-realization in Frances Ha by Noah Baumbach, and the Coen brothers’ surreal pursuit of the singer-songwriter protagonist of Inside Llewyn Davis (two emblematic cross sections of New York); an unusual, romantic, awkward James Gandolfini in Enough Said by Nicole Holofcener (a posthumous tribute to the extraordinary actor who played Tony Soprano); the cultured, peripatetic and reserved vampires 23 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Tilda Swinton and Tom Hiddleston in Only Lovers Left Alive by Jim Jarmusch; the strange, laconic pair of workers repainting the median strip on a Texas road in Prince Avalanche by David Gordon Green (a remake of the Icelandic movie Á Annan Veg - Either Way, winner of the 2011 TFF); and Robert Redford’s solitary battle against the elements in All Is Lost by J.C. Chandor. All of these characters spoke to our intelligence, to our taste, to our sensitivity. And in the midst of all this, a plethora of young filmmakers: Nat Faxon and Jim Rash (who wrote the screenplay of The Descendents by Alexander Payne) in their directing debut with the coming-of-age movie The Way Way Back; Algeria’s Narimane Mari who, in Red Beans, tells the story of her country through a devastating game played by children; Poland’s Paweł Pawlikowski who, with painful rigor, depicts the story of Ida, a young nun; the Americans Joe Swanberg and Chad Hartigan who, in the long-winded Drinking Buddies and in the moving This Is Martin Bonner, respectively, use very different approaches to deal with stories of deep solitude, complicated friendship, and difficult but crucial human relationships; the Canadian Sean Garrity with his disturbing Blood Pressure; India’s Anurag Kashyap and his harsh noir Ugly; France’s Katell Quillévéré with Suzanne; and Piedmont’s Paolo Mitton with The Repairman. Among the Italians, Piera Degli Esposti too, who, recounts herself (and “is recounted”) in Tutte le storie di Piera by Peter Marcias; Alessandro Gassmann, who with Giancarlo Scarchilli, presents his reflections on Richard III (Essere Riccardo… e gli altri); and Franco Battiato, with Giuseppe Pollicelli and Mario Tani, retraces his creative and existential search in Temporary Road. Authors who love the TFF (a reciprocal sentiment) are back, like the Canadians Don McKellar and Bruce McDonald, the first with an “Ealing-style” comedy set in a fishing village in Newfoundland (The Grand Seduction), and the second with the very human, neurotic drama of a husband whose wife cheated on him with an underage lover (The Husband). And, last but not least, Carlo Mazzacurati, one of our favorite filmmakers, returns and does the TFF a great present by presenting his latest movie here: La sedia della felicità, a new journey among the dazed dropouts of Italy’s Northeast, a treasure hunt, a tender and bitter-sweet collection of our bizarre compatriots. Thank you, Carlo. j.c. chandor ALL IS LOST CONTENTS Usa, 2013, 35mm, 106’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay J.C. Chandor fotografia/cinematography Frankie DeMarco, Peter Zuccarini montaggio/film editing Pete Beaudreau musica/music Alexander Ebert suono/sound Richard Hymns, Steve Boeddeker interprete/cast Robert Redford produttori/producers Neal Dodson, Anna Gerb produzione/production Before the Door Pictures, Washington Square Films distribuzione/distribution Universal Pictures Italia ** contatti/contacts Universal Pictures Italia Cristina Casati Tel: +39 06 852 691 [email protected] www.universalpictures.it ALL IS LOST Un uomo sta solcando le acque dell’Oceano Indiano. È solo a bordo del suo yacht da dodici metri. In seguito alla collisione con un container abbandonato tra le onde, le attrezzature di bordo risultano fuori uso, e l’uomo si ritrova abbandonato a se stesso. Il sopraggiungere di una terribile tempesta mette a repentaglio la sua vita e a dura prova le sue capacità di navigazione. Affidandosi alle mappe e alla sua esperienza, deve combattere contro gli elementi della natura per ritrovare la rotta. «Sentivo di poter girare un film molto convincente, drammatico, elettrizzante (o almeno lo speravo), ma nella terza parte ho dovuto affrontare il problema di mettere in scena, proprio davanti agli occhi dello spettatore, l’esperienza emotivamente molto intensa di una persona costretta a fare i conti con la propria mortalità. […] Allora ho capito che il modo migliore era fare sì che il pubblico provasse direttamente quello che stava accadendo al protagonista; quindi ho girato come se lo spettatore fosse davvero lì con lui». ALL IS LOST A man is traversing the Indian Ocean on his twelve-meter yacht. After he collides with an abandoned container, he discovers that his onboard equipment is out of order and he is left to his own devices. A terrible storm puts his life at risk and proves to be a harsh test of his navigating abilities. Putting his trust in his maps and years of experience at the helm, he finds himself battling the elements to save himself and get back on course. “I felt I could make a very, very compelling, dramatic, thrilling – hopefully – film, but then by the third act you have this very intense emotional experience about a guy essentially coming to grips with his own mortality right in front of your eyes. […] It came to me that the best way to do that was just to have the audience experience what he was going through, so it was shot in a way that you were literally with him.” 24 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST J.C. Chandor (Ohio, Usa, 1974) è cresciuto nel New Jersey e ha studiato presso il College of Wooster, dove si è laureato nel 1996. Successivamente ha lavorato come regista pubblicitario per circa quindici anni. Dopo aver debuttato con il cortometraggio Despacito (2004), nel 2011 ha diretto il suo primo lungometraggio, Margin Call, interpretato da star come Kevin Spacey, Jeremy Irons, Demi Moore e Stanley Tucci. Presentato al Sundance Film Festival, il film ha poi partecipato in concorso alla Berlinale, ottenendo una nomination all’Oscar per la miglior sceneggiatura. Attualmente Chandor è impegnato con il progetto di A Most Violent Year, la cui uscita è prevista per il 2015. J.C. Chandor (OH, USA, 1974) grew up in New Jersey and studied at the College of Wooster, where he graduated in 1996. He directed commercials for the next fifteen years. After debuting with the short Despacito (2004), in 2011 he directed his first feature film, Margin Call, starring Kevin Spacey, Jeremy Irons, Demi Moore and Stanley Tucci. The film was presented at the Sundance Film Festival, competed at the Berlinale, and received an Oscar nomination for best screenplay. At the moment, Chandor is involved with the project for A Most Violent Year, which will be released in 2015. filmografia/filmography Despacito (cm, 2004), Margin Call (id., 2011), All Is Lost (id., 2013). sean garrity BLOOD PRESSURE CONTENTS Canada, 2012, HD, 95’, col. regia, sceneggiatura, montaggio/director, screenplay, film editing Sean Garrity soggetto/story dal racconto/ from the short story Killing Someone di/by Bill Fugler fotografia/cinematography Ben Lichty scenografia/ production design Graham Caswell musica/music Charlie Finlay suono/sound Zoe Mapp interpreti e personaggi/ cast and characters Michelle Giroux (Nicole Trestman), Judah Katz (Michael Trestman), Jonas Chernick (Darryl Saunders), Jake Epstein (Josh Trestman), Tatiana Maslany (Kat Trestman), Catherine Disher (Glenda), Kristian Bruun (Stu), Anthony Ulc (Archie), Kara Wooten (l’istruttore del poligono di tiro/ gun club instructor) produttori/producers Sean Garrity, Matthew Miller ** contatti/contacts Alpha Violet Keiko Funato Tel: +33 620 411 137 [email protected] www.alphaviolet.com PRESSIONE SANGUIGNA [T.L.] Qualcuno che ti osserva, che conosce le tue abitudini e le tue piccole frustrazioni, i momenti di noia e quelli, un po’ più rari, di felicità. Qualcuno che un giorno esce allo scoperto con una lettera, proponendoti di cambiare vita. E se a quarantun anni sei una farmacista, sposata, con due figli adolescenti, e conduci l’esistenza ordinaria che tutti si aspettano da te, può succedere che non te la senta di rifiutare a priori un invito che è forse la cosa più emozionante che ti sia capitata da anni. E così fa Nicole. «Girando a Richmond Hill – un sobborgo a nord di Toronto – sono stato colpito dalla profondità della periferia come metafora delle sovrastrutture in cui cerchiamo di imbrigliare la nostra vita. Questi luoghi sono costruiti per proteggerci dalla città e gli uni dagli altri. Nella struttura di un sobborgo è sottinteso uno stile di vita che deve anticipare ogni nostro bisogno, alleviare le ansie causate dall’incertezza; ci circonda in modo così assoluto che abbiamo bisogno di una mappa per trovare una via d’uscita. Una mappa per una vita diversa». BLOOD PRESSURE Someone who observes you, who knows your habits and your small frustrations, your moments of boredom and those rare moments of happiness. Someone who comes out into the open one day with a letter proposing a change in your life. And if you are a forty-one-year-old pharmacist, married, with two adolescent children, and you lead the ordinary life that everybody expects of you, you might consider accepting an invitation that could be the most exciting thing that has happened to you in years. And this is what Nicole does. “Shooting in Richmond Hill – a suburb north of Toronto – I was struck by the profundity of the suburb as metaphor for a superstructure, into which we try and make our lives fit. These places are crafted to protect us from the city, and from each other. There is a prescribed lifestyle inherent in the structure of a suburb that is meant to anticipate our every need, to alleviate anxieties prompted by uncertainty, and surround us so completely, that we need a map to find our way out. A map to a different life.” 25 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Sean Garrity (Canada), dopo gli studi in produzione e teoria cinematografica presso la York University di Toronto, ha frequentato l’Istituto di arte cinematografica di Avellaneda a Buenos Aires. Il suo primo lungometraggio, Inertia, ha vinto il premio per la miglior opera prima canadese al Festival di Toronto, mentre il successivo Lucid nel 2005 ha vinto il premio CityTV al festival di Vancouver ed è stato selezionato in diverse altre manifestazioni internazionali, tra cui Shanghai, Mannheim, Singapore e Toronto. My Awkward Sexual Adventure, che ha avuto la sua prima al Festival di Toronto, ha vinto il premio del pubblico al Festival di Calgary e ha partecipato ai Canadian Comedy Awards nelle categorie miglior film e regia. Sean Garrity (Canada), after studying film production and theory at York University in Toronto, attended the Avellaneda Film Institute in Buenos Aires. His first feature film, Inertia, won best Canadian first feature film at the Toronto Film Festival, while his second feature film, Lucid, won the CityTV Award in 2005 at the Vancouver Film Festival and was selected for various other international festivals, including Shanghai, Mannheim, Singapore and Toronto. My Awkward Sexual Adventure, which premiered at Toronto, won the People’s Choice Award at the Calgary Film Festival and participated at the Canadian Comedy Awards in the categories best film and best direction. filmografia/filmography Inertia (2001), Buenos Aires Souvenir (cm, 2001), Bridge (cm, 2003), Pictures of the Interior (cm, 2004), Lucid (2005), Rules (cm, 2006), ReOrder (cm, 2007), Zooey & Adam (2009), My Awkward Sexual Adventure (2012), Blood Pressure (2012). joe swanberg DRINKING BUDDIES CONTENTS Usa, 2013, HD, 90’, col. regia, sceneggiatura, montaggio/ director, screenplay, film editing Joe Swanberg fotografia/cinematography Ben Richardson scenografia/ production design Brandon Tonner Connelly costumi/costume design Amanda Ford musica/music Chris Swanson interpreti e personaggi/ cast and characters Olivia Wilde (Kate), Jake Johnson (Luke), Anna Kendrick (Jill), Ron Livingston (Chris), Ti West (Dave), Gene Dentler (se stesso/himself), Mike Brune (Mike), Frank V. Ross (Frank) produttori/producers Paul Bernon, Sam Slater, Andrea Roa, Joe Swanberg, Alicia Van Couvering coproduttori/coproducers Alex Witherill, Chris Modoono produzione/production Burn Later Productions ** contatti/contacts Sony Pictures Peter Peterson [email protected] www.outsiderpictures.us COMPAGNI DI BEVUTE [T.L.] In un birrificio artigianale l’atmosfera è molto diversa da quella di un qualsiasi altro posto di lavoro: per i colleghi Kate e Luke è normale fermarsi a bere una birra, fare due chiacchiere dopo la chiusura e lasciarsi andare a quella sintonia un po’ alcolica su cui si fondano le migliori amicizie. Ed è infatti così che i due si ritengono: amici. Entrambi fidanzati, non si sognano neppure di provare a capire se il loro legame non preluda a qualcosa di più. Ma come sempre, più si fa finta di niente, più le circostanze mettono di fronte alle questioni inevase. «Per questo film ho avuto due fonti d’ispirazione: le commedie dei primi anni Settanta, come Bob & Carol & Ted & Alice o Il rompicuori di Elaine May, che non dimenticavano mai di essere divertenti e nello stesso tempo anche complesse e stimolanti. E poi c’è stato il mondo della birra artigianale, che al momento è a mio avviso è uno dei settori economici più attivi negli Stati Uniti e che, in quanto appassionato, volevo esplorare dall’interno». DRINKING BUDDIES The atmosphere in a craft beer brewery is very different from that of any other workplace. To the colleagues Kate and Luke, it’s normal to stop for a beer and a chat after the end of the workday and flow with that slightly alcoholic harmony that is the basis of the best friendships. And, in fact, the two consider themselves just friends. Both of them are engaged to someone else, and it doesn’t cross their mind to figure out if their close bond couldn’t lead to something else. But, as always, the more they pretend everything is fine, the more fate conspires to make them face up to some unanswered questions. “The inspiration originally came from two places: the first was studio comedies of the early 1970s, specifically Bob & Carol & Ted & Alice and Elaine May’s The Heartbreak Kid, that never forgot to be funny, which earned them the space to also be complex and challenging. The second inspiration was the craft beer world. Craft beer is the most exciting business in America right now, if you ask me, and I wanted to get inside a world that I love.” 26 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Joe Swanberg (Detroit, Michigan, Usa, 1981), dopo la laurea in cinema, ha debuttato nel 2003 con Kissing on the Mouth, cui è seguito tre anni dopo LOL, in cui ha lavorato con Greta Gerwig, interprete dei successivi Hannah Takes the Stairs (2007) e Nights and Weekends (2008). Nel 2010 ha completato ben sette lungometraggi, tra cui Uncle Kent, presentato nel 2011 al Sundance e al South by Southwest Festival, e il dittico Silver Bullets e Art History, selezionato dal Forum della Berlinale nello stesso anno. Swanberg ha inoltre lavorato per il web, dirigendo la serie di ifc.com Young American Bodies, e come attore ha recitato in oltre trenta film, tra cui V/H/S, di cui è stato anche uno dei registi e che ha partecipato lo scorso anno al Torino Film Festival. Joe Swanberg (Detroit, MI, USA, 1981), after graduating in film, directed his first movie, Kissing on the Mouth. It was followed three years later by LOL, which featured Greta Gerwig, who also acted in Hannah Takes the Stairs (2007) and Nights and Weekends (2008). In 2010 he completed seven feature films, including Uncle Kent, which premiered at Sundance in 2011 and then at the South by Southwest Festival, and the diptych Silver Bullets and Art History, selected by the Berlinale Forum that same year. Swanberg has also worked for the web, directing the IFC.com series Young American Bodies. He has acted in over thirty movies, including V/H/S, which he also codirected, and which participated at last year’s Torino Film Festival. filmografia essenziale/ essential filmography Kissing on the Mouth (2005), LOL (2006), Hannah Takes the Stairs (2007), Swedish Blueballs (cm, 2008), Nights and Weekends (2008), Alexander the Last (2009), Uncle Kent (2011), Silver Bullets (2011), Art History (2011), The Zone (2011), Autoerotic (2011), Caitlin Plays Herself (2011), Marriage Material (2012), Drinking Buddies (2013). nicole holofcener ENOUGH SAID CONTENTS Usa, 2013, HD, 93’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Nicole Holofcener fotografia/cinematography Xavier Pérez Grobet montaggio/film editing Robert Frazen scenografia/ production design Keith P. Cunningham costumi/costume design Leah Katznelson musica/music Marcelo Zarvos interpreti e personaggi/ cast and characters Julia Lous-Dreyfus (Eva), James Gandolfini (Albert), Toni Collette (Sarah), Catherine Keener (Marianne), Ben Falcone (Will), Toby Huss (Peter), Michaela Watkins (Hilary), Eve Hewson (Tess), Amy Landecker (Debbie), Christopher Nicholas Smith (Hal), Tracey Fairaway (Ellen), Phillip Brock (Jason), Tavi Gevinson (Chloe) produttori/producers Stefanie Azpiazu, Anthony Bregman produzione/production Fox Searchlight Pictures, Likely Story distribuzione/distribution 20 Century Fox Italy TH ** contatti/contacts 20 Century Fox Italy Tel: +39 06 881 759 655 Paolo Penza TH [email protected] www.20thfox.it NON DICO ALTRO Eva è una massaggiatrice divorziata con una figlia che sta per andare al college. Una sera, a una festa, conosce Albert, suo coetaneo gentile e corpulento, anche lui single. Più tardi incontra Marianne, poetessa con cui va subito d’accordo e che diviene una sua cliente fissa. Di lì a poco la relazione con Albert si trasforma in qualcosa di più profondo, mentre l’amicizia con Marianne si rafforza. E Marianne comincia a sfogarsi con Eva di tutti i difetti dell’ex marito. Peccato che questi sia Albert. Eva si trova così di fronte a un bivio: credere ai racconti dell’amica o proseguire una relazione che sembrava perfetta? Ultimo film di James Gandolfini. «L’idea del film è nata dalla mia esperienza personale, visto che sono stata sposata e poi ho divorziato. La possibilità di infilarsi in una nuova relazione può far paura, dal momento che se ne è già mandata una all’aria. In quel momento della propria vita si riteneva infatti di aver fatto la scelta giusta, ma poi tutto è andato storto. Ci si chiede allora come sia stato possibile e soprattutto se si sbaglierà ancora». ENOUGH SAID Eva is a divorced woman who works as a masseuse and dreads her daughter’s departure for college. At a party she meets Albert, a sweet and portly man her own age and who is also single. Later she also befriends Marianne, a poetess who becomes a regular client of hers. Her friendly relationship with Albert quickly blossoms into romance, as her friendship with Marianne grows deeper. The woman, in fact, starts venting her frustrations about her ex-husband describing his defects. Too bad the man is actually Albert… and Eva suddenly finds herself at a crossroads: believe her friend’s stories or continue a relationship that seemed perfect? Enough Said is the last movie starring James Gandolfini. “The idea came from my life, having been married and divorced – the idea of jumping into another relationship is pretty scary once you know you’ve so blown it. And you thought you were making the right choice at one point in your life and how could you possibly have gotten it so wrong? Am I going to be so wrong again?” 27 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Nicole Holofcener (New York, Usa, 1960) ha studiato presso la Columbia University, dirigendo negli anni del college il suo primo cortometraggio, Angry (1991). Nel 1996 ha debuttato nel lungometraggio con Parlando e sparlando, a cui hanno fatto seguito Lovely & Amazing (2001), Friends with Money (2006) e Please Give (2010), con cui ha vinto un Robert Altman Award agli Independent Spirits Awards. Parallelamente ha lavorato in televisione, dirigendo episodi di serie di successo, come Sex and the City, Una mamma per amica, Six Feet Under, Bored to Death e Enlightened. Nicole Holofcener (New York, NY, USA, 1960) studied at Columbia University. While still in college, she directed her first short film, Angry (1991). She made her first feature film, Walking and Talking, in 1996, followed by Lovely & Amazing (2001), Friends with Money (2006), and Please Give (2010), which won a Robert Altman Award at the Independent Spirit Awards. She has also worked for television, directing episodes in popular TV series like Sex and the City, Gilmore Girls, Six Feet Under, Bored to Death, and Enlightened. filmografia/filmography Angry (cm, 1991), Walking and Talking (Parlando e sparlando, 1996), Sex and the City (id., ep., tv, 1998-2000), Cold Feet (ep., tv, 1999), Gilmore Girls (Una mamma per amica, ep., tv, 2000), Lovely & Amazing (2001), Leap of Faith (ep., tv, 2002), Six Feet Under (id., ep., tv, 2003-2004), Friends with Money (2006), Bored to Death (id., ep., tv, 2009), Please Give (2010), I Hate That I Love You (tv, 2011) Enlightened (id., ep., tv, 2011-2013), Parks and Recreation (id., ep., tv, 2013), Enough Said (Non dico altro, 2013). noah baumbach FRANCES HA CONTENTS Usa, 2012, HD, 86’, bn/bw regia/director Noah Baumbach sceneggiatura/screenplay Noah Baumbach, Greta Gerwig fotografia/cinematography Sam Levy montaggio/film editing Jennifer Lame scenografia/ production design Sam Lisenco musica/music George Drakoulias interpreti e personaggi/ cast and characters Greta Gerwig (Frances Haliday), Mickey Sumner (Sophie Levee), Charlotte D’Ambiose (Colleen), Adam Driver (Lev Shapiro), Hannah Dunne (la ragazza/girl), Michael Hesper (Dan), Grace Gummer (Rachel), Patrick Heusinger (Patch), Josh Hamilton (Andy), Cindy Katz (la parlamentare/ congresswoman), Maya Kazan (Caroline), Justine Lupe (Nessa), Britta Phillips (Nadia), Juliet Rylance (Janelle), Dean Wareham (Spencer), Micheal Zegan (Benji) produttori/producers Noah Baumbach, Scott Rudin, Lila Yacoub, Rodrigo Teixeira produzione/production RT Features distribuzione/distribution Whale Pictures FRANCES HA Frances ha ventisette anni e l’ambizione di diventare ballerina. Nonostante i molti tentativi infruttuosi, occupa ancora il ruolo di tirocinante in una compagnia di danza. Intorno a lei una New York in cui anche i sogni hanno un prezzo e di spazio per realizzarli ne è rimasto poco. Quando Sophie, la sua migliore amica nonché coinquilina, si trasferisce in un lussuoso appartamento di Tribeca, Frances si ritrova senza casa e costretta ad affrontare da sola fallimenti e passi falsi. Solo la gioia di vivere e la leggerezza nell’affrontare i piccoli drammi della vita quotidiana le consentono di resistere. «Frances Ha lascia trasparire ciò che penso di New York, perché pur descrivendone la bellezza e l’aspetto romantico punta l’attenzione su come la città è realmente oggi. Qui i giovani con pochi soldi conducono una lotta quotidiana per sopravvivere. Ed essere artisti senza essere ricchi è diventato impossibile. Questo film rende omaggio alla città e al tempo stesso la piange». FRANCES HA Frances is twenty-seven years old and wants to become a ballerina. After many unsuccessful attempts, she is still only a trainee in a dance company. The setting is New York City, where even dreams have a price tag and there isn’t much room left to make them come true. When Sophie, her best friend and flat mate, moves to a luxurious apartment in Tribeca, Frances finds herself without a home and is forced to face failures and false steps on her own. The only thing that encourages her to carry on is her joie de vivre and the lightheartedness with which she takes on the small dramas of daily life. ** contatti/contacts Whale Pictures www.whalepictures.it 28 “Frances Ha captures my feelings about New York because the beauty and romance is also cut with the reality of the city today. Young people who don’t have money struggle there. You can’t be an artist in New York any more without being rich. This movie mourns and celebrates the city at the same time.” F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Noah Baumbach (New York, Usa, 1969) ha studiato presso il Vassar College e ha debuttato nella regia con Calciando e strillando (1995). Autore di commedie d’autore spesso venate di malinconia e ironia, ha poi diretto Il calamaro e la balena (2005), candidato all’Oscar per la migliore sceneggiatura originale, Il matrimonio di mia sorella (2007) e Lo stravagante mondo di Greenberg (2010), presentato in concorso alla Berlinale. Come sceneggiatore è noto soprattutto per la collaborazione con Wes Anderson, con cui ha scritto Le avventure acquatiche di Steve Zissou (2004) e Fantastic Mr Fox (2009). Noah Baumbach (New York, NY, USA, 1969) studied at Vassar College and debuted in directing with Kicking and Screaming (1995). A director of art house comedies veined with melancholy and irony, he next made The Squid and the Whale (2005), which received an Oscar nomination for best original screenplay; Margot at the Wedding (2007); and Greenberg (2010), which competed at the Berlinale. As a screenwriter, he is most famous for his collaboration with Wes Anderson, with whom he wrote The Life Aquatic with Steve Zissou (2004) and Fantastic Mr Fox (2009). filmografia/filmography Kicking and Screaming (Calciando e strillando, 1995), Highball (1997), Mister Jealousy (1997), The Squid and the Whale (Il calamaro e la balena, 2005), Margot at the Wedding (Il matrimonio di mia sorella, 2007), Conrad & Butler Take a Vacation (cm, 2008), Greenberg (Lo stravagante mondo di Greenberg, 2010), Frances Ha (id., 2012). eugenio mira GRAND PIANO CONTENTS Spagna/Spain, 2013, 35mm, 90’, col. regia/director Eugenio Mira sceneggiatura/screenplay Damien Chazelle fotografia/cinematography Unax Mendia montaggio/film editing J.L. Romeu scenografia/ production design Javier Alvariño costumi/costume design Patricia Monné musica/music Víctor Reyes suono/sound James Muñoz interpreti e personaggi/ cast and characters Elijah Wood (Tom Selznick), John Cusack (Clem), Kerry Bishé (Emma Selznick), Tamsin Egerton (Ashley), Allen Leech (Wayne), Don McManus (Reisinger), Dee Wallace (Marjorie Green), Alex Winter (l’assistente/assistant) produttori/producers Adrián Guerra, Rodrigo Cortés produzione/production Nostromo Pictures distribuzione/distribution M2 Pictures ** contatti/contacts M2 Pictures Tel: + 39 06 877 390 00 [email protected] www.m2pictures.it 29 Eugenio Mira (Castalla, Spagna, 1977), dopo aver studiato cinema a Madrid, ha esordito come regista nel 2000 con il cortometraggio Fade, presentato in diversi festival come il suo primo lungometraggio The Birthday, che ha partecipato al Festival di Sitges e al Festival Internacional de Cinema do Porto. Accanto all’attività di regista e sceneggiatore, Mira ha composto la colonna sonora di diverse produzioni cinematografiche e ha lavorato come attore in film come Fin di Jorge Torregrossa, presentato lo scorso anno al Torino Film Festival. GRAND PIANO «Suona una nota sbagliata e morirai»: è il messaggio che un giovane e talentuoso pianista, ritiratosi dalle scene a causa di un attacco di fobia da palcoscenico, trova scritto sullo spartito nel momento in cui sta per iniziare il concerto del suo grande ritorno. «Essendo cresciuto tra le immagini di giganti come Steven Spielberg, Robert Zemeckis, Brian De Palma e dal maestro dei maestri, Alfred Hitchcock, quando ho sentito le premesse del film, il bambino selvaggio e fanatico di cinema che è in me è saltato fuori in un secondo, lasciandomi stampato in volto un sorriso più grande dell’Australia. […] Lo sceneggiatore Damien Chazelle, anche lui regista, sembra aver dato forma al sogno di ogni regista che abbia mai osato chiedere al proprio agente una vera sfida cinematografica. E non sto esagerando: come il mentore di Tom, Damien è l’autore di un “pezzo quasi impossibile da eseguire”, così pieno di elementi da mettere insieme in perfetta sincronia. […] Insomma, la partitura di Grand Piano è la sorella frattale e metalinguistica della stessa Cinquette, il pezzo da eseguire nel film». GRAND PIANO “Play one wrong note and you die.” A talented young concert pianist, who retired from the music scene after a sudden attack of stage fright, finds those words written on his music sheet just as he is about to play for the performance that would mark his comeback in the music scene. “Having been raised by wolves like Steven Spielberg, Robert Zemeckis, Brian De Palma and the Master of Masters Sir Alfred Hitchcock, when I first heard of Grand Piano’s premise, the feral infant film-geek in me sprang out of my heart in a split second, leaving a smile on my face wider than Australia. […] The screenwriter Damien Chazelle, a film director himself, seems to have sculpted the ultimate ‘dream come true’ for any filmmaker who has ever dared ask his agent for a real cinematic challenge. And I’m not overacting here: like Tom’s mentor, Damien is the author of a ‘nearly impossible-to-execute piece,’ a piece with so many elements to put together in perfect synch. […] Grand Piano’s ‘score’ is the metalinguistic fractal sister of La Cinquette itself!” F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Eugenio Mira (Castalla, Spain, 1977), after studying filmmaking in Madrid, made his debut behind the camera in 2000 with the short film Fade, which was screened in many festivals. His first feature, The Birthday (2004), participated to the Sitges Film Festival and to the Festival Internacional de Cinema do Porto. Besides screenwriting and directing, he has also composed the soundtrack to several films productions, and has acted in Jorge Torregrossa’s movie The End, which was presented at last year’s edition of the Torino Film Festival. filmografia/filmography Fade (cm, 2000), Diminutos del calvario (coregia/codirectors aa.vv., ep. Rancor, cm, 2002), The Birthday (id., 2004), Agnosia (2010), Grand Piano (id., 2013). don mckellar THE GRAND SEDUCTION CONTENTS Canada, 2013, 35mm, 115’, col. regia/director Don McKellar soggetto/story Ken Scott sceneggiatura/screenplay Ken Scott, Michael Dowse fotografia/cinematography Douglas Koch montaggio/film editing Dominique Fortin scenografia/ production design Guy Lalande musica/music Paul-Étienne Côté, Maxime Barzel, François-Pierre Lue suono/sound Jean Camden, Marcel Pothier, Pierre-Jules Audet, Luc Boudrias interpreti e personaggi/ cast and characters Brendan Gleeson (Murray French), Taylor Kitsch (il dottor/ Dr Lewis), Gordon Pinsent (Simon), Liane Balaban (Kathleen), Mark Critch, Mary Walsh produttori/producers Roger Frappier, Barbara Doran produzione/production Max Films inc., Morag Loves Company ** contatti/contacts Voltage Pictures Katie Katz Tel: +323 606 76 30 [email protected] www.voltagepictures.com LA GRANDE SEDUZIONE [T.L.] L’economia di Tickle Cove si è sempre basata sulla pesca, ma ora la crisi dell’industria ittica lascia poco scampo agli abitanti: chi può cerca lavoro in città e i più anziani chiedono il sussidio. La speranza di salvezza arriva da una fabbrica di materie plastiche, che manifesta l’intenzione di aprire una sede in zona a patto che sia garantita la presenza di un medico. Capitanati da Murray French, gli abitanti di Tickle Cove si mettono alla ricerca della persona giusta, e quando trovano il dottor Lewis, chirurgo estetico di dubbia moralità, fanno di tutto per convincerlo della bellezza del villaggio. «Quando mi hanno proposto di girare il film, ho visto la versione originale [La grande séduction, 2003, di Jean-François Pouliot, ndr] e ho letto la sceneggiatura, trovandola da subito molto solida. È un film vecchio stile, sulla scia delle Ealing Comedy, una commedia sociale su qualcuno che viene da fuori, dalla città. Oggi la maggior parte delle commedie si basa su ritratti psicologici e raramente viene delineata una precisa dimensione sociale; si trattava quindi di una sfida molto divertente». THE GRAND SEDUCTION Tickle Cove has always been a fishing village, but the collapse of the fishing industry has severely affected the community: those who can leave town, seeking employment in the city, while the others, the older people, seek welfare assistance. Their lifeline could be a plastics manufacturer interested in opening a factory in the area, as long as there is a resident doctor. The townspeople, led by Murray French, start looking for the right person, and when they find Dr Lewis, an ethically questionable cosmetic surgeon, they go out of their way to seduce him with the village’s charm. “After they asked me to shoot the movie, I read the script and immediately found it very solid, so I watched the original version [La grande seduction, 2003, by Jean-François Pouliot, ed.]. It’s an old school film, along the lines of the Ealing Comedy, a social comedy about a big-city visitor coming to town. Nowadays, most comedies are based on psychological traits and they rarely outline a specific social dimension. So it was also a very fun challenge.” 30 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Don McKellar (North York, Canada, 1963), attore, regista e sceneggiatore, ha esordito nella regia con il cortometraggio The Bloody Nose, cui è seguito Blue, premiato come miglior corto canadese a Toronto nel 1992. Il suo primo lungometraggio, Last Night, in cui recita anche David Cronenberg, ha ottenuto diversi riconoscimenti, tra cui il Prix de la jeunesse a Cannes nel 1998, il premio come miglior opera prima al Festival di Toronto ed è stato in concorso al 16° Torino Film Festival. Nel 1998 ha presentato ancora a Torino, nella sezione cortometraggi, Elimination Dance, diretto con Bruce McDonald e Michael Ondaatje, e nel 2004 ha diretto la commedia Childstar. In seguito ha lavorato soprattutto come attore. Don McKellar (North York, Canada, 1963) is an actor, a screenwriter and a director. He made his directorial debut with the shorts The Bloody Nose and Blue, awarded for best Canadian short film in Toronto in 1992. His first feature film, Last Night (in which David Cronenberg plays a part), received several prizes in 1998, including the Prix de la jeunesse in Cannes, the award for best Canadian first feature film at the Toronto Film Festival, and was in competition at the 16 Torino Film Festival. He was again in Turin in 1998 with the short Elimination Dance, directed with Bruce McDonald and Michael Ondaatje, and in 2004 he directed the comedy Childstar. In the latest years he mainly worked as an actor. TH filmografia/filmography The Bloody Nose (cm, 1992), Blue (cm, 1992), Last Night (id., 1998), Elimination Dance (coregia/codirectors Bruce McDonald, Michael Ondaatje, cm, 1998), A Word from the Management (cm, 2000), Childstar (2004), Phone Call from Imaginary Girlfriends: Istanbul (cm, 2005), Phone Call from Imaginary Girlfriends: Ankara (cm, 2005), Michael: Tuesdays & Thursdays (ep. Small Talk, Unscripted Conversation, Vomiting, Sleeping with People, Endings, tv, 2011), The Grand Seduction (2013). bruce mcdonald THE HUSBAND CONTENTS Canada, 2013, HD, 80’, col. regia/director Bruce McDonald sceneggiatura/screenplay Kelly Harms, Maxwell McCabe-Lokos fotografia/cinematography Daniel Grant montaggio/film editing Duff Smith scenografia/ production design Andy Berry musica/music Ian LeFeuvre, Todor Kobakov suono/sound Urban Post interpreti/cast Maxwell McCabe-Lokos, August Diehl, Sarah Allen, Jodi Balfour, Stephen McHattie produttori/producers Daniel Bekerman, Cher Hawrysh, Bruce McDonald produzione/production Scythia Films, Phenomenal Films, Shadow Shows ** contatti/contacts Scythia Films Riaya Aboul Ela [email protected] www.matterhornintlfilms.com IL MARITO [T.L.] Non è facile andare a trovare la propria moglie in carcere, soprattutto se è stata arrestata per aver fatto sesso con uno studente quattordicenne. Per il povero Henry, la vita dopo lo scandalo che ha travolto la sua famiglia è diventata un incubo dai contorni spesso involontariamente comici: rimasto solo a crescere un figlio di pochi mesi, deve fare i conti con un lavoro insoddisfacente, con la frustrazione del tradimento subito e, soprattutto, con un sentimento di rabbia pronto a esplodere. Quali sono le soluzioni? Perdonare la moglie, continuare a perseguitare Colin, il ragazzino che ha mandato all’aria il suo matrimonio, o altro ancora? «La sceneggiatura mi è piaciuta da subito. A colpirmi è stato l’approccio trasversale alla situazione, ormai stranamente normale e contemporanea, di un’insegnante e uno studente che hanno una relazione sessuale. Per me si è trattato del primo film in cui ho parlato di famiglia […], anche se si tratta di una family story piuttosto inusuale, e di certo non di un film per famiglie». THE HUSBAND Visiting your wife in jail isn’t easy, especially if she was arrested for sleeping with a fourteen-year-old student. After the scandal engulfed his family, life for poor Henry has become a nightmare with involuntarily comical tones: left to raise their infant son alone, he also has to deal with an unfulfilling job, with the frustration of the betrayal, and, above all, with a bubbling rage about to explode. But what are his options? Forgive his wife, keep on harassing Colin, the kid who ruined his marriage, or is there something else? “I loved the script, I loved the sideways approach at this kind of strangely common, modern ‘teacher and student sexing it up’ thing. This is the first film I’ve done about a family. […] It is an unusual family story, it’s not a family movie.” 31 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Bruce McDonald (Kingston, Canada, 1959) si è laureato in cinema alla Ryerson University e nel 1985 ha girato il lungometraggio in 16mm Knock! Knock!, presentato al quarto festival Cinema Giovani di Torino. Nel 1989 ha vinto il premio per il miglior film canadese al Festival di Toronto con Roadkill, primo capitolo della trilogia dedicata al rock’n’roll proseguita con Highway 61 (1991), premio alla regia al Festival di San Sebastián, e il mockumentary Hard Core Logo (1997), miglior film canadese al Festival di Vancouver. Ha presentato a Torino i film The Tracey Fragments nel 2007, Pontypool nel 2009 e This Movie Is Broken l’anno successivo. Bruce McDonald (Kingston, Canada, 1959) graduated in film from Ryerson University. In 1985 he shot the 16mm feature film Knock! Knock!, which was presented at the 4 Festival Cinema Giovani in Torino. In 1989 he won the prize for best Canadian film at the Toronto Film Festival with the movie Roadkill, the first chapter of his trilogy dedicated to rock’n’roll, followed by Highway 61 (1991), which won best director at the Festival in San Sebastián, and the mockumentary Hard Core Logo (1997), best Canadian film at the Festival in Vancouver. In 2009 he presented the film Pontypool at the Toronto International Film Festival and at the Torino Film Festival, and, in 2010, This Movie Is Broken. TH filmografia/filmography Let Me See (cm, 1982), Knock! Knock! (coregia/codirector Daniel Brooks, 1985), Roadkill (1989), Highway 61 (1991), Dance Me Outside (1994), Hard Core Logo (1996), Elimination Dance (cm, 1997), Fort Goof (cm, 1999), The City (ep. Gorky Parkette; Just Like Honey, tv, 2000), Lex (ep. Garden; Tunnel, tv, 2000), Road Songs: A Portrait of Robbie Robertson (tv, doc., 2001), Picture Claire (Sola nella trappola, 2001), The Love Crimes of Gillian Guess (tv, 2004), The Dark Room (tv, 2007), The Tracey Fragments (2007), Pontypool (2008), This Movie Is Broken (2010), Trigger (2010), Hard Core Logo 2 (2010), The Husband (2013). paweł pawlikowski IDA CONTENTS Polonia-Danimarca/Poland-Denmark, 2013, HD, 80’, bn/bw regia/director Paweł Pawlikowski sceneggiatura/screenplay Paweł Pawlikowski, Rebecca Lenkiewicz fotografia/cinematography Łukasz Żal, Ryszard Lenczewski montaggio/film editing Jarosław Kamińsk scenografia/ production design Katarzyna Sobańska, Marcel Sławiński costumi/costume design Aleksandra Staszko musica/music Kristian Selin Eidnes Andersen suono/sound Claus Lynge interpreti e personaggi/ cast and characters Agata Kulesza (Wanda), Agata Trzebuchowska (Anna), Dawid Ogrodnik (Lis), Joanna Kulig (la cantante/singer) produttori/producers Eric Abraham, Piotr Dzięcioł, Ewa Puszczyńska produzione/production Opus Film, Phoenix Film coproduttore/coproducer Christian Falkenberg Husum coproduzione/coproduction Canal+ Poland, Phoenix Film Poland distribuzione/distribution Parthénos Distribuzione Cinematografica ** contatti/contacts Parthénos Distribuzione Cinematografica www.parthenosdistribuzione.com 32 Paweł Pawlikowski (Varsavia, Polonia) è cresciuto tra Polonia, Germania, Italia e Regno Unito, dove si è trasferito nel 1977. Ha studiato letteratura e filosofia a Londra e Oxford, per esordire poi come regista di documentari per il canale televisivo Bbc. Dopo il film tv Twockers (1999), scritto e diretto con Ian Duncan, è passato al lungometraggio con Last Resort (2000), My Summer of Love (2004), La femme du V (2011), con i quali ha ottenuto, tra i vari riconoscimenti, due Bafta Awards e il premio Fipresci al London International Film Festival. ÈME IDA Polonia, 1962. Prossima a prendere i voti, la novizia Anna, bella diciottenne cresciuta in un convento perché orfana, scopre di avere una zia ancora in vita. Si tratta di Wanda, ex pubblico ministero comunista, responsabile di numerose condanne a morte nei confronti di religiosi e colpevole di nascondere da sempre le sue origini ebraiche. E mentre Anna scoprirà di essere anche lei ebrea e di chiamasi in realtà Ida, Wanda dal canto suo dovrà confrontarsi con decisioni prese ai tempi della guerra che ancora la perseguitano. «Ida è un film che parla d’identità, famiglia, fede, colpa, socialismo e musica. Volevo fare un film sulla storia che non venisse percepito come un film storico; un film con una morale ma senza una lezione da impartire; […] una storia più simile alla poesia che alla prosa. Ma, più di tutto, volevo tenermi alla larga dalla solita retorica che caratterizza il cinema polacco. In Ida la Polonia è vista da una outsider senza preconcetti, attraverso il filtro dei ricordi personali, delle emozioni, dei suoni e delle immagini di un’infanzia». IDA Poland, 1962. Just before taking her vows, the novice Anna, a beautiful eighteen-year-old orphan who grew up in a convent, discovers she has an aunt who is still alive. Her name is Wanda, a former communist public prosecutor who is responsible for many death sentences passed against nuns and priests and who has always kept her Jewish origins a secret. While Anna discovers she, too, is Jewish and is actually called Ida, Wanda must come to terms with decisions she made during the war and which still haunt her. Paweł Pawlikowski (Warsaw, Poland) grew up in Poland, Germany, Italy and the United Kingdom, where he moved in 1977. He studied literature and philosophy in London and Oxford, and debuted as a director of documentaries for the BBC. After making the TV movie Twockers (1999), which he wrote and directed with Ian Duncan, he moved on to feature films with Last Resort (2000), My Summer of Love (2004) and The Woman in the Fifth (2011), which received numerous recognitions, including two Bafta Awards and the FIPRESCI Award at the London International Film Festival. filmografia/filmography Extraordinary Adventures (tv, doc., 1988), Vaclav Havel (tv, doc., 1989), Moscow Pietushki (tv, doc., 1990), Dostoevsky’s Travels (tv, doc., 1991), Serbian Epics (tv, doc., 1992), The Grave Case of Charlie Chaplin (tv, doc., 1993), Tripping with Zhirinovsky (tv, doc., 1995), Lucifer Over Lancashire (tv, doc., 1997), The Stringer (tv, 1997), Twockers (tv, 1999), Last Resort (2000), My Summer of Love (id., 2004), La femme du V (2011), Ida (id., 2013). ÈME “Ida is a film about identity, family, faith, guilt, socialism and music. I wanted to make a film about history, which wouldn’t feel like a historical film; a film which is moral, but has no lessons to offer; […] a story closer to poetry than plot. Most of all, I wanted to steer clear of the usual rhetoric of the Polish cinema. The Poland in Ida is shown by an ‘outsider’ with no axe to grind, filtered through personal memory and emotion, the sounds and images of childhood.” F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST ethan coen, joel coen INSIDE LLEWYN DAVIS CONTENTS Usa-Francia/USA-France, 2013, 35mm, 105’, col. regia, sceneggiatura/ directors, screenplay Ethan Coen, Joel Coen fotografia/cinematography Bruno Delbonnel montaggio/film editing Roderick Jaynes scenografia/ production design Jess Gonchor costumi/costume design Mary Zophres musica/music T Bone Burnett suono/sound Peter F. Kurland, Skip Lievsay interpreti e personaggi/ cast and characters Oscar Isaac (Llewyn Davis), Carey Mulligan (Jean), John Goodman (Roland Turner), Garrett Hedlund (Johnny Five), F. Murray Abraham (Bud Grossman), Justin Timberlake (Jim), Stark Sands (Troy Nelson), Adam Driver (Al Cody) produttori/producers Ethan Coen, Joel Coen, Scott Rudin produzione/production Long Strange Trip Llc distribuzione/distribution Lucky Red ** contatti/contacts Lucky Red Tel: +39 06 373 522 96 [email protected] www.luckyred.it INSIDE LLEWYN DAVIS Llewyn Davis è un cantautore folk dei primi anni Sessanta, che vive nel Greenwich Village e vorrebbe presentare a un discografico il suo disco d’esordio, Inside Llewyn Davis. La sua vita non è facile: senza soldi e senza una casa, cocciuto e attaccabrighe, Llewyn passa da un appartamento all’altro nel gelido inverno di New York portandosi dietro la chitarra, gli LP invenduti e un gatto di nome Ulysses. Il sogno sembra realizzarsi quando Llewyn parte alla volta di Chicago per un’audizione con il discografico Bud Grossman. «L’intenzione era quella di utilizzare la musica autentica del periodo, ma inventare sostanzialmente tutti i personaggi. Alcune cose le abbiamo prese da Dave Van Ronk, come il fatto che fosse un ragazzo della classe operaia, di quelli che giunsero nel Village dai sobborghi, o che fosse un marinaio. Esiste poi un suo libro, The Mayor of MacDougal Street, che è un’interessante descrizione della scena folk-revival del Greenwich Village nell’era pre-Dylan, quella che lui chiamava “la grande paura folk”. Ci sono però molti aspetti del personaggio del tutto inventati che non hanno alcun collegamento con Van Ronk». INSIDE LLEWYN DAVIS Llewyn Davis is a folksinger in the early 1960s. He lives in Greenwich Village and wants to present his debut record, Inside Llewyn Davis, to a record producer. His is not an easy life: a penniless drifter, stubborn and cantankerous, Llewyn moves from one apartment to another in the freezing New York winter, dragging behind his guitar, his unsold LPs and a cat named Ulysses. His dream seems about to come true when Llewyn heads to Chicago to audition for the record producer Bud Grossman. “The ambition was that the movie have the real music from the period, but the characters were essentially made up. We took some things from Van Ronk – the fact that he was a working-class kid from the ’burbs who came to the Village, and he was a merchant marine. There’s a book that he wrote, The Mayor of MacDougal Street, which is a very interesting description of that pre-Dylan folk-revival scene in the Village that Van Ronk called ‘the great folk scare’. But there were many aspects of the character that were made up whole cloth, and didn’t have any connection to Van Ronk.” 33 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Joel e Ethan Coen (Minneapolis, Minnesota, Usa, 1954 e 1957) costituiscono da quasi trent’anni uno dei sodalizi artistici più significativi della storia del cinema. Insieme e in maniera autonoma ideano, scrivono, producono, dirigono, montano i loro film e ne supervisionano le musiche. Solo per comodità, talvolta, si dividono i ruoli, firmando Joel la regia ed Ethan la produzione. Apprezzatissimi in patria e soprattutto in Europa (Inside Llewyn Davis ha vinto quest’anno il Gran premio della giuria a Cannes), hanno ricevuto quattro Oscar: nel 1997 per la sceneggiatura di Fargo e nel 2008, con Non è un paese per vecchi, per il miglior film, la regia, la miglior sceneggiatura non originale. Joel and Ethan Coen (Minneapolis, MN, USA, 1954 and 1957), for almost thirty years, have been one of the most important artistic partnerships in the history of cinema. In collaboration and separately, they create, write, produce, direct and edit their films and supervise the music. Occasionally, and only for the sake of convenience, do they divvy up the roles, with Joel directing and Ethan producing. Highly thought of at home and, above all, in Europe (Inside Llewyn Davis won this year’s Grand Jury Prize at Cannes), they have received four Oscars: in 1997 best screenplay for Fargo, and in 2008, with No Country for Old Men, best motion picture, best achievement in directing, and best adapted screenplay. filmografia essenziale/ essential filmography Blood Simple (Blood Simple - Sangue facile, 1984), Raising Arizona (Arizona Junior, 1987), Miller’s Crossing (Crocevia della morte, 1990), Barton Fink (Barton Fink - È successo a Hollywood, 1991), The Hudsucker Proxy (Mister Hula Hoop, 1994), Fargo (id., 1995), The Big Lebowski (Il grande Lebowski, 1998), O Brother, Where Art Thou? (Fratello, dove sei?, 2000), The Man Who Wasn’t There (L’uomo che non c’era, 2001), Ladykillers (id., 2004), No Country for Old Men (Non è un paese per vecchi, 2007), Burn After Reading (Burn After Reading - A prova di spia, 2008), A Serious Man (id., 2009), True Grit (Il Grinta, 2010), Inside Llewyn Davis (id., 2013). jon turteltaub LAST VEGAS CONTENTS Usa, 2013, 106’, HD, col. regia/director Jon Turteltaub sceneggiatura/screenplay Dan Fogelman fotografia/cinematography David Hennings montaggio/film editing David Rennie scenografia/ production design David J. Bomba costumi/costume design Danya Pink interpreti e personaggi/ cast and characters Michael Douglas (Billy), Robert De Niro (Paddy), Morgan Freeman (Archie), Kevin Kline (Sam), Mary Steenburgen (Diana), Jerry Ferrara (Todd), Romany Malco (Lonnie), Rogert Bart (Maurice), Weronika Rosati (Veronica) produttori/producers Amy Baer, Joseph Drake, Laurence Mark produzione/production CBS Films, Gidd Media, Good Universe coproduttore/coproducer Matt Leonetti distribuzione/distribution Universal Pictures Italia ** contatti/contacts Universal Pictures Italia Cristina Casati Tel: +39 06 852691 [email protected] www.universalpictures.it 34 LAST VEGAS I quattro amici pensionati Billy, Paddy, Archie e Sam si conoscono da sempre; in occasione dell’addio al celibato di Billy, l’incallito scapolo del gruppo che ha finalmente deciso di sposare la sua compagna (ovviamente molto più giovane di lui), partono per Las Vegas con il proposito di rivivere i loro giorni di gloria, dimenticandosi della loro vera età. Ben presto però i quattro si renderanno conto che la Città del peccato è molto cambiata da quella che ricordavano e che la loro amicizia non è poi così solida come credevano. «La storia è un coming of age. Quattro settantenni vanno a Las Vegas per scoprire che non sono più giovani, ma che allo stesso tempo non sono vecchi. Tutti combattiamo con l’idea di comportarci in maniera consona all’età che abbiamo. Continuiamo a crescere e a invecchiare, imparando sempre qualcosa». LAST VEGAS Four retired friends, Billy, Paddy, Archie and Sam, have known each other since forever; when Billy, the diehard bachelor of the group, finally decides to marry his companion (who is obviously much younger than him), the four buddies leave for Las Vegas with the intention of reliving their days of glory, ignoring their real age. But they are forced to acknowledge that Sin City has changed a lot since they were last there and that their friendship isn’t as rock-solid as they thought. “It’s a coming-of-age story. Four seventy-year-old guys go to Vegas and get a big dose of how young they’re not and how old they’re not. We all struggle with the idea of acting your age. We’re always growing. We’re always learning.” F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Jon Turteltaub (New York, Usa, 1963) si è laureato presso la Wesleyan University nel 1985 e ha esordito nel 1989 con il lungometraggio Due gemelli e una monella. Regista per il cinema e per la televisione, vanta tra i suoi titoli successi commerciali hollywoodiani come Cool Runnings Quattro sottozero (1993), Phenomenon (1996), con John Travolta, Instict Istinto primordiale (1999), con Anthony Hopkins, il dittico Il mistero dei templari (2004) e Il mistero delle pagine perdute (2007) con protagonista Nicholas Cage, e L’apprendista stregone (2010). Come produttore ha lavorato soprattutto in ambito televisivo, producendo le serie Jericho, Harper’s Island e Common Law. Jon Turteltaub (New York, NY, USA, 1963) graduated from Wesleyan University in 1985 and debuted in 1989 with the feature-length Think Big. A movie and television director, his Hollywood commercial successes include Cool Runnings (1993); Phenomenon (1996), starring John Travolta; Instinct (1999), with Anthony Hopkins; the diptych starring Nicholas Cage, National Treasure (2004) and National Treasure: Book of Secrets (2007); and The Sorcerer’s Apprentice (2010). As a producer, he has been active primarily in television, producing the series Jericho, Harper’s Island and Common Law. filmografia essenziale/ essential filmography Think Big (Due gemelli e una monella, 1989), Driving Me Crazy (L’auto più pazza del mondo, 1991), 3 Ninjas (3 piccole pesti in vacanza, 1992), Cool Runnings (Cool Runnings - Quattro sottozero, 1993), While You Were Sleeping (Un amore tutto suo, 1995), Phenomenon (id., 1996), Instict (Instict - Istinto primordiale, 1999), The Kid (Faccia a faccia, 2009), National Treasure (Il mistero dei templari, 2004), National Treasure: Book of Secrets (Il mistero delle pagine perdute, 2007), The Sorcerer’s Apprentice (L’apprendista stregone, 2010), Last Vegas (id., 2013). narimane mari LOUBIA HAMRA CONTENTS RED BEANS Algeria-Francia/Algeria-France, 2013, HD, 80’, col. regia, sceneggiatura, produttore/ director, screenplay, producer Narimane Mari fotografia/cinematography Nasser Madjkane montaggio/film editing Caroline Detournay, Anita Roth, Narimane Mari musica/music Zombie Zombie, Cosmic Neman, Etienne Jeman suono/sound Guillaume Pellerin, Olivier Luce, Benjamin Laurent interpreti e personaggi/ cast and characters Adlane Aïssani (Tarzan), Amir Nourine (Amir), Chems-Eddine Boudjema (Chemsi), Feyçal Ould Larbi (Feyçal), Ghania Aïssani (Lilia), Housseim Eddine Chatouani (Chozi), Haïtem Hala (Boyka), Kawtar Bakir (Poupouna), Madjid Bouabdellah (Madjid), Mounir Laïd (Mounir), Mohamed Brahimi (Taliani), Nassim Brahimi (Nassim), Nedjmeddine Benarafa (l’egiziano/Egyptian), Rehab Bakir (Poupounetta), Rabam Issam Hadj Aïssa (L’mucho), Yacine Bennou (Bone Has Marrow) produzione/production Allers Retours Films coproduttori/coproducers Arnaud Dommerc, Olivier Boischot, Jean-Baptiste Legrand coproduzione/coproduction Andolfi, Centrale Electrique ** contatti/contacts Allers Retours Films Narimane Mari Tel: +213 055 579 86 19 FAGIOLI ROSSI [T.L.] Su una spiaggia algerina un gruppo di bambini gioca tra la sabbia e le onde. Intorno a loro un dramma dalla portata storica: il loro Paese è in fiamme, sconvolto dalla guerra tra le truppe indipendentiste e l’esercito francese. Grazie all’immaginazione e alla spensieratezza proprie dell’infanzia, la tragedia assume i contorni di un gioco, in cui depredare i soldati francesi delle loro scorte alimentari è un divertimento più che una necessità. Ma presto il mondo dei grandi esigerà il suo tributo di sangue. «Questo non è un film sull’eroismo. Non era mia intenzione che lo fosse. È stato un lavoro con i bambini, sia quando recitavamo sia quando spiegavamo loro come fare. Nessuno comandava! Alcuni di loro magari si sono fatti notare ma non troppo a lungo. Potrei dire che è l’infanzia, l’elemento che li accomuna, la vera eroina del film, anche se non ne sono molto convinta. Forse perché gli eroi muoiono alla fine dei film e si sacrificano nella vita reale, mentre i bambini non dovrebbero mai morire o sacrificarsi. Quindi direi che non abbiamo bisogno di eroi». RED BEANS A group of children is playing in the sand and the waves on a beach in Algeria. Around them, a drama of historical dimensions is unfolding: their country is in flames, devastated by the war between nationalist troops and the French army. Through the children’s imagination and carefree gaiety, the tragedy assumes the contours of a game, in which stealing food from the French soldiers is a pastime more than a need. But the world of adults will soon demand its toll of blood. “It is not a movie about heroism at all. And I did not want that either. It was mainly a job with children, as much when we were acting as when showing them. No leader here! Some of them may stand out, but never for long. I can say that the childhood, that they all have in common, is the hero of the movie, but I don’t want to say that either. Maybe because heroes die at the end of the movies and sacrifice themselves in real life, while childhood should never die or be sacrificed, so no need of a hero.” [email protected] 35 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Narimane Mari (1969, Algeri, Algeria) ha lavorato per importanti testate francesi quali «Libération» e «France Soir», occupandosi della sezione culturale, oltre a realizzare programmi di approfondimento per Canal+ e France Télévision. Parallelamente ha collaborato con gallerie d’arte e, nel 2006, ha fondato la casa di produzione Centrale Electrique, specializzata in documentari d’impegno sociale e film d’autore. Tornata in Algeria, nel 2010 ha creato la Allers Retours Films per proseguire il lavoro intrapreso in precedenza in Francia. Red Beans segna il suo debutto nel lungometraggio. Narimane Mari (1969, Algiers, Algeria) worked for important French publications such as “Libération” and “France Soir,” writing for the culture sections, and also made in-depth news programs for Canal+ and France Télévision. At the same time, she collaborated with art galleries and in 2006 she founded the production company Centrale Electrique, specialized in social commitment documentaries and art house films. After returning to Algeria, in 2010 she founded Allers Retours Films to continue her previous work in France. Red Beans is her first feature-length film. filmografia/filmography Loubia Hamra (Red Beans, 2013). jim jarmusch ONLY LOVERS LEFT ALIVE CONTENTS Usa, 2013, 35mm-HD, 123’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Jim Jarmusch fotografia/cinematography Yorick Le Saux montaggio/film editing Affonso Gonçalves scenografia/ production design Marco Bittner Rosser costumi/costume design Bina Daigeler musica/music Jozef van Wissem interpreti e personaggi/ cast and characters Tom Hiddleston (Adam), Tilda Swinton (Eve), Mia Wasikowska (Ava), John Hurt (Marlowe) produttori/producers Jeremy Thomas, Reinhard Brundig produzione/production Pandora Film Produktion, Recorded Picture Company ** contatti/contacts Festival Agency Claire Thibault Tel: +33 954 904 863 [email protected] www.thefestivalagency.com GLI UNICI AMANTI RIMASTI IN VITA [T.L.] Adam è un musicista underground di Detroit che si nasconde dal mondo e conduce una vita prevalentemente notturna. A Tangeri vive sua moglie Eve, con cui ha una relazione romantica che dura da secoli. Trattasi, infatti, di due vampiri, eleganti e bohemien, che cercano nell’isolamento e nelle tenebre la salvezza da un mondo impazzito, che giudicano volgare e giunto al capolinea. Quando finalmente Adam e Eve possono rincontrarsi, la loro esistenza è però messa a repentaglio dall’incontrollabile sorella minore di lei, che s’insinua come un morbo nella loro storia, sopravvissuta negli anni alle prove più dure. «Questo film è sì una storia d’amore ma è anche la storia di due outsider inconsueti che, a causa delle circostanze inusuali in cui si trovano a vivere, hanno una visione più ampia sull’umanità e sulla storia, oltre ad aver ottenuto risultati sbalorditivi e sconfitte tragiche e crudeli. Adam e Eve sono la metafora dell’attuale condizione dell’essere umano: sono fragili e in pericolo, alla mercè delle forze della natura e in balia della miopia di coloro che detengono il potere». ONLY LOVERS LEFT ALIVE Adam is an underground musician in Detroit who hides from the world and leads a predominantly nocturnal lifestyle. His wife Eve lives in Tangiers and their love story has been going on for centuries. In fact, they are two elegant and bohemian vampires who have turned to isolation and darkness in their search for salvation from a world gone mad, which they consider vulgar and in its death throes. When Adam and Eve are finally rejoined, their existence is endangered by Eve’s uncontrollable younger sister who, like a disease, slips into their relationship, which over the years had survived the hardest ordeals. “This is a love story, but also the story of two exceptional outsiders who, given their unusual circumstances, have a vast overview of human and natural history, including stunning achievements and tragic and brutal failures. Adam and Eve are themselves metaphors for the present state of human life – they are fragile and endangered, susceptible to natural forces, and to the shortsighted behavior of those in power.” 36 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Jim Jarmusch (Akron, Ohio, Usa, 1953) ha studiato tra Parigi e New York, dove tutt’ora risiede e dove ha cominciato la sua carriera nella scena downtown dei primi anni Ottanta. Riconosciuto fin dagli esordi come uno dei massimi esponenti del cinema indipendente americano, ha diretto nel 1980 Permanent Vacation imponendo il suo stile minimalista e ironico. Sono poi seguiti, tra gli altri, Stranger Than Paradise - Più strano del paradiso (1984) e Daunbailò (1986), interpretato da Benigni e Tom Waits, e i capolavori della maturità Dead Man (1995), Ghost Dog (1999) e Broken Flowers (2005), tutti presentati in concorso al Festival di Cannes. Jim Jarmusch (Akron, OH, USA, 1953) studied in Paris and New York, where he still lives and where he began his career in the downtown scene during the early 1980s. Right from the start, he became known as one of the highest exponents of American independent cinema, and in 1980 he directed Permanent Vacation, imposing his minimalist and ironic style. Following films include Stranger Than Paradise (1984) and Down by Law (1986), featuring Benigni and Tom Waits, and his later masterpieces Dead Man (1995), Ghost Dog (1999) and Broken Flowers (2005), all of which competed at the Cannes Film Festival. filmografia/filmography Permanent Vacation (id., 1980), Stranger Than Paradise (cm, 1983), Stranger Than Paradise (Stranger Than Paradise - Più strano del paradiso, 1984), Coffee and Cigarettes (cm, 1984), Down by Law (Daunbailò, 1986), Talking Head: Storytelling Giant (video, 1988), Coffee and Cigarettes II (cm, 1989), Mistery Train (Mistery Train - Martedì notte a Memphis, 1989), Night on Earth (Taxisti di notte, 1991), Dead Man (id., 1995), Coffee and Cigarettes III (cm, 1995), Year of the Horse (doc., 1997), Ghost Dog (Ghost Dog Il codice del samurai, 1999), Ten Minutes Older: The Trumpet (coregia/codirectors aa.vv., ep. Int. Trailer Night, 2002), Coffee and Cigarettes (id., 2003), Broken Flowers (id., 2005), Red Hot and Blue (ep. It’s All Right with Me, tv, 2008), The Limits of Control (2009), Only Lovers Left Alive (2013). david gordon green PRINCE AVALANCHE CONTENTS Usa, 2013, 35mm, 94’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay David Gordon Green soggetto/story dal film/from the film Á Annan Veg di/by Hafsteinn Gunnar Sigurdsson fotografia/cinematography Tim Orr montaggio/film editing Colin Patton scenografia/ production design Richard A. Wright costumi/costume design Jill Newell musica/music Devoe Yates, Paul Rudd, Emile Hirsch interpreti e personaggi/ cast and characters Emile Hirsch (Lance), Paul Rudd (Alvin), Lance Legault (Toodie), Joyce Payne (Lady), Gina Grande (Madison) produttori/producers Lisa Muskat, Derrick Tseng, Craig Zobel, James Belfer, David Gordon Green produzione/production Muskat Filmed Properties, Dogfish Pictures ** contatti/contacts The Match Factory David Bauduin Tel: +49 221 539 709 45 [email protected] www.the-match-factory.com PRINCE AVALANCHE Nel 1987 un incendio ha distrutto un’immensa area boschiva del Texas, lasciando dietro di sé ettari di alberi bruciati. In questo paesaggio surreale lavorano fianco a fianco Alvin e Lance, assunti per ridipingere la striscia di mezzeria del manto stradale. Il primo è romantico e introverso, impegnato in una relazione epistolare; il secondo, fratello della donna amata da Alvin, è pigro e con pochi progetti per il futuro. La convivenza forzata di ben due mesi li costringe a confrontarsi e fa nascere un’amicizia sincera, con risvolti esilaranti. Remake americano di Á Annan Veg - Either Way di Hafsteinn Gunnar Sigurdsson, film islandese vincitore del Torino Film Festival nel 2011. «Immagino di essere attratto dalle stranezze. Probabilmente tutti coloro che compaiono nei miei film sono strani. Però questo è il modo in cui vedo i miei amici, la mia famiglia e le persone di cui mi circondo, ed è ciò a renderli interessanti ai miei occhi. Mi piacciono quei film in cui ci sono personaggi considerati dei reietti, ma che li raccontano senza trasformarli in freaks». PRINCE AVALANCHE In 1987, a fire destroyed a vast tract of forest in Texas, leaving behind acres of burnt trees. Alvin and Lance work together in this surreal landscape; their job is to repaint the median strip on the roads. Alvin, a romantic introvert, is involved in an epistolary relationship; Lance, the brother of the woman Alvin is in love with, is lazy and doesn’t have many plans for the future. The forced cohabitation makes the two come to terms with each other and sparks a true friendship with hilarious consequences. An American remake of Á Annan Veg - Either Way by Hafsteinn Gunnar Sigurdsson, which won the 2011 Torino Film Festival. “I guess I’m attracted to the odd. Probably everyone in all of my movies is odd. But then so are my friends and family and the people I hang out with – and that’s what makes them interesting to me. I like movies where there are characters that are seen kind of outcasts – but not make a freak show out of them.” 37 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST David Gordon Green (Little Rock, Arkansas, Usa, 1975) cresce in Texas e studia regia alla North Carolina School of Art, e dopo una lunga serie di cortometraggi nel 2001 esordisce con George Washington, lungometraggio vincitore del Torino Film Festival. Nel 2003 realizza All the Real Girls, premio speciale della giuria al Sundance, e poi continua a portare avanti il suo cinema indie profondamente radicato nella cultura americana e al tempo stesso caratterizzato da un malinconico realismo magico con Undertow (2004), prodotto da Terence Malick e in concorso al Torino Film Festival, e Snow Angels (2007). Con Strafumati (2008), Sua Maestà (2011) e Lo spaventapassere (2011) vira verso un cinema più commerciale, salvo recuperare atmosfere e libertà espressiva dei primi lavori con lo stesso Prince Avalanche e il successivo Joe (2013), presentato in concorso alla Mostra di Venezia. David Gordon Green (Little Rock, AR, USA, 1975) grew up in Texas and studied directing at the North Carolina School of Art. After a long series of shorts, he debuted in feature films in 2001 with George Washington, which won that year’s Torino Film Festival. In 2003, he made All the Real Girls, which received a Special Jury Prize at Sundance. He continued making indie films, which are deeply rooted in American culture and at the same time have a magical melancholy realism: Undertow (2004), produced by Terence Malick and which competed at the Torino Film Festival; and Snow Angels (2007). His films Pineapple Express (2008), Your Highness (2011), and The Sitter (2011) veered toward a more commercial type of cinema, but he recaptured the expressive atmosphere and freedom of his early works with Prince Avalanche and his next movie, Joe (2013), which competed at the Venice Film Festival. filmografia/filmography Roughouse (cm, 1995), Pleasant Grove (cm, 1996), Artificial Insemination (cm, 1996), A Biography of Barrels (cm, 1997), Phisical Pinball (cm, 1998), George Washington (2000), All the Real Girls (2003), Undertow (id., 2004), Snow Angels (id., 2007), Pineapple Express (Strafumati, 2008), Eastbound & Down (ep., tv, 2009-2012), Black Jack (tv, 2011), Your Highness (Sua Maestà, 2011), The Sitter (Lo spaventapassere, 2011), Prince Avalanche (2013), Joe (2013). katell quillévéré SUZANNE CONTENTS Francia/France, 2013, HD, 94’, col. regia/director Katell Quillévéré sceneggiatura/screenplay Katell Quillévéré, Mariette Désert fotografia/cinematography Tom Harari montaggio/film editing Thomas Marchand scenografia/ production design Anna Falguères costumi/costume design Moïra Douguet musica/music Verity suono/sound Yolande Decarsin interpreti e personaggi/ cast and characters Sara Forestier (Suzanne), François Damiens (Nicolas), Adèle Haenel (Maria), Paul Hamy (Nicolas), Corinne Masiero (Eliane), Paul Hamy (Julien), Karim Leklou (Vince), Apollonia Luisetti (Suzanne da bambina/as a child), Fanie Zanini (Maria da bambina/as a child), Timothé Vom Dorp (Charlie da neonato/as a baby), Maxim Driesen (Charlie da ragazzino/as a young kid), Jaime Dacunha (Charlie da giovane adolescente/ as a young teenager) produttore/producer Bruno Levy produzione/production Move Movie ** contatti/contacts Film Distribution Sanam Madjedi Tel: +33 1531 033 99 [email protected] www.filmsdistribution.com 38 Katell Quillévéré (Abidjan, Costa d’Avorio, 1980), dopo gli studi in cinema e filosofia a Parigi, ha debuttato nella regia nel 2005 con il cortometraggio À bras le corps, presentato alla Quinzaine des réalisateurs di Cannes e selezionato per i César. Dopo altri due corti, ha diretto il suo primo lungometraggio, Un poison violent, vincitore del premio Jean Vigo e selezionato inoltre alla Quinzaine des réalisateurs. SUZANNE Nonostante la morte della madre, Suzanne e Maria hanno trascorso un’infanzia felice e sono molto legate. Il loro padre Nicolas, per quanto in maniera un po’ goffa, è sempre riuscito a far funzionare le cose, impedendo che le ragazze soffrissero troppo per la mancanza di una figura materna. Quando poi Suzanne dà alla luce il piccolo Charlie, la famiglia si ritrova ancora più unita: nulla perciò fa presagire i cambiamenti a cui tutti andranno incontro nel momento in cui Suzanne incontrerà un ragazzo difficile come Julien. «Mentre il mio compagno si documentava su una serie di nemici pubblici francesi, come ad esempio Mesrine, Besse o Vaujour, mi ha passato le autobiografie delle loro mogli. In quei libri, il primo capitolo è sempre dedicato all’infanzia e all’adolescenza per cercare, senza poi realmente trovarli, episodi che giustifichino la piega presa dalle loro vite quando trovano l’amore. Perché incontrano e si innamorano di uomini così particolari, legandosi in modo tale da arrivare a nascondere esplosivi in una prigione, o pilotare un elicottero per aiutarli a fuggire?» SUZANNE Despite the death of their mother, Suzanne and Maria have led a happy childhood and the two are very close. Their father Nicolas, albeit with some awkwardness, has always managed to make things go smoothly and the two girls have never suffered much from their lack of a maternal figure. When Suzanne gives birth to little Charlie, the family is even more closely united, but nobody could have foreseen the changes they all face when Suzanne meets Julien, a rough character. “When my companion was reading a number of books about French public enemies such as Mesrine, Besse or Vaujour, he gave me their wives’ autobiographies. In their books, the first chapter is always devoted to their childhood and their adolescence in order to search for, without really finding, events that could give sense to the direction their lives have taken, and which would explain this decisive romantic encounter. Why do they suddenly cross paths and fall in love with these particular men, tying their fates to theirs to the point of being capable of sneaking explosives into a prison, or learning to pilot a helicopter to help them escape?” F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Katell Quillévéré (Abidjan, Ivory Coast, 1980), after studying film and philosophy in Paris, debuted in directing in 2005 with the short À bras le corps, presented at the Quinzaine des réalisateurs in Cannes and selected for the César Awards. After two other shorts, she directed her first feature film, Un poison violent, which won the Jean Vigo Award and was also selected for the Quinzaine des réalisateurs. filmografia/filmography À bras le corps (cm, 2005), L’imprudence (cm, 2007), L’échappée (cm, 2009), Un poison violent (2010), Suzanne (2013). giuseppe pollicelli, mario tani TEMPORARY ROAD. (UNA) VITA DI FRANCO BATTIATO CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 70’, col. regia/directors Giuseppe Pollicelli, Mario Tani fotografia/cinematography Nicola Saraval montaggio/film editing Alessandro Latrofa musica/music Alessandro Latrofa, Giuseppe Pollicelli, Mario Tani suono/sound Tommaso Danisi interprete/cast Franco Battiato produttore/producer Mario Tani produzione/production Mac Film ** contatti/contacts Mac Film [email protected] www.macfilm.it Mario Tani [email protected] TEMPORARY ROAD. (UNA) VITA DI FRANCO BATTIATO Una lunga conversazione con Battiato, la registrazione dell’album Apriti sesamo, esibizioni e dietro le quinte dell’ultimo tour, per raccontare le tappe di una straordinaria vicenda umana all’insegna dell’arte e della ricerca interiore. «Su Battiato non è stato mai realizzato prima d’ora un film che ne racconti in maniera strutturata e analitica la lunga e articolata traiettoria artistica e umana. [...] L’appassionato e l’estimatore che volessero studiare la sua arte – e i suoi legami con la biografia del musicista – dovrebbero farlo in maniera autonoma, impegnandosi a ricostruire il cammino (tuttora in pieno e tumultuoso svolgimento) dell’artista siciliano, sforzandosi di comprendere che, come direbbe Battiato stesso, “il tutto è più della somma delle sue parti”. L’opera intende essere più di un documentario e nasce con il proposito di risultare un vero e proprio film, un lavoro completo che ripercorre le orme di una carriera, iniziata ormai quasi cinquant’anni fa, e da considerare senza alcuna remora come uno dei tasselli più significativi nel mosaico della musica contemporanea». TEMPORARY ROAD. (A) LIFE OF FRANCO BATTIATO A long conversation with Franco Battiato, the recording of his album Apriti sesamo, the performances and the behind the scenes of his last tour, in a film that tells the stages of an extraordinary human life dedicated to the pursuit of art and soul-searching. “No one has ever made a movie about Franco Battiato that told his long and multifaceted artistic and human path in a systematic way. […] Fans and connoisseurs wanting to study his art and its connections to the musician’s biography should do so autonomously; they should retrace the journey (still in full and tumultuous progress) of the Sicilian artists, trying to understand that, as Battiato himself would say, ‘the whole is greater than the sum of its parts.’ This film is meant to be more than just a documentary: it is aims to be a real feature, a complete work that traces the steps of a career that started over fifty years ago. A tribute to his artistic contributions, which unquestionably represent one of the most significant pieces of the mosaic that is the contemporary music scene.” Giuseppe Pollicelli (Roma, Italia, 1974) dal 2002 lavora come giornalista, occupandosi di fumetti, illustrazione e cinema d’animazione. Nel 2000 ha pubblicato con Daniele Bevilacqua Bonelli & dintorni e con Andrea Materia Comicswood. Dizionario del cinefumetto. Collabora con «Comic Art», «Ciak», «Il Mucchio selvaggio», «Linea d’ombra» e il quotidiano «Libero». Temporary Road è il suo primo lavoro per il cinema. Mario Tani (Bari, Italia, 1976), laureatosi in cinema alla Sapienza di Roma, dal 1990 dirige cortometraggi, spot, videoclip e documentari, tra i quali i premiati L’affaire, Un certain regard (2006) e Le dernier combat (2010). Tra i fondatori della casa di produzione MAC Film, nel 2012 ha prodotto il cortometraggio La stagione dell’amore di Antonio Silvestre, presentato al Festival di Roma. Giuseppe Pollicelli (Rome, Italy, 1974) has been working as a journalist since 2002, specialized in comics, illustration, and animation. In 2000, he published Bonelli & dintorni with Daniele Bevilacqua, and Comicswood. Dizionario del cinefumetto with Andrea Materia. He has been collaborating with “Comic Art,” “Ciak,” “Il Mucchio selvaggio,” “Linea d’ombra,” and the newspaper “Libero.” Temporary Road is the first film he has worked on. Mario Tani (Bari, Italy, 1976) studied cinema at the Sapienza University of Rome. In 1991, he started making short films, commercials, music videos and documentaries. His body of work includes L’affaire, Un certain regard (2006) and Le dernier combat (2010), winning several prizes. He is one of the founders of the production company MAC Film; in 2012 he produced the short La stagione dell’amore di Antonio Silvestre, which was presented at this year’s Rome Film Festival. filmografia/filmography Mario Tani: Dies Irae (cm, 1998), L’anello di Moebius (cm, 2000), The Buzz (cm, 2001), Rumori di città (cm, 2001), L’affaire (cm, 2002), L’ospite (cm, 2003), Un certain regard (cm, 2006), Emigranti (cm, 2008), Le dernier combat (cm, 2010), Ad ogni danz (cm, 2010), Donne in emigrazione (cm, 2011). Giuseppe Pollicelli, Mario Tani: Temporary Road. (una) Vita di Franco Battiato (doc., 2013). 39 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST chad hartigan THIS IS MARTIN BONNER CONTENTS PREMIO CIPPUTI Usa, 2013, HD, 83’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Chad Hartigan fotografia/cinematography Sean McElwee montaggio/film editing Julio C. Perez IV scenografia, costumi/ production design, costume design Margaret Kaiser musica/music Keegan DeWitt suono/sound Andrew Scott Duncan interpreti e personaggi/ cast and characters Paul Eenhoorn (Martin Bonner), Richmond Arquett (Travis Holloway), Sam Buchanan (Diana), Robert Longstreet (Steve Helms), Demetrius Grosse (Locy), Tom Plunkett (il supervisore/supervisor), Christy Lighthouse (l’oculista/optometrist), Jef Derderian (l’assistente oculista/ optometrist assistant), Kristin Slaysman (April), Jeff Pilliod (il banditore d’asta/auctioneer) produttore/producer Cherie Saulter produzione/production 600 West Productions coproduttore/coproducer Aaron Schnobrich ** contatti/contacts Chad Hartigan [email protected] QUESTO È MARTIN BONNER [T.L.] I cinquant’anni sono l’età dei bilanci: è difficile non riflettere sul passato e in certi casi darci un taglio per regalarsi una nuova vita. È ciò che capita a Martin Bonner, capace di lasciarsi tutto alle spalle (l’East Coast, i due figli ormai adulti) e di trasferirsi a Reno, in Nevada, per lavorare in un centro che aiuta gli ex carcerati a reinserirsi nella società. Qui conosce Travis, rilasciato dopo dodici anni di prigione, e per quanto abbiano pochissimo in comune Martin instaura con l’uomo una profonda amicizia. «Molte delle situazioni in cui si trova il personaggio di Martin sono ispirate a mio padre, che all’età di cinquantacinque anni si dovette trasferire in una piccola città della Virginia per iniziare un nuovo lavoro. Ricordo che mi chiedevo come avrebbe fatto a lavorare, vista l’età, se davvero ci avrebbe provato e cosa avrebbe fatto tutto il giorno. […] La sfida, allora, è diventata girare questo film e farlo in un modo completamente svincolato dal mio giudizio di adulto ancora giovane: volevo che nascesse attraverso il punto di vista di Martin». THIS IS MARTIN BONNER When people turn fifty, it’s time to take stock of their life: it’s hard not to reflect on the past and sometimes they make a break with the past and start over. This is what happens to Martin Bonner, who leaves everything behind (the East Coast, two grownup children) and moves to Reno, Nevada, to work in a center that helps former inmates fit back into society. He meets Travis, who was released after twelve years in prison, and even though the two have very little in common, Martin and Travis become good friends. “A lot of the circumstances that the Martin character is in were inspired by my dad. My dad had to move to a small town in Virginia at the age of fifty-five to start a new job. I remember just wondering, how is he going to make his work? He’s so old! Is he even going to try? What’s he going to do all day? […] My challenge became making this movie and having it be completely devoid of my young person’s judgmental perspective. I wanted it to come from Martin’s perspective.” 40 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Chad Hartigan (Nicosia, Cipro) è un regista e attore indipendente nato da padre irlandese e da madre americana. Dopo aver frequentato la North Carolina School of the Arts, con indirizzo cinema, nel 2006 ha partecipato al film di Aaron Katz Dance Party USA e nel 2008 ha scritto e diretto il suo primo lungometraggio, Luke and Brie Are on a First Date, presentato al Hamptons International Film Festival e alla base del remake latinoamericano Luna en Leo (2013). This Is Martin Bonner, suo secondo film, è stato presentato in anteprima al Sundance Film Festival, dove ha vinto il premio del pubblico Best of Next. Chad Hartigan (Nicosia, Cyprus) is an Irish, American independent filmmaker and actor. After attending the North Carolina School of the Arts, School of Filmmaking, he wrote and directed his first feature, Luke and Brie Are on a First Date in 2008, which premiered at the Hamptons International Film Festival and went on to spawn a Latin American remake in 2013 called Luna en Leo. His second feature, This Is Martin Bonner, premiered at the 2013 Sundance Film Festival where it won the Audience Award for Best of NEXT. filmografia/filmography Luke and Brie Are on a First Date (2008), This Is Martin Bonner (2013). anurag kashyap UGLY CONTENTS India, 2013, HD, 128’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Anurag Kashyap fotografia/cinematography Nikos Andritsakis montaggio/film editing Aarti Bajaj scenografia/ production design Mayur Sharma costumi/costume design Divya Gambhir, Nidhi Gambhir musica/music Brian Mcomber suono/sound Mandar Kulkarni interpreti/cast Ronit Roy, Rahul Bhat, Tejaswini Kolhapure, Vineet Kumar Singh, Surveen Chawala, Siddhant Kapoor, Anshika Shrivastava produttori/producers Madhu Mantena, Vikas Bahl, Vikramaditya Motwane, Arun Rangachari, Vivek Rangachari produzione/production Phantom Films, Dar Motion Pictures coproduttori/coproducers Vivek Agrawal, Shahnaab Alam ** contatti/contacts Elle Driver Angeline Nicolaï Tel: +33 1 564 348 75 [email protected] www.elledriver.eu Anurag Kashyap (Gorakhpur, India, 1972) è un regista, produttore, sceneggiatore e attore indiano. I suoi film sono stati proiettati in numerose rassegne internazionali, tra cui il Festival di Locarno, dove è stato in concorso con Black Friday (2004), e il Festival di Cannes, dove ha partecipato alla Quinzaine des réalisateurs con Gangs of Wasseypur (2012) e Ugly (2013), vincendo premi e riconoscimenti. BRUTTE PERSONE [T.L.] Rahul è un attore che aspetta ancora la grande occasione. Dal precedente matrimonio con Shalini, alcolista depressa risposatasi con il potente commissario di polizia Bose, è nata la piccola Kali. Bose, nonostante l’aria onesta e irreprensibile, è in realtà un uomo autoritario e pericoloso, tanto per la moglie quanto per i suoi nemici. La scomparsa di Kali, sparita nel nulla mentre si trovava con il padre, scoperchia un vaso di Pandora in cui realtà e menzogna, amore e cupidigia, convivono pericolosamente. «Il film parla di quel periodo delle nostre vite in cui affrontiamo una crisi e, guardandoci indietro, ci accorgiamo di come i nostri sogni siano rimasti sulla carta. È allora che capiamo di essere fragili e intrappolati in un sistema di valori stabilito. Finiamo per trascurare le cose che ci circondano, specialmente in questi anni, in cui non riusciamo nemmeno a staccare gli occhi dallo smartphone e non ci interessiamo a quello che succede intorno a noi. Pur avendo le sembianze di un thriller molto duro, il mio è un film che parla di sentimenti. E lo fa in modo diretto». UGLY Rahul is an actor who is still waiting for his big break. He has a young daughter, Kali, from his previous marriage to Shalini, a depressed alcoholic whose second husband is the powerful police chief Bose. Despite his honest and upstanding air, Bose is actually an authoritarian and dangerous man, capable of mistreating his wife and his enemies. Kali’s disappearance during a visit to her father opens up a Pandora’s box in which reality and lies, and love and greed, make for a dangerous combination. “The film is about that time of life, when we face crisis and when we look back, we realize, all our dreams remained unfulfilled. It is then that we realize how fragile we are and how trapped we are among moralities and other things. There are so many things around us which we end to overlook, especially in today’s time when our eyes don’t shift from our smartphones and we don’t even care to take interest what’s going on just next to us. It’s a very emotional film in the garb of a very strong thriller; and it’s a very ‘straight’ film.” 41 F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Anurag Kashyap (Gorakhpur, India, 1972) is an Indian director, producer, screenwriter and actor. His films have been screened at many international festivals, including the Locarno Film Festival, where he competed with Black Friday (2004), and the Cannes Film Festival, where he participated at the Quinzaine des réalisateurs with Gangs of Wasseypur (2012) and Ugly (2013), winning awards and recognitions. filmografia/filmography Last Train to Mahakali (tv, 1999), Paanch (2003), Black Friday (2004), No Smoking (2007), Return of Hanuman (2007), Dev.D (2009), Gulaal (2009), That Girl in Yellow Boots (2010), Mumbay Cutting (ep. Pramod Bai 23, 2011), Gangs of Wasseypur (2012), Bombay Talkies (2013), Ugly (2013). nat faxon, jim rash THE WAY WAY BACK CONTENTS Usa, 2013, 35mm, 103’, col. regia, sceneggiatura/ directors, screenplay Nat Faxon, Jim Rash fotografia/cinematography John Bailey montaggio/film editing Tatiana S. Riegel scenografia/ production design Mark Ricker costumi/costume design Michelle Matland, Ann Roth musica/music Rob Simonsen interpreti e personaggi/ cast and characters Liam James (Duncan), Steve Carell (Trent), AnnaSophia Robb (Susanna), Rob Corddry (Kip), Amanda Peet (Joan), Sam Rockwell (Owen), Toni Collette (Pam), Allison Janney (Betty), Maya Rudolph (Caitlyn), Jim Rash (Lewis), Robert Capron (Kyle), Nat Faxon (Roddy) produttori/producers Tom Rice, Kevin J. Walsh produzione/production Sycamore Pictures, The Walsh Company, OddLot Entertainment coproduttore/coproducer Rebecca Rivo coproduzione/coproduction What Just Happened Productions distribuzione/distribution 20 Century Fox Italy TH ** contatti/contacts 20 Century Fox Italy Tel: +39 06 881 759 655 Paolo Penza TH [email protected] www.20thfox.it 42 C’ERA UNA VOLTA UN’ESTATE Il quattordicenne Duncan è in vacanza a Cape Cod con la madre, il suo nuovo fidanzato e la figlia di quest’ultimo. Trascurato e introverso, Duncan trova conforto solamente nell’amicizia con Owen, bizzarro manager di un parco acquatico che finisce per assumerlo come suo assistente. Lontano dalla famiglia e circondato da nuovi affetti, Duncan riesce finalmente ad affrontare la vita con coraggio. «Abbiamo la passione per i parchi acquatici e ci ha sempre entusiasmato l’idea di crescere sulla East Coast e frequentare le sue località di vacanza. Ma avevamo anche una mia storia personale: […] una conversazione avuta con il mio patrigno mentre, come ogni anno in estate, la nostra station wagon ci portava in Michigan per le vacanze. Probabilmente al secondo anno, lui mi ha chiesto dove pensavo di situarmi in una scala da uno a dieci. Alla mia risposta “sei”, sopra la media, ha obbiettato con un “tre” e mi ha impartito una grande lezione di vita: “Eccoti un consiglio: esci di casa, incontra persone nuove e approfitta dell’estate, non rimanere appiccicato a me e a tua madre per tutto il tempo”». (J. Rash) THE WAY WAY BACK Fourteen-year-old Duncan is on a holyday in Cape Cod with his mother, her new boyfriend, and the boyfriend’s daughter. Duncan is lonely and shy, until he finds some comfort in Owen’s friendship. The eccentric manager of a water park takes the boy under his wing and hires him as his assistant. Away from his family and surrounded by his new friends, Duncan finally manages to face life with courage. “We had a fondness for water parks, and growing up on the East Coast and destination vacations and all the things that come with that... But then we had this personale story, [...] in which my stepfather and I had a conversation in the station wagon on our way to our summer vacations in Michigan. We’d go every year. In our second year maybe going he had this conversation where he asked me what I thought I was on a scale of one to ten, and I said ‘six,’ thinking ‘above average,’ and he said ‘three,’ and then went on to say this great lesson: ‘I’m telling you to go out, and meet people and take advantage of your summer, not stick around your mom and me all the time.’” (J. Rash) F E S TA M O B I L E / A MOVEABLE FEAST Nat Faxon (1975) e Jim Rash (1970) hanno recitato in numerose serie televisive americane di successo, tra cui My Name Is Earl, Mad Men, La vita secondo Jim, CSI - Scena del crimine, Friends, Will & Grace, That ’70s Show, Community. Al cinema, tra i vari titoli, hanno preso parte a film come Minority Report (2002), S1m0ne (2002) e Walk Hard - La storia di Dewey Cox (2007). Come sceneggiatori, dopo aver esordito nel 2005 con il film per la tv Adopted, hanno vinto, con Alexander Payne, un Oscar per Paradiso amaro (2011), oltre a ricevere una nomination ai Golden Globes e ai Bafta Awards; il film è stato inoltre presentato al 29° Torino Film Festival. C’era una volta un’estate segna il loro debutto come registi. Nat Faxon (1975) and Jim Rash (1970) acted in several popular American TV series, appearing in My Name Is Earl, Mad Men, Life According to Jim, CSI: Crime Scene Investigation, Friends, Will & Grace, That ’70s Show, and Community. They also appeared in many movies, like Minority Report (2000), S1m0ne (2002), and Walk Hard - The Dewey Cox Story (2007), among others. The creative duo wrote their first screenplay in 2005, the TV movie Adopted. They received an Oscar for best writing with Alexander Payne for The Descendants (2011), and nominations for the Golden Globes and at the BAFTA Awards. The movie was also presented in the 29 Torino Film Festival. The Way Way Back marks their debut as film directors. TH filmografia/filmography The Way Way Back (C’era una volta un’estate, 2013). federico fellini 8½ CONTENTS Il film viene proiettato nella versione restaurata dal Centro sperimentale di cinematografia e da Rti-Gruppo Mediaset/ The film will be screaning in a restored version by Centro sperimentale di cinematografia and Rti-Gruppo Mediaset Italia/Italy, 1963, 35mm, 140’, bn/bw regia/director Federico Fellini soggetto/story Federico Fellini, Ennio Flaiano sceneggiatura/screenplay Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano, Brunello Rondi fotografia/cinematography Gianni Di Venanzo montaggio/film editing Leo Catozzo scenografia, costumi/ production design, costume design Piero Gherardi musica/music Nino Rota interpreti e personaggi/ cast and characters Marcello Mastroianni (Guido Anselmi), Claudia Cardinale (Claudia), Anouk Aimée (Luisa), Sandra Milo (Carla), Jean Rougeul (Carini, il critico cinematografico/ film critic), Rossella Falk (Rossella), Mario Pisu (Mezzabotta), Barbara Steele (Gloria Morin), Madeleine Lebeau (l’attrice francese/French actress), Eddra Gale (la Saraghina), Guido Alberti (Pace, il produttore/ producer) produttore/producer Angelo Rizzoli produzione/production Cineriz, Francinex ** contatti/contacts Centro sperimentale di cinematografia Cineteca nazionale Laura Argento Tel: +39 06 722 941 [email protected] www.fondazionecsc.it 43 8½ Guido Anselmi è un celebre regista in crisi creativa. In cura presso una stazione termale, cerca di lavorare invano al suo nuovo film. Gli incontri con l’amante, la moglie, gli amici, un critico, la troupe del film si mescolano ai suoi ricordi, alle fantasie, ai sogni. Guido è però sempre più confuso e il produttore prende in mano la situazione convocando una conferenza stampa che si rivela inconcludente. L’incidente sembra far così definitivamente naufragare un progetto che forse non è mai esistito, quando, improvvisamente, Guido ritrova l’ispirazione. «È un po’ difficile per me stabilire dove comincia e finisce il fatto personale. È una distinzione che non mi interessa fare, che non voglio fare e di cui non vedo nemmeno l’utilità. È evidente che affrontando un tema come questo, io ritenessi che più il film è autobiografico più diventa oggettivo. Il film era proprio questo: una confessione sincera, pur se con quel tanto di trucco nobilissimo che un uomo che si mette di fronte agli altri per raccontare una cosa deve necessariamente mettere in opera per poter comunicare». 8½ Guido Anselmi is a famous filmmakers suffering from a creative block. Seeking refuge at a health spa, he struggles to work on his new movie, but to no avail. His meetings with his lover, his wife, his friends, a film critic, and his cast and crew blend with his memories, fantasies, and dreams. Guido is getting increasingly lost, so his producer takes matters in his own hands and convenes a press conference, which turns out to be inconclusive. The project seems to fall through completely, when Guido suddenly finds his inspiration. “I find it a little bit difficult to establish where personal references start and where they end. I’m not interested in making distinction between fiction and reality, I don’t want to make it, and I don’t see the point in it. It’s obvious that, in tackling a topic such as this, I believed that the more autobiographical the movie was, the more objective it became. That’s what the film was about: an honest confession, albeit with a few noble gimmicks that a man standing in front of other people to tell a story needs to employ in order to communicate.” F E S TA M O B I L E - FEDERICO FELLINI/ A MOVEABLE FEAST Federico Fellini (Rimini, 1920 - Roma, 1993) ha esordito come vignettista sul «Marc’Aurelio», collaborando in seguito come sceneggiatore con registi quali Lattuada, Germi e Rossellini. Il suo primo lungometraggio, realizzato con Alberto Lattuada nel 1950, è Luci del varietà. Ha quindi diretto Lo sceicco bianco, seguito dai Vitelloni, Leone d’argento a Venezia. Nel 1957 ha vinto il suo primo Oscar per il miglior film straniero con La strada (1954), seguito l’anno successivo da quello per Le notti di Cabiria. Nel 1960 ha vinto con La dolce vita la Palma d’oro a Cannes e dieci anni dopo il suo terzo Oscar con Amarcord. Con La voce della luna (1990) ha firmato la sua ultima regia, prima di ricevere nel 1993 l’Oscar alla carriera. Federico Fellini (Rimini, Italy, 1920 Rome, Italy, 1993) started off as a cartoonist for “Marc’Aurelio,” and later collaborated as a screenwriter for Lattuada, Germi and Rossellini. His first feature film, which he made with Alberto Lattuada in 1950, was Variety Lights; he then made The White Sheik, followed by I vitelloni, which won a Silver Lion in Venice. In 1957 he won his first Oscar for best foreign film with The Road (1954), and a second one on the following year with Nights of Cabiria. In 1960, he won Golden Palm in Cannes with La dolce vita, and ten years later the third Oscar with Amarcord. The Voice of the Moon was his final film, realized in 1990, before receiving in 1993 an Oscar for lifetime achievement. filmografia essenziale/ essential filmography Luci del varietà (coregia/codirector Alberto Lattuada, 1950), Lo sceicco bianco (1952), I vitelloni (1953), La strada (1954), Il bidone (1955), Le notti di Cabiria (1957), La dolce vita (1960), 8 1/2 (1963), Giulietta degli spiriti (1965), Fellini - Satyricon (1969), Roma (1972), Amarcord (1973), Il Casanova di Federico Fellini (1976), Prova d’orchestra (1978), La città delle donne (1980), E la nave va (1983), Ginger e Fred (1986), Intervista (1987), La voce della luna (1990). giancarlo scarchilli ESSERE RICCARDO... E GLI ALTRI CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 60’, col. regia, soggetto/ director, story Giancarlo Scarchilli fotografia/cinematography Francesco Pennica montaggio/film editing Brunella Perrotta musica/music Pivio & Aldo De Scalzi suono/sound Gianluca Scarlata interpreti/cast Alessandro Gassmann, Manrico Gammarota, Paila Pavese, Mauro Marino, Sabrina Knaflitz, Sergio Meogrossi, Marco Cavicchioli, Giacomo Rosselli, Marta Richeldi, Emanuele Basso produttori/producers Giancaro Scarchilli, Massimo Spano produzione/production Michelangelo Film distribuzione/distribution Istituto Luce ** contatti/contacts Giancarlo Scarchilli [email protected] ESSERE RICCARDO... E GLI ALTRI Il camerino sembra attendere l’ingresso dell’uomo e sapere in anticipo cosa accadrà: i gesti consolidati del trucco, il ripasso di uno dei monologhi dello spettacolo, il Riccardo III, i cui fantasmi sembrano aleggiare nella stanza, mentre dai camerini attigui giungono le voci degli attori che si preparano. L’uomo, regista e attore, ne ripercorre la genesi, fino alla sera precedente, quella della prova generale. Di colpo, una voce lo riporta al presente: «Chi è di scena?» Il sipario si apre. «A convincermi a realizzare un documentario sul lavoro di Alessandro Gassmann è stata, come prima cosa, la sorpresa provata ogni volta da spettatore di fronte al suo talento di regista teatrale. Mi è sembrato doveroso e utile tentare di documentare il lavoro di un’importante personalità dello spettacolo italiano che, ancora oggi, molti considerano principalmente un attore. Trovo che il suo vero grande talento, in teatro, sia proprio quello di regista e direttore artistico, senza nulla togliere alla bravura scenica e alla sensibilità d’interprete». TO BE RICHARD... AND THE OTHERS [L.T.] The dressing room seems to be waiting for the man to enter and to know what is about to happen: the customary ritual of putting on makeup, repeating one of the monologues of the show, Richard III, whose ghosts seem to float in the room, as the voices of the other actors can be heard in the dressing room next door as they prepare for the performance. The man, who is the director of the mise-en-scène and actor, retraces its genesis, all the way back to the evening before, the dress rehearsal. All of a sudden, he is brought back to the present by a voice: “Showtime!” The curtain goes up. “What convinced me to make this documentary about the work of Alessandro Gassmann was primarily my amazement as a spectator every time I see how talented he is as a stage director. It struck me as both proper and useful to try to document the work of an important exponent of Italian theatre who, still today, is mainly considered an actor. I think that his real talent, in theatre, is as a director and artistic director, with all due respect for his talent onstage and the sensitivity of his interpretation.” 44 F E S TA M O B I L E - NEL NOME DI RICCARDO III/ A MOVEABLE FEAST Giancarlo Scarchilli (Roma, Italia, 1951), dopo una permanenza a Londra dal 1974 al 1976 in cui ha intensificato la scrittura di racconti e poesie, è rientrato in Italia diventando il collaboratore più stretto di Sergio Citti e Vittorio Gassman, con cui ha collaborato in diverse produzioni cinematografiche e teatrali. Nello stesso periodo ha diretto documentari e pubblicità e nel 1997 ha esordito al cinema con Mi fai un favore, cui è seguito I fobici (1999), Scrivilo sui muri (2007) e Vittorio racconta Gassman - Una vita da mattatore, presentato alla 67° Mostra di Venezia. Giancarlo Scarchilli (Rome, Italy, 1951), after living in London from 1974 to 1976, during which period he concentrated on writing short stories and poetry, returned to Italy and became the closest collaborator of Sergio Citti and Vittorio Gassman, with whom he worked on various movies and stage productions. At the same time, he directed documentaries and commercials and debuted in film in 1997 with Mi fai un favore, followed by I fobici (1999), Scrivilo sui muri (2007) and Vittorio racconta Gassman - Una vita da mattatore, presented at the 67 Venice Film Festival. TH filmografia/filmography Mi fai un favore (1997), I fobici (1999), Scrivilo sui muri (2007), Vittorio racconta Gassman - Una vita da mattatore (doc., 2010), Essere Riccardo... e gli altri (doc., 2013). peter marcias TUTTE LE STORIE DI PIERA CONTENTS Italia/Italy, 2013, 35mm-video, 80’, bn/bw-col. regia/director Peter Marcias soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Peter Marcias, Manuela Tempesta fotografia/cinematography Francesco Di Pierro montaggio/film editing Andrea Lotta musica/music Stefano Guzzetti suono/sound Davide Pesola interpreti/cast Piera Degli Esposti, Lina Wertmüller, Dacia Maraini, Giuseppe Tornatore, Paolo Taviani, Vittorio Taviani, Riccardo Milani, Marco Bellocchio, Nanni Moretti, Paolo Sorrentino, Laura Delli Colli produttore/producer Carlo Macchitella produzione/production Madeleine coproduzione/coproduction Studio Nobile Scarafoni ** contatti/contacts Peter Marcias [email protected] Premio Maria Adriana Prolo alla carriera 2013 a Piera Degli Esposti/ Maria Andriana Prolo Career Award 2013 to Piera Degli Esposti 45 TUTTE LE STORIE DI PIERA Piera Degli Esposti, una delle più grandi attrici italiane, qui con i suoi ricordi, ricchi di spiritualità e passione, accanto alle testimonianze di celebri cineasti. Ne emerge un racconto che mette in luce la sua straordinaria personalità, gli amori e i sogni, ma pure un trascorso familiare spesso drammatico: una carrellata di volti e voci densa di emozioni, uniche e irripetibili. Come lei, l’attrice e la donna. «Raccontare una grande attrice è stato un compito arduo e al tempo stesso molto stimolante. Nel caso di Piera Degli Esposti, esempio di amore per la vita e per un lavoro difficile ma appassionante come pochi, mi sono concentrato sull’obiettivo di costruire uno strumento di studio per i nuovi attori, e più in generale per le nuove generazioni». ALL OF PIERA’S STORIES [L.T.] Piera Degli Esposti, one of the greatest actresses in Italy, her memories filled with spirituality and passion, and the interviews of famous filmmakers, in a story that brings out her extraordinary personality, her passions, her dreams, but also an often dramatic family background. An array of faces and voices filled with emotions as unique as the actress and the woman that she is. “Making a film about a great actress was both a challenging and extremely stimulating experience. Piera Degli Esposti’s story is an example of love for life and for a demanding but exceptionally rewarding job. So I decided to focus on the objective of building a sort of guide for upcoming actors and for the new generations in general.” F E S TA M O B I L E - PREMIO MARIA ADRIANA PROLO ALLA CARRIERA A MOVEABLE FEAST - M A R I A A D R I A N A P R O L O C A R E E R AW A R D 2013 2013/ Peter Marcias (Oristano, Italia, 1977) vive e lavora a Roma. Ha realizzato documentari, spot e cortometraggi. Nel 2006 ha partecipato al film collettivo Bambini con l’episodio Sono Alice, presentato in numerosi festival internazionali. Successivamente ha diretto la docufiction Ma la Spagna non era cattolica? (2007), e il documentario Liliana Cavani - Una donna nel cinema (2010), presentato alle giornate degli autori a Venezia e candidato ai Nastri d’argento. Per il cinema ha diretto tre film, il più recente dei quali è Dimmi che destino avrò (2012), presentato al 30° Torino Film Festival. Peter Marcias (Oristano, Italy, 1977) lives and works in Rome. He directed documentaries, commercials and shorts. In 2006 directed Sono Alice, episode of the collective project Bambini, which partecipated in different international film festivals. He then directed the docu-fiction Ma la Spagna non era cattolica? (2007), and the documentary Liliana Cavani - Una donna nel cinema (2010), presented at Venice Days and nominated at the Nastri d’argento. Of his three feature films, My Destiny (2012) awarded at the 30 Torino Film Festival. TH filmografia/filmography La recita (cm, 2000), Il regalo (cm, 2001), L’alba (cm, 2002), Il canto delle cicale (cm, 2004), Olivia (cm, 2003), Ritorno a Serravalle (doc., 2003), Antonio Romagnino (doc., 2004), Bambini (coregia/codirectors Andrea Burrafato, Alessio Maria Federici, Michele Rho, ep. Sono Alice, 2006), Ma la Spagna non era cattolica? (doc., 2007), Un attimo sospesi (2008), Liliana Cavani - Una donna nel cinema (doc., 2010), I bambini della sua vita (2011), Dimmi che destino avrò (2012), Tutte le storie di Piera (doc., 2013). paolo mitton THE REPAIRMAN CONTENTS Italia-Regno Unito/Italy-UK, 2013, HD, 89’, col. regia/director Paolo Mitton sceneggiatura/screenplay Paolo Mitton, Francesco Scarrone fotografia/cinematography David Rom montaggio/film editing Enrico Giovannone, Matteo Paolini scenografia/ production design Francesco Boerio costumi/costume design Anna Filosa musica/music Alan Brunetta, Ricky Mantoan suono/sound Mirko Guerra interpreti e personaggi/ cast and characters Daniele Savoca (Scanio Libertetti), Hannah Croft (Helena), Paolo Giangrasso, Fabio Marchisio, Irene Ivaldi, Francesca Porrini, Elena Griseri, Alessandro Federico, Lorenzo Bartoli, Beppe Rosso, Anna Bonasso produzione/production Aida Productions, Seven Stills Pictures coproduzione/coproduction FIP - Film Investimenti Piemonte, Acting Out Creative Studio ** contatti/contacts Aida Productions Filippo Margiara [email protected] THE REPAIRMAN Scanio Libertetti, ingegnere mancato che si guadagna da vivere riparando macchine da caffè, segue un corso di recupero punti in un’autoscuola di provincia. Tra amici ormai realizzati che non perdono occasione per criticarlo, lo squillo insistente di un vecchio telefono e lo zio panettiere che lo incoraggia a valorizzare le sue doti, Scanio si muove in equilibrio precario fra le contraddizioni del mondo moderno. Solo Helena, giovane inglese trasferitasi in Italia per lavorare come esperta di risorse umane, sembra in grado di capirlo e rassicurarlo. Almeno per un po’. «Sono sempre stato affascinato dalle relazioni umane e dalla loro imperfezione. Per questo ho scelto come protagonista di The Repairman Scanio, un personaggio talmente fuori luogo rispetto al mondo che lo circonda da generare imperfezioni in ogni sua relazione. Perché è un personaggio antico in un mondo che non ha voluto aspettarlo; perché di mestiere ripara, in un mondo che le cose rotte preferisce sostituirle con un modello più recente». THE REPAIRMAN Scanio Libertetti, a would-be engineer, earns his living as a coffee machine repairman and is taking a remedial course at a suburban driving school to regain the points lost off his driver’s license. Scanio teeters through the contradictions of the modern world, as his successful friends criticize him relentlessly, his old cell phone rings non-stop, and his uncle the baker encourages him to make the most of his talents. Only Helena, a young English woman who has moved to Italy to work as a human resources expert, seems able to understand and reassure him. At least for a while. “I have always been fascinated by human relationships and their imperfections. This is why I chose Scanio as the protagonist of The Repairman. He is so completely out of touch with his surrounding world that he creates problems in every relationship he has. Because he is an old-fashioned person in a world that didn’t want to wait for him; because his job is to repair things, in a world that prefers to replace broken things with a newest model.” 46 F E S TA M O B I L E - PROIEZIONE SPECIALE/ A MOVEABLE FEAST - SPECIAL SCREENING Paolo Mitton è nato e cresciuto in Italia, dove ha studiato ingegneria. Trasferitosi all’età di ventun anni in Belgio e poi a Parigi, per lavorare presso una società di telecomunicazioni, si è avvicinato al cinema frequentando le sale d’essai della capitale francese. Dopo due anni in Spagna, dove ha partecipato a brevi corsi di cinema e realizzato i primi cortometraggi, si è stabilito definitivamente a Londra, dove si è occupato di montaggio ed effetti speciali, lavorando alla postproduzione di film come Troy (2004), Harry Potter e il prigioniero di Azkaban (2004) e La fabbrica di cioccolato (2005). Nel frattempo ha continuato a scrivere finché è nato The Repairman, il suo primo lungometraggio. Paolo Mitton was born and raised in Italy, where he studied engineering. At twenty-one years of age, he moved to Belgium and then to Paris, where he worked for a telecommunications company and began to frequent art house cinemas. After spending two years in Spain, where he attended brief film courses and made his first shorts, he moved permanently to London, where he works as a film editor and in special effects. He has worked on the postproduction of movies such as Troy (2004), Harry Potter and the Prisoner of Azkaban (2004) and Charlie and the Chocolate Factory (2005). In the meantime, he continued to write, until his first feature film, The Repairman, was created. filmografia/filmography Bludimary (cm, 2001), Vita da pendolare (cm, 2005), Mezze note (cm, 2005), The Repairman (2013). CONTENTS Frances Ha (2012) di Noah Baumbach Europop CONTENTS DI/BY PAOLO VIRZÌ La mossa del pinguino (2013) di Claudio Amendola Quali sono i film che in Europa attraggono gli spettatori tanto da diventare fenomeni di consumo popolare, e dunque in qualche modo dicono qualcosa di profondo sullo spirito del loro Paese? Di cosa ridono gli spettatori francesi, cosa fa venire i brividi a quelli della Polonia e cos’è che fa emozionare e commuovere gli svedesi? Ecco a voi Europop, una sezione nuova nuova del Festival, nella quale potrà capitare di imbattersi in film di grande intrattenimento, che a volte sono colpevolmente ignorati dai festival o magari sono destinati a venire celebrati solo in forma postuma, nelle retrospettive dove si rimpiangono i bei film di una volta che facevano ridere, piangere o morire di paura. Credo che questa passeggiata tra le vette del box office europeo possa essere molto istruttiva, una specie di vivace reportage sui divertimenti di massa di Paesi appartenenti allo stesso continente, per molti versi destinati a influenzarsi reciprocamente, ma spesso incapaci, per misteriosi motivi legati ai meccanismi della distribuzione, di esportare al di là dai propri confini prodotti nazionali di straordinario impatto sul proprio pubblico. Si tratterà comunque di un’esperienza che non potrà per definizione risultare noiosa, ma per la quale, anzi, viene da garantire che sarà un successo. Aggiungo che è con piacere che abbiamo chiesto a un eroe del cinema popolare italiano come Claudio Amendola, al suo debutto come regista con un film ovviamente ancora inedito nelle sale, di chiudere in gloria la breve ma significativa selezione di quest’anno. 48 F E S TA M O B I L E - EUROPOP/ A MOVEABLE FEAST - EUROPOP Which European films attract so many spectators that they become phenomena of popular consumption and, thus, say something profound about the spirit of their homeland? What makes French audiences laugh; what gives the shivers to viewers in Poland; and what is it that touches and moves Swedish? Let me present Europop, a brand new section of the Festival, in which viewers will run into very entertaining movies that are sometimes wrongly ignored by festivals or maybe are destined to only become famous posthumously, in retrospectives mourning the great movies of time gone by, which moved their audiences to laughter or tears, or scared them to death. I think this stroll through the highpoints of European box office takes might prove to be very educational, a sort of lively investigation of the mass entertainment of countries that belong to the same continent and are destined to influence each other under many aspects, but often – for mysterious reasons tied to their distribution mechanisms – are unable to export domestic products which have had an extraordinary impact on their own audiences. Thus, by definition, this experience will not be boring and is, on the contrary, guaranteed to be a success. Let me add that with great pleasure we asked a hero of Italian popular cinema, Claudio Amendola, in his directing debut of a film that has obviously yet to be released in our cinemas, to provide the glorious finale to this year’s short but significant selection. philippe le guay ALCESTE À BICYCLETTE CONTENTS Francia/France, 2013, HD, 104’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Philippe Le Guay soggetto/story Fabrice Luchini, Philippe Le Guay fotografia/cinematography Jean-Claude Larrieu montaggio/film editing Monica Coleman scenografia/ production design Françoise Dupertuis costumi/costume design Elisabeth Tavernier musica/music Jorge Arriagada suono/sound Laurent Poirier, Vincent Guillon interpreti e personaggi/ cast and characters Fabrice Luchini (Serge Tanneur), Lambert Wilson (Gauthier Valence), Maya Sansa (Francesca), Laurie Bordesoules (Zoé), Camille Japy (Christine), Annie Mercier (Tamara), Ged Marlon (Meynard), Stéphan Wojtowicz (il tassista/taxi driver), Christine Murillo (Mrs Françon), Josiane Stoléru (Raphaëlle La Puisaye), Édith Le Merdy (Mrs Bichet) produttore/producer Anne-Dominique Toussaint coproduzione/coproduction Les Films des Tournelles, Pathé, Appaloosa Développement, France 2 Cinéma distribuzione/distribution Teodora Film ** contatti/contacts Teodora Film Margherita Chiti Tel: +39 335 798 73 69 [email protected] www.teodoracinema.blogspot.it 49 MOLIÈRE IN BICICLETTA Il celebre attore teatrale Serge Tanneur, ritiratosi dalle scene, conduce una vita solitaria sull’Île de Ré, godendo di lunghe passeggiate in bicicletta. Quando arriva la richiesta del collega Gauthier Valence di interpretare Alceste nel Misantropo, Serge si trova di fronte a una difficile decisione: da una parte non vorrebbe tornare sui suoi passi, ma dall’altra sente che la solitudine lo ha reso molto simile al personaggio di Molière. Le prove intanto hanno inizio sull’isola… «È vero che c’è una componente minimalista: due attori che provano la prima scena del Misantropo per quasi tutto il tempo! Ma più che la storia, sono i personaggi a creare l’identità del film, e a me piace prendermi del tempo per dar loro sostanza e contraddizioni. […] Ci sono otto prove e ognuna è una scommessa: abbiamo dovuto trovare ogni volta una messa in scena diversa per valorizzarle. Ho pensato molto ai duelli in Barry Lindon o a quelli in Scaramouche, il magnifico film di George Sidney, dove in ogni combattimento il vantaggio tra i contendenti passa di mano». CYCLING WITH MOLIERE After retiring from the stage, the famous actor Serge Tanneur lives a solitary life on the Île de Ré, enjoying long bike rides. But when his colleague Gauthier Valence asks him to play Alceste in The Misanthrope, Serge is faced with a difficult decision. On the one hand, he’d like to go back to his former acting days, but on the other hand, he feels that the solitude has made him very similar to Molière’s character. In the meantime, rehearsals have begun on the island… “It’s true that there is a minimalist component: two actors rehearsing the first scene of The Misanthrope for almost the entire time! But the film’s identity is created by the characters more than by the story, and I like to take my time to give them substance and contradictions. […] There are eight rehearsals and every one is a gamble: each time, we had to find a different mise-en-scène to make the most of them. I thought a lot about the duels in Barry Lindon, or of those in Scaramouche, the magnificent movie by George Sidney, in which the advantage between the two opponents changed hands each time.” F E S TA M O B I L E - EUROPOP/ A MOVEABLE FEAST - EUROPOP Philippe Le Guay (Parigi, Francia, 1956), dopo gli studi all’Institut des hautes études cinématographiques, è stato docente di cinema a La Fémis e nel 1989 ha diretto il suo primo lungometraggio, Les deux Fragonard. Sceneggiatore e attore, oltre che regista, ha poi lavorato alla scrittura di film per la televisione, mentre per il cinema ha realizzato nel 1995 il suo secondo lungometraggio, L’année Juliette. Il film ha avviato la collaborazione con l’attore Fabrice Luchini, protagonista dei successivi Il costo della vita (2003) e Le donne del 6° piano (2011), presentato in concorso a Berlino e premiato con un César per la miglior attrice non protagonista a Carmen Maura. Philippe Le Guay (Paris, France, 1956), after completing his studies at the Institut des hautes études cinématographiques, began teaching film La Fémis. He directed his first feature film, Les deux Fragonard, in 1989. A screenwriter, actor and director, he next wrote screenplays for TV movies, and in 1995 he made his second feature film, L’année Juliette. This film also marked the beginning of his collaboration with the actor Fabrice Luchini, who starred in his next movies, The Cost of Living (2003) and The Women on the Sixth Floor (2011), which competed in Berlin and for which Carmen Maura won a César as best supporting actress. filmografia/filmography Le clou (cm, 1984), Les deux Fragonard (1989), Urgence d’aimer (tv, 1992), Rhésus Roméo (tv, 1993), L’année Juliette (1995), Trois huit (2001), Le coût de la vie (Il costo della vita, 2003), Du jour au lendemain (2006), Les femmes du 6 étage (Le donne del 6° piano, 2010), V comme Vian (tv, 2011), Alceste à bicyclette (Molière in bicicletta, 2013). ÈME wojciech smarzowski DROGÓWKA CONTENTS TRAFFIC DEPARTMENT Polonia/Poland, 2013, HD, 117’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Wojciech Smarzowski fotografia/cinematography Piotr Sobocinski Jr montaggio/film editing Pawel Laskowski scenografia/ production design Joanna Macha costumi/costume design Katarzyna Lewinska musica/music Mikolaj Trzaska suono/sound Katarzyna Dzida-Hamela, Jacek Hamela interpreti e personaggi/ cast and characters Bartlomiej Topa (Krol), Arkadiusz Jakubik (Petrycki), Julia Kijowska (Madecka), Eryk Lubos (Banas), Robert Wabich (Hawryluk), Marcin Dorociński (Lisowski), Jacek Braciak (Trybus), Marian Dziędziel (Golab), Izabela Kuna (Ewa), Agata Kulesza (Jadzia), Maciej Stuhr (Zareba), Adam Woronowicz (pubblico ministero/ prosecutor Czech) produttori/producers Dariusz Pietrykowski, Andrzej Połeć, Feliks Pastusiak produzione/production Film It coproduzione/coproduction Agora S.A., Telekomunikacja Polska, Canal + Polska ** contatti/contacts Film It Feliks Pastusiak Tel: +48 22 853 86 68 [email protected] www.filmit.com.pl 50 POLIZIA MUNICIPALE [T.L.] La morte violenta di un agente della polizia municipale di Varsavia sconvolge la vita di sei suoi colleghi, tutti legati da un forte affiatamento professionale e da una grande amicizia che ha come collanti l’alcol e le corse su auto truccate. Il principale indiziato è il sergente Krol, che ha un grosso debito nei confronti del morto ed è marito della sua amante. In fuga per evitare l’arresto, Krol è costretto a dimostrare la sua innocenza. Le sue indagini scoperchieranno un vaso di Pandora fatto di corruzione, comportamenti illeciti e malversazioni da parte delle alte sfere di polizia e dei politici locali. «A tutti coloro che hanno la patente, a coloro che non ce l’hanno ancora o che se la sono vista revocare dai vigili urbani; ai passeggeri che siedono davanti o dietro, sia sobri che ubriachi; ai pedoni e ai ciclisti; a coloro che hanno ricevuto, ricevono o non hanno mai ricevuto un passaggio; a coloro che hanno offerto, solitamente offrono o non hanno mai offerto un passaggio: questo film è dedicato a tutti voi». TRAFFIC DEPARTMENT The violent death of a municipal cop in Warsaw upsets the lives of six of his colleagues, who are united by a great professional team spirit and a strong friendship, cemented by drinking and hot-rod races. The primary suspect is Sergeant Krol, who owes the deceased a lot of money and who is also married to the man’s lover. Krol flees to avoid arrest and is forced to prove his innocence. His investigation opens up a Pandora’s box of corruption, illegal activities and embezzlement in the upper echelons of the police department and local politics. “To all those who have driving licenses, and those who don’t have them yet, or those who already have them suspended by the traffic police; to front-seat and back-seat passengers – sober or drunk ; to pedestrians and bikers; to those who once took or take, or never will take, and to those who offered, offer, or never will, to all of you I dedicate this film.” F E S TA M O B I L E - EUROPOP/ A MOVEABLE FEAST - EUROPOP Wojciech Smarzowski (Korczyna, Polonia, 1963) ha studiato fotografia presso la Scuola di cinema di Łódź per lavorare poi in ambito musicale e televisivo, dirigendo videoclip e serie tv. Ha esordito nel lungometraggio come regista e sceneggiatore con il film per la tv Malżowina (1998), a cui hanno fatto seguito fra gli altri Wesele (2004), vincitore al Festival di Locarno del premio della giuria dei giovani, e The Dark House (2009), thriller ambientato nel passato comunista della Polonia. Attualmente sta ultimando la lavorazione al film Anioł (2013). Wojciech Smarzowski (Korczyna, Poland, 1963) studied photography at the Film School in Łódź, after which he worked in the world of music and television, directing video clips and TV series. He debuted in feature films as a director and screenwriter with the made-for-TV movie Malżowina (1998), which was followed by films such as Wesele (2004), which won the Youth Jury Prize at the Locarno International Film Festival, and The Dark House (2009), a thriller set in Poland’s communist past. He is now completing the production of the film Anioł (2013). filmografia/filmography Malżowina (tv, 1998), Na Wspólnej (tv, 2003), Wesele (2004), Dom Zły (The Dark House, 2009), Róża (2011), Drogówka (Traffic Department, 2013). per fly MONICA Z CONTENTS Svezia-Danimarca/Sweden-Denmark, 2013, HD, 111’, col. regia/director Per Fly sceneggiatura/screenplay Peter Birro fotografia/cinematography Eric Kress montaggio/film editing Åsa Mossberg scenografia/ production design Josefin Åsberg costumi/costume design Kicki Ilander musica/music Peter Nordahl suono/sound Hans Møller interpreti e personaggi/ cast and characters Edda Magnason (Monica Zetterlund), Sverrir Gudnason (Sture Åkerberg), Kjell Bergqvist (Bengt) produttore/producer Lena Rehnberg produzione/production Stellanova Film coproduzione/coproduction Film i Väst AB, Sveriges Television AB, Eyeworks Fine & Mellow, AB Svensk Filmindustri, Danmarks Radio TV ** contatti/contacts Svenska Filminstitutet Gunnar Almér Tel: +46 866 511 41 [email protected] www.sfi.se Per Fly (Danimarca, 1960) esordisce con il cortometraggio Kalder Katrine (1994), e dopo aver diretto alcune serie per la televisione danese e il film d’animazione Prop og Berta (2000) torna al cinema con il lungometraggio La panchina (2000), primo film della cosiddetta «trilogia delle classi», in cui sono analizzate le divisioni sociali all’alba del terzo millennio; gli altri due tasselli del progetto sono L’eredità (2003) e Gli innocenti (2005), quest’ultimo premiato in diversi festival internazionali. Nel 2007 ha diretto i sei episodi della serie tv Forestillinger. MONICA Z Monica è una ragazza della provincia svedese che sogna l’atmosfera elettrica dei jazz club di città. Decisa a inseguire i suoi sogni, diviene una nota cantante e attrice, amata e celebrata dagli artisti e bohemien che la circondano. Ma il prezzo della fama per lei, al contempo sofisticata e ingenua, è alto: lasciatasi alle spalle una lunga sequela di amori finiti male e di promesse non mantenute, si sente sempre più isolata. E niente è più doloroso di trovarsi al mattino sola e con un cocktail in mano. Ispirato a una storia vera. «Da bambino ho visto delle foto di Monica Zetterlund; era così sensuale e il suo modo di cantare così affascinante. La ricordavo come una persona che aveva una grandissima voglia di vivere, dotata di una volontà molto forte, in grado di far fare agli uomini qualsiasi cosa volesse. Sapevo che morì sola e in modo tragico, nell’incendio che distrusse il suo appartamento a Stoccolma. Tra queste due personalità pensavo ci fosse un enorme dilemma. Ho cercato di descrivere la sua vita come una grande avventura, ma anche una grande tragedia». WALTZ FOR MONICA Monica is a Swedish country girl who dreams of the electric atmosphere of city jazz clubs. Determined to follow her dreams, she becomes a well-known singer and actress, loved and feted by the artists and bohemians who surround her. But the girl is both sophisticated and naïve and the price she has to pay for her fame is high. She feels increasingly isolated after a long series of love stories that ended badly and promises that weren’t kept. And nothing is more painful than waking up alone in the morning with a cocktail in hand. Based on a true story. “As a young child, I had seen pictures of her [Monica Zetterlund]; she was so sexy and her singing was so beautiful. I remembered her as a person who had a huge appetite for life. She was very strong-willed, talented and took men when she wanted. I knew that at the end she had tragically died alone in the fire of her Stockholm apartment. Between those two characters I thought there must be a big dilemma. I wanted to show that her life was one big adventure but also a big tragedy.” 51 F E S TA M O B I L E - EUROPOP/ A MOVEABLE FEAST - EUROPOP Per Fly (Denmark, 1960) debuted with the short Kalder Katrine (1994) and after directing a few series for Danish TV and the animated film Prop og Berta (2000) returned to cinema with the feature-length The Bench (2000), the first movie of the so-called “class trilogy” which analyzes social divisions at the dawn of the third millennium. The other two movies of the project are The Inheritance (2003) and Manslaughter (2005); this latter film received awards at various international festivals. In 2007 he directed the six episodes of the TV series Forestillinger. filmografia/filmography Kalder Katrine (cm, 1994), Tv-Ansjosen (tv, 1995), Så du ansjosen (1995), Chock 4 - Liftarflickan (tv, 1997), Texa (tv, 1997), Bænken (La panchina, 2000), Prop og Berta (2000), Arven (L’eredità, 2003), Drabet (Gli innocenti, 2005), Forestillinger (tv, 2007), The Woman Who Dreamed About a Man (2010), Monica Z (2013). claudio amendola LA MOSSA DEL PINGUINO CONTENTS PREMIO CIPPUTI Italia/Italy, 2013, 35mm, 94’, col. regia/director Claudio Amendola soggetto/story Michele Alberico, Giulio Di Martino, Andrea Natella sceneggiatura/screenplay Claudio Amendola, Edoardo Leo, Michele Alberico, Giulio Di Martino fotografia/cinematography Antonio Grambone montaggio/film editing Alessio Doglione scenografia/ production design Roberto De Angelis costumi/costume design Antonella Cannarozzi musica/music Giorgio H. Federici suono/sound Maurizio Miani interpreti e personaggi/ cast and characters Edoardo Leo (Bruno), Ricky Memphis (Salvatore), Ennio Fantastichini (Ottavio), Antonello Fassari (Neno), Francesca Inaudi (Eva), Sergio Fiorentini (il padre di Salvatore/ Salvatore’s father), Rita Savagnone (la direttrice del museo/ museum manager), Emanuele Propizio (Fabio) produttori/producers Guido De Angelis, Nicola De Angelis, Marco De Angelis produzione/production DAP Italy ** contatti/contacts Videa Angelica Canevari Tel: +39 06 331 851 [email protected] www.videa-cde.it 52 LA MOSSA DEL PINGUINO Bruno, trentenne romano con moglie e figlio piccolo, non ha ancora trovato una direzione nella vita. Dopo l’ennesimo fallimento, che gli è costato gran parte dei suoi risparmi, ha un’intuizione tanto folle quanto coraggiosa: scoperto il curling, sport invernale poco conosciuto, decide di fondare una squadra per partecipare alle selezioni per le Olimpiadi invernali di Torino 2006. Nascono così i Pinguini d’assalto, un’Armata Brancaleone pronta a farsi strada, tra mille difficoltà e situazioni improbabili, verso il podio. Ce la faranno? «Ho subito intuito i numerosi spunti da commedia che questa storia poteva offrire, ma al tempo stesso anche la possibilità di toccare corde più amare. L’idea è quella di coinvolgere lo spettatore dal punto di vista emotivo attraverso tutto quello he lo sport, e ancor più lo spirito di squadra, rappresenta. Ma anche di raccontare la vita di quattro personaggi molto rappresentativi della nostra società». THE MOVE OF THE PENGUIN [L.T.] Bruno is a thirty-year-old man from Rome with a wife and an infant son. But he still hasn’t found his path in life. After his latest failure, which cost him most of his savings, he has an outlandish and bold intuition: he discovers the little-known winter sport of curling and decides to start a team to participate to the selections for the 2006 Turin Winter Olympics. And so it begins, the march of the Assault Penguins, a rag tag team ready to fight its way through a plethora of obstacles and improbable situations all the way to the podium. Will these underdogs make it? “I immediately sensed the story’s comedic potential, but at the same time I also wanted to touch upon some of its more dramatic chords. The idea was to get the viewers emotionally involved with everything that sport and team spirit represent. But we also wanted to tell the stories of four characters very similar to people in our society.” F E S TA M O B I L E - EUROPOP/ A MOVEABLE FEAST - EUROPOP Claudio Amendola (Roma, Italia, 1963), attore, doppiatore, produttore e regista, al cinema ha recitato, tra i molti titoli della sua carriera, in Mery per sempre (1986) di Marco Risi, Ultrà (1989) di Ricky Tognazzi, Un’altra vita (1992) di Carlo Mazzacurati, per cui ha vinto il David di Donatello, La scorta (1993) di Ricky Tognazzi, Pasolini, un delitto italiano (1995) di Marco Tullio Giordana, Il partigiano Johnny (2000) di Guido Chiesa e Caterina va in città (2003) di Paolo Virzì. In televisione ha ottenuto un grande successo con la popolare serie I Cesaroni. La mossa del pinguino segna il suo debutto nella regia. Claudio Amendola (Rome, Italy, 1963) is an actor, dubber, producer, and now film director too. He has played parts in many movies throughout his career, including among others Mary Forever by Marco Risi (1988), Ultrà by Ricky Tognazzi (1989), Another Life by Carlo Mazzacurati (1992), which earned Amendola a David di Donatello, The Bodyguards by Ricky Tognazzi (1993), Pasolini, an Italian Crime by Marco Tullio Giordana (1995), Johnny the Partisan by Guido Chiesa (2000), and Caterina in the Big City by Paolo Virzì (2003). He achieved great success in television with the popular TV series I Cesaroni. La mossa del pinguino marks his debut behind the camera. filmografia/filmography La mossa del pinguino (2013). john butler THE STAG CONTENTS Irlanda/Ireland, 2013, HD, 94’, col. regia/director John Butler sceneggiatura/screenplay John Butler, Peter McDonald fotografia/cinematography Peter Robertson montaggio/film editing John O’Connor scenografia/ production design Ferdia Murphy costumi/costume design Kathy Strachan musica/music Stephen Rennicks, Hugh Drumm, Sponge Music suono/sound Hugh Fox interpreti e personaggi/ cast and characters Andrew Scott (Davin), Hugh O’Conor (Fionnan), Peter McDonald («the Machine»), Brian Gleeson (Simon), Andrew Bennett (Large Kevin), Michael Legge (Little Kevin), Amy Huberman (Ruth) produttori/producers Rebecca O’Flanagan, Robert Walpole produzione/production Treasure Entertainment coproduttori/coproducers Claire McCaughley, Cathleen Dore, Peter McDonald ** contatti/contacts Metro Films Natalie Brenner [email protected] 53 John Butler (Dublino, Irlanda), regista e scrittore, ha diretto spot pubblicitari e documentari, prima di realizzare con Rory Bresnihan il cortometraggio George, in concorso agli Irish Film and Television Awards nel 2005, premio vinto nel 2011 per la regia della serie televisiva Your Bad Self. Lo stesso anno è stato pubblicato dalla casa editrice Picador il suo romanzo d’esordio, The Tenderloin, candidato all’Irish Book Awards. The Stag è il suo primo lungometraggio di finzione. ADDIO AL CELIBATO [T.L.] Molto concentrato sull’organizzazione del proprio matrimonio, Fionnan avrebbe fatto a meno del classico addio al celibato. Ma la fidanzata Ruth ha insistito e così, insieme agli amici di sempre, Fionnan si prepara a passare un rilassante fine settimana nella natura irlandese. O almeno queste sono le intenzioni del gruppo, che non prevedevano la presenza del fratello di Ruth, conosciuto da tutti come «the Machine», la macchina, un ragazzone rozzo, naïf e allenatissimo, che trasforma il weekend in un’avventura decisamente indimenticabile. «Che cosa significa essere un uomo? Che cos’è la mascolinità e quali caratteristiche maschili sono oggi positive? Volevo fare una commedia che fosse divertente, ma che affrontasse questi concetti in modo veritiero. I registi che esplorano temi di grande portata in modo aderente alla realtà, ma anche dolorosamente divertente, come ad esempio Alexander Payne, sono per me fonte d’ispirazione. Penso a un film come Sideways, o ad altri studi sui maschi e le loro debolezze come Swingers e A cena con gli amici». THE STAG Fionnan is busy organizing his own wedding, but he would rather do without the usual stag party. However, his fiancée Ruth insists and so Fionnan and his long-time friends get ready to spend a relaxing weekend in the Irish countryside. Or at least that is the plan, which does not include the presence of Ruth’s brother, known by all as “the Machine,” a rough, naïf and very athletic guy. He will transform the weekend into a decidedly unforgettable adventure. “What does it mean to be a man? What is ‘masculinity,’ and, in 2013, which masculine characteristics are positive? My aim was to make a comedy which was funny, but which also addressed these concerns in a way that was truthful. I’m inspired by filmmakers like Alexander Payne, who explore big issues in a truthful and also achingly funny way, and films like Sideways as well as other studies of men and their foibles like Swingers and Diner were an inspiration.” F E S TA M O B I L E - EUROPOP/ A MOVEABLE FEAST - EUROPOP John Butler (Dublin, Ireland), director and writer, directed commercials and documentaries before collaborating with Rory Bresnihan on the short George, which was nominated for the Irish Film and Television Awards in 2005. He won this award in 2011 for directing the TV series Your Bad Self. That same year the publishing house Picador published his debut novel The Tenderloin, nominated for the Irish Book Awards. The Stag is his first feature-length fiction film. filmografia/filmography The Million Dollar Deal (doc., tv, 1999), George (coregia/codirector Rory Bresnihan, cm, 2005), The Ballad of Kid Kanturk (cm, 2009), Your Bad Self (ep. 1-6, tv, 2010), Immaturity for Charity (tv, 2012), The Stag (2013). CONTENTS Sweetwater (2013) di Logan Miller CONTENTS AFTER HOURS | AHARON KESHALES, NAVOT PAPUSHADO BIG BAD WOLVES | | MANUEL MARTÍN CUENCA CANÍBAL | ANDREW BUJALSKI COMPUTER CHESS | CHRISTOPHER MACBRIDE THE CONSPIRACY | ALEJANDRO JODOROWSKY LA DANZA DE LA REALIDAD | ARMANDO CRISPINO L’ETRUSCO UCCIDE ANCORA | ANTONIO TUBLÉN LFO | ISABELL ŠUBA MÄNNER ZEIGEN FILME & FRAUEN IHRE BRÜSTE | DENNIS ILIADIS PLUS ONE | SHANE MEADOWS THE STONE ROSES: MADE OF STONE | LOGAN MILLER SWEETWATER | SIMON BARRETT, ADAM WINGARD, EDÚARDO SANCHEZ, GREGG HALE, TIMO TJAHJANTO, GARETH HUW EVANS, JASON EISENER V/H/S/2 | EMANUEL HOSS-DESMARAIS WHITEWASH | QUENTIN DUPIEUX WRONG COPS VINCENT LANNOO AU NOM DU FILS MARVIN KREN BLUTGLETSCHER After Hours CONTENTS DI EMANUELA MARTINI Plus One (2013) di Denis Iliadis Dal vocabolario on line Treccani: «after hours (agg. e s. m.) 1.a. Fuori orario, dopo la chiusura, e sim.: un bar, un locale after hours. 2.b. Festa in ore notturne; locale aperto nelle stesse ore: frequentare gli after hours. 2. Nel linguaggio del jazz, in varie locuzioni riferite all’abitudine dei musicisti di recarsi a suonare, dopo il lavoro e quasi sempre gratuitamente, in locali notturni: un circolo, un incontro, una riunione jazzistica after hours. 3. Nel linguaggio finanziario, con riferimento alle contrattazioni che avvengono, per via telematica, dopo l’orario ufficiale di chiusura del mercato di borsa». Il richiamo della Treccani al linguaggio del jazz è interessante, perché uno dei tanti titoli che avevamo immaginato per questa sezione era stato ’Round Midnight, cioè proiezioni che si svolgono «intorno a mezzanotte», ma anche il titolo di un celeberrimo brano jazz di Thelonious Monk e del bel film che al jazz dedicò Bertrand Tavernier nel 1986. Nonostante abbiamo rinunciato a questo titolo (perché i film non passano davvero a mezzanotte ma intorno alle 22), si tratta comunque di un curioso cortocircuito di idee, sensazioni e analogie. After Hours è fatta per quei film che, per atmosfera, impianto narrativo e produttivo, eccentricità o provocazione, un tempo, quando nelle sale esisteva il doppio programma, venivano programmati nell’ultima fascia notturna (o nei drive-in o a mezzanotte nei festival). Spesso in odore di cult, oppure semplicemente bizzarrie per spettatori fanatici. Naturalmente, c’erano alcuni generi privilegiati: horror, 56 AFTER HOURS fantascienza, thriller, noir, ma anche campioni del surrealismo, autori «notturni» e produzioni tra la serie B e la Z. Un universo che, per alcuni decenni, si è intrecciato con quello della cinefilia più libera e spericolata. Ecco dunque un horror «ecologico» ambientato in cima alle Alpi, Blutgletscher, diretto da Marvin Kren, il regista di Rammbock (il primo zombie movie tedesco), e un angosciante esercizio orrifico sulla cospirazione, The Conspiracy di Christopher MacBride; una distopica escursione «asimoviana» nella fantascienza da camera, LFO di Antonio Tublén, e un’invasione aliena stile Ultracorpi in quello che a prima vista pare un college movie, Plus One di Denis Iliadis; una compilation di horror found footage, V/H/S/2, sequel del film presentato al Festival lo scorso anno, e l’omaggio a un autore italiano che si cimentò nel genere negli anni Settanta, L’etrusco uccide ancora di Armando Crispino. Ci sono due vendicatrici: la protagonista di un durissimo thriller belga sui preti pedofili, Au nom du fils di Vincent Lannoo (in concorso nel 2011 con Vampires), e la farmer ex prostituta che si scatena nel western di Logan Miller Sweetwater. Ci sono poliziotti deviati e tarati, come quelli turpi e imbroglioni di Wrong Cops di Quentin Dupieux e quelli inquietanti e violenti di Big Bad Wolves, il film israeliano di Aharon Keshales e Navut Papushado che ha entusiasmato Quentin Tarantino; ci sono assassini per caso, come il nervoso protagonista del cupo noir canadese Whitewash di Emanuel Hoss-Desmarais, o per scelta, come il lucido serial killer di Caníbal, agghiacciante percorso nella follia dello spagnolo Manuel Martín Cuenca. Poi, ci sono due bizzarri mockumentary, popolati di personaggi svitati e imprevedibili, come Männer zeigen Filme & Frauen ihre Bruste di Isabell Šuba, che nel 2012 mandò a Cannes al suo posto un’attrice per riprenderla durante la corvée, o come Computer Chess di Andrew Bujalski, dove si racconta una sfida tra campioni di scacchi e computer, in uno sperduto motel all’inizio degli anni Ottanta. Infine, due nomi eccellenti: il re dei folli Alejandro Jodorowsky, che in La danza de la realidad racconta (alla sua maniera) la propria vita; e l’imprevedibile Shane Meadows, fanatico ammiratore della band degli Stone Roses, che in The Stone Roses: Made of Stone si è messo alle loro costole con la macchina da presa per documentare la loro riunione e l’entusiasmo dei fan. After Hours CONTENTS BY EMANUELA MARTINI The Stone Roses: Made of Stone (2013) di Shane Meadows From the Italian online dictionary Treccani: “after hours – adjective and noun – 1.a. Adjective: After normal working hours, after closing time, et al.: an after-hours bar or club. 1.b. Noun: A late night party, or a bar or club open later than other establishments: doing an after-hours, going to an after-hours. 2. In jazz terminology, various expressions referring to the musicians’ habit of going to play in night clubs after work, almost always for free: and after-hours jazz club, meeting, or jam session. 3. In financial terminology, it refers to online trades made after the official closing time of the stock exchange.” It is interesting to note Treccani’s reference to jazz terminology because one of the many titles we had imagined for this section was ’Round Mindnight, that for us means film screenings taking place around midnight, but which is also the title of a famous jazz standard by Thelonious Monk, as well as a great Bertrand Tavernier film from 1986 entirely dedicated to jazz. Even though we decided not to use that title in the end (also because the films will not be screened “around midnight,” but rather around 10:00 PM), it is till a curious short circuit of ideas, feelings, and analogies. After Hours is made of those films which, back in the day when movie theatres were programming double features, were screened late at night in the last time slot (or at drive-ins, or at midnight at film festivals): films with certain kinds of atmospheres, narrative structures, production values, eccentric or provocative elements. They were frequently cult movies, or simply oddities for fanatic moviegoers. There were, of course, some preferred genres: horror, science fiction, thrillers, noirs, but also some 57 AFTER HOURS champions of surrealism, “dark” auteurs and B to Z movies. For decades, this world was intertwined with the freest and most daring forms of cinephilia. In this spirit, the After Hours section features an “environmental” horror movie set atop the Alps, The Station, directed by Marvin Kren (who also made Rammbock, the first zombie movie made in Germany), and Christopher MacBride’s documentary The Conspiracy, a nail-biting conspiracy thriller. There is also a dystopian excursion à la Asimov in the chamber sci-fi LFO by Antonio Tublén; and an alien invasion along the lines of Body Snatchers in a film that at first seems like a college movie: Plus One by Denis Iliadis. Then there is V/H/S/2, a horror compilation of found footage (and sequel to V/H/S, which was presented at last year’s Festival), and a tribute to the Italian filmmaker from the 1970s, Armando Crispino and his movie The Dead Are Alive. There are two avenging women: the female lead of a harsh Belgian thriller on pedophile priests, Au nom du fils by Vincent Lannoo (in competition in 2011 with Vampires), and the farmer and former prostitute seeking revenge in Logan Miller’s western Sweetwater. There are twisted and perverse cops, like the vile and cheating police officers from Wrong Cops by Quentin Dupieux, and the disturbing and violent ones from Big Bad Wolves, the Israeli movie directed by Aharon Keshales and Navut Papushado, highly appreciated by Quentin Tarantino. There are haphazard murderers, like the nervous protagonist of the dark Canadian noir Whitewash by Emanuel Hoss-Desmarais, and pro-choice murderers like the lucid serial killer from Caníbal, a blood-curling journey through madness with the Spanish filmmaker Manuel Martín Cuenca. There are also two bizarre mockumentaries inhabited by loony and unpredictable characters: Men Show Movies & Women Their Breasts by Isabell Šuba (who sent an actress in her place to Cannes in 2012 to film her during the chores of the Festival), and Computer Chess by Andrew Bujalski, who tells the story of a challenge between chess champions and computers in a remote motel in the early 1980s. Finally, two illustrious names: the king of fools Alejandro Jodorowsky, who tells his life (in his own way) in La danza de la realidad; and the unpredictable Shane Meadows, devoted fan of the rock band The Stone Roses, who followed them with his camera documenting their reunion and the fans’ enthusiasm in the film The Stone Roses: Made of Stone. vincent lannoo AU NOM DU FILS CONTENTS Belgio/Belgium, 2012, HD, 80’, col. regia/director Vincent Lannoo sceneggiatura/screenplay Vincent Lannoo, Philippe Falardeau, Albert Charles fotografia/cinematography Vincent van Gelder montaggio/film editing Frédérique Broos scenografia/ production design Vivian Sassen costumi/costume design Christophe Pidre, Florence Scholtès musica/music Michelino Busceglia suono/sound Guilhem Donzel, Matthieu Michaux, Philippe Charbonnel interpreti e personaggi/ cast and characters Astrid Whettnall (Elisabeth), Achille Ridolfi (padre/ Father Achille), Phillipe Nahon (padre/Father Taon), Zacharie Chasseriaud (Jean-Charles), Albert Chassagne (Albert) produttore/producer Lionel Jadot produzione/production Yoni Productions coproduzione/coproduction Hands Up ** contatti/contacts Intramovies Manuela Mazzone Lopez Tel: +39 06 807 72 52 [email protected] www.intramovies.com NEL NOME DEL FIGLIO [T.L.] Ci sono persone per cui la religione è un impegno quotidiano rivolto alla propria comunità; una di queste è sicuramente Elisabeth, una donna dalla fede solida, sempre ben disposta verso il prossimo e attiva nel diffondere il messaggio cattolico, anche grazie al programma che conduce in radio. Quando conosce padre Achille, Elisabeth è piena di certezze, ma a poco a poco l’aura di positività che avvolge la sua vita inizia a incrinarsi, scoprendo menzogne e ambiguità fino a un tragico epilogo, che mina la sua fiducia nella chiesa e nei suoi confratelli. «I momenti di vendetta sono costruiti in maniera sottintesa, allusiva. Volevo che fossero gioiosi e al tempo stesso amorali, in modo da poterli mettere in discussione alla fine del film: intendevo mostrare che la vendetta è prima di tutto priva di senso e che inoltre deve limitarsi a esistere in una dimensione immaginaria. Ho spesso affrontato l’idea del “mostro” che vive in ognuno di noi. Oggi trovo interessante andare alla ricerca degli elementi che ne sono all’origine. Eccone dunque uno: la cecità della fede, che qui tratto in forma di commedia nera». IN THE NAME OF THE SON There are some people for whom religion is a daily commitment to their own community. Elisabeth is one of these people, a woman of solid faith, always ready to help others and actively spreading the Catholic message, in part through her radio program. When she meets Father Achille, Elisabeth’s certainties are rock-solid, but slowly but surely the aura of positivism that surrounds her life begins to crack, uncovering lies and ambiguities. Until a tragic epilogue undermines her faith in the church and her colleagues. “The moments of revenge are constructed in a subtle, allusive way. I wanted them to be both happy and amoral in order to attack them at the end of the movie and show that revenge is, above all, senseless, and should make do with living in the imagination. In my films I have often dealt with the monster we all carry within; today, I find it interesting to search for the sources of the monster. And here’s one: the blindness of faith, in the form of a black comedy.” 58 AFTER HOURS Vincent Lannoo (Bruxelles, Belgio, 1970) ha studiato teatro prima di frequentare l’Institut des arts de diffusion di Bruxelles. Oltre a videoclip e spot pubblicitari ha realizzato diversi cortometraggi tra cui J’adore le cinéma (1998), selezionato al Festival international du court métrage di Clermont-Ferrand e vincitore dell’Iris d’oro al Festival di Montréal; nel 2001 ha diretto il mockumentary Strass secondo le regole del Dogma di Von Trier. Nel 2010 è stato in concorso al Torino Film Festival con Vampires, che ha partecipato a numerosi festival internazionali, vincendo il premio come miglior film, il premio del pubblico e quello per la sceneggiatura al FanCine Málaga. Vincent Lannoo (Brussels, Belgium, 1970) studied theater before enrolling at the Institut des arts de diffusion in Brussels. He has made video clips and commercials and has also made various shorts, including J’adore le cinéma (1998), which was selected for the Festival international du court métrage in Clermont-Ferrand and won the Golden Iris at the Montreal World Film Festival. In 2001 he directed the mockumentary Strass, following the rules of Von Trier’s Dogma. In 2010 he competed at the Torino Film Festival with Vampires, which participated at many international festivals, winning best film, the Audience Award and best screenplay at the FanCine Málaga. filmografia/filmography Meilleurs vœux (cm, 1995), Xmas in Space (1997), J’adore le cinéma (cm, 1998), Strass (2001), Ordinary Man (2004), Vampires (2010), Little Glory (2012), Au nom du fils (2012). aharon keshales, navot papushado BIG BAD WOLVES CONTENTS Israele/Israel, 2013, HD, 110’, col. regia, sceneggiatura/ directors, screenplay Aharon Keshales, Navot Papushado fotografia/cinematography Giora Bejach montaggio/film editing Asaf Korman scenografia/ production design Arad Shawat costumi/costume design Michal Dor musica/music Frank Hayim Ilfman suono/sound Ronen Nagel interpreti e personaggi/ cast and characters Lior Ashkenazi (Micky), Rotem Keinan (Dior), Tzahi Grad (Gidi), Dov Glickman (Yoram), Menashe Noy (Rami), Dvir Benedek (Tsvika), Kais Nashef (l’uomo a cavallo/ man on horse), Nati Kluger (Eti), Ami Weinberg (preside/principal Meir), Guy Adler (Eli), Arthur Perry (Ofer), Gur Bentwich (Shauli) produttori/producers Chalik Michaeli, Avraham Pirchi, Tami Leon, Moshe Edery, Leon Edery produzione/production United Channels Movies, United King Films ** contatti/contacts 6Sales Gladys Reyes Tel: +34 911 723 734 [email protected] www.6sales.es 59 Aharon Keshales (Israele, 1976) e Navot Papushado (Israele, 1980) hanno studiato presso il Film and Critic Department della Tel Aviv University. Con Rabies (2011), esordio nel lungometraggio per entrambi e primo film horror nella storia del cinema israeliano, hanno ottenuto diversi premi nei festival di tutto il mondo, oltre che un grande successo al box office in patria. Attualmente stanno ultimando un episodio dell’horror antologico ABCs of Death 2. I LUPI CATTIVI [T.L.] A causa di una serie di brutali omicidi le vite di tre uomini molto diversi fra loro finiscono per scontrarsi: il padre di una delle vittime, alla ricerca disperata di vendetta; il poliziotto a cui è stato assegnato il caso, i cui metodi spesso non tengono conto di leggi e procedure; e il principale tra i sospettati, un insegnante di studi religiosi, rilasciato per un cavillo legale. Può il desiderio di rivalsa trasformarsi in un deterrente per crimini ben peggiori? «Big Bad Wolves è un thriller sui sequestri che prende spunto dalla società in cui viviamo. L’ansia esistenziale è alla base della nascita d’Israele e viene utilizzata per definire e rafforzare la legittimità dello Stato: la paura delle azioni terroristiche, prime fra tutte i rapimenti, la sensazione incessante di essere oggetto di una persecuzione, l’intolleranza intrinseca e i comportamenti machisti, a cui va aggiunto un atavico desiderio di vendetta, hanno creato il terreno ideale per atti estremi e reazioni conseguenti». BIG BAD WOLVES A series of brutal homicides brings the lives of three very different men on a collision course: the father of one of the victims, desperately searching for revenge; the policeman who has been assigned the case and whose methods often go outside the law and standard procedures; and the prime suspect, a religious studies teacher who has been released on a technicality. Can the longing for vengeance transform itself into a deterrent for even worse crimes? “Big Bad Wolves is a kidnapping thriller which draws inspiration from the society in which we live. Existential anxiety serves as Israel’s foundation and attempts to define and reinforce the legitimacy of the state: a fear of terrorist activities, primarily kidnappings, unremitting feelings of being persecuted, inherent intolerance and macho behavior topped with a historical craving for vengeance create an ideal breeding ground for extreme actions and subsequent reactions.” AFTER HOURS Aharon Keshales (Israel, 1976) and Navot Papushado (Israel, 1980) studied at the Film and Critic Department of Tel Aviv University. Their debut feature film, Rabies (2011), was the first horror movie in the history of Israeli cinema. It won many awards at festivals throughout the world, and was also a box office hit at home. They are now completing an episode of the orror anthology, ABCs of Death 2. filmografia/filmography Aharon Keshales, Navot Papushado: Kalevet (Rabies, 2011), Big Bad Wolves (2013). marvin kren BLUTGLETSCHER CONTENTS THE STATION Austria, 2013, HD, 93’, col. regia/director Marvin Kren sceneggiatura/screenplay Benjamin Hessler fotografia/cinematography Moritz Schultheiss montaggio/film editing Daniel Prochaska scenografia/ production design Alexandra Maringer costumi/costume design Hanya Barakat musica/music Stefan Will, Marco Dreckkötter suono/sound Dietmar Zuson interpreti e personaggi/ cast and characters Gerhard Liebmann (Janek), Edita Malovcic (Tanja), Hille Beseler (Birte), Peter Knaack (Falk), Felix Römer (Harald), Brigitte Kren (ministro/minister Bodicek) produttore/producer Helmut Grasser produzione/production Allegro Film ** contatti/contacts Rezo Films Lucie Cottet Tel: +33 1 424 646 30 [email protected] www.rezofilms.com Marvin Kren (Vienna, Austria, 1980) ha cominciato a lavorare nel cinema nel 2000, facendo esperienza sui set di diverse produzioni e lavorando nei settori della regia, della fotografia e della produzione, oltre che come attore. Nello stesso periodo ha studiato economia presso l’Università Bfi di Vienna e ha seguito un corso di regia alla Hamburg Media School, diplomandosi con il cortometraggio Schautag (2009). Con l’horror Rammbock (2010) ha poi esordito nel lungometraggio. LA STAZIONE [T.L.] Sulle Alpi austriache alcuni scienziati conducono una ricerca sulle conseguenze dei cambiamenti climatici. Isolati dal mondo, scoprono che il ghiacciaio oggetto dei loro studi produce un misterioso liquido rosso, dal quale derivano anche le strane mutazioni genetiche riscontrate nella fauna locale, diventata improvvisamente aggressiva e pericolosa. Ad attenderli un incubo di sangue e morte. «I nerd e i cinefili che dividono l’horror in mille sottogeneri probabilmente definirebbero The Station un animal o un monster horror, o ancora un creature feature. In ogni caso, nel mio film le creature mostruose sono funzionali a un senso ulteriore. The Station è un horror che prova un sottile piacere nel mostrare a cosa la “civilizzazione” andrà incontro se non cambia abitudini. Nel film l’orrore non viene da un’invasione aliena o dalle profondità di una mente malata, come in tanti, troppi horror del ventesimo secolo. In questo caso il male coinvolge tutti, costringe a portare il peso di una colpa collettiva, la più grande per l’umanità: la sistematica distruzione del nostro pianeta». THE STATION A group of scientists is researching the consequences of climate change in the Austrian Alps. They discover that the glacier they are studying is leaking a mysterious red liquid: the strange fluid seems to be causing genetic mutations in the local wildlife, which has become aggressive and dangerous. A nightmare of blood and death awaits them. “Nerds and geeks who divide the genre of horror movies into countless subgenres would label The Station an animal or monster horror movie or creature feature. However, the monster creatures in my film serve a bigger purpose: The Station is a horror movie which takes mischievous delight in showing what will face ‘civilization’ if there is no change in attitude. In The Station, the source of this horror is not an alien invasion from another universe, nor does it come from the depths of someone’s troubled mind, like in so many – almost too many – 20 century horror movies. The evil in The Station brings misery to everyone, making them shoulder the global guilt, the greatest sin of mankind: the systematic destruction of our planet.” TH 60 AFTER HOURS Marvin Kren (Vienna, Austria, 1980) started working in the world of cinema in 2000, gaining experience in the sets of several productions and working in directing, cinematography, and production, as well as an actor. Around that same time, he was also studying economics at the BFI University in Vienna, and following a filmmaking course at the Hamburg Media School. His final project was the short film Schautag (2009). The next year he made Rammbock, his debut feature film. filmografia/filmography Zum Beispiel Praterstern (cm, 2005), Trio (cm, 2008), Schautag (cm, 2009), Rammbock (2010), Blutgletscher (The Station, 2013). manuel martín cuenca CANÍBAL CONTENTS Spagna-Romania-Russia-Francia/ Spain-Romania-Russia-France, 2013, HD, 116’, col. regia/director Manuel Martín Cuenca soggetto/story da un racconto di/ from a short story by Humberto Arenal sceneggiatura/screenplay Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández fotografia/cinematography Pau Esteve Birba montaggio/film editing Angel Hernández Zoido scenografia/ production design Isabel Viñuales suono/sound Eva Valiño, Pelayo Gutiérrez, Nacho Royo-Villanova interpreti e personaggi/ cast and characters Antonio de la Torre (Carlos), Olimpia Melinte (Nina) produttori/producers Fernando Bovaira, Simon de Santiago, Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández produzione/production La Loma Blanca PC, MOD Producciones, Libra Film, CTB Film Company LTD, Luminor ** contatti/contacts Film Factory Entertainment Carlota Caso Tel: +34 933 684 608 [email protected] www.filmfactory.es CANNIBALE [T.L.] Lo schivo e taciturno Carlos è un sarto di Granada che conduce una vita appartata. Nessuno sospetta che sia in realtà un cannibale spietato, un solitario che va a caccia di donne per ucciderle, farle a pezzi, nasconderne le carni nel frigorifero e poi mangiarle. Quando alla sua porta bussa Nina, sorella gemella di una delle sue vittime in cerca di notizie sulla scomparsa, lentamente in Carlos emerge un sentimento inatteso. Per lui, abituato al più indicibile degli abomini, l’amore è un’esperienza difficile e pericolosa. «Nel film il cannibalismo è una metafora del male. Ci interessava il modo in cui può rappresentare qualcosa di negativo nella nostra società, qualcosa che riguarda la presenza di una parte malvagia in ciascuno di noi, connessa con la normalità e la banalità delle nostre vite. Caníbal è una storia d’amore che coinvolge un personaggio demoniaco: cosa succederebbe se un demone s’innamorasse? E se l’amore lo facesse dubitare delle sue azioni?» CANNIBAL [L.T.] Carlos is a shy and reserved tailor who lives a secluded life in Granada. Nobody suspects that he is actually a ruthless cannibal who hunts women to kill them, chop them up, store their flesh in a freezer so he can eat them. But then Nina, the twin sister one of his victims, knocks at his door looking for information about the missing sibling. An unexpected feeling slowly warms up in Carlo. For a man used to committing the most unspeakable monstrosity of all, love is a difficult and dangerous experience. “In the film, cannibalism is just a metaphor for evil. We were interested in how it represented something bad in our society. It’s about the presence of evil in all of us, connecting with the normality of our lives, in its banality. Caníbal is a demon’s love story: what would happen if a demon fell in love? If love made him question his actions?” 61 AFTER HOURS Manuel Martín Cuenca (Almería, Spagna, 1964) ha cominciato a lavorare come aiuto regista per Felipe Vega, Alain Tanner e Icíar Bollaín. Ha esordito nel 1990 con il cortometraggio El dia blanco e nel 2001 con il lungometraggio documentario El juego de Cuba ha vinto il Festival de Málaga. Nel 2003 ha partecipato al Festival di San Sebastián con il film di finzione La flaqueza del bolchevique, seguito nel 2005 da Malas temporadas. Con Últimos testigos: Carrillo Comunista (2009) ha poi ottenuto una nomination ai Goya per il miglior documentario. Nel 2004 ha fondato la casa di produzione Loma Blanca e nel 2009 la casa editrice Lagartos Editores, che pubblica giovani autori andalusi. Manuel Martín Cuenca (Almería, Spain, 1964) started working as an assistant director for Felive Vega, Alain Tanner, and Icíar Bollaín. He made his debut in 1990 with the short film El día blanco and again in 2001 with the feature-length documentary film El juego de Cuba, which won the Festival de Málaga. He participated to the San Sebastián Film Festival in 2003 with the fiction feature La flaqueza del bolchevique, and again in 2005 with Malas temporadas. He received a nomination for best documentary at the Goya Awards for Últimos testigos: Carrillo Comunista (2009). He started the production company Loma Blanca in 2004, and Lagartos Editores in 2009, a publishing company for young Andalusian authors. filmografia/filmography El dia blanco (cm, 1990), Hombres sin mujeres (cm, 1999), Nadie (Un cuento de invierno) (cm, 2000), El juego de Cuba (doc., 2001), Cuatros puntos cardinales (2002), La flaqueza del bolchevique (2003), Madrid 11M - Todos íbamos in este train (coregia/codirectors aa.vv., ep. Españoles por vía de sangre, aa.vv., 2004), Malas temporadas (2005), El tesoro (tv, 2008), Últimos testigos: Carrillo Comunista (doc., 2009), La mitad de Óscar (2010), Caníbal (2013). andrew bujalski COMPUTER CHESS CONTENTS Usa, 2013, video, 92’, bn/bw-col. regia, sceneggiatura, montaggio/director, screenplay, film editing Andrew Bujalski fotografia/cinematography Matthias Grunsky scenografia/ production design Michael Bricker costumi/costume design Colin Wilkes interpreti e personaggi/ cast and characters Patrick Riester (Peter Bishton), Wiley Wiggins (Martin Beuscher), Myles Paige (Michael Papageorge), Robin Schwartz (Shelly Flintic), Gerald Peary (Pat Henderson), Gordon Kindlmann (Tom Schoesser) produttori/producers Houston King, Alex Lipschultz produzione/production Kino Lorber ** contatti/contacts The Film Sales Company Jason Ishikawa Tel: +1 212 481 50 20 [email protected] www.filmsalescorp.com SCACCHI AL COMPUTER [T.L.] Primi anni Ottanta: un’epoca in cui l’evoluzione in campo informatico aveva del miracoloso e i programmatori formavano tribù di nerd occupati a risolvere algoritmi indecifrabili ai più. Un periodo in cui l’umanità guardava con stupore, e forse diffidenza, a questi ragazzi alle prese con codici e sfide paradossali. Come ad esempio quella di permettere all’intelligenza artificiale di un computer di sconfiggere il suo creatore in uno dei giochi più antichi: gli scacchi. «Cosa mi ha fatto pensare che fosse una buona idea girare una commedia esistenziale su dei geni stravaganti cui premeva che una macchina imparasse a sconfiggere il suo creatore proprio a scacchi? Per un decennio ho fatto film in 16mm e le persone mi chiedevano: “Perché non giri semplicemente in video?” Giusto, mi sono detto, perché no? Perché non tirare fuori una bella, vecchia videocamera e iniziare a sognare in un linguaggio di immagini che il tempo ha sorpassato del tutto? Computer Chess è un progetto che ho coltivato a lungo affettuosamente, e di sicuro la cosa più intuitiva che abbia mai intrapreso». COMPUTER CHESS The early 1980s, an era when the progress in computer technology seemed miraculous and programmers formed tribes of nerds busy resolving algorithms that were incomprehensible to most people. A time when the world looked with amazement, and even diffidence, at these youngsters who took on codes and bizarre challenges. Like the idea of letting the artificial intelligence of a computer beat its creator at one of the oldest games around: chess. “What on Earth made me think that it was a good idea to make an existential comedy about the oddball geniuses who thought it important that a machine learn to defeat its masters at, of all things, chess? For a decade now I’ve been making features on 16mm film, and people have asked constantly, ‘Why don’t you just shoot on video?’ Right, I wondered, why don’t I? Why don’t I dig up a beautiful, really outdated old video camera and start dreaming in a language of images that time has passed by entirely? Computer Chess was a long, fondly held fantasy project for me and certainly the most purely intuitive thing I’ve ever undertaken.” 62 AFTER HOURS Andrew Bujalski (Boston, Massachusetts, Usa, 1977) ha esordito nel 2002 scrivendo e dirigendo il mumblecore Funny Ha Ha, film indipendente e a bassissimo budget vincitore nel 2004 del Black Point Film Festival e del premio Someone to Watch agli Independent Spirit Awards, nonché considerato dal critico del «New York Times» A.O. Scott tra i dieci titoli più importanti degli anni Duemila. Il suo secondo lungometraggio, Mutual Appreciation, ha invece ricevuto il premio della giuria al Newport International Film Festival nel 2005. Oltre a lavorare come regista e sceneggiatore, Bujalski è stato anche attore e docente delle università di Boston e del Texas. Andrew Bujalski (Boston, MA, USA, 1977) debuted in 2002 by writing and directing the mumblecore Funny Ha Ha, an independent and very low budget film that won best feature film at the 2004 Black Point Film Festival and the Someone to Watch Award at the Independent Spirit Awards. The “New York Times” movie critic A.O. Scott named it one of the ten most important movies of the 2000s. His second feature film, Mutual Appreciation, received the Jury Award at the 2005 Newport International Film Festival. Besides working as a director and screenwriter, Bujalski is also an actor and has taught at Boston University and the University of Texas. filmografia/filmography Funny Ha Ha (2002), Mutual Appreciation (2005), Peoples House (cm, 2007), Beeswax (2009), Computer Chess (2013). christopher macbride THE CONSPIRACY CONTENTS Canada, 2012, HD, 86’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Christopher MacBride fotografia/cinematography Ian Anderson montaggio/film editing Adam Locke-Norton, Christopher MacBride scenografia/ production design Brian Garvey costumi/costume design Megan Oppenheimer musica/music Darren Baker suono/sound Nelson Ferreira interpreti e personaggi/ cast and characters Aaron Poole (se stesso/himself), Jim Gilbert (se stesso/himself), Ian Anderson (se stesso/himself), Peter Apostolopolous (l’amico di Jim/ Jim’s friend), Roger Beck (se stesso/himself), Angela Besharah (la signora/dame), Gordon Bolan (l’agente di polizia/ police officer), Laura DeCarteret (Nicole Higgins), Rob Faust (Mithras) produttore/producer Lee Kim produzione/production Resolute Films and Entertainment, Dreampool Picture, Agency 71 Productions ** contatti/contacts Pascale Ramonda [email protected] Christopher MacBride, sceneggiatore e regista, dopo aver ricevuto un premio dall’Ifa (Independent Filmmakers Alliance) per la sceneggiatura del corto Movie Talkers: Scum of Humanity, ha continuato a scrivere lavorando per la serie televisiva Inside the Box. Accanto all’attività di sceneggiatore ha intrapreso quella di regista, realizzando quattro cortometraggi: Secrets, Chaos, Smoke Break e Sleep Lab, quest’ultimo presentato in diversi festival cinematografici internazionali. LA COSPIRAZIONE [T.L.] Due amici d’infanzia vogliono realizzare un documentario sull’incredibile proliferare delle teorie complottistiche. Il progetto non dovrebbe presentare particolari problemi, e infatti così è, almeno fino a quando il personaggio principale del film sparisce nel nulla. Prima di scomparire, però, l’uomo ha lasciato una ricerca che conduce sulle tracce di una misteriosa società antica. E più penetrano i segreti di questa organizzazione, più i due filmmaker capiscono di avere a che fare con un sistema di poteri da cui non sanno se riusciranno a fuggire. «Come diciamo nel film, non puoi mai veramente provare o confutare queste teorie, ciò che le genera e le rende sempre affascinanti. Se i teorici della cospirazione hanno ragione ed esistono per davvero grandi segreti tenuti nascosti alle masse, è ovvio come tutto ciò sia interessante. Se invece sono solo dei paranoici, allora si tratta di un incredibile fenomeno sociologico ugualmente interessante. In entrambi i casi, sono stato catturato dalla questione, e sapevo che ne avrei tratto una storia». THE CONSPIRACY Two childhood friends decide to make a documentary about how the culture of global conspiracies has drastically risen in recent years. The project seems fairly straight forward, and in fact this is the case, at least until the lead character in the movie disappears into thin air. But before disappearing, the man left some research which puts on the tracks of a mysterious and ancient society. The more they learn about the secrets of this organization, the more the two filmmakers realize that they are dealing with a power system they might not be able to escape. “As we say in the film, you can’t really ever prove or disprove these theories. And that’s sort of what keeps driving these ideas, and keeps it endlessly fascinating. If conspiracy theorists are correct and there’s massive secrets that aren’t being reported to the general public, then that’s obviously interesting. And if they’re all just paranoids, then that’s an incredible societal phenomenon and equally as interesting to me. Either way, I was hooked, and I knew I wanted to set a story in that world.” 63 AFTER HOURS Christopher MacBride, screenwriter and director, after receiving an award from the IFA (Independent Filmmakers Alliance) for the screenplay of the short Movie Talkers: Scum of Humanity, continued to write for the TV series Inside the Box. Besides writing screenplays, he also directs movies and has made four shorts: Secrets, Chaos, Smoke Break and Sleep Lab, the latter of which was presented at various international film festivals. filmografia/filmography Secrets (cm), Chaos (cm), Smoke Break (cm), Sleep Lab (cm, 2009), The Conspiracy (2012). alejandro jodorowsky LA DANZA DE LA REALIDAD CONTENTS Cile/Chile, 2013, HD, 130’, col. regia, sceneggiatura, produttore/ director, screenplay, producer Alejandro Jodorowsky fotografia/cinematography Jean-Marie Dreujou montaggio/film editing Maryline Monthieux costumi/costume design Pascale Montandon-Jodorowsky musica/music Adan Jodorowsky suono/sound Guadalupe Cassius, Sandy Notarianni interpreti e personaggi/ cast and characters Brontis Jodorowsky (Jaime), Pamela Flores (Sara), Jeremias Herskovits (Alejandro da bambino/ as a child), Alejandro Jodorowsky (Alejandro da grande/ as an adult), Bastian Bodenhöfer (Carlos Ibáñez), Andres Cox (Don Aquiles), Adan Jodorowsky (l’anarchico/anarchist), Cristobal Jodorowsky (il teosofo/theosophist) produttori/producers Michel Seydoux, Moises Cosio coproduzione/coproduction Camera One, La Soleil Films ** contatti/contacts Festival Agency Claire Thibault Tel: +33 954 904 863 [email protected] www.thefestivalagency.com 64 LA DANZA DELLA REALTÀ [T.L.] Per il piccolo Alejandro l’unico mezzo per sfuggire alla difficile realtà che lo circonda è l’immaginazione. Nato da una famiglia d’immigrati russi di religione ebraica a Tocopilla, nel bel mezzo del deserto cileno, si trova schiacciato tra la rigida educazione impartitagli dai genitori e l’ostilità dei suoi coetanei, che vedono in lui, troppo diverso da loro, un estraneo. I suoi alleati in questa lotta quotidiana? La letteratura, il cinema, la filosofia. «Questo film è stato come una bomba atomica esplosa nel mio cervello. Ho inventato una forma di terapia chiamata “psicomagia”, secondo la quale bisogna compiere determinate azioni per superare le turbe risalenti all’infanzia e alla propria famiglia. Su questo ho scritto alcuni libri. La danza de la realidad non è solo un film, ma anche una forma di terapia familiare, dato che tre dei miei figli vi recitano. Sono ritornato alle mie origini, nei luoghi dove sono cresciuto, con lo scopo di reinventare me stesso. È una forma di ricostruzione che ha come punto di partenza la realtà, ma che non mi permette di cambiare il passato». DANCE OF REALITY The only way young Alejandro can escape the difficult reality around him is through his imagination. Born into a family of Russian Jewish immigrants in Tocopilla, in the middle of Chile’s desert, he is crushed between his parents’ strict education and the hostility of the other children, who consider him an outsider and too different from them. His only allies in this daily struggle are literature, movies and philosophy. “To me, this film is like a mental atomic bomb. I have written books and invented a therapy called ‘psychomagic’ that involves acts to heal family-related childhood psychological problems. La danza de la realidad is not just a film, but also a kind of family therapy because three of my sons act in it. I am going back to the source of my childhood, to the same place where I grew up, in order to reinvent myself. It’s a reconstruction that has reality as its starting point but which does not allow me to change the past.” AFTER HOURS Alejandro Jodorowsky (Tocopilla, Cile, 1929) si trasferisce a Parigi negli anni Cinquanta, dove fonda il Teatro panico con Fernando Arrabal e Roland Topor. Parallelamente inizia a interessarsi di cinema: risale, infatti, al 1957 il suo primo cortometraggio La cravate. In seguito dirige i lungometraggi Il paese incantato (1968), El Topo (1971) e La montagna sacra (1973), caratterizzati da uno stile visionario e barocco, in cui convivono surrealismo, spinte mistiche e psichedelia, che lo fanno conoscere in tutto il mondo. Romanziere, poeta, autore di fumetti, a tuttora uno dei più famosi artisti del movimento surrealista, torna al cinema saltuariamente, come nel caso di Santa sangre (1989) e Il ladro dell’arcobaleno (1990). Alejandro Jodorowsky (Tocopilla, Chile, 1929) moved to Paris in the 1950s, where he founded the Teatro Panico with Fernando Arrabal and Roland Topor. At the same time, his interest in cinema grew: in fact, his first short, La cravate, dates back to 1957. He gained world renown with his subsequent feature-length films Fando and Lis (1968), El Topo (1971) and The Holy Mountain (1973), which reflect his visionary and baroque style, mixing surrealism, a mystical thrust and pyschedelia. A novelist, poet and comic book author, and still one of the most famous artists of the Surrealist movement, he occasionally returns to cinema, as he did with Santa sangre (1989) and The Rainbow Thief (1990). filmografia/filmography La cravate (cm, 1957), Fando y Lis (Il paese incantato, 1968), El Topo (id., 1971), The Holy Mountain (La montagna sacra, 1973), Tusk (1980), Santa sangre (id., 1989), The Rainbow Thief (Il ladro dell’arcobaleno, 1990), La danza de la realidad (2013). armando crispino L’ETRUSCO UCCIDE ANCORA CONTENTS Italia-Rft-Jugoslavia/Italy-FRG-Yugoslavia, 1972, 35mm, 105’, col. regia/director Armando Crispino soggetto/story da un racconto di/ from a short story by Bryan Edgar Wallace sceneggiatura/screenplay Lucio Battistrada, Armando Crispino, Lutz Eisholz fotografia/cinematography Erico Menczer montaggio/film editing Alberto Gallitti costumi/costume design Luca Sabatelli musica/music Riz Ortolani suono/sound Bruno Zanoli interpreti e personaggi/ cast and characters Alex Cord (Jason Porter), Samantha Eggar (Myra Shelton), John Marley (Nikos Samarakis), Nadja Tiller (Leni Samarakis), Enzo Tarascio (l’ispettore/inspector Giuranna), Horst Frank (Stephen), Enzo Cerusico (Alberto), Carlo De Mejo (Igor Samarakis), Daniela Surina (Irene), Vladan Milasinovic (Otello), Christina von Blanc (Velia), Mario Maranzana (sergente/sergeant Vitanza) produttore/producer Artur Brauner produzione/production Index Films coproduzione/coproduction Mondial Televisione Films, Central Cinema Company Films ** contatti/contacts Centro sperimentale di cinematografia Cineteca nazionale Laura Argento Tel: +39 06 722 941 [email protected] L’ETRUSCO UCCIDE ANCORA A Spoleto una serie di misteriosi ed efferati omicidi coinvolge delle coppie ignare. Secondo l’ispettore Giuranna, incaricato delle indagini, le uccisioni sarebbero ispirate agli affreschi etruschi della necropoli di Tarquinia, in cui vengono ritratti sacrifici umani officiati in onore del dio Tuchulcha. I sospetti cadono su un eterogeneo gruppo di persone: l’archeologo americano Jason Porter, il coreografo tedesco Stephen e il direttore d’orchestra Nikos Samarakis. A uno a uno, però, si dimostrano innocenti, e per evitare che la scia di sangue si allunghi l’ispettore Giuranna deve affidarsi alla sua esperienza di poliziotto navigato. «L’idea per L’etrusco uccide ancora è nata durante una gita occasionale che ho fatto, accompagnato da alcuni parenti, alla necropoli di Cerveteri. Durante quella giornata ho provato quella sensazione di inquietudine che l’inconscio avverte di fronte a qualcosa di ignoto, di incomprensibile, e che turba profondamente». THE DEAD ARE ALIVE Some couples find themselves unknowingly involved in a series of mysterious and bloody murders. Inspector Giuranna, in charge of solving the case, believes the killings were inspired by a series of Etruscan wall paintings in the necropolis of Tarquinia depicting human sacrifices in honor of the god Tuchulcha. The suspicions fall on a heterogeneous group of persons: the American archaeologist Jason Porter, the German choreographer Stephen, and the orchestra director Nikos Samarakis. But, one by one, they prove their innocence. To prevent the blood trail from spreading further, inspector Giuranna will have to resort to his experienced crime-solving skills. “I got the idea for The Dead Are Alive during a fortuitous trip I took with some relatives to the necropolis of Cerveteri. During that day, I felt that feeling of uneasiness that the subconscious perceives in front of something unknown, inexplicable, and deeply disturbing.” www.fondazionecsc.it 65 AFTER HOURS Armando Crispino (Biella, Italia, 1924 - Roma, Italia, 2003) è stato tra i fondatori del Cineclub di Torino, oltre che critico cinematografico per «L’Unità». Come sceneggiatore ha lavorato con registi quali Antonio Pietrangeli (Nata di marzo, 1957, e Souvenir d’Italie, 1957), Giuliano Montaldo (Una bella grinta, 1965) e Carlo Lizzani (Requiescant, 1967). Celebre soprattutto per i thriller L’etrusco uccide ancora (1972) e Macchie solari (1975), come regista si è cimentato anche in altri generi, dalla commedia in costume Le piacevoli notti (diretta con Luciano Lucignani nel 1966 e interpretata da Vittorio Gassman, Gina Lollobrigida e Ugo Tognazzi) allo spaghetti western John il bastardo (1967), dal bellico Commandos (1968), con Lee Van Cleef, al dramma conventuale La badessa di Castro (1974). Armando Crispino (Biella, Italy, 1924 Rome, Italy, 2003), founders of the Cineclub in Turin and film critic for the paper “L’Unità,” he worked as a screenwriter for Antonio Pietrangeli (March’s Child, 1957, and It Happened in Rome, 1957), Giuliano Montaldo (The Reckless, 1965), and Carlo Lizzani (Requiescant - Kill and Prey, 1967). He is famous for his thrillers The Dead Are Alive (1972) and Sun Spots (1975). He also dabbled with other movie genres, from the comedy of manners Pleasant Nights (which he directed with Luciano Lucignani in 1966, with performances by Vittorio Gassman, Gina Lollobrigida, and Ugo Tognazzi) to the spaghetti western John the Bastard (1967), from the war movie Commandos (1968, starring Lee Van Cleef ) to the convent drama The Abbess of Castro (1974). filmografia/filmography Le piacevoli notti (coregia/codirector Luciano Lucignani, 1966), John il bastardo (1967), Commandos (1968), Faccia da schiaffi (1970), L’etrusco uccide ancora (1972), La badessa di Castro (1974), Macchie solari (1975), Frankenstein all’italiana (1975). antonio tublén LFO CONTENTS Svezia-Danimarca/Sweden-Denmark, 2013, HD, 98’, col. regia, sceneggiatura, montaggio/director, screenplay, film editing Antonio Tublén fotografia/cinematography Alexander Brøndsted, Linus Eklund suono/sound Samir Dounas interpreti e personaggi/ cast and characters Patrik Karlson (Robert Nord), Izabella Jo Tschig (Linn), Per Löfberg (Simon), Ahnna Rasch (Clara Nord) produttori/producers Alexander Brøndsted, Fredric Ollerstam, Antonio Tublén produzione/production PingPongFilm ** contatti/contacts PingPongFilm Alexander Brøndsted Tel: +45 292 819 86 [email protected] www.pingpongfilm.com Antonio Tublén ha debuttato nel 2004 con il cortometraggio Hollywood, a cui sono seguiti Havanna (2005) e The Amazing Death of Mrs Müller (2006), codiretti con Alexander Brøndsted, così come il suo primo lungometraggio Original, presentato nel 2009 al Tribeca Film Festival e vincitore dello Shanghai International Film Festival. LFO Robert è un uomo solitario di mezza età, dallo stile di vita ordinario. Un giorno, mentre sta conducendo degli studi sulle frequenze audio, scopre che con queste, tramite l’ipnosi, è possibile controllare la mente umana. Dopo i primi esperimenti su se stesso, passa ai suoi vicini di casa, tenendoli all’oscuro di tutto: i risultati sono strabilianti. Ben presto, però, il desiderio di potere e di rivalsa si fanno strada e Robert, novello Demiurgo, perde sempre di più il controllo della situazione. Con conseguenze tanto drammatiche quanto bizzarre. «Cosa succederebbe se qualcuno si trovasse tra le mani più potere di quanto è in grado di gestire? Quali sarebbero le conseguenze? Il film racconta questa storia. Allo spettatore viene posta una domanda: cosa faresti se ti trovassi in una situazione simile? Questo succede quando il confine tra morale e immorale è incerto e la vera natura dell’uomo finisce per rivelarsi: l’oscura verità sui comportamenti umani». LFO Robert is a middle-aged loner who leads an ordinary life. One day, as he is conducting a study of audio frequencies, he discovers that they can be used to control the human mind through hypnosis. After first experimenting on himself, he moves on to his neighbors, keeping them in the dark about what he’s doing. The results are amazing. But soon, his desire for power and revenge take over and the modern-day demiurge steadily loses control of the situation. The consequences are as dramatic as they are bizarre. “This is a ‘what if’ story about when someone is handed more power than they can handle and the consequences of that. But also asks the viewer the same question – what would you do? This happens when the boundary of morality is blurred out and the true nature of mankind reveals itself. The dark truth of human behavior.” 66 AFTER HOURS Antonio Tublén debuted in 2004 with the short Hollywood. It was followed by Havanna (2005) and The Amazing Death of Mrs Müller (2006), which he co-directed with Alexander Brøndsted, as was his first feature film, Original, presented in 2009 at the Tribeca Film Festival and winner of the Shanghai International Film Festival. filmografia/filmography Hollywood (cm, 2004), Havanna (coregia/codirector Alexander Brøndsted, cm, 2005) e The Amazing Death of Mrs Müller (coregia/codirector Alexander Brøndsted, cm, 2006), Original (coregia/codirector Alexander Brøndsted, 2009), LFO (2013). isabell šuba MÄNNER ZEIGEN FILME & FRAUEN IHRE BRÜSTE CONTENTS MEN SHOW MOVIES & WOMEN THEIR BREASTS Germania/Germany, 2013, HD, 83’, col. regia/director Isabell Šuba sceneggiatura/screenplay Isabell Šuba, Lisa Glock fotografia/cinematography Johannes Louis montaggio/film editing Clemens Walter musica/music Hektor Marroquin, TUBBE suono/sound Tina Laschke interpreti e personaggi/ cast and characters Anne Haug (Isabell Šuba), Matthias Weidenhöfer (David Wentland), Eva Bay (Viola Vaughn) produttori/producers Matthias Weidenhöfer, Isabell Šuba produzione/production Beauty Killed the Beast coproduzione/coproduction Hochschule für Film und Fernsehen «Konrad Wolf» ** contatti/contacts Hochschule für Film und Fernsehen «Konrad Wolf» Cristina Marx Tel: +49 03 316 202 564 [email protected] www.hff-potsdam.de Isabell Šuba (Berlino, Germania, 1981) studia presso la Hochschule für Film und Fernsehen «Konrad Wolf» di Potsdam-Babelsberg, dove sta ultimando un master. In precedenza, nello stesso istituto, ha studiato media arts design. Ha inoltre diretto diversi cortometraggi documentari, tra cui Chica XX Mujer (2010), proiettato a Cannes e al MoMA di New York, e diversi altri cortometraggi di finzione. Männer zeigen Filme & Frauen ihre Brüste è il suo primo lungometraggio. GLI UOMINI MOSTRANO FILM, LE DONNE LE TETTE [T.L.] La giovane regista tedesca Isabell Šuba è entusiasta: un suo cortometraggio verrà proiettato al 65° Festival di Cannes. Vi si reca allora con David, il suo produttore, ma le cose si mettono subito male: il loro appartamento è stato affittato ad altri ospiti della kermesse, con cui dovranno fare i conti. Anche il rapporto con David non è dei più facili: il suo comportamento sciovinista e retrogrado inizia presto a dare sui nervi a Isabell, che lo tollera per convenienza, visto che sono entrambi alla ricerca di investitori per progetti futuri. Ma la sgradevole sensazione che si fa presto strada in lei è che non ci sia spazio per le donne nel mondo del cinema. «Abbiamo girato questo film nel maggio 2012 durante il 65° Festival di Cannes, dove ero stata invitata dalla Germanfilms a partecipare alla sezione cortometraggi con il mio Chica XX Mujer. Tuttavia l’entusiasmo per la partecipazione a una delle più prestigiose e importanti rassegne cinematografiche al mondo si è rapidamente smorzato quando ho scoperto che non un solo film del concorso era diretto da una donna». MEN SHOW MOVIES & WOMEN THEIR BREASTS The young German director Isabell Šuba is enthusiastic: one of her shorts will be screened at the 65 Cannes Film Festival. She goes there with David, her producer, but things immediately start going wrong: their apartment has been rented to other festival guests, with whom they’ll have to come to terms. Even her relationship with David isn’t the easiest: his chauvinistic, reactionary behavior soon starts to get on Isabell’s nerves, but she has to put up with him since they are both searching for investors for future projects. But the unpleasant feeling she’s getting is that there is no room for women in the world of movies. TH “Our film was made in May 2012 during the 65 Cannes Film Festival where I was invited to the short film section by Germanfilms for my short film Chica XX Mujer. However, my enthusiasm for being invited to one of the most prestigious and important film festivals in the world was quickly dampened when I heard that not a single film in the competition had been directed by a woman.” TH 67 AFTER HOURS Isabell Šuba (Berlin, Germany, 1981) studies at the “Konrad Wolf” Hochschule für Film und Fernsehen in Potsdam-Babelsberg, where she is presently completing her master’s degree. She also studied media arts design at the same institute. She has directed various documentary shorts, including Chica XX Mujer (2010), which screened at Cannes and at the MoMA in New York, as well as various fiction shorts. Männer zeigen Filme & Frauen ihre Brüste is her first feature-length film. filmografia/filmography Vier deutsche Fäuste (cm, doc., 2005), 12. Etage (cm, doc., 2007), Fußball ist alles (cm, doc., 2008), Tallulah & Killerhead (cm, 2009), Chica XX Mujer (cm, doc., 2010), Jetzt aber Ballett (cm, 2011), Peter Pan ist tot (cm, 2012). Männer zeigen Filme & Frauen ihre Brüste (2013). dennis iliadis PLUS ONE CONTENTS Usa, 2013, HD, 97’, col. regia, soggetto/ director, story Dennis Iliadis sceneggiatura/screenplay Bill Gullo fotografia/cinematography Mihai Malaimare Jr. montaggio/film editing Yorgos Mavropsaridis scenografia/ production design Roshelle Berliner costumi/costume design Carol Beadle musica/music Nathan Larson suono/sound Rich Bologna interpreti e personaggi/ cast and characters Rhys Wakefield (David), Logan Miller (Teddy), Ashley Hinshaw (Jill), Natalie Hall (Melanie) produttori/producers Dennis Iliadis, Tim Perell produzione/production Process Media distribuzione/distribution One Movie Entertainment ** contatti/contacts One Movie Entertainment Luca Colnaghi Tel: +39 02 84 259 010 [email protected] www.onemovie.it Dennis Iliadis (Atene, Grecia) è cresciuto tra Parigi e Rio de Janeiro e dopo aver studiato presso la Brown University, nel Rhode Island, si è iscritto al Royal College of Art di Londra. Nel 2004 ha esordito in Grecia con il controverso thriller Hardcore, a cui è seguito nel 2009 il suo primo lungometraggio girato negli Stati Uniti, L’ultima casa a sinistra, remake dell’omonimo horror di Wes Craven del 1972. Parallelamente all’attività cinematografica, Iliadis ha lavorato in teatro e diretto spot pubblicitari. PLUS ONE Tre compagni di college sono pronti per la festa più clamorosa dell’anno: ad attenderli una notte di follie tra decine di persone pronte a tutto pur di divertirsi. Ognuno di loro è alla ricerca di qualcosa di diverso: l’amore, il sesso o anche solo la possibilità di instaurare nuovi rapporti. Ma l’esplodere di misteriosi fenomeni sovrannaturali trasforma radicalmente quella che avrebbe dovuto essere una semplice nottata di baldoria. E man mano che la situazione sprofonda nel caos, l’unico obiettivo diventa sopravvivere. «Per quanto questo progetto possa apparire piuttosto semplice da un punto di vista narrativo, in realtà ci siamo presi una buona dose di rischi. Ci sono parecchi elementi di generi diversi – il college party movie nella sua forma più folle, i fenomeni fantascientifici, i giovani in una situazione di pericolo – che, combinati tra loro, fanno prendere alla storia una direzione del tutto inattesa. […] Non si tratta di un film dell’orrore, sebbene ne contenga alcuni topoi, ci sono anche momenti comici, e pure una storia d’amore, grande e complicata». PLUS ONE Three college pals are ready for the biggest party of the year: a night of madness with dozens of people ready for anything in the name of fun. Each of them is searching for something different: love, sex, or even just the chance to make new friends. But when mysterious supernatural phenomena start exploding, what was supposed to be a night of revelry is transformed into something radically different. As the situation descends into chaos, it becomes clear that the only objective left is survival. “The project is very high concept while taking immense risks. It takes a number of very familiar elements – the crazy college party movie, sci-fi phenomena, teens in danger – and spins them to a totally unexpected direction. […] It is not a horror movie – although it has quite a few horror movie elements. There’s comedy too. And a great twisted love story.” 68 AFTER HOURS Dennis Iliadis (Athens, Greece) grew up in Paris and Rio de Janeiro. After studying at Brown University, in Rhode Island, he enrolled at London’s Royal College of Art. In 2004, he debuted in Greece with the controversial thriller Hardcore, followed in 2009 by his first feature film shot in the United States, The Last House on the Left, a remake of the homonymous horror movie made by Wes Craven in 1972. Besides his work as a filmmaker, Iliadis has also worked in theatre and has directed commercials. filmografia/filmography Ole (cm, 1994), Proini ptosi (cm, 1997), Hardcore (2004), The Last House on the Left (L’ultima casa a sinistra, 2009), Plus One (id., 2013). shane meadows THE STONE ROSES: MADE OF STONE CONTENTS Regno Unito/UK, 2013, HD, 96’, col. regia/director Shane Meadows fotografia/cinematography Laurie Rose montaggio/film editing Matthew Gray, Chris King, Tobias Zaldua musica/music The Stone Roses interpreti/cast Ian Brown, Gary Mounfield, John Squire, Alan Wren produttore/producer Mark Herbert produzione/production Warp Films coproduzione/coproduction Film4, Big Arty Productions ** contatti/contacts Altitude Film Sales Mike Runagall Tel: +44 207 612 06 62 [email protected] www.altitudefilment.com STONE ROSES: MADE OF STONE 2012: gli Stones Roses, band culto della scena musicale Madchester, si riuniscono dopo sedici anni. Le prove per il nuovo tour si intrecciano con immagini d’archivio, con i ricordi di chi è stato colpito dalla loro musica e con i momenti più belli delle tre date estive al Manchester’s Heaton Park, davanti a una folla di 220.000 fan, adoranti. «Nel 1990 avevo diciassette anni e un biglietto per Spike Island [sede di un celebre concerto degli Stone Roses, ndr]. Per uno che veniva da una città come Uttoxeter, era un bel colpo. Ma la notte prima del concerto presi un acido e feci il viaggio più terribile della mia vita; non so perché, ma regalai il mio biglietto a uno sconosciuto. Quando la mattina dopo me ne resi conto, l’autobus per Spike Island era partito. Vent’anni dopo, nell’ottobre del 2011, Ian Brown mi telefona per dirmi che la mia band preferita si sta riunendo: il sogno più grande di ogni fan dei Roses. Mi ha chiesto di riprendere la conferenza stampa e io ho detto: “Spero che abbiate intenzione di fare un film: solo, non date il lavoro a nessun altro, lo faccio io”». STONE ROSES: MADE OF STONE 2012: The Stone Roses, the iconic band of the Madchester music scene, reunite after a sixteen-year-long hiatus. The rehearsals for the new tour intertwine with archive footage, the personal experiences of people touched by their music, and the best moments from the three summer concerts at Manchester’s Heaton Park where the band performed in front of 220,000 adoring fans. “In 1990 I was seventeen, and had a ticket for Spike Island. For someone from a town like Uttoxeter, this was a big deal. But the night before the gig, I took acid, and had the most horrendous trip ever. For some reason, I gave my ticket away to some bloke I met in the street. I woke up the next morning and realised what I’d done but the bus had left, and I wasn’t going to Spike Island. Roll on twenty-two years and on October 2011 Ian Brown rings to tell me my favourite band of all time are getting back together again. It was every Roses fan’s wildest dream. Then he said they wanted me to film the press conference. I said, ‘Well, I hope you’re going to ask about making a film – just don’t give anyone else the job, I’ll do it.’” 69 AFTER HOURS Shane Meadows (Uttoxeter, Regno Unito, 1972), dopo aver abbandonato la scuola ed essersi dedicato ai lavori più svariati, ha cominciato a girare i primi cortometraggi ed è stato ingaggiato dal produttore Stephen Woolley per dirigere il film Ventiquattrosette (1997), che ha partecipato a numerosi festival e vinto diversi premi, tra cui il Fipresci a Venezia. Con C’era una volta in Inghilterra ha partecipato al Festival di Cannes nel 2002, mentre nel 2006 ha presentato a Toronto This Is England, dal quale ha poi tratto e diretto due serie televisive. Nel 2008 il Torino Film Festival ha presentato Somers Town e l’anno successivo il mockumentary Le Donk & Scor-Zay-Zee. Shane Meadows (Uttoxeter, UK, 1972), after dropping out of school, tried a variety of jobs until he started shooting short films. Film producer Stephen Woolley signed him to direct Twenty Four Seven (1997), which was presented in several international film festivals and won numerous awards such as the FIPRESCI Award at Venice. The following comedy Once Upon a Time in the Midlands was selected at the Cannes Film Festival, and in 2000 he presented at Toronto Film Festival This Is England: the film was followed by two tv series, also directed by Meadows. In 2008 Somers Town was screened at Turin Film Festival, which the following year showed the mockumentary Le Donk & Scor-Zay-Zee. filmografia essenziale/ essential filmography King of the Gypsys (cm, 1995), Small Time (1996), Where’s the Money, Ronnie? (cm, 1996), Twenty Four Seven (Ventiquattrosette, 1997), A Room for Romeo Brass (1999), Once Upon a Time in the Midlands (C’era una volta in Inghilterra, 2002), Dead Man’s Shoes (2004), Northern Soul (mm, 2004), The Stairwell (cm, 2005), This Is England (id., 2006), Somers Town (2008), Le Donk & Scor-Zay-Zee (2009), The Stone Roses: Made of Stone (doc., 2013). logan miller SWEETWATER CONTENTS Usa, 2013, 35mm, 93’, col. regia/director Logan Miller soggetto/story Andrew McKenzie sceneggiatura/screenplay Logan Miller, Noah Miller fotografia/cinematography Brad Shield montaggio/film editing Robert Dalva scenografia/ production design Waldemar Kalinowski costumi/costume design Hala Bahmet musica/music Martin Davich interpreti e personaggi/ cast and characters January Jones (Sarah Ramírez), Jason Isaacs (il profeta/prophet Josiah), Ed Harris (lo sceriffo/ sheriff Jackson), Eduardo Noriega (Miguel), Stephen Root (Hugh), Jason Aldean (Daniel), Vic Browder (Martin) produttori/producers Jason Netter, Trevor Drinkwater, Noah Miller produzione/production Kickstart Productions, Mythic International Entertainment, Raindance Entertainment ** SWEETWATER New Mexico. Sarah e Miguel possiedono della terra e sono pronti a lavorare sodo per coltivarla. È la fine del diciannovesimo secolo, epoca di villaggi di cowboy, di carovane e predicatori: e proprio uno di questi, il potente ministro della chiesa Josiah, decide di ostacolare i piani di Sarah e Miguel, e uccide quest’ultimo. La legge non scritta del villaggio costringe Sarah a subire le molestie di Josiah e ad arrendersi alla perdita del compagno: ma un giorno dalla città arriva un nuovo sceriffo intenzionato a fare giustizia, e Sarah trova finalmente il coraggio reagire. «Crediamo che qualsiasi cosa considerata sacra nell’arte sia pericolosa. Quando qualcosa è sacralizzato, è privato della possibilità di evolvere e diventa inutile sia per l’arte stessa sia per l’umanità. […] Volevamo perciò andare al di là di molte convenzioni del western, creare una tragedia senza vincitori, senza personaggi monolitici; un mondo dove tutti sono presi in mezzo a un racconto oscuro, contorto, osceno: una triangolo di sangue che prende fuoco fra le colline del New Mexico». (Logan e Noah Miller) SWEETWATER New Mexico. Sarah and Miguel own a patch of land, and they are ready to work hard to cultivate it. It is the end of the 19 century, a time of cowboys caravans and preachers. But the powerful local religious leader, a man called Prophet Josiah, decides to ruin Sarah and Miguel’s plans, and kills Miguel. The town’s unwritten law is clear: Sarah can only submit to Josiah’s persecution and surrender to her husband’s death. But one day a new sheriff arrives from the city to bring justice to town, and Sarah finally finds the courage to react. TH contatti/contacts Atlas International Film Susanne Groh Tel: + 49 89 210 975 [email protected] www.atlasfilm.com “We have the opinion that anything considered sacred in art is dangerous. When something is sacred it is devoid of the prospect of evolution, which benefits neither art nor mankind. […] We wanted to look beyond many of the Western genre conventions, to create a tragedy with no winners, no simply defined good characters, a world where everyone is screwed up – a dark, twisted, and sordid narrative, a blood triangle burning across the New Mexican highlands.” (Logan and Noah Miller) 70 AFTER HOURS Logan Miller (California, Usa) lavora sempre in coppia con il gemello Noah, con cui, oltre alla fase di sceneggiatura, condivide anche quella della regia. Eclettici e creativi, i due sono giocatori di baseball professionisti e hanno svolto lavori saltuari come l’imbianchino e l’annunciatore di numeri al bingo. Per un certo periodo sono stati anche modelli, ma non appena hanno potuto, con in mano diciassette carte di credito, hanno scritto, girato e interpretato il loro primo film, Touching Home (2008). Il racconto di come abbiano fatto a realizzare un film in meno di un anno è poi diventato un libro, edito in America da Harper: Either You’re in, or You’re in the Way. Sweetwater è il loro secondo lungometraggio. Logan and Noah Miller (CA, USA) are twin brothers who always work together, co-writing and co-directing movies. Eclectic and creative, they are also professional baseball players, they have done odd jobs ranging from painting houses, to bingo callers, and they were also models for a while. But as soon as they could, with seventeen credit cards in their pocket, they wrote, directed, and even played parts in their first feature film Touching Home (2008). The story of how they managed to make a movie in less than a year then became a book, Either You’re in, or You’re in the Way, published in the United States by Harper. Sweetwater is their second movie. filmografia/filmography Logan Miller, Noah Miller: Touching Home (2008). Logan Miller: Sweetwater (2013). aa.vv. V/H/S/2 CONTENTS Usa, 2013, HD, 96’, col. regia/directors Simon Barrett (Tape 49), Adam Wingard (Phase I Clinical Trails), Edúardo Sanchez, Gregg Hale (A Ride in the Park), Timo Tjahjanto, Gareth Huw Evans (Safe Haven), Jason Eisener (Slumber Party Alien Abduction) sceneggiatura/screenplay Simon Barrett (Tape 49, Phase I Clinical Trails), Jamie Nash (A Ride in the Park), Timo Tjahjanto, Gareth Huw Evans (Safe Haven), Jason Eisener, John Davies (Slumber Party Alien Abduction) fotografia/cinematography Tarin Anderson (Tape 49), Seamus Tierney (Phase I Clinical Trial), Stephen Scott (A Ride in the Park), Abdul Dermawan Habir (Safe Haven), Jeff Wheaton (Slumber Party Alien Abduction) montaggio/film editing David Geis (Tape 49), Adam Wingard (Tape 49, Phase I Clinical Trails), Bob Rose, Edúardo Sanchez (A Ride in the Park), Gareth Huw Evans (Safe Haven), Jason Eisener (Slumber Party Alien Abduction) interpreti/cast Lawrence Michael Levine (Tape 49), Hannah Hughes (Phase I Clinical Trails), Jay Saunders (A Ride in the Park), Riley Eisener, Rylan Logan (Slumber Party Alien Abduction), Facry Albar (Safe House) produzione/production Gary Binkow, Brad Miska, Roxanne Benjamin ** contatti/contacts Memento Films Marion Klotz Tel: + 33 153 349 027 Simon Barrett ha scritto e prodotto V/H/S e collabora con la Warner Bros. Adam Wingard ha diretto gli episodi Tape 56 di V/H/S e Q Is for Quack di The ABCs of Death (2012). Edúardo Sanchez è nato a Cuba ma vive e lavora nel Maryland. Nel 1999 ha scritto e diretto con Daniel Myrick The Blair Witch Project. Gregg Hale, principalmente produttore, ha lavorato con Edúardo Sanchez per The Blair Witch Project e Altered - Paura dallo spazio profondo (2006). Timo Tjahjanto (1980) sta ultimando con Kimo Stamboel il thriller Killers, coproduzione nippoindonesiana. V/H/S/2 Larry e Ayesha, due investigatori privati, vengono ingaggiati per scoprire che fine abbia fatto uno studente universitario. Quando fanno irruzione nel suo appartamento trovano una grande quantità di vhs, televisori e un computer portatile acceso che sta registrando un video. Fermata la registrazione, la mandano indietro per vedere di cosa si tratta, senza immaginare quello che li attende… Sequel dell’horror antologico V/H/S (presentato lo scorso anno al Torino Film Festival), composto dagli episodi Tape 49, Phase I Clinical Trials, A Ride in the Park, Safe Haven, Sumber Party Alien Abduction. Gareth Huw Evans (Regno Unito) nel 2009 ha diretto l’action movie indonesiano Merantau e nel 2011 The Raid, presentato al TFF. Jason Eisener ha ottenuto due menzioni speciali al Sundance Film Festival con il cortometraggio Treevenge (2008) e il lungo Hobo with a Shotgun (2011), interpretato da Rutger Hauer. «Quando abbiamo realizzato V/H/S non avevamo pianificato nulla, ci siamo letteralmente inventati la struttura e l’impostazione stilistica man mano che procedevamo con le riprese. Se con il film precedente l’idea era creare un’antologia horror autentica in tutti i suoi dettagli e nello stile, con questa seconda prova volevamo sperimentare tutte le opportunità cinematografiche messe a disposizione dal found footage». (Adam Wingard) Simon Barrett wrote and produced V/H/S and collaborates with Warner Bros. V/H/S/2 Edúardo Sanchez was born in Cuba but lives and works in Maryland. In 1999, he and Daniel Myrick wrote and directed The Blair Witch Project. Larry and Ayesha, two private eyes, are hired to discover what has happened to a university student. When they burst into his apartment they find a lot of VHS machines,TV sets and a laptop computer that is turned on and recording a video. They stop the video and rewind it to see what it is about, without imagining what is about to happen to them… A sequel of the horror anthology V/H/S, which was presented at last year’s Torino Film Festival, it is composed of the episodes Tape 49, Phase I Clinical Trials, A Ride in the Park, Safe Haven, and Slumber Party Alien Abduction. “When we made V/H/S there was no plan in place, we were literally inventing the structure and tone as we went along. If the thesis of the first film was to create a gritty stylized authentic horror anthology then it was my intention this time around to experiment with the more cinematic opportunities that found footage can offer.” (Adam Wingard) [email protected] Adam Wingard directed the episodes Tape 56 for V/H/S and Q Is for Quack for The ABCs of Death (2012). Gregg Hale, primarly producer, has worked with Edúardo Sanchez, on The Blair Witch Project and Altered (2006). Timo Tjahjanto (1980), with Kimo Stamboel, is completing the thriller Killers, a Japanese-Indonesian co-production. Gareth Huw Evans (UK) directed the Indonesian action movie Merantau in 2009 and The Raid in 2011, presented at that year’s Torino Film Festival. Jason Eisener received two special mentions at the Sundance Film Festival for his short Treevenge (2008) and the feature-length Hobo with a Shotgun (2011), starring Rutger Hauer. 71 AFTER HOURS emanuel hoss-desmarais WHITEWASH CONTENTS Canada, 2012, HD, 88’, col. regia/director Emanuel Hoss-Desmarais sceneggiatura/screenplay Marc Tulin, Emanuel Hoss-Desmarais fotografia/cinematography André Turpin montaggio/film editing Arthur Tarnowski scenografia/ production design Emmanuel Fréchette costume/costume design Myriam Hoss-Desmarais musica/music Serge Nakauchi Pelletier suono/sound Pierre Bertrand interpreti e personaggi/ cast and characters Thomas Haden Church (Bruce Landry), Marc Labrèche (Paul Blackburn) produttori/producers Luke Déry, Kim McCraw produzione/production micro_scope ** contatti/contacts Entertainment One Ruby Rondina [email protected] www.entertainmentone.com MASCHERARE [T.L.] Mentre sta guidando ubriaco il suo spazzaneve durante una tempesta di neve, Bruce investe accidentalmente un altro uomo, uccidendolo. Preso dal panico, si nasconde in una foresta. Lo attendono un inverno durissimo e l’oppressione del senso di colpa, reso ancora più insostenibile dal fatto che, per questioni di sopravvivenza, Bruce è costretto ad affidarsi al mezzo che lo ha precipitato in questo incubo. «Lo spazzaneve può essere considerato a tutti gli effetti un personaggio. Mi piaceva l’idea che questa macchina, bloccata da Madre Natura, finisse per essere personificata attraverso gli occhi di Bruce. Bruce, in definitiva, cerca di trasferire su di lei il suo senso di colpa, arrivando ad accusarla per quanto è capitato. Il loro rapporto si evolve quando Bruce comincia a capire quello che è successo alla sua vittima e riesce a superare il trauma. In fondo vittima e carnefice condividono la stessa traiettoria: entrambi hanno un passato difficile e finiscono per scontrarsi per colpa di un tragico evento che ovviamente cambia il loro destino». WHITEWASH As Bruce, drunk, drives his snowplow during a snowstorm, he accidentally hits another man and kills him. Panic-stricken, he hides in a forest, where he passes a rough winter, oppressed by guilty feelings that are made even more unbearable by the fact that his survival depends on the very machine that plunged him into this nightmare. “The plow is definitely an important character. I liked the idea that this machine, paralyzed by Mother Nature, ends up taking a human form through the eyes of Bruce. And Bruce eventually tries to transfer his guilt over to the plow and even gets to the point where he blames it for what happened. Finally, their relationship evolves as Bruce begins to make sense of and even cope with what happened to the victim. And in a weird way, Bruce and the victim share a similar trajectory. They both have a difficult past and they collide through this tragic event which obviously impacts their fate.” 72 AFTER HOURS Emanuel Hoss-Desmarais lavora come regista cinematografico e pubblicitario dal 2001. Con i suoi spot ha vinto numerosi premi in tutto il mondo, tra cui tre volte il Créa, il più importante riconoscimento in campo pubblicitario del Quebec. Ha esordito al cinema nel 1997 con il cortometraggio L’amour parallèle, a cui sono seguiti Table 13 (2003) e Marius Borodine (2010), apprezzato nei festival di tutto il mondo. Whitewash rappresenta il suo debutto nel lungometraggio. Come attore ha preso parte a numerose produzioni internazionali, tra cui The Day After Tomorrow - L’alba del giorno dopo (2004) di Roland Emmerich. Emanuel Hoss-Desmarais has been a movie and advertising director since 2001. His commercials have won many prizes throughout the world, including three Créa Awards, Quebec’s highest recognition in the field of advertising. He debuted in cinema in 1997 with the short L’amour parallèle, which was followed by Table 13 (2003) and Marius Borodine (2010), admired at festivals world-wide. Whitewash is his first feature film. As an actor, he has participated in numerous international productions, including The Day After Tomorrow (2004) by Roland Emmerich. filmografia/filmography L’amour parallèle (cm, 1997), Table 13 (cm, 2003), Marius Borodine (cm, 2010), Whitewash (2012). quentin dupieux WRONG COPS CONTENTS Usa, 2013, HD, 90’, col. regia, sceneggiatura, fotografia, montaggio/ director, screenplay, cinematography, film editing Quentin Dupieux scenografia/ production design Joan Le Boru musica/music Mr Oizo suono/sound Zgolt Magyar interpreti e personaggi/ cast and characters Mark Burnham (agente/officer Duke), Eric Judor (agente/ officer Rough), Steve Little (agente/ officer Sunshine), Marilyn Manson (David Dolores Frank), Eric Wareheim (agente/officer De Luca), Grace Zabriskie (Donna), Arden Myrin (agente/ officer Holmes), Ray Wise (capitano/ captain Andy), Steve Howey (Sandy), Daniel Quinn (vicino di casa/neighbor) produttori/producers Gregory Bernard, Josef Lieck, Diane Jassem coproduttori/coproducers Sergei Selyanov, Daniel Goroshko produzione/production Realitism Films coproduzione/coproduction CTB Film Company ** contatti/contacts Le Pacte Arnaud Aubelle Tel: + 33 01 446 959 59 [email protected] www.le-pacte.com 73 SBIRRI SBAGLIATI [T.L.] La quotidianità allucinata, ma non per questo meno ridicola, di un gruppo di poliziotti che, in una Los Angeles mai così surreale, fanno di tutto per comportarsi male, dando sfogo ai loro istinti più bassi e contravvenendo loro per primi alla legge. Quando ci scappa il morto, la situazione sembra sfuggire di mano: e tra ricatti, improbabili alleanze e situazioni paradossali, l’epilogo non può che essere tutto da ridere. Colonna sonora del re dell’elettronica Mr Oizo, alter ego del regista Quentin Dupieux. «Abbiamo girato i primi trenta minuti, il primo capitolo, con Marilyn Manson. Non pensavamo di fare un lungometraggio, quanto piuttosto un corto per promuovere la mia musica. Ma alla fine ci è piaciuto così tanto ed eravamo tutti così entusiasti che abbiamo deciso di andare avanti con le riprese. Allora ho capito che se avessi girato altri sette episodi sarebbe diventato un film vero e proprio. E così è stato: un film diviso in capitoli, ma pur sempre un film». WRONG COPS The wild-eyed, but nevertheless ridiculous, daily life of a group of cops who, in an unusually surreal Los Angeles, do everything possible to misbehave, giving full rein to their worst instincts and being the first to break the law. When somebody dies, the situation seems to be out of control. What with blackmail, improbable alliances and bizarre situations, the ending could only be funny. The soundtrack is by the king of electronic music, Mr Oizo, the alter ego of director Quentin Dupieux. “We shot the first chapter, the first thirty minutes, with Marilyn Manson. It was not supposed to be a movie, it was supposed to be a small short film to promote my music. But then we loved it and everyone was so excited about it we decided to shoot more. But then I realized if I shot seven more episodes it would be a movie. It became a movie; it’s a chapter movie but it’s a movie.” AFTER HOURS Quentin Dupieux (Parigi, Francia, 1974), meglio noto come Mr Oizo, è un dj e produttore di fama internazionale, conosciuto per la hit Flat Beat, scaturita dalla collaborazione col marchio Levi’s, per cui ha girato una serie di celebri spot pubblicitari nel 1999. Come regista ha esordito con il mediometraggio Nonfilm (2002), nel quale emerge il peculiare gusto per l’assurdo e il nonsense che caratterizzerà anche i successivi Steak (2007) e soprattutto Rubber (2010), presentato alla Semaine de la critique di Cannes. Con il lungometraggio Wrong (2012) ha partecipato al 30° Torino Film Festival. Quentin Dupieux (Paris, France, 1974), better known as Mr Oizo, is a worldfamous DJ and producer, known for his hit Flat Beat, which originated from his collaboration with Levi’s, for which he shot a series of popular ads in 1999. He debuted as a director with the medium-length movie Nonfilm (2002), which revealed his particular taste for the absurd and the nonsense that also characterized his next movies, Steak (2007) and above all Rubber (2010), presented at the Semaine de la critique in Cannes. His feature film Wrong (2012) participated at the 30 Torino Film Festival. TH filmografia/filmography Nonfilm (mm, 2012), Steak (2007), Rubber (2012), Wrong (2012), Wrong Cops (2013). CONTENTS L’image manquante (2013) di Rithy Panh CONTENTS TFFDOC INTERNAZIONALE.DOC | MIGUEL MORAES CABRAL OS CAMINHOS DE JORGE | LAMINE AMMAR-KHODJA | JOAQUIM PINTO E AGORA? LEMBRA-ME | JIDE TOM AKINLEMINU PORTRAIT OF A LONE FARMER | BEN RIVERS, BEN RUSSELL A SPELL TO WARD OFF THE DARKNESS | ROBERTO MINERVINI STOP THE POUNDING HEART | CARMIT HARASH TRÊVE | PETER SNOWDON THE UPRISING | XU RUOTAO, J.P. SNIADECKI, MIA ENGBERG BELLEVILLE BABY CHRONIQUES ÉQUIVOQUES HUANG XIANG YUMEN I TA L I A N A . D O C | EDOARDO MORABITO I FANTASMI DI SAN BERILLO | MASSIMO DONATI, ALESSANDRO | CLAUDIO CASAZZA, LUCA FERRI HABITAT [PIAVOLI] | YUKAI EBISUNO, RAFFAELLA MANTEGAZZA IL LAGO | MAITE VITORIA DANERIS EL LUGAR DE LAS FRESAS | PENELOPE BORTOLUZZI LA PASSIONE DI ERTO | GRETA DE LAZZARIS ROSARNO | FRANCESCA FRIGO SANPERÈ! - VENISSE IL FULMINE | CYOP&KAF IL SEGRETO | NICOLA GRIGNANI, ALBERTO MUSSOLINI, LUCA SCAFFIDI, VALERIA TESTAGROSSA, ANDREA ZAMBELLI STRIPLIFE | CLAUDIA MARELLI EMMAUS LEONE FUORISCENA CLAUDIO GIOVANNESI WOLF DOCUMENTI | ALBERTO GRIFI, MASSIMO SARCHIELLI ANNA (MATERIALI ESPANSI) | FILIPA CÉSAR | CLAUDE LANZMANN LE DERNIER DES INJUSTES | FILIPA CÉSAR THE EMBASSY | HORACIO ALCALÁ GRAZING THE SKY | RITHY PANH L’IMAGE MANQUANTE | MATI DIOP MILLE SOLEILS | DONATELLO FUMAROLA, ALBERTO MOMO PAROLE E UTOPIA #6 ALBERTO GRIFI | PAROLE E UTOPIA #10 BÉLA TARR | YERVANT GIANIKIAN, ANGELA RICCI LUCCHI PAYS BARBARE | JOHN AKOMFRAH THE STUART HALL PROJECT | JEAN-MARC LAMOURE TARR BÉLA, I USED TO BE A FILMMAKER GYM LUMBERA ANAK ARAW CACHEU TFFdoc CONTENTS DI DAVIDE OBERTO Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker (2013) di Jean-Marc Lamoure «Si può filmare solo la realtà, ma la si può anche creare». Béla Tarr 76 Al Torino Film Festival, e in particolare in TFFdoc, da sempre cerchiamo di far saltare i confini tra i generi. Ci siamo chiesti quale possa essere il senso di uno spazio dedicato esplicitamente al cinema documentario, nel momento in cui anche i grandi festival cominciano ad abbattere gli steccati, e abbiamo deciso di rispondere con una programmazione varia, nei temi e nelle forme, capace di disegnare sugli schermi delle sale del Festival la vitalità esplosiva che il documentario ha e che può aprire nuove strade per il cinema contemporaneo. Insomma, abbiamo costruito un confine, ma solo per il piacere di farlo saltare. Nelle due competizioni troverete un ventaglio di storie e di temi raccontati nei modi più diversi, spesso con un coinvolgimento diretto del (o della) regista nel proprio film, a dimostrazione di come la storia e la politica non siano solo accadimenti estranei a chi li narra, ma ne informino concretamente la vita. Un altro dato interessante è la presenza in Italiana.doc di un numero altissimo di primi e secondi lungometraggi, tra l’altro di autori che arrivano al Torino Film Festival per la prima volta: una sorta di incoraggiante ricambio generazionale. Nello spazio fuori concorso, Documenti, abbiamo cercato di individuare/creare alcuni percorsi tematici e formali. Un posto speciale trova il focus dedicato alle tematiche coloniali e postcoloniali. Abbiamo dedicato alcuni spazi al rimosso coloniale della storia, soprattutto europea, perché pensiamo sia un modo per dotarsi di strumenti fondamentali per capire molti aspetti della contemporaneità (dalla TFFDOC costruzione delle identità nazionali e non, alle questioni legate alle migrazioni). Il film che ci ha convinti a seguire questo percorso è The Stuart Hall Project del cofondatore del Black Audio Film Collective, e gigante del cinema documentario, John Akomfrah, dedicato alla figura di Stuart Hall – creatore dei cultural studies e uno dei teorici più acuti del nostro tempo insieme a Noah Chomsky, Michel Foucault e Susan Sontag. Nel focus, insieme a Pays barbare, il grido lancinante che Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi levano per squarciare il silenzio sul passato coloniale e sul presente barbarico italiano, trovano posto la folgorante opera prima di un giovane regista filippino, Anak araw - Albino di Gym Lumbera, due lavori della videoartista portoghese Filipa César, The Embassy e Cacheu, e Mille Soleils di Mati Diop, ricerca, quarant’anni anni dopo, dei protagonisti del film culto Touki Bouki - Il viaggio della iena di Djibril Diop Mambéti. Due maestri del cinema, Claude Lanzmann e Rithy Panh, attraverso i loro ultimi film, Le dernier des injustes e L’image manquante, ci pongono di fronte all’impossibilità di narrare per immagini l’indicibilità dello sterminio e alla necessità di doverlo fare. Infine abbiamo creato un corto circuito tra due registi tra loro apparentemente lontanissimi, ma che speriamo possa dar vita a un gioco di sguardi e di immagini sulla possibilità del cinema di confrontarsi con la realtà: da un lato Béla Tarr, il grande autore ungherese che ha annunciato il ritiro con Il cavallo di Torino, il film Orso d’argento a Berlino a cui è dedicato il documentario Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker di Jean-Marc Lamoure; dall’altro lato Alberto Grifi, la cui riflessione sul cinema e sul documentario continua a essere di stimolo per i cineasti italiani e non solo, come ha dimostrato l’interesse suscitato dalla versione restaurata di Anna, il film girato da Grifi e Massimo Sarchielli tra il 1973 e il 1975. In collaborazione con la Cineteca Nazionale e la Galleria Alberto Peola di Torino, mostreremo le tredici ore circa che raccolgono tutti i materiali, sia pellicola che video, utilizzati per realizzare Anna. I due registi si incroceranno virtualmente in sala attraverso le interviste che due critici e cineasti italiani, Alberto Momo e Donatello Fumarola, hanno realizzato con loro e che sono parte di un ambizioso progetto di creazione di un Atlante sentimentale del cinema per il XXI secolo. TFFdoc CONTENTS BY DAVIDE OBERTO Anna (1975) di Alberto Grifi, Massimo Sarchielli “You can only film reality, but you can also create it.” Béla Tarr 77 We always like to break the boundaries between genres at the Torino Film Festival, and especially with TFFdoc. We asked ourselves what could be the purpose of a section explicitly dedicated to documentary films at a time when major film festivals are starting to tear down the barriers. So we decided to respond with an multifaceted program, varying in themes and forms, capable of capturing on the Festival’s screens the explosive vitality of documentaries, which can open new paths for contemporary cinema. Basically, we set some boundaries for the pure pleasure of blowing them up. Both the international competition Internazionale.doc, and the Italian competition Italiana.doc present a wide range of stories and themes; they are narrated in a variety of ways, often with the direct involvement of the director, showing they are not outside history and politics, but that they are concretely (in)formed by it. Another interesting aspect is the presence in Italiana.doc of a substantial number of filmmakers debuting or presenting their second feature-length documentary; many of them are at the Torino Film Festival for the first time: an encouraging generational turnover. In the out of competition section Documenti, we tried to find and create style-and theme-based itineraries. We reserved a special focus on colonial and post-colonial issues because we were convinced that by giving space to the repressed facets of our colonial history, we could provide the fundamental instruments to understand many aspects of contemporary societies (from the creation of national and non-national identities, to issues related to migration). TFFDOC The film that convinced us to undertake this path was The Stuart Hall Project: the film tribute made by the co-founder of the Black Audio Film Collective and legendary documentarian John Akomfrah, dedicated to Stuart Hall, cultural studies pioneer and one of the brightest intellectuals of our time along with Noah Chomsky, Michel Foucault and Susan Sontag. The special focus features: Pays barbare, the piercing outcry raised by Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi to break the silence shrouding Italy’s colonial past and its barbaric present; Anak araw - Albino, the striking first feature-length film by the young Filipino director Gym Lumbera; two films by the Portuguese videoartist Filipa César, The Embassy and Cacheu; and Mati Diop’s search in Mille Soleils for the protagonists of the cult movie Touki Bouki - The Journey of the Hyena forty years after it was made by Djibril Diop Mambéty. Two masters of cinema, Claude Lanzmann and Rithy Panh place us in front of the impossibility of narrating with images the unspeakable atrocities of genocide and of the necessity of talking about it with their latest movies Le dernier des injustes and L’image manquante. Finally, we also created short circuit between two filmmakers apparently far from each other, hoping that this combination would generate a game of glances and images on cinema’s possibility of confronting itself with reality. On one side, a documentary by Jean-Marc Lamoure dedicated to Béla Tarr, the great Hungarian filmmaker who announced his retirement with The Turin Horse (winner of a Silver Bear in Berlin). On the other, Alberto Grifi, whose reflections on cinema and documentary films continue to stimulate filmmakers from Italy and beyond, as demonstrated by the renewed interest stirred by the restored version of the movie Anna (which Grifi and Massimo Sarchielli originally shot between 1973 and 1975). Thanks to the collaboration with the Italian National Film Archive and the Alberto Peola Contemporary Art Gallery of Turin, we will show the thirteen hours of footage, both film and video, used to make Anna. The two directors will cross paths virtually in the movie theater through their interviews made to two Italian critics and filmmakers, Alberto Momo and Donatello Fumarola, as part of an ambitious project to create an ‘emotional atlas of cinema for the 21 century.’ ST mia engberg BELLEVILLE BABY CONTENTS Svezia/Sweden, 2013, video-Super8, 75’, col. regia, fotografia, montaggio/ director, cinematography, film editing Mia Engberg musica/music Michel Wenzer suono/sound Jan Alvermark, Owe Svensson interprete/cast Olivier Desautel (voce di Vincent/Vincent’s voice) produttore/producer Tobias Janson produzione/production Story AB coproduzione/coproduction Sveriges Television, Ingemar Persson ** contatti/contacts Svenska Filminstitutet Sara Rüster Tel: +46 866 511 41 [email protected] www.sfi.se BELLEVILLE BABY Una telefonata inattesa: dopo anni di prigione Vincent si mette in contatto con la sua ex. I due non si sentono da tempo, dal giorno in cui Vincent sparì nel nulla, senza preavviso, lasciando il vuoto dietro di sé. La sua è una richiesta d’aiuto: sta cercando di ricostruirsi una vita, partendo dal passato. Vuole riprendere possesso dei ricordi comuni, del tempo trascorso insieme. Per la protagonista tornare su una vicenda che credeva conclusa non è facile ma, piano piano, le immagini cominciano a scorrere: l’incontro a Parigi, le manifestazioni politiche, la Vespa e il gatto chiamato Baby. E se fosse tutto frutto della sua immaginazione? «Quando ho iniziato a lavorare, il film somigliava più a una raccolta di cortometraggi. Pensavo sarebbe stato adatto per il circuito d’essai o per le gallerie d’arte, dato che sarebbe stato possibile scomporlo e mostrarlo a piacimento. Dopo, però, ho cominciato a considerare il racconto come un’unica storia. E solo alla fine le cose hanno iniziato a comporsi fra loro». BELLEVILLE BABY An unexpected phone call: after twelve years in prison, Vincent gets in touch with his ex. They haven’t heard each other in a while, ever since Vincent suddenly disappeared into thin air, leaving a void behind him. The call is a cry for help: he is trying to rebuild his life, starting from where the past. He wants to reminisce about their shared memories, about the time they spent together. It isn’t easy for the woman to stir up what she believed was over, but the images slowly start to flow: meeting in Paris, the political demonstrations, the Vespa, the cat called Baby. What if it were all a figment of her imagination? “When I started to work on the film it was more like a short film compilation. I thought that I might screen it in an art house or gallery. So you can see the different pieces as you want. But after a while I saw the story as one story. It was just at the end that it was all melting together.” 78 TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Mia Engberg (Stoccolma, Svezia) è una regista e produttrice che vive e lavora nella sua città natale. Nel 1994 ha studiato tecniche del documentario agli Ateliers Varan di Parigi e ha concluso gli studi al Dramatiska Institute di Stoccolma nel 1997. Ha in seguito realizzato diversi cortometraggi in Svezia, Stati Uniti e Francia ed è stata una delle fondatrici della casa di produzione Story. Tra i suoi documentari, The Stars We Are, dedicato a un gruppo di skinhead omosessuali, e Come Together (2007), episodio della raccolta di cortometraggi porno femministi Dirty Diaries. Insegna regia presso l’Accademia d’arte drammatica di Stoccolma ed è inoltre bassista nel gruppo ska Vagina Grande. Mia Engberg (Stockholm, Sweden) is a film director and producer who lives and works in her hometown. In 1994 she studied documentary film techniques at the Ateliers Varan in Paris; she then completed her studies in 1997 at the Dramatiska Institute in Stockholm. Since then, she has made several short films in Sweden, the United States, and France, and she is one of the founders of the production company Story. She made many documentary films, including The Stars We Are, on homosexual skinheads, and Come Together (2007), an episode of Dirty Diaries, a series of pornographic and feminists shorts. She teaches film directing at Stockholm Academy of Dramatic Arts and she is also the bass player of the ska band Vagina Grande. filmografia/filmography Les Enfants du Square (cm, doc., 1994), Parkside Girls (cm, doc., 1996), The Stars We Are (cm, doc., 1997), Kött är mord (cm, doc., 1997), Manhood (cm, doc., 1999), California über alles (cm, doc., 1999), Selma & Sofie (cm, doc., 2001), Bitch & Butch (cm, doc., 2002), 165 Hässelby (cm, doc., 2005), Dirty Diaries (coregia/codirectors aa.vv., Come Together, cm, 2007), Belleville Baby (doc., 2013). miguel moraes cabral OS CAMINHOS DE JORGE CONTENTS Portogallo-Belgio-Francia/Portugal-Belgium-France, 2013, HD, 63’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Miguel Moraes Cabral fotografia/cinematography Christophe Rolin, Iván Castiñeiras montaggio/film editing Francisco Moreira, Miguel Moraes Cabral musica/music Cipriano Mesquita suono/sound Iván Castiñeiras, Catherine Boutaud, Miguel Moraes Cabral produttori/producers Gabriel Vanderpas, Adonis Liranza, Miguel Moraes Cabral produzione/production Leila Films, Quilombo Films, Os Filmes do Caracol ** contatti/contacts IndieLisboa Miguel Valverde [email protected] www.indielisboa.com LE STRADE DI JORGE [T.L.] Jorge fa l’arrotino. Sebbene sia ormai vecchio e in pensione, continua a esercitare la professione. Anche la salute non è dalla sua parte, ma questo non sembra ostacolarlo. Lungo le strade che percorre giorno dopo giorno con la sua motocicletta, carico degli attrezzi del mestiere, incontra persone che conosce da anni. Con loro rivive il passato e guarda preoccupato al futuro. «Os Caminhos de Jorge racconta la storia di un arrotino del Portogallo settentrionale di oggi. È il ritratto suo e di alcuni suoi clienti, in un mondo in trasformazione, in cui ciascuno deve trovare la propria strada. Questo mondo sembra respingerli. È un film con diverse sottotrame, un viaggio sempre più spirituale, in cui sono esposti i ricordi di queste persone». JORGE’S PATHS [L.T.] Jorge is a knife-sharpener. Despite being old and retired, he still keeps on working. Even health is not on his side, but this doesn’t seem to stop him. He drives down the streets with his motorcycle loaded with the trade’s tools day in and day out. Along the way he meets people he has known for years; he relives the past with them and looks concerned at the future. “Os Caminhos de Jorge tells us the story of a knife-sharpener, in today’s northern Portugal. It is a portrait of him and of some of his clients, in a world in transformation where everyone has to find its own way. This world appears to reject them. It is a multi-plot film in which we join the memory of these people in a journey that becomes gradually a spiritual one.” 79 TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Miguel Moraes Cabral (1984) ha studiato cinema a Lisbona, dove si è laureato nel 2008, e ha partecipato a un periodo di studio all’estero presso l’Université de Nanterre e l’École supérieure Louis-Lumière di Parigi. Attualmente lavora come sound designer, specializzato nelle registrazioni audio e nella postproduzione. Dal 2010 fa parte del gruppo di selezionatori del festival IndieLisboa, dove si occupa di cortometraggi. Al momento sta sviluppando la sceneggiatura del suo primo film di finzione, che si svolgerà nel Nord del Portogallo. Os Caminhos de Jorge segna il suo debutto nella regia. Miguel Moraes Cabral (1984) studied cinema at the Lisbon Theatre and Film School, where he graduated in 2008; he studied abroad in Paris at the Université de Nanterre and at the École Supérieure Louis-Lumière. He now works as a sound designer, specialized in audio recording and postproduction. Since 2010 he is part of the selection committee of the film festival IndieLisboa, where he is in charge of the short film section. He is currently developing the screenplay for his first fictional film, which will take place in Northern Portugal. Os Caminhos de Jorge is his debut behind the camera. filmografia/filmography Os Caminhos de Jorge (doc., 2013). lamine ammar-khodja CHRONIQUES ÉQUIVOQUES CONTENTS Algeria-Francia/Algeria-France, 2013, HD, 61’, col. Lamine Ammar-Khodja (Algeria, 1983) è cresciuto a Bab Ezzouar, un sobborgo di Algeri. Si è poi trasferito in Francia nel 2003 e dopo alcuni cortometraggi ha realizzato nel 2012 il suo primo lungometraggio documentario, Demande à ton ombre, presentato al MoMA di New York e in diversi festival internazionali, tra cui il FidMarseille, in cui ha vinto la sezione dedicata alle opere prime. regia, fotografia, montaggio, suono, produttore/ director, cinematography, film editing, sound, producer Lamine Ammar-Khodja ** contatti/contacts Lamine Ammar-khodja [email protected] CRONACHE AMBIGUE [T.L.] L’Algeria festeggia il cinquantesimo anniversario della sua indipendenza: otto frammenti di storie restituiscono il complesso mosaico della sua capitale Algeri. «Algeri è una città ambigua: la maggior parte delle persone che vi abitano sono bianche. Noi la chiamiamo “la bianca”. La vita quotidiana è permeata di ambiguità: nelle situazioni in cui l’umorismo intensifica l’allarmante livello di disperazione; nel furioso desiderio di vivere e nella sensazione che qualcosa stia morendo; nelle accese discussioni che inondano le strade per dire tutto e dire niente; nell’impressione che questa città loquace sia silenziosa; nei cartelli bilingue che trasmettono la stessa ambiguità che si ritrova nelle espressioni della vita quotidiana; nelle mura così antiche del centro storico, che danno l’impressione di trovarsi in una città coloniale mentre si passeggia di notte e la città dorme. È ambigua anche l’immagine stessa di Algeri, che mai si capisce se viene dall’esterno o da essa stessa». EQUIVOCAL CHRONICLES [L.T.] Algeria is celebrating the fiftieth anniversary of its independence: eight fragments of stories portraying the complex mosaic of its capital, Algiers. “Algiers is an ambiguous city, the majority of people who live there are white. We call this African city ‘the white.’ We find ambiguity everywhere in the city’s daily life. In the situations where humor raises the alarming level of despair. In the furious desire to live and in the feeling that something is dying. In the loud discussions that flood the streets to say everything and nothing at the same time. In the impression that this talkative city is silent. In those bilingual signs bearing a linguistic ambiguity that can be found in daily life expressions. In the ancient walls of the city center, which give us the impression that we are in a colonial city when we stroll by night and the city is asleep. Even the image of Algiers is ambiguous, unsure whether it came from abroad or if it is endogenous.” 80 TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Lamine Ammar-Khodja (Algeria, 1983) grew up in Bab Ezzouar, a suburb of Algiers. He moved to France in 2003, and, after making a few shorts, he directed his first feature-length documentary in 2012: Ask Your Shadow. The film was presented in New York at the MoMA, and in several international film festivals, including the FIDMarseille where it received the first film prize. filmografia/filmography Comment recadrer un hors-la-loi en tirant sur un fil (cm, doc., 2010), ’56 SUD (cm, doc., 2010), Alger moins que zéro (cm, doc., 2011), Demande à ton ombre (doc., 2012), Chroniques équivoques (doc., 2013). joaquim pinto E AGORA? LEMBRA-ME CONTENTS Portogallo/Portugal, 2013, HD, 164’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Joaquim Pinto fotografia, suono, montaggio/ cinematography, sound, film editing Joaquim Pinto, Nuno Leonel interpreti/cast Joaquim, Nuno, Jo, Deolinda, Cláudia, Nelson produttori/producers Joana Ferriera, Isabel Machado, Christine Reeh produzione/production C.R.I.M. Produções Audiovisuais, Lda., Presente coproduzione/coproduction Ica - Instituto do Cinema e do Audiovisual, Calouste Gulbenkian Foundation, RTP ** contatti/contacts C.R.I.M. Produções Audiovisuais Joana Ferreira Tel: +351 218 446 102 [email protected] E ADESSO ? RICORDATI DI ME [T.L.] Joaquim Pinto convive con l’HIV e l’epatite C da quasi vent’anni. Il film è il taccuino di un anno di studi clinici con sostanze ancora in fase di sperimentazione, capaci di alterare la mente. Una riflessione aperta ed eclettica sul tempo e la memoria, le epidemie e la globalizzazione, la sopravvivenza al di là di ogni aspettativa, il dissenso e l’amore. Sospeso tra presente e passato, il film è anche un omaggio agli amici defunti e a coloro che restano. «In tempi di crisi, HIV ed epatite C non sono più temi prioritari. A differenza di recenti documentari che hanno un approccio esterno, questo film propone un ritorno alla riflessione “da dentro” su questioni più generali, come le opere prodotte fino a metà anni Ottanta da autori che avevano preso coscienza della loro condizione di sieropositivi. In qualche modo sono un privilegiato: non dipendo da padroni, non devo nascondere il mio stato, ho accesso ai farmaci. Sono vivo grazie a battaglie che non mi hanno avuto come protagonista e che hanno coinvolto interessi, governi, liquidatori delle assicurazioni e industrie farmaceutiche». WHAT NOW? REMIND ME Joaquim Pinto has been living with HIV and VHC for almost twenty years. The film is the notebook of a year of clinical studies with toxic, mind altering drugs as yet unapproved. An open and eclectic reflection on time and memory, on epidemics and globalization, on survival beyond all expectations, on dissent and absolute love. In a to-and-fro between the present and past memories, the film is also a tribute to friends departed and those who remain. “In times of crisis, HIV and HCV are no longer priority topics. Unlike recent documentaries with an approach from the outside, this project proposes a return to an ‘insider’ reflection for more general questions, in keeping with the works produced until the mid-1980s by authors who assumed their condition as HIV positive. Somehow I am privileged. I don’t depend on bosses, I don’t have to hide my status, I have access to medication. I am alive thanks to battles in which I was not the protagonist and which involved interests, governments, investigators and the pharmaceutical industry.” 81 TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Joaquim Pinto (Porto, Portogallo, 1957), diplomato ingegnere del suono alla Scuola di cinema del Conservatorio di Lisbona, dal 1979 al 1987 ha lavorato con cineasti come Manoel de Oliveira, Alain Tanner e João Cesar Monteiro. Nel 1987 ha esordito con Uma Pedra no Bolso, seguito da Onde Bate o Sol (1989), entrambi selezionati a Berlino. Nel 1992 Das Tripas Coração è stato in concorso a Locarno e, insieme alle opere precedenti, è stato presentato nel 1999 nel corso della retrospettiva sul cinema portoghese del 17° Torino Film Festival. Oltre ad aver diretto documentari, ha fondato insieme a Nuno Leonel una casa editrice specializzata in musica e letteratura. Joaquim Pinto (Porto, Portugal, 1957) studied sound engineering at the National Conservatory Film School in Lisbon. From 1979 to 1987 he worked with filmmakers like Manoel de Oliveira, Alain Tanner, and João Cesar Monteiro. In 1987 he directed his first film, Uma Pedra no Bolso, followed by Onde Bate o Sol (1989), both of which were selected at the Berlinale. Das Tripas Coração was in the competition section at the Locarno Festival in 1992. His films were also part of the 1999 retrospective on Portuguese cinema from the 17 Torino Film Festival. Aside from making documentaries, he also started with Nuno Leonel a publishing company specialized in music and literature. TH filmografia/filmography Uma Pedra no Bolso (1988), Onde Bate o Sol (1989), Das Tripas Coração (1992), Para cá dos Montes (cm, 1993) Surfavela (coregia/codirector Nuno Leonel, mm, doc., 1996), Moleque de Rua (cm, doc., 1997), Com Cuspe e com Jeito Se Bota no Cu do Sujeito (cm, doc., 1998), Rabo de Peixe (coregia/codirector Nuno Leonel, mm, doc., 2003), Segurança Maritima Passado, Presente e Futuro (coregia/codirector Nuno Leonel, cm, doc., 2006), Sol Menor (coregia/codirector Nuno Leonel, 2007), Porca Miséria (coregia/ codirector Nuno Leonel, cm, anim., 2007), E Agora? Lembra-me (doc., 2013), O Novo Testamento de Jesus Cristo Segundo João (coregia/ codirector Nuno Leonel, doc., 2013). jide tom akinleminu PORTRAIT OF A LONE FARMER CONTENTS PREMIO CIPPUTI Danimarca-Nigeria-Germania/Denmark-Nigeria-Germany, 2013, HD-DV-16mm-8mm, 75’, col. regia, sceneggiatura, fotografia, produttore/ director, screenplay, cinematography, producer Jide Tom Akinleminu montaggio/film editing Nelia Szekely, Vivien Hamann suono/sound Ade Ogunsakin, Julian Cropp interpreti/cast Akin Akinleminu, Grete Akinleminu, Jide Tom Akinleminu, Ade Ogunsakin, Farmteam 2010, Chief Aroloye, Ile Mexico, vigili del fuoco dello Stato di Ondo/ Ondo State Fire Service, Chief Sashere, Oba Frederick Aroloye produzione/production Deutsche Film & Fernsekakademie Berlin (DFFB) coproduzione/coproduction Làbòsinmi Films ** contatti/contacts Deutsche Film & Fernsekakademie Berlin (DFFB) Juli Schymik, Laure Tinette Tel: +49 3025 759 153/152 [email protected] [email protected] www.dffb.de 82 RITRATTO DI UN CONTADINO SOLITARIO [T.L.] Dopo molti anni di separazione, un ragazzo va a trovare il padre nella sua fattoria. Accolto dal calore dell’uomo e dalla semplicità della campagna, ritrova un legame con le sue radici. «Il film è un racconto riflessivo e personale. Una raccolta di impressioni dalla terra di mio padre e suo padre. Un piccolo villaggio circondato da enormi rocce che sembrano montagne. Poiché guardare avanti sembra impossibile, mi guardo indietro e mi accorgo che alcune cose non cambiano. Almeno, esiste qualcosa di costante e, a suo modo, affidabile. Ed è un sollievo. In questo film ho semplicemente passato del tempo con mio padre, lasciandogli fare il suo lavoro di pollicoltore, mentre io facevo il mio di cameraman. Di tanto in tanto, si parla. Iniziamo a specchiarci l’uno nell’altro: lui vede in me suo padre, io vedo in lui me stesso. Forse, guardando questo film, i miei “fratelli di altre madri” sentiranno familiarità con questo particolare senso di appartenenza a un luogo in cui si è in definitiva stranieri». PORTRAIT OF A LONE FARMER After not seeing each other for many years, a young man goes to visit his father on his farm; he is warmly received by the man and by the simplicity of the countryside, he finds a bound with his roots. “Portrait of a Lone Farmer is a reflective and personal narrative. A compilation of impressions from the land of my father and his father. A small village surrounded by huge mountainlike rocks. As looking ahead seems impossible, I look backwards, and see that some things don’t change. At least, there is something that is constant and in its own way, reliable. Relief. In this film, I simply spend some time with my father, let him do his work as a poultryfarmer, while I do my work as a cameraperson. Occasionally, we talk. We start mirroring each other. He sees his father in me, and I see myself in him. Maybe, watching this film, my ‘brothers from other mothers’ will feel familiar with this peculiar sense of belonging to a place where you are practically a stranger.” TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Jide Tom Akinleminu (Danimarca, 1981), figlio di padre nigeriano e madre danese, ha vissuto in Nigeria fino al 1991, quando la famiglia si è trasferita in Danimarca. Ha studiato musica e ingegneria del suono e poi fotografia, presso Fatamorgana, la celebre scuola danese d’arte e fotografia. Nel 2004 si è trasferito a Berlino per studiare cinema alla Dffb, l’accademia tedesca di cinema e televisione, e ha lavorato come direttore della fotografia in numerosi film presentati in festival internazionali, tra cui quelli di Locarno, Oberhausen, la Berlinale e il FidMarseille. Portrait of a Lone Farmer è il suo primo lungometraggio. Jide Tom Akinleminu (Denmark, 1981), son of a Nigerian man and a Danish woman, lived in Nigeria until 1991, when his family moved to Denmark. He studied music and sound engineering, and then photography at Fatamorgana, the famous Danish school of art and photography. He moved to Berlin in 2004 to study cinema at DFFB, the German Film and Television Academy. He has worked as director of photography in many films presented at various international festivals, including Locarno, Oberhausen, the Berlinale, and FIDMarseille. Portrait of a Lone Farmer is his first feature film. filmografia/filmography Portrait of a Lone Farmer (doc., 2013). ben rivers, ben russell A SPELL TO WARD OFF THE DARKNESS CONTENTS Francia-Estonia/France-Estonia, 2013, HD, 95’, col. regia, fotografia, montaggio/ directors, cinematography, film editing Ben Rivers, Ben Russell suono/sound Chu-Li Shewring, Nicolas Becker, Philippe Ciompi, Gérard Lamps musica/music Veldo Tormis, Lichens, Queequeg interpreti/cast Robert Aiki Aubrey Lowe, Hunter Hunt-Hendrix produttori/producers Nadia Turincev, Julie Gayet produzione/production Rouge International coproduttore/coproducer Indrek Kasela coproduzione/coproduction Black Hand ** contatti/contacts Rouge International Thomas Lambert Tel: +33 951 49 38 44 [email protected] www.rouge-international.com Ben Rivers ha studiato belle arti alla Falmouth School of Art, interessandosi di scultura e poi fotografia e produzione cinematografica, con un occhio di riguardo al documentario e alle contaminazioni con la finzione. Ha ottenuto numerosi premi internazionali, tra cui il premio Fipresci alla Mostra di Venezia per Two Years at Sea (2011). UN INCANTESIMO PER ALLONTANARE L’OSCURITÀ [T.L.] Un personaggio senza nome colto in tre momenti della sua vita: prima come membro di una comune su un’isola al largo dell’Estonia, poi abbandonato a se stesso nel Nord della Finlandia e, infine, al microfono di una band di black metal. Tre esperienze estreme che, tra immagini di una natura incontaminata contrapposte al caos delle performance musicali del protagonista, evocano i fantasmi dell’utopia e della libertà individuale. «Passando dal documentario alla finzione, dall’indagine ideologica al trasporto contemplativo, A Spell to Ward Off the Darkness chiede allo spettatore di partecipare a un dialogo attinente al periodo storico che stiamo vivendo: dove troviamo la fede se rivolgiamo lo sguardo indietro al modernismo? Che posto occupano l’incertezza e il mistero in un’esistenza dominata dalla conoscenza razionale? C’è ancora un bagliore tra le ceneri del cinema? Come possiamo considerarle ceneri se c’è ancora qualcosa che le smuove?» A SPELL TO WARD OFF THE DARKNESS A nameless character taken in three moments of his life: first as a member of a commune on an island off the coast of Estonia; then, abandoned and alone in northern Finland; and, finally, at the microphone of a black metal band. Amid evocative images of the pristine environment juxtaposed with the chaos of the main character’s musical performances, these three extreme experiences evoke the ghosts of utopia and individual freedom. “By shifting between fiction and document, between ideological inquiry and contemplative engagement, A Spell to Ward Off the Darkness asks its viewer to participate in a dialogue that is especially relevant to our present moment – where do we find belief in the backward glance towards modernism? What is the place of uncertainty, of mystery, in an existence that has been overdetermined by understanding? What glow remains in the ash of cinema, and how can it be ash if the aura persists?” Ben Russell (Usa, 1976), artista e regista sperimentale, ha presentato i suoi film e le sue performance in molti musei e festival, tra cui il Museum of Contemporary Art di Chicago, il Festival di Rotterdam e la Mostra di Venezia. La serie Recent Anthropologies (2000-2009) è stata presentata al Torino Film Festival, insieme al documentario Let Each One Go Where He May, suo esordio nel lungometraggio e vincitore del premio Cult nel 2009. Nel 2012 è tornato al Festival con Ponce de Léon, codiretto con Jim Drain. Ben Rivers studied fine arts at Falmouth School of Art; he interested in sculpture, photography and filmmaking, with an interest in documentaries and their fiction contaminations. He received many international awards, including the FIPRESCI Award at the Venice Film Festival for Two Years at Sea (2011). Ben Russell (USA, 1976) is a visual artist and experimental filmmaker. His films and performances have been presented in several museums and festivals, including the Museum of Contemporary Art of Chicago, the Rotterdam Festival, and the Venice Festival. The series Recent Anthropologies (2000-2009) was presented to the Torino Film Festival along with the documentary Let Each One Go Where He May, his debut into feature films, which won the Cult Award in 2009. In 2012 presented in Turin Ponce de Léon, codirected with Jim Drain. filmografia/filmography Ben Rivers, Ben Russell: A Spell to Ward Off the Darkness (doc., 2013). 83 TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC roberto minervini STOP THE POUNDING HEART CONTENTS Usa-Belgio-Italia/USA-Belgium-Italy, 2013, HD, 100’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Roberto Minervini story/soggetto Roberto Minervini, Diego Romero fotografia/cinematography Diego Romero Suarez-Llanos montaggio/film editing Marie-Hélène Dozo musica/music Jose Luis Villalobos suono/sound Tom Gambale interpreti/cast Sara Carlson, Colby Trichell, Leeanne Carlson produttori/producers João Leite, Roberto Minervini, Denise Lee, Luigina Smerilli produzione/production Pulpa, Ondarossa Film, Poliana Productions distribuzione/distribution I Wonder Pictures Unipol-Biografilm Collection ** contatti/contacts Doc & Film International Tel: + 33 01 427 756 87 [email protected] www.docandfilm.com I Wonder Pictures Unipol-Biografilm Collection [email protected] www.iwonderpictures.it Roberto Minervini (Monte Urano, Fermo, Italia, 1970) è un regista e scrittore nato in Italia, ma residente da tempo negli Stati Uniti. Ha conseguito un master in media studies presso la New School University di New York e un dottorato di ricerca in storia del cinema presso la Universidad autónoma de Madrid, in Spagna. Con il suo lungometraggio precedente, Low Tide (2012), anch’esso girato in Texas, ha partecipato alla Mostra di Venezia nel 2012 nella sezione Orizzonti. STOP THE POUNDING HEART Sara è un’adolescente nata in una famiglia di allevatori di capre texani. I suoi genitori hanno educato personalmente i loro dodici figli, seguendo in maniera rigorosa i precetti delle Bibbia. Come le sue sorelle, Sara è stata cresciuta per essere una donna devota, asservita agli uomini ma con l’obbligo morale di conservare intatta fino al matrimonio la purezza fisica e spirituale. Ma quando Sara incontra Colby, giovane dilettante del rodeo, entra in crisi, mettendo in dubbio l’unico modello di vita che abbia mai conosciuto. «Per me il Texas è un posto unico, ricco di personaggi. Qui le persone sono indipendenti in modo ostinato ed estremamente orgogliose, e la cultura e le tradizioni del Sud sono seguite e radicate. In quanto osservatore esterno mi sento attratto da questa cultura a se stante fatta di armi, cowboy e comunità spirituali eterogenee. Sebbene il Texas sia uno Stato molto vasto, punteggiato di ampie aree metropolitane, il suo cuore è composto da una miriade di piccole città, irrilevanti da un punto di vista topografico, ma antropologicamente molto ricche». STOP THE POUNDING HEART Sara is a young girl raised in a family of Texas goat farmers. Her parents homeschool their twelve children, rigorously following the precepts of the Bible. Like her sisters, Sara is taught to be a devout woman, subservient to men while keeping her emotional and physical purity intact until marriage. When Sara meets Colby, a young amateur bull rider, she is thrown into crisis, questioning the only way of life she has ever known. “I find Texas to be a unique place, full of character. The people are fiercely independent and extremely proud, and the culture and traditions of the South are staunch and firmly rooted. As a foreign observer, I am drawn to this distinct culture of guns, cowboys, and disparate spiritual communities. Even though Texas is a vast state with large metropolitan areas, its core is composed of a myriad of small towns, almost irrelevant from a topographical standpoint, but very rich from an anthropological one.” 84 TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Roberto Minervini (Monte Urano, Fermo, Italy, 1970) is an Italian born, US-based film director, writer and lecturer. He holds a Master in media studies from the New School University, New York, and pursued a Phd in cinema history at the Universidad autónoma of Madrid, Spain. He lives and works between Italy and the United States. With his previous documentary, Low Tide (2012), shoot as well in Texas, he took part to the Venice Film Festival in 2012, in the Orizzonti section. filmografia/filmography The Passage (doc., 2011), Low Tide (doc., 2012), Stop the Pounding Heart (id., doc., 2013). carmit harash TRÊVE CONTENTS Francia-Israele/France-Israel, 2013, Super8-video, 88’, bn/bw-col. Carmit Harash (Israele) si è laureata alla Scuola di cinema Sam Spiegel di Gerusalemme e ha lavorato come montatrice per la televisione. Nel 2000 ha lasciato Israele per trasferirsi in Francia, dove tuttora vive. Film de guerre (2007) e Demain (2010), che insieme a Trêve compongono una trilogia che indaga il rapporto tra Israele e la guerra, sono stati entrambi presentati al Torino Film Festival. regia, sceneggiatura, fotografia, montaggio, suono/ director, screenplay, cinematography, film editing, sound Carmit Harash produzione/production Nyctalop ** contatti/contacts Carmit Harash [email protected] TREGUA [T.L.] Il cessate il fuoco per gli israeliani non significa che la guerra sia finita: non c’è garanzia di pace, neanche quando viene negoziata e dichiarata ufficialmente. Per chi è nato durante la guerra ed è cresciuto per diventare un soldato, il silenzio è solo un’attesa ingannatrice. «Israele è un Paese dove la guerra potrebbe scoppiare mentre si è bloccati in un ingorgo stradale: un evento che per chi ci vive può sembrare naturale e al tempo stesso sorprendente. La tregua è uno stato mentale; è vivere in costante allerta e ansia. Mescolando documentario e finzione, ho cercato di cogliere le conseguenze di tutto questo. Gli israeliani sono condannati alla guerra per tutta la vita? Si tratta di una scelta o è un’abitudine, una necessità tramandata di padre in figlio? Questo film è il terzo capitolo di una trilogia in cui la guerra è parte della vita quotidiana, i suoi protagonisti sono persone a me vicine, non alti funzionari ma semplici cittadini. Il nostro reciproco coinvolgimento li rende i miei primi interlocutori politici». TRUCE For Israelis, the ceasefire doesn’t mean war is over. This permanent threat hovers over daily life, as high officials pursue their declarations. For those who are born in war and raised to become warriors, silence is only a deceptive pause. “Israel is, indeed, a country where war might break out while you are stuck in a traffic jam, an event that seems both natural and, at the same time, surprising to its citizens. Truce is a state of mind; it is living in constant alert and anxiety. Mixing documentary and fiction, I’m trying to see what the consequences of such life are. Are Israelis sentenced to lifetime war? Is it a matter of choice? Or is it a habit? A necessity passing from father to son? This film is the third part of a trilogy in which war is part of daily life. Its leading actors are people who are close to me. They are not high officials but ordinary citizens. Our mutual commitment makes them my first political interlocutors.” 85 TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Carmit Harash (Israel) graduated from the Sam Spiegel Film School in Jerusalem and worked as a film editor for television. In 2000 she left Israel and moved to France, where she currently lives. Film de guerre (2007) and Demain (2010) were both presented at the Torino Film Festival; together with Trêve they form a trilogy that questions the deep ties between Israelis and war. filmografia/filmography Le cercle de l’exil (mm, doc., 2003), Jeudi, batailles perdues (cm, 2006), Film de guerre (mm, doc., 2007), Demain (mm, doc., 2010), Trêve (doc., 2013). peter snowdon THE UPRISING CONTENTS Belgio-Regno Unito/Belgium-UK, 2013, video, 78’, col. regia/director Peter Snowdon sceneggiatura, montaggio/ screenplay, film editing Peter Snowdon, Bruno Tracq suono/sound Olivier Touche produttori/producers Bruno Tracq, Samm Haillay, Duane Hopkins, Andrew McVicar produzione/production Rien à voir, Third Films ** contatti/contacts Peter Snowdon Tel: +32 485 563 772 [email protected] www.redrice.net Peter Snowdon (Newcastle, Regno Unito, 1964), dopo gli studi in francese e filosofia all’Università di Oxford, si è trasferito a Parigi per lavorare nell’editoria, nel giornalismo e come consulente presso l’Unesco. Dal 1997 al 2000 ha vissuto in Egitto e al suo ritorno ha iniziato a girare documentari, partecipando a festival internazionali come quello di Edinburgo, Documenta Madrid, Experiments in Cinema, Écrans documentaires, Ann Arbor Film Festival, Cinema Vérité a Teheran. LA RIVOLTA [T.L.] Dalla prima dimostrazione della cosiddetta «primavera araba», quella avvenuta nel dicembre 2010 contro l’allora presidente tunisino Zinedine Ben Ali, i cittadini delle nazioni coinvolte nella protesta hanno utilizzato il video per documentare, anche fuori dai propri confini, ciò che stava accadendo. Le immagini raccolte in Tunisia, Egitto, Bahrein, Libia, Siria e Yemen danno vita a una rivolta panaraba che per il momento esiste solo sullo schermo. «Questo film non si basa sull’idea ingenua che la ribellione spontanea possa dare inizio a un mondo perfetto e giusto, ma sulla prova incontrovertibile che il video funziona; che comunica un’energia che può trasformare la vita delle persone. Il video è in grado di preservare quella voce individuale senza la quale la più grande delle folle non vale niente. E può fare in modo che l’invito a rifiutare l’umiliazione e il ridicolo di cui i governi riempiono i loro cittadini, e a cercare di vivere invece con onore e con dignità, possa essere diretto non solo ai popoli di queste sei nazioni arabe, ma a tutti noi, ovunque». THE UPRISING After the first uprising of the so-called “Arab spring,” which took place in Tunisia in December 2010 against the then president Zinedine Ben Ali, the people of the countries involved in the protest have been using videos to document what was happening, even outside their borders. The images taken in Tunisia, Egypt, Bahrain, Libya, Syria, and Yemen have generated a pan-Arab revolution that, for the time being, exists only on the screen. “This film is based not on a naive belief in the power of spontaneous rebellion to usher in a perfect and just world, but on the incontrovertible evidence that video works. That it communicates an energy that can transform people’s lives. That it can preserve the individual voice without which the largest crowd is worth nothing. And that this call to refuse the humiliation and ridicule that governments heap upon those they govern, and to try and live instead with honour and with dignity, can speak directly not only to the people of these six Arab nations, but to all of us, everywhere.” 86 TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Peter Snowdon (Newcastle, UK, 1964), after studying French and philosophy at Oxford University, moved to Paris where he worked in publishing, in journalism, and as a consultant for UNESCO. He lived in Egypt from 1997 to 2000. After returning he started shooting documentaries, which participated in many international film festivals, including the one in Edinburgh, the Documenta Madrid, Experiments in Cinema, Écrans documentaires, the Ann Arbor Film Festival, and Cinema Vérité in Teheran. filmografia/filmography Two Thousand Walls (a Song for Jayyous) (cm, doc., 2006), Tree Stain Man (Homage to Stan) (cm, doc., 2007), Drying up Palestine (coregia/codirector Rima Essa, cm, doc., 2007), Breather (cm, 2007), Bewick’s Mambo (cm, 2008), Rinse and Spin (cm, 2008), Walking Through Paradise (cm, doc., 2010), La forêt, une fois (cm, doc., 2010), Uprising (doc., 2013). xu ruotao, j.p. sniadecki, huang xiang YUMEN CONTENTS Cina-Usa/China-USA, 2013, 16mm, 65’, col. regia, montaggio/ directors, film editing Xu Ruotao, J.P. Sniadecki, Huang Xiang soggetto/story Xu Ruotao, Yinyan fotografia, suono/ cinematography, sound J.P. Sniadecki, Huang Xiang interpreti/cast Chen Qi, Zhou Qian, Chen Xuehua, Huang Xiang, Xu Ruotao ** contatti/contacts J.P. Sniadecki [email protected] J.P. Sniadecki (Michigan, Usa, 1979) combina nel suo lavoro di regista il documentario con l’arte e l’etnografia. I suoi film sono stati proiettati in festival, musei, università e gallerie di tutto il mondo. Con Foreign Parts (codiretto con Véréna Paravel) ha vinto il Pardo d’oro a Locarno. YUMEN Il centro di Yumen, situato nell’arido distretto settentrionale di Gansu, in Cina, un tempo prosperava grazie all’industria estrattiva, ma ormai è ridotto a una città fantasma, un non luogo fatto di rovine e disperazione. Tra i ruderi di un passato troppo vicino e ormai tramontato, si aggirano gli ultimi abitanti, anime inquiete che cercano di mettersi in contatto, ognuna a modo suo, con il resto dell’umanità in nome di ciò che un tempo le univa. In particolare, una donna solitaria, un artista errante e un gruppo di giovani s’inseguono, segnando il territorio. «Ho realizzato Yumen con due amici e artisti di grande talento: Xu Ruotao, pittore astratto e filmmaker (ha girato Rumination, un film che mi è piaciuto molto), e Huang Xiang, un performer da poco passato anche alla regia. […] Insieme abbiamo fatto un film che parla di storie di fantasmi e del peso di una trasformazione enorme: lo si può considerare una di quelle opere che indugiano sulle rovine di un luogo, un ruin porn fatto in maniera giocosa. E pure un’opera di arte performativa». (J.P. Sniadecki) YUMEN Downtown Yumen, located in China’s arid northern district of Gansu, used to be a prosperous place thanks to its mining industry, but it has become a ghost city, a non-place made of ruins and desperation. Among the wreckage of a past that is too near and yet over, the last inhabitants wander around, restless souls each trying in their own way to get in touch with the rest of humanity in the name of what used to unite them. In particular, a solitary woman, a traveling artist and a group of young people follow each other, marking the territory. “I made Yumen with two friends and talented artists: Xu Ruotao, who’s an abstract painter and filmmaker (he made a film called Rumination that I liked very much) and a performance artist named Huang Xiang, who is just now going into filmmaking. […] We made this film that deals with ghost stories, the weight of that tremendous transformation and also it’s a kind of playful ruin porn, a piece of performing art.” (J.P. Sniadecki) 87 Xu Ruotao (Shenyang, Cina, 1968) vive a Songzhuang, in Cina, e ha iniziato la sua carriera a Yuanmingyuan, il primo villaggio di artisti indipendenti cinese. Ha esordito nel lungometraggio nel 2009 con Rumination. TFFDOC - INTERNAZIONALE.DOC Huang Xiang (Cina, 1979) vive e lavora a Songzhuang. A causa della performance Jasmine Flower è stato incarcerato per trenta giorni dalle autorità cinesi. Come regista ha diretto il lungometraggio Roast Chicken (2012). Xu Ruotao (Shenyang, China, 1968) lives in Songzhuang, China, and began his career in Yuanmingyuan, the first Chinese village of independent artists. He debuted in feature films in 2009 with Rumination. J.P. Sniadecki (MI, USA, 1979), in his work as a director, combines documentaries, art and ethnography. His films have been screened at festivals, museums, universities and galleries throughout the world. Foreign Parts (co-directed with Véréna Paravel) won the Golden Leopard at Locarno. Huang Xiang (China, 1979) lives and works in Songzhuang. After a performance of Jasmine Flower, he spent thirty days in jail on the orders of the Chinese authorities. He directed the feature-length Roast Chicken (2012). filmografia/filmography Xu Ruotao: Rumination (2009). J.P. Sniadecki: Chaiqian (doc., 2010), Foreign Parts (coregia/codirector Véréna Paravel, 2010), People’s Park (doc., 2012). Huang Xiang: Roast Chicken (2012). Xu Ruotao, J.P. Sniadecki, Huang Xiang: Yumen (doc., 2013). CONTENTS Anak araw - Albino (2012) di Gym Lumbera claudia marelli EMMAUS CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 85’, col. regia, soggetto, fotografia, produttore/ director, story, cinematography, producer Claudia Marelli montaggio/film editing Pietro Lassandro musica/music Vic Chesnutt suono/sound Giuseppe D’Amato interpreti/cast Angelo Sardu, Antonello Manca, Fausto Serra, Claudia Marelli ** contatti/contacts Claudia Marelli [email protected] Claudia Marelli (Cagliari, Italia, 1980) a diciotto anni ha lasciato la Sardegna per andare a studiare a Roma, dove vive tuttora. Emmaus segna il suo esordio alla regia. Claudia Marelli (Cagliari, Italy, 1980) left Sardinia at eighteen years of age and went to study in Rome, where she still lives. Emmaus is the first film she has directed. filmografia/filmography Emmaus (doc., 2013). EMMAUS Sardegna. Nella campagna della provincia di Iglesias sorge la comunità terapeutica per le dipendenze patologiche dove, tra incombenze quotidiane e ricordi del passato, vivono Antonello, Angelo e Fausto. «Questo film nasce dai miei ritorni a casa, da uno slancio amoroso e da un’amicizia di vecchia data. Pensato come documentario su una comunità riabilitativa, si è presto trasformato in un viaggio in un mondo a me sconosciuto, spietato e crudele, rischiarato da lampi di tenerezza inaspettata. L’incontro con Antonello, Angelo e Fausto è stato così dirompente da far svanire l’idea iniziale di raccontare l’istituzione e le metodologie terapeutiche, per raccontare invece gli uomini. Sono stata catturata dalle loro vite, dalle storie del loro passato, dalla loro forza e fragilità, dalla durezza che convive con la cura e l’amore per gli animali, coi quali condividono una vita di gabbie e recinti. Il film è anche la storia del loro mettersi in gioco, con ironia e complicità, del nostro divertimento, dello scambio dei ruoli (filmare, essere filmati) e di un continuo rimando di sguardi». EMMAUS Sardinia. In the countryside in the province of Iglesias, there is a therapeutic community for pathological addictions where Antonello, Angelo and Fausto live and cope with daily chores and memories of the past. “This film was born of my home-comings, of a passionate impulse and of a long-standing friendship. Initially a documentary about a rehabilitation community, it soon transformed itself into a journey into a world that is unknown to me, merciless and cruel, leavened with flashes of unexpected tenderness. Meeting Antonello, Angelo and Fausto was so overwhelming that it swept away the initial idea of portraying the institution and its therapeutic methods, in favor of describing the men. I was won over by the stories of their lives, by their strength and fragility, by the harshness that goes in tandem with their care and love for the animals, with whom they share a life of cages and fences. The film is also the story of them putting themselves on the line, with irony and complicity, of our fun times, of switching roles (filming, being filmed) and of a continuous game of exchanged gazes.” 89 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C edoardo morabito I FANTASMI DI SAN BERILLO CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 74’, bn/bw-col. regia, montaggio/ director, film editing Edoardo Morabito soggetto/story Edoardo Morabito, Irma Vecchio fotografia/cinematography Irma Vecchio suono/sound Riccardo Spagnol, Daniele Scialò narratrice/narrator Donatella Finocchiaro produzione/production Lemur Films realizzato con il sostegno di/ realized with the contribution of Sicilia Film Commission ** contatti/contacts Lemur Films [email protected] www.lemurfilms.it Edoardo Morabito (Catania, Italia, 1979) si è trasferito a Roma nel 2003 per frequentare il corso di montaggio presso il Centro sperimentale di cinematografia. Ha poi lavorato come montatore di fiction e documentari, tra cui Io sono Tony Scott di Franco Maresco, presentato al Festival di Locarno nel 2010, e Andata e ritorno di Donatella Finocchiaro, selezionato alla Mostra di Venezia nel 2011. Nel 2010 ha ricevuto una menzione speciale al Premio Solinas Documentari per il progetto I fantasmi di San Berillo, in seguito suo esordio alla regia. I FANTASMI DI SAN BERILLO Fantasmi di ieri e di oggi, tra cui quello della scrittrice Goliarda Sapienza, popolano il vecchio quartiere di San Berillo, a Catania. 1958: mentre in Italia si chiudono i bordelli, San Berillo viene raso al suolo e i suoi abitanti deportati in periferia. Del quartiere rimane un pezzetto, dove si riversano migliaia di prostitute da tutta Italia. Fino a quando nel 2000 un blitz delle forze armate costringe ancora una volta gli abitanti del quartiere ad abbandonare le loro case. «Sono entrato a San Berillo per seguire le “storie del sottosuolo” di quei personaggi di cui ci si innamora per la loro bellezza e il continuo attaccamento alla vita; per la loro sorprendente capacità di leggere l’umano e nello stesso tempo per la facilità con cui vengono tratti in inganno con le promesse più irreali; per il loro sperare nonostante tutto; per l’abilità di aprirti il cuore come dei bambini e poi essere crudeli come soltanto chi ha visitato l’abisso sa essere; e, ancora, per la facilità con cui alla fine riescono a ridere di tutto, della miseria ladra e di se stessi». THE GHOSTS OF SAN BERILLO [L.T.] Ghosts from the past and the present inhabit the old neighborhood of San Berillo, in Catania; among them, the one of the celebrated Italian writer Goliarda Sapienza. It is 1958: while brothels are being shut down all over Italy, San Berillo is razed to the ground and its inhabitants are deported to the suburbs. A piece of the neighborhood, however, remains intact and thousands of prostitutes from all over Italy find shelter there. Until 2000, when a police raid forces the neighborhood’s inhabitants to abandon their homes once again. “I went to San Berillo to follow the ‘underground stories’ of those characters with whom you fall in love for their beauty and relentless attachment to life. For their surprising aptitude in reading human beings while also being easily fooled by the most unbelievable promises. For their ability to still have hope, despite everything. For their skill in opening your heart like a child’s and then being cruel like only those who have seen the abyss can be. And then also for how easily they can laugh about everything in the end, about the dire wretchedness and about themselves.” 90 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Edoardo Morabito (Catania, Italy, 1979) moved to Rome in 2003 to attend an editing class at the Centro sperimentale di cinematografia. He then started working as an editor for fictions and documentaries, including the documentary films Io sono Tony Scott (directed by Franco Maresco and presented to the Locarno Festival in 2010), and Andata e ritorno (by Donatella Finocchiaro, selected at the Venice Film Festival in 2011). He received a special mention in 2010 at the Solinas Prize for Documentary Films for his project I fantasmi di San Berillo, which also represents his debut in the director’s seat. filmografia/filmography I fantasmi di San Berillo (doc., 2013). massimo donati, alessandro leone FUORISCENA CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 82’, col. regia, sceneggiatura/ directors, screenplay Massimo Donati, Alessandro Leone fotografia/cinematography Daniele Azzola montaggio/film editing Piero Lassandro musica/music Rolando Marchesini suono/sound Giuseppe D’Amato produttori/producers Gioia Avvantaggiato, Gabriella Pedranti produzione, distribuzione/ production, distribution GA&A Productions, Ester Produzioni ** contatti/contacts GA&A Productions Tel: +39 06 361 34 80 [email protected] www.gaea.it Massimo Donati (Milano, Italia, 1973) è autore e regista di cinema e teatro. Nel 2005 ha diretto Scene d’interni con topo di gomma. Nel 2009 ha sceneggiato Tre lire primo giorno di Andrea Pellizzer e nel 2011 La via del ring di Daniele Azzola. Con Diario di spezie, da cui ha tratto l’omonimo romanzo edito nel 2013 da Mondadori, ha vinto il Premio Solinas GialloNero. FUORISCENA L’Accademia Teatro alla Scala, eccellenza tra le più prestigiose a livello internazionale, unica al mondo a formare tutte le figure professionali del teatro d’arte, in un racconto corale che abbraccia un anno intero, vissuto in completa immersione nell’intimità delle vicende personali, nella spettacolarità delle rappresentazioni, nel rigore delle pratiche quotidiane. Percorrere la strada verso il tempio della Scala è un privilegio che in cambio chiede tutto. «Raccontare l’Accademia ha da subito significato svelare il cuore meno conosciuto di Milano. Un lavoro di paziente osservazione degli eventi nella loro naturalezza, in cui la macchina da presa è occhio discreto che segue gli allievi senza forzature, nella quotidianità delle attività didattiche e degli spettacoli, attenta a cogliere la poesia degli attimi di verità che si nutrono di fatica, talento e determinazione, nella ricerca della perfezione fuori dalla scena. Attraverso le stagioni, le storie di ballerini, cantanti, sarte e scenografi si intrecciano per restituire le sfumature e la concretezza delle loro passioni». OFF STAGE [L.T.] The Accademia Teatro alla Scala, excellence amongst the most prestigious worldwide, is the only theatre academy in the world that trains every professional figure involved in art theatre. It is a choral story that encompasses an entire year: a full immersion in the intimacy of personal events, in the spectacularity of the performances, in the rigor of the daily training. Walking the path that leads to the Scala temple is a privilege that demands everything in return. “Shooting a film about the Accademia immediately meant revealing the lesser known heart of Milan. It was a work of patient observation of events as they unfolded spontaneously; the camera became a discreet eye that followed students, without forcing anything, in their daily routine of classes and performances, carefully seizing the poetry of the moments of truth that develop out of hard work, talent, and determination, in search for perfection off stage. The stories of dancers, singers, costume and set designers intertwine through the seasons to restore the nuances and the concreteness of their passions.” Alessandro Leone (Taranto, Italia, 1970), regista e critico cinematografico, nel 2002 ha scritto Pap Samb (sceneggiatura sostenuta dal programma Medea) e nel 2005 ha sceneggiato e diretto il corto La fune, vincitore di numerosi premi in Italia e all’estero. Ha cosceneggiato i film Fuga dal call center di Federico Rizzo e La via del ring di Davide Azzola. Suo il volume La boxe immaginata dal cinema, in uscita per Falsopiano. Massimo Donati (Milan, Italy, 1973) is a writer and director for cinema and theatre. He directed the short feature Scene d’interni con topo di gomma in 2005. He wrote the screenplay to Tre lire primo giorno (directed by Andrea Pellizzer) in 2009, and La via del ring (by Daniele Azzola) in 2011. He won a Solinas GialloNero Prize for Diario di spezie, from which he drew inspiration for the novel he wrote by the same name, published by Mondadori in 2013. Alessandro Leone (Taranto, Italy, 1970) is a film director and movie critic. In 2002 he wrote Pap Samb (screenplay supported by the MEDEA Programme). He then wrote the screenplay and directed the short film La fune in 2005, which received many awards in Italy and abroad. He co-wrote the screenplay to the movies Fuga dal call center (directed by Federico Rizzo) and La via del ring by Davide Azzola. He also wrote the book La boxe immaginata dal cinema, which will be published by Falsopiano. filmografia/filmography Massimo Donati: Scene d’interni con topo di gomma (2005). Massimo Donati, Alessandro Leone: Fuoriscena (doc., 2013). 91 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C claudio casazza, luca ferri HABITAT [PIAVOLI] CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 60’, col. regia, fotografia, produttori/directors, cinematography, producers Claudio Casazza, Luca Ferri montaggio/film editing Claudio Casazza musica/music Dario Agazzi, Luigi Nono interpreti/cast Franco Piavoli, Flora Piavoli, Agata Piavoli, Luca Ferri (voce/voice over), Claudio Casazza (voce/voice over), Mario Piavoli (voce/voice over) distribuzione/distribution Circuito Nomadica ** contatti/contacts Claudio Casazza [email protected] Luca Ferri [email protected] www.ferriferri.com HABITAT [PIAVOLI] Franco Piavoli nel suo mondo, nel suo habitat. La sua casa, i suoi oggetti e le immagini dei suoi film che si perdono tra quelle odierne. Il tempo che scorre, gli oggetti che rimangono e le persone che se ne vanno. «Un film asciutto, per nulla didascalico. A parlare per Franco Piavoli, le sue stampe, i suoi libri e tutti gli ambienti della sua residenza, che sembrano una perfetta estensione del suo agire e del suo raccontarsi. Abbiamo preferito guardarci attorno e registrare i segni e le cose. Il tempo che abbiamo passato insieme ci ha poi permesso di non chiedergli nulla, registrando così alcuni “frammenti” del suo pensiero in una modalità rilassata e non invasiva. Il risultato sono immagini ferme, fisse, di pura contemplazione in cui il regista si è serenamente specchiato in quel gioco cinematografico che chiameremo per comodità marchingegno. Nel meccanismo abbiamo espressamente voluto che la telecamera, oggetto ingombrante, registrasse il tutto senza la negazione della sua presenza». HABITAT [PIAVOLI] Franco Piavoli in his world, in his habitat. His home, his objects and the pictures of his films that blend into the pictures of today. Time that goes by, the objects that remains and people who fly away. “A dry film, not didactic at all. For telling about Franco Piavoli we were helped by his prints, his books and all the rooms of his house that seem to be a perfect extension of his acting and talking about himself. We preferred to look around and record signs and things. The time we spent with him allowed us not to ask him anything and, by this way, to record some fragments of his thinking in a relaxed and not invasive way. The results are still images of pure contemplation, in which the director could peacefully be reflected in that cinematographic game that we call mechanism for convenience. In the mechanism we explicitly wanted the camera, bulky object, to shoot without hiding its presence.” Claudio Casazza (1977) ha diretto i documentari Era la città dei cinema (2009), I frutti puri impazziscono Frammenti di Altro Lario (2010) e il cortometraggio Mutuo soccorso (2010), presentato al Milano Film Festival. Nel 2012 ha partecipato a FareCinema, corso di alta specializzazione cinematografica diretto da Marco Bellocchio, realizzato il mockumentary Il vento fa suo il giro e iniziato le riprese di Fattore Omega, documentario sul fotografo Vito Liverani. Luca Ferri (1976) inizia la sua carriera di regista nel 2005: tra i suoi film Magog [o epifania del barbagianni] (2011), Ecce Ubu (2012) e Kaputt/ Katastrophe (2012), prodotti da Lab80 e proiettati in festival e gallerie d’arte italiane. I film sono stati recentemente acquisiti dal Circuito Nomadica. Claudio Casazza (1977) directed the documentaries Era la città dei cinema (2009) and I frutti puri impazziscono Frammenti di Altro Lario (2010), and the short Mutuo soccorso (2010), which was presented at the Milano Film Festival. In 2012 he participated at FareCinema, a course in advanced film specialization directed by Marco Bellocchio; he directed the mockumentary Il vento fa suo il giro; and he began shooting Fattore Omega, a documentary about the photographer Vito Liverani. Luca Ferri (1976) began his career as a director in 2005. Films he has directed include Magog [o epifania del barbagianni] (2011), Ecce Ubu (2012), and Kaputt/Katastrophe (2012), all of which were produced by Lab80 and have been screened at festivals and Italian art galleries. His films have recently been bought by Circuito Nomadica. filmografia essenziale/ essential filmography Claudio Casazza: Era la città dei cinema (doc., 2009), I frutti puri impazziscono - Frammenti di Altro Lario (doc., 2010), Mutuo soccorso (cm, 2010), Il vento fa suo il giro (doc., 2012). Luca Ferri: Magog [o epifania del barbagianni] (cm, 2011), Ecce Ubu (2012), Kaputt/Katastrophe (cm, 2012). Claudio Casazza, Luca Ferri: Habitat [Piavoli] (doc., 2013). 92 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C yukai ebisuno, raffaella mantegazza IL LAGO CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 65’, col. regia, fotografia, montaggio, suono/ directors, cinematography, film editing, sound Yukai Ebisuno, Raffaella Mantegazza musica/music Kandagawa Japanese Folk Song, Daoyin Yangsheng Gong interpreti/cast Sumio Ebisuno, Isabella Cosentino, Eugenia Lupano, Yukai Ebisuno, Enrico Catalucci, Lorenza Rigoldi, Roberto Crolla, Carla Foglia Viviani, Cristina Viviani produzione/production Il Piccolo Cinema ** contatti/contacts Il piccolo cinema Tel: +39 380 262 02 82 [email protected] www.ilpiccolocinema.net Yukai Ebisuno [email protected] Raffaella Mantegazza [email protected] IL LAGO Sulle rive di un lago un uomo e una donna affrontano insieme l’autunno della loro vita. In un giardino che sembra trovarsi in Giappone un airone si fa messaggero di oscuri presagi. Un’anziana donna osserva l’innocente saggezza del vuoto. Due culture che si incontrano e un amore che ha resistito alle intemperie degli anni, alla ricerca di un senso profondo della vita e della morte, tra le note di un canto e i versi di una poesia. «Abbiamo voluto provare a raccontare una fiaba con la realtà che ci circonda, in un viaggio intimo dentro la nostra famiglia. Per tre anni abbiamo seguito i genitori di Yukai, raccontando la storia d’amore di una coppia italogiapponese che ha deciso di invecchiare insieme, immersa nella natura. Osservarli è stato per noi guardare il presente immaginando il nostro futuro. Il lago è diventato col tempo il nostro punto di vista, il centro di gravità intorno a cui ruota la vita. La storia si è trasformata a poco a poco, scandita dal ritmo delle stagioni, in un racconto universale sullo scorrere del tempo, sull’amore e sulla volontà di non smettere di sognare giocando». THE LAKE [L.T.] Along the shores of a lake, man and a woman face together the autumn of their life. In a garden apparently located in Japan, a heron becomes the messenger of ominous forebodings. An elderly woman watches the innocent wisdom of the void. The meeting of two cultures and a love story that has endured the wear and tear of time, in the search for a deeper meaning to life and death, between the notes of a song and the verses of a poem. “We wanted to try to tell a fairytale with the reality surrounding us, through a personal journey inside our family. We followed Yukai’s parents for three years, telling the love story of an Italian-Japanese couple that decided to grow old together surrounded by nature. For us, watching them was like looking at the present while imagining our own future. With time, the lake became our point of view, the center of gravity around which life revolved. Little by little, the rhythm of the seasons started articulating the story, transforming it into a universal tale on the passing of time, on love, and on not wanting to stop dreaming by playing.” 93 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Yukai Ebisuno (Portoferraio, Livorno, Italia, 1982) è figlio di madre italiana e padre giapponese. Laureatosi in cinema al Dams di Torino, lavora come scenografo e nel 2009 collabora con l’associazione culturale Documè. Nel 2010 completa il master in regia documentaria presso lo Ied di Milano realizzando il cortometraggio documentario Il lago canta. Successivamente dirige con Raffaella Mantegazza i documentari La cité de la lumière (2010), Honduras sin derechos (2012) e Spiriti che ha vinto la sezione Italiana.corti al 30° Torino Film Festival. Raffaella Mantegazza (Busto Arsizio, Varese, Italia, 1982) ha studiato fotografia e arti visive all’Accademia di belle arti e si è laureata in antropologia culturale ed etnografia all’Università di Torino. Oltre al lavoro come fotografa indipendente, si è dedicata all’attività artistica esponendo in mostre personali e collettive. Yukai Ebisuno (Portoferraio, Livorno, Italy, 1982), son of an Italian mother and a Japanese father, graduated in film studies from the DAMS in Turin. He started working as a set designer, and he collaborated with the cultural society Documè in 2009. He completed his master’s in documentary filmmaking at IED in Milan, making the short documentary Il lago canta. He then directed with Raffaella Mantegazza the documentary La cité de la lumière (2010); in 2012 they directed Honduras sin derechos and Spiriti, which won the Italiana.corti section at the 30 Torino Film Festival. TH Raffaella Mantegazza (Busto Arsizio, Varese, Italy, 1982) studied photography and visual arts at the Academy of Fine Arts, and graduated in cultural anthropology and ethnography from the University of Turin. Besides working as an independent photographer, she also dedicates herself to art, exhibiting her artwork in personal and collective shows. filmografia/filmography Yukai Ebisuno: Muovi equilibri (cm, doc., 2009), Bike vs Car (cm, 2009), Il lago canta, (cm, doc., 2010), Ortometraggio (cm, doc., 2010). Yukai Ebisuno, Raffaella Mantegazza: La cité de la lumière (cm, doc., 2010), Honduras sin derechos (cm, doc., 2012), Spiriti (cm, doc., 2012), Il lago (doc., 2013). maite vitoria daneris EL LUGAR DE LAS FRESAS CONTENTS PREMIO CIPPUTI Italia-Spagna/Italy-Spain, 2013, HD, 90’, col. regia, sceneggiatura, fotografia, produttore/ director, screenplay, cinematography, producer Maite Vitoria Daneris montaggio/film editing Renato Sanjuan, Mirko Capozzoli musica/music Andrea Gattico suono/sound Mirko Guerra interpreti/cast Ernesta «Lina» Garrone, Gianni Baccola, Hassan Raqabi ** contatti/contacts Maite Vitoria Daneris [email protected] IL LUOGO DELLE FRAGOLE Lina ha settant’anni ed è contadina da sempre. Ogni mattina parte da San Mauro, il «paese delle fragole», per raggiungere il mercato all’aperto più grande di Europa, quello di Porta Palazzo a Torino, dove vende la sua verdura e la sua frutta, tra cui le sue fragole. Senza figli, Lina ha cinque cani e un marito che vorrebbe che smettesse di lavorare e che ovviamente rimane inascoltato. Finché un giorno al mercato si presenta Hassan, un giovane immigrato marocchino in cerca di lavoro. «La parola trasformazione è l’elemento vitale e strutturale del film: quella dei personaggi, dei loro rapporti e della loro storia, ma anche del lavoro, dei contadini, di un’epoca. In piena globalizzazione, Lina è ancora lì, nel luogo delle fragole, a sopravvivere all’avvento di un’era globale. La trasformazione, poi, è spesso associata all’idea di conflitto, altro leitmotiv del film: attraverso la storia di Lina si passa dai campi di fragole di un paese nel torinese alle contraddizioni della globalizzazione, dalle difficoltà di un marocchino al problema dell’immigrazione». THE STRAWBERRY PLACE [L.T.] Lina is seventy years old and has always been a farmer. Every morning, she leaves San Mauro, the “strawberry town,” and goes to Europe’s biggest open-air market, Porta Palazzo in Turin, where she sells her vegetables and fruits, including her strawberries. Lina doesn’t have any children but she does have five dogs and a husband, who wishes she would stop working, but his request is ignored. Until one day, at the market, she meets Hassan, a young Moroccan immigrant looking for a job. “The word ‘transformation’ is the vital and structural element of the film: that of the characters, of their relationships and of their stories, but also of work, of farmers, of an era. In full globalization, Lina is still there, in the strawberry place, surviving the advent of a global era. Often, transformation is also associated with the idea of conflict, another leitmotiv of the movie: through the story of Lina, we go from the strawberry fields of a town on the outskirts of Turin to the contradictions of globalization, from the difficulties of a Moroccan boy to the problems of immigration.” 94 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Maite Vitoria Daneris (Madrid, Spagna, 1978) nel 1998 ha iniziato il percorso di studi presso l’Accademia di belle arti di Madrid, dove si è concentrata soprattutto sulla fotografia e il documentario. Nel 2004 ha diretto i suoi primi cortometraggi documentari Volved e Somos nueve. Nel 2005, trasferitasi a Torino, ha iniziato a lavorare a diversi progetti documentari, tra cui il premiato cortometraggio Oggi no ma domani sì. Dal 2007 ha lavorato al suo primo lungometraggio, El lugar de las fresas, partecipando a diversi progetti per lo sviluppo del film, dal Match Making e il Pitching Forum di Documentary in Europe, al pitching del Festival internacional de documentales de Barcelona. Maite Vitoria Daneris (Madrid, Spain, 1978) began her studies in 1998 at the Fine Arts Academy in Madrid, where she concentrated primarily on photography and documentaries. In 2004, she directed her first documentary shorts, Volved and Somos nueve. In 2005, she moved to Turin and began working on various documentary projects, including the award-winning short Oggi no ma domani sì. Since 2007, she has been working on her first feature-length film, El lugar de las fresas, participated at various projects to develop the film, from Match Making of Documentary in Europe to the Pitching Forum of the same event and pitched at the Festival internacional de documentales de Barcelona. filmografia/filmography Volved (cm, doc., 2004), Somos nueve (cm, doc., 2004), Oggi no ma domani sì (cm, 2006), El lugar de las fresas (doc., 2013). penelope bortoluzzi LA PASSIONE DI ERTO CONTENTS Francia-Italia/France-Italy, 2013, HD, 78’, bn/bw-col. regia, montaggio/ director, film editing Penelope Bortoluzzi fotografia/cinematography Penelope Bortoluzzi, Stefano Savona suono/sound Jean Mallet, Xavier Thibault produzione/production Picofilms, À Vif Cinémas, Dugong ** contatti/contacts Picofilms [email protected] www.picofilms.com LA PASSIONE DI ERTO Erto, un paese delle Alpi friulane. Nella sua valle impervia viene costruita alla fine degli anni Cinquanta la diga del Vajont, all’epoca la più alta del mondo. Nel 1963 un versante del monte Toc precipita nel lago artificiale della diga, provocando un’ondata che uccide quasi duemila persone. Dall’altro lato della valle, di fronte a quel monte, gli ertani non hanno mai smesso di mettere in scena la Passione di Cristo. Da secoli, la sera del Venerdì santo, un Cristo ertano viene tradito, condannato e crocifisso, mentre la Storia va avanti con le sue costruzioni e distruzioni, le sue vittime e i suoi sopravvissuti, i suoi calvari reali e immaginari. «Il film racconta un paese attraverso i due eventi che ne hanno scolpito la storia: un rito annuale atavico e una catastrofe unica, senza precedenti. Ho cercato di raccontare una comunità che porta le stimmate della sua storia, i volti di oggi e di ieri, una valle e le sue cicatrici, l’eclissi di un mondo e i suoi vani tentativi di resistenza, le peripezie tragicomiche di ciò che di quel mondo rimane». THE PASSION OF ERTO [L.T.] Erto is a town in the Friuli Alps. A dam was built in its impervious valley at the end of the 1950s: the Vajont Dam, which, at the time, was the tallest in the world. But in 1963 the side of Mount Toc collapsed into the dam’s artificial lake, causing a wave that killed almost two thousand people. On the other side of the valley, in front of that mountain, the people of Erto never stopped staging the Passion of Christ. For centuries, a Christ from Erto is betrayed, condemned, and crucified on Good Friday, while History goes on with its constructions and destructions, its victims and its survivors, and its Calvaries, real and imaginary. “The film tells the story of a town through the two events that molded its history: an annual ancestral ritual, and a unique and unprecedented catastrophe. I wanted to tell the story of a community that bears the stigmata of its history, the faces from the present and the past, a valley and its scars, the eclipse of a world and its futile attempts to resist, the tragicomic vicissitudes of what is left of that world.” 95 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Penelope Bortoluzzi (Venezia, Italia), dopo una formazione letteraria e musicale nella sua città natale, ha studiato cinema a Parigi. Ha realizzato due cortometraggi, Coulisses e, per il canale televisivo Arte, Caroline. Il suo primo lungometraggio, Fondamenta delle convertite, ha vinto la menzione speciale del concorso internazionale al Festival dei Popoli di Firenze. Nel 2010 ha fondato a Parigi la casa di produzione Picofilms e ha prodotto i film di Stefano Savona Palazzo delle aquile, proiettato al 29° Torino Film Festival, e Tahrir Liberation Square, del quale ha anche curato il montaggio. Penelope Bortoluzzi (Venice, Italy), after studying literature and music in her hometown, went to Paris to study cinema. She made two short films, Coulisses and Caroline (the latter made for the television channel ARTE). Her first feature film, Fondamenta delle convertite, got a special mention at Florence’s Festival dei Popoli. She founded in Paris the production company Picofilms in 2010, producing Stefano Savona’s documentary films Palazzo delle Aquile (screened at the 29 Torino Film Festival) and Tahrir Liberation Square (which she also edited). TH filmografia/filmography Coulisses (cm, 2003), Caroline (cm, 2007), Fondamenta delle convertite (doc., 2008), La Passione di Erto (doc., 2013). greta de lazzaris ROSARNO CONTENTS PREMIO CIPPUTI Italia/Italy, 2013, Mini-DV, 70’, col. regia, fotografia/ director, cinematography Greta De Lazzaris montaggio/film editing Aurelia Longo suono/sound Silvia Regina Moraes produttori/producers Greta De Lazzaris, Mazzino Montinari, Antonio Pezzuto, Mario Raoli ** contatti/contacts Greta De Lazzaris [email protected] ROSARNO La città di Rosarno, i suoi aranceti, in cui tanti sono impegnati a raccogliere, smistare, caricare. I pascoli di pecore: un bambino che sembra già adulto come pastore. Le donne di Rosarno e quelle che vengono da lontano: le vite di tante persone in attesa in un non luogo, ostile, provvisorio, di passaggio per tanti. «Migrante è un nome generico per parlare di individui distinti, che stanno sul ciglio di una strada aspettando un ipotetico futuro. “Si accontentano di ammazzare il tempo aspettando che il tempo li ammazzi”, scriveva Simone De Beauvoir. Il tempo dell’attesa non è fotografabile. Nessun occhio umano riuscirà mai a scoprire la verità, il tormento di ciascun individuo. Questa è la questione davanti alla quale mi sono ritrovata a Rosarno, nel 2004, molti anni prima della rivolta, quando i drammi umani che vi si svolgevano erano ancora ignorati da tutti. Ho impiegato nove anni di vita per iniziare a montare il materiale raccolto, per capire quali fossero l’immagine e la distanza giusta per provare a restituire la realtà e la complessità di questa cittadina, la vita dei suoi abitanti, migranti o rosarnesi». ROSARNO The town of Rosarno, its orange groves, where many hands are busy harvesting, sorting, loading. The pastures where sheep are grazing: a child shepherd who already seems grown up. Women from Rosarno and from far away: the lives of many people waiting in a non-place which is hostile and temporary for everyone. “Migrant is a generic name for speaking about distinct individuals, who are standing on the side of the road waiting for a hypothetical future. ‘They make do with killing time as they wait for time to kill them,’ wrote Simone De Beauvoir. You can’t take a picture of the time spent waiting. No human eye will ever be able to discover the truth, the torment of each individual. This is the question I found myself faced with when I went to Rosarno in 2004, many years before the revolt, when the human drama taking place was still being ignored by everybody. It took nine years of my life to begin editing the shot footage, to understand which were the right images and the right distances, in order to give reality and complexity back to this town and to the life of its inhabitants, migrants and locals alike.” 96 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Greta De Lazzaris (Marsiglia, Francia), dopo la laurea in letteratura con indirizzo cinema conseguita presso l’Università d’Aix-Marseille, nel 2002 si è trasferita a Roma dove ha lavorato come aiuto e assistente operatore principalmente con il direttore della fotografia Marco Onorato. È stata operatore di macchina e direttore della fotografia per diversi documentari, tra cui L’Orchestra di Piazza Vittorio (2006) di Agostino Ferrente, Ferrhotel (2011) di Mariangela Barbanente, Nadea e Sveta (2012) di Maura Delpero, Mineo Housing (2012) di Cinzia Castania, Apolitics Now! (2013) di Giuseppe Schillaci. Nel 2003 ha partecipato alla creazione dell’Apollo 11 a Roma, dove tuttora collabora alla programmazione e cura rassegne, come quelle su Vittorio De Seta e Alberto Grifi. Rosarno è il suo primo lungometraggio. Greta De Lazzaris (Marseille, France), after graduating in literature with a specialization in film studies from the University of Aix-Marseille, moved to Rome in 2002 to work as an assistant and assistant cameraman primarily for the director of photography Marco Onorato. She was cameraman and director of photography for various documentaries, including L’Orchestra di Piazza Vittorio (2006) by Agostino Ferrente, Ferrhotel (2011) by Mariangela Barbanente, Nadea e Sveta (2012) by Maura Delpero, Mineo Housing (2012) by Cinzia Castania, and Apolitics Now! (2013) by Giuseppe Schillaci. In 2003, she participated in the creation of Apollo 11 in Rome, where she still collaborates in programming and curating exhibits, such as the ones on Vittorio De Seta and Alberto Grifi. Rosarno is her first feature-length film. filmografia/filmography Rosarno (doc., 2013). francesca frigo SANPERÈ! - VENISSE IL FULMINE CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 70’, col. regia, fotografia/ director, cinematography Francesca Frigo soggetto/story Andrea Parena, Francesca Frigo montaggio/film editing Enrico Giovannone suono/sound Niccolò Bosio interpreti/cast Doiarè Diarra, Youssouf Darko, Kamara Tinemakan, Lassine Karim Doumbia, Youssouf Diallo, Ibrahim Diallo, Nouhou Kouame, Adama Sangare produzione/production BabyDoc Film ** contatti/contacts BabyDoc Film Tel: +39 011 817 91 92 [email protected] www.babydocfilm.it Francesca Frigo (Roma, Italia, 1982) durante gli anni dell’università ha curato la fotografia di diversi cortometraggi e videoclip e dal 2007 ha iniziato a lavorare come filmmaker; ai film documentari e ai programmi per la televisione (Rai3, Mtv, Real Time), ha affiancato il lavoro per la casa di produzione torinese BabyDoc Film, della quale è diventata socia nel 2012. Sanperè! - Venisse il fulmine è il suo primo lungometraggio documentario. SANPERÈ! - VENISSE IL FULMINE Un anno nel centro di accoglienza di Caramagna, in Piemonte, dove risiedono il giovane ivoriano Diarra e i suoi compagni di sventura arrivati dalla Libia in attesa di ricevere il permesso di soggiorno e la risposta alla domanda di asilo politico. C’è chi è in fuga dalla guerra, chi è in cerca di un nuovo futuro per il quale ha pagato una grossa somma. Nel vuoto delle giornate, tante parole, tanti confronti, l’incombere della chiusura del centro. Fino a quando non finisce la cosiddetta «emergenza Nordafrica», che li ha visti protagonisti involontari per quasi due anni, e Diarra e gli altri sono costretti a riprendere il loro cammino, ciascuno per sé verso un diverso destino. «L’idea nasce da un desiderio di conoscenza. […] Per circa un anno abbiamo frequentato il centro, ascoltando i suoi abitanti e facendoci coinvolgere nei loro cambiamenti. Con il mio film ho cercato di restituire lo sguardo e i pensieri che queste persone hanno avuto verso di noi e verso l’esperienza in quanto richiedenti asilo politico in Italia». SANPERÈ! - GREAT THUNDERBOLTS [L.T.] A year in the shelter of Caramagna (in Piedmont) where Diarra, a young man from Côte d’Ivoire, and his companions of misfortune live. They arrived from Libya, and they are waiting to get an immigrant visa and political asylum. Some of them fled from war, others are seeking a new future, for which they paid handsomely. The empty days are interspersed with conversations, confrontations, and the looming prospect of the shelter closing. Until the so-called “North Africa emergency,” which they found themselves involuntarily involved in, comes to an end. Diarra and the others are forced to hit the road again, each of them heading toward a different destiny. “The idea comes from a yearning for knowledge. […] We went to the shelter for almost a year, listening to the people who lived there and participating to their changes. I tried to capture in my film the looks and the opinions they have made about us and about their experience seeking political asylum in Italy.” 97 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Francesca Frigo (Rome, Italy, 1982) worked in photography for short films and music videos during her university years. She started working as a filmmaker in 2007, making documentary films and television shows (for the channels RAI3, MTV, RealTime). She has also been working for the Turin-based production company BabyDoc Film, making partner in 2012. Sanperè! - Venisse il fulmine is her first feature-length documentary. filmografia/filmography Sanperè! - Venisse il fulmine (doc., 2013). cyop&kaf IL SEGRETO CONTENTS Italia/Italy, 2013, DV, 89’, col. regia/director cyop&kaf soggetto/story Luca Rossomando fotografia/cinematography Ciro Malatesta montaggio/film editing Alessandra Carchedi musica/music Enzo Avitabile suono/sound Massimo Mariani interpreti/cast Ivano Calabria, Luigi Provenzano, Antonio D’Amato, Mimmo Russo, Emanuele Criscuolo, Salvatore Di Matteo, i ragazzi del quartiere/ kids of the neighborhood la Torretta, Gennaro Picco, Salvatore Nocerino, Francesco Albinni, Ferdinando De Crescenzo, Emanuele Pio Adamo, Godwin Kofi «Emanuele» Boateng, Francesco Verrano produttori/producers Antonella Di Nocera, Daria D’Antonio produzione/production Quore Spinato, Parallelo 41, Napoli Monitor ** contatti/contacts cyop&caf [email protected] www.ilsegreto.org www.cyopekaf.org www.napolimonitor.it cyop&kaf usa dipingere, anche se talvolta inciampa nella scrittura, nell’urbanistica, nella fotografia. Quando per la prima volta gli è capitata una telecamera tra le mani era intento da tre anni a dialogare con i Quartieri spagnoli di Napoli. Il frutto di questo lavoro è diventato prima un libro, QS, e poi un film, Il segreto. Due opere-sintesi, che insieme provano a dar conto della complessità di un quartiere corroso dai pregiudizi. Per guardare dietro e dentro l’apparenza spesso brutale delle cose. IL SEGRETO A metà gennaio in molti quartieri di Napoli si celebra ancora il rito del cippo di Sant’Antonio. Passato il Capodanno, i ragazzini si mettono in cerca di legna da bruciare, spingendosi anche molto lontano dal proprio quartiere. Ogni banda ammassa la legna in un nascondiglio – il «segreto» – per proteggerla dalle incursioni dei gruppi provenenti dai quartieri vicini. Nei Quartieri spagnoli la banda di Checco Lecco accumula abeti di tutte le dimensioni in uno spazio abbandonato, lasciato libero dall’abbattimento vent’anni prima di un palazzo danneggiato dal terremoto del 1980. Ogni pomeriggio, divisi in piccoli gruppi, i ragazzi partono dal loro «segreto» diretti nei quartieri eleganti, dove reperire gli abeti dismessi dopo le feste natalizie. L’attesa del giorno del falò, il 17 gennaio, si consuma in frenetiche ricerche e poi nelle schermaglie, a volte reali spesso immaginarie, per difendere il proprio tesoro dagli assalti dei «nemici». Tutto si svolge in strada, la mattina a volte si marina la scuola, mentre la notte si monta la guardia al nascondiglio. Ma proprio l’ultimo giorno un ostacolo imprevisto rischia di mandare tutto a monte. THE SECRET [L.T.] Many neighborhoods in Naples still celebrate the ritual of the bonfires of Saint Anthony in mid January. Kids start collecting firewood after New Year’s, sometimes venturing far from home to look for it. Every group stashes their wood in a different hiding place, “the secret,” so they can protect it from being raided by other neighboring groups. Checco Lecco’s gang from the Spanish Quarters has been hiding spruces of all sizes in an abandoned site: it was cleared twenty years before when they demolished a building damaged by the 1980 earthquake. Every afternoon, the kids leave from their “secret” in small groups and head to the elegant parts of town to retrieve Christmas trees discarded after the holidays. The countdown to January 17 , the day of the bonfires, is spent between hectic searches and skirmishes, sometimes real and often imaginary, to defend their treasure from the assaults of the “enemies.” Everything takes place in the streets: in the morning kids occasionally skip school, and at night they guard their hiding place. But, on the very last day before the celebrations, an unexpected obstacle threatens to ruin everything. TH 98 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C cyop&kaf usually paints, and occasionally stumbles upon writing, city planning, and photography. When a video camera ended up in his hands for the first time, he had been working with Naples’ Spanish Quarters for three years. The fruits of his labor became first a book, QS, and then a documentary film, Il segreto, which try to convey the complexity of a neighborhood corroded by prejudices. To look inside and beyond the frequently brutal appearance of things. filmografia/filmography Il segreto (doc., 2013). aa.vv. STRIPLIFE CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 64’, col. Nicola Grignani nel 2002 ha fondato con Alberto Mussolini e Luca Scaffidi il collettivoTeleimmagini. Ha poi diretto con Filippo Ticozzi, per Marcopolo, la serie di documentari Il paese sottile (2007). Alberto Mussolini ha studiato al Dams di Bologna a lavora per il Kreative Lab di Milano. regia, fotografia/ directors, cinematography Nicola Grignani, Alberto Mussolini, Luca Scaffidi, Valeria Testagrossa, Andrea Zambelli soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Teleimmagini montaggio/film editing Luca Gasparini musica/music Walter Buonanno interpreti/cast Jaber Abu Ryila, Mohammed Antar, Majd Antar, Noor Harazeen, Gaza Parkour Team, Moemen Faiz, Fatima Raanan, Salem Abu Sidu produttore/producer Raffaele Aspide distribuzione/distribution Vivo film ** contatti/contacts Vivo film Tel: +39 06 807 80 02 [email protected] www.vivofilm.it Luca Scaffidi (Milano, Italia, 1978), videomaker e direttore della fotografia, anima progetti come Indymedia, New Global Vision e Telestreet. Valeria Testagrossa ha studiato giornalismo alla Westminstser University di Londra e ha lavorato per «The Guardian». STRIPLIFE Striscia di Gaza. Un evento inspiegabile è avvenuto durante la notte: decine di mante si sono arenate sulla spiaggia. Carretti di pescatori accorrono per accaparrarsele. Intanto la città si sveglia. Antar sprona il fratello ad alzarsi: è il grande giorno, nel pomeriggio inciderà il suo primo disco. Noor si trucca, dovrà apparire davanti alle telecamere. Jabber è già nel campo. Intorno a lui gli spari dei fucili. Un corteo si snoda per le strade. Moemen è lì per fare il suo lavoro, il fotografo. Al porto una barca rientra con lo scafo crivellato di proiettili. Il canto del muezzin invade lo spazio, moltiplicato dai minareti. Come in un sogno, i ragazzi del Parkour Team piroettano in un cimitero. «Striplife è un film corale che racconta la Striscia di Gaza. Nell’arco narrativo di una giornata, le storie dei personaggi si fondono alla descrizione del contesto ambientale. Uomini e donne che resistono, capaci di tenerezza e sorrisi, determinati a non soccombere a condizioni di vita che appaiono impossibili. […] Non un film su Gaza, ma con Gaza». STRIPLIFE The Gaza Strip. Something inexplicable happened overnight: dozens of manta rays got beached. Fishermen pushing carts flock to the shores to grab as many as they can. Meanwhile the city wakes up. Antar urges the brother to wake up: it’s a big day for him, he will be recording his first album that afternoon. Noor is putting her make up on, she will be appearing in front of the cameras. Jabber is already in the field, surrounded by gunfire. A demonstration is marching down the streets. Moemen is there to do his job: he is a photographer. A boat returns to the harbor, its hull is riddled by bullet holes. The muezzin’s call to prayer echoes is the air, multiplied by the minarets. The members of the Parkour Team twirl around in a cemetery like in a dream. “Striplife is a choral film about the Gaza Strip. During the narrative timespan of a day, the characters’ stories merge with the description of the environmental context. Men and women resisting, capable of tenderness and smiles, determined not to succumb to seemingly impossible life conditions. […] It’s not a film on Gaza, but a film with Gaza.” 99 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Andrea Zambelli ha partecipato nel 2008 al Torino Film Festival e l’anno successivo al Festival di Toronto con Di madre in figlia. Ha collaborato con Davide Ferrario per Dopo mezzanotte (2003) e La strada di Levi (2005). Nicola Grignani founded the Teleimmagini collective with Alberto Mussolini and Luca Scaffidi in 2002. He directed with Filippo Ticozzi the documentary series for Marcopolo, Il paese sottile (2007). Alberto Mussolini graduated from the DAMS in Bologna. He works for the Kreative Lab in Milan. Luca Scaffidi (Milan, Italy, 1978) is a videomaker and photography director. He organized projects for Indymedia, New Global Vision, and Telestreet. Valeria Testagrossa studied journalism at Westminster University in London, and worked for “The Guardian.” Andrea Zambelli participated at Torino and Toronto Film Festival with is documentary From Mother to Daughter (2008). He worked with Davide Ferrario in After Midnight (2003) and Primo Levi’s Journey (2005). filmografia/filmography Nicola Grignani, Alberto Mussolini, Luca Scaffidi, Valeria Testagrossa, Andrea Zambelli: Striplife (doc., 2013). claudio giovannesi WOLF CONTENTS Italia-Repubblica Ceca/Italy-Czech Republic, HD, 2013, 60’, col. regia/director Claudio Giovannesi soggetto/story David Meghnagi sceneggiatura/screenplay David Meghnagi, Claudio Giovannesi fotografia/cinematography Michele D’Attanasio montaggio/film editing Giuseppe Trepiccione musica/music Claudio Giovannesi, Andrea Moscianese suono/sound Angelo Bonanni, Filip Slavik interpreti/cast Wolf Murmelstein, David Meghnagi, Anna Murmelstein, Riccardo Di Segni, Marketa Pacovska, Toman Brod produzione/production Vivo film, Istituto Luce Cinecittà, Produkce Radim Prochàzka distribuzione/distribution Istituto Luce Cinecittà ** contatti/contacts Vivo film Tel: +39 06 807 80 02 [email protected] WOLF Il rabbino capo Benjamin Murmelstein (1905-1989) è stato il direttore del ghetto artificiale di Terezín, con il compito di rappresentare presso i nazisti una comunità destinata allo sterminio. Vittima di una tragica contraddizione, dopo la Liberazione fu processato – e assolto – per collaborazionismo e una volta trasferitosi a Roma venne emarginato dalla comunità ebraica fino alla morte. Suo figlio Wolf ha dedicato la vita a riabilitarne la memoria, cercando di fornire un’immagine più complessa del ruolo che ebbe a Terezín. Attraverso il dialogo di Wolf con lo psicanalista David Meghnagi, il film ricostruisce il rapporto di un figlio con la memoria del padre, tra accettazione, rifiuto e tematizzazione di una tragedia comune e familiare. «Ho provato a pormi delle domande che prescindono dall’ebraismo e dalla Shoah e a lasciare che il film le ponesse a sua volta: è possibile vivere al di là del proprio passato? Può un essere umano sopravvivere alla memoria e alle colpe del proprio padre? In che modo la Storia agisce e trasforma la vita individuale? Dove finisce il passato e dove inizia il presente?» www.vivofilm.it WOLF Rabbi Benjamin Murmelstein (1905-1989) was head of the Jewish Council of the artificial ghetto of Terezín. The Nazis made him representative of the community destined for extermination. Victim of a tragic contradiction, after the Liberation he was tried and absolved from the accusation of collaborating with the Nazis; he moved to Rome, where he was ostracized by the Jewish community until he died. His son Wolf devoted his life to redeem his image, trying to paint a more complex picture of the role his father played in Terezín. The film reconstructs through the conversation between Wolf and the psychoanalyst David Meghnagi a son’s relationship with the memory of his father, between the acceptance, the denial, and the thematization of a common and familiar tragedy. “I tried to ask myself questions beyond Judaism and the Shoah, trying to let the film itself ask the questions: is it possible to live beyond one’s past? Can a human being survive the memory and the faults of his father? How does History act and transform individual lives? Where does the past end and where does the present begin?” 100 TFFDOC - I TA L I A N A . D O C Claudio Giovannesi (Roma, Italia, 1978) è regista, sceneggiatore e musicista. Laureato in lettere moderne, si è diplomato al Centro sperimentale di cinematografia di Roma e dal 2001 al 2004 ha lavorato per il programma di Rai3 Blob. Nel 2009 ha diretto il lungometraggio La casa sulle nuvole, premio speciale della giuria al Festival di Bruxelles, e il documentario Fratelli d’Italia, menzione speciale della giuria al Festival di Roma. Nel 2012 ha diretto il suo secondo lungometraggio, Alì ha gli occhi azzurri, che ha vinto il premio speciale della giuria e il premio alla miglior opera prima e seconda a Roma, il Premio Fice e il Premio Mario Verdone, ed è stato candidato ai Nastri d’argento come miglior film, oltre che presentato in concorso al Tribeca Film Festival. Claudio Giovannesi (Rome, Italy, 1978) is a filmmaker, screenwriter, and musician. After getting a Bachelor of Arts, he received a diploma from the Centro sperimentale di cinematografia in Rome. He worked for Rai3’s program Blob from 2001 to 2004. In 2009 he directed the feature film La casa sulle nuvole (jury special award at the Brussels Film Festival) and the documentary Fratelli d’Italia, special mention of the jury at the Rome Film Festival). In 2012 he directed his second feature film Ali Has Blue Eyes, winning the special jury prize and the best debut and second film award in Rome, FICE Award and Mario Verdone Award. The film was also nominated at the Nastri d’argento and partecipated in competition at Tribeca Film Festival. filmografia/filmography L’uomo del sottosuolo (cm, 2005), Fratelli d’Italia (doc., 2009), La casa sulle nuvole (2009), Alì ha gli occhi azzurri (2012), Wolf (doc., 2013). CONTENTS Alberto Grifi con il primo modello del vidigrafo da lui costruito (1974) gym lumbera ANAK ARAW CONTENTS ALBINO Filippine-Usa/Philippines-USA, 2012, Super8-16mm-35mm, 70’, bn/bw regia, sceneggiatura/ director, screenplay Gym Lumbera fotografia/cinematography Danilo Salas III montaggio/film editing Jet Leyco, Gym Lumbera scenografia/ production design Timmy Harn, Jacyn Esquilon musica/music Moki McFly, Banda 24 suono/sound Moki McFly interpreti/cast Jay G. De la Vega, John Griffiths, Feliciano Lumbera, Rodrigo Magpantay, Franco Giuseppe Cuozzo, Banda 24 produttori/producers Allison Lumbera, Roger Basco ** contatti/contacts Jim Jasper Lumbera [email protected] Gym Lumbera (Batangas, Filippine) è nato in una pittoresca cittadina in riva a un lago con un vulcano al centro. Direttore della fotografia, ha lavorato in diverse produzioni, tra cui La última película, presente nella sezione Onde di questa edizione del Torino Film Festival. Nel 2010 ha esordito alla regia con il cortometraggio Because of You, cui sono seguiti diversi film, come Tagalog, selezionato l’anno scorso al Festival di Roma. ALBINO Sul lago Taal, situato sull’isola filippina di Luzon, nella provincia di Batangas, vive un albino. L’uomo ritiene di essere figlio di un americano e per dare credito alla sua convinzione cerca di imparare l’inglese con un dizionario Tagalog-Inglese. Intanto la sua città sta subendo un esodo di massa a causa di strani eventi come l’apparizione di squali, esplosioni inspiegabili e morti senza senso. «L’illusione coloniale è radicata nella storia di un filippino e della sua famiglia. È un peso sulla sua identità, ma al tempo stesso una parte di essa. Questa frattura non deriva solo dal colonialismo, ma anche dall’industrializzazione e dall’urbanizzazione, che attraverso cambiamenti violenti hanno costretto a un costante dualismo l’esperienza e il ritmo interiore di ciascuno. […] Io sono per molti versi quel tipo di filippino: nato nella provincia di Batangas, ora vivo nella quasi cosmopolita Manila. E queste sono le mie stesse battaglie, quello il dolore che mi disturba: la perenne malinconia per la vita pastorale, mitigata dall’altrettanto immancabile fretta della vita metropolitana». ALBINO On Taal Lake, located in an island of the Philippines, in the province of Batangas, live an albino. He is convinced he is the son of an American, so, to make his conviction credible, he tries to learn English with the support of a Tagalog-English dictionary. Meanwhile the city where he lives is experiencing a massive exodus triggered by a series of unlikely events, like the appearance of sharks, inexplicable explosions, and senseless deaths. “The colonial illusion runs deeply in the history of a Filipino and its family. It’s a burden to one’s identity, but at the same time a part of it. This rift is not solely colonial, but also from industrialization and urbanization – where abrupt changes of conditions tear one’s rhythm and experience to a state of duality. […] I am, in many ways, that Filipino: born in the province of Batangas, now residing in quasicosmopolitan Manila. And these are my struggles, too. Its an affliction that continues to bother me. That constant longing for the pastoral is always tempered by that constant rush of the metropolitan.” 102 TFFDOC - DOCUMENTI Gym Lumbera (Batangas, Philippines) was born in a picturesque town by a lake with a volcano in the middle. He worked as photography director in several productions, including La última película, featured in the Waves section of this year’s Torino Film Festival. He directed his first film in 2010, the short Because of You, which was followed by several other titles, including Tagalog, selected last year by the Rome Film Festival. filmografia/filmography Dahil sa ’yo (Because of You, cm, 2010), Class Picture (2011), Taglish (2012), English (2012), Tagalog (2012), ETA (2012), Anak araw (Albino, 2012). Anna (Materiali espansi) DI/BY JACOPO CHESSA, ANNAMARIA LICCIARDELLO CONTENTS Italia/Italy, 1972-1975, 16mm-¼ pollice-½ pollice, 823’, bn/bw Anna (1975) di Alberto Grifi, Massimo Sarchielli a cura di/edited by Jacopo Chessa, Annamaria Licciardello montaggio/film editing Giuseppe Giudice laboratorio/laboratory La Camera Ottica restauro a cura del/ restored by Centro Sperimentale di Cinematografia Cineteca Nazionale in collaborazione con/ with the collaboration of Associazione Culturale Alberto Grifi, Galleria Alberto Peola ** regia, produttori/ directors, producers Alberto Grifi, Massimo Sarchielli soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Massimo Sarchielli, Roland Knauss fotografia/cinematography Alberto Grifi, Mario Gianni, Raoul Calabrò interpreti/cast Anna, Massimo Sarchielli, Vincenzo Mazza, Stefano Cattarossi, Louis Waldon, Pilar Castel, Alberto Grifi, Adriano Aprà, Tatti Sanguineti, Luciano Giaccari, Gianni Menon, Louis Marcorelles 103 Abbiamo dato corpo a un sogno di Alberto Grifi: restaurare e poter rendere visibili le bobine video da ¼ e da ½ pollice con cui è stato registrato Anna (e inoltre quel poco di pellicola 16mm con cui Grifi e Sarchielli avevano iniziato a girare). Queste bobine contengono il «girato» del film che conosciamo, le sequenze inedite e le parti che precedono o seguono, quelle vidigrafate e montate. Le nuove possibilità di registrazione del videotape fanno sì che ogni bobina sia un episodio a sé. Ma il «girato» è già frutto di una selezione dovuta alla struttura del nastro che permette di essere visionato subito e, nel caso, riutilizzato. La non consequenzialità temporale dei nastri è la riprova che ci troviamo davanti a un secondo livello rispetto alla pura registrazione. Uno stadio intermedio tra ripresa e montaggio che è stato messo in forma solo dopo, attraverso il montaggio delle parti vidigrafate. Questi materiali contengono anche altro: la riflessione degli autori e dei protagonisti sull’esperienza vissuta insieme e la ricezione del pubblico e della critica a Venezia, nel 1975. Se Anna è un testo chiuso, materialmente identificato e identificabile con il negativo che ne è la matrice, il video ha continuato a registrare, in una dimensione processuale potenzialmente continua. TFFDOC - DOCUMENTI We have brought to life a dream of Alberto Grifi’s: to restore and enable the viewing of the ¼” and ½” video reels on which Anna was recorded (as well as the small amount of 16mm film with which Grifi and Sarchielli had started to shoot). These reels contain the “exposed” material of the film we know, plus unreleased sequences, and the parts that precede or follow the videographed and edited material. The new recording possibilities offered by videotape have rendered each reel a self-standing episode. But the “exposed” material is also the result of a selection process due to the tape’s structure, which permits its immediate viewing and, when needed, re-usage. The non-sequential temporality of the tapes is proof that we are dealing with a second level with respect to the pure registration. An intermediate stage between shooting and editing, which was generated only afterward, through the editing of the videographed footage. This material also contains something else: the reflections of the authors and the protagonists about the shared experience and the reaction of the public and the critics at the 1975 Venice Film Festival. If Anna is a completed text, materially identified and identifiable through the negative that is its matrix, the video continued recording, in a potentially continuous dimension of the process. filipa césar CACHEU CONTENTS Portogallo/Portugal, 2012, HD, 10’, col. regia, sceneggiatura, produttore/director, screenplay, producer Filipa César fotografia/cinematography Matthias Biber suono/sound Nuno da Luz interprete/cast Joana Barrios ** contatti/contacts Filipa César [email protected] CACHEU «Cacheu è una ripresa di dieci minuti di una lezione recitata dall’attrice Joana Barrios e dedicata a quattro statue coloniali oggi conservate nella Fortezza di Cacheu, uno dei primi bastioni costruiti dai portoghesi nel 1588 per la tratta di schiavi dalla Guinea-Bissau, nell’Africa occidentale. Barrios evoca conflitti simbolici risalendo ai vari contesti in cui le statue sono comparse: su un piedistallo durante il colonialismo portoghese, senza trono e a pezzi dopo l’indipendenza nel film Sans Soleil di Chris Marker, come fantasmi sullo sfondo in Mortu Nega di Flora Gomes, e infine dislocate nella Fortezza di Cacheu. Il montaggio è un processo che avviene prima delle riprese, in modo che l’immagine sia il risultato di un assemblaggio performativo tra testo, recitazione, immagine proiettata e le inquadrature della camera dell’operatore Matthias Biber». CACHEU “Cacheu is a ten-minute shot of a lecture, performed by Joana Barrios, revolving around four colonial statues, which are stored today at the Fortress of Cacheu, one of the first bastions constructed by the Portuguese in 1588 in order to facilitate slave trade in the West African country of Guinea-Bissau. Barrios evokes symbolic conflicts by tracing back different contexts in which the statues make an appearance: on a pedestal during Portuguese colonialism, dethroned and broken in pieces after Independence in the film Sans Soleil by Chris Marker, as background ghosts in Mortu Nega by Flora Gomes, and finally displayed at the Fortress of Cacheu. The montage is a process that takes place before shooting, so that the image production is a result of a performative assemblage between text, acting, projected image and the framing of the camera by the director of photography, Matthias Biber.” 104 TFFDOC - DOCUMENTI Filipa César (Porto, Portogallo, 1975), artista e filmmaker, ha seguito una formazione artistica tra Porto e Lisbona, città dove si è laureata in belle arti. Ha poi lasciato il Portogallo per trasferirsi a Berlino, dove ha frequentato l’Accademia di cinema e televisione «Konrad Wolf» e conseguito un master presso l’Accademia delle arti. Dal 2008 con i suoi progetti sperimentali ha cominciato a occuparsi della storia recente del Portogallo, mentre dal 2011 ha avviato una serie di ricerche sulla storia cinematografica della Guinea-Bissau. I suoi lavori sono stati presentati nei maggiori festival di cinema, tra cui la Berlinale, Rotterdam, Oberhausen, DocLisboa, e in diverse esposizioni e gallerie d’arte, come la Fondazione Serralves di Porto, la Tate Modern di Londra e la Biennale di San Paolo. Felipa César (Porto, Portugal, 1975) is an artist and filmmaker. She studied art in Porto and Lisbon, where she graduated in fine arts. She then left Portugal and moved to Berlin, where she attended the “Konrad Wolf” Academy of Film and Television and earned a master’s degree at the Academy of Arts. With her experimental projects from 2008, she started working on Portugal’s recent history, and from 2011 she launched in a series of researches on Guinea-Bissau’s film history. Her works have been presented in major film festivals, including the Berlinale, Rotterdam, Oberhausen, DocLisboa, and have been displayed in several exhibitions and art galleries, like the Serralves Foundation in Porto, the Tate Modern in London, and the São Paulo Art Biennial. filmografia essenziale/ essential filmography Porto 1975 (cm, doc., 2010), Insert (cm, doc., 2010), The Embassy (cm, doc., 2011), Conakry (doc., 2012), Cuba (cm, doc., 2012), Cacheu (cm, doc., 2012). claude lanzmann LE DERNIER DES INJUSTES CONTENTS Francia-Austria/France-Austria, 2013, 16mm-HD, 218’, col. regia/director Claude Lanzmann montaggio/film editing Chantal Hymans suono/sound Antoine Bonfanti, Manuel Grandpierre, Alexander Koller interpreti/cast Benjamin Murmelstein, Claude Lanzmann produttori/producers David Frenkel, Jean Labadie, Danny Krausz produzione/production Synecdoche, Le Pacte, Dor Film, Les Films Aleph coproduzione/coproduction France 3 Cinéma distribuzione/distribution Andrea Cirla ** contatti/contacts Le Pacte Camille Neel Tel: + 33 01 446 959 59 [email protected] www.le-pacte.com Andrea Cirla [email protected] Alessandra Di Savino [email protected] L’ULTIMO DEGLI INGIUSTI [T.L.] Roma, 1975. Lanzmann intervista per il film Shoah Benjamin Murmelstein, l’unico presidente del Consiglio degli Anziani del ghetto di Terezín, sopravvissuto alla Shoah. 2012. Il regista rimette mano al materiale e torna nella «città che Hitler regalò agli ebrei», un ghetto modello utilizzato dalla propaganda nazista. «Shoah era un film epico, il tono quello di una tragedia incessante. Quando si ascolta Murmelstein, invece, è chiaro che non si adatta, che è su un altro registro. Detto questo, lui è stato il primo che ho filmato. [...] Arrivammo a Roma da Gerusalemme con un camera e delle apparecchiature audio molto sofisticate, ma appena giunti fummo svaligiati e dovemmo recuperare in gran fretta del materiale da Parigi. Quell’incidente mi lasciò un po’ scioccato, ma girammo ugualmente per una settimana con lui. Fu così difficile fare Shoah come volevo, cioè senza commento, con la struttura del film che genera il suo senso generale, che se avessi incluso anche il suo episodio sarebbe durato venti ore! Così ho deciso di occuparmene più avanti, ma l’ho rimandato per molto tempo». THE LAST OF THE UNJUST Rome, 1975: Lanzmann conducts an interview for his film Shoah with Benjamin Murmelstein, the only Jewish Elder from Theresienstadt ghetto who survived the Holocaust. 2012: Lanzmann reviews the footage and returns to the “city Hitler gave to Jews:” a model ghetto used as a Nazi propaganda showcase. “Shoah is an epic, and the overall tone is of unremitting tragedy. When you listen to Murmelstein, you see that it doesn’t fit with that; it’s in another register. That said, he was the first protagonist we filmed. […] From Jerusalem, we had arrived in Rome with some very sophisticated camera and sound equipment, but as soon as we arrived, we were ransacked. We had to rush in some more equipment from Paris. That incident left me a bit stunned, but we still filmed for a whole week with him. It had been so difficult to make Shoah the way I did it, without commentary – the construction of the film itself generating its own intelligibility – that if I had included an episode like that, the film would have lasted twenty hours! So I decided to deal with it later, but I put it off for a long time.” 105 TFFDOC - DOCUMENTI Claude Lanzmann (Parigi, Francia, 1925), tra i più grandi studiosi e divulgatori del genocidio subito dagli ebrei d’Europa, non ancora ventenne è stato combattente della Resistenza. Giornalista e scrittore, finita la guerra ha insegnato all’Università di Berlino ed è diventato amico e collaboratore di Jean-Paul Sartre e Simone de Beauvoir. In quegli anni ha iniziato a scrivere su «Les Temps Modernes», di cui è tuttora direttore. Regista, il suo documentario di oltre nove ore Shoah (1985) è una delle operazioni più significative della cultura commemorativa mai compiute ed è stato realizzato in dodici anni di lavoro. Quest’anno la Berlinale gli ha dedicato un omaggio e conferito l’Orso d’oro alla carriera. Le dernier des injustes, suo ultimo film, è stato presentato fuori concorso a Cannes. Claude Lanzmann (Paris, France, 1925) is one of the greatest scholars and popularizers of the genocide of European Jews. By the time he was twenty, he fought in the French Resistance. After the war, he worked as a writer and journalist, he taught at the University of Berlin, and he became friends with Jean-Paul Sartre and Simone de Beauvoir. In those years, he started writing for the magazine “Les Temps Modernes,” which he now runs as chief editor. As a film director, his nine-hour documentary Shoah (1985), which took him twelve years to make, is one of the most significant pieces of commemorative culture ever realized. In 2013 the Berlinale dedicated him a homage and awarded him the Golden Bear for his lifetime achievements. Le dernier des injustes was presented in the out of competition section of the Cannes Film Festival. filmografia/filmography Pourquoi Israel (doc., 1973), Shoah (id., doc., 1985), Tsahal (doc., 1994), Un vivant qui passe (doc., 1999), Sobibor, 14 octobre 1943, 16 heures (Sobibor - 14 ottobre 1943, ore 16.00, doc., 2001), Lights and Shadows (cm, doc., 2008), Le rapport Karski (doc., tv, 2010), Le dernier des injustes (doc., 2013). filipa césar THE EMBASSY CONTENTS Portogallo/Portugal, 2011, HD, 27’, col. Filipa César vedi/see Cacheu p. 104 filmografia essenziale/ essential filmography vedi/see Cacheu p. 104 regia, fotografia, montaggio, produttore/ director, cinematography, film editing, producer Filipa César sceneggiatura/screenplay Armando Lona, Filipa César suono/sound Nuno da Luz interprete/cast Armando Lona ** contatti/contacts Filipa César [email protected] L’AMBASCIATA [T.L.] «The Embassy parla dei codici di rappresentazione utilizzati dall’ex potenza coloniale portoghese nella Guinea-Bissau, Paese dell’Africa occidentale, e dei modi in cui si costruisce la memoria. Nel film viene mostrato un album che raffigura il punto di vista di un colonizzatore portoghese, che ha fotografato con precisione documentaristica paesaggi, persone, architetture e monumenti della Guinea-Bissau degli anni Quaranta e Cinquanta. Al tempo stesso, questo album – acquisito, sfogliato e incorniciato dalle mani dell’archivista guineano Armando Lona – è il punto di partenza per una narrazione a più livelli sulla storia di questi due Paesi». THE EMBASSY “The Embassy deals with the codes of representation used by the former Portuguese colonial power over the West African country Guinea-Bissau and with modes of memory production. It shows a photo album depicting the perspective of the Portuguese colonist, who photographed with documentary diligence landscapes, people, architecture and monuments in Guinea-Bissau in the 1940s and 1950s. At the same time, this photo display – grabbed, flipped through and re-framed by the hands of the Guinean archivist Armando Lona – is the departure point for a multi-layered narration on the history of these two countries.” 106 TFFDOC - DOCUMENTI horacio alcalá GRAZING THE SKY CONTENTS Spagna-Portogallo-Messico/Spain-Portugal-Mexico, 2013, HD, 85’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Horacio Alcalá soggetto/story Patrick Flynn fotografia/cinematography David Palacios montaggio/film editing Nacho Ruiz Capillas suono/sound James Muñoz interpreti/cast Antonio Segura, Max La Sala, Damian Istria, Erika Nguyen, Fadi Zmorrod, Jonathan Moss, Marie-Lee Guilbert, Philippe Belanguer, Saar Rombout, Bahoz Temaux, Arnau Serra Vila, Julien Auger, Mathieu Lagaillarde, Sidney Pin, Thibaut Brigner produttori/producers Carlos Batres, Horacio Alcalá, Aitor Echeverría ** contatti/contacts Latido Films Oscar Alonso Tel: +34 915 488 877 www.latidofilms.com Horacio Alcalá, regista e sceneggiatore, ha lavorato per cinque anni al Cirque du Soleil seguendo i tour europei degli spettacoli Varekai, Dralion, Alegria. Horacio Alcalá, director and scriptwriter, was working for five years at Cirque du Soleil in the European tours in the shows Varekai, Dralion and Alegria. SFIORANDO IL CIELO [T.L.] Per essere ammessi alla scuola di circo di Bruxelles, cinque artisti del trapezio provenienti da diversi Paesi devono seguire un rigido programma di allenamenti e imparare diverse tecniche. L’obiettivo è il raggiungimento della perfezione, quel connubio di tecnica ed eleganza che rende l’esercizio una meraviglia per lo sguardo dello spettatore. La consapevolezza che l’ingresso nella scuola potrebbe cambiare le loro vite rende ancora più intensa la preparazione e rivela la grande determinazione dei candidati. «Il documentario è fatto dei muscoli e della pelle degli artisti, e dello scheletro delle istituzioni pubbliche e private, elementi complementari che non possono esistere separatamente in quell’universo chiamato circo. Utilizzando la metafora del trapezio, il film esplora la realtà del circo contemporaneo. Come risultato di questa ricerca, ci rendiamo conto che le capriole dei trapezisti ci stupiranno allo stesso modo, che siano vestiti di seta o con abiti informali, e che, quando lavorano in due, ogni salto dipenderà dall’aiuto del partner». GRAZING THE SKY To be admitted to the Brussels College of Circus Arts, five trapeze artists from various countries need to follow a strict training program and learn several techniques. Their goal is to achieve perfection: that harmonious synergy of technique and elegance that makes an exercise marvelous in the eye of the spectator. The awareness that getting into that school could change their lives forever makes the preparation process even more intense, revealing the candidates’ great determination. “Our documentary is built from the muscles and skin of the artists and the skeleton of the public and private institutions: they are complementary and cannot exist separately in the universe called circus. Using the trapeze as a metaphor, this movie explores the reality of circus today and, as a result of this research, we come to realize that whether dressed in silk or casual clothes, somersaulting trapeze artists will astonish us equally and when they work as a duo, each leap will depend on a partner’s help.” 107 TFFDOC - DOCUMENTI filmografia/filmography Azul de Prusia, Requiezcan (cm, 2005), Le fil (cm, 2005), Frigoleto (tv, 2006), Sin noticias de Bosnia (cm, 2008), Manual de uso para una Nave Espacial (cm, doc., 2009), Abraza mis recuerdos (cm, 2010), Grazing the Sky (doc., 2013). rithy panh L’IMAGE MANQUANTE CONTENTS Francia-Cambogia/France-Cambodia, 2013, HD-8mm, 95’, bn/bw-col., anim. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Rithy Panh fotografia/cinematography Prum Mésa montaggio/film editing Rithy Panh, Marie-Christine Rougerie musica/music Marc Marder suono/sound Eric Tisserand interprete/cast Randal Douc (voce narrante/narrator) produttore/producer Catherine Dussart coproduzione/coproduction CDP, ARTE France, Bophana Production ** contatti/contacts Films Distribution Sanam Madjedi Tel: +33 153 103 399 L’IMMAGINE MANCANTE [T.L.] «Per molti anni ho cercato l’immagine mancante: una fotografia scattata tra il 1975 e il 1979 dai Khmer rossi quando governavano la Cambogia. Di per sé, ovviamente, un’immagine non può testimoniare un omicidio di massa, ma ci dà modo di riflettere, ci spinge a pensare, a ricordare la storia. L’ho cercata invano negli archivi, nei vecchi documenti, nei villaggi di campagna della Cambogia. Oggi lo so: quest’immagine deve essere mancante. Non la stavo cercando davvero: non sarebbe infatti risultata oscena e insignificante? Così l’ho creata. Ciò che oggi vi consegno non è né l’immagine, né la ricerca di un’unica immagine, ma il quadro di un’indagine, quella resa possibile dal cinema». [email protected] www.filmsdistribution.com THE MISSING PICTURE “For many years, I have been looking for the missing picture: a photograph taken between 1975 and 1979 by the Khmer Rouge when they ruled over Cambodia... On its own, of course, an image cannot prove mass murder, but it gives us cause for thought, prompts us to meditate, to record History. I searched for it vainly in the archives, in old papers, in the country villages of Cambodia. Today I know: this image must be missing. I was not really looking for it; would it not be obscene and insignificant? So I created it. What I give you today is neither the picture nor the search for a unique image, but the picture of a quest: the quest that cinema allows.” Rithy Panh (Phnom Penh, Cambogia, 1964) dal 1975, per alcuni anni, è stato costretto a lavorare nei campi di lavoro dei Khmer rossi. Nel 1979 è riuscito a fuggire e a raggiungere il campo per rifugiati di Mairut, in Thailandia. L’anno seguente si è trasferito in Francia, a Parigi, dove si è laureato all’Insitut des hautes études cinématographiques. Come regista è noto soprattutto per i lavori documentari dedicati alla sua terra d’origine, tra cui La terre des âmes errantes (1999), premiato al Cinéma du réel di Parigi, e S-21, la machine de mort Khmère rouge (2003), presentato a Cannes e al 21° Torino Film Festival. Ha diretto anche lavori di finzione, come Rice People (1994) e Un soir après la guerre, selezionato nel 1998 a Un certain regard di Cannes, e Un barrage contre le Pacifique, interpretato da Isabelle Huppert e presentato ai festival di Toronto e Roma. Rithy Panh (Phnom Penh, Cambodia, 1964), starting in 1975, was forced to work in labor camps by the Khmer Rouge. In 1979, he escaped to the refugee camp in Mairut, Thailand. The next year he moved to Paris, where he graduated from the IDHEC. As a director, he is best known for his documentaries about his land of origin, which include La terre des âmes errantes (1999), awarded at Cinéma du réel in Paris, and S-21, la machine de mort Khmère rouge (2003), presented at Cannes and at the 21 Torino Film Festival. He has also directed fiction films, such as Rice People (1994) and Un soir après la guerre, selected in 1998 for Un certain regard at Cannes, and Un barrage contre le Pacifique, starring Isabelle Huppert and presented at the festivals in Toronto and Rome. ST filmografia essenziale/ essential filmography Site 2 (doc., 1989), Souleymane Cissé (doc., tv, 1990), Cambodge, entre guerre et paix (doc., 1992), Neak sre (Rice People, 1994), Bophana, une tragédie cambodgienne (doc., 1996), Un soir après la guerre (1997), La terre des âmes errantes (doc., 1999), Que la barque se brise, que la jonque s’entrouvre (tv, 2000), S-21, la machine de mort Khmère rouge (doc., 2002), Les gens d’Angkor (doc., 2003), Les artistes du Théâtre Brûlé (doc., 2005), Le papier ne peut pas envelopper la braise (doc., 2007), Un barrage contre le Pacifique (2008), Gibier d’élevage (2011), L’image manquante (doc., anim., 2013). 108 TFFDOC - DOCUMENTI mati diop MILLE SOLEILS CONTENTS Francia/France, 2013, HD-35mm, 45’, col. regia/director Mati Diop fotografia/ cinematography Hélène Louvart, Mati Diop montaggio/film editing Nicolas Milteau suono/sound Alioune Mbow, Bruno Ehlinger interprete/cast Magaye Niang produttore/producer Corinne Castel produzione/production Anna Sanders Films ** contatti/contacts Anna Sanders Films Corinne Castel Tel: +33 06 818 989 18 [email protected] www.annasandersfilms.com MILLE SOLI [T.L.] Nel 1972 Djibril Diop Mambéty ha girato Touki Bouki - Il viaggio della iena, uno dei capolavori del cinema senegalese. Nel film Mory e Anta sono innamorati e condividono il sogno di lasciare Dakar. Fanno di tutto per trovare il denaro, ma al momento della partenza Mory desiste, lasciando che Anta se ne vada da sola. Dopo quarant’anni Mati Diop, nipote del regista, si chiede cosa sia successo ai protagonisti del film: Magaye Niang, che interpretava Mory, non ha mai lasciato Dakar, mentre Myriam Niang è partita davvero. E ora Magaye Niang si interroga sul destino del suo amore di gioventù. «L’idea di questo film è nata da una conversazione con mio padre, a cui ho posto delle domande sulla mia famiglia e sul ruolo che occupa il cinema nella mia vita. Mi ha parlato di mio zio, Djibril Diop Mambéty, e del Viaggio della iena, che mio nonno diceva contenesse tutta la nostra storia. Ciò ha fatto nascere in me il desiderio di trovare la storia del film, sapere da dove proviene e che tracce ha lasciato». A THOUSAND SUNS In 1972, Djibril Diop Mambéty shot Touki Bouki - Journey of the Hyena, a masterpiece of Senegalese cinema. In the movie, Mory and Anta are in love and they share the dream of leaving Dakar. They try everything to find the money, but when they are finally about to leave Mory backs out, letting Anta leave by herself. Forty years later, Mati Diop reflects on what has happened in the meantime to the film’s main actors: Magaye Niang (who played Mory) never left Dakar, while Myriam Niang did. And now Magaye Niang wonders what happened to Anta, the love of his youth. “I got the idea for this movie talking with my father. I was asking him questions about my family and about the role that cinema played in my life. He told me about my uncle, Djibril Diop Mambéty, and about Journey of the Hyena, and how my grandfather said it contained our entire story. This made me want to discover the movie’s story, to find out where it came from and the traces it left.” 109 TFFDOC - DOCUMENTI Mati Diop (Parigi, Francia, 1982), figlia del musicista Wasis Diop e nipote del regista senegalese Djibril Diop Mambéty, ha studiato a Le Fresnoy e al Pavillon, il laboratorio di ricerca del Palais de Tokyo a Parigi. Ha quindi diretto diversi corto e mediometraggi, vincendo con Atlantiques (2010) e Big in Vietnam (2012) il Tiger Award a Rotterdam. Nel 2011 ha partecipato alla Mostra del cinema di Venezia, nella sezione Orizzonti, con Snow Canon, selezionato poi in diversi altri festival internazionali. Come attrice, è stata protagonista di 35 rhums, di Claire Denis, ruolo per il quale ha ricevuto il premio come miglior attrice al MK2 Young Talent Festival nel 2009, mentre per la sua interpretazione in Simon Killer di Antonio Campos ha ottenuto una menzione speciale all’Afi Fest. Mati Diop (Paris, France, 1982) is the daughter of the musician Wasis Diop and niece of the Senegalese director Djibril Diop Mambéty. She studied at Le Fresnoy and at the Pavillon, the experimental laboratory of the Palais de Tokyo, in Paris. She then directed several short films and short features, winning the Tiger Award in Rotterdam for Atlantiques (2010) and Big in Vietnam (2012). She participated to the 2011 Venice Film Festival (in the Horizons section) with her movie Snow Canon, which was also selected by several other international festivals. She has also played in 35 Shots of Rum by Claire Denis, winning the best actress award at the MK2 Young Talent Festival in 2009; she also won a special mention at AFI Fest for her performance in Simon Killer by Antonio Campos. filmografia/filmography Atlantiques (cm, 2009), Snow Canon (mm, 2011), Big in Vietnam (mm, 2012), Mille Soleils (mm, 2013). donatello fumarola, alberto momo PAROLE E UTOPIA - ATLANTE CONTENTS SENTIMENTALE DEL CINEMA PER IL XXI SECOLO Italia/Italy, 2013, video, 30’ x 2, col. regia/directors Donatello Fumarola, Alberto Momo Alberto Momo (Torino, Italia, 1972), filmmaker e autore di documentari d’architettura, ha presentato i suoi lavori nei principali festival internazionali, tra cui quelli di Venezia, Locarno, Rotterdam e Montréal, e alla Biennale di architettura. Nel 2006 con Eliorama ha vinto il premio per il miglior documentario italiano al Torino Film Festival. ** parole e utopia #6 Alberto Grifi Roma, 15 ottobre 2002 parole e utopia #10 Béla Tarr Procida, 3 luglio 2004 ** contatti/contacts Donatello Fumarola [email protected] Alberto Momo [email protected] Donatello Fumarola (Torino, Italia, 1972), tra gli autori della trasmissione televisiva di Rai3 Fuori Orario - Cose (mai) viste, insieme ad Alberto Momo ha curato dal 2002 la rubrica amenic cinema per la rivista rock «Blow Up». Alcuni episodi del loro progetto Parole e Utopia sono stati presentati al festival di Locarno, alla Cineteca nazionale, alla Cineteca di Lubiana e a Fuori Orario. PAROLE E UTOPIA «Parole e Utopia è un progetto che stiamo portando avanti da diversi anni, costituito da conversazioni con cineasti da tutto il mondo, che abbiamo iniziato a incontrare dal 2001, con l’insano proposito di costituire una nostra mappa del cinema, di quello che più amiamo. Finora ne abbiamo incontrati più di cinquanta. E altri ancora ne mancano. Per il momento abbiamo trovato un editore interessato all’operazione, Derive/Approdi, che ha voluto farne un libro, un Atlante sentimentale del cinema per il XXI secolo. Vorremmo arrivare a costituire un archivio vivente di tutti questi materiali filmati». Donatello Fumarola (Turin, Italy, 1972) is one of the authors of Rai3’s program Fuori Orario - Cose (mai) viste. He has been collaborating since 2002 with the rock magazine “Blow Up,” writing the column amenic cinema. Some episodes from their project Parole e Utopia were presented at the Locarno Film Festival, at the National Film Archives, and the Lubiana Film Archives, and on the program Fuori Orario. WORDS AND UTOPIA [L.T] Alberto Momo (Turin, Italy, 1972) is a filmmaker and author of architecture documentaries. He presented his work in major international film festivals, including Venice, Locarno, Rotterdam, Montreal, and the Architecture Biennale. He won best documentary at the Torino Film Festival in 2006 with Eliorama. “Parole e Utopia is a project we have been developing for several years composed of conversations with filmmakers from around the world. We started meeting them in 2001 with the insane idea of building our own map of cinema, of what we love most of it. So far we have met over fifty filmmakers. And we’re still missing a few. At the moment we have a publisher, Derive/Approdi, interested in the project, that would like to turn it into a book: an ‘Emotional Atlas of Cinema for the 21 Century.’ We would like to build a living archive with all the footage collected.” ST filmografia essenziale/ essential filmography Donatello Fumarola: Ultimo bagliore e nulla (2003), Cut People: Amir Naderi (2007), La nuit blanche et noir (coregia/ codirectors aa.vv., 2009). Alberto Momo: Todos os dias (cm, 1995), L’amorosa traccia (cm, 1997), Liquido Atlante (cm, 2002), Fiaba nera (2005), Eliorama (coregia/codirector Maicol Casale, doc., 2006), Ombre di Tosca (cm, 2008), Playtime (coregia/ codirectors Maicol Casale, Federico Ercole, ep., tv, 2010), Un’architettura in movimento (doc., 2012). Donatello Fumarola, Alberto Momo: Parole e utopia: #6 Alberto Grifi - #10 Béla Tarr (doc., 2013). 110 TFFDOC - DOCUMENTI yervant gianikian, angela ricci lucchi PAYS BARBARE CONTENTS Francia/France, 2013, 16mm-35mm, 65’, bn/bw-col. regia, sceneggiatura, montaggio/ directors, screenplay, film editing Yervant Gianikian, Angela Ricci Lucchi musica/music Giovanna Marini, Keith Ullrich interpreti/cast Giovanna Marini (voce/voice over), Yervant Gianikian (voce/voice over), Angela Ricci Lucchi (voce/voice over) produttori/producers Sylvie Brenet, Setge Lalou produzione/production Les films d’ici distribuzione/distribution Feltrinelli Editore ** contatti/contacts Feltrinelli Anastasia Plazzotta [email protected] Les films d’ici Tel: +33 01 445 223 23 [email protected] www.lesfilmsdici.fr/fr PAESE BARBARO Una delle pagine più buie e vergognose della storia d’Italia, la guerra d’Africa, che portò alla conquista d’Etiopia, vista attraverso un susseguirsi ininterrotto d’immagini di repertorio, spesso mai mostrate in pubblico. I soldati, le battaglie, la rappresentazione iconica del potere fascista incarnata da Mussolini stesso, principale artefice di questo conflitto inutile, raccontato dai media dell’epoca come una missione di civilizzazione nei confronti di un popolo barbaro. «Con la nostra “camera analitica” siamo tornati a frugare negli archivi cinematografici per trovare fotogrammi dell’Etiopia/Abissinia nel periodo coloniale italiano. Abbiamo trovato diversi film privati di un medico. L’erotismo coloniale. Il corpo nudo delle donne e il “corpo” del film. Vedute aeree del territorio. Sui bombardieri si caricano bombe all’iprite, il cui utilizzo è sempre stato negato. Fotogrammi militari sconosciuti che mostrano gli uomini e le armi della violenta impresa italiana per la conquista dell’Etiopia (1935-36)». BARBARIC COUNTRY [L.T.] One of the darkest and most shameful pages of Italy’s history: the African war and the occupation of Ethiopia, seen through a sequence of archive images, most of which have never been screened before. The soldiers, the battles, the iconic representation of fascist power personified in Mussolini himself, the main architect of this pointless conflict, described back then by the media as a mission to bring civilization to barbaric communities. “We started rummaging through the film archives with our ‘analytic camera’ to find photograms from Ethiopia / Abyssinia at the time of the Italian colonization. We found a lot of private footage shot by a doctor: L’erotismo coloniale. Women’s naked bodies and the ‘body’ of the film. Aerial shots of the area. Bombers being loaded with mustard gas bombs, which the authorities have always denied using. Recently unearthed military footage showing the men and the means of the brutal Italian attempts at conquering Ethiopia (1935-1936).” 111 TFFDOC - DOCUMENTI Yervant Gianikian (1942), di origine armena, ha studiato architettura a Venezia, mentre Angela Ricci Lucchi (Lugo di Romagna, Ravenna, Italia, 1942) ha studiato pittura in Austria con Oskar Kokoschka. Trasferitisi a Milano, si sono dedicati al cinema a partire dalla metà degli anni Settanta, con produzioni indipendenti e sperimentali che comprendono le proiezioni-performance dei «film profumati» e, in seguito, la rielaborazione artigianale, tra viraggi, ralenti e combinazioni di montaggio, di materiale d’archivio. I loro film sono stati proiettati in festival e musei di tutto il mondo. La loro ultima partecipazione al Torino Film Festival risale al 2009 con Frammenti elettrici n. 6 - Diario 1989. Dancing in the Dark. Yervant Gianikian (1942), of Armenian descent, studied architecture in Venice, while Angela Ricci Lucchi (Lugo di Romagna, Ravenna, Italy, 1942) studied painting in Austria under Oskar Kokoschka. After moving to Milan, they started focusing on cinema in the mid-1970s, making independent and experimental productions, including the screening-performances of “scented films” and, later on, the manual manipulation of archive footage from die-toning to slow motion and various editing combinations. Their films have been screened in festivals and museums around the world. They last participated to the Torino Film Festival in 2009 with Electric Fragments N. 6 - Diario 1989. Dancing in the Dark. filmografia essenziale/ essential filmography Erat Sora (cm, 1975), Catalogo comparativo (cm, 1975), Cataloghi non è altro gli odori che sente (cm, 1976), Profumo (cm, 1977), Un prestigiatore una miniaturista (cm, 1978), Milleunanotte (1979), Essence d’absynthe (cm, 1981), Das Lied von der Erde - Gustav Mahler (cm, 1982), Dal polo all’equatore (1986), Frammenti (1987), Passion (cm, 1988), Uomini anni vita (1990), Diario africano (cm, 1994), Aria (cm, 1994), Prigionieri della guerra (1995), Lo specchio di Diana (mm, 1996), Nocturne (cm, 1997), Io ricordo (cm, 1997), Su tutte le vette è pace (1998), Inventario balcanico (2000), Images d’Orient - Tourisme vandale (2001), Corpi. Frammenti elettrici n. 3 (cm, 2002), Rom (Uomini). Frammenti elettrici n. 1 (cm, 2002), Oh! Uomo (2004), Ghiro Ghiro Tondo (2007), Frammenti elettrici n. 6 - Diario 1989. Dancing in the Dark (2009), Pays barbare (2013). john akomfrah THE STUART HALL PROJECT CONTENTS Regno Unito/UK, 2013, HD, 98’, bn/bw-col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay John Akomfrah fotografia/cinematography Dewald Aukema montaggio/film editing Nse Asuquo musica/music Trevor Mathison suono/sound Trevor Mathison, Robin Fellows interprete/cast Stuart Hall produttori/producers David Lawson, Lina Gopaul produzione/production Smoking Dogs Films coproduzione/coproduction British Film Institute Film Fund, Arts Council England, BBC Archive, Creation Rebel Films, The Open University, Time/Image ** contatti/contacts John Flahive Tel: +44 796 877 27 92 [email protected] www.wavelengthpictures.co.uk IL PROGETTO STUART HALL [T.L.] «Quando avevo diciannove anni Miles Davis ha messo le sue mani sulla mia anima»: così sostiene Stuart Hall, eminente intellettuale del Regno Unito del secondo dopoguerra. Un personaggio carismatico che, ispirandosi a Marx e Gramsci, è stato in grado di catalizzare l’entusiasmo delle nuove generazioni intorno alla New Left, cercando una nuova via per un Paese al centro di tumultuosi cambiamenti sociali ed economici. «Stuart Hall per noi era come una rockstar; un’icona pop intellettuale la cui presenza emblematica nel più visibile dei media – la televisione – ci indicava la via verso “le possibilità impossibili”. Il fatto che fosse lì, nelle nostre camere da letto e nei nostri salotti, ci ha aperto il cammino verso quello spazio a cui si riferiva come il luogo della “conversazione incompleta”, quello spazio in cui inizia il dialogo tra noi e il mondo esterno, il luogo dell’identità. Con lui e attraverso di lui abbiamo iniziato a farci le domande fondamentali per questa discussione: chi siamo, cosa siamo e cosa possiamo diventare». THE STUART HALL PROJECT “I was nine years old when Miles Davis put his hands on my soul,” thus spoke Stuart Hall, an eminent political figure in the United Kingdom after World War 2. He is a charismatic character; drawing inspiration from Marx to Gramsci, he managed to catalyze the new generations’ enthusiasm around the concept of New Left, seeking a new political path for a nation in the middle of tumultuous social and economic changes. “Stuart Hall was a kind of rock star for us; a pop icon with brains whose very iconic presence on this most public of platforms – television – suggested all manner of ‘impossible possibilities.’ By just being there in our bedrooms and living rooms, he opened up pathways into that space that he has referred as the place of ‘the unfinished conversation,’ that space in which the dialogue between us and the external world begins, that place of identity. With him and through him we begun to ask the indispensable questions of that conversation: who are we, what are we and what could we become.” 112 TFFDOC - DOCUMENTI John Akomfrah (Londra, Regno Unito, 1957) è considerato una figura chiave del black cinema britannico. Fondatore nel 1982 del Black Audio Film Collective, ha esordito nella regia quattro anni più tardi con il documentario Handsworth Song e con il successivo Testament (1989) si è fatto conoscere nel circuito dei festival internazionali, ottenendo premi e riconoscimenti. Nel corso della sua decennale carriera ha diretto una trentina di progetti, tra corti, lunghi, documentari e produzioni televisive. Oltre a lavorare come regista, è il responsabile della Smoking Dogs Films e della Creation Rebel Films. John Akomfrah (London, UK, 1957) is considered a key figure in black British cinema. He founded the Black Audio Film Collective in 1982. Four years later, he made his directorial debut with the documentary Handsworth Song, followed by Testament (1989), making himself known in the international film festival circuit, winning awards and earning recognitions. Throughout his career, he has made about thirty projects, ranging from shorts to feature films, from documentaries to TV productions. Aside from working as a director, he is also head of Smoking Dog Films and Creation Rebel Films. filmografia essenziale/ essential filmography Handsworth Song (doc., 1986), Testament (1989), Who Need a Heart (1991), Seven Songs for Malcolm X (doc., 1995), The Last Angel of History (doc., 1995), Speak Like a Child (1997), The Call of the Mist (1998), The Wonderful World of Louis Armstrong (doc., 1999), Digitopia (2000), Stalkers (2003), Wetin Dey (2006), The Nine Muses (doc., 2010), The Stuart Hall Project (doc., 2013). jean-marc lamoure TARR BÉLA, I USED TO BE A FILMMAKER CONTENTS Francia/France, 2013, HD-Super8, 84’, bn/bw-col. regia/director Jean-Marc Lamoure fotografia/cinematography Jean-Marc Lamoure, Frédéric Lombard montaggio/film editing Nadia Ben Rachid suono/sound Frédéric Salles, Yohann Angelvy produttori/producers Marie-Pierre Macia, Juliette Lepoutre produzione/production MPM Film ** contatti/contacts MPM Film Wanling Chang Tel: +33 158 535 712 [email protected] www.mpmfilm.com Jean-Marc Lamoure (Francia) ha lavorato a lungo in Africa orientale occupandosi di antropologia visuale. Nel 2004 ha diretto insieme a Thomas Osmond il suo primo documentario, Chaalo, les voix du deuil. Parallelamente a quest’opera d’inchiesta, ha realizzato Farenji e ha collaborato a numerosi progetti di altri registi. A Marsiglia, dove vive e lavora, realizza scenografie per teatro, musica e danza e tiene workshop di pratica cinematografica. Nel 2010 ha fondato insieme a Pilar Arcila la casa di produzione Ab Joy Productions. TARR BÉLA, ERO UN FILMMAKER [T.L.] Dal dicembre 2008 al giugno 2010, Béla Tarr e Agnes Hranitzky, sua moglie e coregista, riuniscono i loro collaboratori di fiducia vicino a Budapest per girare l’ultimo film, Il cavallo di Torino. Due uomini e una donna immersi in un paesaggio desolato; un film rigoroso, dai dialoghi scarni, dove la natura prevarica l’uomo. Ma quello che il cinema non mostra è proprio se stesso. E allora sarà con stupore che si assisterà allo svelamento della messa in scena, e soprattutto al confessarsi dei collaboratori del regista che riveleranno una parte della realtà di cui è permeato il suo cinema. «Ho incontrato il cinema di Béla Tarr una dozzina di anni fa durante una proiezione di Satantango a Parigi. Un film che, a immagine del suo lavoro, ci permette di ripensare alla nostra presenza in un mondo liberato da chiese e bandiere, con il tempo come unico denominatore comune. Mentre il nazionalismo risorgeva ovunque e le grandi religioni monoteiste investivano nuovamente politica, apparati giuridici e società, questo pensiero dissidente mi è apparso coraggioso e necessario». TARR BÉLA, I USED TO BE A FILMMAKER Between December 2008 and June 2010, Béla Tarr and his wife and co-director Agnes Hranitzky reunited with their trusted collaborators to shoot their final movie, The Turin Horse. Two men and a woman surrounded by a desolate landscape; a rigorous film, with sparse dialogues, where nature prevails over human beings. But what cinema doesn’t show is itself in the making. And so it is astonishing to see the setting unveiled, and especially surprising to hear the confessions made by the director’s collaborators, which reveal an aspect of the reality that permeates his way of doing cinema. “I saw my first Béla Tarr film about twelve years ago; they were screening Satantango in Paris. The movie, reflecting Tarr’s body of work, allows us to ponder over our presence in a world free of churches and flags, where time is the only common denominator. It seemed to me that, at a time when nationalism was resurfacing everywhere and the great monotheistic religions were assailing once more politics, the judiciary, and society, Tarr’s dissident mindset was brave and necessary.” 113 TFFDOC - DOCUMENTI Jean-Marc Lamoure (France) worked extensively in East Africa, focusing on visual anthropology. He directed his first documentary film in 2004 with Thomas Osmond, Chaalo, les voix du deuil. Around that time he also made the documentary Farenji, and he collaborated in several projects by other film directors. He lives and works in Marseille, where he makes set designs for music, dance and theatre productions, and he teaches a workshop on filmmaking. In 2010, he started the production company Ab Joy Productions with Pilar Arcila. filmografia/filmography Chaalo, les voix du deuil (coregia/codirector Thomas Osmond, mm, doc., 2004), Farenji (doc., 2008), Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker (doc., 2013). CONTENTS The Turin Horse (2011) di Béla Tarr CONTENTS I TA L I A N A . C O R T I 37°4 S | EMANUELE SIMONELLI, ASTUTILLO SMERIGLIA HOMO HOMINI BISONTE | | FABIO SCACCHIOLI, VINCENZO CORE NO MORE LONELY NIGHTS | VALENTINA CARNELUTTI RECUIEM | FRANCESCA COGNI SUI BORDI | ANTONIO PRATA TERRADENTRO | LORENZO CIOFFI IL VIAGGIO DI ETTORE | SALVATORE MEREU LA VITA ADESSO ADRIANO VALERIO FEDERICO TOCCHELLA ISACCO adriano valerio 37°4 S CONTENTS Francia/France, 2013, HD, 12’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Adriano Valerio fotografia/cinematography Loran Bonnardot, Adriano Valerio montaggio/film editing Claire Aubinais musica/music Roman Trouillet interpreti e personaggi/ cast and characters Riaan Repetto (Nick), Natalie Swain (Anne), Harold Green (Harold), Edwin Glass (Edwin), Justin Green (voce fuori campo/ voice over) produzione/production oriGine films, Pianissimo ** contatti/contacts oriGine films Olivier Berlemont, Emilie Dubois Tel: +33 610 641 526 [email protected] www.originefilms.fr Adriano Valerio [email protected] 37°4 S Tristan da Cunha. Su quest’isola sperduta nel Sud dell’Oceano Atlantico vivono solo duecentosettanta persone. Tra loro Nick e Anne, due adolescenti che si conoscono da sempre e che da sempre sono innamorati. Ma ora Anne ha deciso di andare a studiare in Inghilterra, a 6125 miglia da Tristan da Cunha. E di lasciare solo Nick. «A Tristan sono andato con l’obiettivo di scrivere una sceneggiatura per un lungometraggio ambientato sull’isola; il cortometraggio 37°4 S è nato come puro esperimento per verificare la possibilità di girare lì un’opera di finzione, ed è la prima volta che uno straniero ha il permesso di scrivere e girare una fiction sull’isola. Solo dopo molti tentativi ho trovato Natalie e Riaan, due ragazzi disposti a recitare, ma non a imparare i dialoghi né a provare le scene. Ho dovuto quindi cambiare il dispositivo narrativo e inserire una voce fuori campo, quella di Justin, l’unico tristanese che ha accettato di prestare la sua voce al personaggio di Nick». 37°4 S Tristan da Cunha. On this island lost in the South Atlantic Ocean live only two hundred seventy people. Among them are Nick and Anne, two teenagers who have always known each other and have always been in love with one another. But Anne has decided to go study in the United Kingdom, 6,125 miles away from Tristan da Cunha, leaving Nick behind. “I went to Tristan with the objective of writing a screenplay for a feature film set on the island. The short film 37°4 S was created purely as an experiment to assess the possibility of shooting a fiction in Tristan; this was the first time a foreigner got the permission to write and shoot a work of fiction on the island. After many attempts I found Natalie and Riaan, who were willing to act, but not to memorize the dialogues or rehearse the scenes. So I had to change the narrative device and use voice over, Justin’s, the only one in Tristan who accepted to lend his voice to the character Nick.” 116 I TA L I A N A . C O R T I Adriano Valerio (Italia, 1977), dopo aver studiato giurisprudenza e cinema con Marco Bellocchio, si è trasferito in Francia dove ha conseguito una laurea in belle arti presso l’École internationale de création audiovisuelle et de réalisation, a Parigi. Successivamente è divenuto prima assistente, poi docente presso il medesimo istituto. Come insegnante ha collaborato con l’Istituto Marangoni in Francia, l’Accademia libanese delle belle arti di Beirut e l’Ihb Artmedia di Casablanca. Nel 2012 ha fondato l’Ong Camera Mundi, nata con lo scopo di organizzare seminari e workshop di regia nei Paesi in via di sviluppo. Adriano Valerio (Italy, 1977), after studying law and cinema with Marco Bellocchio, moved to France where he earned a degree in fine arts at EICAR, in Paris. He then became first assistant at the institute, and subsequently a professor. As a teacher, he has worked with the Istituto Marangoni in France, the Lebanese Academy of Fine Arts in Beirut, and IHB Artmedia in Casablanca. He founded the NGO Camera Mundi in 2012 with the purpose of organizing filmmaking seminars and workshops in developing countries. filmografia/filmography Un ange passe (cm, 2003), Claire (cm, 2004), Da lontano (cm, 2007), Orbite (cm, 2009), Curling (cm, 2010), 37°4 S (cm, 2013). emanuele simonelli, astutillo smeriglia HOMO HOMINI BISONTE CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 8’, col., anim. Emanuele Simonelli (Roma, Italia, 1974), detto emanuelesi.com, disegna da lontano. regia/directors Emanuele Simonelli, Astutillo Smeriglia sceneggiatura, montaggio/ screenplay, film editing Astutillo Smeriglia musica/music Musopen.org animazione/animation Emanuele Simonelli interpreti e personaggi/ cast and characters Guglielmo Favilla (narratore/voice over), Fabrizio Odetto (voci maschili/ male voices), Simona De Vitis (voce femminile/ female voice) produttore/producer Antonio Zucconi produzione/production Comafilm ** contatti/contacts Antonio Zucconi [email protected] Astutillo Smeriglia si occupa di animazioni e montaggio. I suoi cortometraggi sono stati premiati in numerosi festival. Nel 2011 e nel 2012 con Il pianeta perfetto e Training autogeno ha vinto il premio per il miglior corto di animazione ai Nastri d’argento. Nel 2013, con Preti, ha ottenuto la candidatura al David di Donatello per il miglior cortometraggio. HOMO HOMINI BISONTE Onestamente, cosa c’è di meglio di un bisonte? Probabilmente nulla. Grazie a questo breve e surreale excursus attraverso la storia del continente americano scopriremo perché. «Homo homini bisonte, cortometraggio autoprodotto e realizzato in coppia, nasce dal nostro interesse comune per il curioso comportamento di questi animali dalla stazza poderosa, abituati a vivere in branchi e a correre avanti e indietro per tutta la vita senza nessuno scopo apparente: gli esseri umani». HOMO HOMINI BISONTE Is there honestly anything better than a buffalo? Probably not. We will discover why thanks to this short and surreal overview of American history. “The idea for the self-produced short which the two of us made, Homo Homini Bisonte, comes from our common interest for the peculiar behavior of these imposing creatures, living in herds, running back and forth their entire life for no apparent reason: human beings.” 117 I TA L I A N A . C O R T I Emanuele Simonelli (Rome, Italy, 1974), known as emanuelesi.com, draws from afar. Astutillo Smeriglia works in animation and editing. His short films have received awards in many festivals. He won the award Nastro d’argento for best short animation in 2011 and 2012 for Il pianeta perfetto and Training Autogeno, respectively. In 2013, Preti was nominated for the David di Donatello Award for best short. filmografia/filmography Astutillo Smeriglia: Il pianeta perfetto (cm, 2010), Training autogeno (cm, 2011), Preti (cm, 2012). Emanuele Simonelli, Astutillo Smeriglia: Homo homini bisonte (cm, anim., 2013). federico tocchella ISACCO CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 15’, col., anim. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Federico Tocchella fotografia/cinematography Daniele Ciprì montaggio/film editing Gianni Vezzosi scenografia/ production design Carmen De Lillo costumi/costume design Daria Calvelli musica/music Giorgio Giampà suono/sound Alessandro Bianchi, Angelo Bonanni interpreti/cast Anatol Sassi, Mattia Baldelli, Leonardo Russo, Giovanni Calcagno, Vanessa Scalera, Valeria Ghignone, Jaon Macalpin Gunn, Salvatore Guzzo, Mario Cenciarelli, Maria Ricciardella produzione/production TFILM ** contatti/contacts TFILM Federico Tocchella Tel: +393 471 275 524 www.tfilm.it ISACCO Un bambino gioca nel parco con i pupazzi di plastilina che costruisce e anima con le mani. Inventa e racconta storie usandoli come protagonisti. Il suo pupazzo preferito si chiama Isacco, è un bambino come lui, che sogna, desidera, ha fiducia nel mondo. Isacco è felice perché deve andare con suo padre in montagna, per aiutarlo. Suo padre si chiama Abramo e la storia che il bambino mette in scena è il racconto biblico. Che effetto farà vederla ancora una volta dopo aver conosciuto Isacco? «Isacco è un film che fonde il cinema dal vero, l’animazione e gli effetti speciali usando la plastilina come materia espressiva per rappresentare le emozioni più profonde dei personaggi reali. È una storia che parla del rapporto tra padre e figlio, della fiducia e del tradimento, della paura e della capacità di superarla attraverso la fantasia». ISACCO A child is playing in the park with some clay figures that he molds and animates with his hands. He makes up stories using them as his protagonists. His favorite puppet is called Isaac: he is a little boy just like him, who dreams, makes wishes, and trusts the world. Isaac is happy because he has to go to the mountains to help his father, who is called Abraham. As it turns out, the story enacted by the child is the biblical tale. But, after having gotten to know Isaac, what effect will the story have? “Isaac is a short film that merges together observational cinema, animation, and the special effects of claymation, using clay as the expressive medium to represent the deepest emotions of real characters. It’s a story about the father-son bond, about trust and betrayal, about fear and overcoming it by using your imagination.” 118 I TA L I A N A . C O R T I Federico Tocchella (Roma, Italia, 1979) è regista, animatore e produttore indipendente, diplomato al Dipartimento animazione del Centro sperimentale di cinematografia. Nel corso degli anni ha maturato una sensibilità verso commistioni inedite di tecniche e narrazioni. Con la sua impresa cinematografica TFILM, nata nel 2007, ha realizzato spot, sigle e videoclip per privati e fondazioni. L’amore ci dividerà e Isacco sono i suoi primi due cortometraggi. Dal 2006 al 2011 ha insegnato al Centro sperimentale di cinematografia come docente di animazione 3D e tutor per i film di diploma. Dal 2012 è coordinatore e docente del corso di VFX della Scuola di cinema Gian Maria Volontè di Roma. Federico Tocchella (Rome, Italy, 1979) is a film director, animator, and independent producer. He graduated from the animation department of the Experimental Centre of Cinematography in Rome. Over the years, he developed a keen interest in creating unprecedented combinations of technique and narration. He started the production company TFILM in 2007, and has since made several commercials, jingles, and music videos for foundations and private commissioners. L’amore ci dividerà and Isacco are his first short films. He taught 3D animation at the Experimental Centre of Cinematography from 2006 to 2011, working also as a tutor for the students’ graduation film-projects. He has been working since 2012 as program coordinator and professor of the visual effects course offered by the Gian Maria Volonté Film School in Rome. filmografia/filmography L’amore ci dividerà (cm, 2009), Isacco (cm, anim., 2013). fabio scacchioli, vincenzo core NO MORE LONELY NIGHTS CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 21’, col. Fabio Scacchioli (Teramo, Italia, 1979) realizza film, video e installazioni. Vincenzo Core (Giulianova, Teramo, Italia, 1979) è autore di musiche per video, spettacoli di danza, installazioni e performance. Insieme collaborano dal 2009, concentrandosi sulla relazione immagine/suono, e sui concetti di «audiovisione» e «cinema espanso». regia/directors Fabio Scacchioli, Vincenzo Core fotografia, montaggio/ cinematography, film editing Fabio Scacchioli musica, suono/ music, sound Vincenzo Core interprete/cast Chiara Nepa (voce/voice over) ** contatti/contacts Fabio Scacchioli [email protected] Fabio Scacchioli (Teramo, Italy, 1979) makes films, videos, and art installations. NO MORE LONELY NIGHTS Un’esperienza di scavo tra le forme del cinema di finzione. È necessario perdersi all’infinito, indefinitamente, in una moltitudine di immagini, di suoni, di universi di cristallo, al punto di esplodere in paesaggi molecolari, in labirinti subatomici oltre i quali l’immagine cessa di rappresentare, diventa pulsazione, rivela il vibrare del non visto, del non mostrato, il soffio che sta dietro le immagini, oltre la storia e al di là delle forme. Il cinema come lingua dell’invisibile, in attesa tra le porosità e le increspature dell’immagine come simulazione. «Tutte le immagini di questo film preesistevano al film stesso, come nascoste, dormienti, e una dopo l’altra sono affiorate per un attimo e subito tornate alle proprie traiettorie sotterranee. Come una moltitudine di fiumi carsici, hanno continuato il proprio movimento lontano dagli occhi, alcune sono riaffiorate altrove e più volte, e ogni volta si trattava di altre immagini, identiche e diverse come inevitabile». NO MORE LONELY NIGHTS An experience through the forms of fictional cinema. Loosing yourself infinitely, indefinitely, in a multitude of images, sounds, crystal universes, until exploding in molecular landscapes and subatomic labyrinths beyond which images are no longer representative, becoming palpitations, revealing the vibrations of the unseen, of the unshown, the murmur behind the images, beyond story and forms. Cinema as the language of the invisible, pending between the pores and the ripples of image as simulation. “All the images used in this film existed before the film itself, as if they were hiding, sleeping, just to emerge for an instant one after the other, and then plunging again in their own underground trajectories. They continue their paths hidden from sight, like a multitude of karstic rivers, some of them resurface elsewhere several times, and every time with other images, identic and inevitably different.” 119 I TA L I A N A . C O R T I Vincenzo Core (Giulianova, Teramo, Italy, 1979) composes music for videos, dance shows, installations, and performances. They have been working together since 2009, focusing on the relation between image and sound, and on the concepts of “audio-vision” and “expanded cinema.” filmografia/filmography Fabio Scacchioli, Vincenzo Core: Dead Seequences (cm, 2009), Objets oubliés (cm, 2009), Da una terra di cenere e nebbia (cm, 2010), Miss Candace Hilligoss’ Flickering Halo (cm, 2011), Spettrografia di una battaglia (cm, 2012), No More Lonely Nights (cm, 2013). valentina carnelutti RECUIEM CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 20’, col. regia, sceneggiatura, scenografia/ director, screenplay, production design Valentina Carnelutti fotografia/cinematography Massimo Schiavon montaggio/film editing Sara Zavarise costumi/costume design Eva Coen musica/music Francesco Tricarico suono/sound Mirco Mencacci interpreti e personaggi/ cast and characters Teresa Saponangelo (Emma), Francesco Tricarico (Gabriele), Lydia Biondi (nonna/grandmother), Irene Buonomo (Annetta), Flavio Palazzoli (Leo) produttore/producer Fiore Leone produzione/production Fiore Leone Produzioni coproduzione Dugong ** contatti/contacts Fiore Leone Tel: +39 349 80 75 489 [email protected] RECUIEM Quando Leo e la sorellina Annetta si svegliano al mattino, la loro mamma Emma dorme ancora nel suo letto. O forse no. Leo e Annetta trascorrono da soli l’intera giornata. Fanno colazione, fanno confusione, giocano. Aspettano, provano la loro vita senza la mamma. Fino all’arrivo della nonna e di Gabriele, il fidanzato di Emma. Fino a quando, con gli adulti e con le parole, l’ambiguità si scioglie, e a suo modo ciascuno va incontro alla sera. «reCuiem nasce da un racconto breve che ho scritto più di dieci anni fa. Ho due figlie, oggi maggiorenni, che crescevano con me, e spesso mi sono chiesta che ne sarebbe stato di loro se fossi morta. Questo interrogativo, insieme alla loro curiosità infantile attorno alla questione della morte, ha dato luogo al racconto. Senza voler esaurire tutte le domande con delle risposte, ho scritto con l’intento di osservarle, accoglierle. Anni dopo, il confronto con la realtà di un lutto ha vivificato ogni dettaglio del racconto, restituendo a questa storia lontana l’aspirazione a diventare un film». RECUIEM When Leo and his little sister Annetta wake up in the morning, their mother Emma is still sleeping in her bed. Or maybe not. Leo and Annetta spend the entire day by themselves. They have breakfast, they make a mess, they play. They wait, experiencing what their lives would be like without their mother. Until their grandmother and Gabriele, Emma’s partner, arrive. Until, with the adults and with words, the ambiguity dissolves and they all face the evening in their own way. “reCuiem comes from a short story I wrote over ten years ago. I have two daughters, who are now over eighteen; when they were growing up, I would often ask myself what would happen to them if I died. The short story I wrote originated from this question and their child-like curiosity about death. I didn’t want to answer all the questions; I wanted to observe them, to embrace them. Years later, dealing with the reality of mourning rendered every detail of the story vivid, bringing back the remote aspiration of turning it into a film.” 120 I TA L I A N A . C O R T I Valentina Carnelutti, attrice e sceneggiatrice, ha lavorato con registi quali Marco Tullio Giordana (La meglio gioventù), Theo Angelopoulos (La polvere del tempo), Paolo Virzì (Tutta la vita davanti), Citto Maselli (Le ombre rosse), Angelo Orlando (Sfiorarsi, di cui ha scritto la sceneggiatura), Enrico Pau (Jimmy della collina), Pippo Mezzapesa (Il paese delle spose infelici). Ha scritto e diretto il documentario Melkam Zena - Buone notizie (prodotto nel 2012 da Action Aid), e il videoclip del singolo di Francesco Tricarico Le conseguenze dell’ingenuità. reCuiem è il suo primo cortometraggio. Valentina Carnelutti is an actress and screenwriter. She has worked with film directors the likes of Marco Tullio Giordana (The Best of Youth), Theo Angelopoulos (The Dust of Time), Paolo Virzì (A Whole Life Ahead), Citto Maselli (Le ombre rosse), Angelo Orlando (Sfiorarsi, for which she also wrote the screenplay), Enrico Pau (Jimmy on the Hill), Pippo Mezzapesa (Il paese delle spose infelici). She wrote and directed the documentary film Melkam Zena Buone notizie (produced by Action Aid in 2012), and the music video of the Francesco Tricarico’s single Le conseguenze dell’ingenuità. reCuiem is her first short film. filmografia/filmography Melkam Zena - Buone notizie (doc., 2012), reCuiem (cm, 2013). francesca cogni SUI BORDI CONTENTS DOVE FINISCE IL MARE Italia-Francia/Italy-France, 2013, Super8-HD, 39’, col. regia, sceneggiatura, fotografia, montaggio/ director, screenplay, cinematography, film editing Francesca Cogni musica, suono/ music, sound Donatello De Mattia produzione/production Ginger TooA, Shurúq Film, Film Flamme S.A.C.R.E., Home Movies - Archivio Nazionale del Film di Famiglia ** contatti/contacts Francesca Cogni [email protected] Francesca Cogni (Italia), videomaker e disegnatrice, lavora con il disegno, il video e l’animazione. Nel 2008 ha fondato con Donatello De Mattia la casa di produzione TooA, rivolta a progetti artistici e culturali che abbiano stretta relazione con il territorio: film, ricerche fotografiche, mappe, bandiere, opere grafiche, giochi di società e installazioni, laboratori, festival, incontri e mostre. SUI BORDI - DOVE FINISCE IL MARE Un viaggio in mare carico di aspettative che, quando raggiunge la terraferma, si scontra con la sua durezza. La Fortezza Europa chiude le sue porte, svela la rigidezza e l’assurdità di leggi e istituzioni. L’attesa perenne, la violenza contro le frontiere fisiche e psicologiche. Un film in Super8, video e disegni animati per raccontare ancora una volta le migrazioni del Mediterraneo, provando a restituire immagini e corpo a ciò che scivola distrattamente nella cronaca. «Questo film è mosso da una forte intenzione politica, che prova a ricercare una traduzione visiva in grado di porre delle domande, che chiede allo spettatore di trovare una propria strada tra le immagini. Non è stato facile trovare una forma: l’urgenza del discorso si scontrava con la volontà di non prendere la parola al posto degli altri, di cercare un modo di raccontare che fosse esplicitamente personale, una riflessione che non volesse imporre, sottrarre, utilizzare le storie di altri perpetrando una visione (mediaticamente) subalterna dell’alterità. Si trattava di capire dove mi collocassi io, all’interno di questa urgenza». ON THE EDGES - WHERE THE SEA ENDS [L.T.] A long voyage by sea full of expectations shattered upon arriving to dry land. The Fortress Europe closes its doors, revealing the hardness and the absurdity of its laws and its institutions. The perpetual wait, the violence against physical and psychological borders. This Super8 film uses video footage and animation to portray once more the migrations of the Mediterranean Sea, trying to restore body and images to what we distractedly read in newspapers. “This movie stems from a strong political motivation that tries to seize a visual translation capable of posing questions, asking viewers to find their own way through the images. Finding a form wasn’t easy: the urgency of the issue at hand would clash with my intention of not speaking in other people’s place, trying to tell the story in a way that was explicitly personal; a reflection that wouldn’t impose, detract, or use other people’s stories to perpetuate a vision (in the media) dependent on the concept of otherness. It was a matter of understanding where I stood within this urgency.” 121 I TA L I A N A . C O R T I Francesca Cogni (Italy) is a videomaker and illustrator who works with drawings, videos, and animations. She founded the production company TooA with Donatello De Mattia in 2008, promoting artistic and cultural projects rooted in the territory: films, photographic researches, maps, flags, graphic works, board games, installations, workshops, festivals, encounters and exhibitions. filmografia essenziale/ essential filmography Take Me, I’m Yours (cm, 2003), 7712632 (coregia/codirector Simona Bonini, cm, 2003), Fluxus (cm, 2003), Il giardino (cm, 2004), Oggetti migratori (cm, 2005), Odissee nella Laguna (cm, 2005), Mwanza casa mia (coregia/codirector Simona Bonini, cm, 2008), 42 - Storie da un edificio mondo (coregia/codirector Donatello De Mattia, cm, 2009), Pasta madre (cm, 2011), La nostra casa (coregia/codirector Donatello De Mattia, cm, 2012), Sui bordi Dove finisce il mare (cm, doc., 2013). antonio prata TERRADENTRO CONTENTS Italia-Svizzera/Italy-Switzerland, 2013, HD, 31’, col. regia, soggetto/ director, story Antonio Prata sceneggiatura/screenplay Antonio Prata, Marco Colli fotografia/cinematography Davide Pangrazio, Antonio Prata montaggio/film editing Mauro Ruvolo, Davide Pangrazio suono/sound Claudio Montesano Casillas interpreti e personaggi/ cast and characters Antonio Prata (narratore/narrator), Paolo Gasparini, Danila Stalteri, Teresa Del Vecchio (voci/voices) produttori/producers Enzo Porcelli, Silvana Bezzola Rigolini produzione/production Aura Film, ACHAB Film, RSI Radiotelevisione Svizzera ** contatti/contacts Aura Film Enzo Porcelli Tel: +41 794 636 973 [email protected] TERRADENTRO La ricerca di un luogo in cui mettere radici: l’Abruzzo, terra d’origine, sconvolto da un violento terremoto che ha cancellato i ricordi e sradicato un’identità ora illusoria; oppure la Svizzera, stravolta da una distruzione – ricostruzione programmata –, che cancella anche le tracce del passato e sembra indolore, nell’apparente indifferenza delle persone. «La nostalgia è un sentimento che a volte pesa; spesso però ci dà la forza per andare avanti. Quando ho letto, per utilizzarle nel film, le lettere che i miei genitori si scrivevano negli anni Sessanta, ho capito che la lontananza del luogo d’origine è per noi “senso di vita”, ci permette di immaginare un posto dove vorremmo vivere ma non ci fa mai piantare radici. Qual è il nostro posto, la nostra vera casa? Viviamo in uno smarrimento perenne, tra due mondi che non ci appartengono. A noi non è concesso di “restare”. Noi continueremo ad arrivare e poi a ripartire». EARTHINSIDE [L.T.] The search for a place where to put down roots. Abruzzo, the homeland, wreaked by a violent earthquake that erased all memories, uprooting an identity that now seems like an illusion. Or Switzerland, devastated by another kind of destruction (programmed reconstruction), which erases the traces of the past and seems painless in the face of people’s apparent indifference. “Homesickness is a feeling that is sometimes hard to bear, but which also gives us the strength to go forward. I used the letters my parents wrote each other over the 1960s to make the movie; as I was reading them, I understood that for us being away from our hometown gives meaning to our life, allowing us to imagine a place where we would like to live, but which also prevents us from settling down. What’s our place? Where is our real home? We live in constant bewilderment between two worlds that don’t belong to us. We aren’t allowed to stay. We will continue arriving and then leaving again and again.” 122 I TA L I A N A . C O R T I Antonio Prata (Zurigo, Svizzera, 1972) ha studiato in Italia fino al 1989, per poi trasferirsi a Zurigo, dove ha vissuto fino al 1995, anno in cui si è definitivamente trasferito nel Canton Ticino. Qui ha frequentato il Conservatorio di scienze audiovisive Pio Bordoni di Lugano. Si è diplomato come cineasta nel 2007 con Il resto di una storia, menzione speciale al 25° Torino Film Festival, miglior cortometraggio a DocLisboa nel 2008 e vincitore del premio First Steps a Visions du réel. Ha poi approfondito gli studi nel campo del documentario e nell’utilizzo di materiali di repertorio e diretto L’inverno è più lungo, mediometraggio girato all’interno di una comunità di recupero per tossicodipendenti. Antonio Prata (Zurich, Switzerland, 1972) studied in Italy until 1989; he then moved to Zurich, where he lived until 1995, when he moved to Canton Ticino for good. He studied at the Conservatorio di scienze audiovisive Pio Bordoni in Lugano. He climbed to the ranks of filmmaker in 2007 with Il resto di una storia, which got a special mention at the 25 Torino Film Festival and won the award for best short film at DocLisboa in 2008 and the First Steps Award at Visions du réel Documentary Film Festival. He then continued his studies in the field of documentary filmmaking and in the use of archive footage, making L’inverno è più lungo, a medium-lenght film shot inside a drug rehabilitation center. TH filmografia/filmography Il resto di una storia (cm, doc., 2007), L’inverno è più lungo (mm, doc., 2012), Terradentro (cm, doc., 2013). lorenzo cioffi IL VIAGGIO DI ETTORE CONTENTS Italia/Italy, 2013, Super8-HD, 25’, col. Lorenzo Cioffi (Napoli, Italia, 1979) lavora come documentarista dal 2006 e nel corso degli anni si è cimentato soprattutto con il documentario “di creazione”, reportage per la televisione e documentari divulgativi. Tra i suoi lavori, Napoli 24, progetto che ha coinvolto ventiquattro registi napoletani ed è stato presentato al 28° Torino Film Festival. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Lorenzo Cioffi fotografia/cinematography Corrado Costetti montaggio/film editing Chiara Ronchini suono/sound Francesco Amodeo interprete/cast Ettore Pugliaro realizzato con il contributo di/ realized with the contribution of Cinecittà Luce, Assessorato alla Cultura del Comune di Napoli ** contatti/contacts Cinecitta Luce Alessio Massatani [email protected] www.cinecittaluce.it IL VIAGGIO DI ETTORE Il genovese Ettore Pugliaro è stato per vent’anni operaio all’Italsider di Bagnoli. A Napoli sono nati i suoi figli, e lì è rimasto finché la fabbrica è stata attiva. Dopo molto tempo vi fa ritorno: appena sceso dal treno si mette in cammino verso Bagnoli, attraversando la città da est a ovest. L’Italsider non c’è più, e con essa quasi tutta la Napoli industriale che conosceva, di cui ha fieramente fatto parte e che per decenni ha costituito l’anima moderna della città. «Nella seconda metà del Novecento, Napoli è stata una città industriale. Questo fatto è stato rimosso, come se la sua anima millenaria non ammettesse altro. Nell’ultimo decennio, la Napoli del degrado della periferia si è imposta nella narrazione dominante, ma la sua anima operaia ha rappresentato il meglio della coscienza civile della città. Nel ripercorrere la storia di “Napoli com’era” il film vuole mettere in luce come, con la chiusura dell’industria, sia venuta meno questa componente fondamentale, non per i posti di lavoro in quanto tali, ma per “la capacità di”, per “la possibilità di”». ETTORE’S JOURNEY [L.T.] Ettore Pugliaro is a man from Genoa who worked for twenty years at the Italsider factory in Bagnoli. His children were born in Naples, and that’s where he stayed for as long as the plant was open. He returns there many years later: he gets off the train and walks to Bagnoli, crossing the town from east to west. But Italsider is gone, and with it so is most of Naples’ industrial side: the one he once knew, which he was proud to be a part of, and which represented the city’s modern soul for many decades. “During the second half of the 20 century, Naples was an industrial city. But this fact was removed, as if its thousand-year-old soul couldn’t bear anything more. Over the last ten years, the version of Naples characterized by the degradation of its suburbs has asserted itself in the mainstream media; but it was its working class soul that represented the very best of the city’s civil consciousness. The film traces the story of ‘Naples as it once was,’ highlighting how the factory’s closing meant loosing this fundamental component: not just in terms of jobs, but also its ‘capability to’ and ‘possibility of.’” TH 123 I TA L I A N A . C O R T I Lorenzo Cioffi (Naples, Italy, 1979) has worked as a documentary filmmaker since 2006. Over the years, he has dabbled especially with “documentaries of creation,” investigative TV reports, and educational documentaries. Napoli 24, one of his projects involving twenty-four film directors from Naples, was presented at the 28 Torino Film Festival. TH filmografia/filmography Pugni (doc., 2008), In viaggio sull’Urania (doc., 2009), L’ultima chance (doc., 2010), Napoli 24 (coregia/codirectors aa.vv., 2010), Passeurs de rêves (doc., 2012), Il viaggio di Ettore (cm, doc., 2013). salvatore mereu LA VITA ADESSO CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 17’, col. regia/director Salvatore Mereu soggetto/story Martina Manca sceneggiatura/screenplay Martina Manca, Salvatore Mereu fotografia/cinematography Francesco Nonnoi montaggio/film editing Andrea Lotta scenografia/ production design Gabriel Lasio costumi/costume design Cristina Cuboni interpreti/cast Laurent Gagné, Gianfranco Cudrano, Andreana G. Raffaellu produttore/producer Antioco Floris produzione/production Celcam, Viacolvento ** contatti/contacts Viacolvento Salvatore Mereu Tel: +39 078 439 007 [email protected] LA VITA ADESSO Luca ha dieci anni e vive solo con il padre. I due sono legati da un intenso rapporto, ma c’è qualcosa che rende la vita di Luca diversa da quella di tutti gli altri bambini della sua età: suo padre è malato di Alzheimer. Dopo giornate trascorse fra momenti di forte tensione e affettuose complicità, i due sono costretti a separarsi per l’intervento dei servizi sociali. «La storia di Luca – ispirata a caldo a un episodio di vita vissuta dove il feroce progredire della malattia sta scambiando drammaticamente i ruoli e un ragazzino, per tenerlo disperatamente con sé, deve fare da padre a un padre nel frattempo diventato bambino – ci ha subito scaldato il cuore. Fino all’irresponsabilità. A spingerci, mancando noi di esperienza diretta, è stato più di tutto il gusto di provare a raccontare una storia, cercando, non senza pericolo, di restituire l’emozione provata nel sentirla la prima volta dalle parole di Martina Manca, colei che ce l’ha proposta. L’incontro con Laurent, il ragazzino che poteva renderla possibile, ha fatto il resto». LIFE NOW [L.T.] Luca is ten years old and lives alone with his father. The two share an intense relationship but there is something that makes Luca’s life different from that of the other children his age: his father has Alzheimer’s. After days of moments of great tension and affectionate complicity, the two are forced to part. “Luca’s story was inspired in the heat of the moment by an episode of lived life: the vicious progression of an illness and how it can dramatically make roles change; a kid, who has to parent his own father, who has turned into a child. The story was so heartwarming, verging on irresponsible. Since we lacked direct experience, what really pushed us was the pleasure of trying to tell a story, attempting (not without perils) to capture and convey our feelings when we first heard the story from Martina Manca. Meeting Laurent, the kid who could make it possible, did the rest.” 124 I TA L I A N A . C O R T I - FUORI CONCORSO OUT OF COMPETITION Salvatore Mereu (Dorgali, Nuoro, Italia, 1965), dopo gli studi al Dams e al Centro sperimentale di cinematografia di Roma, ha diretto alcuni cortometraggi e nel 2003 il primo lungometraggio, Ballo a tre passi, premiato alla Settimana internazionale della critica della 60° Mostra di Venezia e vincitore di un David di Donatello come miglior regista esordiente. Con il successivo Sonetàula (2008) ha partecipato alla sezione Panorama della Berlinale e vinto tre Globi d’oro, tra cui il Gran premio della stampa estera. Tajabone (2010), realizzato in seguito a un’esperienza scolastica con gli allievi di due scuole medie di Cagliari, è stato presentato alla 67ª Mostra di Venezia, così come Bellas mariposas, in concorso nella sezione Orizzonti nel 2012. Nel 2006 ha fondato la casa di produzione Viacolvento. Salvatore Mereu (Dorgali, Nuoro, Italy, 1965), after studying at DAMS and the Centro sperimentale di cinematografia in Rome, directed a number of shorts and, in 2003, his first feature film, Ballo a tre passi, which received an award at the International Critics Week at the 60 Venice Film Festival, as well as a David di Donatello for best new director. His next movie, Sonetàula, participated in the Panorama section of the 2008 Berlinale and won three Golden Globes, including the Foreign Press Grand Prize. Tajabone (2010), which he made after a teaching project with students of two middle schools in Cagliari, was presented at the 67 Venice Film Festival, as was Bellas mariposas, which competed in the Orizzonti section in 2012. He founded the production company Viacolvento in 2006. TH TH filmografia/filmography Prima della fucilazione (cm, 1997), Miguel (cm, 2000), Ballo a tre passi (2003), Il mare (cm, 2005), Sonetàula (2008), Tajabone (2010), Bellas mariposas (2012), Transumanza (cm, 2013), La vita adesso (cm, 2013). CONTENTS BIG BANG TV DAVID FINCHER HOUSE OF CARDS | SEAN DURKIN SOUTHCLIFFE | JANE CAMPION, GARTH DAVIS TOP OF THE LAKE Big Bang TV CONTENTS DI FEDERICO GIRONI Top of the Lake (2013) di Jane Campion, Garth Davis Jane Campion, Holly Hunter, Peter Mullan, David Fincher, Kevin Spacey, Robin Wright, Sean Durkin, Eddie Marsan. Fino a qualche anno fa, un simile elenco di nomi poteva solo essere associato al mondo del cinema tradizionalmente inteso; oggi è la lista delle personalità che animano la prima edizione di Big Bang Tv, neonata sezione con la quale il Torino Film Festival ufficializza il suo attento e non recente interesse per quello che accade nel mondo delle serie televisive. La tv non è soltanto «la nuova letteratura», come titolava in settembre «IL», supplemento mensile del «Sole 24 Ore», ma un nuovo modo di intendere il cinema e la narrazione audiovisiva. È il luogo dove gli spazi di messa in onda e la struttura seriale si sono fatti catalizzatori capaci di esaltare la libertà artistica e creativa, permettendo agli autori di andare fuori formato rispetto ai canoni tradizionali, di osare tematicamente e stilisticamente come certo cinema hollywoodiano non può e non vuole più fare. Non stupisce quindi che, nelle recenti stagioni, donne e uomini di cinema abbiano deciso di approfittare di questa libertà cimentandosi in prodotti televisivi che, proprio grazie al loro contributo, hanno ulteriormente arricchito un linguaggio, uno stile e una modalità di narrazione sempre più trasversali tra piccolo e grande schermo. Le serie selezionate dal Festival sono esempio di questo dinamismo linguistico capace di elevatissimi risultati artistici. 126 BIG BANG TV Dopo la pionieristica esperienza del 1990 con Un angelo alla mia tavola, Jane Campion torna in tv con una miniserie in sei puntate acclamata internazionalmente. Top of the Lake, girata e ambientata nelle conturbanti location della Nuova Zelanda, parte da uno spunto «giallo» (l’investigazione di un’agente di polizia sulla sparizione di una dodicenne incinta) per esplorare con stile magico e misterioso un mondo fatto di comuni neofemministe, famiglie criminali, violenze quotidiane, passati che riaffiorano, legami familiari complessi e commoventi. E la Campion trova in Elisabeth Moss (già nel cast di serie come The West Wing e Mad Men), Peter Mullan, Holly Hunter e David Wenham gli interpreti capaci di dare ulteriore spessore ai suoi personaggi sfumati e mitologici. Sono invece Kevin Spacey e Robin Wright i protagonisti della serie tv House of Cards – di cui il festival proietta il pilot –, tratta dai romanzi di Michael Dobbs, già adattati in precedenza dalla Bbc. Spacey e Wright sono gli Underwood, coppia ambiziosa e affamata di potere: lui è il leader del Partito democratico al Congresso degli Stati Uniti, impegnato in una complessa vendetta contro il neoeletto presidente che gli ha negato la nomina a segretario di Stato promessagli; lei una moglie che supporta e pungola il marito, ma non si nega di sfamare la propria bramosia. Prima produzione di Netflix, House of Cards esalta i suoi chiaroscuri morali, il suo cinismo e la sua epica shakespeariana grazie al talento di David Fincher, che della serie è produttore esecutivo e regista dei primi due episodi, premiato anche con un Emmy per questa sua prima esperienza televisiva. Alla prima esperienza in tv è anche il più giovane Sean Durkin, regista di quel La fuga di Martha presentato al Sundance, a Cannes e a Toronto. Durkin è volato dagli Stati Uniti all’Inghilterra per dirigere per Channel 4 una miniserie in quattro episodi scritta da Tony Grisoni, sceneggiatore di Terry Gilliam e della trilogia televisiva di Red Riding. Interpretata da Sean Harris, Rory Kinnear, Eddie Marsan e Kaya Scodelario, Southcliffe ricostruisce in maniera frammentata e non lineare la storia e le conseguenze di tre sparatorie in una piccola e immaginaria cittadina costiera del Kent, con uno stile asciutto, autunnale e raggelante nella sua analisi minuziosa di tragedie, dolori, colpe e redenzioni. Big Bang TV CONTENTS BY FEDERICO GIRONI Southcliffe (2013) di Sean Durkin Jane Campion, Holly Hunter, Peter Mullan, David Fincher, Kevin Spacey, Robin Wright, Sean Durkin, Eddie Marsan. Until a few years ago, a list of names such as this would have been associated only to the traditional world of cinema. Nowadays, however, this is the list of celebrities animating the first edition of Big Bang TV, the new section of the Torino Film Festival. The TFF’s watchful and not-so recent interest for what is going on in the world of TV series is finally made official with this brand new section. “IL,” the monthly supplement of the paper “Il Sole 24 Ore,” called television “the new form of literature.” But TV is more than that: it is a new way of understanding cinema and audiovisual storytelling. It is the place where broadcasting slots and serial structures have become catalyzing agents capable of exalting artistic and creative freedom. It has given writers the chance to go beyond traditional formats, to dare thematically and stylistically in a way that Hollywood movies no longer can nor want to. So it isn’t that surprising if women and men from the world of cinema have recently decided to seize the opportunity of this freedom, dabbling with the realm of TV. With their contribution, they have further enriched the language, style, and modernity of storytelling, becoming increasingly crosscutting between the small and the big screen. The TV series selected by the Festival are examples of how this linguistic vitality is capable of achieving very high-level artistic results. 127 BIG BANG TV After the pioneering experience of An Angel at My Table back in 1990, Jane Campion returns to television with an internationally acclaimed six-episode mini-series: Top of the Lake, filmed in New Zealand, where it also takes place. Starting from a detective story (a police officer investigating the disappearance of a pregnant twelve-year old), this drama series explores in a magical and mysterious way a world made of common neo-feminists, criminal clans, daily violence, resurfacing pasts, complicated and moving family bonds. Jane Campion finds in Elisabeth Moss (from the shows The West Wing and Mad Men), Peter Mullan, Holly Hunter, and David Wenham actors capable of giving further depth to her nuanced and mythological characters. Kevin Spacey and Robin Wright are instead the protagonists of the TV series House of Cards, based on the novels by Michael Dobbs, which were previously adapted by the BBC. Spacey and Wright are the Underwoods, an ambitious and power hungry couple. He is the leader of the Democratic Party in the U.S. Congress, seeking an intricate revenge against the newly elected President for not appointing him Secretary of State as promised. She is his supporting and conniving wife who follows her own desires. House of Cards is the first mini-series produced by Netflix and the Festival will screen the pilot. The drama’s moral ambiguity, its cynicism, and its Shakespearian undertones are enriched by the talent of David Fincher, executive producer as wells director of the first two episodes, who also received an Emmy for his first television experience. The young Sean Durkin also made his TV debut. After directing the film Martha Marcy May Marlene (which was screened at Sundance, Cannes, and Toronto), Durkin flew from the United States to the UK to direct Southcliffe for Channel 4, a four-episode mini-series written by Tony Grisoni (screenwriter for several of Terry Gilliam’s films and for the three-part TV movie Red Riding). With a cast comprising Sean Harris, Rory Kinnear, Eddie Marsan, and Kaya Scodelario, Southcliffe portrays the story and consequences of three shootings in a fictional small coastal town in Kent; Durkin employs a fragmented and nonlinear structure to tell the story, a dry style, and a somber and chillingly detailed analysis of tragedies, sufferings, faults and redemptions. david fincher HOUSE OF CARDS CONTENTS Usa, 2013, HD, 109’, col. regia/director David Fincher soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Michael Dobbs e dalla omonima serie tv/ and from the tv series of the same title sceneggiatura/screenplay Beau Willimont fotografia/cinematography Eigil Bryld montaggio/film editing Bryon Smith costumi/costume design Johanna Argan musica/music Jeff Beal interpreti e personaggi/ cast and characters Kevin Spacey (Francis Underwood), Robin Wright (Claire Underwood), Kate Mara (Zoe Barnes), Corey Stoll (Peter Russo), Michael Kelly (Doug Stamper), Sakina Jaffrey (Linda Vazquez), Kristen Connolly (Christina Gallagher), Constance Zimmer (Janine Skorsky) produttore/producer Karyn McCarthy produzione/production Media Rights Capital ** contatti/contacts Sky Italia Francesca De Michele [email protected] HOUSE OF CARDS Francis Underwood è il capo dei democratici al Congresso degli Stati Uniti. Abile calcolatore, nonostante i modi sornioni, si destreggia con successo tra politici corrotti e facilmente corruttibili, lobbisti e giornalisti senza scrupoli. Nei suoi vent’anni di carriera ha saputo ottenere per gli uomini a lui legati le cariche più importanti: il suo obiettivo è la segreteria di Stato. Al suo fianco, nella vita così come nel tessere trame, la moglie Claire, che ama «più di quanto uno squalo ami il sangue». La prima serie tv prodotta dal servizio di streaming Netflix, di cui viene presentato il pilot. «Il concetto che sta dietro a ogni tipo di burocrazia è il sostentamento della burocrazia stessa, la sua perpetuazione. Qualsiasi gruppo di homo sapiens, unito sotto lo stesso ideale, crede che la salvaguardia di quest’ultimo, o la sua trasmissione, sia importante quanto l’ideale stesso. È una cosa che succede. Quello che mi interessava di Francis è il fatto che non fosse amorale (anche se in realtà lo considero tale), ma, piuttosto, apolitico. Il suo scopo è quello di acquisire terreno per gente come lui». HOUSE OF CARDS Congressman Francis Underwood is the Leader of the Democratic Party in the United States House of Representatives. Cunning and scheming, he moves deftly among corrupted and easily corruptible politicians, journalists, and unscrupulous lobbyists. In his twenty years of career, he has managed to place the people connected to him in the most prestigious offices: his objective is becoming Secretary of State. His conniving wife Claire is by his side, a partner in life and in schemes, whom he loves “more than sharks love blood.” The pilot of the first TV series produced by the streaming company Netflix. “The governing idea behind any bureaucracy is the funding of that bureaucracy, the perpetuation of that bureaucracy. Any group of homo sapiens, if they’re united under an ideal, believe that their protection of that ideal, or the furthering of that ideal, is as important as the deal itself. It’ll just happen. What interested me was Francis is… Francis is not amoral – actually, I guess he is amoral – but he’s apolitical. He’s in it for the ground-acquisition of people like himself.” 128 BIG BANG TV David Fincher (Denver, Colorado, Usa, 1962) inizia a lavorare come esperto di effetti speciali per la Industrial Light & Magic di Lucas e come regista di spot e videoclip. Nel 1992 esordisce con Alien3 e trova la consacrazione con il successivo Seven (1995), al quale seguono, tra gli altri, il controverso Fight Club (1999) e Zodiac (2007), che partecipa in concorso a Cannes. Candidato all’Oscar per Il curioso caso di Benjamin Button (2008), ottiene diverse candidature anche con The Social Network (2010), che vince un Golden Globe e regala ad Aaron Sorkin un Oscar per la sceneggiatura. Con House of Cards ha invece vinto un Emmy Award per la regia. David Fincher (Denver, CO, USA, 1962) started as a special effects expert for George Lucas’s company Industrial Light & Magic, and as a director for commercials and music videos. He directed his first feature, Alien3 in 1992, and received acclamation for his subsequent film, Seven (1995). This was followed by many other movies including the controversial Fight Club (1999) and Zodiac (2007), which was in competition at Cannes. He received an Oscar nomination for The Curious Case of Benjamin Button (2008), and several more nominations for The Social Network (2010), which won a Golden Globe and earned Aaron Sorkin an Academy Award for best original screenplay. House of Cards won an Emmy Award for outstanding directing. filmografia/filmography The Beat of the Live Drum (doc., 1985), Alien3 (id., 1992), Seven (id., 1995), The Game (The Game - Nessuna regola, 1997), Fight Club (id., 1999), Panic Room (id., 2002), Zodiac (id., 2007), The Curious Case of Benjamin Button (Il curioso caso di Benjamin Button, 2008), The Social Network (id., 2010), The Girl with the Dragon Tattoo (Millennium - Uomini che odiano le donne, 2011), House of Cards (id., ep., tv, 2013). sean durkin SOUTHCLIFFE CONTENTS Regno Unito/UK, 2013, HD, 188’ (4 x 47’), col. regia/director Sean Durkin sceneggiatura/screenplay Tony Grisoni fotografia/cinematography Mátyás Erdély montaggio/film editing Victoria Boydell, Daniel Greenway scenografia/ production design Tom Bowyer costumi/costume design Suzanne Cave interpreti e personaggi/ cast and characters Rory Kinnear (David Whitehead), Sean Harris (Stephen Morton), Shirley Henderson (Claire Salter), Anatol Yusef (Paul Gould), Eddie Marsan (Andrew Salter), Kaya Scodelario (Anna Salter), Al Weaver (Anthony), Amanda Drew (Jacqui Whitehead), Joe Dempsie (Chris Cooper) produttori/producers Peter Carlton, Derrin Schlesinger produzione/production Warp Films coproduzione/coproduction Borderline Films ** contatti/contacts BBC Worldwide Francesca Doria Tel: +44 020 843 313 02 [email protected] www.bbcworldwide.com EPISODI/EPISODES Hollow Shore Light Falls Sorrow’s Child All Souls 129 SOUTHCLIFFE Un anno dopo che la cittadina inglese di Southcliffe è stata al centro di un’improvvisa e sanguinosa catena di omicidi, il giornalista David Whitehead, che aveva indagato sul caso, riceve un messaggio in cui si preannuncia che altro sangue tornerà a scorrere. Peccato che Stephen Morton, il killer che sconvolse Southcliffe, si sia suicidato. Che si tratti di uno scherzo di cattivo gusto? O forse delle minacce di un fanatico mitomane? L’unica soluzione per David è tornare sul luogo dei misfatti per fare chiarezza, per lui una scelta difficile, visto che nel piccolo centro ha passato la sua dolorosa infanzia. «Quando ho letto la sceneggiatura ho capito che, anche senza la catena di omicidi, i personaggi erano così ricchi che si sarebbe potuto fare un film drammatico su di loro e sulle loro vite: questo per me è molto importante. Infatti, normalmente, a interessarmi non è la storia ma i personaggi, di cui, se ben strutturati, si possono raccontare le vite, l’unica cosa che m’importi. Mi sembrava che, su quelle pagine, li avrei potuti seguire anche se non fosse successo nulla». SOUTHCLIFFE The British town of Southcliffe finds itself at the center of a sudden and bloody killing spree. A year later, David Whitehead, a journalist who had covered the case, receives a message announcing that more blood will be shed. Too bad that the killer that had been terrifying Shouthcliffe, Stephen Morton, committed suicide. Could it be a bad practical joke? Or maybe the threat of a fanatic copycat? David’s only solution is to go back to where it all happened and shed some light: a difficult choice for him, since he spent his painful childhood in that small town. “I read the script and I just felt like even without the spree killing, there was enough in these characters that you could make a drama about them and their lives and for me that’s always the thing. For me, I’m not so interested in plot, I’m interested in character, and if the characters are rich, you follow their lives, and that’s what matters to me. It felt like, on the page, I could have followed the characters even if there was no event.” BIG BANG TV Sean Durkin (Canada, 1981) è cresciuto in Inghilterra. Successivamente si è trasferito negli Stati Uniti, dove ha studiato cinema presso la New York University, laureandosi nel 2005. L’anno successivo ha esordito nella regia con il cortometraggio Doris, a cui è seguito nel 2010 Mary Last Seen, selezionato alla Quinzaine des réalisateurs. Con il suo primo lungometraggio La fuga di Martha (2011) ha partecipato a Un certain regard di Cannes, e ha ottenuto numerosi riconoscimenti internazionali, tra cui il premio per la miglior regia al Sundance Film Festival. Attualmente sta lavorando a Janis, biografia della cantante Janis Joplin. Sean Durkin (Canada, 1981) grew up in the United Kingdom. He then moved to the United States, where he studied cinema at New York University, graduating in 2005. He made his first film, the short Doris, the next year, followed by Mary Last Seen in 2010, which was selected at Quinzaine des réalisateurs. His first feature film, Martha Marcy May Marlene (2011), participated at Cannes in the section Un certain regard and won many international awards, including best director at the Sundance Film Festival. He is currently working on Janis, a biography of the singer Janis Joplin. filmografia/filmography Doris (cm, 2006), Mary Last Seen (cm, 2010), Martha Marcy May Marlene (La fuga di Martha, 2011), Southcliffe (tv, 2013). jane campion, garth davis TOP OF THE LAKE CONTENTS Australia-Nuova Zelanda/Australia-New Zealand, 2013, HDcam, 360’ (6 x 60’), col. regia, sceneggiatura/ directors, screenplay Jane Campion, Garth Davis fotografia/cinematography Adam Arkapaw montaggio/film editing Alexandre De Franceschi, Scott Gray scenografia/ production design Fiona Crombie costumi/costume design Emily Seresin musica/music Mark Bradshaw interpreti e personaggi/ cast and characters Elisabeth Moss (Robin Griffin), David Wenham (Al Parker), Peter Mullan (Matt Mitcham), Thomas M. Wright (Johnno), Holly Hunter (GJ), Jay Ryan (Mark Mitcham), Kip Chapman (Luke Mitcham), Jacqueline Joe (Tui), Robyn Malcolm (Anita), Genevieve Lemon (Bunny), Georgi Kay (Melissa), Skye Wansey (Grishina), Alison Bruce (Anne-Marie), Sarah Valentine (Prue), Robyn Nevin (Jude), Calvin Tuteao (Turangi), Lucy Lawless (Caroline Platt), Darren Gilshenan (Bob Platt), Mirrah Foulkes (Simone), Luke Buchanan (Jamie), Jacek Koman (Wolfgang Zanic) produttore/producer Philippa Campbell produzione/production See-Saw Films, Escapade Pictures ** contatti/contacts Sky Italia Francesca De Michele [email protected] EPISODI/EPISODES Paradise Sold Searchers Search The Edge of the Universe A Rainbow Above Us The Dark Creator No Goodbye Thanks 130 Jane Campion (Nuova Zelanda, 1954) ha studiato pittura prima di iscriversi alla Australian Film Television and Radio School ed esordire con il cortometraggio An Exercise in Discipline - Peel, Palma d’oro a Cannes nel 1986. Lo stesso riconoscimento è poi andato sette anni dopo al lungometraggio Lezioni di piano, vincitore inoltre dell’Oscar per la migliore sceneggiatura. Tra i più celebri registi contemporanei, ha vinto il Leone d’argento e il premio speciale della giuria alla Mostra di Venezia per Un angelo alla mia tavola (1990). Garth Davis è un regista pubblicitario conosciuto per le collaborazioni con importanti marchi. Ha inoltre diretto il documentario P.I.N.S. (2000), il cortometraggio Alice (2003) e la serie tv Love My Way. TOP OF THE LAKE Dov’è finita Tui, dodicenne incinta reduce da un tentativo di suicidio? Un caso complicato per la detective Robin Griffin, da poco tornata dagli Stati Uniti nella nativa Nuova Zelanda. Per risolverlo dovrà spingersi nella sperduta cittadina di Laketop, dove domina incontrastato Matt, boss della malavita locale e padre di Tui, e sollevare il velo di omertà che ricopre gli inconfessabili segreti della piccola comunità, per trovarsi di fronte a inattesi frammenti del proprio passato, a lungo rimasti nascosti. Miniserie prodotta dalla Bbc Worldwide (e trasmessa in una versione da sette puntate da 47’ l’una), che segna il debutto di Jane Campion nel campo della produzione televisiva. «Ai miei occhi è molto interessante il concetto di “paradiso”. […] Un sacco di persone si sono trasferite nella regione in cui ho scelto di girare il film nella speranza di trovare la felicità, ma è impossibile trovare il paradiso, non sulla terra, perché la mente umana è in grado di scivolare nella follia in ogni luogo. Più ci si avvicina a un qualsiasi ideale, maggiore sarà la sofferenza derivata dal suo fallimento». (Jane Campion) TOP OF THE LAKE Jane Campion (New Zealand, 1954) studied painting before enrolling at the Australian Film Television and Rasio School. She made her debut with the short film An Exercise in Discipline Peel, Palme d’Or at Cannes in 1986. She won the award again seven years later with The Piano, which also received an Oscar for best original screenplay. One of the most renown contemporary filmmakers, she had already won a Silver Lion and the Special Jury Prize at the Venice Film Festival for An Angel at My Table (1990). Garth Davis is a commercial director know for his work for important brands. He also directed the documentary P.I.N.S. (2000), the short film Alice (2003), and the TV series Love My Way (2006). Where did Tui, the pregnant twelve-year old that survived an attempted suicide, go? It is a difficult case for detective Robin Griffin, who recently got back to the United States from her native New Zealand. To solve it she will have to venture into the remote town of Laketop, where Matt (Tui’s father and local mobster boss) reigns undisputed. She will break the code of silence, revealing the unmentionable secrets of the small community, but she will also have to confront unexpected and long-forgotten fragments from her path. This TV miniseries produced by BBC (aired in seven 50-minute episodes) marks Jane Champion’s television production debut. filmografia/filmography Jane Campion: An Exercise in Discipline - Peel (cm, 1986), Sweetie (id., 1989), An Angel at My Table (Un angelo alla mia tavola, 1990), The Piano (Lezioni di piano, 1993), The Portrait of a Lady (Ritratto di signora, 1996), Holy Smoke (Holy Smoke - Fuoco sacro, 1999), In the Cut (id., 2003), Bright Star (id., 2010). “I’m really interested in concepts like paradise. […] A lot of people move to this area in the hope of making themselves happy but of course there is no such thing as paradise, not on earth – our minds drive us crazy wherever we are. The closer you get to the so-called ideal, the more painful it is because it doesn’t work.” (Jane Campion) Garth Davis: P.I.N.S. (doc., 2000), Alice (cm, 2003), Love My Way (tv, 2006). BIG BANG TV Jane Campion, Garth Davis: Top of the Lake (tv, 2013). CONTENTS O N D E / W AV E S | CHRISTOPH GIRARDET, MATTHIAS MÜLLER CUT | TODD CHANDLER | ALBERT SERRA HISTÒRIA DE LA MEVA MORT | TONINO DE BERNARDI HOTEL DE L’UNIVERS | MELISSA DULLIUS, GUSTAVO JAHN IN THE TRAVELER’S HEART | GIUSEPPE BOCCASSINI LEZUO | MICHALIS KONSTANTATOS LUTON | DANIELLE LESSOVITZ NEON HEARTACHE | LEONARDO BRZEZICKI NOCHE | MANUEL ALEJANDRO SALAS PISA | ATSUSHI SHINOHARA SCENERIES OF NEW BEGINNINGS | TITO MOLINA SILENCIO EN LA TIERRA DE LOS SUEÑOS | STEFAN IVANCIC SOLES DE PRIMAVERA | ARAN HUGHES, CHRISTINA KOUTSOSPYROU STO LYKO | RAYA MARTIN, MARK PERANSON LA ÚLTIMA PELÍCULA THERESA SCHWARTZMAN ALLIGATOR TEARS FLOOD TIDE O N D E P O R T O G H E S I / P O R T O G U E S E W AV E S | JORGE QUINTELA CAROSELLO | JOÃO PEDRO RODRIGUES, | TELMO CHURRO REI INÚTIL JOÃO MANSO, MIGUEL MANSO BIBLIOGRAFIA JOÃO RUI GUERRA DA MATA MAHJONG YU LIKWAI YU LIKWAI NEON GODDESSES OF LOVE | DANGKOU | TIN SEUNG YAN GAAN | MINGRI TIANYA | DANCE WITH ME TO THE END Alla fine (o all’inizio) del mondo CONTENTS DI MASSIMO CAUSO, ROBERTO MANASSERO Flood Tide (2013) di Todd Chandler Derive, attraversamenti, percorsi, viaggi: a riguardarli tutti insieme, pronti a confrontarsi sulla scena del Torino Film Festival, i film di Onde compongono una mappa fluida di istanze di ricerca nella crisi della realtà. Non c’è praticamente un solo autore che non abbia sospinto il suo film in direzione di un altrove dal quale far scaturire il senso del presente. Non sembri però voluto, tale percorso: come ogni viaggio, anche quello che presiede al lavoro di selezione segue dinamiche tanto consapevoli quanto imprevedibili. E tanto meno sembri involuto: come ogni anno, quello di Onde è in realtà un appuntamento con il cinema che si libera nella ricerca di forme, identità, narrazioni, espressioni, attimi fugaci che si protraggono per la durata (lunga, corta, infinita…) di un film. Che sembri però determinato e preciso – il percorso – quello sì: perché, nella logica sfuggente di ogni singola parola, la frase che andiamo a comporre con i venticinque titoli che, tra selezione e omaggi, fanno il programma di Onde, ha un senso ben compiuto. Un senso in cui si dice tutto lo stridore del presente, il suo odore acre, il dolore un po’ rabbioso e un po’ impotente, il senso di perdita che spinge alla deriva per ritrovarsi, e anche la curiosità della ricerca di nuovi approdi tradita dalla mancanza di senso. È tutto un assistere stanco e divertito alla concava seduzione 132 ONDE/ W AV E S dell’ombra sulla luce, dell’oscurità sui lumi (la barra la tiene l’Albert Serra di Història de la meva mort, ma c’è anche lo sciamanico furore di Pisa di Manuel Alejandro Salas, per non dire di come in Cut Müller e Girardet incidano finalmente la carne e non più soltanto il corpo della pellicola). È un curioso sospingersi sulle tracce precise di viaggi alla fine o all’inizio del mondo e del cinema (La última película di Martin e Peranson, così come gli esoterici Dullius e Janh di In the Traveler’s Heart e il visionario emigrare di Lezuo di Boccassini). Escursioni al termine di esistenze terrene, in cui la felicità è così concreta che intravede improvviso il suo limite (Sceneries of New Beginnings di Atsushi Shinohara), o il tempo è così assoluto da non scorgere la sua solitudine (Silencio en la tierra de los sueños di Tito Molina). È un vano e continuo tentativo di risorgere dal grande freddo di un mondo ideale che perde la presa sulle esistenze (Soles de primavera di Ivancic), un simbolico ripartire dalla fine di chi ha mollato la presa sulla realtà (la statica dispersione di Noche di Leonardo Brzezicki e la traversata fluviale in Flood Tide di Todd Chandler). È la necessaria deriva che sfocia nel naufragio di due fratelli sulle tracce di se stessi (un altro fiume, un’altra zattera, quella dei fratelli Manso in Bibliografia), ma sono anche le attese esistenziali in fuga dal presente di Carosello di Jorge Quintela, Rei Inútil di Telmo Churro e Mahjong del duo Rodrigues e Guerra da Mata, gli altri tre lavori che compongono l’omaggio di Onde al cinema portoghese nel suo anno più splendido (per vitalità espressiva) e difficile (per difficoltà economiche). In tutto questo, dal cinema greco si alzano gli opposti gridi sacrificali di una tragedia antica riscritta sui margini dei margini dell’Impero (To the Wolf di Hughes e Koutsospyrou) o nello scarto tra notte e giorno, in cui implode la recondita violenza (Luton di Michalis Konstantatos). Del resto non manca il gioco a rimpiattino con la sostanza profonda dei sentimenti: con gli amori necessari (madrefiglia in Alligator Tears della Schwartzman, fratello-sorella in Neon Heartache della Lessovitz) e con l’inesausta ricerca di vita del nostro Tonino De Bernardi (Hotel de l’Univers). Il tutto mentre il cinema di Yu Likwai, protagonista dell’omaggio di Onde 2013, guarda lucido dalla distanza di un’Asia immalinconita nel suo futuro felicemente distopico. To the end (or the beginning) of the world CONTENTS BY MASSIMO CAUSO, ROBERTO MANASSERO Història de la meva mort (2013) di Albert Serra Drifts, crossings, paths, journeys: seen altogether, poised to take each other’s measure on the stage of the Torino Film Festival, the films of Waves create a fluid map of instances of research into the crisis of reality. There is virtually not one author who has not nudged his film in the direction of an elsewhere, in order to catalyze the meaning of the present. And yet this path does not seem intentional: like every journey, the one governing the selection process, too, follows dynamics that are as cognizant as they are unpredictable. But nor does it seem accidental: as always, this year’s Waves is actually an appointment with the cinema that takes flight in its search for forms, identities, narrations, expressions, fleeting moments which protract themselves over the duration (long, short, infinite…) of a film. And yet, the path does, in fact, seem deliberate and precise: because, in the elusive logic of every individual word, there is a very clear meaning to the sentence we have composed with the twenty-five titles (between selections and tributes) that make up the program of Waves. A meaning which encompasses all the stridency of the present, its acrid odor, the pain that is part anger and part impotence, the feeling of loss that compels people to drift in order to find themselves once again, and also the curiosity to search out new havens – a curiosity that has been betrayed by a dearth of meaning. It is all a weary and amused spectating at the concave seduction of shadows 133 ONDE/ W AV E S over light, of obscurity over illumination (Albert Serra’s Història de la meva mort; the shamanic fury of Pisa by Manuel Alejandro Salas; not to mention how, in Cut, Müller and Girardet finally slice into flesh and not just the body of film). It is a curious push onward on the precise tracks of journeys to the end or to the beginning of the world and of cinema (La última película by Martin and Peranson, just like the exoteric Dullius and Janh of In the Traveler’s Heart and the visionary emigration of Lezuo by Boccassini). Excursions at the end of earthly existences, in which the joy is so concrete that it suddenly sees its own limits (Sceneries of New Beginnings by Atsushi Shinohara), or time is so absolute that it fails to discern its own solitude (Silencio en la tierra de los sueños by Tito Molina). It is a futile and continuous attempt to resurrect from the big chill of an ideal world that is losing its hold on lives (Soles de primavera by Ivancic), a symbolic starting over of those who have lost their grip on reality (the static dispersion of Noche by Leonardo Brzezicki, and the river crossing in Flood Tide by Todd Chandler). It is the necessary drift that flows into the shipwreck of two brothers in search of themselves (another river, another raft, that of the Manso brothers in Bibliografia), but also the existential expectations fleeing the present of Carosello by Jorge Quintela, Rei Inútil by Telmo Churro, and Mahjong by the duo Rodrigues and Guerra da Mata, the three movies that compose Wave’s tribute to Portuguese cinema in its most splendid (for expressive vitality) and difficult (for economic difficulties) year. In all this, Greek cinema offers the opposing sacrificial cries of an ancient tragedy rewritten in the margins of the margins of the Empire (To the Wolf by Hughes and Koutsospyrou) or in the lag between night and day, in which hidden violence implodes (Luton by Michalis Konstantatos). There is even a game of hide-and-seek with the profound substance of feelings within the requisite loves (mother-daughter in Alligator Tears by Schwartzman, brother-sister in Neon Heartache by Lessovitz) and with Tonino De Bernardi’s boundless investigation of life (Hotel de l’Univers). All this, while the cinema of Yu Likwai, to whom Waves pays tribute this year, looks lucidly on from the distance of an Asia rendered melancholy in its happily dystopian future. theresa schwartzman ALLIGATOR TEARS CONTENTS Usa, 2013, video, 23’, bn/bw-col. Theresa Schwartzman (Baltimora, Maryland, Usa, 1968) ha studiato regia alla Ucla a Los Angeles, dove lavora come ricercatrice per progetti cinematografici e televisivi. Alligator Tears è il suo primo film. regia, montaggio/ director, film editing Theresa Schwartzman fotografia/cinematography Juli Kang interpreti/cast Andrea Caro, Diana Caro, Francesca Caro, Angela Sostre, Regina Romiti, Jade Alexandra, Annie Blairs ** contatti/contacts Theresa Schwartzman [email protected] Theresa Schwartzman (Baltimore, MD, USA, 1968) studied directing at UCLA and currently lives in Los Angeles where she works as a researcher for film and television projects. Alligator Tears is her first movie. LACRIME DI COCCODRILLO [T.L.] Tre coppie di madri e figlie mettono in scena alcuni brani di un classico melodramma con Bette Davis, Perdutamente tua. Ma le battute vengono dimenticate, nessuno sembra avere il controllo del set. E quello che era cominciato come il tentativo di capire se film come Perdutamente tua hanno ancora oggi una rilevanza si trasforma in qualcosa di più personale e confuso. Dov’è Bette Davis quando davvero c’è bisogno di lei? «I coccodrilli hanno l’idea giusta. Mangiano i loro figli». ALLIGATOR TEARS Three pairs of mothers and daughters act out scenes from the classic Bette Davis melodrama Now, Voyager. Lines are forgotten, nobody seems to be in control of the set. What began as an attempt to see if films like Now, Voyager have any relevance today descends into something more personal, and more confusing. Where is Bette Davis when you really need her? “Alligators have the right idea. They eat their young.” 134 ONDE/ W AV E S filmografia/filmography Alligator Tears (cm, 2013). christoph girardet, matthias müller CUT CONTENTS Germania/Germany, 2013, 13’, video, bn/bw-col. Christoph Girardet (Langenhagen, Germania, 1966) ha studiato belle arti alla Scuola d’arte di Braunschweig. Dal 1989 realizza videoinstallazioni e dal 1999 collabora con Matthias Müller. I suoi lavori sono stati ospitati al Sigmund Freud Museum di Vienna e alla Sean Kelly Gallery di New York. Vive e lavora ad Hannover. Matthias Müller (Bielefeld, Germania, 1961) ha studiato arte e letteratura tedesca all’Università di Bielefeld. Ha insegnato all’Università Johann Wolfgang Goethe di Francoforte e dal 2003 è professore di cinema sperimentale alla Kunsthochschule für Medien di Colonia. In coppia con Girardet ha partecipato al Torino Film Festival negli anni 2002, 2003, 2008 e 2009. regia, montaggio, suono, produttori/directors, film editing, sound, producers Christoph Girardet, Matthias Müller contatti/contacts Matthias Müller [email protected] TAGLIO [T.L.] Lacerata, ridotta a brandelli, strappata, stracciata, squarciata, dilaniata. Infetta, bruciata, incancrenita, purulenta. È come appare la carne umana in novantacinque scene di altrettanti film e serie televisive: dal classico Narciso Nero (1947) di Emeric Pressburger e Michael Powell a un insospettabile, e attualissimo, Mad Men. «Il corpo come una ferita che non guarisce mai». CUT Lacerated, torn to pieces, shredded, slashed, mutilated. Infected, burned, gangrened, purulent. That is how human flesh appears in ninety-five shots from ninety-five movies and TV series: from Emeric Pressburger and Michael Powell’s classic drama Black Narcissus (1947) to an unexpected footage from the popular show Mad Men. “The body as a wound that never heals.” Christoph Girardet (Langenhagen, Germany, 1966) studied fine arts at the Braunschweig School of Art. He started producing video installations in 1989 and started his collaboration with Matthias Müller in 1999. He exhibited of his work at institutions such as the Sigmund Freud Museum in Vienna and the Sean Kelly Gallery in New York. He now lives and works in Hannover. Matthias Müller (Bielefeld, Germany, 1961) studied arts and German literature at the Bielefeld University. He has been a guest professor at the Johann Wolfgang Goethe University of Frankfurt. He has been teaching experimental film at the Academy of Media Arts in Cologne since 2003. He participated with Girardet at the Torino Film Festival in 2002, 2003, 2008, and 2009. filmografia/filmography Christoph Girardet: Schwertkampf (cm, 1991), Fieberrot (cm, 1993), Release (cm, 1997), Scratch (cm, 2001), Absence (cm, 2002), Nero (cm, 2006). Matthias Müller: Home Stories (cm, 1990), Sleepy Heaven (cm, 1993), Vacancy (cm, 1998), Phantom (cm, 2001), Album (cm, 2004). Christoph Girardet, Matthias Müller: Manual (cm, 2002), Beacon (cm, 2002), 10 - Uma Série de 4 Curta Metragens (2002), Play (cm, 2003), Mirror (cm, 2003), Kristall (cm, 2006), Contre-jour (cm, 2008), Maybe Siam (cm, 2009), Meteor (cm, 2013), Cut (cm, 2013). 135 ONDE/ W AV E S todd chandler FLOOD TIDE CONTENTS Usa, 2013, HD, 70’, col. regia, sceneggiatura, montaggio, produttore/ director, screenplay, film editing, producer Todd Chandler fotografia/cinematography Ava Berkofsky musica/music Dark Dark Dark suono/sound Jeremy Fleishman interpreti/cast Nona Marie Invie, Jonathan Kaiser, Marshall Lacount, Pauline Oliveros, Beth Ahlstrand, Peggy Gillespie, Jack Millard, John Cooley, Todd Chandler produzione/production New York State Council on the Arts (NYSCA), Experimental Television Center, free103pont9, EMPAC Rensselaer, Blackbird Media coproduttore/coproducer Ava Berkofsky ** contatti/contacts Todd Chandler [email protected] MAREA CRESCENTE [T.L.] Un gruppo di artisti e musicisti vive in un piccolo centro dal passato industriale, alla continua ricerca di lavoro per sopravvivere, utilizzando l’arte e la musica per costruirsi il proprio piccolo mondo. Alla morte della loro amica Maya organizzano un viaggio straordinario, senza sapere di essere accompagnati dal fantasma di lei. Mentre vanno alla deriva, superando lussuosi complessi edilizi, vuoti e di recente costruzione, esplorano castelli in rovina, e nuotano dentro cave iridescenti, Maya racconta una storia parallela su di un fiume, strano e tortuoso, che scorre in entrambi i versi. «Nel film risuonano le voci dei componenti del gruppo Dark Dark Dark, un coro di amici e di personaggi incontrati lungo la strada. Insieme creano una narrazione calma su temi quali la perdita e l’eventualità, il fiume e la città, il senso di comunità e l’isolamento, il magico e l’ordinario». FLOOD TIDE A group of artists and musicians living in a small, post-industrial town chase jobs, struggle with bills, and use art and music to build their own small worlds. When their friend Maya dies, they set out on an extraordinary voyage, unknowingly accompanied by her ghostly presence. While they drift past empty new condo developments, explore crumbling castles, and swim in iridescent quarries, Maya narrates a parallel story about a strange and meandering river that flows both ways. “The film rings with voices from members of the band Dark Dark Dark, a chorus of friends, and characters met along the river. Together they create a quiet narrative of loss and possibility, river and town, community and isolation, magic and mundane.” Todd Chandler è un filmmaker e musicista americano. I suoi film si estendono oltre lo schermo attraverso performance, installazioni ed eventi. Nel 2006 ha contribuito a creare la Miss Rockaway Armada, un progetto artistico collettivo di zattere di grosse dimensioni, dall’aspetto scultoreo, realizzate con rifiuti e fatte navigare lungo il Mississippi. Questa esperienza ha portato all’organizzazione di altri due progetti simili, tra cui il Swoon’s Swimming Cities of Switchback Sea, tenutosi nel 2008 a New York, lungo l’Hudson River. Proprio durante questo viaggio ha girato il suo primo lungometraggio, Flood Tide, un’opera di finzione che pone al centro le zattere degli artisti e il loro viaggio. Chandler, inoltre, è tra i fondatori dei Dark Dark Dark, band che si sta facendo conoscere all’interno della scena indie americana. Il gruppo compare nel film e ne ha composto la colonna sonora. Todd Chandler is an American filmmaker and musician. Live performance, installation, and site specific events are natural extensions of his films. In 2006 he helped create the The Miss Rockaway Armada, a collective art project that built and navigated large, sculptural junk rafts down the Mississippi River. The voyage led to two more raft projects, including the artist Swoon’s Swimming Cities of Switchback Sea, which took place on the New York’s Hudson River in 2008. It was on this journey that he shot his first feature film, Flood Tide, a work of fiction that uses the rafts and their journey as a centerpiece. Chandler was also a founding member of Dark Dark Dark, one of the emerging bands of the indie music scene in the United States. The band stars in the film and performs the original soundtrack. filmografia/filmography The Road Becomes What You Leave (doc., 2006), Let Them Believe (cm, 2011), Flood Tide (2013). 136 ONDE/ W AV E S albert serra HISTÒRIA DE LA MEVA MORT CONTENTS Spagna-Francia/Spain-France, 2013, HD, 148’, col. regia, sceneggiatura, montaggio/director, screenplay, film editing Albert Serra fotografia/cinematography Jimmy Gimferrer scenografia/ production design Mihnea Mihailescu, Sebastan Vogler musica/music Joe Robinson, Enric Juncà, Ferran Font, Marc Verdaguer suono/sound Joan Pons, Jordi Ribas interpreti/cast Vincenç Altaió, Clara Visa, Noelia Rodenas, Monte Triola, Eliseu Huertas, Lluís Serrat produttori/producers Thierry Lounas, Albert Serra, Montse Triola produzione/production Andergraun Films, Capricci Films coproduzione/coproduction Televisio de Catalunya ** contatti/contacts Capricci Films Julien Rejl [email protected] www.capricci.fr STORIA DELLA MIA MORTE [T.L.] Gli ultimi giorni di Casanova: lasciati i libertinaggi e l’atmosfera elegante del castello svizzero in cui ha vissuto a lungo, si ritrova, sperduto e straniato, a vagare tra i paesaggi poveri e tenebrosi dell’Europa settentrionale. A incombere su di lui, massimo esponente di un’era ormai tramontata, l’inquietante apparizione del conte Dracula, la cui misteriosa figura incarna la violenza e il fascino occulto e notturno dell’epoca che si sta aprendo. «Dato che non sono troppo interessato dalla figura di Dracula, ho pensato che probabilmente, combinandola con un linguaggio figurativo più vicino alla mia sensibilità, il film avrebbe assunto per me un maggiore significato. Così ho contaminato l’idea iniziale con Casanova, il cui universo mi è più familiare. Allora ho capito quanto potesse essere interessante realizzare un film sulla notte e sulla transizione dai lumi e dalla sensualità del diciottesimo secolo all’oscurità, alla violenza e alla sessualità del diciannovesimo e del Romanticismo». STORY OF MY DEATH Casanova’s last days: the debauchery and the elegant atmosphere of the Swiss chateau where he used to live are now behind him, as he finds himself lost and alienated, wandering through the sparse and eerie countryside of northern Europe. A disquieting presence is looming over this leading figure of a faded time: the apparition of Count Dracula, whose mysterious figure embodies the violence and the occult and nocturnal fascination of the era about to begin. “As I’m not really interested in the theme of Dracula, I decided that perhaps merged with imagery I was closer to, the film would make more sense to me. I decided to cross the initial idea with Casanova, whose universe I was far more familiar with. And I realised how interesting it could be to make a film about night, and the transition from the lightness and sensuality of the 18 century to the darkness, violence, and sexuality of the 19 century, of Romanticism.” TH TH 137 ONDE/ W AV E S Albert Serra (Banyoles, Spagna, 1975) ha studiato storia dell’arte e si è laureato in letteratura spagnola e letteratura comparata. Ha esordito con il cortometraggio Crespìa, the Film Not the Village (2003) e con il primo lungometraggio Honor de cavalleria (2006), revisione intellettuale e minimalista del Don Chisciotte, ha partecipato alla Quinzaine des réalisateurs di Cannes e vinto la 24ª edizione del Torino Film Festival, a cui ha partecipato una seconda volta nel 2008 con El cant dels ocells, nuova riflessione sui miti e le leggende della cultura occidentale, in questo caso il viaggio dei Re Magi. Con i successivi, sperimentali Els nome de Crist (2010) e El senior ha fet en mi meravelles (2011), presentati entrambi a Locarno, Serra si è avvicinato al mondo della videoarte, arrivando nella primavera del 2013 a ottenere una personale al Centre Pompidou di Parigi, in occasione della quale ha presentato il cortometraggio Cuba libre. Albert Serra (Banyoles, Spain, 1975) studied art history and graduated in Spanish literature and compared literature. He started off with the short film Crespìa, the Film Not the Village (2003); his first feature film was Quixotic/Honor de Cavalleria (2006), an intellectual and minimalist revision of Don Quixote, which participated to the Quinzaine des réalisateurs in Cannes and won the 24 edition of the Torino Film Festival. He also participated to the TFF in 2008 with Birdsong - El cant dels ocells, a reflection on the myths and legends of Western culture and, specifically, the journey of the Three Kings. His following movies, both presented in Locarno, were more experimental: Els nome de Crist (2010) and El senior ha fet en mi meravelles (2011); with them Serra got closer to the world of video art, earning a solo exhibition the Centre Pompidou in the spring of 2013, during which he presented the short Cuba Libre. TH filmografia/filmography Crespìa, the Film Not the Village (cm, 2003), Honor de cavalleria (2006), El cant dels ocells (2008), L’alto arrigo (cm, 2008), Bauca (cm, 2009), Lectura d’un poema (cm, 2009), El senior ha fet en mi meravelles (2011), Els nome de Crist (2011), Cuba libre (cm, 2013), Història de la meva mort (2013). tonino de bernardi HOTEL DE L’UNIVERS CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 110’, col. regia, sceneggiatura, fotografia, produttore/ director, screenplay, cinematography, producer Tonino De Bernardi montaggio/film editing Maicol Casale interpreti/cast Joana Preiss, Lou Castel, Joana Curvo, Enrica Brizi, Giulietta De Bernardi, Joel Brisse, Remy Heritier, Olivia Contini, Serge Nicolai, Fulvio Baglivi, Enrico Ghezzi produzione/production Lontane Province Film ** contatti/contacts Tonino De Bernardi [email protected] HOTEL DE L’UNIVERS «Perché l’hai uccisa?» ripete Lou a Philippe. Continua la vita-odissea di Joana, come una Moll Flanders dei nostri giorni, che si sposta in tempi e luoghi diversi, come stazioni di una via crucis personale, e sbalzi del presente. Da Parigi a Roma, fino a San Paolo. Il corpo ha perso ogni valore, se non quello economico. «Non c’è mai vera fine tra un mio film e il successivo. Hotel de l’Univers continua Casa dolce casa (2012), ma vuole essere anche diverso (altrimenti perché farlo?). È la trilogia ideale “degli uomini e delle donne cosiddette perdute” ovvero delle donne e degli uomini perduti. Prostituzione e corpo mercificato sono la cifra simbolica del mondo odierno, e richiamano Il capitale di Marx. È più che mai per me una ricerca, e non nel senso di cinema di ricerca, ma di cinema che interroga il nostro vivere. Prologo e cinque percorsi “Da casa verso”, più o meno percorsi d’iniziazione in canto e musica. Tutti nel film vanno e ognuno rivela qualcosa di diverso, mentre traccia la sua linea. Donne e uomini si contrappongono, idealmente vittima e carnefice». HOTEL DE L’UNIVERS “Why did you kill her?” Lou asks Philippe again. The life-odyssey of Joana, a modern-day Moll Flanders, continues as she moves through different times and places, like the stations of a personal via crucis, with occasional leaps into the present. From Paris to Rome and on to São Paulo. The body has lost every value, except the economic one. “There is never a real break between one of my films and the next one. Hotel de l’Univers continues Casa dolce casa (2012), but it is also different (otherwise, why make it?). It is the ideal trilogy ‘of so-called lost men and women,’ or rather, of women and of men who are lost. Prostitution and the commercialized body are the symbols of today’s world, and recall Marx’s Das Kapital. More than ever, it is an investigation for me, not in the sense of investigative cinema, but of cinema that questions our lifestyles. A prologue and five paths ‘from home toward,’ more or less paths of initiation in singing and music. Everyone in the movie is going somewhere and they all reveal something different, as they trace their path. Women and men oppose each other, ideally victims and executioners.” 138 ONDE/ W AV E S Tonino De Bernardi (Chivasso, Torino, Italia, 1937) ha esordito realizzando con il pittore Paolo Menzio Il mostro verde nel 1967 ed è stato autore underground fino ai primi anni Ottanta. Ha insegnato lettere alle scuole medie fino al 1992 e ha lavorato con tutti i tipi di supporto compreso il digitale. È stato alla Mostra di Venezia nel 1999, in concorso, con Appassionate e, nel 2007, a Orizzonti, con Médée Miracle. Con Pane/Piazza delle camelie ha partecipato ai festival di Rotterdam e Torino, dove ha anche presentato Butterfly - L’attesa. Con Ed è così. Circa. Più o meno ha invece preso parte al concorso Italiana.doc del 29° Torino Film Festival e l’anno successivo ha presentato Casa dolce casa. Tonino De Bernardi (Chivasso, Turin, Italy, 1937) debuted with Il mostro verde, which he made with the artist Paolo Menzio in 1967. He was an underground filmmaker until the early 1980s. He taught literature at a middle school until 1992. He has worked with every type of film and video, including digital. He has competed at Venice, in 1999 with Appassionate and in 2007 with Medea Miracle, in the Orizzonti section; in 2008 his film Pane/Piazza delle camelie participated at the film festivals of Rotterdam and Turin, at which he also presented Butterfly L’attesa. With Ed è così. Circa. Più o meno (2011) he was in the Italian documentary competition at the 29 Torino Film Festival; and the following year with Casa dolce casa. TH filmografia essenziale/ essential filmography Dei (1968-1969), Il quadrato (19711972), Il rapporto coniugal parentale (1973-1976), L’io e le aggregazioni (1977-1979), Donne (1980-1982), Piccoli orrori (1994), Fiori del destino (1997), Appassionate (1999), Rosatigre (2000), La strada nel bosco (2001), Farelavita (2001), Lei (2002), Le cinéma dans tous ses états (ep. Terra, cm, 2002), Serva e padrona (2003), Latitudini (2003), Marlene de Sousa (2004), Passato presente (2005), Accoltellati (Accoltellatori) (2006), Médée Miracle (2007), Pane/Piazza delle camelie (2008), Butterfly - L’attesa (2010), Ed è così. Circa. Più o meno (2011), Iolanda, tra bimba e corsara (2012), Casa dolce casa (2012), Hotel de l’Univers (2013). melissa dullius, gustavo jahn IN THE TRAVELER’S HEART CONTENTS Lituania-Germania-Brasile/Lithuania-Germany-Brazil, 2013, 16mm, 20’, col., muto/silent regia, sceneggiatura, fotografia, montaggio, interpreti/ directors, screenplay, cinematography, film editing, cast Melissa Dullius, Gustavo Jahn produzione/production Distruktur ** contatti/contacts Melissa Dullius, Gustavo Jahn Tel: +49 30 439 170 84 [email protected] www.distruktur.com NEL CUORE DEL VIAGGIATORE [T.L.] L’inverno avvolge ogni cosa mentre il Viaggiatore attraversa a piedi un paesaggio antico. In questo luogo c’è un’altra presenza, qualcuno di molto simile a lui. Il Viaggiatore riconoscerà questa figura che condivide il suo stesso spazio? È un angelo custode o un demone? «Il protagonista di In the Traveler’s Heart, il Viaggiatore, rappresenta un’immagine di autosufficienza e coraggio, ma al tempo stesso anche di grande ingenuità. Il Viaggiatore porta con sé tutto ciò di cui necessita, come fosse un ronin, un samurai senza un signore. D’altro canto si sente come perseguitato dalla solitudine e dalla natura selvaggia che lo circonda». IN THE TRAVELER’S HEART The winter reigns as the Traveler crosses by feet an ancient landscape. In this place there’s also another presence, someone who’s very similar to the Traveler. Does the Traveler realise this figure that cohabits the same space as him? Is the other a guardian angel or a devil? “The protagonist from In the Traveler’s Heart, the Traveler, represents an image of self-sufficiency and bravery, but at the same time of great ingenuousness. The Traveler carries with him everything he needs, like a ronin – a samurai without a master. On the other hand he is haunted by solitude and the wild nature.” 139 ONDE/ W AV E S Melissa Dullius e Gustavo Jahn sono due registi e artisti brasiliani che vivono a Berlino e operano sotto il nome Distruktur. Tra i film da loro realizzati, il cortometraggio Triangulum (2008), presentato al Forum Expanded della Berlinale e in seguito a Torino, e il mediometraggio Cat Effekt (2011), girato a Mosca e presentato con successo nei festival di tutto il mondo. In the Traveler’s Heart è stato realizzato in Lituania durante una residenza artistica presso la Nida Art Colony. Melissa Dullius and Gustavo Jahn are two Brazilian directors and artists who live in Berlin and work under the name Distruktur. One of their films, the short Triangulum (2008), was presented at the Forum Expanded at the Berlinale and later in Torino Film Festival. Their medium-length film Cat Effekt (2011) was shot in Moscow and was successfully presented at festivals throughout the world. In the Traveler’s Heart was made in Lithuania during an artistic residency at the Nida Art Colony. filmografia/filmography Éternau (cm, 2006), Triangulum (cm, 2008), Don’t Look Back/ Labirinto (cm, 2009-2012), Cat Effekt (mm, 2011), In the Traveler’s Heart (cm, 2013). giuseppe boccassini LEZUO CONTENTS Italia/Italy, 2013, MiniDV-Super8-35mm, 17’, bn/bw-col. regia, fotografia, montaggio, suono, produttore/ director, cinematography, film editing, sound, producer Giuseppe Boccassini ** contatti/contacts Giuseppe Boccassini [email protected] LEZUO Nel 1843 Andrea Lezuo, intagliatore nativo di Arabba, comune delle Dolomiti, parte per «la Merica» a bordo della nave Ehon. Attraverso un collage analogico di materiali audiovisivi eterogenei, ripercorrendo l’esperienza iniziatica del suo protagonista, il film cerca di restituire alla realtà del viaggio la sua fisicità. «Rispetto al mondo contemporaneo, l’immaginazione dell’epoca era svincolata dalla potenza dei mezzi meccanici di riproduzione, rappresentati dalla fotografia, valorizzata esclusivamente nel suo scarto oggettivizzante a discapito delle altre arti. Il cinema, nonostante i suoi precursori, per potersi affermare non aveva ancora raggiunto l’ultimo tassello per la perfetta mimesi meccanica dell’uomo con il reale: il movimento. Lo farà di lì a poco. In qualche modo il film cerca di ritrovare questa dimensione visiva incerta, traballante e allo stesso tempo occulta, misteriosa, viva, ormai perduta, attraverso una proposta estetica che si realizza nella commistione tra forma e non forma, tra il conoscibile e l’irriconoscibile, tra la realtà e l’immaginazione». LEZUO In 1843, Andrea Lezuo, a woodcarver born in Arabba, a town in the Dolomites, leaves for “la Merica” onboard the ship Ehon. Through an anthological collage of heterogeneous audiovisual material, the film portrays the physicality of the voyage, as it traces an experience that is a sort of initiation. “Compared to the contemporary world, the imagination of that era was less bound by the power of mechanical methods of reproduction, represented by photography, valorized exclusively in its objectifying deviation to the detriment of the other arts. Despite its precursors, cinema, in its path toward affirmation, had not yet achieved the final step for the perfect, realistic, mechanical imitation of man: movement. It would soon do so. In a certain sense, the film tries to relocate that visual dimension which is uncertain, shaky, and at the same time occult, mysterious, alive, and now lost, through a proposed aesthetic that comes about through the mixture of form and non-form, of the knowable and the unrecognizable, of reality and the imagination.” 140 ONDE/ W AV E S Giuseppe Boccassini (Terlizzi, Bari, Italia, 1979) laureato in teoria del cinema al Dams di Bologna con una tesi su Elio Petri, ha poi conseguito una laurea in regia cinematografica presso la Nuova università del cinema e della televisione, con sede a Cinecittà e ad Alicante. Ha lavorato come regista, direttore della fotografia e montatore per il cinema e per la televisione a Madrid, ed è cofondatore del Gruppo Farfa, progetto cinematografico ed educativo sviluppato in Puglia. I suoi lavori hanno partecipato a numerosi festival internazionali. Giuseppe Boccassini (Terlizzi, Bari, Italy, 1979) graduated in film theory from the DAMS in Bologna with a thesis on Elio Petri. He then received a degree in film directing from the Nuova università del cinema e della televisione, with campuses at Cinecittà, in Rome, and Alicante. He has worked as a director, cinematographer and editor for film and television in Madrid, and is one of the co-founders of the Gruppo Farfa, a cinematographic and educational project developed in Puglia. His works premiered at numerous international festivals. filmografia/filmography La giostra (cm, 2005), La poesia e il carnevale (cm, 2005), Farfa (cm, 2005), Berlin (cm, 2006), Anacromorfosi (cm, 2006), The Yo Yo Man (cm, 2007), Panico companatico (cm, 2009), Specularità in negativo (cm, 2010), Eidola (cm, 2010), 0 (cm, 2010-11), BO #00001 (cm, 2011), BO #00002 (cm, 2011), Osceno (cm, 2012), Lezuo (cm, 2013). michalis konstantatos LUTON CONTENTS Grecia/Greece, 2013, HD, 93’, col. regia/director Michalis Konstantatos sceneggiatura/screenplay Michalis Konstantatos, Stelios Likouresis fotografia/cinematography Yiannis Fotou montaggio/film editing Yorgos Mavropsaridis scenografia/ production design Kiki Pitta costumi/costume design Lita Kokkonari suono/sound Leandros Ntounis interpreti/cast Nicholas Vlachakis, Eleftheria Komi, Christos Sapountzis produttore/producer Yorgos Tsourgiannis produzione/production Horsefly coproduttore/coproducer Fabian Massah coproduzione/coproduction Faliro House Productions, Greek Film Centre, Hellenic Broadcasting Corporation, Arctos Broadcast Facilities, 2l35 Two Thirty Five, Endorphine Production, Costas Varybopiotis, Yiannis Fotou ** contatti/contacts Pascale Ramonda [email protected] Michalis Konstantatos (Atene, Grecia, 1977) ha studiato regia alla Scuola ellenica di cinema e televisione Stavrakos, sociologia all’università e ha ottenuto un master in architettura. Dal 2002 ha diretto cortometraggi, video musicali e film sperimentali. Cofondatore e direttore della compagnia teatrale Punto cieco, ha messo in scena commedie teatrali e realizzato installazioni all’interno di spazi pubblici e scritto e diretto due cortometraggi premiati in diversi festival internazionali. Luton è il suo primo lungometraggio. LUTON Quando i giorni si ripetono scanditi da azioni sempre uguali (sistemare la merce sugli scaffali, andare a scuola, gironzolare in un centro commerciale dopo una giornata di lavoro), è difficile pensare che le cose potrebbero andare diversamente. Ed è così per Makis, proprietario di un negozietto che vende un po’ di tutto, per Jimmy, che frequenta un istituto superiore privato, e per Maria, un’avvocato sulla trentina. Ma le vite delle persone, anche quelle più insignificanti, nascondono sempre qualcosa. «Osservando la vita quotidiana di varie persone che mi stanno intorno, ho cominciato a notare che tendono a condurre esistenze progressivamente sempre più statiche; vite che li opprimono e danno luogo a comportamenti patogeni. Al tempo stesso, le esplosioni di violenza e di comportamenti illeciti diventano frequenti ovunque e la maggior parte delle volte nascono senza un episodio scatenante da persone insospettabili». LUTON When the days repeat themselves in patterned moments and recurring actions (placing the merchandise on shelves, going to school, wandering around a shopping mall after a day of work), it is difficult to think that things could be different. And that’s how it is for Makis (the owner of a small shop that sells a little bit of everything), Jimmy (who goes to a private school), and Maria (a lawyer in her thirties). But people’s lives, even the most insignificant, always hide something. “By looking at various people around me and their everyday life, I began noticing that more and more they tend to lead increasingly fixed lives. Lives that suppress them and give rise to certain pathogenic behaviours. At the same time various outbursts of violence and illicit behaviour become more and more frequent everywhere. Most of the times these are unprovoked and come from people that no one would expect to.” 141 ONDE/ W AV E S Michalis Konstantatos (Athenes, Greece, 1977) studied directing at the Hellenic Cinema & Television School Stavrakos, sociology at university, and has a master’s degree in architecture. He has been directing since 2002, making music videos and experimental movies. He co-founded and directs the theater company Punto Cieco, putting on stage comedies and making installations inside public places. He wrote and directed two short films, which won awards in several international film festivals. Luton is his first feature film. filmografia/filmography Only for Ever (cm, 2003), Two Times Now (cm, 2007), Luton (2013). danielle lessovitz NEON HEARTACHE CONTENTS Usa, 2013, HD, 9’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Danielle Lessovitz fotografia/cinematography Chananun Chrotrungroj scenografia/ production design Lindsey Martin suono/sound David Grinbaum interpreti e personaggi/ cast and characters Eden Einhorn (Eden), Sean Dibona (Luke), Madeline McMurphy (la vicina/neighbor) produttori/producers Jess Fuerst, Danielle Lessovitz ** contatti/contacts Danielle Lessovitz [email protected] www.daniellelessovitz.com MAL DI CUORE AL NEON [T.L.] Quando suo fratello maggiore esce, Eden resta a casa da sola. È un po’ annoiata, e così la tentazione di frugare tra le cose del fratello si fa irresistibile: in fondo lei sa bene cosa cercare. Quando Sean torna a casa, la trova vestita con la sua divisa da lottatore mentre balla insieme a una ragazzina un po’ goffa, loro vicina di casa. I due fratelli si rincorrono, lui cerca di toglierle l’elmetto, lei scalcia, lui la immobilizza, un po’ per finta, un po’ per davvero; lei ride e lui le sta sopra in un gioco che ha qualcosa di improvvisamente adulto. «L’inevitabilità dell’età adulta mi ricorda la presenza inquietante della centrale elettrica che sovrastava gli scenari della mia infanzia. Nel film ho cercato di documentare i primi momenti di questo passaggio inevitabile, ponendo l’attenzione su quelle situazioni in cui i personaggi scoprono per la prima volta se stessi come persone dotate di un genere d’appartenenza e una sessualità, con tutte complicazione che ne derivano». NEON HEARTHACHE Eden is left at home alone when her older brother goes out. She is a bit bored and the temptation to rummage among her brother’s things becomes irresistible: after all, she knows what she’s searching for. When Sean returns home, he finds her dressed in his wrestling uniform as she dances with a rather awkward girl, their next-door-neighbor. He chases her and tries to take his helmet back, she kicks him, he pins her, partly in play and partly for real. She laughs and he’s on top of her in a game that suddenly has something adult about it. “For me, the inevitability of adult life felt very much like the ominous power plant towering in the background of my childhood. In the film, I try to document the very first moments of this inevitability by focusing on the moments in which my characters become aware of each other as gendered, sexual beings and all of the complexity it implies for the, first time.” 142 ONDE/ W AV E S Danielle Lessovitz (Kansas City, Kansas, Usa) si è laureata con una specializzazione in cinema documentario e sound design per installazioni presso la Tisch School of the Arts di New York, ed è attualmente borsista nello stesso istituto. Nel 2009 ha diretto il suo primo cortometraggio, Batteries, proiettato ai festival di Filadelfia e di Tallgrass, in Kansas. Il suo terzo cortometraggio, The Earthquake (2012), è stato presentato al 30° Torino Film Festival e ha ricevuto il New Filmmaker Award dalla Jewish Film Society di Filadelfia e il premio Best Heartland Short al festival di Kansas City. Danielle Lessovitz (Kansas City, KS, USA) graduated with a major in documentary film and sound design for installation and now has a scholarship at the Tisch School of the Arts in New York to study directing. In 2009, she directed her first short, Batteries, which was screened at the film festivals in Philadelphia and Tallgrass, Kansas. Her third short, The Earthquake, has been screened at 30 Torino Film Festival, and has received a New Filmmaker Award from the Philadelphia Jewish Film Society and Best Heartland Short at the Kansas City Film Festival. TH filmografia/filmography Batteries (cm, 2009), Father, Son, Bull (cm, doc., 2011), The Earthquake (cm, 2012), The Anatomy of Injury (cm, 2013), Neon Heartache (cm, 2013). leonardo brzezicki NOCHE CONTENTS Argentina, 2013, HD, 85’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Leonardo Brzezicki fotografia/cinematography Max Ruggeri montaggio/film editing Filip Gsella scenografia/ production design Alexis Dos Santos musica/music Ismael Pinkler suono/sound Leandro de Loredo interpreti/cast Flavia Noguera, Jair Jesus Toledo, Maria Soldi, Nadyne Sandrone, Gaston Re, Julian Tello, Pablo Matias Vega produttori/producers Leonardo Brzezicki, Ginevra Elkann produzione/production Rewind My Future, Asmara Films ** contatti/contacts Asmara Films Francesca Zanza Tel: +39 06 321 19 60 [email protected] NOTTE [T.L.] Una grande casa colonica in un paesaggio subtropicale, sei ventenni che tornano nel posto in cui il loro amico Miguel ha trascorso gli ultimi giorni di vita prima di suicidarsi. Vogliono inscatolare e raccogliere tutto ciò che l’amico ha lasciato dietro di sé: piatti audio ancora attaccati alle casse, cavi che giacciono sul pavimento, vestiti e oggetti sparsi qui e là. Miguel registrava ossessivamente i suoni della natura e i suoi discorsi solitari, e quelle registrazioni ora riecheggiano ovunque nella casa e all’esterno, attraverso altoparlanti che confondono i piani della percezione, tra un prima e un dopo, tra la notte e il giorno e tra la vita e la morte. «Ho voluto fare un film molto interiore, in cui scandagliare aspetti sensuali e fisici più che psicologici, aspetti in cui i sensi fossero l’elemento centrale, in cui la struttura narrativa favorisse associazioni poetiche piuttosto che una narrazione diretta. Ho intrapreso un viaggio rarefatto, soggettivo e ambiguo, che non ammette interpretazioni univoche». www.asmarafilms.com NIGHT A large colonial house in a subtropical landscape. A group of six twenty-year olds returns to the place where their friend Miguel spent his last few days before committing suicide. They want to box his things up and collect everything their friend left behind: audio disks still connected to the speakers, cables on the floor, clothes and objects scattered here and there. Miguel obsessively recorded the sounds of nature and his lonely conversations. Now those recordings echo everywhere, inside the house and outside, through speakers that muddle the fields of perception, between a before and after, between night and day, and between life and death. “I think I wanted to make a very internal film, to look into the sensual and physical aspects rather than the psychological, in which senses become the most important element, where the narrative structure favours poetic associations rather than straightforward storytelling. I wanted to get into a rarified journey, subjective and ambiguous, which cannot admit single interpretations.” 143 ONDE/ W AV E S Leonardo Brzezicki (Argentina, 1978) ha studiato regia cinematografica presso l’Università di Buenos Aires e recitazione con il regista teatrale Ricardo Bartis. Ha diretto numerosi cortometraggi, tra cui la commedia Con vos contar corderitos (2002), premiata al Latin American Short Film Festival di Rosario. Con il successivo cortometraggio Tokyo Tonight (2005) è entrato in lizza per aggiudicarsi la residenza artistica Le Pavillion presso il Palais de Tokyo di Parigi, mentre come attore è apparso in svariate produzioni indipendenti, tra cui Unmade Beds (2009) di Alexis Dos Santos. Noche è il suo primo lungometraggio. Leonardo Brzezicki (Argentina, 1978) studied Film at the University of Buenos Aires, and trained as an actor with theatre director Ricardo Bartis. He has directed several short films: with You Counting Lambs (2002), a comedy, won first prize at the Latin American Short Film Festival in Rosario. He was pre-selected for Le Pavillion, the artist’s residence at Palais de Tokyo in Paris, with his short Tokyo Tonight (2005). As an actor he has appeared in several independent productions, for example in Unmade Beds (2009) by Alexis Dos Santos. Night is his first feature film. filmografia/filmography Stand By (cm, 2001), Con vos contar corderitos (cm, 2002), Tokyo Tonight (cm, 2005), Noche (2013). manuel alejandro salas PISA CONTENTS Cile/Chile, 2013, 16mm, 8’, bn/bw Manuel Alejandro Salas (Ecuador) ha iniziato a filmare a diciassette anni e ha sviluppato nel tempo una poetica influenzata dall’espressionismo tedesco e dal surrealismo. Ha lavorato nella sede di New York dello studio di effetti speciali The Mill, e attualmente è uno studente di cinema e televisione al Savannah College of Art and Design, in Georgia. regia, fotografia, montaggio, produttore/ director, cinematography, film editing, producer Manuel Alejandro Salas interpreti/cast Manuel Alejandro Salas, Christian Hernandez ** contatti/contacts Manuel Alejandro Salas [email protected] PISA Franz è uno sciamano che si incolpa per la morte della moglie. Trascorre le giornate chiuso in casa lottando contro l’idea di uccidersi per amore. Imparando dai suoi stessi metodi di insegnamento, cerca di cambiare il suo essere, sia esternamente sia nella dimensione interiore. Franz intraprende un viaggio spirituale in cui dovrà superare la paura di lasciarsi andare. «Franz è uno sciamano che per lavoro cura l’anima delle persone, ma non sa curare se stesso dai ricordi dolorosi della moglie perduta da tempo». PISA Franz is a shaman who blames himself for the death of his wife. He spends his days locked in his house fighting the thoughts of killing himself for love. Learning from his own teaching methods, he tries to change his internal and external self. Franz embarks in a spiritual journey where he will have to overcome his fear of letting go. “Franz is a shaman who cures people’s souls for a living, but he can’t cure himself from the troubling memories of his long gone wife.” 144 ONDE/ W AV E S Manuel Alejandro Salas (Ecuador) started shooting films when he was seventeen. His poetics developed over time, influenced by German expressionism and surrealism. He worked in the New York office of the special effects company The Mill, and he is currently studying cinema and television at the Savannah College of Art and Design, in Georgia (USA). filmografia/filmography Hold the Old and the Bulldog’s Dream (cm, 2009), A Velvet Hedrons (cm, 2010), Al viento (cm, 2012), Pisa (cm, 2013). atsushi shinohara SCENERIES OF NEW BEGINNINGS CONTENTS Giappone/Japan, 2013, HD, 73’, col. regia, sceneggiatura, produttore/director, screenplay, producer Atsushi Shinohara fotografia/cinematography Masaaki Yokoyama montaggio/film editing Atsushi Shinohara, Shingo Arakawa musica/music Miwako Yamane suono/sound Chinsui Son interpreti/cast Sou Hirosawa, Atsushi Shinohara, Koji Mitsumizo, Tateto Serizawa ** contatti/contacts Atsushi Shinohara [email protected] Atsushi Shinohara (Fukuoka, Giappone, 1983), nato nella prefettura di Fukuoka e cresciuto a Nagasaki, ha lavorato come attore con Yoshikatsu Kimura in Karate Girl (2011), con Shuichi Okita in A Story of Yonosuke (2012) e con Ryosuke Hashiguchi in Zen Tai (2013). Sceneries of New Beginnings, primo tassello di una serie di lavori a venire, segna il suo esordio come regista. SCENARI DI NUOVI INIZI [T.L.] Keinosuke non è mai stato sereno, neppure quando era bambino. Viene colto da improvvisi e devastanti attacchi di depressione che gli impediscono qualsiasi reazione o slancio di positività. Quando incontra Jun, che ha vissuto le difficoltà psicologiche dell’abbandono dei genitori, sente di poter costruire un rapporto d’amore basato sulla reciproca comprensione e, per la prima volta in vita sua, perfino una famiglia. Ma spesso la volontà non basta. «A volte un dolore sconosciuto assale nella notte. Un’oscurità schiacciante cresce poco a poco nel cuore di un uomo, mentre una donna si spende per stargli vicino nonostante non ne capisca la sofferenza. Nel film il pubblico si confronta costantemente con l’isolamento di queste due persone, con il loro legame psicologico, con la loro ostinazione, attraverso l’utilizzo di immagini ripetitive riprese da angolazioni fisse che vogliono illustrare l’eccezionale amore che quest’uomo e questa donna condividono. La storia si muove sul confine tra realtà e fantasia, chiedendo allo spettatore cosa sia reale». SCENERIES OF NEW BEGINNINGS Keinosuke has never been tranquil, not even as a child. He suffers from sudden and devastating attacks of depression, which block any reaction or positive impulse of his. When he meets Jun, who experienced psychological pain when she was abandoned by her parents, he feels that he can construct a loving relationship based on reciprocal understanding and, for the first time in his life, even a family. But often just wanting something isn’t enough. “Sometimes in life, an unknown suffering attacks overnight. An overwhelming darkness gradually grows in a man’s heart as a woman dedicates herself to supporting him even though she doesn’t understand his suffering. The audience is constantly confronted with their isolation in life, their psychological connection, and their stubbornness using repetitive imagery, which I fixed from angles to illustrate the tremendous love this man and woman share. The story dances on the line of reality and fantasy, asking the audience what is real.” 145 ONDE/ W AV E S Atsushi Shinohara (Fukuoka, Japan, 1983) was born in Fukuoka and grew up in Nagasaki. He has worked as an actor with Yoshikatsu Kimura in Karate Girl (2011), with Shuichi Okita in A Story of Yonosuke (2012), and with Ryosuke Hashiguchi in Zen Tai (2013). Sceneries of New Beginnings, the first installment of a series of upcoming works, marks his debut as a director. filmografia/filmography Sceneries of New Beginnings (2013). tito molina SILENCIO EN LA TIERRA DE LOS SUEÑOS CONTENTS Ecuador, 2013, HD, 94’, col. regia, fotografia, montaggio/ director, cinematography, film editing Tito Molina sceneggiatura/screenplay Tito Molina, Ana-Felicia Scutelnicu scenografia/ production design Miguel Salazar suono/sound Estebanoise Brauer interpreti e personaggi/ cast and characters Bertha Naranjo (la donna/woman), Ney Moreira, Martín Rodríguez, Yeliber Mero (i musicisti/musicians), Cokie (il cane/dog) produttori/producers Miguel Salazar, Jonas Weydemann, Jakob D. Weydemann produzione/production La Facultad S.A., Weydemann Bros. ** contatti/contacts La Facultad Isabel Carrasco Tel: +593 042 136 413 [email protected] www.lafacultad.com SILENZIO NELLA TERRA DEI SOGNI [T.L.] Una donna anziana vive sola: a farle compagnia un cane con la testa nera, che sorveglia la casa e i movimenti sempre uguali della padrona. Ogni tanto la donna e l’animale escono per fare lunghe camminate sulla spiaggia, in riva all’oceano. Ad andatura lenta e solenne, ogni passeggiata è un nuovo inizio, ogni ritorno la conferma di una vita vissuta. «Come il lettore di una poesia, lo spettatore di un film è trasportato in un mondo che sta al di là del tramite che lo veicola: le parole nel caso della poesia, le immagini e i suoni per quel che riguarda il cinema. La storia che prende forma nell’intimo di uno spettatore non è la stessa proiettata sullo schermo; nasce da essa, ma finisce in un luogo diverso e lontano. E il mondo che lo spettatore scopre al di là del film non si può descrivere a parole, è un luogo inenarrabile di cui, come nella poesia, non si può trasmettere l’esperienza. In questo luogo interiore la storia è raccontata da silenzi e da immagini che vanno al di là della realtà e aprono le porte di un mondo onirico, che potremmo chiamare la terra dei sogni». SILENCE IN DREAMLAND An elderly woman lives alone. A black-head dog keeps her company and watches over the house and the repetitive movements of the woman. Every so often, she and the dog go out for long walks along the beach. Her pace is slow, each walk is a new beginning, and each homecoming is a confirmation of a life that has been lived. “As the poem reader, the audience of a movie is transported to a world beyond the means of the message; the words in the case of the poem, and the images and sound in the case of movies. The story projected inside the audience is not the same projected in the screen; it is born there, but ends up in a special and distant place. The world the audience discovers behind a movie cannot be described with words. It is an inexpressible place and the experience lived there is equally impossible to transmit, just like with the poem. In that interior place the story is told through silence and images that go beyond reality and open the door to a dream world, a place we could call the land of dreams.” 146 ONDE/ W AV E S Tito Molina (Ecuador) ha partecipato nel 1999 con il suo primo cortometraggio Trailer2 alla retrospettiva sul nuovo cinema ecuadoregno di New York, al Festival di Barcellona e a quello di cinema latino di Chicago. Ha poi fatto parte della troupe di produzioni americane come Rapimento e riscatto (2000) di Taylor Hackford e Danza di sangue Dancer Upstairs (2002) di John Malkovich e nel frattempo si è trasferito a Barcellona per studiare regia. Con il corto El niño y el mar (2007) ha vinto il gran premio del cinema spagnolo al Festival di Bilbao e nel 2008 ha esordito nel lungometraggio con Por qué mueren los castaños. Silencio en la tierra de los sueños, sviluppato all’interno del programma Berlinale Talents, è il suo secondo lungometraggio. Tito Molina (Ecuador) participated in 1999 with his first short, Trailer2, at the retrospective on new Ecuadorian cinema in New York, at the Barcelona Film Festival, and at the Chicago Latino Film Festival. He then was on the crews of American productions such as Proof of Life (2000) by Taylor Hackford and The Dancer Upstairs (2002) by John Malkovich. In the meantime, he moved to Barcelona to study directing. His short El niño y el mar (2007) won the Grand Prize for Spanish Films at the film festival in Bilbao, and in 2008 he debuted in feature films with Por qué mueren los castaños. Silencio en la tierra de los sueños, developed during Berlinale Talents program, is his second feature film. filmografia/filmography Trailer2 (cm, 1999), Ergo (cm, 2002), Ipso facto (cm, 2002), Diario de una pared (cm, 2003), El niño y el mar (cm, 2007), Por qué mueren los castaños (2008), Silencio en la tierra de los sueños (2013). stefan ivancic SOLES DE PRIMAVERA CONTENTS Serbia, 2013, HD, 24’, col. regia/director Stefan Ivancic sceneggiatura/screenplay Stefan Ivancic, Andrej Ivancic, Mateja Vidakovic fotografia/cinematography Igor Djordjevic montaggio/film editing Natasa Pantic, Jelena Maksimovic suono/sound Mladjan Matavulj, Filip Verkic interpreti/cast Andrej Ivancic, Dimitrije Ivancic, Stefan Ivancic, Marko Grabez produttori/producers Stefan Ivancic, Dragana Jovovic, Anastasija Zamahajev produzione/production Fakultet dramskih umetnosti ** contatti/contacts Stefan Ivancic [email protected] Stefan Ivancic (Belgrado, Jugoslavia, 1985) ha studiato ingegneria meccanica in Spagna e al momento si sta specializzando in regia presso la facoltà di arti drammatiche di Belgrado. Lavora come critico cinematografico, in particolare per il web magazine spagnolo «Lumière», e come produttore (per il lungometraggio The Load di Ogjen Glavonic). Come regista ha esordito nel 2012 con il cortometraggio Scrap Material. SOLI DI PRIMAVERA [T.L.] Per la prima volta, quattro cugini serbi in bilico tra adolescenza ed età adulta che vivono lontani l’uno dall’altro si ritrovano per le vacanze a Belgrado. Passato, presente e futuro convivono, resi ancora più accessibili dall’indolenza delle giornate estive. «Ho lasciato la Jugoslavia quando avevo sei anni e ho vissuto a Barcellona dal 1991 al 2009, mentre mio fratello Dimi è nato in Spagna e vive ancora lì. Ero solito tornare a Belgrado ogni anno e passarvi le vacanze estive. Era sempre doloroso tornare in Spagna, lasciare il mio Paese volta dopo volta. Soles de primavera è nato dalla combinazione di questi sentimenti con l’idea di fare un film con Dimi, mio fratello minore, e il mio cugino più giovane, Bibi. Volevo girare un film con loro e su di noi. All’inizio è stato strano, perché è difficile rendersi conto di fatti legati alla propria vita, alla propria realtà, mentre sono ancora “in svolgimento”. Le emozioni sono così recenti che nell’immediato non si riesce nemmeno a notarle; poi col tempo finiscono per rivelarsi». SOLES DE PRIMAVERA For the first time, four Serbian cousins on the border between adolescence and adulthood, who live far from one another, find themselves for a holyday in Belgrade. Past, present, and future coexist together, made even more accessible by the languor of the summer days. “I left Yugoslavia when I was six, and I lived in Barcelona from 1991 until 2009. My brother Dimi was born in Spain and he still lives there. I used to come to Belgrade every year, and spend here the hot summer days. It was always painful to go back to Spain, to leave my country again and again. Soles de primavera was born from a combination of this feeling and the idea of making a film together with my younger brother Dimi and my small cousin Bibi. I wanted to make a film with them, and about us. At the beginning it was strange because it’s difficult to perceive the things that are linked to your own life, your own reality, as clearly as the things that are ‘around.’ It’s so close that at the beginning you can’t see it – however, as time goes by, emotions are slowly unveiled.” 147 ONDE/ W AV E S Stefan Ivancic (Belgrad, Yugoslavia, 1985) studied mechanical engineering in Spain, and he is currently studying directing at the dramatic arts department of the University of Belgrade. He works as a film critic, in particular for the Spanish online magazine “Lumière,” and as a producer (for the feature film The Load by Ogjen Glavonic). He made his debut as a director in 2012 with the short film Scrap Material. filmografia/filmography Sekundarna sirovina (Scrap Material, cm, 2012), Soles de primavera (cm, 2013). aran hughes, christina koutsospyrou STO LYKO CONTENTS TO THE WOLF Grecia-Francia/Greece-France, 2012, HD, 74’, col. regia, fotografia, montaggio/directors, cinematography, film editing Aran Hughes, Christina Koutsospyrou suono/sound Nikos Konstantinou interpreti/cast Giorgos Katsaros, Ilias Katsaros, Spiridoula Katsarou, Adam Paxnis, Kiki Paxni, Vasiliki Spiropoulou produttori/producers Julien Mata, Alice Baldo produzione/production Linel Films ** contatti/contacts Linel Films Aran Hughes, Christina Koutsospyrou [email protected] [email protected] www.tothewolffilm.com Aran Hughes (Londra, Regno Unito, 1983) ha frequentato la London University of the Arts e diretto due cortometraggi, prima di cominciare a lavorare nel 2010 a Sto lyko, suo primo lungometraggio. Christina Koutsospyrou (Atene, Grecia, 1980), artista e regista, ha studiato presso il London College of Communication, dove ha sviluppato la passione per la fotografia e il cinema. Nel 2010 è tornata in patria per iniziare a lavorare a Sto lyko, suo primo progetto filmico. AL LUPO [T.L.] Quattro giorni nella vita di due famiglie di pastori che lottano per la sopravvivenza in un remoto villaggio tra le montagne della Nafpaktia, regione della Grecia occidentale. La crisi ha colpito anche questa terra inospitale, spazzata dal vento e dalla pioggia: l’anziano Paxnis lo aveva previsto; persa ogni speranza, lui e la moglie si aspettano il peggio. Giorgios, invece, impossibilitato a vendere le sue capre e schiacciato dai debiti, cerca conforto nel bere. La bellezza ancestrale della natura osserva indifferente la catastrofe, e gli uomini non hanno altra soluzione che rivolgere la loro rabbia contro i più deboli. «Sto lyko non è stato concepito come reazione alla crisi della Grecia. L’intenzione era quella di studiare la vita quotidiana di un remoto villaggio greco. Ma una volta iniziate le riprese, l’impatto delle crescenti difficoltà finanziarie è stato amplificato dai media, e noi stessi abbiamo cominciato a modificare il nostro oggetto d’attenzione. Ci siamo concentrati sugli effetti che un nuovo tipo di povertà ha su una parte già marginalizzata della società, pur mantenendo l’intenzione di realizzare un ritratto intimo della vita rurale». TO THE WOLF Four days in the life of two families of shepherds struggling to survive in a remote village in the Nafpaktia Mountains, in western Greece. The crisis has also affected this inhospitable land lashed by unrelenting winds and rains: old Paxnis had seen it coming and, having lost every hope, his wife and he are expecting the worse; Giorgios, instead, unable to sell his goats, finds himself buried in debts and seeks comfort in the bottom of a bottle. Nature watches indifferently as the catastrophe unfolds, and men end up turning their rage against the weak. “To the Wolf was not conceived as a response to the Greek crisis. Our initial intention was to present a study of everyday life in a remote Greek village. However, as filming began, the impact of the deepening financial problems was magnified by widespread media coverage and our focus began to shift. We started zooming in on the effect of this new political poverty on an already marginalised society, while still maintaining our intention to present an intimate portrait of rural life.” 148 ONDE/ W AV E S Aran Hughes (London, UK, 1983) attended London University of the Arts and directed two short films before starting to work on To the Wolf, his first feature, in 2010. Christina Koutsospyrou (Athens, Greece, 1980) is an artist and director; she studied at the London College of Communication, where she developed a passion for photography and cinema. She returned to her home country in 2010 to start working on To the Wolf, her first film project. filmografia/filmography Aran Hughes: My Polska (coregia/codirector Joseph Fawcett, cm, 2009), Pride of Dover (cm, 2010). Aran Hughes, Christina Koutsospyrou: Sto lyko (To the Wolf, doc., 2012). raya martin, mark peranson LA ÚLTIMA PELÍCULA CONTENTS Canada-Danimarca-Messico-Filippine/ Canada-Denmark-Mexico-Philippines, 2013, 35mm, 88’, col. regia, sceneggiatura/ directors, screenplay Raya Martin, Mark Peranson fotografia/cinematography Gym Lumbera montaggio/film editing Lawrence S. Ang, Mark Peranson scenografia/ production design Paloma Camarena suono/sound Aldonza Contreras interpreti/cast Alex Ross Perry, Gabino Rodríguez, Iazua Larios, René Redzepi produttore/producer Mark Peranson produzione/production Cinema Scope Productions coproduttori/coproducers Pablo Cruz, Tine Fischer, Raya Martin ** contatti/contacts Cinema Scope Productions Mark Peranson [email protected] Mark Peranson (Canada), critico cinematografico, è direttore della rivista «Cinema Scope». Selezionatore dal 2000 al Vancouver International Festival, è il responsabile della programmazione del Festival di Locarno, dove è stato parte del comitato selettivo dal 2010 al 2012. Nel 2008 ha esordito con il documentario Waiting for Sancho. L’ULTIMO FILM [T.L.] La fine del mondo pronosticata dai Maya è vicina e un regista decide di esplorare lo Yucatan alla ricerca delle location per quello che sarà il suo ultimo film. Insieme a una guida locale raggiunge la zona in cui milioni di anni fa un asteroide colpì la terra, rischiando di annientarla e determinando l’estinzione dei dinosauri. Qui s’imbatte in uno strano gruppo di seguaci della new age e mistici Maya e in un reporter, che ingaggia nel film. Nonostante le previsioni il mondo non finisce, al contrario del film, che il regista decide di montare all’infinito. Raya Martin (Manila, Philippines, 1984), a usual guest of TFF, won the Lino Miccichè Award in Pesaro with Short Film About the Indio Nacional (2006), and got a special mention in Marseilles with Autohystoria. In 2008, his film Now Showing participated to the Quinzaine des réalisateurs and in 2009 Independencia participated to the section Un certain regard at Cannes. «Che cos’è il cinema? Visto che i suoi confini, come l’universo, sono in continua espansione, oggi l’indagine più approfondita sulla sua esistenza riguarda la ragione stessa per cui continuiamo a fare film, come li facciamo e chi coinvolgono. Se si confronta il cinema con l’Apocalisse la questione diventa esistenziale: la sua filosofia, la sua materialità sono messe in discussione. […] Invece di chiederci se ci stiamo avvicinando alla fine del cinema, domandiamoci piuttosto come sarebbe l’ultimo film del mondo e cosa avrebbe in comune con il primo». Mark Peranson (Canada) is a film critic and director of the magazine “Cinema Scope.” He has been part of the selection committee since the 2000 Vancouver International Film Festival. After being a programmer in the selection committee of the Locarno Film Festival from 2010 to 2012, he became the Head of Programming. In 2008 he directed his first film, the documentary Waiting for Sancho. THE LAST FILM The Mayan apocalypse is near and a filmmaker decides to explore Yucatan, searching for the location for his latest movie. With a local guide, he reaches the area where a meteorite smashed into the Earth millions of years ago, risking to destroy the entire planet and wiping out the dinosaurs. In this place, he runs into a bizarre group of new age followers, Mayan mystics, and a reporter, which he hires for the movie. Despite the prophecy, the world doesn’t end; unlike the film, which the director decides to keep on editing forever. “What is cinema? As cinema’s boundaries are, like the universe, constantly expanding, the earnest exploration of its contemporary existence extends to why we continue making films, how we make them, up until the people involved in making them. When confronted by the Apocalypse, the very basis of cinema becomes as existential: its philosophy, the materiality, is questioned. […] Instead of asking if we are approaching the End of Cinema, ask rather, how would the last movie in the world look like? What does the last movie have in common with the first?” 149 Raya Martin (Manila, Filippine, 1984), selezionato più volte dal Torino Film Festival, ha vinto con Short Film About the Indio Nacional il premio Lino Miccichè a Pesaro nel 2006, mentre con Autohystoria ha ottenuto una menzione speciale a Marsiglia. L’anno successivo con Now Showing ha partecipato alla Quinzaine des réalisateurs e con Independencia (2009) al Certain regard di Cannes. ONDE/ W AV E S filmografia essenziale/ essential filmography Raya Martin: Bakasyon (The Visit, cm, 2004), Maicling pelicula nañg ysañg indio nacional (O Ang Mahabang Kalingkutan ng Katagalugan) (Short Film About the Indio Nacional, or the Prolonged Sorrow of the Filipinos, cm, 2005), Autohystoria (2007), Now Showing (2008), Independencia(2009), How to Disappear Completely (2013). Mark Peranson: Waiting for Sancho (doc., 2008). Raya Martin, Mark Peranson: La última película (2013). Onde portoghesi/ Portoguese Waves CONTENTS «Cinema portoghese: si suoni l’allarme», scrivevano Miguel Gomes e Luís Urbano lo scorso settembre, alla 70ª Mostra di Venezia. Lanciato con un comunicato dall’autore di bandiera della nuova generazione di registi portoghesi e da uno dei produttori europei più illuminati del momento (che al Lido presentavano un capolavoro come Redempion), quel grido risultava tanto preoccupante quanto paradossale. Preoccupante perché diceva del tentativo da parte dei privati (le pay tv) di rinnegare una legge che in sostanza li obbligava a finanziare l’Ica (l’Istituto nazionale del cinema portoghese), e in più giungeva mentre si paventava la chiusura della Cinemateca Portuguesa. Paradossale perché quell’allarme risuonava mentre quelli di noi che avevano frequentato il cinema portoghese nel corso dell’anno (IndieLisboa, Curtas) avevano la consapevolezza di una scena particolarmente vitale, in cui si muove una generazione di filmmaker capace di rinnovare in giovinezza e continuità una tradizione gloriosa. Giunti a fine anno, la situazione continua a essere incerta (confermati tagli sostanziosi al comparto cinematografico e nessun intervento governativo sulle renitenti pay tv), ma poiché quel che continua ad apparire certo è il livello eccellente della più giovane e avanzata produzione portoghese, ci è sembrato doveroso dare testimonianza di un tale stato delle cose. Il risultato è questa piccola ma, ci pare, significativa selezione di opere portoghesi, scelte tra le tante davvero notevoli viste quest’anno. Andiamo da Mahjong, in cui João Pedro Rodrigues e João Rui Guerra da Mata trovano un mélo noir iperrealista nella Chinatown di Varziela (Vila do Conde) per il progetto «Estaleiro» di Curtas, al magnifico «naufragio» tra i flutti del Tago dei fratelli João e Miguel Manso, che in Bibliografia ripensano la loro storia familiare, osservandola con gli occhi del loro smarrimento nel presente. E poi ci sono le circonvoluzioni di pensiero in fuga dagli sprechi della vita di un anziano italiano che osserva lo scorrere di un Carosello, poste in opera con sublime leggerezza da Jorge Quintela nel suo cortometraggio vincitore di Curtas, e il gioco di dimensioni esistenziali e responsabilità quotidiane, raccontate da Telmo Churro in Rei Inútil sulla pelle non poco ironica di un adolescente alle prese con la scuola, con Dio e con i re filosofi. 150 ONDE PORTOGHESI/ P O R T O G U E S E W AV E S “Ring the alarm bells: Portuguese cinema is in danger,” wrote Miguel Gomes and Luís Urbano in September at the 70 Venice Film Festival. This is the alarm sounded by the emblematic director from Portugal’s new generation of filmmakers and by one of the brightest European producers at the moment when they were presenting their masterpiece Redemption at the Venice Lido. Their warning sounded as alarming as it seemed paradoxical. They called attention to a law, the new Film Act, which would basically force the private sector to finance the ICA Institute. They voiced their concern because of the cable TV operators’ non-compliance, which was particularly worrisome given that, at the time, the Cinemateca Portuguesa was also at risk of being shut down. But their outcry also sounded paradoxical because those of us who have been following Portuguese cinema this year (from the IndieLisboa to the Curtas festivals) are aware of the particularly lively scene stirred by a new generation of Portuguese filmmakers capable of bringing new life and continuity to a glorious tradition. As we reach the end of the year, the situation continues to be uncertain: while substantial budget cuts to the film sector have been confirmed, the government has been done nothing to correct the non-compliance of private TV operators. Yet, what appears to be certain is the excellent level displayed by the younger and more advanced Portuguese productions. In light of this, we felt that the right thing to do was to bear witness to the state of things. The result is this small but significant selection of Portuguese films chosen among the many remarkable ones seen this year. We start with Mahjong, in which João Pedro Rodrigues and João Rui Guerra da Mata find a hyperrealist noir drama set in the Chinatown of Varziela for the project “Estaleiro” of the Curtas Vila do Conde. We then continue with the magnificent “shipwreck” along the waves of river Tago of the brothers João and Miguel Manso, who ponder over their family history in the film Bibliografia through the eyes of their present disorientation. Then we sit for a while, looking at a Carosello in the company of an old Italian man and his convolutions of thoughts fleeing life’s wastefulness, captured with sublime lightness with Jorge Quintela in his winning short from Curtas. And there is the game of existential dimensions and daily responsibilities narrated by Telmo Churro in Rei Inútil, ironically gambling with the life of a teenager who is grappling with school, God, and the philosopher kings. TH joão manso, miguel manso BIBLIOGRAFIA CONTENTS Portogallo/Portugal, 2013, HD, 70’, col. regia, sceneggiatura, produttori/directors, screenplay, producers João Manso, Miguel Manso fotografia/cinematography Takashi Sugimoto montaggio/film editing Tomás Baltazar, João Manso, Miguel Manso musica/music Tiago Sousa suono/sound Nuno Morão interpreti/cast António Poppe, João Manso, Maria Leite, Miguel Manso, Natxo Checa, Tiago Sousa, Vasco Gato coproduzione/coproduction Camone - Associacão Cultural, RTP2 ** contatti/contacts IndieLisboa Miguel Valverde [email protected] www.indielisboa.com João Manso (Almeirim, Portogallo, 1980), laureato in cinema, video e comunicazione multimediale presso l’Università di Lisbona, dal 2007 lavora come regista, assistente alla regia e montatore per il cinema, la televisione e la pubblicità. Ha montato e diretto cortometraggi, documentari e video musicali. Bibliografia è il suo primo lungometraggio. BIBLIOGRAFIA Nell’estate del 1969 quattro amici percorsero a bordo di una zattera i fiumi Zêzere e Tago, che dal centro del Portogallo si gettano nell’oceano. Quarant’anni dopo, il figlio di uno di loro ne ha raccontato le gesta in un libro di poesie, come metafora della letteratura di viaggio portoghese del sedicesimo e diciassettesimo secolo. Ora ha deciso di virare le parole in realtà, invitando tre amici a ripercorrere lo stesso viaggio e chiedendo al fratello di filmarlo. «Il grande tema del viaggio attraversa la letteratura universale. Nella genesi della letteratura portoghese, e ancora nell’epoca moderna, è mutualmente alimentato dal contributo delle scoperte. Il viaggio può anche essere compreso per un’altra sua caratteristica: più che uno spostamento nello spazio che implica movimento, è l’incrocio di una distanza interiore, dove il desiderio di un cambiamento coincide con l’esigenza di esperienza e sensorialità. Vogliamo mostrare la costruzione di una zattera arcaica e la sua navigazione, a partire dal cuore geodetico del Paese fino all’ultima foce costiera della sua capitale». BIBLIOGRAPHY In the summer of 1969, four friends rode on a raft down the rivers Zêzere and Tago, which flow from the middle of Portugal into the ocean. Forty years later, one of their sons writes their adventure in a book of poems as a metaphor of Portuguese travel literature from the 16 and 17 century. He decides to change direction and turn words into reality: he invites three friends to undertake that very same journey, and he asks his brother to film it. TH TH “The great subject of the journey travels within the universal literature. It is, mutually, in the Portuguese literature genesis, fed, yet in the modern epoch, by the contribution of the Discoveries. The journey may as well be understood by one other aspect included therein: more than a translation in space implying movement, it will be the crossover of an interior distance, where the longing for a change and the demand of experience and senses, coincide. Thus, we intend to show the construction, by four people, of an archaic raft and its consequent sailing, starting from the geodetic heart of the country until the last and coastal river mouth of its capital.” 151 ONDE PORTOGHESI/ P O R T O G U E S E W AV E S Miguel Manso (Santarém, Portogallo, 1979), scrittore, ha pubblicato finora otto libri di poesia, tra cui Santo Subito, Ensinar o Caminho ao Diablo, Um Lugar a Menos. Collaboratore della compagnia teatrale Cão Solteiro, questo è il primo film che dirige. João Manso (Almeirim, Portugal, 1980), graduate in film, video and multimedia Communication in Lisbon University, works since 2007 as a director, assistant director and freelance video editor in film, television and advertising. He directed and edited short films, documentaries and music videos. Bibliografia is his first feature film. Miguel Manso (Santarém, Portugal, 1979) is a writer; he has published eight books of poetry, among them Santo Subito, Ensinar o Caminho ao Diabo, Um Lugar a Menos. He collaborated with the theater company Cão Solteiro and this is his debut as director. filmografia/filmography João Manso: De quoi tu parles quand tu parles d’amour? (cm, 2003), Onde Estão os Touros? (cm, doc., 2007), O Amor Acontece (cm, 2011). João Manso, Miguel Manso: Bibliografia (doc., 2013). jorge quintela CAROSELLO CONTENTS Portogallo-Italia/Portugal-Italy, 2013, HD, 7’, col. regia/director Jorge Quintela sceneggiatura/screenplay Pedro Bastos musica/music Morteshopping suono/sound Davide Luciani interpreti/cast Francisco Dias de Castro, Vittorio Luciani produttori/producers Rodrigo Areias, Ricardo Freitas, Davide Luciani produzione/production Bando á Parte ** contatti/contacts Jorge Quintela [email protected] CAROSELLO Ripensare alla propria vita durante un pomeriggio qualsiasi, seduti su una panchina, guardando una giostra che gira in una piazza di Firenze. Un flusso di coscienza in cui il ricordo della moglie scomparsa, del suo profumo e della sua cucina, la constatazione di essere null’altro che un prolungamento della figura paterna, a cui si deve la propria educazione, e tanti altri dettagli apparentemente insignificanti del passato possono farci capire molte, troppe cose di noi stessi. «Carosello cerca di immortalare una vita intera in un unico movimento». CAROUSEL A man sitting on a bench on an afternoon like any other, thinking about his life while looking at a carousel in a square in Florence. Memories resurface in a stream of consciousness: his departed wife, her scent, her cooking; the realization that he is nothing more that an extension of his own father, to whom he owes his upbringing, his education; and many other apparently insignificant details from the past that could help us understand many things about ourselves, perhaps too many. “Carousel tries to capture an entire life in a single movement.” 152 ONDE PORTOGHESI/ P O R T O G U E S E W AV E S Jorge Quintela (Porto, Portogallo, 1981) ha studiato fotografia e arti audiovisive presso la Escola Superior Artística do Porto, dove si è diplomato nel 2003. Successivamente ha lavorato come direttore della fotografia e ha organizzato eventi e seminari in tutto il Portogallo per diverse associazioni culturali. Dal 2005 collabora come produttore con la casa di produzione Bando á Parte. Come regista ha esordito nel 2010 con il documentario On the Road to Femina e con Carosello (2013) ha vinto il premio per il miglior cortometraggio al festival Curtas di Vila do Conde. Jorge Quintela (Porto, Portugal, 1981) studied photography and audiovisual arts at the Escuela Superior Artística do Porto, where he graduated in 2003. He then started working as a photography director and organizing events and seminars for various cultural associations throughout Portugal. He has been collaborating as a producer for the production company Bando á Parte since 2005. He made his debut as a film director with the documentary On the Road to Femina in 2010. His recent exploit, Carousel (2013), received the award for best short film in competition at the Curtas Vila do Conde Film Festival. filmografia/filmography On the Road to Femina (mm, doc., 2010), Ausstieg (cm, 2010), Love Is the Answer for the Lack of Argument (cm, 2011), Carosello (cm, 2013). joão pedro rodrigues, joão rui guerra da mata MAHJONG CONTENTS Portogallo/Portugal, 2013, HD, 35’, col. regia, sceneggiatura/ directors, screenplay João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata fotografia/cinematography José Magro montaggio/film editing Mariana Gaivão musica/music Luís Fernandes suono/sound Adrian Santos, Nuno Carvalho interpreti/cast Anne Pham, Fernando Vhou, João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata produzione/production Curtas Metragens C.R.L. ** contatti/contacts Agencia da Curta Metragem Salette Ramalho Tel: +351 252 646 683 [email protected] www.curtas.pt/agencia João Pedro Rodrigues (Lisbona, Portogallo, 1966) ha esordito nel 1997 con il cortometraggio Parabéns!. Nel 2000 ha partecipato in concorso a Venezia con Il fantasma e ha ottenuto una menzione speciale a Cannes nel 2005 con Odete. Ha partecipato al 30° Torino Film Festival con il corto Manhã de Santo António e ha vinto la sezione Internazionale.doc con A Última Vez Que Vi Macau (2012), diretto con João Rui Guerra da Mata. MAHJONG Varziela è la più grande comunità cinese in Portogallo. Per le strade di questa Chinatown notturna e misteriosa, si aggira una donna con i tacchi alti, una parrucca bionda e un vestito orientale di seta. A inseguirla, tra magazzini di merce contraffatta, un misterioso uomo in nero. Intanto due cosche avversarie, appartenenti alla mafia del Sol Levante, si fronteggiano. E, come in una partita di mahjong, il risultato finale sarà del tutto imprevedibile. «Mahjong prosegue la tematica asiatica presente nei film che abbiamo fatto a partire dal 2007, come i cortometraggi China, China, girato a Martim Moniz, la zona più multiculturale di Lisbona, Alvorada Vermelha e infine il lungo A Última Vez Que Vi Macau, questi ultimi due girati quasi per intero a Macao. Mentre A Última Vez Que Vi Macau è un documentario che parla di un luogo immaginario, Mahjong, invece, è l’atto di immaginare un luogo reale». MAHJONG Varziela is the largest Chinese community in Portugal. A woman wearing high heels, a blond wig, and an oriental silk dress wanders in the night through the streets of this Chinatown. A mysterious man in black is following her between the stores and warehouses of counterfeit goods. Meanwhile, two rival gangs from the Japanese mafia are confronting each other. The final result will be utterly unpredictable, just like in a game of mahjong. “Mahjong perpetuates the Asian theme of the films we started to make together in 2007, with the short film China, China, shot in Martim Moniz, the most multicultural area of Lisbon, then the short Alvorada Vermelha (2011), and finally the feature A Última Vez Que Vi Macau (2012), these last two shot mainly in Macao. If A Última Vez Que Vi Macau was a documentary about an imaginary place, Mahjong is the imagination of a real place.” 153 ONDE PORTOGHESI/ P O R T O G U E S E W AV E S João Rui Guerra da Mata (Portogallo) ha iniziato a lavorare nel cinema come attore, sceneggiatore e assistente alla regia per João Pedro Rodrigues, con il quale ha poi diretto China, China, premiato come miglior cortometraggio al Festival di Belfort. Ha partecipato al 30° Torino Film Festival con il corto O Que Arde Cura, interpretato dallo stesso Rodrigues. João Pedro Rodrigues (Lisbon, Portugal, 1966) debuted in 1997 with the short film Parabéns!. The feature Phantom was in competition in Venice in 2000, and Odete received a special mention in Cannes in 2005. He participated at the 30 Torino Film Festival with the documentary Manhã de Santo António, and won the Internazionale.doc section with A Última Vez Que Vi Macau (2012), which he directed with João Rui Guerra da Mata. TH João Rui Guerra da Mata (Portugal) started working in the movie industry as an actor, screenwriter, and assistant director for João Pedro Rodrigues. Later he co-directed with Rodrigues China, China, awarded for best short at the Belfort Film Festival. He participated at the 30 Torino Film Festival with the short As the Flames Rose, featuring João Pedro Rodrigues. TH filmografia/filmography João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata: China, China (cm, 2007), Alvorada Vermelha (cm, 2011), A Última Vez Que Vi Macau (doc., 2012), Mahjong (cm, 2013). telmo churro REI INÚTIL CONTENTS Portogallo/Portugal, 2013, HD, 25’, col. regia, sceneggiatura, montaggio/director, screenplay, film editing Telmo Churro fotografia/cinematography Mário Castanheira suono/sound Ricardo Leal interpreti e personaggi/ cast and characters Pedro Neto (Tiago), Bárbara Valentina (Mãe), Fernando Rebelo (Don Sancho II), Joana Feijó (Rita), Manuel Mozos (il professore di storia/ professor of history) produttori/producers Luís Urbano, Sandro Aguilar produzione/production O Som e a Fúria ** contatti/contacts Agencia da Curta Metragem Salette Ramalho Tel: +351 252 646 683 [email protected] www.curtas.pt/agencia Telmo Churro (Lisbona, Portogallo, 1977), dopo gli studi in cinema alla Escola Superior Artística di Porto e la specializzazione in montaggio alla Escola Superior de Teatro e Cinema di Amadora, ha iniziato nel 2000 a lavorare in ambito cinematografico, come montatore, assistente alla regia, sceneggiatore e segretario di edizione. Rei Inútil è il suo primo cortometraggio da regista. UNA COSA INUTILE [T.L.] Aprile si avvicina e per il terzo anno consecutivo Tiago pensa al viaggio di diploma, ancora in forse, da fare con la ragazza del momento: il problema è che neanche quest’anno sa se passerà gli esami e, a dirla tutta, le premesse non sono buone. Le uniche speranze di ottenere il diploma sono concentrate nel risultato dell’esame di storia, ma la domanda del test riguardava Don Sancho II e Tiago non è così convinto di aver risposto bene sulla vita del leggendario sovrano. «Quando ho iniziato a pensare a Rei Inútil immaginavo un ragazzo, una specie di resistente in una città, la mia, sempre più deserta. In un luogo che molti, specie se turisti, considerano allegro, questo ragazzo malinconico si sarebbe confrontato con ciò che è rimasto: i parchi e i loro animali, le statue dei poeti morti, le chiese svuotate di fedeli. Un personaggio, i suoi piccoli problemi, la città monumentale: un rapporto di scala tra il corpo e la statua, tra la vita mondana e un alto potere spirituale. Poi il film mi ha condotto su altri percorsi, e io l’ho seguito». REX INUTILIS April approaches, and for the third year in a row, Tiago is thinking about his still-uncertain graduation trip, which he wants to take with his girlfriend of the moment. The problem is that he isn’t sure he’ll pass his exams this year either and, to be quite honest, the outlook is not good. His only chance for getting his diploma lies in his history exam, but the questions are about Don Sancho II and Tiago isn’t convinced that he wrote the correct answers about the life of the legendary king. “When I got the first urge to make Rei Inútil I thought of a young man, a resistant in a city that is my own, increasingly deserted of inhabitants. In this city, which some many consider cheerful – especially tourists – this melancholic boy would be confronted with what was left: parks and their animals, statues of dead poets, churches empty of their faithful. And him, with his small problems, facing the monumental city. Hence, a scale relation. The living body opposing the statue, or the mundane life discussed with the highest spiritual power. Then, the film rocked me through other paths, and there I went.” 154 ONDE PORTOGHESI/ P O R T O G U E S E W AV E S Telmo Churro (Lisbon, Portugal, 1977), after studying film at the Escola Superior Artística in Porto and specializing in film editing at the Escola Superior de Teatro e Cinema in Amadora, began working in the film world in 2000 as an editor, assistant director, screenwriter and script supervisor. Rei Inútil is the first short he has directed. filmografia/filmography Rei Inútil (cm, 2013). CONTENTS Luton (2013) di Michalis Konstantatos Yu Likwai Futuro anteriore CONTENTS DI MASSIMO CAUSO Love Will Tear Us Apart (1999) di Yu Likwai A guardare i suoi film lo si direbbe un nostalgico tendente al malinconico, ma Yu Likwai è piuttosto una sorta di futurologo che venne dal passato, un residuo di consapevolezza disperso in territorio ostile, in un tempo a venire che è già trascorso senza che ce ne rendessimo conto. Sarà che appartiene a una generazione che a Hong Kong ci è nata ed è cresciuta in vista dell’handover, destinata ad arrivare ancora giovane al 1997 e dunque portata a coniugare il suo tempo al futuro anteriore, proiettandosi laddove il passaggio alla Cina sarà già stato. Scarto non da poco rispetto alla stirpe di maestri che lo precede (Ann Hui, Fruit Chan, Wong Karwai…), autori che a Hong Kong ci sono arrivati con le loro famiglie molto prima e hanno raggiunto la scadenza del 1997 con ben altro spirito. È forse per questo che il cinema di Yu Likwai è segnato da un distacco ostinato dalle conseguenze del tempo, il motivo per cui questo regista (che è anche uno dei più grandi direttori della fotografia asiatici in attività) filma la realtà come fosse un vetro trasparente che separa i personaggi dalle loro storie e dal loro presente. A Yu Likwai il futuro si presenta come già scritto, uno scenario in cui si muovono figure alle quali il tempo non appartiene se non nella misura in cui è già stato vissuto. Dietro l’allure che promana dal gioco di intitolare i suoi film sull’onda new wave di Velvet Underground e Joy Division, c’è in fondo quell’ombreggiare neoromantico di un’inquietudine da futuro rimosso che appartiene al suo cinema. Esattamente come dietro le astrazioni 156 ONDE W AV E S - YU LIKWAI - YU LIKWAI metropolitane in cui sprofonda i suoi personaggi c’è l’impossibilità di collocarli in uno spazio reale. Nei suoi film Hong Kong è un’ipotesi scritta sulla pelle di figure in transito, uno scenario che si configura come una porzione di una Cina continentale da considerarsi nella sua interezza. Per niente partecipe del mito hongkonghese (poetica della «scadenza» di Wong Karwai compresa...), il cinema di Yu Likwai nasce semmai in considerazione della sua illusorietà a termine e si consuma nella consapevolezza di una globalità che ha già risucchiato tutto nell’indeterminatezza dei singoli destini: da Shenzhen a Hong Kong, dalla Cina sino al Brasile… Sin dal suo dittico di partenza, composto da Neon Goddesses (1996) e Love Will Tear Us Apart (1999, documentario/finzione, in conseguenza diretta), Hong Kong è il punto di arrivo di una Cina pensata nella sua interezza, la meta dorata di un transito di umane migrazioni che si annulla nelle promesse tradite del libero mercato. Immancabilmente inscritti in vaghi melodrammi (più che il genere, il mood di riferimento del cinema di Yu Likwai), questi personaggi risuonano di distanze esistenziali, di disamori vissuti come in latitanza di sé. Il loro spazio vitale si realizza in una gestualità minima, in relazioni improprie e indefinite, nei non amori che nutrono sentimenti confusi, nelle unioni che non legano le esistenze. Ne consegue il dittico postatomico: All Tomorrow’s Parties (2003) e Dance with Me to the End of Love (2004) sono traccia di una malinconia insordita nell’estinzione del tempo, che prende forma in una fantascienza che trasfigura la classica distopia nell’avvenire di un mondo irregimentato in ipotesi di annullamento totalitario (dal comunismo all’islamismo dei talebani). Prove di astrazione quietamente visionaria destinate a confluire in quel film della contaminazione per eccellenza che è Plastic City (2008). Un saggio sulla falsificazione e sulla trasversalità che tiene in sé tutte le dimensioni del tempo, dello spazio, della visione, del cinema: si colloca sull’onda della nuova economia guidata dalla Cina e la cavalca dalle strade delle favelas di San Paolo, descrive giochi di potere ed erge a eroi due dannati perdenti, parte dalle gang della giungla di cemento metropolitana e si consuma nell’arcaica magia delle tribù amazzoniche della foresta pluviale… Yu Likwai Future perfect CONTENTS BY MASSIMO CAUSO All Tomorrow’s Parties (2003) di Yu Likwai To watch his films, you would say he is a nostalgic tending toward the melancholic, but instead, Yu Likwai is more like a futurologist who comes from the past, a residue of awareness lost in hostile territory, in a future time which has already come and gone unbeknownst to us. It might be because he belongs to a generation that was born and raised in a Hong Kong overshadowed by the handover. He was destined to still be young in 1997 and thus, obliged to conjugate his era in the future perfect, projecting himself into a time when the city would already have been relinquished to China. Quite a leap, compared to the breed of maestros who preceded him (Ann Hui, Fruit Chan, Wong Karwai…), filmmakers who had come to Hong Kong with their families much earlier and had reached the 1997 deadline with quite a different spirit. This might be the reason why the cinema of Yu Likwai is marked by a stubborn detachment from the consequences of time, the reason why this director (who is also one of the greatest directors of photography active in Asia today) films reality as though it were a pane of transparent glass separating his characters from their stories and from their present. To Yu Likwai, the future presents itself as something already written, a scenario for the actions of figures to whom time does not seem to belong, if not in the measure to which it has already been lived. Behind the allure that emanates from his game of entitling his films in the new wave wake of the Velvet Underground and Joy Division, his cinema 157 ONDE W AV E S - YU LIKWAI - YU LIKWAI has the deep, neo-Romantic shadow of anxiety of a repressed future. In the same manner, his characters are submerged in metropolitan abstractions that make it impossible to place them in a real space. His Hong Kong films are marked by a hypothesis engraved on the skin of figures in transit, a scenario which reveals itself as a portion of a continental China that is to be considered in its entirety. A far cry from the Hong Kong myth (including Won Karwai’s poetics of “deadlines”), the cinema of Yu Likwai, if anything, springs from the consideration of its terminable illusoriness and exhausts itself in the awareness of a globalism that has already sucked everything down into the open-endedness of each single destiny: from Shenzhen to Hong Kong, from China all the way to Brazil… Right from his initial diptych, composed of Neon Goddesses (1996) and Love Will Tear Us Apart (1999, documentary/fiction, in direct consequence), Hong Kong is the arrival point of a China that is conceived as a whole, the golden target of human migrations that are annulled in the betrayed promises of the free market. Unfailingly inscribed in vague melodramas (which, more than genres, are the mood of reference of Yu Likwai’s cinema), these characters resonate with existential distances, estrangements experienced like an absence from oneself. Their vital space is worn down in a modicum of gestures, in improper and indefinite relationships, in non-loves that nurture confused feelings, in unions that do not bind existences. This led to the post-atomic diptych: All Tomorrow’s Parties (2003) and Dance with Me to the End of Love (2004) are the traces of a melancholy deafened in the extinction of time, that takes form in a type of science fiction that transfigures the classic dystopia into the coming of a world that is unregulated in hypotheses of totalitarian annulment (from Communism to the Islamism of the Taliban). Examples of quietly visionary abstraction, destined to flow into that film of contamination par excellence, Plastic City (2008). A treatise on the falsifications and the crosscurrents that encompass all the dimensions of time, of space, of vision, of cinema: it takes its place on the wave of the new economy led by China and rides it from the streets of the São Paulo shantytowns, tracing power games and making heroes out of two ill-fated losers; it starts with the gangs of the metropolitan asphalt jungle and burns out in the archaic magic of the tribes of the Amazonian rain forest… CONTENTS Yu Likwai (Hong Kong, Cina, 1966), dopo gli studi in Belgio preso l’Insas (Institut national supérieur des arts de spectacle), si è laureato in cinema nel 1994 e ha iniziato a lavorare come direttore della fotografia, avviando un’importante collaborazione con Jia Zhangke. Sua la fotografia di numerosi film del regista cinese, tra cui Pickpocket (1997), Platform (2000), Unknown Pleasures (2002), The World (2004), Still Life (2006), 24 City (2008), I Wish I Knew (2010) e Il tocco del peccato (2013), vincitore del premio per la miglior sceneggiatura all’ultimo Festival di Cannes. Dal sodalizio tra i due autori è nata nel 2003 anche la casa di produzione Xstream Pictures. Yu Likwai ha inoltre lavorato con la regista di Hong Kong Ann Hui, curando la fotografia di Ordinary Heroes (1999) e soprattutto di A Simple Life, presentato in concorso alla Mostra di Venezia nel 2011 e vincitore della Coppa Volpi per la migliore interprete femminile Deannie Yip. Recentemente ha collaborato al primo film da regista della scrittrice cinese Quan Ling, Forgetting to Know You (2013), prodotto da Jia Zhangke e presentato al Forum della scorsa Berlinale. Parallelamente al lavoro di direttore della fotografia, nel 1996 Yu Likwai ha avviato la carriera di regista con il cortometraggio documentario Yuan Ping, seguito l’anno successivo dal mediometraggio documentario Neon Goddesses (1996). Nel 1999 ha poi diretto il lungometraggio Love Will Tear Us Apart, presentato in concorso a Cannes, e nel 2003 All Tomorrow’s Parties (2003), selezionato sempre a Cannes, nella sezione Un certain regard, e vincitore di una menzione speciale per la fotografia al Bafici e del Premio New Visions al festival di Sitges. Nel 2004 Yu Likwai ha partecipato al progetto Jeonju International Film Festival con il cortometraggio Dance with Me to the End of Love, presentato nello stesso anno al Torino Film Festival, e nel 2008 ha diretto quello che al momento resta il suo ultimo film da regista, Plastic City, presentato in concorso alla Mostra di Venezia. 158 ONDE W AV E S - YU LIKWAI - YU LIKWAI Yu Likwai (Hong Kong, China, 1966) studied in Belgium at the INSAS (Institut National Supérieur des Arts de Spectacle), graduating in film in 1994, and began working as a cinematographer, the start of an important collaboration with Jia Zhangke. He directed the photography of many of the Chinese filmmaker’s movies, including Pickpocket (1997), Platform (2000), Unknown Pleasures (2002), The World (2004), Still Life (2006), 24 City (2008), I Wish I Knew (2010), and A Touch of Sin (2013), which won best screenplay at the last Cannes Film Festival. The collaboration between the two artists also led to the founding of the production company Xstream Pictures in 2003. Yu Likwai has also worked as director of photography with the Hong Kong director Ann Hui on Ordinary Heroes (1999) and above all on A Simple Life, which competed at the 2011 Venice Film Festival and for which Deannie Yip won the Volpi Cup for best actress. He recently collaborated on the first film directed by the Chinese author Quan Ling, Forgetting to Know You (2013), produced by Jia Zhangke and presented at the Forum of the last Berlinale. Alongside his work as director of photography, in 1996 Yu Likwai began his career as a director with the short documentary Yuan Ping, followed the next year by the medium-length documentary Neon Goddesses (1996). In 1999 he directed the feature-length Love Will Tear Us Apart, which competed at Cannes, and in 2003 All Tomorrow’s Parties (2003), selected for Cannes in the section Un certain regard, and winner of a special mention for the photography at BAFICI and the New Visions Award at the Sitges Film Festival. In 2004 Yu Likwai participated in the Jeonju International Film Festival project with the short Dance with Me to the End of Love, presented that same year at the Torino Film Festival, and in 2008 he made what for the moment is his most recent film as a director, Plastic City, which competed at the Venice Film Festival. filmografia/filmography Yuan Ping (cm, doc., 1995), Neon Goddesses (mm, doc., 1996), Tin seung yan gaan (Love Will Tear Us Apart, 1999), Mingri tianya (All Tomorrow’s Parties, 2003), Jeonju Digital Project 2004 (coregia/codirectors aa.vv., ep. Dance with Me to the End of Love, 2004), Dangkou (Plastic City, 2008). CONTENTS Plastic City (2008) di Yu Likwai yu likwai NEON GODDESSES CONTENTS Belgio-Hong Kong/Belgium-Hong Kong, 1996, 16mm, 46’, col. regia, fotografia/director, cinematography Yu Likwai montaggio/film editing Michèle Hubinon suono/sound Zhang Yang produttore/producer Karine de Villers produzione/production Centre de l’Audiovisuel à Bruxelles (CBA), Hu Tong Communication coproduzione/coproduction Ministère de la Communauté française de Belgique, La Loterie Nationale LE DEE DEL NEON [T.L.] Documentario dedicato a tre ragazze di provincia trasferitesi a Pechino. Yu Quin, diplomata in musica e madre di una bambina, ha lasciato la figlia al villaggio e ha trovato lavoro nel bar di un night club; Hu Jin ha abbandonato gli studi prima di trasferirsi e occasionalmente viene assunta come comparsa e modella; Zun Jia, dopo diversi tentativi di suicidio e un periodo di dipendenza dalle droghe, è finita a fare la ballerina in una discoteca. Frastornate dalle luci al neon e dalla musica assordante, le tre donne provano a dimenticare il loro difficile passato e a rifarsi una vita. NEON GODDESSES A documentary about three girls from the provinces who move to Beijing. Yu Quin, who has a diploma in music and a young daughter, left her child behind in the village and has found a job working at the bar in a night club. Hu Jin dropped out of school before moving away and finds occasional work as an extra and a model. Zun Jia, after various failed suicide attempts and a stint as a drug addict, has ended up as a dancer in a disco. Dazed by the neon lights and the deafening music, the three women try to forget their difficult past and make a new life for themselves. 160 ONDE W AV E S - YU LIKWAI - YU LIKWAI yu likwai TIN SEUNG YAN GAAN CONTENTS LOVE WILL TEAR US APART Hong Kong, 1999, 35mm, 109’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Yu Likwai fotografia/cinematography Lai Yiu Fai montaggio/film editing Chow Keung scenografia/ production design Elbut Poon interpreti e personaggi/ cast and characters Tony Leung (Ah Jian), Wong Ning (Ah Ying), Lu Li Ping (Ah Yan), Rolf Chow (Ah Chun) produttori/producers Stanley Kwan, Tony Leung produzione/production Hu Tong Communication vendita all’estero/ world sales Celluloid Dreams LOVE WILL TEAR US APART Ying è una prostituta di Wuhan, che decide di traferirsi con un breve permesso di soggiorno a Hong Kong: qui non conosce nessuno e nessuno, neppure la città, sa della sua esistenza. In questo nuovo scenario, incontra altre tre persone giunte a Hong Kong dalla Cina continentale: Yan, un’insegnante di danza che ora lavora come addetta all’ascensore in un ristorante, Jian, il ragazzo di Yan, impiegato in un negozio di video porno e, infine, Chun che di mestiere ripara ascensori. Tra bordelli d’infimo ordine e karaoke deserti, le loro vite si intrecciano e prendono direzioni diverse. «Questo è un film sulla Hong Kong “post cinese”: nel senso che in questa Regione amministrativa speciale della Repubblica popolare cinese l’essenza dei cinesi si è sfaldata, ha perso di senso. Emigrante per natura, la gente qui soffre costantemente di una nostalgia per un altrove indefinito. Il film si propone di fare una sorta di esame patologico su cosa significhi “essere cinese” nella mia città natale». LOVE WILL TEAR US APART Ying, a prostitute in Wuhan, decides to move to Hong Kong with a short-term residency permit: there, no one knows her and no one – not even the city – knows she exists. In Hong Kong she meets three other people who have arrived from continental China: Yan, a dance teacher who now works an elevator in a restaurant; Jian, Yan’s boyfriend, who works in a store that sells porn videos; and Chun, who services elevators. Between third-rate brothels and deserted karaoke clubs, their lives mingle and take different directions. “This is a film about ‘post-Chinese’ Hong Kong. ‘Post-Chinese’ in the sense that in this Special Administrative Region of the People’s Republic of China the Chinese essence has become brittle and emptied of its substance. Migrants by nature, the people here are perpetual victims of a nostalgia from somewhere else. The film sets out to construct a kind of pathology of what it means to be Chinese in my native city.” 161 ONDE W AV E S - YU LIKWAI - YU LIKWAI yu likwai MINGRI TIANYA ALL TOMORROW’S PARTIES CONTENTS Cina/China, 2003, 35mm, 95’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Yu Likwai fotografia/cinematography Lai Yiu Fai montaggio/film editing Chow Keung scenografia/ production design Zhao Xiao Yu costumi/costume design Fu Jing Ping musica/music Yoshihiro Hanno suono/sound Ken Wong interpreti e personaggi/ cast and characters Cho Yong Won (Xuelan), Diao Yi Nan (Zhuai), Na Ren (Lanlan), Zhao Wei Wei (Mian) produttori/producers Li Kit Ming, Hengameh Panahi produzione/production Lumen Films vendita all’estero/ world sales Celluloid Dreams ALL TOMORROW’S PARTIES Metà del ventunesimo secolo. La potente setta del Gui Dao detta legge nell’Asia post apocalittica e porta avanti una campagna di epurazione dei dissidenti. Tra questi, i due fratelli Zhuai e Mian vengono catturati e inviati a Camp Prosperity per essere rieducati. Inaspettatamente, il potere viene rovesciato e i due ragazzi hanno la possibilità di sperimentare la libertà: Zhuai si innamora di Xuelan e porta la ragazza e suo figlio in una città deserta, dove si stabiliscono in un appartamento abbandonato cercando di vivere i piccoli piaceri della vita. «Non so se il soggetto di All Tomorrow’s Parties possa essere considerato fantascienza. Anticipare il futuro non significa automaticamente fare della fantascienza. […] Il film è una storia che predice il futuro: un’Asia post apocalittica. Potrà succedere domani, nel 2075 o nel 3000: chi lo sa. […] A pensarci bene, il racconto può adattarsi facilmente a ogni evento contemporaneo, potrebbe anche essere un film sul dopoguerra. L’ho ambientato nel futuro perché mi permetteva di esprimere meglio le mie emozioni nei confronti delle nostre assurdità e delle nostre fragilità». ALL TOMORROW’S PARTIES The mid-21 century. The powerful sect Gui Dao controls post-apocalyptic Asia and is conducting a campaign to eliminate all dissidents. These include the two brothers Zhuai and Mian, who are captured and sent to Camp Prosperity to be re-educated. Unexpectedly, the sect is overthrown and the two young men have a chance to taste freedom. Zhuai falls in love with Xuelan and takes her and her son to a deserted city, where they set up home in an abandoned apartment and try to explore the small pleasures of life. ST “I don’t really know if the subject matter of All Tomorrow’s Parties can really be categorized as science fiction. For me, anticipating the future does not automatically imply science fiction. […] The film is a story of anticipation: a post-apocalyptic Asia. It can happen tomorrow, it can happen in 2075 or 3000, who knows. […] As a matter of fact, the story could easily fit within the realms of any contemporary event. It could even be considered a post-war film. I situate the film in the future simply to enable me to better express my feelings against our absurditites, our fragilities.” 162 ONDE W AV E S - YU LIKWAI - YU LIKWAI yu likwai DANCE WITH ME TO THE END OF LOVE CONTENTS Corea del Sud-Hong Kong/ South Korea-Hong Kong, 2004, DigiBeta, 30’, col., muto/silent regia, sceneggiatura, fotografia, montaggio, produttore/director, screenplay, cinematography, film editing, producer Yu Likwai musica/musica Xiao He suono/sound Zhang Yang interpreti/cast Na Ren, Chow Chi Sung, Ah Dun, Xiao He produzione, distribuzione/ production, distribution Jeonju International Film Festival ** DANCE WITH ME TO THE END OF LOVE Plasticity soffre il Grande freddo, le condizioni atmosferiche estreme inibiscono l’esistenza sulla superficie terrestre e il mondo è ridotto a una landa desolata. Vicino alla cinquantesima periferia, si trova un ostello sotterraneo dove lavora come portiere Kirin, un orfano dall’origine sconosciuta che prende il nome dalle lattine di birre che raccoglie per guadagnarsi da vivere. La sua è una vita solitaria, fino a quando incontra la bella nomade Lanlan. «Voglio dare il mio contributo al cinema muto. Secondo me, i film muti sono grandi lezioni di cinema, sono pionieristici in termini di linguaggio cinematografico e costruzione narrativa, hanno inventato praticamente tutto. Con questo cortometraggio voglio abbandonarmi a quello stesso spirito di ingenuità e sincerità, esplorando le possibilità del digitale in continuità con una grande tradizione. Voglio rappresentare il tempo presente come una parodia, per creare una dialettica tra realtà e immaginario: tutto è familiare e contemporaneo, eppure la rappresentazione crea una sorta di discrepanza e distanza». DANCE WITH ME TO THE END OF LOVE Plasticity suffers from the Big Chill. The extreme weather condition prohibits any human existence on the ground surface. Near the 50 Periphery, an underground hostel sleeps under this deserted landscape… Kirin is the doorkeeper of the hostel. He is an orphan and nobodies know exactly where he is from. People name him Kirin simply because he earns his life by collecting emptied beer cans. He lives in his own solitude until one day he meet the beautiful nomad Lanlan. TH “In this short film project, I want to make my tribute to the silent film. For me, the silent movies are the biggest lesson of cinema. In terms of cinema language and narrative construction, the silent movies have nearly all invented for us. They are the pioneer of cinema. With this chance of making this short film, I want to indulge myself with this spirit of naivety and sincerity, exploring the digital visual possibilities in continuity of this great tradition. Shooting the present time as a Parody, to create dialectic between the reality and imagery. Everything is familiar and contemporary, yet the treatment itself will create a sort of discrepancy and distance.” 163 ONDE W AV E S - YU LIKWAI - YU LIKWAI yu likwai DANGKOU CONTENTS PLASTIC CITY Brasile-Cina-Giappone/Brazil-China-Japan, 2008, 35mm, 118’, col. regia/director Yu Likwai sceneggiatura/screenplay Yu Likwai, Fernando Bonassi fotografia/cinematography Lai Yiu Fai montaggio/film editing Wenders Li, André Finotti scenografia/ production design Cassio Amarante costumi/costume design Cristina Camargo musica/music Fernando Corona, Yoshihiro Hanno suono/sound Ken Wong interpreti e personaggi/ cast and characters Joe Odagiri (Kirin), Anthony Wong (Yuda), Huang Yi (Ocho), Tainá Müller (Rita), Jeff Chen (Mr Taiwan), Phelippe Haagensen (Tetsuo), Antônio Petrin (Coelho), Milhelm Cortaz (Not Dead), Alexandre Borges (Danilo), Cláudio Jaborandy (Mário) produttori/producers Fabiano Gullane, Caio Gullane, Chow Keung, Jia Zhang-Ke, Yuji Sadai, Siuming Tsui, Debora Ivanov, Gabriel Lacerda produzione/production Gullane, Xstream Pictures coproduttori/coproducers François Da Silva, Jacqueline Liu, Fumino Osaka coproduzione/coproduction Bitters End, Sundream Motion Pictures, Paris Filmes vendita all’estero/ world sales Celluloid Dreams 164 PLASTIC CITY Il quartiere Libertade di San Paolo è controllato dal boss sinobrasiliano Yuda e dal figlio adottivo Kirin; i due gestiscono il traffico dei capi di vestiario contraffatti provenienti dalla Cina. Costruito negli anni, l’impero di Yuda sembra inattaccabile, ma una cospirazione tra politica e mafia lo mette in ginocchio. Al contrario di Kirin, che decide di combattere per riconquistare l’onore del padre putativo, Yuda sceglie di arrendersi fuggendo nella foresta dove anni prima aveva trovato e salvato il figlio. «Plastic City è una storia di sopravvivenza. Comincia e finisce in una foresta mistica come l’Amazzonia, dove la lotta tra anima e corpo trova piena espressione. Mi interessano molto questi due aspetti: le contraddizioni di un gangster edonista e la sua realtà spirituale. Certamente, poi, il film è anche la storia di un padre e di un figlio. Per Kirin, il padre adottivo Yuda è decisamente “l’altro”, è paterno, ma distante. E lo stesso disilluso Yuda trova la definitiva liberazione e la serenità spirituale solamente uccidendosi di fronte al “figlio”. Il gesto finale pone fine a un mondo e ne fa nascere uno nuovo». PLASTIC CITY São Paulo. The Libertade neighborhood is controlled by the Sino-Brazilian boss Yuda and his adopted son, Kirin. The two control the trafficking of counterfeit clothing from China. Yuda has constructed a unassailable empire over the years, but a conspiracy between politicians and the mafia bring Yuda to his knees. Kirin wants to fight back to regain his father’s honor, but Yuda decides to give in and take refuge in the forest, where years earlier he had found and saved his son. “Plastic City is a story about survivors. It starts and ends in the mystic forest of the Amazon, where the wrestling-match between body and soul finds its full expression. I’m particularly interested in those two, linked aspects of survival: the duality of a gangster’s hedonism and his spiritual reality. It is, indeed, also a father-son story. For Kirin, his adoptive father Yuda is radically ‘other:’ parental, yet erratic. And yet the disabused Yuda finds his ultimate liberation and spiritual equanimity by killing himself in front of his ‘son.’ His final gesture kills one world and makes way for the birth of a new one.” ONDE W AV E S - YU LIKWAI - YU LIKWAI CONTENTS E I N TA N T O I N I TA L I A / M E A N W H I L E I N I TA LY MAURIZIO ZACCARO ADELANTE PETROLEROS | FRANCESCA ARCHIBUGI PAROLE POVERE | ANTONIETTA DE LILLO LA PAZZA DELLA PORTA ACCANTO E intanto in Italia Meanwhile in Italy CONTENTS DI/BY PAOLO VIRZÌ La pazza della porta accanto (2013) di Antonietta De Lillo In questa sezione saranno presentati i seguenti progetti di film in lavorazione/ As part of this program, the following directors will introduce their new films still in progress Antonietta De Lillo PRESENTA / PRESENTS Oggi insieme domani Anche Francesco Bruni PRESENTA / PRESENTS Noi 4 Alice Rohrwacher PRESENTA / PRESENTS Le meraviglie Gianni Zanasi PRESENTA / PRESENTS Che succede intanto nel deriso, bistrattato, eroico cinema italiano? Cosa bolle in pentola nella cucina di alcuni cineasti contemporanei dei quali ci interessa seguire le vicende? C’è chi ha girato un film e ha accettato di mostrarci qualche primizia esclusiva, chi deve ancora iniziare le riprese ma viene a condividere certi suoi preparativi, e chi invece, come interludio tra un film e l’altro, ha realizzato un documentario e ci fa il regalo di presentarcelo in anteprima. Sarà l’occasione per il pubblico del Festival di incontrare alcuni dei protagonisti del nostro cinema – con una selezione che va da quelli che consideriamo i più promettenti ad alcuni che invece già possono essere celebrati come giovani maestri – per dialogare con loro su quello che stanno combinando, sul loro percorso, il loro modo di raccontare, di concepire e allestire un’opera cinematografica, cercando magari di sollecitare anche la condivisione di quei travagli segreti che costituiscono l’officina creativa di un film. La felicità è un sistema complesso Diego Bianchi (Zoro) PRESENTA / PRESENTS Arance e martello 166 E I N TA N T O I N I TA L I A / M E A N W H I L E I N I TA LY What is happening meanwhile in the sneered, sidelined, and heroic Italian cinema? What is brewing in the kitchen of contemporary filmmakers? Some are making movies and accepted to show us some exclusive footage; some still need to start shooting, but they shared with us some of their preparations nonetheless; and others have made documentaries as an interlude between making features, and have given us the gift premiering them at the Torino Film Festival. It will be a chance for the Festival’s audience to meet some of our movie industry’s protagonists, ranging from the some of most promising talents to those already acclaimed as young masters. These encounters will offer the possibility to talk with them about what they have been doing, about their paths, their way of telling stories, their creative process, maybe getting them to share some of the secret pains comprising a film’s creative laboratory. maurizio zaccaro ADELANTE PETROLEROS L’ORO NERO DELL’ECUADOR CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 75’, col. regia, soggetto, sceneggiatura, produttore/ director, story, screenplay, producer Maurizio Zaccaro fotografia/cinematography Maurizio Zaccaro, Eloy Zecca montaggio/film editing Dario Indelicato musica/music Carlo Siliotto, Claudio Capponi, Alessio Vlad, Andrea Alessi produzione/production FreeSolo Produzioni ** contatti/contacts Maurizio Zaccaro [email protected] ADELANTE PETROLEROS - L’ORO NERO DELL’ECUADOR Sette anni fa l’Ecuador ha deciso di rinunciare allo sfruttamento dei giacimenti petroliferi della foresta pluviale: per fare questo ha chiesto alla comunità internazionale di compensare il mancato guadagno con la creazione di un fondo per raccogliere in dodici anni circa la metà del ricavo previsto. A distanza di sei anni i risultati sono così fallimentari che il 15 agosto scorso il presidente Correo ha annunciato di voler iniziare lo sfruttamento petrolifero nel parco naturale dello Yasuní. «Il fenomeno del land grabbing (letteralmente, razzia di terre) è facile da spiegare: si tratta di concessioni, o di acquisti massicci da parte delle multinazionali degli Stati più ricchi, di enormi porzioni di territorio nei Paesi più poveri di Sud America, Africa, e così via, per trasformarli in colture intensive e soprattutto per estrarre ricchezze del sottosuolo come oro e petrolio. Quello che sta accadendo in queste terre, quindi, è la distruzione degli ecosistemi locali e l’estinzione delle nazioni indigene che hanno nella foresta pluviale il loro territorio ancestrale». ADELANTE PETROLEROS - THE BLACK GOLD OF ECUADOR [L.T.] Seven years ago, Ecuador decided to not to exploit the oilfields under the rainforest. In order to do so, it asked the international community to compensate it for the loss of profit by creating a fund that would collect almost half of the expected revenue over twelve years. Six years later, the initiative resulted in such a failure that on 15 August 2013, President Correo announced that they would start drilling for oil in the Yasuní National Park. “The land grabbing issue can be easily explained: multinational corporations from the wealthiest nations are buying or leasing enormous pieces of land in developing countries in Latin America, Africa, and so on; their purpose is to exploit the soil for intensive farming or to extract precious materials like gold or oil. But this is actually happening in these lands is the destruction of local ecosystems and the extinction of indigenous nations for which the rainforest represents their ancestral home.” 167 E I N TA N T O I N I TA L I A / M E A N W H I L E I N I TA LY Maurizio Zaccaro (Milano, Italia, 1952), diplomato alla Scuola del cinema di Milano, nel 1977 ha realizzato Overkill, vincitore a Oberhausen. La frequentazione del laboratorio di Ipotesi Cinema lo ha portato a realizzare nel 1987 In coda alla coda, mentre nel 1991 con Dove comincia la notte ha vinto un David di Donatello, premio ottenuto anche nel 1999 con Un uomo perbene. Dal 2000 al 2011 ha diretto fiction televisive e miniserie (Cuore, I ragazzi della via Pal, Le ragazze dello swing) e nel 2009 ha diretto il documentario Il Piccolo, presentato come il successivo Un foglio bianco (2011) a Venezia. Nel 2012 ha curato la direzione artistica del progetto di Ermanno Olmi Come voglio che sia IL MIO FUTURO, Proiezione speciale a Venezia. Maurizio Zaccaro (Milan, Italy, 1952), after graduating from the Milan Film School in 1977, made the short film Overkill, receiving an award at Oberhausen. He then went to the film school Ipotesi Cinema, which brought him to making In coda alla coda in 1987. He won a David di Donatello in 1991 for Where the Night Begins, and second one in 1999 for Un uomo per bene. He directed many TV movies and miniseries from 2000 to 2011 (Cuore, I ragazzi della via Pal, Le ragazze dello swing), and he directed the documentary film Il Piccolo (2009), participating at the Venice Film Festival, just like Un foglio bianco (2011). In 2012 he worked as the artistic director for Ermanno Olmi’s project Come voglio che sia IL MIO FUTURO, which participated in Venice in the Special Screenings section. filmografia essenziale/ essential filmography Overkill (cm, 1977), In coda della coda (1988), Dove comincia la notte (1990), Kalkstein - La valle di pietra (1992), L’articolo 2 (1993), Il carniere (1996), La missione (1997), Cristallo di rocca (1998), Un uomo perbene (1999), I ragazzi della via Pal (tv, 2002), Al di là delle frontiere (tv, 2003), Mafalda di Savoia (tv, 2005), ’O professore (tv, 2006), Lo smemorato di Collegno (tv, 2008), I nove semi (l’India di Vandana Shiva) (2009), Un foglio bianco (2011), A testa alta (2013), Adelante petroleros - L’oro nero dell’Ecuador (doc., 2013). francesca archibugi PAROLE POVERE CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 60’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Francesca Archibugi fotografia/cinematography Debora Vrizzi montaggio/film editing Esmeralda Calabria musica/music Battista Lena suono/sound Francesco Morosini interprete/cast Pierluigi Cappello produzione/production Agherose, Dorino Minigutti, Tucker Film, Thomas Bertacche coproduzione/coproduction Centro Espressioni Cinematografiche, Banca Popolare FriulAdria, Mittelfest di Cividale del Friuli ** contatti/contacts Agherose Patrizia Di Lenardo Tel: +39 043 218 417 18 [email protected] www.agherose.com PAROLE POVERE Parole povere è la collisione tra gli occhi di una regista e le parole di un poeta: lei offre il suo sguardo, lui la sua identità. La macchina da presa cerca risposte con affettuoso pudore, il montaggio racconta, senza estetizzare, la musica diventa scansione narrativa e la storia di Pierluigi scorre sullo schermo così come nella quotidianità: le radici friulane e le testimonianze degli amici; i luoghi e i ricordi; l’ombra scura del ’76 e il profilo delle montagne; la sedia a rotelle che spezza la libertà di un sedicenne e disegna, millimetro dopo millimetro, la libertà di un uomo. Di un poeta. Di un guerriero mite che abita «tra l’ultima parola detta e la prima nuova da dire». «Mi sono avvicinata a Pierluigi Cappello quando è diventato il mio compagno di comodino. Non ci conoscevamo, eppure eravamo già intimi. Le sue poesie sono piene di immagini e forse le ho perfino sognate. Non sapevo nulla della sua vicenda personale, dell’incidente in moto a sedici anni e della sua vita in carrozzina da allora. Nessun indizio dalle poesie: nei suoi versi Pierluigi corre, a volte vola». SIMPLE TERMS [L.T.] Parole povere is the collision between the eyes of a filmmaker and the words of a poet: she offers her gaze, he offers his identity. The camera looks for answers with doting discretion, the editing conveys without embellishments, the music turns into a narrative scansion, and Pierluigi’s story runs on the screen as it would in everyday life: his roots in Friuli and the personal stories told by his friends; the places and the memories; the dark shadow of 1976 and the silhouette of the mountains; the wheelchair, crippling the freedom of a sixteen-year-old boy and drawing, millimeter after millimeter, the freedom of a man. Of a poet. Of a warrior, mild and kind, who lives “between the last word spoken and the new one to be said.” “I approached Pierluigi Cappello when he became my bedside table companion. We didn’t know each other, but were already intimate. His poems are full of images, I might even have dreamt some. I didn’t know anything about his personal life, about the motorcycle accident when he was sixteen, and that he spent the rest of his life in a wheelchair. There’s no trace of it in the poems: in his verses Pierluigi runs, and sometimes he flies.” 168 E I N TA N T O I N I TA L I A / M E A N W H I L E I N I TA LY Francesca Archibugi (Roma, Italia, 1960), dopo essere stata Ottilia nelle Affinità elettive (1979) di Gianni Amico, ha frequentato il Centro sperimentale di cinematografia di Roma e la Scuola Ipotesi Cinema di Bassano, specializzandosi in sceneggiatura e regia. Con il film d’esordio Mignon è partita (1988) ha ottenuto due David di Donatello e due Nastri d’argento, oltre a un’ottima accoglienza di pubblico e critica. Dopo Verso sera (1990), interpretato da Marcello Mastroianni, con Il grande cocomero (1993) ha vinto diversi premi, tra cui quello della giuria ecumenica a Cannes. Nel 1994 ha diretto Con gli occhi chiusi e quattro anni dopo ha presentato a Venezia L’albero delle pere. Nel 2001 ha partecipato al Festival di Cannes con Domani e, dopo l’esperienza televisiva di Renzo e Lucia, ha diretto Lezioni di volo (2007) e Questioni di cuore (2009). Francesca Archibugi (Rome, Italy, 1960), after playing Ottilia in Le affinità elettive (1979), directed by Gianni Amico, studied scriptwriting and film direction at the Centro Sperimentale di Cinematografia in Rome and at the school Ipotesi Cinema in Bassano. She received two David di Donatello awards and two Nastri d’argento for her debut feature Mignon Has Come to Stay (1988), a hit with the public and the critics alike. After Towards Evening (1990), featuring Marcello Mastroianni, she made The Great Pumpkin (1993), winning several awards, including the prize of the ecumenical jury at Cannes. She directed With Closed Eyes in 1994, and she presented The Pear Tree in Venice four years later. In 2001 she participated at the Cannes Film Festival with Tomorrow. After her experience in television directing the TV movie Renzo e Lucia, she made the features Flying Lessons (2007) and A Matter of Heart (2009). filmografia/filmography Mignon è partita (1988), Verso sera (1990), Il grande cocomero (1993), Con gli occhi chiusi (1994), L’unico paese al mondo (cm, 1994), Ritratti d’autore (coregia/codirectors aa.vv, ep., tv, 1996), La strana storia di Banda Sonora (doc., 1997), L’albero delle pere (1998), Domani (2001), Renzo e Lucia (tv, 2004), Gabbiani. Studio su Il gabbiano di Anton Cechov (doc., 2004), Lezioni di volo (2007), Questione di cuore (2009), Giulia ha picchiato Filippo (cm, 2012), Parole povere (mm, doc., 2013). antonietta de lillo LA PAZZA DELLA PORTA ACCANTO CONTENTS CONVERSAZIONE CON ALDA MERINI Italia/Italy, 2013, HD, 52’, col. regia/director Antonietta De Lillo montaggio/film editing Valeria Sapienza musica/music Philippe Sarde, Ascanio Celestini interprete/cast Alda Merini produzione/production marechiarofilm ** contatti/contacts marechiarofilm Antonietta De Lillo Tel: +39 06 772 002 42 [email protected] www.marechiarofilm.it All’interno del programma sarà proiettato Frammenti d’amore per il film partecipato: materiali d’archivio, opere di animazione, filmini di matrimoni, documentari, lavori ancora in lavorazione, che andranno a comporre Oggi insieme domani Anche, secondo film «partecipato» della marechiarofilm, dedicato ai temi dell’amore e della separazione nella società italiana contemporanea. During the program, Frammenti d’amore per il film partecipato will be screened: archive material, animated films, home movies of weddings, documentaries, works still in production, all of which will compose Oggi insieme domani Anche, the second “participated” film of marechiarofilm, about topics regarding love and separation in contemporary Italian society. 169 LA PAZZA DELLA PORTA ACCANTO CONVERSAZIONE CON ALDA MERINI Alda Merini racconta la propria vita in una narrazione intima e familiare, oscillando tra pubblico e privato e soffermandosi sui capitoli più significativi della sua esistenza: l’infanzia, la femminilità, gli amori, la maternità e il rapporto con i figli, la follia e la lucida riflessione sulla poesia e sull’arte. Il volto della poetessa e i dettagli di occhi, mani e corpo ne compongono un ritratto che non nasconde le contraddizioni di una tra le più importanti e note figure letterarie del secolo scorso. «Da quando realizzai Ogni sedia ha il suo rumore nel 1995 ho sempre avuto nel cuore l’dea di recuperare il materiale prezioso “rimasto nel cassetto” dell’incontro con Alda Merini. Un materiale che in quel lavoro si intrecciava con la performance di Licia Maglietta, tagliando inevitabilmente fuori la parte della conversazione con Alda Merini. A distanza di vent’anni, grazie alla collaborazione di Rai Cinema, questo materiale è stato finalmente recuperato ed è diventato La pazza della porta accanto, un lavoro che restituisce integralmente quello straordinario incontro». THE CRAZY WOMAN NEXT-DOOR CONVERSATION WITH ALDA MERINI [L.T.] Alda Merini tells her life in a personal and familiar narrative, fluctuating between public and private, lingering on the most significant chapters of her existence: childhood, womanhood, love, maternity and the relationship with her children, madness and the lucid reflection on poetry and art. The face of the poetess and the details of her eyes, hands, and body create a portrait that does not hide the contradictions of one of the most important and renowned literary figures of the twentieth century. “Ever since I made Ogni sedia ha il suo rumore in 1995, I have always wanted to retrieve the precious unused footage from the encounter with Alda Merini. At the time, that material was entwined with Licia Maglietta’s performance, inevitably cutting out parts of the conversation with Alda Merini. This footage was recovered almost twenty years later thanks to the collaboration of Rai Cinema, becoming La pazza della porta accanto, which restores that extraordinary encounter in its entirety.” E I N TA N T O I N I TA L I A / M E A N W H I L E I N I TA LY Antonietta De Lillo (Napoli, Italia, 1960) ha iniziato a lavorare come fotoreporter, prima di dirigere nel 1985 con Giorgio Magliulo Una casa in bilico, Nastro d’argento come miglior opera prima. Tra il 1992 e il 1999 ha realizzato documentari e videoritratti premiati in diversi festival internazionali, tra cui Ogni sedia ha il suo rumore, dedicato ad Alda Merini. Con Racconti di Vittoria (1995) ha ottenuto il Premio Fedic e quello del Sindacato critici cinematografici a Venezia, mentre con Non è giusto ha partecipato al Festival di Locarno. Il resto di niente (2004), presentato a Venezia, ha vinto tre David di Donatello e il Premio Flaiano per la sceneggiatura. Nel 2007 ha fondato la casa di produzione e distribuzione marechiarofilm. Antonietta De Lillo (Naples, Italy, 1960) started working as a press photographer before making Una casa in bilico with Giorgio Magliulo in 1985, which won the award Nastro d’argento for best new director. Between 1992 and 1999, she made many documentary films and video-portraits, which won awards in several international film festivals; Ogni sedia ha il suo rumore, dedicated to Alda Merini, is among them. She directed Racconti di Vittoria in 1995, winning in Venice the FEDIC Award and the prize from the Film Critics Union. She then participated to the Locarno Film Festival with Non è giusto. Il resto di niente, presented in Venice in 2004, won three David di Donatello Awards, and the Flaiano Award for best screenplay. In 2007 she started the production and distribution company marechiarofilm. filmografia essenziale/ essential filmography Una casa in bilico (coregia/codirector Giorgio Magliulo, 1985), Matilda (coregia/codirector Giorgio Magliulo, 1990), Angelo Novi fotografo di scena (doc., 1992), Promessi sposi (doc., 1993), La notte americana del Dr Lucio Fulci (doc., 1994), Ogni sedia ha il suo rumore (doc., 1995), Racconti di Vittoria (1995), Viento ’e Terra (1996), Diari del 900 (1997), Il faro (2000), Non è giusto (2001), Pianeta Tonino (2002), Il resto di niente (2004), Il pranzo di Natale (2011), La pazza della porta accanto (mm, doc., 2013). CONTENTS CONTENTS SPAZIO TORINO - TRAGEDIA IN TRE ATTI | DAVIDE LUCHINO CARMINE | RENATO PORFIDO CHASING | | MAURO DE FAZIO, LUCIO VIGLIERCHIO IL SIGNORE DELLE CHIAVI | FELIPE AGUILA TRILOGIA DELL’AMORE | GIANCARLO TOVO UN ALTRO RITMO STEFANO CRAVERO BANDINI ROCCO RICCIO L’ILLUSIONISTA stefano cravero BANDINI - TRAGEDIA IN TRE ATTI CONTENTS Italia/Italy, 2013, 8mm, 7’, col. BANDINI - A TRAGEDY IN THREE ACTS [L.T.] regia/director Stefano Cravero musica/music Maurizio Schembri, Moby May 10 , 1967. During the Monaco Grand Prix, the Ferrari pilot Lorenzo Bandini dies in a crash at the harbor chicane. An 8mm camera witnessed the accident by chance, capturing a man’s death in a small roll of film, imprisoning it perhaps forever. TH ** contatti/contacts Stefano Cravero [email protected] Stefano Cravero works as a film editor. He graduated from the art school DAMS in Turin, after which he attended the Centro sperimentale di cinematografia in Rome. BANDINI - TRAGEDIA IN TRE ATTI 10 maggio 1967. Durante il Gran premio di Monaco, il pilota della Ferrari Lorenzo Bandini muore in un incidente all’altezza della chicane del porto. Una cinepresa 8mm, testimone casuale dell’evento, ha imprigionato la morte di un uomo in un piccolo rullo di pellicola, forse per sempre. filmografia/filmography Bandini - Tragedia in tre atti (cm, 2013). Stefano Cravero lavora come montatore per il cinema. Laureato al Dams di Torino, si è diplomato in montaggio al Centro sperimentale di cinematografia di Roma. davide luchino CARMINE Italia/Italy, 2013, HD, 15’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Davide Luchino fotografia/cinematography Federico Maiocco montaggio/film editing Marco Quattrocolo, Davide Luchino musica/music Mattia Pastore interpreti e personaggi/ cast and characters Francesco «Cece» De Maria (Carmine), Ilenia Massa (Ilenia) produzione/production Geko video, NuzwebTV, Vdea production, Associazione Gattonardo ** contatti/contacts Davide Luchino [email protected] 172 CARMINE Carmine is thirty years old, he lives with his parents and he spends his time online: he doesn’t go out anymore, he only communicates with the outside world through the web. But one day, his Internet connection breaks down… CARMINE A trent’anni Carmine vive con i genitori e passa il tempo in rete: non esce più e comunica con il mondo solamente attraverso il web. Un bel giorno, però, la connessione internet salta… Davide Luchino (Cuneo, Italia, 1978), laureato in storia e critica del cinema, ha lavorato per la televisione e il cinema e autoprodotto tre cortometraggi. Nel 2010 si è laureato in scienze della formazione primaria a Roma e ha iniziato a lavorare come insegnante. SPAZIO TORINO Davide Luchino (Cuneo, Italy, 1978) majored in history and criticism of the cinema. He has worked in television and cinema, and he has self-produced three short films. He graduated in primary education in Rome in 2010 and he has started working as a teacher. filmografia/filmography Ve-Li (cm, 2001), Sirene alla luna (cm, 2002), Tutte le volte che nevica (cm, 2003), Carmine (cm, 2013). renato porfido CHASING CONTENTS Italia/Italy, 2013, DV, 12’, col. regia/director Renato Porfido soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Renato Porfido, Rita C. Foti fotografia/cinematography Massimiliano Nicotra montaggio, musica/ film editing, music Gioele Fazzeri interpreti e personaggi/ cast and characters Alessio Zucca Nigra (Lorenzo), Renato Porfido (il padre di Lorenzo/ Lorenzo’s father) produttori/producers Angelo C. Ciaiola, Renato Porfido, Rita C. Foti produzione/production Caleido Film ** contatti/contacts Renato Porfido [email protected] CHASING A small town in northern Italy, a simple family of three: the father, a construction worker, the mother, a housewife, their eighteen-year-old son, Lorenzo, who also works in construction. But everything changes when Lorenzo develops a gambling addiction to slot machines: he becomes increasingly alienated, estranged from his friends, and absorbed in a guilt-fuelled spiral. CHASING Una città di provincia nel Nord Italia, una famiglia semplice: padre muratore, madre casalinga, figlio diciottenne, Lorenzo, muratore anche lui. Tutto cambia quando Lorenzo sviluppa una dipendenza dalle slot-machine: sempre più solo ed estraneo alla vita dei coetanei, il ragazzo viene assorbito da un vortice alimentato da rimorsi e sensi di colpa. Renato Porfido (Susa, Turin, Italy, 1977) graduated from the Teatro Nuovo in Turin and works as an actor for film and theater. filmografia/filmography Chasing (cm, 2013). Renato Porfido (Susa, Torino, Italia, 1977), attore teatrale e cinematografico, si è diplomato al Teatro nuovo di Torino. rocco riccio L’ILLUSIONISTA Italia/Italy, 2013, HD, 17’, col. regia/director Rocco Riccio soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Rocco Riccio, Paolo Chiambretto, Lorenzo Fabbro fotografia/cinematography Federico Torres montaggio/film editing Luca Vigliani scenografia/ production design Francesco Boerio costumi/costume design Anna Filosa interpreti/cast Fabio Marchisio, Alice Lussiana Parente, Gianluca Gambino produttore/producer Tommaso Caroni ** contatti/contacts Rocco Riccio [email protected] 173 THE ILLUSIONIST [L.T.] It’s an ordinary day in the life of a humble illusionist performing at a private party. Reality and human affairs become the perfect synthesis of the concept of magic, which creates illusions that conceal various truths. Rocco Riccio (1982) was the artistic director of the PoliMovie International Club at the Polytechnic University of Turin. He currently works as the creative manager for the communication agency ActingOUT. L’ILLUSIONISTA Una giornata di ordinaria amministrazione per un modesto prestigiatore al lavoro durante una festa privata. La realtà e le vicende umane diventano la sintesi perfetta del concetto di magia, creatrice di illusioni che nascondono diverse verità. Rocco Riccio (1982) è stato direttore artistico del PoliMovie International Club presso il Politecnico di Torino. Attualmente è creative manager presso l’agenzia di comunicazione ActingOUT. SPAZIO TORINO filmografia/filmography Rendez-vous (cm, 2009), The Secret (cm, 2010), Studio 13 (cm, doc., 2011), Sex Choices (mm, doc., 2011), Sarajevolution (doc., 2012), Inside Aut (cm, 2012), L’illusionista (cm, 2013). mauro de fazio, lucio viglierchio IL SIGNORE DELLE CHIAVI CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 19’, col. regia/directors Mauro De Fazio, Lucio Viglierchio sceneggiatura/screenplay Alessia Maldera, Mauro De Fazio, Lucio Viglierchio fotografia/cinematography Sandro De Frino interpreti e personaggi/ cast and characters Alessandro Tessitore (Roberto), Claudia Appiano (la sorella di Roberto/ Roberto’s sister), Salvatore Bottari (il medico/doctor) produzione/production NoriaFilm coproduzione/coproduction Zenit Arti Audiovisive, Laboratorio Urbano Mente Locale ** contatti/contacts Lucio Viglierchio [email protected] THE LORD OF THE KEYS [L.T.] Robert is obsessed with control, channeling in particular his psychosis into keys. But one day, while installing the latest in a series of locks on his front door, he looses a screw. Mauro De Fazio (Turin, Italy, 1980) directed several shorts and a feature-length film, Appunti di viaggio (2008). IL SIGNORE DELLE CHIAVI Roberto vive nell’ossessione del controllo, e canalizza la sua psicosi in particolare verso le chiavi. Ma un giorno, mettendo l’ennesima serratura alle porte di casa, perde una vite. Lucio Viglierchio (Turin, Italy, 1978) started collaborating with Zenit Arti Audiovisive in 2003, working in editing and postproduction. filmografia/filmography Mauro De Fazio, Lucio Viglierchio: Il signore delle chiavi (cm, 2013). Mauro De Fazio (Torino, Italia, 1980) ha diretto numerosi cortometraggi e un lungometraggio, Appunti di viaggio (2008). Lucio Viglierchio (Torino, Italia, 1978) dal 2003 ha iniziato a collaborare con Zenit Arti Audiovisive, occupandosi di montaggio e postproduzione. felipe aguila TRILOGIA DELL’AMORE Italia/Italy, 2013, Super8, 15’, col. regia/director Felipe Aguila interpreti/cast Stefano Bighi, Alice Pieraccioni, Ivan Fiandaca, Alessandro Baltera, David Bowes, Martina Liossi, Maurizio Fellitto, Nicolás Zengarini, Cristina Borgarelli, Vins Harp, Abdo, Elisabetta Rossetti, Cristiano Gattuso produzione/production Mal Fait productions collaboratori/collaborators Enrico Giovannone, Sara Meloni, Claudio Malpede, Ivan Augello, Francesca Frigo, Andrea Parena, Giovanni Rizzello, Annalisa Di Rosa, Francesco Pini ** contatti/contacts [email protected] 174 TRILOGY OF LOVE [L.T.] In a café in a city like any other, a group of customers share their everyday lives. Love, envy, jealousy, and friendship coexist, creating stories that evolve as the seasons go by. Felipe Aguila (Santiago de Chile, Chile, 1977) participated in many international exhibitions and screenings, from Zagreb to Caracas. His videos have been featured in many museums and art galleries in Turin, where he currently lives and works. TRILOGIA DELL’AMORE In un bar di una città qualsiasi, un gruppo di avventori condivide il quotidiano, dove amore, invidia, gelosia e amicizia coesistono, dando vita a storie che evolvono con il passare delle stagioni. Felipe Aguila (Santiago del Cile, Cile, 1977) ha partecipato a mostre e proiezioni internazionali, da Zagabria a Caracas. A Torino, dove vive e lavora, le sue opere sono state proiettate in diversi musei e gallerie. SPAZIO TORINO filmografia/filmography Filum (cm, 2007), Battaglia navale senza nemico (cm, 2008), Oceano (cm, 2009), Trilogia dell’amore (cm, 2013). giancarlo tovo UN ALTRO RITMO CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 14’, col. ANOTHER RHYTHM [L.T.] regia/director Giancarlo Tovo sceneggiatura/screenplay Andrea Mattacheo musica/music Lorenzo Brondetta interpreti/cast Eugenio Allegri, Luisella Tamietto produttore/producer Roberta Zendrini produzione/production Museo Nazionale del Cinema, Fondazione Carlo Molo Onlus ** contatti/contacts Roberta Zendrini [email protected] To wake up at home, at sixty years of age, and discover you are no longer able to speak. Even if you are a professor of the theory of language, the language is trapped inside your mind and refuses to take form as words. And what if, instead, the doors of a cage have opened? UN ALTRO RITMO Svegliarsi nella propria casa, a sessant’anni, e scoprire che non si riesce più a parlare. Anche se si è stati docenti di teoria del linguaggio, il linguaggio è intrappolato nella mente, si rifiuta di prendere forma in parole. E se invece si fossero aperte le porte di una gabbia? Giancarlo Tovo (Torino, Italia, 1957) lavora dal 1981 come fotografo: le sue immagini sono state pubblicate su riviste internazionali e vantano partecipazioni a mostre nelle gallerie di tutto il mondo. 175 SPAZIO TORINO SPECIAL EVENT - EVENTO SPECIALE Giancarlo Tovo (Turin, Italy, 1957) has been working as a photographer since 1981: his images have been published in international magazines and have participated at art gallery exhibitions throughout the world. filmografia/filmography Un altro ritmo (cm, 2013). CONTENTS The Lunchbox (2013) di Ritesh Batra CONTENTS TORINOFILMLAB RITESH BATRA THE LUNCHBOX | BOGDAN MUSTAŢĂ LUPU | NAWAPOL THAMRONGRATTANARIT | FABIO GRASSADONIA, ANTONIO PIAZZA SALVO | FABIO MOLLO MARY IS HAPPY, MARY IS HAPPY IL SUD È NIENTE | ALESSIO FAVA YURI ESPOSITO ritesh batra THE LUNCHBOX CONTENTS India, 2013, HD, 104’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Ritesh Batra montaggio/film editing John Lyons scenografia/ production design Shruti Gupte musica/music Max Richter suono/sound Michael Kaczmarek interpreti e personaggi/ cast and characters Irrfan Khan (Saajan), Nimrat Kaur (Ila), Nawazuddin Siddiqui (Shaikh), Denzil Smith (Mr Shroff), Bharati Achrekar (Mrs Deshpande), Nakul Vaid (il marito di Ila/ Ila’s husband), Yashvi Puneet Nagar (Yashvi), Lillete Dibey (la madre di Ila/Ila’s mother) produttori/producers Guneet Monga, Anurag Kashyap, Arun Rangachari produzione/production Sikhya Entertainment, Dar Motion Pictures, NFDC, Roh Films, ASAP Films, Cine Mosaic coproduttori/coproducers Nina Lath Gupta, Shanaab Alam, Vivek Rangachari, Sunil John, Nittin Keni, Karsten Stöter, Benny Dreschel, Cedomir Kolar, Marc Baschet, Danis Tanovic distribuzione/distribution Academy2 ** contatti/contacts Academy2 Beatrice Gulino Tel: +39 06 841 64 88 [email protected] www.academytwo.com 178 LUNCHBOX Ila è una casalinga che, con le sue ricette, spera di ridare vitalità al proprio matrimonio. Saajan è invece un modesto impiegato che si vede recapitare per sbaglio il cestino per il pranzo che Ila ha amorevolmente preparato per il marito. Insospettita dalla mancata reazione del consorte, Ila infila nella pietanziera un biglietto: sarà l’inizio di un scambio di messaggi che si trasformerà in un’affettuosa amicizia tra la donna e Saajan, nella quale i due si confesseranno solitudini, paure, ricordi e piccole gioie. Pur rimanendo estranei nella vita reale, Ila e Saajan intrecceranno, però, una compromettente relazione virtuale. «Fondamentale nella storia è che i percorsi di vita dei due protagonisti non sarebbero mai riusciti a incontrarsi se non fosse stato commesso un errore nella consegna del lunchbox. Esistono molteplici città all’interno di Mumbai. Il loro background e i loro mondi così diversi ci fanno sperare che qualcosa di buono possa accadere anche nei luoghi più inusuali». THE LUNCHBOX Ila is a housewife who hopes to reignite the spark in her marriage with her recipes. Sajaan is a humble employee who receives a misdelivered lunchbox, which Ila had lovingly prepared for her husband. So, concerned about her spouse’s lack of reaction, Ila write a note and places it inside the lunchbox: it is be the beginning of an epistolary exchange that will turn into an endearing friendship between Ila and Sanjaan. In the letters, they confess their loneliness, their fears, their memories, and their little delights. Despite being strangers in real life, Ila and Sanjaan still manage to weave together a compromising virtual relationship. “What’s fundamental in this story is that the life paths of the protagonists would never have crossed if it hadn’t been for a lunchbox delivery mistake. There are many cities inside Mumbai. Their backgrounds and their worlds are so different that it makes us hope that something good could happen even in the most unexpected places.” TORINOFILMLAB Ritesh Batra (Mumbai, India) ha presentato i suoi cortometraggi in numerosi festival in tutto il mondo. Il suo ultimo cortometraggio in lingua araba, Café Regular, Cairo, ha ottenuto dodici premi internazionali, tra i quali il premio Fipresci a Oberhausen e una menzione speciale della giuria al Tribeca e al Chicago Film Festival. Con la sua sceneggiatura The Story of Ram ha partecipato nel 2009 a un laboratorio di regia e scrittura organizzato dal Sundance e al momento sta lavorando al suo prossimo lungometraggio, Photograph, e a una raccolta di cortometraggi. Vive con la sua famiglia tra New York e Mumbai. Ritesh Batra (Mumbai, India) has presented his short films in many festivals around the world. His latest short, Café Regular, Cairo, which he shot in Arabic, received twelve international awards, including the FIPRESCI prize in Oberhausen, and a special mention from the juries of Tribeca and the Chicago Film Festival. In 2009, he participated with his script The Story of Ram in a screenwriting and directing workshop organized by Sundance. He is currently working on his next feature Photograph, and on a collection of short films. He lives with his family between New York and Mumbai. filmografia/filmography The Morning Ritual (cm, 2008), Gareeb Nawaz’s Taxi (cm, 2010), Café Regular, Cairo (cm, 2011), The Lunchbox (Lunchbox, 2013). bogdan musta#ă LUPU CONTENTS WOLF Romania, 2013, 35mm, 78’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Bogdan Musta!ă fotografia/cinematography Barbu Balasoiu montaggio/film editing George Cragg, Stefan Ion Tatu scenografia/ production design Oana Novicov interpreti/cast Mihai Vasilescu, Ada Condeescu, Carmen Ungureanu, Costel Cascaval, Sergiu Nicolaescu produttore/producer Marcian Lazar produzione/production Strada Film coproduzione/coproduction Neue Road Production ** contatti/contacts Strada Film Smaranda Onea Tel: +402 141 180 99 [email protected] www.stradafilm.ro LUPO [T.L.] La situazione familiare di Lupu non è affatto facile: il padre è morto e la madre ha un altro uomo. Il ragazzo fatica ad accettare questa nuova presenza nella sua vita, ma soprattutto soffre per la perdita del padre, che a volte sente così vicino da fargli credere che non si tratti solamente di ricordi. Lupu cerca una spiraglio di felicità nel rapporto con Clara, ma la ragazza ha altre storie, non sa cosa farsene del suo amore, e Lupu si ritrova come sempre intrappolato in un sistema di relazioni in cui a mancare sono la reciprocità e la confessione di un affetto autentico. «All’inizio la storia era quella di un ragazzo e di un anziano; poi ha iniziato a cambiare, ho inserito il padre e la ragazza e da lì ho costruito l’intero film. Durante il montaggio ci sono state diverse versioni: l’obiettivo era fare in modo che il pubblico vedesse il film con l’immaginazione, che si facesse domande sui suoi aspetti contraddittori. Abbiamo pensato molto a dove collocare lo spettatore, e alla fine lo abbiamo posto proprio nel mezzo di tutti questi elementi indefiniti». WOLF The situation at home isn’t easy for Lupu: his father is dead and his mother has a new partner. The boy has a hard time accepting this new presence in his life, but he struggles especially in accepting the death of his father: sometimes the memory of him is so vivid that he seems to come back to life. Lupu seeks a glimmer of happiness with Clara, but she is already in other relationships and isn’t interested in him. Lupu finds himself trapped as usual in a network of relationships that lack in reciprocity and expressions of true affection. “In the beginning the story was about a boy and an old man; then it started to change, I added the father and the girl, and from there on I built the entire movie. We made several versions in the editing phase: our goal was to make the viewers see the film through their own imagination, stimulating them to ask questions about its contradictions. We thought a lot about where we wanted to place the spectator, and in the end we put him right in the middle of all those ambiguous elements.” 179 TORINOFILMLAB Bogdan Musta#ă (Romania, 1975) ha studiato presso la scuola romena di cinema. Durante la sua formazione ha realizzato alcuni cortometraggi, tra cui Daniela, premiato al Festival di Monaco e a quello di Karlovy Vary. Dopo la laurea ha vissuto in Vietnam e a Dubai, dove ha lavorato come sceneggiatore e regista per il cinema e la televisione. Tornato in Romania, nel 2008 ha vinto l’Orso d’oro per il miglior cortometraggio alla Berlinale con A Good Day for a Swim, in seguito selezionato in diversi festival internazionali. Lupu è il suo primo lungometraggio. Bogdan Musta!ă (Romania, 1975) studied at the Romanian Film School. He made a few short films as a student, including Daniela, which received awards in the Munich and the Karlovy Vary Film Festivals. After graduating, he lived in Vietnam and then in Dubai, where he worked as a scriptwriter and director for several television and movie projects. He returned to Romania and made A Good Day for a Swim, which won the Golden Bear for best short film at the 2008 Berlinale and participated in several other international film festivals. Wolf is his feature film debut. filmografia/filmography Seaside Vacation (cm, 1998), Pumac (cm, 1999), Daniela (cm, 2000), A Good Day for a Swim (cm, 2008), Lupu (Wolf, 2013). nawapol thamrongrattanarit MARY IS HAPPY, MARY IS HAPPY CONTENTS Thailandia/Thailand, 2013, HD, 127’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Nawapol Thamrongrattanarit fotografia/cinematography Pairach Khumwan montaggio/film editing Chonlasit Upanigkit scenografia/ production design Rasiguet Sookkarn costumi/costume design Phim U-Mari musica/music Somsiri Sangkaew interpreti e personaggi/ cast and characters Patcha Poonpiriya (Mary), Chonnikan Netjui (Suri) produttore/producer Aditya Assarat produzione/production Pop Pictures Co. Ltd. ** contatti/contacts Pop Pictures Aditya Assarat [email protected] www.pop-pictures-ltd.com Nawapol Thamrongrattanarit (1984) è uno scrittore, sceneggiatore e regista thailandese che, ancora studente universitario, ha iniziato a dedicarsi al cinema da autodidatta, realizzando diversi cortometraggi. Con 36 (2012), il suo lungometraggio d’esordio, ha ottenuto svariati riconoscimenti nelle più importanti rassegne asiatiche, partecipando anche al Festival di Rotterdam. Mary Is Happy, Mary Is Happy è stato presentato alla 70ª Mostra di Venezia, all’interno del programma Biennale College. MARY È FELICE, MARY È FELICE [T.L.] Mary è all’ultimo anno delle scuole superiori: con l’avvicinarsi del diploma si trova a fronteggiare cambiamenti inevitabili che investono la sfera sentimentale e delle amicizie. A far precipitare la situazione, una serie di eventi inspiegabili e privi di logica che la colpiscono. Mary capisce che l’unica soluzione per andare avanti è trovare un senso alla sua vita. «Questo film è nato come un esperimento per trovare un nuovo modo di raccontare una storia. Essendo uno sceneggiatore professionista, sono abituato ad avere il controllo. Ma nell’adattamento cinematografico del flusso di tweet di un account anonimo, aperto da qualcuno che non ho mai visto, la sfida consisteva nel prendere una serie di eventi casuali e trasformarli in una narrazione coerente. Ho selezionato un blocco di 410 tweet. Li ho usati così com’erano, senza saltarne nessuno e senza modificare l’ordine cronologico. […] Il risultato sintetizza la natura imprevedibile della vita quotidiana». MARY IS HAPPY, MARY IS HAPPY Mary is a senior in high school: as graduation approaches, she has to face the inevitable changes affecting her relationship and her friendships. The situation spins out of control after a series of unexplainable and random events happen to her. Mary understands that the only way she can go on is to give sense to her life. “This film is an experiment to find a new way to tell a story. Being a professional script writer, I’m used to being in control. But adapting the Twitter stream of someone I’ve never met into a film, the challenge was to take a series of random, often meaningless daily events and form them into a coherent narrative. I chose a section of 410 consecutive Tweets. I used all of them as they were written, without skipping any nor changing their order. […] I think the result comments on the unpredictable nature of daily life in the contemporary world.” 180 TORINOFILMLAB Nawapol Thamrongrattanarit (1984) is an author, screenwriter, and director from Thailand. While he was still a university student, he started working as a self-taught film director, making several short films. His debut feature 36 (2012) won several awards in some of the most prestigious festivals in Asia, and also participated to the Rotterdam Film Festival. Mary Is Happy, Mary Is Happy was screened at the 70 Venice Film Festival, in Biennale College program. TH filmografia/filmography See (cm, doc., 2006), Bangkok Tanks (cm, 2007), 36 (2012), Mary Is Happy, Mary Is Happy (2013). fabio grassadonia, antonio piazza SALVO CONTENTS Italia-Francia/Italy-France, 2013, 35mm, 104’, col. regia, sceneggiatura/ directors, screenplay Fabio Grassadonia, Antonio Piazza fotografia/cinematography Daniele Ciprì montaggio/film editing Desideria Rayner scenografia/ production design Marco Dentici interpreti e personaggi/ cast and characters Saleh Bakri (Salvo), Sara Serraiocco (Rita), Luigi Lo Cascio (Enzo Puleo), Giuditta Perriera (Mimma Puleo), Mario Pupella (boss), Redouane Behache (un picciotto/mafia guy), Jacopo Menicagli (un picciotto/mafia guy) produttori/producers Massimo Cristaldi, Fabrizio Mosca produzione/production Acaba Produzioni, Cristaldi Pictures coproduzione/coproduction Mact Productions, Cité Films, Arte France Cinema distribuzione/distribution Good Films ** contatti/contacts Good Films [email protected] www.goodfilms.it SALVO Salvo è un killer della mafia incaricato di uccidere il boss di una cosca rivale. Introdottosi in casa sua, scopre che la sua vittima ha una sorella, Rita, che vive reclusa perché cieca. Una volta compiuto il delitto vorrebbe disfarsi della ragazza, che, come per miracolo, ha ripreso a vedere, individuando il volto dell’assassino. Sconvolto da un evento inatteso e inspiegabile, Salvo la rapisce e la porta in un capannone fuori Palermo. La convivenza forzata li porterà a conoscersi e a scoprirsi sempre più, entrambi prigionieri del loro stesso mondo. «Per evitare le secche e i rischi di un cinema troppo concettuale, abbiamo articolato la storia all’interno della forma drammaturgica classica, giocando con alcuni generi riconoscibili: con il noir prima di tutto; con la storia d’amore; con la commedia nera, attraverso la coppia di piccolo borghesi, complici della latitanza del protagonista, guardiani e carcerieri del loro mondo angusto e grottesco; infine, aiutati dai paesaggi epici e desertici dell’entroterra siciliano, anche con il western all’italiana». SALVO Salvo is a mafia hit man assigned to kill the head of a rival clan. He breaks into his home and discovers that his target has a sister, Rita, who lives as a recluse because she is blind. After murdering his victim, however, he needs to get rid of the girl, who miraculously started seeing again and could now recognize the killer’s face. Overwhelmed by the sudden and inexplicable event, Salvo kidnaps Rita and takes her to a warehouse outside Palermo. Forced to live together, they will discover one another, realizing they are both prisoners of the same world. “To avoid the drought and the risks of overly conceptual films, we decided to arrange the story within a classical dramaturgic structure, playing with some recognizable genres: noir elements, the love story, the dark comedy of a petty bourgeois couple (the fugitive’s accomplices who become the guardians and wardens of their confined and grotesque world); and there is also some spaghetti western at the end with the epic desert-like landscapes of Sicily’s hinterland.” 181 TORINOFILMLAB Fabio Grassadonia e Antonio Piazza sono entrambi scrittori e registi palermitani. Hanno lavorato a lungo come sceneggiatori e come consulenti per alcune società di produzione italiane, come Filmauro e Fandango. Nel 2004 hanno scritto la commedia musicale Ogni volta che te ne vai di Davide Cocchi, ambientata nel mondo delle balere romagnole. Nel 2010 hanno poi esordito nella regia con il cortometraggio Rita, premiato ai Nastri d’argento e presentato in più di cento festival internazionali, e con Salvo, loro primo lungometraggio, hanno ottenuto il gran premio della Semaine de la critique e il France 4 Visionary Award al Festival di Cannes. Fabio Grassadonia and Antonio Piazza are both writers and directors from Palermo. They have worked extensively as screenwriters and as consultants for some Italian production companies, like Filmauro and Fandango. In 2004 they wrote a musical comedy, Ogni volta che te ne vai, directed by Davide Cocchi and set in the world of Romagna’s traditional dance halls. They directed their first film in 2010, the short Rita, which was awarded at the Nastri d’argento and was presented in over a hundred international film festivals. Their first full-length feature, Salvo, won the Grand Prize for la Semaine de la critique and the France 4 Visionary Award at the 2013 Cannes Film Festival. filmografia/filmography Fabio Grassadonia, Antonio Piazza: Rita (cm, 2010), Salvo (2013). fabio mollo IL SUD È NIENTE CONTENTS Francia-Italia/France-Italy, 2013, HD, 90’, col. regia/director Fabio Mollo sceneggiatura/screenplay Fabio Mollo, Andrea Paolo Massara, Josella Porto fotografia/cinematography Debora Vrizzi montaggio/film editing Filippo Montemurro scenografia/ production design Giovanna Cirianni musica/music Giorgio Giampà suono/sound Marta Billingsley, Piero Fancellu, Edouard Morin, Piergiorgio De Luca interpreti e personaggi/ cast and characters Miriam Karlkvist (Grazia), Vinicio Marchioni (Cristiano), Valentina Lodovini (Bianca), Andrea Bellisario (Carmelo), Alessandra Costanzo (la nonna/grandmother), Giorgio Musumeci (Pietro) produttori/producers Jean Denis Le Dinahet, Sebastien Msika produzione/production b24 Film, Madakai distribuzione/distribution Istituto Luce Cinecittà ** contatti/contacts Cinecittà Luce Marlon Pellegrini [email protected] www.cinecitta.com IL SUD È NIENTE A diciassette anni si mette in discussione tutto, si distrugge quello che si è e si inizia la ricerca della forma definitiva del proprio essere. È così anche per Grazia, che vive a Reggio Calabria con il fantasma di un fratello sulla cui scomparsa aleggia il silenzio; per lei è il momento di sovvertire una situazione che rischia di intrappolarla. Una notte, dopo un litigio con il padre, entra in mare e vede una figura in cui riconosce il fratello: sarà il segnale che la porterà a forzare il rifiuto del padre a svelarle la verità. «Ci sono ancora parti della nostra società in cui il silenzio è l’arma più violenta, un’arma a cui tutti si sottomettono. È una questione di scelta di vita, un modo per sopravvivere, un credo collettivo, il risultato di una specie di tradizione purtroppo radicata. L’omertà ha conseguenze sulla vita sociale delle persone, ma anche sulla loro vita privata ed emotiva. Il film è la storia di un Sud che è più emozionale che geografico. È la storia di un padre e di una figlia, del silenzio che sta distruggendo il loro rapporto». SOUTH IS NOTHING When you are seventeen, you question everything, destroy who you are, and start looking for your definitive self. That also applies to Grazia, who lives in Reggio Calabria with her brother’s ghost, whose death is shrouded in silence. It is time for her to overturn a situation that threatens to trap her. One night, after arguing with her father, she goes into the sea; there she sees a figure, which she recognizes as her brother. She interprets it as a sign to keep pushing her father into revealing her the truth. “There still are parts of our society where silence is the most violent weapon to which everyone bows down to. It’s a matter of life choices, a way to survive, a collective belief, the consequence of a sort of unfortunately well-rooted tradition. The code of silence affects people’s social lives, but also their private and emotional spheres. It’s the story of a father and his daughter, and of the silence that is tearing their relationship apart.” 182 TORINOFILMLAB Fabio Mollo (Reggio Calabria, Italia, 1980) si è laureato nel 2002 in storia del cinema presso la University of East London e nel 2007 si è diplomato in regia al Centro sperimentale di cinematografia di Roma. Dopo l’esordio nella regia con Troppo vento (2003), che ha ricevuto numerosi riconoscimenti, ha scritto e diretto diversi cortometraggi e documentari, tra cui Giganti (2007), miglior cortometraggio al Torino Film Festival, menzione speciale ai Nastri d’argento e a Clermont-Ferrand e in concorso alla Berlinale. Nel 2005 è stato finalista al premio Solinas, mentre nel 2011 è stato selezionato all’Atelier della Cinéfondation del Festival di Cannes e al Talent Project Market della Berlinale. Il Sud è niente, presentato in anteprima al Festival di Toronto, è il suo primo lungometraggio. Fabio Mollo (Reggio Calabria, Italy, 1980) majored in film history from the University of East London in 2002, and in directing from the Centro sperimentale di cinematografia in Rome in 2007. His directorial debut, the short film Troppo vento (2003), received many awards. He has written and directed several documentary films, including Giganti (2007), which the best short film award at the Torino Film Festival; it also reveived a special mention at the Nastri d’argento and at the Clermont-Ferrand Festival, and it competed in the Berlinale. He was a finalist for the Solinas Award in 2005. He was selected for the Atelier de la Cinéfondation of the Cannes Festival and for the Talent Project Market at the Berlinale in 2011. South is Nothing is his first feature film, and it premiered at the Toronto Film Festival. filmografia/filmography Troppo vento (cm, 2003), Acqua (cm, 2004), Ogni piccola cosa (cm, 2004), Quello che sento (cm, 2004), Cuntami (cm, 2004), Carmilla (cm, 2005), Al buio (cm, 2005), Giganti (cm, 2007), Napoli 24 (coregia/codirectors aa.vv., ep., 2010), Il Sud è niente (2013). alessio fava YURI ESPOSITO CONTENTS Italia/Italy, 2013, HD, 77’, col. regia/director Alessio Fava soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Leonardo Staglianò fotografia/cinematography Alessandro Dominici montaggio/film editing Massimo Magnetti scenografia/ production design Giorgio Barullo costumi/costume design Cristina Audisio musica/music Alessandro Cortini, Matteo Milani, Morning Telefilm suono/sound Matteo Milani interpreti/cast Matteo Lanfranchi, Beatrice Cevolani, Claudio Morganti, Massimiliano Speziani, Michele di Mauro, Alessia Olivetti, Tommaso Banfi, Giulio Caterino, Marco Tocco, Camilla Maya Vindigni produttore/producer Max Chicco produzione/production Meibi ** contatti/contacts Max Chicco [email protected] www.meibi.it YURI ESPOSITO Yuri Esposito, a causa di una rara malattia, è costretto a muoversi più lentamente di chi gli sta intorno. Nonostante questo handicap è felice e soddisfatto, anche grazie alla moglie Lucia che lo ama e alla passione per l’apnea statica, disciplina in cui eccelle. Quando scopre che la sua compagna è incinta, però, gli crolla il mondo addosso: temendo di non essere un buon padre, proprio per la sindrome che lo affligge, decide, nonostante le rimostranze di Lucia, di provare una cura sperimentale pur di poter essere come tutti gli altri. Ma la felicità non è solo una questione di velocità. «Ho sempre immaginato il mondo di Yuri come un mondo perfetto, un mondo “giusto” ed elegante: le immagini del film nascono proprio da questa riflessione; ho cercato, con esse, di riproporre il fascino dei suoi movimenti e della sua vita così bella ma tanto diversa dalla nostra. È un’estetica che cambia con lui, l’eleganza si trasforma in un punto di vista più “sporco”, più frammentato, nello stesso modo in cui si trasforma la sua vita». YURI ESPOSITO Because of a rare disease, Yuri Esposito is forced to move slower than everybody else. He is happy and satisfied despite this disability, also thanks to his loving wife Lucia and to his passion for static apnea, which he excels at. When he discovers his wife is pregnant, his world crashes down on him: he is afraid of not being unable to be a good father because of his syndrome. Because of it, he decides to try an experimental cure despite Lucia’s protests, just to be like everyone else. But happiness is more than a matter of speed. “I’ve always imagined Yuri’s world as a perfect world, a world which is ‘fair’ and elegant. The images of the film were born out of this reflection. I’ve made an effort, through them, of showing the fascination of his movements and his life, so beautiful but so different from ours. It is an aesthetics which changes together with his transformation. Elegance turns into a point of view which is more ‘blurred,’ more fragmented, in the same way his life takes a turn.” 183 TORINOFILMLAB Alessio Fava (Torino, Italia, 1976) si è formato presso l’Istituto superiore di comunicazione, l’Accademia internazionale di arti e media di Torino e la Scuola di arte cinematografica di Genova. Con il cortometraggio d’esordio Un giorno da re (2004) ha partecipato al Torino Film Festival e dopo Noage film noir (2006) si è dedicato soprattutto alla regia pubblicitaria e televisiva, collaborando con Sky. Nel 2012 ha poi diretto Project Genesis e con il progetto di Yuri Esposito, suo primo lungometraggio, è stato selezionato dal programma Biennale College alla 70ª Mostra di Venezia. Alessio Fava (Turin, Italy, 1976) studied at the Communication Institute, at the International Art and Media Academy in Turin, and at the Genoa Art and Film School. He partipated to the Torino Film Festival with the first short film he made, Un giorno da re (2004). After the short Noage Film Noir (2006), he has mostly been directing commercials and television programs, working with Sky. In 2012 he directed the short film Project Genesis, and Yuri Esposito, his first full-length feature, which was selected by the Biennale College program of the 70 Venice Film Festival. TH filmografia/filmography Un giorno da re (cm, 2004), Noage film noir (cm, 2006), Chinese Training (cm, 2008), Fast Microwave (cm, 2008), Bad School (cm, 2008), The Last Match (cm, 2009), Prestissimo con moto (cm, 2009), Project Genesis (cm, 2012), Yuri Esposito (2013). CONTENTS They Shoot Horses, Don’t They? (1969) di Sydney Pollack CONTENTS N E W H O L LY W O O D | ROGER CORMAN THE WILD ANGELS | ARTHUR PENN BONNIE & | FRANK PERRY THE SWIMMER | PETER BOGDANOVICH TARGETS | PAUL MAZURSKY BOB & CAROL & TED & ALICE | DENNIS HOPPER EASY RIDER | HASKELL WEXLER MEDIUM COOL | JOHN SCHLESINGER MIDNIGHT COWBOY | FRANCIS FORD COPPOLA THE RAIN PEOPLE | SYDNEY POLLACK THEY SHOOT HORSES, DON’T THEY? | BOB RAFELSON FIVE EASY PIECES | MICHAEL WADLEIGH WOODSTOCK | HAL ASHBY HAROLD AND MAUDE | PETER BOGDANOVICH THE LAST PICTURE SHOW | ALAN ARKIN LITTLE MURDERS | GEORGE LUCAS THX 1138 | MONTE HELLMAN TWO-LANE BLACKTOP | RICHARD C. SARAFIAN VANISHING POINT | MARTIN SCORSESE BOXCAR BERTHA | BILL L. NORTON CISCO PIKE | JOHN HUSTON FAT CITY | BOB RAFELSON THE KING OF MARVIN GARDENS | WILLIAM GUERCIO ELECTRA GLIDE IN BLUE | HAL ASHBY THE LAST DETAIL | SAM PECKINPAH PAT GARRETT & BILLY THE KID | BRIAN DE PALMA SISTERS | ROBERT ALTMAN CALIFORNIA SPLIT | JOHN BYRUM INSERTS | ALAN J. PAKULA THE PARALLAX VIEW | JERRY SCHATZBERG SCARECROW | MICHAEL CIMINO THUNDERBOLT AND LIGHTFOOT | DICK RICHARDS FAREWELL, MY LOVELY | ROBERT KRAMER, JOHN DOUGLAS MILESTONES | ARTHUR PENN NIGHT MOVES | MICHAEL RITCHIE SMILE SAM PECKINPAH RIDE THE HIGH COUNTRY CLYDE Suicide Is Painless: il nuovo cinema americano tra il 1967 e il 1976 CONTENTS DI EMANUELA MARTINI Pat Garret & Billy the Kid (1973) di Sam Peckinpah Negli anni Sessanta l’industria cinematografica hollywoodiana è nel pieno della crisi generata dalla concorrenza della televisione e dall’incapacità degli Studios di tenere il passo con il terremoto culturale che scuote gli Stati Uniti: assassini politici come quelli dei Kennedy (1963 e 1968), di Malcolm X (1965) e di Martin Luther King (1968), la guerra del Vietnam (con l’intervento statunitense dal 1962 al 1973), i movimenti di protesta degli studenti e degli afroamericani stanno demolendo l’American Dream dalle radici e la vecchia Hollywood non riesce più a trovare una sintonia con il pubblico. Fin dall’inizio del decennio emergono nuovi modelli narrativi espressi da compagnie 186 N E W H O L LY W O O D indipendenti come la Corman Factory, nuove interpretazioni della realtà e della storia, nuovi volti e comportamenti che parlano al pubblico giovane. Nel 1962 e 1963 Sam Peckinpah e Monte Hellman girano il loro primi, crepuscolari western; nel 1966 Roger Corman produce e dirige I selvaggi, su una banda di bikers californiani, mentre giovani registi formatisi in televisione come Arthur Penn, Robert Altman, Sydney Pollack riescono a esordire sul grande schermo. Ma l’anno di svolta è il 1967, quando due film di studio, Gangster Story di Arthur Penn e Il laureato di Mike Nichols, ribaltano rispettivamente il gangster film e la commedia romantica. Poi, nel 1969, esce Easy Rider, diretto CONTENTS da Dennis Hopper e prodotto da Peter Fonda (perché Roger Corman, per una volta non lungimirante, si rifiuta di produrlo): basso costo, enorme successo (nel 1972 aveva incassato più di 60 milioni di dollari), nuovi ritmi, temi, antieroi disillusi, musica rock e blues. Da questo momento, storia, stile, facce, tutto cambia, nella narrazione di sé che l’America traccia attraverso il cinema; scompaiono ottimismo, perfezione, eroismo, sostituiti da dubbio, angoscia, sconfitta. La storia passata (gli indiani, la Depressione) e presente (il Vietnam, i complotti politici) viene riletta sotto un segno diverso; la disillusione diventa il sentimento dominante; i divi diventano antidivi, gli eroi loser, il rock la musica guida, i poliziotti e i cowboy sopravvissuti perdenti o bastardi venduti; l’ideale di libertà del viaggio e della strada da una parte e l’angoscia disumanizzante delle metropoli dall’altra sono i punti fissi di un immaginario che rifonda il cinema americano. E, via via che ci si addentra negli anni Settanta, che la controcultura, hippie o leftist, perde di vigore, che vengono alla luce le connessioni tra crimine e politica e l’incidenza sotterranea dei servizi segreti sulla politica, la visione si fa sempre più cupa. Nella seconda metà del decennio (complice lo scandalo Watergate, 1974), la paranoia e il sospetto dilagano nella cultura e nel cinema. Nel frattempo Hollywood si è accorta del fenomeno e, con inaspettata rapidità, ha dato lavoro ai giovani autori, sceneggiatori, attori, produttori, senza condizionarne, almeno per alcuni anni, idee e stile. Esordiscono Peter Bogdanovich, Bob Rafelson, Jerry Schatzberg, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, Jonathan Demme, Michael Cimino, Clint Eastwood, John Milius, Alan J. Pakula, Brian De Palma, Jim McBride, Dick Richards, Hal Ashby, Mel Brooks, Woody Allen e molti altri; indipendenti come John Cassavetes e Robert Kramer si affrancano dai circuiti marginali; Arthur Penn, Sydney Pollack, Mike Nichols, Paul Mazursky e soprattutto Sam Peckinpah e Robert Altman escono dall’anonimato e dalla televisione e si affermano grandi autori. I nuovi, disillusi protagonisti sono ben lontani dai tradizionali divi hollywoodiani, sono stropicciati e imperfetti, con le facce all’apparenza normali di Jack Nicholson, Dustin Hoffman, Robert De Niro, Gene Hackman, Ellen Burstyn, Karen Black. 187 N E W H O L LY W O O D Durante quel decennio, ogni nuovo film americano è una scoperta, e intere generazioni di cineasti e spettatori ne sono influenzati. La retrospettiva si sviluppa su due anni e presenta circa ottanta titoli, in ordine non cronologico, per poter proiettare in entrambi gli anni i film che vengono via via restaurati e per offrire, sia nel 2013 che nel 2014, un panorama dell’evoluzione delle atmosfere e dei temi dominanti del decennio. In questa edizione si va dagli anticipatori, come Sfida nell’alta Sierra (1962) di Peckinpah e I selvaggi (1966) di Corman, alla crisi dell’americano medio di Un uomo a nudo (1968) di Frank Perry e di Bob & Carol & Ted & Alice (1969) di Paul Mazursky; dall’esplosione dell’on the road di Easy Rider (1969) di Dennis Hopper, Punto zero (1971) di Richard C. Sarafian, Strada a doppia corsia (1971) di Monte Hellman, all’angoscia paranoica post Watergate di Perché un assassinio (1974) di Alan J. Pakula e Bersaglio di notte (1975) di Arthur Penn; dalla critica alla politica e alla corruzione di America, America, dove vai? (1969) di Haskell Wexler e Per un chilo di droga (1972) di Bill L. Norton, allo sguardo tragico o satirico sulla società dello spettacolo di Non si uccidono così anche i cavalli? (1969) di Sydney Pollack e Smile (1975) di Michael Ritchie; dalla sconsolata riflessione sul cinema e sul passato di Peter Bogdanovich (Bersagli, 1968, e L’ultimo spettacolo, 1971) all’attacco ai generi di Sam Peckinpah (Pat Garrett e Billy the Kid, 1973) e Brian De Palma (Le due sorelle, 1973). Ci sono i primi film di quelli che diventeranno i nuovi maestri, come George Lucas (L’uomo che fuggì dal futuro, 1971), Francis Ford Coppola (Non torno a casa stasera, 1969), Martin Scorsese (America 1929: sterminateli senza pietà, 1972), Michael Cimino (Una calibro 20 per lo specialista, 1974), e opere quasi uniche, come Electra Glide (1973) di William Guercio, Piccoli omicidi (1971) di Alan Arkin e Il pornografo (1974) di John Byrum. Ci sono caposaldi del crollo dell’American Dream, come Cinque pezzi facili (1970) e Il re dei giardini di Marvin (1972) di Bob Rafelson, Un uomo da marciapiede (1969) di John Schlesinger, Lo spaventapasseri (1974) di Jerry Schatzberg, California Poker (1974) di Robert Altman, e della crisi della controcultura, come Milestones (1975) di Robert Kramer. C’è un mondo, incagliato e frustrato, nel quale però tutto pareva ancora possibile. Suicide Is Painless: new Hollywood cinema between 1967 and 1976 CONTENTS BY EMANUELA MARTINI The King of Marvin Gardens (1972) di Bob Rafelson During the 1960s, the Hollywood film industry was thrown into crisis by the competition from television and by the Studios’ inability to stay in step with the ongoing cultural upheaval in the United States. Political assassinations like those of the Kennedy brothers (1963 and 1968), Malcolm X (1965) and Martin Luther King (1968), the Vietnam war (which involved the United States from 1962 to 1973), and the protest movements of students and African-Americans were all demolishing the American Dream from its roots up, and old Hollywood was no longer able to keep in synch with its public. Right from the early 1960s, new narrative models emerged, created by independent companies such as the Corman Factory; there were 188 N E W H O L LY W O O D new interpretations of reality and history, new faces and behaviors that were speaking to the younger audiences. In 1962 and 1963, Sam Peckinpah and Monte Hellman shot their first crepuscular westerns; in 1966, Roger Corman produced and directed The Wild Angels, about a gang of California bikers; while young directors who had gotten their start in TV, like Arthur Penn, Robert Altman and Sydney Pollack, made their debut on the silver screen. But the defining year was 1967, when two studio movies, Bonnie & Clyde by Arthur Penn and The Graduate by Mike Nichols, turned gangster films and romantic comedies, respectively, on their head. Then, in 1969, Easy Rider was released. Directed by Dennis Hopper and produced CONTENTS by Peter Fonda (because, for once, Roger Corman was not ahead of the game and refused to produce it), it was low-budget, hugely successful (in 1972 had made more than 60 million dollars in box office receipts), and featured new rhythms and themes, disillusioned anti-heroes, and rock and blues music. From that moment on, stories, styles, faces, everything changed in the way America portrayed itself in film. Optimism, perfection and heroism disappeared and were replaced by doubt, anxiety and defeat. The past (Indians, the Depression) and the present (Vietnam, political conniving) were given a new reading under a different light; disillusion became the dominant feeling; movie stars segued into anti-stars; heroes turned into losers; rock was the dominant music; policemen and cowboys were either losers who had survived or bastards who had sold out; the on-the-road ideals of the freedom to travel – on the one hand – and the dehumanizing anxiety of the metropolis – on the other – were the cardinal points of an imaginary that re-established American cinema. Progressing further into the 1970s, the counterculture (both hippie and leftist) lost its vigor and the attention swerved to the links between crime and politics, and to the subversive influence of the secret services on politics: the outlook became even gloomier. In the second half of the 1970s (abetted by the Watergate scandal in 1974), paranoia and suspicion were rampant in American culture and film. In the meantime, Hollywood had woken up to the phenomenon and, with unexpected swiftness, hired young directors, screenwriters, actors and producers, giving them carte blanche (for a few years) on ideas and styles. This marked the debut of Peter Bogdanovich, Bob Rafelson, Jerry Schatzberg, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, Jonathan Demme, Michael Cimino, Clint Eastwood, John Milius, Alan J. Pakula, Brian De Palma, Jim McBride, Dick Richards, Hal Ashby, Mel Brooks, Woody Allen and many others. Independents like John Cassavetes and Robert Kramer came to the fore on the fringe circuits; Arthur Penn, Sydney Pollack, Mike Nichols, Paul Mazursky and, above all, Sam Peckinpah and Robert Altman stepped out from anonymity and television and made their name as grand filmmakers. The new, disillusioned protagonists were a far cry from the traditional Hollywood stars; they were crumpled and imperfect, with the apparently ordinary faces of Jack Nicholson, 189 N E W H O L LY W O O D Dustin Hoffman, Robert De Niro, Gene Hackman, Ellen Burstyn and Karen Black. During that decade, every new American film was a discovery and entire generations of film lovers and audiences have been influenced by them. The retrospective will last two years and will present roughly eighty films, in non-chronological order. Thus, in each of the years, we will be screening the movies as they are restored and a panorama of the evolution of the moods and the dominant themes of the decade will be projected in both 2013 and 2014. This year, we range from the precursors, like Ride the High Country (1962) by Peckinpah and The Wild Angels (1966) by Corman, to the crisis of the American middleman in The Swimmer (1968) by Frank Perry and in Bob & Carol & Ted & Alice (1969) by Paul Mazursky; from the explosion of the on-the-road phenomenon of Easy Rider (1969) by Dennis Hopper, Vanishing Point (1971) by Richard C. Sarafian, and Two-Lane Blacktop (1971) by Monte Hellman, to the postWatergate paranoia of The Parallax View (1974) by Alan J. Pakula and Night Moves (1975) by Arthur Penn; from the denunciation of politics and corruption of Medium Cool (1969) by Haskell Wexler and Cisco Pike (1972) by Bill L. Norton, to the tragic or satirical commentaries of show business in They Shoot Horses, Don’t They? (1969) by Sydney Pollack and Smile (1975) by Michael Ritchie; from the despondent reflections on cinema and the past of Peter Bogdanovich (Targets, 1968, and The Last Picture Show, 1971) to the attacks on genres unleashed by Sam Peckinpah (Pat Garrett & Billy the Kid, 1973) and Brian De Palma (Sisters, 1973). There are the first films by those who will become the new maestros, like George Lucas (THX 1138, 1971), Francis Ford Coppola (The Rain People, 1969), Martin Scorsese (Boxcar Bertha, 1972) and Michael Cimino (Thunderbolt and Lightfoot, 1974); and virtually unique movies, like Electra Glide in Blue (1973) by William Guercio, Little Murders (1971) by Alan Arkin and Inserts (1974) by John Byrum. There are cornerstones of the collapse of the American Dream, like Five Easy Pieces (1970) and The King of Marvin Gardens (1972) by Bob Rafelson, Midnight Cowboy (1969) by John Schlesinger, Scarecrow (1974) by Jerry Schatzberg, and California Split (1974) by Robert Altman, and mainstays of the crisis of the counterculture, like Milestones (1975) by Robert Kramer. It was a frustrated world that had run aground, but everything still seemed possible in it. sam peckinpah RIDE THE HIGH COUNTRY CONTENTS Usa, 1962, 35mm, 94’, col. regia/director Sam Peckinpah sceneggiatura/screenplay N.B. Stone Jr. (Sam Peckinpah, Robert Creighton Williams, non accreditati/uncredited) fotografia/cinematography George Bassman, Lucien Ballard montaggio/film editing Frank Santillo scenografia/ production design Leroy Coleman, George W. Davis musica/music George Bassman interpreti e personaggi/ cast and characters Randolph Scott (Gil Westrum), Joel McCrea (Steve Judd), Mariette Hartley (Elsa Knudsen), Ron Starr (Heck Longtree), Edgar Buchanan (Judge Tolliver) produttore/producer Richard E. Lyons produzione/production Metro-Goldwyn-Mayer SFIDA NELL’ALTA SIERRA All’inizio del Novecento, due anziani uomini di legge devono scortare un carico d’oro, ma incontrano una ragazza malmaritata con un brutale minatore e tutti i piani che hanno fatto vanno all’aria. Seconda regia di Sam Peckinpah e prototipo (postfordiano) del western crepuscolare, malinconico e dolente, con scene di furore (il matrimonio) e crollo degli ideali. Interpreti: Joel McCrea e Randolph Scott, due vecchie glorie del western di serie B. roger corman THE WILD ANGELS Usa, 1966, 35mm, 93’, bn/bw regia, produttore/ director, producer Roger Corman sceneggiatura/screenplay Charles B. Griffith (Peter Bogdanovich, non accreditato/uncredited) fotografia/cinematography Richard Moore montaggio/film editing Monte Hellman (Peter Bogdanovich, non accreditato/uncredited) scenografia/ production design Richard Beck-Meyer musica/musica Mike Curb (Davie Allan, non accreditato/uncredited) interpreti e personaggi/ cast and characters Peter Fonda (Heavenly Blues), Nancy Sinatra (Mike «Monkey»), Bruce Dern (Joe «Loser» Kearns), Diane Ladd (Gaysh) produzione/production American International Pictures 190 I SELVAGGI Peter Fonda e Bruce Dern guidano una gang di bikers californiani tra scorribande, risse, inseguimenti con la polizia, un’orgia in chiesa. Dieci anni dopo Il selvaggio con Brando e tre anni prima di Easy Rider, Corman acchiappa i sintomi della ribellione, tra nichilismo anarcoide e «cultura acida». Tra gli extra, i veri Hell’s Angels di Venice; tra le ragazze, Nancy Sinatra (figlia di Frank) e Diana Ladd (mamma di Laura Dern). Memorabile il funerale in moto. N E W H O L LY W O O D RIDE THE HIGH COUNTRY The early 1900s. Two elderly law enforcers have to transport a gold shipment but their plans go awry when they meet a woman who is unhappily married to a violent miner. The second film directed by Sam Peckinpah and the (post-Ford) prototype of the somber, melancholy and pain-filled western, with scenes of frenzy (the wedding) and collapsing ideals. Starring Joel McCrea and Randolph Scott, two old glories of B westerns. filmografia/filmography The Deadly Companions (La morte cavalca a Rio Bravo, 1961), Ride the High Country (Sfida nell’alta Sierra, 1962), Major Dundee (Sierra Charriba, 1965), The Wild Bunch (Il mucchio selvaggio, 1969), The Ballad of Cable Hogue (La ballata di Cable Hogue, 1970), Straw Dogs (Cane di paglia, 1971), Junior Bonner (L’ultimo buscadero, 1972), The Getaway (Getaway!, 1972), Pat Garrett and Billy the Kid (Pat Garrett e Billy the Kid, 1973), Bring Me the Head of Alfredo Garcia (Voglio la testa di Garcia, 1974), The Killer Elite (Killer Elite, 1975), Gross of Iron (La croce di ferro, 1977), Convoy (Convoy - Trincea d’asfalto, 1978), The Osterman Weekend (Osterman Weekend, 1983). THE WILD ANGELS Peter Fonda and Bruce Dern lead a gang of California bikers: joyrides, brawls, police chases, an orgy in a church. Ten years after The Wild One with Brando, and three years before Easy Rider, Corman captures the signs of rebellion, between anarchic nihilism and the “acid” culture. Walk-ons include the real Hell’s Angels of Venice Beach; among the girls, Nancy Sinatra (Frank’s daughter) and Diana Ladd (Laura Dern’s mother). The motorcycle funeral is memorable. filmografia essenziale/essential filmography The Little Shop of Horrors (La piccola bottega degli orrori, 1960), Pit and the Pendulum (Il pozzo e il pendolo, 1961), The Raven (I maghi del terrore, 1963), The Terror (La vergine di cera, 1963), The Haunted Palace (La città dei mostri, 1963), X (L’uomo dagli occhi a raggi, 1963), The Masque of the Red Death (La maschera della morte rossa, 1964), The Tomb of Ligeia (La tomba di Ligeia, 1964), The St. Valentine’s Day Massacre (Il massacro del giorno di San Valentino, 1967), The Trip (Il serpente di fuoco, 1967), Bloody Mama, (Il clan dei Barker, 1970), Von Richthofen and Brown (Il barone rosso, 1971), Frankenstein Unbound (Frankenstein oltre le frontiere del tempo, 1990). arthur penn BONNIE & CLYDE CONTENTS Usa, 1967, 35mm, 93’, col. regia/director Arthur Penn sceneggiatura/screenplay David Newman, Robert Benton (Robert Towne, non accreditato/uncredited) fotografia/cinematography Burnett Guffey montaggio/film editing Dede Allen scenografia/ production design Dean Tavoularis musica/musica Charles Strouse interpreti e personaggi/ cast and characters Warren Beatty (Clyde Barrow), Faye Dunaway (Bonnie Parker), Michael J. Pollard (C.W. Moss), Gene Hackman (Buck Barrow) produttore/producer Warren Beatty produzione/production Warner Bros.-Seven Arts, Tatira-Hiller GANGSTER STORY Sono belli, giovani, innamorati (anche se lui è impotente): la storia di Bonnie Parker e Clyde Barrow, la leggendaria coppia di fuorilegge che negli anni Trenta si fece strada attraverso la Depressione rapinando banche. Esplosivo gangster movie con cui Penn rivoluziona il genere: ralenti, piani sequenza e montaggio singultato, per raccontare la violenza e il cinismo della società americana. Chimica nevrotica e tenera tra Faye Dunaway e Warren Beatty. frank perry THE SWIMMER Usa, 1968, 35mm, 95’, col. regia/director Frank Perry soggetto/story dal racconto Il nuotatore di/ from the short story of the same title by John Cheever sceneggiatura/screenplay Eleanor Perry fotografia/cinematography David L. Quaid montaggio/film editing Sidney Katz, Carl Lerner, Pat Somerset scenografia/ production design Peter Dohanos musica/music Marvin Hamlisch interpreti e personaggi/ cast and characters Burt Lancaster (Ned Merrill), Janet Landgard (Julie Ann Hooper), Janice Rule (Shirley Abbott) produttori/producers Roger Lewis, Frank Perry produzione/production Columbia Pictures, Alan Shane Associates 191 UN UOMO A NUDO Un cinquantenne benestante fa il bagno nella piscina di un amico. Poi decide di tornare a casa così, nuotando attraverso tutte le piscine che costellano il sobborgo del Connecticut nel quale vive. Grande assolo di Burt Lancaster, che porta con sé una tensione compressa e una palese infelicità, per questo incubo di disillusione suburbana sospeso tra Kafka e Beckett. Tratto da un racconto di John Cheever, diretto da Perry, con una scena girata da Pollack. N E W H O L LY W O O D BONNIE & CLYDE They are beautiful, young, in love (even if he is impotent): the story of Bonnie Parker and Clyde Barrow, the legendary pair of outlaws who made a living robbing banks during the Depression in 1930s. Penn revolutionized the gangster movie genre with this explosive film: slow-motion, long takes, and staggered editing, to portray the violence and cynicism of American society. The chemistry between Faye Dunaway and Warren Beatty is neurotic and tender. filmografia/filmography Billy the Kid (Furia selvaggia, 1958), The Miracle Worker (Anna dei miracoli, 1962), Mickey One (id., 1965), The Chase (La caccia, 1966), Bonnie & Clyde (Gangster Story, 1967), Alice’s Restaurant (id., 1969), Little Big Man (Il piccolo grande uomo, 1970), Visions of Eight (coregia/codirectors aa.vv., Ciò che l’occhio non vede, ep. The Hightest, 1973), Night Moves (Bersaglio di notte, 1975), The Missouri Breaks (Missouri, 1976), Four Friends (Gli amici di Georgia, 1981), Target (Target - Scuola omicidi, 1985), Dead of Winter (Omicidio allo specchio, 1987), Penn & Teller Get Killed (Con la morte non si scherza, 1989), Lumière et compagnie (coregia/codirectors aa.vv., ep., 1995). THE SWIMMER A wealthy fifty-year-old man goes swimming in a friend’s pool. Then he decides to return home by swimming in all the pools that dot the Connecticut suburb where he lives. A great solo turn by Burt Lancaster, who displays compressed tension and evident unhappiness, in this nightmare of suburban disillusionment, suspended between Kafka and Beckett. Based on a short story by John Cheever, directed by Perry, with one scene directed by Pollack. filmografia essenziale/ essential filmography David and Lisa (id., 1962), Ladybug Ladybug (1963), The Swimmer (Un uomo a nudo, 1968), Last Summer (I brevi giorni selvaggi, 1969), Trilogy (1969), Diary of a Mad Housewife (Diario di una casalinga inquieta, 1970), Doc (1971), Play It As It Lays (1972), Man on a Swing (1974), Rancho Deluxe (1975), Mommie Dearest (Mammina cara, 1981), Monsignor (Monsignore, 1982), Compromising Positions (Posizioni compromettenti, 1985), Hello Again (1987), On the Bridge (1992). peter bogdanovich TARGETS CONTENTS Usa, 1968, 35mm, 90’, col. regia, produttore/ director, producer Peter Bogdanovich soggetto/story Peter Bogdanovich, Polly Platt sceneggiatura/screenplay Peter Bogdanovich (Samuel Fuller, non accreditato/uncredited) fotografia/cinematography László Kovács montaggio/film editing Peter Bogdanovich (non accreditato/uncredited) scenografia, costumi/ production, costume design Polly Platt interpreti e personaggi/ cast and characters Tim O’Kelly (Bobby Thompson), Boris Karloff (Byron Orlok), Arthur Peterson (Ed Loughlin), Peter Bogdanovich (Sammy Michaels) produzione/production Saticoy BERSAGLI Un pazzo spara agli spettatori che guardano in un drive La vergine di cera con Boris Karloff. Un vecchio attore horror (ancora Karloff) è l’unico che può fermarlo. Esordio ultra metalinguistico (ma di serie B e di genere: produce Roger Corman) di Bogdanovich, che interpreta anche la parte di un regista, e l’ultima grande interpretazione di Karloff, per raccontare un mondo la cui violenza insensata e diffusa ha ormai superato ogni orrore cinematografico. paul mazursky BOB & CAROL & TED & ALICE Usa, 1969, 35mm, 105’ regia/director Paul Mazursky sceneggiatura/screenplay Paul Mazursky, Larry Tucker fotografia/cinematography Charles Lang montaggio/film editing Stuart H. Pappé scenografia/ production design Pato Guzman musica/music Quincy Jones interpreti e personaggi/ cast and characters Elliott Gould (Ted Henderson), Natalie Wood (Carol Sanders), Robert Culp (Bob Sanders), Dyan Cannon (Alice Henderson) produttore/producer Larry Tucker produzione/production Columbia Pictures Corporation, Frankovich Productions 192 BOB & CAROL & TED & ALICE Dopo aver sperimentato un week-end di terapia di gruppo, Bob (Robert Culp) e Carol (Natalie Wood) tornano a casa e cercano di convincere i loro amici Ted (Elliott Gould) e Alice (Dyan Cannon) che è necessario liberarsi e raccontare francamente agli altri le proprie emozioni. E, parlando, nell’aria cresce la tensione sessuale. Mazursky esordisce con una commedia che scava nel disagio dei trentenni cresciuti nel puritanesimo ed entrati nell’era permissiva. Essere o non essere «moderni»? N E W H O L LY W O O D TARGETS A lunatic shoots at people who are at a drive-in to see The Terror, starring Boris Karloff. An elderly horror actor (Karloff, again) is the only one who can stop him. The ultra-meta-linguistic debut film (a genre B movie: it was produced by Roger Corman) by Bogdanovich, who also plays the part of a director, with the last great performance by Karloff, the movie portrays a world in which senseless and widespread violence has surpassed any cinematographic horror. filmografia essenziale/ essential filmography Targets (Bersagli, 1968), Voyage to the Planet of Prehistoric Woman (1968), The Last Picture Show (L’ultimo spettacolo, 1971), Directed by John Ford (doc., 1971-2006), What’s Up, Doc? (Ma papà ti manda sola?, 1972), Paper Moon (id., 1973), Daisy Miller (id., 1974), At Long Last Love (Finalmente arrivò l’amore, 1975), Nickelodeon (Vecchia America, 1976), They All Laughed (…e tutti risero, 1981), Mask (Dietro la maschera, 1985), Texasville (id., 1990), Noises Off… (Rumori fuori scena, 1992), The Thing Called Love (Quella cosa chiamata amore, 1993), The Cat’s Meow (Hollywood Confidential, 2001), The Mystery of Natalie Wood (tv, 2004). BOB & CAROL & TED & ALICE After a weekend of group therapy, Bob (Robert Culp) and Carol (Natalie Wood) return home and try to convince their friends Ted (Elliott Gould) and Alice (Dyan Cannon) that they need to liberate themselves and candidly share their emotions with the others. As they talk, the sexual tension rises. Mazursky debuts with a comedy that explores the malaise of thirty-year-olds raised in Puritanism and entering the era of permissiveness. To be or not to be “modern?” filmografia essenziale/essential filmography Alex in Wonderland (Il mondo di Alex, 1970), Blume in Love (Una pazza storia d’amore, 1973), Harry and Tonto (Harry e Tonto, 1974), Next Stop: Greenwich Village (Stop a Greenwich Village, 1976), An Unmarried Woman (Una donna tutta sola, 1977), Willie and Phil (Io, Willy e Phil, 1980), Tempest (Tempesta, 1982), Moscow on the Hudson (Mosca a New York, 1984), Down and Out in Beverly Hills (Su e giù per Beverly Hills, 1986), Moon Over Parador (Il dittatore del Parador in arte Jack, 1988), Enemies, a Love Story (Nemici - Una storia d’amore, 1989), Scenes from a Mall (Storie di amori e infedeltà, 1991), The Pickle (Buona fortuna Mr Stone, 1993), Faithful (Infedeli per sempre, 1996). dennis hopper EASY RIDER CONTENTS Usa, 1969, 35mm, 95’ regia/director Dennis Hopper sceneggiatura/screenplay Peter Fonda, Dennis Hopper, Terry Southern fotografia/cinematography László Kovács (Baird Bryant, non accreditato/uncredited) montaggio/film editing Donn Cambern scenografia/ production design Jeremy Kay interpreti e personaggi/ cast and characters Peter Fonda (Wyatt/Captain America), Dennis Hopper (Billy), Phil Spector (Connection), Jack Nicholson (George Hanson), Karen Black (Karen) produttori/producers Peter Fonda (Bob Rafelson, non accreditato/uncredited) produzione/production Columbia Pictures Corporation, Pando Company Inc., Raybert EASY RIDER - LIBERTÀ E PAURA Da ovest a est: Billy e Capitan America attraversano gli States sui loro chopper nuovi fiammanti diretti al carnevale di New Orleans. Quintessenza del road movie e sintesi della cultura alternativa, un viaggio nella decadenza dell’American Dream, nei nuovi sogni ribelli, nella musica rock. Indie fino al midollo, costò due lire e incassò milioni. Dirige Dennis Hopper (Billy), producono Peter Fonda (Capitan America) e Bob Rafelson, ruba la scena a tutti Jack Nicholson. haskell wexler MEDIUM COOL Usa, 1969, 35mm, 111’, col. regia, sceneggiatura, fotografia/director, screenplay, cinematography Haskell Wexler montaggio/film editing Verna Fields scenografia/ production design Leon Ericksen musica/music Mike Bloomfield interpreti e personaggi/ cast and characters Robert Forster (John Cassellis), Verna Bloom (Eileen), Peter Bonerz (Gus), Marianna Hill (Ruth), Harold Blankenship (Harold) produttori/producers Tully Friedman, Haskell Wexler, Jerrold Wexler produzione/production H&J 193 AMERICA, AMERICA, DOVE VAI? Un cameraman televisivo va a Chicago per la convention democratica del 1968, incontra una donna sola con il suo bambino, se ne innamora e il suo sguardo cambia, da oggettivo si fa coinvolto. Miscuglio inestricabile di finzione e verità (è stato girato davvero in mezzo agli scontri tra polizia e giovani dimostranti) e rabbioso atto d’accusa, scritto e diretto da un grande direttore della fotografia (vincitore di due Oscar), poi messo sotto inchiesta dall’Fbi. N E W H O L LY W O O D EASY RIDER From West to East: Billy and Captain American cross the United States, driving their brand new choppers to New Orleans for Mardi Gras. The epitome of road movies and a synthesis of the radical culture, a voyage into the decline of the American Dream, into the new dreams of rebellion, and into rock music. Indie to its core, it was produced on a shoestring budget and made millions. Directed by Dennis Hopper (Billy), produced by Peter Fonda (Captain America) and Bob Rafelson, and Jack Nicholson steals every scene he’s in. filmografia/filmography Easy Rider (Easy Rider - Libertà e paura, 1969), The Last Movie (Fuga da Hollywood, 1971), Out of the Blue (Snack bar blues, 1980), Colors (Colors - Colori di guerra, 1988), Catchfire (Ore contate, 1990), The Hot Spot (The Hot Spot - Il posto caldo, 1990), Chasers (Una bionda sotto scorta, 1994), Pashmy Dream (cm, 2008), Homeless (cm, 2000). MEDIUM COOL A TV cameraman goes to Chicago to cover the 1968 Democratic convention and meets a single woman and her child. He falls in love with her and his viewpoint changes, from objective to involved. A tangle of fiction and real events (it was indeed shot during the clashes between the police and the young demonstrators) and an angry accusation, written and directed by a great director of photography (a two-time Oscar winner), who was subsequently investigated by the FBI. filmografia essenziale/essential filmography America America (f./d.o.p., Il ribelle dell’Anatolia, 1963), The Best Man (f./d.o.p., L’amaro sapore del potere, 1964), The Bus (doc., 1965), Who’s Afraid of Virginia Woolf? (f./d.o.p., Chi ha paura di Virginia Woolf?, 1966), Tibbs (f./d.o.p., La calda notte dell’ispettore Tibbs, 1967), The Conversation (f./d.o.p., La conversazione, 1974), Introduction to the Enemy (doc., 1974), Some Flew Over the Cuckoo’s Nest (f./d.o.p., Qualcuno volò sul nido del cuculo, 1975), This Land Is My Land (f./d.o.p., Questa terra è la mia terra, 1976), Bus II (1983), Latino (1985), Colors (f./d.o.p., Colors - Colori di guerra, 1988), Limbo (f./d.o.p., id., 1999), Bus Rider’s Union (doc., 2000), Silver City (f./d.o.p., 2004), Who Needs Sleep? (doc., 2006). john schlesinger MIDNIGHT COWBOY CONTENTS Usa, 1969, 35mm, 113’, col. regia/director John Schlesinger soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by James Leo Herlihy sceneggiatura/screenplay Waldo Salt fotografia/cinematography Adam Holender montaggio/film editing Hugh A. Robertson scenografia/ production design John Robert Lloyd musica/music John Barry (non accreditato/uncredited) interpreti e personaggi/ cast and characters Dustin Hoffman (Ratso), Jon Voight (Joe Buck), Sylvia Miles (Cass), John McGiver (Mr O’Daniel), Brenda Vaccaro (Shirley) produttore/producer Jerome Hellman UN UOMO DA MARCIAPIEDE Alto, biondo e naïf, arriva a New York dal Texas per farsi strada come gigolo. Ma la metropoli se lo mangia e finisce a far marchette nei bassifondi tra gli omosessuali. Trova però un amico, un poveraccio tisico che sogna di andare in Florida. Dal Free Cinema, Schlesinger approda negli Stati Uniti e cattura subito il crollo del Sogno con un’amarissima favola urbana che vince tre Oscar. Jon Voight è il campagnolo e un gigantesco Dustin Hoffman è il tisico. francis ford coppola THE RAIN PEOPLE Usa, 1969, 35mm, 101’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Francis Ford Coppola fotografia/cinematography Bill Butler montaggio/film editing Barry Malkin scenografia/ production design Leon Ericksen musica/music Ronald Stein interpreti e personaggi/ cast and characters James Caan (Jimmy Kilgannon), Shirley Knight (Natalie Ravenna), Robert Duvall (Gordon), Marya Zimmet (Rosalie), Tom Aldredge (Mr Alfred), Laura Crews (Ellen) produttori/producers Ronald Colby, Bart Patton produzione/production American Zoetrope, Warner Bros.-Seven Arts 194 NON TORNO A CASA STASERA «La gente della pioggia è fatta di pioggia, così che quando piange, sparisce»: una casalinga incinta di Long Island fuggita di casa e un ex giocatore di football ritardato attraversano in auto il Paese, diretti in California. On the road sospeso tra disillusione paranoica e umana comprensione, più dalle parti di John Ford che di Easy Rider, fatto di notti, di telefonate, di incontri umanissimi, di ricerca inappagata. Quarta regia di Coppola, la prima decisamente d’autore. N E W H O L LY W O O D MIDNIGHT COWBOY Tall, blond and naïve, he travels from Texas to New York to get rich as a gigolo. But the city demolishes him and he ends up doing tricks in the slums with homosexuals. He makes a friend, a penniless consumptive who dreams of going to Florida. From Free Cinema, Schlesinger lands in the USA and immediately captures the collapse of the “Dream” with a bitter urban fairytale that won three Oscars. With Jon Voight playing the hick and an immense Dustin Hoffman as the consumptive. filmografia essenziale/essential filmography A Kind of Loving (Una maniera d’amare, 1962), Billy Liar (Billy il bugiardo, 1963), Darling (id., 1965), Far From the Madding Crowd (Via dalla pazza folla, 1967), Midnight Cowboy (Un uomo da marciapiede, 1969), Sunday Bloody Sunday (Domenica maledetta domenica, 1971), The Day of the Locust (Il giorno della locusta, 1975), Marathon Man (Il maratoneta, 1976), Yanks (Yankees, 1979), Honky Tonk Freeway (Crazy runners - Quei pazzi pazzi sulle autostrade, 1981), The Falcon and the Snowman (Il gioco del falco, 1985), The Believers (The Believers - I credenti del male, 1987), Madame Sousatzka (id., 1988), Pacific Heights (Uno sconosciuto alla porta, 1990), The Innocent (id., 1993), Cold Comfort Farm (id., tv ,1995). THE RAIN PEOPLE “The rain people are people made of rain. When they cry, they disappear altogether because they cry themselves away:” a pregnant Long Island housewife who has run away from her husband and a braindamaged former football player cross the country by car, on their way to California. An on-the-road movie suspended between paranoid disillusionment and empathetic understanding, more John Ford than Easy Rider, composed of nighttime, phone calls, compassionate encounters, unsatisfied searches. The fourth film by Coppola, his first decidedly art-house movie. filmografia essenziale/essential filmography Dementia 13 (Terrore alla tredicesima ora, 1963), You’re a Big Boy Now (Buttati Bernardo!, 1966), The Godfather (Il Padrino, 1972), The Conversation (La conversazione, 1974), The Godfather - Part II (Il Padrino Parte II, 1974), Apocalypse Now (id., 1979), Rumble Fish (Rusty il selvaggio, 1983), The Cotton Club (Cotton Club, 1984), Gardens of Stone (Giardini di pietra, 1987), The Godfather - Part III (Il padrino Parte III, 1990), Bram Stoker’s Dracula (Dracula di Bram Stoker, 1992), The Rainmaker (L’uomo della pioggia, 1997), Youth Without Youth (Un’altra giovinezza, 2007), Tetro (Segreti di famiglia, 2009), Twixt (2011). sydney pollack THEY SHOOT HORSES, DON’T THEY? CONTENTS Usa, 1969, 35mm, 129’, col. regia/director Sydney Pollack soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Horace McCoy sceneggiatura/screenplay James Poe, Robert E. Thompson fotografia/cinematography Philip Lathrop montaggio/film editing Frederic Steinkamp scenografia/ production design Harry Horner costumi/costume design Donfeld musica/music John Green interpreti e personaggi/ cast and characters Jane Fonda (Gloria), Michel Sarrazin (Robert), Susannah York (Alice), Gig Young (Rocky) produttori/producers Robert Chartoff, Irwin Winkler produzione/production ABC-Palomar Pictures NON SI UCCIDONO COSÌ ANCHE I CAVALLI? In California, in piena Depressione, un gruppo di disperati balla per centinaia di ore sulla pista di una maratona di danza, tra le incitazioni degli spettatori e i ritmi vertiginosi imposti dal maestro di cerimonie, un laido, gelido Gig Young (premio Oscar). Posta in palio: 1500 dollari. Chi cade è fuori. Quinta regia di Pollack, dal romanzo di Horace McCoy, un incubo claustrofobico, avvolgente e violento che lascia senza fiato e senza speranza. Con una dolente Jane Fonda. bob rafelson FIVE EASY PIECES Usa, 1970, 35mm, 98’, col. regia/director Bob Rafelson soggetto/story Bob Rafelson, Carole Eastman (come/as Adrien Joyce) sceneggiatura/screenplay Carole Eastman (come/as Adrien Joyce) fotografia/cinematography László Kovács montaggio/film editing Christopher Holmes interpreti e personaggi/ cast and characters Jack Nicholson (Robert Eroica Dupea), Karen Black (Rayette Dipesto), Billy Green Bush (Elton), Lois Smith (Partita Dupea), Susan Anspack (Catherine Van Oost) Fannie Flagg (Stoney), Sally Struthers (Betty), Marlena MacGuire (Twinky) produttori/producers Bob Rafelson, Richard Wechsler produzione/production BBS, Columbia Pictures Corporation, Raybert 195 CINQUE PEZZI FACILI Robert Eroica Dupea è pianista, ma ha lasciato la famiglia borghese e intellettuale per mettersi sulla strada. Operaio in un oleodotto, quando viene a sapere che il padre sta male decide di tornare a casa. Viaggio all’incontrario, storia di un ritorno impossibile, di radici insieme rimpiante e mal sopportate, di cose che vanno a male, un tour de force di Jack Nicholson (forse nella sua prova migliore). Seconda regia di Rafelson, un caposaldo. Indimenticabili la maldestra, petulante cameriera Karen Black e il monologo di Robert davanti al padre muto. N E W H O L LY W O O D THEY SHOOT HORSES, DON’T THEY? In California, during the Depression, a group of hopeless people dance for hundreds of hours at a dance marathon, egged on by the audience and the dizzying tempo set by the master of ceremonies, a foul, icy Gig Young (who won an Oscar). The prize: 1,500 dollars. If you fall down, you’re out. Pollack’s fifth movie as director, based on the novel by Horace McCoy, a claustrophobic nightmare, encircling and violent, leaving viewers breathless and hopeless. With an aching Jane Fonda. filmografia essenziale/essential filmography The Slender Thread (La vita corre sul filo, 1965), This Property Is Condemned (Questa ragazza è di tutti, 1966), The Scalphunters (Joe Bass l’implacabile, 1967), Castle Keep (Ardenne ’44: un inferno, 1968), Jeremiah Johnson (Corvo Rosso non avrai il mio scalpo, 1972),The Way We Were (Come eravamo, 1973), The Yakuza (Yakuza, 1975), Three Days of the Condor (I tre giorni del condor, 1976), Bobby Deerfield (Un attimo, una vita, 1977), The Electric Horseman (Il cavaliere elettrico, 1979), Tootsie (id., 1982), Out of Africa (La mia Africa, 1985), Havana (id., 1990), The Firm (Il socio, 1993), The Interpreter (id., 2005), Sketches of Frank Gehry (Frank Gehry - Creatore di sogni, doc., 2005). FIVE EASY PIECES Robert Eroica Dupea is a pianist, but he has left his bourgeois, intellectual family to go on the road. While working on an oil pipeline, he learns that his father is sick and decides to return home. A backward journey, the story of an impossible return, of roots that are both regretted and endured with difficulty, a tour de force by Jack Nicholson (perhaps his best performance). The second movie directed by Rafelson is a cornerstone. Star turns are the clumsy, petulant maid Karen Black and Robert’s monologue before his mute father. filmografia/filmography Head (Sogni perduti - Head, 1968), Five Easy Pieces (Cinque pezzi facili, 1970), The King of Marvin Gardens (Il re dei giardini di Marvin, 1972), Stay Hungry (Un autentico campione, 1976), The Postman Always Rings Twice (Il postino suona sempre due volte, 1981), Black Widow (La vedova nera, 1987), Mountains of the Moon (Le montagne della luna, 1990), Man Trouble (La gatta e la volpe, 1992), Blood & Wine (id., 1996), Poodle Springs (Marlowe - Omicidio a Poodle Springs, tv, 1998), No Good Deed (Inganni svelati - No Good Deed, 2002). michael wadleigh WOODSTOCK CONTENTS Usa, 1970, 35mm, 184’, col. regia/director Michael Wadleigh assistenti alla regia/ assistant directors Martin Scorsese, Thelma Schoonmaker fotografia/cinematography Malcolm Hart, Michael Margetts montaggio/film editing Hubert de La Bouillerie, Jere Huggins, Thelma Schoonmaker, Martin Scorsese, Michael Wadleigh, Stanley Warnow, Yeu-Bun Yee interpreti/cast Jimi Hendrix, Richie Havens, Joan Baez, The Who, Sha Na Na, Joe Cocker, Arlo Guthrie, Crosby, Stills, Nash & Young, Santana, Jefferson Airplane, Janis Joplin, Lawrence Ferlinghetti, Jerry Garcia, Bill Graham produttore/producer Bob Maurice produzione/production Wadleigh-Maurice WOODSTOCK From August 15-18, 1969, over 400,000 young people gathered north of New York to celebrate three days of peace, music (rock) and love (free). Rain, mud, weed, LSD, Army helicopters, fans, and thirty-two rock bands. Plus Michael Wadleigh and his assistant Martin Scorsese, who filmed, cut, spliced and edited. The manifesto of the hippie culture (which was already on the wane). With all the legends of rock music, concluding with Jimi Hendrix and his solo rendition of the Star-Spangled Banner. WOODSTOCK: TRE GIORNI DI PACE, AMORE, E MUSICA Dal 15 al 18 agosto del 1969, più di quattrocentomila giovani si riunirono a nord di New York, per celebrare tre giorni di pace, musica (rock) e amore (libero). Tra la pioggia, il fango, l’erba, l’Lsd, gli elicotteri dell’esercito, i fan e i trentadue gruppi musicali c’erano Michael Wadleigh e il suo assistente Martin Scorsese, che ripresero, spezzettarono, ricucirono, montarono. Ecco il manifesto della cultura hippie (già declinante). Con tutti i miti del rock e chiuso da Jimi Hendrix, nell’angosciante assolo di Star-Spangled Banner. hal ashby HAROLD AND MAUDE Usa, 1971, 35mm, 91’, col. regia/director Hal Ashby sceneggiatura/screenplay Colin Higgins fotografia/cinematography John A. Alonzo montaggio/film editing William A. Sawyer, Edward Warschilka scenografia/ production design Michael D. Haller interpreti e personaggi/ cast and characters Ruth Gordon (Maude), Bud Cort (Harold), Vivian Pickles (Mrs Chasen), Cyril Cusack (Glaucus), Charles Tyner (lo zio/uncle Victor), Ellen Geer (Sunshine Doré) produttori/producers Colin Higgins, Charles Mulvehill produzione/production Mildred Lewis and Colin Higgins Productions, Paramount Pictures 196 HAROLD E MAUDE Harold ha diciotto anni, è ossessionato dalla morte, va ai funerali, visita i cimiteri, inscena tentativi di suicidio per attirare l’attenzione della madre. Finché non incontra Maude, scultrice ottantenne attaccatissima alla vita. Commedia necrofila e surreale sulla libertà di essere se stessi, interpretata da Bud Cort (il Brewster McCloud di Altman) e Ruth Gordon (grande sceneggiatrice hollywoodiana, con il marito Garson Kanin). Seconda regia di Ashby, con musiche di Cat Stevens. N E W H O L LY W O O D filmografia/filmography Woodstock (Woodstock: tre giorni di pace, amore, e musica, doc., 1970), Wolfen (Wolfen - La belva immortale, 1981), Woodstock: The Lost Performances (doc., 1990), Jimi Hendrix: Live at Woodstock (doc., 1999). HAROLD AND MAUDE Harold is eighteen years old, he is obsessed with death, he goes to funerals, he visits cemeteries, his fakes his suicide to attract his mother’s attention. And then one day he meets Maude, an eithy-year-old sculptress who loves life. A necrophile and surreal comedy about the freedom to be yourself, starring Bud Cort (Altman’s Brewster McCloud) and Ruth Gordon (a great Hollywood screenwriter, with her husband Garson Kanin). Ashby’s second time behind the camera, with music by Cat Stevens. filmografia essenziale/essential filmography The Landlord (Il padrone di casa, 1970), Harold and Maude (Harold e Maude, 1971), The Last Detail (L’ultima corvè, 1973), Shampoo (id., 1975), Bound for Glory (Questa terra è la mia terra, 1976), Coming Home (Tornando a casa, 1978), Being There (Oltre il giardino, 1979), Second-Hand Hearts (Cuori di seconda mano, 1981), Lookin’ to Get Out (Cercando di uscire, 1982), Let’s Spend the Night Together (Time Is on Our Side: The Rolling Stones, 1982), The Slugger’s Wife (La moglie del campione, 1985), 8 Million Ways to Die (8 milioni di modi per morire, 1986). peter bogdanovich THE LAST PICTURE SHOW CONTENTS Usa, 1971, 35mm, 118’, bn/bw regia/director Peter Bogdanovich soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Larry McMurtry sceneggiatura/screenplay Larry McMurtry, Peter Bogdanovich fotografia/cinematography Robert Surtees montaggio/film editing Donn Cambern (Peter Bogdanovich, non accreditato/uncredited) musica/music Bob Wills and His Texas Playboys interpreti e personaggi/ cast and characters Timothy Bottoms (Sonny Crawford), Jeff Bridges (Duane Jackson), Cybill Shepherd (Jacy Farrow), Ben Johnson (Sam), Cloris Leachman (Ruth Popper), Ellen Burstyn (Lois Farrow) produzione/production Columbia Pictures Corporation, BBS THE LAST PICTURE SHOW L’ULTIMO SPETTACOLO La vita scorre ad Anarene, Texas, nel 1951: mentre i giovani inseguono le prime avventure sentimentali e finiscono per partire per la Corea, i più maturi fanno i conti sconsolati con la propria vita. E l’unico cinema in città chiude dopo l’ultima proiezione del Fiume rosso di Hawks. Straziante, bellissimo ritratto di provincia e malinconica riflessione sulla scomparsa del cinema classico. Lancia Jeff Bridges, Timothy Bottoms, Cybill Shepherd. Ma la parte del leone tocca al vecchio cowboy Ben Johnson (premio Oscar). Life in Anarene, Texas, in 1951: the young people are having their first sentimental adventures before leaving for Korea, the older ones are disconsolately summing up their lives. And the only cinema in town will be closing after its last show, Red River by Hawks. A heart-breaking, beautiful portrait of country life and a melancholy reflection on the death of classic cinema. The movie launched the careers of Jeff Bridges, Timothy Bottoms and Cybill Shepherd. But the lion’s share went to the old cowboy Ben Johnson (who won an Oscar). filmografia/filmography vedi/see p.192 alan arkin LITTLE MURDERS Usa, 1971, 35mm, 110’, col. regia/director Alan Arkin soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Jules Feiffer sceneggiatura/screenplay Jules Feiffer montaggio/film editing Howard Kuperman scenografia/ production design Gene Rudolf musica/music Fred Kaz interpreti e personaggi/ cast and characters Elliott Gould (Alfred Chamberlain), Marcia Rodd (Patsy Newquist), Vincent Gardenia (Mr Newquist), Donald Sutherland (rev. Dupas) produttori/producers Jack Brodsky, Elliott Gould produzione/production 20 Century Fox TH 197 LITTLE MURDERS PICCOLI OMICIDI Un uomo coperto di sangue viaggia in una metropolitana piena; tutti gli altri passeggeri restano indifferenti. È la sequenza più famosa della commedia nera e paranoica scritta dall’umorista Jules Feiffer e diretta dall’attore Alan Arkin: la storia di un fotografo apatico che non sente più niente, parte integrante di una New York popolata di sparatori folli, maniaci telefonici, bande di violenti, e della ragazza che vuole «salvarlo». Prodotta dal protagonista Elliott Gould, con un cammeo di Donald Sutherland. N E W H O L LY W O O D A man covered in blood rides in a packed subway car; the other passengers look on indifferently. This is the most famous sequence of the paranoid black comedy written by the humorist Jules Feiffer and directed by the actor Alan Arkin. The story of an apathetic photographer who has lost all touch with his feelings, firmly entrenched in a New York inhabited by lunatic gunmen, telephone maniacs, violent gangs, and of the girl who wants to “save him.” Produced by the lead character Elliott Gould, with a cameo by Donald Sutherland. filmografia/filmography T.G.I.F. (cm, 1967), People Soup (cm, 1969), Little Murders (Piccoli omicidi, 1971), Twigs (tv, 1975), Fay (ep., tv, 1975), Fire Sale (Quella pazza famiglia Fikus, 1977), Trying Times (ep., tv, 1987-1989), Samuel Beckett Is Coming Soon (1993), Blood (Thinner Than Water) (cm, 2004). george lucas THX 1138 CONTENTS Usa, 1971, 35mm, 86’, col. regia, soggetto, montaggio/ director, story, film editing George Lucas sceneggiatura/screenplay George Lucas, Walter Murch fotografia/cinematography Albert Kihn, David Myers scenografia/ production design Al Locatelli costumi/costume design Donald Longhurst musica/music Lalo Schifrin interpreti e personaggi/ cast and characters Robert Duvall (THX), Donald Pleasence (SEN), Don Pedro Colley (SRT), Maggie McOmie (LUH), Ian Wolfe (PTO), Marshall Efron (TWA), Sid Haig (NCH) produttore/producer Larry Sturhahn produzione/production American Zoetrope, Warner Bros. L’UOMO CHE FUGGÌ DAL FUTURO In un mondo futuro finalizzato alla produzione e al consumo delle merci, si vive sotto terra, controllati attraverso la somministrazione di droghe. Le sigle alfanumeriche hanno sostituito i nomi e tutti indossano divise. Anche l’amore è stato bandito. Ma THX e LUH smettono di usare la droga e decidono di fuggire in superficie. Sviluppando il suo cortometraggio di laurea, Lucas esordisce a basso costo con un lucido esempio di fantascienza orwelliana. monte hellman TWO-LANE BLACKTOP Usa, 1971, 35mm, 102’, col. regia, montaggio/ director, film editing Monte Hellman soggetto/story Will Corry (Floyd Mutrux, non accreditato/uncredited) sceneggiatura/screenplay Rudy Wurlitzer, Will Corry fotografia/cinematography Jack Deerson (Gregory Sandor, non accreditato/uncredited) costumi/costume design Richard Bruno musica/music Billy James interpreti e personaggi/ cast and characters James Taylor (il pilota/driver), Dennis Wilson (il meccanico/mechanic), Warren Oates (Gto), Laurie Bird (la ragazza/girl) produttore/producer Michael Laughlin produzione/production Michael Laughlin Enterprises, Universal Pictures 198 STRADA A DOPPIA CORSIA Due automobilisti senza nome (i musicisti James Taylor e Dennis Wilson) viaggiano su una Chevrolet truccata e partecipano a gare clandestine. Un giorno sfidano a una corsa fino a Washington il pilota di una Ferrari Gto; ma dopo un po’ ognuno se ne va per la sua strada. Road movie esistenziale, fatto di strade, auto, incontri, silenzi, chiacchiere (di Gto, un grande Warren Oates), paesaggi, senza un filo di retorica. Monte Hellman anticipa Wim Wenders. Esordio nella sceneggiatura di Rudy Wurlitzer. N E W H O L LY W O O D THX 1138 In a future world dedicated to the production and consumption of goods, people live underground; they are controlled through the administration of drugs, alphanumerical codes have taken the place of names, and everybody wears uniforms. Even love has been banned. But THX and LUH stop taking the drugs and decide to escape to the surface. By developing his graduating short film, Lucas debuts on a low budget with a lucid example of Orwellian science fiction. filmografia essenziale/ essential filmography THX 1138 (L’uomo che fuggì dal futuro, 1971), American Graffiti (id., 1973), Star Wars (Guerre stellari, 1977), Star Wars Episode I: The Phantom Menace (Star Wars: Episodio I - La minaccia fantasma, 1999), Star Wars Episode II: Attack of the Clones (Star Wars: Episodio II - L’attacco dei cloni, 2002), Star Wars Episode III: Revenge of the Sith (Star Wars: Episodio III - La vendetta dei Sith, 2005). TWO-LANE BLACKTOP Two nameless drivers (the musicians James Taylor and Dennis Wilson) have a souped-up Chevrolet and participate in illegal car races. One day, they challenge the driver of a Ferrari GTO to a race all the way to Washington. But after a while each goes his own way. An existential road movie, with roads, cars, encounters, silences, chitchat (by GTO, a great Warren Oates), landscapes, and without a touch of rhetoric. Monte Hellman, a precursor of Wim Wenders. Debut script by Rudy Wurlitzer. filmografia essenziale/essential filmography Beast from Haunted Cave (1959), Back Door to Hell (1964), Flight to Fury (1964), Back Door to Hell (1964), Ride in the Whirlwind (Le colline blu, 1966), The Shooting (La sparatoria, 1967), Two-Lane Blacktop (Strada a doppia corsia, 1971), Cockfighter (1974), Amore, piombo e furore (1978), Inside the Coppola Personality (1981), Iguana (1988), Silent Night, Deadly Night III: Better Watch Out! (video, 1989), Stanley’s Girlfriend (cm, 2006), Trapped Ashes (coregia/ codirectors aa.vv., ep. Stanley’s Girlfriend, 2006), Somewhere Near Salinas: A Conversation with Kris Kristofferson (cm, 2007), Road to Nowhere (2010), Venice 70: Future Reloaded (coregia/codirectors aa.vv., ep. Vive L’amour, 2013). richard c. sarafian VANISHING POINT CONTENTS Usa, 1971, 35mm, 99’, col. regia/director Richard C. Sarafian soggetto/story Malcolm Hart sceneggiatura/screenplay Guillermo Cabrera Infante (Barry Hall, non accreditato/uncredited) fotografia/cinematography John A. Alonzo montaggio/film editing Stefan Arnsten scenografia/ production design Glen Daniels interpreti e personaggi/ cast and characters Barry Newman (Kowalski), Cleavon Little (Super Soul), Victoria Medlin (Vera), Paul Koslo (il poliziotto giovane/young cop), Robert Donner (il poliziotto anziano/older cop) produttore/producer Norman Spencer produzione/production Cupid Productions, 20 Century Fox Film Corporation TH PUNTO ZERO Kowalski, un reduce del Vietnam, per vivere consegna auto attraverso gli States. Un giorno scommette che porterà una Dodge Challenger dal Colorado a San Francisco in meno di quindici ore. La stradale lo blocca per eccesso di velocità, lui fugge e inizia la caccia. Lo guida via radio Super Soul, un dj cieco. Attraverso tre Stati, Kowalski si trasforma in un mito per contadini e dropout. Musica senza tregua nel terzo film di Sarafian. Barry Newman diventò un attore di culto. martin scorsese BOXCAR BERTHA Usa, 1972, 35mm, 88’, col. regia/director Martin Scorsese soggetto/story da Box-car Bertha: autobiografia di una vagabonda americana di/ from Sisters of the Road: The Autobiography of Box-Car Bertha by Ben L. Reitman sceneggiatura/screenplay Joyce Hooper Corrington, John William Corrington fotografia/cinematography John M. Stephens montaggio/film editing Buzz Feitshans musica/music Gib Guilbeau, Thad Maxwell interpreti e personaggi/ cast and characters Barbara Hershey (Boxcar Bertha), David Carradine (Big Bill Shelly), Barry Primus (Rake Brown), Bernie Casey (Von Morton), John Carradine (H. Buckram Sartoris) produttore/producer Roger Corman produzione/production American International Pictures 199 AMERICA 1929: STERMINATELI SENZA PIETÀ Dall’autobiografia di Bertha Thompson, la storia di una hobo e di un sindacalista che, nella campagna dell’Arkansas impoverita dalla crisi del ’29, diventano fuorilegge quasi per caso e agitatori per scelta. Secondo lungometraggio di Scorsese, prodotto da Corman come un exploitation a basso costo, tra leggenda folk e mélo, duro, romantico e «cristologico». La splendente Barbara Hershey e David Carradine (al primo ruolo da protagonista) s’innamorarono sul set. N E W H O L LY W O O D VANISHING POINT Vietnam veteran Kowalski delivers cars across America for a living. One day, he bets that he can drive a Dodge Challenger from Colorado to San Francisco in less than fifteen hours. The highway police stop him for speeding, he makes a run for it and the hunt is on. The blind DJ Super Soul guides him by radio. After crossing three state borders, Kowalski becomes a hero of farmers and dropouts. Non-stop music in the third film by Sarafian. Barry Newman becomes a cult actor. filmografia essenziale/essential filmography The Twilight Zone (Ai confini della realtà, ep., tv, 1963), Bonanza (ep., tv, 1963), The Long Hot Summer (ep., tv, 1963) Andy (1965), Run Wild, Run Free (Corri libero e selvaggio, 1969), Fragment of Fear (Frammenti di paura, 1970), Vanishing Point (Punto zero, 1971), Man in the Wilderness (Uomo bianco, va’ col tuo Dio, 1971), The Man Who Loved Cat Dancing (L’uomo che amò Gatta danzante, 1973), Lolly-Madonna XXX (La terra si tinse di rosso, 1973), The Next Man (Il prossimo uomo, 1976), Sunburn (Sunburn - Bruciata dal sole, 1979), Splendor in the Grass (Splendore nell’erba, tv, 1981), Gangster Wars (1981), Street Justice (Street Justice - Un’ombra nella notte, 1987), Solar Crisis (1990). BOXCAR BERTHA Based on the autobiography of Bertha Thompson, the story of a hobo and a union organizer who, in the Arkansas countryside impoverished by the 1929 crisis, become outlaws almost by accident and agitators by choice. Scorsese’s second feature film, produced by Corman as a low-cost exploitation, between folk legend and melodrama, is harsh, romantic and “Christological.” Gorgeous Barbara Hershey and David Carradine (in his first starring role) fell in love on the set. filmografia essenziale/essential filmography Who’s That Knocking at My Door? (Chi sta bussando alla mia porta?, 1967), Mean Streets (Mean Streets - Domenica in chiesa, lunedì all’inferno, 1973), Alice Doesn’t Live Here Anymore (Alice non abita più qui, 1974), Taxi Driver (id., 1976), New York, New York (id., 1977), Raging Bull (Toro scatenato, 1980), After Hours (Fuori orario, 1985), The Last Temptation of Christ (L’ultima tentazione di Cristo, 1988), Goodfellas (Quei bravi ragazzi, 1990), Cape Fear (Cape Fear - Il promontorio della paura, 1991), The Age of Innocence (L’età dell’innocenza, 1993), Casino (Casinò, 1995), Bringing Out the Dead (Al di là della vita, 2000), Gangs of New York (id., 2002), Shutter Island (id., 2010). bill l. norton CISCO PIKE CONTENTS Usa, 1972, 35mm, 95’, col. regia/director Bill L. Norton sceneggiatura/screenplay Bill L. Norton (Robert Towne, non accreditato/uncredited) fotografia/cinematography Vilis Lapenieks montaggio/film editing Robert C. Jones scenografia/ production design Alfred Sweeney costumi/costume design Rosanna Norton interpreti e personaggi/ cast and characters Kris Kristofferson (Cisco Pike), Karen Black (Sue), Gene Hackman (ufficiale/officer Leo Holland), Harry Dean Stanton (Jesse Dupre) produttore/producer Gerald Ayres produzione/production Acrobat Productions, Columbia Pictures Corporation PER 100 CHILI DI DROGA Ex rock star, rovinato dalla droga, sta rimettendo a posto la propria vita, ma viene ricattato da un poliziotto corrotto che gli dà tre giorni per vendere una partita di marijuana. Cupissima corsa contro il tempo, dentro una Los Angeles da incubo, diretta con rigore asciutto da Bill L. Norton (poi, una fiorente carriera televisiva). Si fronteggiano Kris Kristofferson (allora famoso folksinger, al suo primo film) e il re dei poliziotti (sceriffi, politici) corrotti, Gene Hackman. john huston FAT CITY Usa, 1972, 35mm, 100’, col. regia/director John Huston soggetto/story dall’omonimo romanzo di/ from the novel of the same title by Leonard Gardner sceneggiatura/screenplay Leonard Gardner fotografia/cinematography Conrad L. Hall montaggio/film editing Walter Thompson scenografia/ production design Richard Sylbert costumi/costume design Dorothy Jeakins interpreti e personaggi/ cast and characters Stacy Keach (Billy Tully), Jeff Bridges (Ernie Munger), Susan Tyrrell (Oma), Candy Clark (Faye) produttori/producers John Huston, Ray Stark produzione/production Columbia Pictures, Rastar Pictures 200 CITTÀ AMARA Sogno di un Eldorado irraggiungibile (la «Fat City» del titolo), per due pugili che si arrabattano negli incontri di bassissima categoria di una città marginale (Stockton). Periferia triste dell’impero per anime arrivate al capolinea, si tratti di maturi pugili falliti o di giovani volonterosi: Stacy Keach e Jeff Bridges intrecciano amicizia, bevute, delusioni in uno dei capolavori malinconici e lucidi di quegli anni. Diretto da un vecchio leone che aveva capito tutto. N E W H O L LY W O O D CISCO PIKE A former rock star, who has been ruined by drugs, is getting his life back together when he is blackmailed by a corrupt cop, who gives him three days to sell a shipment of marijuana. A gloomy race against time, in a nightmarish Los Angeles, directed with firm rigor by Bill L. Norton (who then had a flourishing career in TV). With Kris Kristofferson (a famous folk singer, in his first film) and the king of corrupt cops (sheriffs, politicians), Gene Hackman. filmografia essenziale/ essential filmography Cisko Pike (Per 100 chili di droga, 1972), Gargoyles (tv, 1972), More American Graffiti (American Graffiti 2, 1979), Baby: Secret of the Lost Legend (Baby - Il segreto della leggenda perduta, 1985), Twilight Zone (Ai confini della realtà, ep., tv, 1985-1986), Three for the Road (In tre si litiga meglio, 1987), Tour of Duty (Vietnam addio, ep., tv, 1987-1989), Gone in the Night (Senza movente, tv, 1996), Every Mother’s Worst Fear (Trappola in rete, 1998), Buffy the Vampire Slayer (Buffy, l’ammazzavampiri, ep., tv, 2002), Haunted (Fantasmi, ep., tv, 2002), The Guardian (ep., tv, 2004), Medium (id., ep., tv, 2005), Ghost Whisperer (id., ep., tv, 2005). FAT CITY The dream of an impossible Eldorado (the “Fat City” of the title) for two boxers who fight in the lowest category in a marginal city (Stockton). A sad periphery of the empire for souls who have reached the end of the line, whether they be over-the-hill failed boxers or eager newcomers. Stacy Keach and Jeff Bridges share friendship, drinking binges and disappointments in a melancholy, lucid masterpiece about those years. Directed by an old oak who understood it all. filmografia essenziale/essential filmography The Maltese Falcon (Il mistero del falco, 1941), The Treasure of the Sierra Madre (Il tesoro della Sierra Madre, 1948), The Asphalt Jungle (Giungla d’asfalto, 1950), The Red Badge of Courage (La prova del fuoco, 1951), Heaven Knows, Mr Allison (L’anima e la carne, 1957), The List of Adrian Messenger (I cinque volti dell’assassino, 1963), Reflections in a Golden Eye (Riflessi in un occhio d’oro, 1967), The Life and Times of Judge Roy Bean (L’uomo dai 7 capestri, 1972), The Mackintosh Man (L’agente speciale Mackintosh, 1973), The Man Who Would Be King (L’uomo che volle farsi re, 1975), Wise Blood (La saggezza nel sangue, 1979), Prizzi’s Honor (L’onore dei Prizzi, 1985), The Dead (The Dead - Gente di Dublino, 1987). bob rafelson THE KING OF MARVIN GARDENS CONTENTS Usa, 1972, 35mm, 103’, col. regia, produttore/ director, producer Bob Rafelson soggetto/story Bob Rafelson, Jacob Brackman sceneggiatura/screenplay Jacob Brackman fotografia/cinematography László Kovács montaggio/film editing John F. Link scenografia/ production design Toby Carr Rafelson suono/sound James Nelson, Tom Overton interpreti e personaggi/ cast and characters Jack Nicholson (David Staebler), Bruce Dern (Jason Staebler), Ellen Burstyn (Sally), Julia Anne Robinson (Jessica), Scatman Crothers (Lewis), John P. Ryan (Surtees) produzione/production BBS Productions THE KING OF MARVIN GARDENS In the board game Monopoly, Marvin Gardens is the most expensive property, the one everyone wants to own. Marven Gardens is also a residential area of Atlantic City, the setting for the story of two brothers: Jason, an oddball swindler, and David, a radio personality in Philadelphia. Bruce Dern and Jack Nicholson in a precise account of family ties and incompatibilities, in a world where you can gamble everything. And you lose. filmografia/filmography vedi/see p. 195 IL RE DEI GIARDINI DI MARVIN I Giardini di Marvin sono il Parco della Vittoria del Monopoli americano: la casella più costosa, la più ambita. Marven Gardens è anche un’area residenziale di Atlantic City, dove si svolge la storia di due fratelli: Jason, affarista bislacco, e David, che lo raggiunge da Filadelfia, dove racconta le proprie storie alla radio. Bruce Dern e Jack Nicholson in un accorato resoconto di legami e incompatibilità familiari, in un mondo dove ci si gioca tutto. E si perde. william guercio ELECTRA GLIDE IN BLUE Usa, 1973, 35mm, 114’, col. regia, musica/director, music William Guercio soggetto/story Robert Boris, Rupert Hitzig sceneggiatura/screenplay Robert Boris fotografia/cinematography Conrad L. Hall montaggio/film editing Gerald B. Greenberg, John F. Link costumi/costume design Rita Riggs interpreti e personaggi/ cast and characters Robert Blake (John Wintergreen), Billy Green Bush (Zipper), Mitch Ryan (Harve Poole), Jeannine Riley (Jolene), Elisha Cook Jr (Willie) produttori/producers William Guercio (Rupert Hitzig, non accreditato/uncredited) produzione/production Guercio-Hitzig 201 ELECTRA GLIDE IN BLUE John Wintergreen, a Vietnam veteran, is just over five feet tall; he works as a cop in Arizona. His dream is to become a member of the homicide squad, in order to bring people to justice, but also to finally drive one of the squad’s mighty Electra Glides. His dream comes true but he realizes that there isn’t much justice around. Set in the desert (Ford’s Monument Valley), a bizarre and surreal parable, the only film directed by the musician and music impresario William Guercio. ELECTRA GLIDE Un veterano del Vietnam, John Wintergreen, è alto poco più di un metro e mezzo e fa il poliziotto in Arizona. Il suo sogno è entrare nella omicidi, per fare giustizia, ma anche per cavalcare, finalmente, la monumentale Electra Glide in dotazione a questo corpo. Ci riesce, ma si accorge che di giustizia ce n’è ben poca. Ambientato nel deserto (la fordiana Monument Valley), un bizzarro apologo surreale, unica regia di un musicista e impresario musicale. N E W H O L LY W O O D filmografia/filmography Electra Glide in Blue (Electra Glide, 1973). hal ashby THE LAST DETAIL CONTENTS Usa, 1973, 35mm, 104’, col. regia/director Hal Ashby soggetto/story dal romanzo di/ from the novel of the same title by Darryl Ponicsan sceneggiatura/screenplay Robert Towne fotografia/cinematography Michael Chapman montaggio/film editing Robert C. Jones (Ken Zemke, non accreditato/uncredited) musica/music Johnny Mandel interpreti e personaggi/ cast and characters Jack Nicholson (Buddusky), Otis Young (Mulhall), Randy Quaid (Meadows), Carol Kane (la prostituta ragazzina/young prostitute) produttore/producer Gerald Ayres produzione/production Columbia Pictures Corporation, Bright-Persky Associates, Acrobat Productions THE LAST DETAIL Two rowdy Navy noncommissioned officers have one week to escort to prison a young sailor who tried to steal forty dollars and has been sentenced to eight years. They take a liking to the slightly obtuse young man and decide to teach him how to live, drink, fight and womanize. Nicholson and Otis Young take care of Randy Quaid in a wicked and cheerful buddy movie, written by the great screenwriter Robert Towne. filmografia/filmography vedi/see p. 196 L’ULTIMA CORVÈ Due sboccati sottufficiali di Marina hanno una settimana per scortare in carcere un giovane marinaio che ha tentato di rubare quaranta dollari ed è stato condannato a otto anni. In viaggio, si affezionano al ragazzo un po’ tonto e decidono di insegnargli a vivere, a bere, fare a pugni, andare a donne. Jack Nicholson e Otis Young si prendono cura di Randy Quaid in un buddy movie cattivo e ilare, scritto da un grande sceneggiatore, Robert Towne. sam peckinpah PAT GARRETT & BILLY THE KID Usa, 1973, 35mm, 122’, col. regia/director Sam Peckinpah sceneggiatura/screenplay Rudy Wurlitzer fotografia/cinematography John Coquillon montaggio/film editing David Berlatsky, Garth Craven, Tony de Zarraga, Richard Halsey, Roger Spottiswoode, Robert L. Wolfe musica/music Bob Dylan interpreti e personaggi/ cast and characters James Coburn (Pat Garrett), Kris Kristofferson (Billy the Kid), Richard Jaeckel (sceriffo/sheriff Kip McKinney), Katy Jurado (Mrs Baker), Jason Robards (governatore/governor Wallace), Bob Dylan (Alias), Harry Dean Stanton (Luke) produttore/producer Gordon Carroll produzione/production Metro-Goldwyn-Mayer 202 PAT GARRETT & BILLY THE KID PAT GARRETT E BILLY THE KID «L’America sta invecchiando e io voglio invecchiare con lei»: parole sante (e antimitiche) dello sceriffo Pat Garrett (James Coburn), un ex fuorilegge che si è messo al soldo degli allevatori del New Mexico per dare la caccia al Kid (Kris Kristofferson), suo antico compagno di scorrerie. Magnifica ballata crepuscolare di Peckinpah, che comincia con un tremendo frame mortuario e si snoda amaramente sulle note della musica di Bob Dylan (che interpreta l’enigmatico Alias). Hit: la morte in riva al fiume e Knockin’ on Heaven’s Door. N E W H O L LY W O O D “This country’s getting older and I aim to grow old with it:” very true (and antimythical) words coming from sheriff Pat Garrett (James Coburn), a former outlaw who has being hired by some New Mexico landowners to hunt down the Kid (Kris Kristofferson), his old companion in crime. Peckinpah’s magnificent crepuscular ballad, which starts with a tremendous obituary frame and bitterly unspools to the music of Bob Dylan (who plays the enigmatic Alias). Hit: the death by the river sequence with Knockin’ on Heaven’s Door. filmografia/filmography vedi/see p. 190 brian de palma SISTERS CONTENTS Usa, 1973, 35mm, 93’, col. regia, soggetto/ director, story Brian De Palma sceneggiatura/screenplay Brian De Palma, Louisa Rose fotografia/cinematography Gregory Sandor montaggio/film editing Paul Hirsch scenografia/ production design Gary Weist musica/music Bernard Herrmann interpreti e personaggi/ cast and characters Margot Kidder (Danielle Breton/Dominique Blanchion), Jennifer Salt (Grace Collier), Charles Durning (Joseph Larch), William Finley (Emil Breton), Lisle Wilson (Phillip Woode) produttore/producer Edward R. Pressman produzione/production American International Pictures, Pressman-Williams LE DUE SORELLE Una giornalista guarda dalla finestra e assiste a un omicidio nella casa di fronte. La vittima faceva il guardone in una trasmissione televisiva intitolata Peeping Toms. Una modella è in cura da uno psichiatra per il trauma subito quando fu separata dalla gemella siamese. Vertigine di visioni intersecate, sdoppiamenti di personalità e omaggi a Hitchcock nel primo horror diretto da Brian de Palma, insieme a Peter Bogdanovich il «metaregista» per eccellenza della New Hollywood. robert altman CALIFORNIA SPLIT Usa, 1974, 35mm, 108’, col. regia/director Robert Altman soggetto, sceneggiatura/ story, screenplay Joseph Walsh fotografia/cinematography Paul Lohmann montaggio/film editing Lou Lombardo, O. Nicholas Brown scenografia/ production design Leon Ericksen costumi/costume design Hugh McFarland musica/music Phyllis Shotwell interpreti e personaggi/ cast and characters George Segal (Bill Denny), Elliott Gould (Charlie Waters), Ann Prentiss (Barbara Miller), Gwen Welles (Susan Peters), Edward Walsh (Lew), Joseph Walsh (Sparkie) produttori/producers Robert Altman, Joseph Walsh produzione/production Columbia Pictures 203 CALIFORNIA POKER Un giornalista e uno stralunato giocatore di professione s’incontrano a un tavolo di poker, fanno amicizia, cominciano a scommettere su tutto, compresi i nomi dei sette nani, e un giorno decidono di tentare il colpo grosso a Reno. George Segal ed Elliott Gould ciondolano, chiacchierano, giocano, fanno scherzi, si prendono cura di due giovani prostitute, girano a vuoto, nella magnifica jam session di Altman, tutta improvvisazione sotto controllo. Ma, alla fine, c’è qualcuno che vince? N E W H O L LY W O O D SISTERS A journalist looks out the window and sees a murder taking place in the house across the way. The murdered man played a voyeur in a TV program entitled Peeping Toms. A model gets psychiatric help for the trauma she suffered when she was separated from her Siamese twin. Vertigo from crossing views, split personalities and nods to Hitchcock in the first horror movie directed by Brian de Palma, the New Hollywood “meta-director” par excellence, together with Peter Bogdanovich. filmografia essenziale/essential filmography Hi, Mom! (id., 1970), Get to Know Your Rabbit (Conosci il tuo coniglio, 1972), Phantom of the Paradise (Il fantasma del palcoscenico, 1974), Obsession (Complesso di colpa, 1976), Carrie (Carrie, lo sguardo di Satana, 1977), The Fury (Fury, 1978), Home Movies (Home Movies - Vizietti familiari, 1979), Dressed to Kill (Vestito per uccidere, 1980), Blow Out (id., 1981), Scarface (id., 1983), Body Double (Omicidio a luci rosse, 1984), Wise Guys (Cadaveri e compari, 1986), The Untouchables (Gli intoccabili, 1987), Raising Cain (Doppia personalità, 1992), Carlito’s Way (id., 1993), Mission Impossible (id., 1996), Snake Eyes (Omicidio in diretta, 1998), Mission to Mars (id., 2000), Femme Fatale (id., 2002). CALIFORNIA SPLIT A journalist and a moody professional gambler meet at a poker table, become friends and start to bet on everything, including the names of the seven dwarfs. One day they decide to try to win big in Reno. George Segal and Elliott Gould hang around, chat, gamble, play tricks on people, take care of two young prostitutes and wander in Altman’s magnificent jam session, controlled improvisation. But, in the end, does anybody actually win? filmografia essenziale/ essential filmography That Cold Day in the Park (Quel freddo giorno nel parco, 1969), M*A*S*H* (M.A.S.H, 1970), Brewster McCloud (Anche gli uccelli uccidono, 1970), McCabe and Mrs Killer (I compari, 1971), Images (id., 1972), The Long Goodbye (Il lungo addio, 1973), Thieves Like Us (Gang, 1974), Nashville (id., 1975), Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull’s History Lesson (Buffalo Bill e gli indiani, 1976), 3 Women (Tre donne, 1977), A Wedding (Un matrimonio, 1978), Quintet (id., 1979), Streamers (id., 1983), The Player (I protagonisti, 1992), Short Cuts (America oggi, 1993), Cookie’s Fortune (La fortuna di Cookie, 1999), Dr T and the Women (Il dottor T e le donne, 2000), Gosford Park (id., 2001), A Prairie Home Companion (Radio America, 2006). john byrum INSERTS CONTENTS Usa, 1974, 35mm, 117’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay John Byrum fotografia/cinematography Denys N. Coop montaggio/film editing Michael Bradsell scenografia/ production design John Clark costumi/costume design Shirley Russell interpreti e personaggi/ cast and characters Richard Dreyfuss (Boy Wonder), Jessica Harper (Cathy Cake), Bob Hoskins (Big Mac), Veronica Cartwright (Harlene), Stephen Davies (Rex) produttori/producers Davina Belling, Clive Parsons produzione/production Film and General Productions IL PORNOGRAFO Usa, 1974, 35mm, 102’, col. 204 In 1930s Hollywood, Boy Wonder, a maestro of silent cinema who has fallen on hard times, directs porn movies for a living. A claustrophobic tour de force by an obsessed Richard Dreyfuss (who had become famous the year before with American Graffiti), who is locked up in his house with young actresses ready to do anything and threatened by a bootlegger who is about to become a movie mogul (an allusive, perfidious Bob Hoskins), a caustic and wicked portrait of the Movie Mecca, distantly inspired by Sternberg. filmografia/filmography The Razor’s Edge (Il filo del rasoio, 1984), Heart Beat (1980), Inserts (Il pornografo, 1974), Alfred Hitchcock Presents (ep., tv, 1985), The Whoopee Boys (The Whoopee Boys - Giuggioloni e porcelloni, 1986), Shannon’s Deal (ep., tv, 1990), Murder in High Places (tv, 1990). Negli anni Trenta a Hollywood, Boy Wonder, maestro del muto caduto in disgrazia, per vivere dirige film porno. Claustrofobico tour de force di un ossessionato Richard Dreyfuss (che era diventato famoso l’anno prima con American Graffiti), chiuso nella sua casa tra giovani attrici pronte a tutto e minacciato da un contrabbandiere di alcol che sta per diventare un mogul del cinema (un insinuante, perfido Bob Hoskins), un ritratto caustico e malevolo della Mecca del cinema, vagamente ispirato a Sternberg. alan j. pakula THE PARALLAX VIEW regia, produttore/ director, producer Alan J. Pakula soggetto/story dal romanzo Programmazione omicidi di/ from the novel of the same title by Loren Singer sceneggiatura/screenplay David Giler, Lorenzo Semple Jr fotografia/cinematography Gordon Willis montaggio/film editing John W. Wheeler musica/music Michael Small interpreti e personaggi/ cast and characters Warren Beatty (Joseph Frady), Paula Prentiss (Lee Carter), William Daniels (Austin Tucker) produzione/production Doubleday Productions, Gus, Harbor Productions INSERTS PERCHÉ UN ASSASSINIO Un senatore viene assassinato e poco dopo cominciano a morire tutti i giornalisti presenti al fatto. Un reporter indaga e scopre la Parallax Corporation, misteriosa organizzazione che contamina la politica col crimine. Dopo un decennio di assassini politici e dopo un anno dall’impeachment di Nixon per lo scandalo Watergate, la paranoia dilaga. Specialista riconosciuto: Alan J. Pakula, che tesse intorno a Warren Beatty un incubo senza sbocco. N E W H O L LY W O O D THE PARALLAX VIEW A senator is assassinated and shortly afterward all the journalists who reported on the crime start to die. A reporter investigates and discovers Parallax Corporation, a mysterious organization that contaminates politics with crime. After a decade of political assassinations and one year after Nixon’s impeachment over the Watergate scandal, paranoia is rampant. The acknowledged specialist: Alan J. Pakula, who weaves a no-exit nightmare around Warren Beatty. filmografia essenziale/essential filmography The Sterile Cuckoo (Pookie, 1969), Klute (Una squillo per l’ispettore Klute, 1971), Love and Pain and the Whole Damn Thing (Amore e dolore e tutto quel dannato pasticcio, 1973), All the President’s Men (Tutti gli uomini del presidente, 1976), Comes a Horseman (Arriva un cavaliere libero e selvaggio, 1978), Starting Over (E ora punto e a capo, 1979), Rollover (Il volto dei potenti, 1981), Sophie’s Choice (La scelta di Sophie, 1982), Dream Lover (id., 1986), Orphans (Un ostaggio di riguardo, 1987), See You in the Morning (Ci penseremo domani, 1989), Presumed Innocent (Presunto innocente, 1990), Consenting Adults (Giochi d’adulti, 1992), The Pelican Brief (Il rapporto Pelican, 1993), The Devil’s Own (L’ombra del diavolo, 1997). jerry schatzberg SCARECROW CONTENTS Usa, 1974, 35mm, 117’, col. regia/director Jerry Schatzberg soggetto, sceneggiatura/ screenplay, story Garry Michael White fotografia/cinematography Vilmos Zsigmond montaggio/film editing Evan Lottman scenografia/ production design Al Brenner costumi/costume design Jo Ynocencio musica/music Fred Myrow interpreti e personaggi/ cast and characters Gene Hackman (Max), Al Pacino (Lionel), Doroty Tristan (Coley), Ann Wedgeworth (Frenchy), Richard Lynch (Jack Riley), Eileen Brennan (Darlene), Penny Allen (Annie) produttore/producer Robert M. Sherman produzione/production Warner Bros. LO SPAVENTAPASSERI Max, dopo sei anni di prigione, sogna di aprire un lavaggio auto a Pittsburgh. Lionel è un ex marinaio diretto a Detroit per incontrare un figlio che non conosce. Fanno amicizia in California e si mettono in viaggio insieme, attraverso un’America rurale e marginale. Terzo film di Schatzberg e uno dei capolavori dell’epoca, picaresco e tragico come un racconto di Steinbeck, dove l’utopia viene sempre schiacciata dalla realtà. Coppia beckettiana composta da Gene Hackman e Al Pacino. michael cimino THUNDERBOLT AND LIGHTFOOT Usa, 1974, 35mm, 115’, col. regia, sceneggiatura/ director, screenplay Michael Cimino fotografia/cinematography Frank Stanley montaggio/film editing Ferris Webster scenografia/ production design Tambi Larsen musica/music Dee Barton, James L. Berkey interpreti e personaggi/ cast and characters Clint Eastwood (Thunderbolt), Jeff Bridges (Lightfoot), George Kennedy (Red Leary), Geoffrey Lewis (Eddie Goody), Catherine Bach (Melody), Gary Busey (Curly) produttore/producer Robert Daley produzione/production The Malpaso Company 205 UNA CALIBRO 20 PER LO SPECIALISTA Un pastore scappa da una chiesa, per poco non viene investito da un ragazzo, che poi gli dà un passaggio in auto. Il pastore è in realtà un ladro e il ragazzo non vede l’ora di imparare il mestiere. Clint Eastwood e Jeff Bridges nell’esordio di Cimino (prodotto dalla Malpaso di Eastwood): un heist movie alla caccia di un bottino perduto, ma anche la storia di un’amicizia che cresce come un rapporto tra padre e figlio. Sullo sfondo, motel, banche e chiese di campagna. N E W H O L LY W O O D SCARECROW After spending six years in prison, Max dreams of opening a car wash in Pittsburgh. Lionel is a former sailor on his way to Detroit to meet a son he’s never seen before. The two become friends in California and travel together across rural and marginal America. Schatzberg’s third movie and one of the masterpieces of the era, as picaresque and tragic as a story by Steinbeck, in which utopia is always being trampled by reality. Gene Hackman and Al Pacino form a Beckettian pair. filmografia/filmography Puzzle of a Downfall Child (Mannequin Frammenti di una donna, 1970), The Panic in Needle Park (Panico a Needle Park, 1971), Scarecrow (Lo spaventapasseri, 1973), Sweet Revenge (1976), The Seduction of Joe Tynan (La seduzione del potere, 1979), Honeysuckle Rose (Accordi sul palcoscenico, 1980), Misunderstood (Incompreso - L’ultimo sole d’estate, 1984), No Small Affair (Una cotta importante, 1984), Street Smart (Street Smart - Per le strade di New York, 1987), Clinton and Nadine (La contropartita, tv, 1988), Reunion (L’amico ritrovato, 1989), Lumière et compagnie (coregia/codirectors aa.vv., ep., 1995), The Day the Ponies Come Back (2000). THUNDERBOLT AND LIGHTFOOT A pastor runs from a church and is almost run over by a young man, who then gives him a lift in his car. The pastor is actually a thief and the young man can’t wait to learn the trade. Clint Eastwood and Jeff Bridges in Cimino’s debut movie (produced by Eastwood’s Malpaso). A heist movie hunting down lost booty, but also the story of a friendship that grows like a father and son relationship. In the background, motels, banks and country churches. filmografia/filmography Thunderbolt and Lightfoot (Una calibro 20 per lo specialista, 1974), The Deer Hunter (Il cacciatore, 1978), Heaven’s Gate (I cancelli del cielo, 1980), Year of the Dragon (L’anno del dragone, 1985), The Sicilian (Il siciliano, 1987), Desperate Hours (Ore disperate, 1990), Sunchaser (Verso il sole, 1996), Chacun son cinéma (coregia/codirectors aa.vv., ep. No Translation Needed, 2007). dick richards FAREWELL, MY LOVELY CONTENTS Usa, 1975, 35mm, 95’, col. regia/director Dick Richards soggetto/story dal romanzo Addio, mia amata di/ from the novel of the same title by Raymond Chandler sceneggiatura/screenplay David Zelag Goodman fotografia/cinematography John A. Alonzo montaggio/film editing Joel Cox musica/music David Shire interpreti e personaggi/ cast and characters Robert Mitchum (Philip Marlowe), Charlotte Rampling (Helen Grayle), John Ireland (detective Nulty), Sylvester Stallone (Jonnie) produttori/producers Jerry Bruckheimer, George Pappas produzione/production EK, ITC Entertainment MARLOWE, IL POLIZIOTTO PRIVATO Philip Marlowe indaga sulla scomparsa di Velma, ballerina di night club e pupa di un gangster appena uscito di prigione. Tratto da Addio, mia amata di Chandler, un intrigo contorto in una Los Angeles oscura e mortifera. Enorme Robert Mitchum, spiegazzato e troppo vecchio per quel mestiere, che sembra aver già visto tutto il male che circola in città; e Charlotte Rampling è ambigua e pericolosa. Dirige Dick Richards, senza nostalgia ma con lucida, «iperrealistica» consapevolezza dell’impossibilità del mito. robert kramer, john douglas MILESTONES Usa, 1975, 35mm, 195’, col. regia, sceneggiatura, fotografia/directors, screenplay, cinematography Robert Kramer, John Douglas musica/music Bobby Buechler montaggio/film editing Robert Kramer, John Douglas, Marilyn Mulford suono/sound Jane Schwartz, Philip Spinelli, Marilyn Mulford interpreti e personaggi/ cast and characters Grace Paley (Helen), Mary Chapelle (Mama), Sharon Krebs (Jane), Jim Nolfi (Jimmy), Susie Solf (Karen), Joe Stork (Larry), Pacil Zimet (Peter), John Douglas (John) produttori/producers Barbara Stone, David C. Stone 206 MILESTONES Circa cinquanta personaggi e un viaggio attraverso gli States, per raccontare quello che rimane dell’utopia nella transizione dai Sessanta ai Settanta: coppie mature, padri e figli, coppie gay, reduci, ex radicali, hippie invecchiati, tutte le vite si intrecciano in un affresco epico e libero dell’America qui e ora, dopo il Vietnam. Robert Kramer (che codirige con il documentarista John Douglas) spalanca l’orizzonte, mescola documentario e finzione e lascia che la gente parli. N E W H O L LY W O O D FAREWELL, MY LOVELY Philip Marlowe is investigating the disappearance of Velma, a night club dancer and the moll of a gangster who has just been released from prison. Based on Chandler’s tale Farewell, My Lovely, a contorted intrigue in a gloomy and deadened Los Angeles. Robert Mitchum is fantastic; crumpled and too old for the job, he seems to have already seen all the evil the city has to offer. Charlotte Rampling is ambiguous and dangerous. Dick Richards directs without nostalgia, but with a lucid, “hyper-realistic” awareness of the legend’s impossibility. filmografia/filmography The Culpepper Cattle Co. (Fango sudore e polvere da sparo, 1972), Rafferty and the Gold Dust Twins (1975), Farewell, My Lovely (Marlowe, il poliziotto privato, 1975), March or Die (La bandera - Marcia o muori, 1977), Death Valley (Death Valley - Una vacanza nell’estremo terrore, 1982), Man, Woman and Child (Un uomo, una donna e un bambino, 1983), Black Jack (1986). MILESTONES About fifty characters and a journey across the United States to show what remains of the utopia in the transition from the 1960s to the 1970s: mature couples, fathers and children, gay couples, veterans, former radicals, ageing hippies, all these lives intertwine into an epic and freehand fresco of America here-and-now, after Vietnam. Robert Kramer (who co-directs with the documentary maker John Douglas) explodes the horizon, mixing documentary and fiction. filmografia essenziale/essential filmography Robert Kramer: Faln (1965), In the Country (1966), The Edge (1967), Ice (id., 1969), People’s War (1969), Scenes from the Class Struggle in Portugal (Scene di lotta di classe dal Portogallo, 1979), Guns (Fucili, 1980), À toute allure (1982), La peur (1983), Notre nazi/Unser Nazi (1984), Diesel (1985), Un plan d’enfer (1986), X-Country (1987), Doc’s Kingdom (1987), Route One/USA (1989), Dear Doc (1989), Maquette (brouillon de film) (1990), Berlin 10/90 (1990-91),Sous le vent (1991), Series of Videoletters: Steve Dwoskin/Robert Kramer (1991), Point de départ/Starting Place (1993), La Roue: Greg Lemond - Andrew Hampsten (1993), Walk the Walk (1996), Le Manteau (1996), Ghosts of Electricity (1997). arthur penn NIGHT MOVES CONTENTS Usa, 1975, 35mm, 100’, col. regia/director Arthur Penn sceneggiatura/screenplay Alan Sharp fotografia/cinematography Bruce Surtees montaggio/film editing Dede Allen, Stephen A. Rotter musica/music Michael Small scenografia/ production design George Jenkins interpreti e personaggi/ cast and characters Gene Hackman (Harry Moseby), Jennifer Warren (Paula), Susan Clark (Ellen Moseby), Edward Binns (Joey Ziegler), Harris Yulin (Marty Heller), Kenneth Mars (Nick) produttore/producer Robert M. Sherman produzione/production Warner Bros. NIGHT MOVES Harry Moseby, a Los Angeles detective, is investigating the disappearance of a sixteen-year-old girl, the daughter of a Hollywood producer. As the case turns murky, Moseby discovers that his wife is cheating on him. The crisis of a man who has lost his bearings, in his life and in his surrounding reality. One of the most disenchanted and melancholy examples of the post-Watergate chaos. Gene Hackman – solitary, defeated and confused – in one of the season’s most lucid film noirs. BERSAGLIO DI NOTTE Un detective di Los Angeles, Harry Moseby, indaga sulla scomparsa di una sedicenne, figlia di un produttore hollywoodiano. Mentre il caso si intorbida, Moseby scopre che la moglie lo tradisce. La crisi di un uomo che non riesce più a orizzontarsi né nella propria vita né nella realtà che lo circonda, in uno degli esemplari più disillusi e malinconici del caos post Watergate. Gene Hackman solitario, sconfitto e confuso, in uno dei noir più lucidi della stagione. michael ritchie SMILE Usa, 1975, 35mm, 113’, col. regia, produttore/ director, producer Michael Ritchie sceneggiatura/screenplay Jerry Belson fotografia/cinematography Conrad L. Hall montaggio/film editing Richard A. Harris costumi/costume design Patricia Norris suono/sound Richard Chew interpreti e personaggi/ cast and characters Bruce Dern (Big Bob), Barbara Feldon (Brenda), Michael Kidd (Tommy), Geoffrey Lewis (Wilson), Eric Shea (Little Bob) produzione/production David V. Picker Productions, Twin Roads Productions 207 SORRIDI [T.L.] Ventitré ragazze arrivano a Santa Barbara da tutta la California per partecipare al concorso di Young American Miss. Per quattro giorni vengono interrogate sui loro talenti, le loro aspirazioni, la loro vita, addestrate da un coreografo, «pesate» e spiate da giudici e guardoni. Ma le ragazzine sanno che l’unica dote importante è il fisico. Satira della società dello spettacolo, costruita e girata come Nashville (e uscita poco dopo il capolavoro di Altman), uno spaccato di provinciale euforia orchestrato da Michael Ritchie e dal protagonista Bruce Dern. N E W H O L LY W O O D filmografia/filmography vedi/see p. 191 SMILE Twenty-three girls arrive in Santa Barbara from every corner of California to participate in the “Young American Miss” beauty pageant. For four days, they are questioned regarding their talents, their aspirations, their life; they are trained by a choreographer, and “weighed” and spied on by the judges and voyeurs. But the girls know that the only important aspect is their appearance. A satire of society of spectacle, constructed and shot like Nashville (and released shortly after Altman’s masterpiece), a cross-section of provincial euphoria, orchestrated by Ritchie and the movie’s star, Bruce Dern. filmografia essenziale/essential filmography Downhill Racer (Gli spericolati, 1969), Prime Cut (Arma da taglio, 1972), The Candidate (Il candidato, 1972), The Bad News Bears (Che botte se incontri gli orsi, 1976), SemiTough (Un gioco da duri, 1977), An Almost Perfect Affair (Un amore perfetto o quasi, 1979), The Island (L’isola, 1980), The Survivors (Come ti ammazzo un killer, 1983), Fletch (Fletch - Un colpo da prima pagina, 1985), The Golden Child (Il bambino d’oro, 1986), The Couch Trip (Lo strizzacervelli, 1988), Fletch Lives (Fletch - Cronista d’assalto, 1989), Cops and Robbersons (Poliziotti a domicilio, 1994), The Scout (Un colpo da campione, 1994). CONTENTS Scarecrow (1974) di Jerry Schatzberg CONTENTS INDICI/ INDICES CONTENTS Indice dei film/ Index to films 2 automnes 3 hivers, 2 37°4 S, 116 8 ½, 43 A Adelante petroleros, 167 Alceste à bicyclette, 49 Alligator Tears, 134 All Is Lost, 24 Altro ritmo, Un, 175 Anak araw, 102 Anna (Materiali espansi), 103 Au nom du fils, 58 B Bandini - Tragedia in tre atti, 172 Bataille de Solférino, La, 3 Belleville Baby, 78 Bibliografia, 151 Big Bad Wolves, 59 Blood Pressure, 25 Blue Ruin, 4 Blutgletscher, 60 Bob & Carol & Ted & Alice, 192 Bonnie & Clyde, 191 Boxcar Bertha, 199 Bulg-Eun Gajog, 5 C C.O.G., 6 Cacheu, 104 California Split, 203 Caminhos de Jorge, Os, 79 Caníbal, 61 Carmine, 172 Carosello, 152 Chasing, 173 Chroniques équivoques, 80 Cisco Pike, 200 Club Sándwich, 7 Computer Chess, 62 Conspiracy, The, 63 Cut, 135 D Dance with Me to the End of Love, 163 Dangkou, 164 210 INDICI/ INDICES Danza de la realidad, La, 64 Démantèlement, Le, 8 Dernier des injustes, Le, 105 Drinking Buddies, 26 Drogówka, 50 E E Agora? Lembra-me, 81 Easy Rider, 193 Electra Glide in Blue, 201 Embassy, The, 106 Emmaus, 89 Enough Said, 27 Essere Riccardo… e gli altri, 44 Etrusco uccide ancora, L’, 65 F Fantasmi di San Berillo, I, 90 Farewell, My Lovely, 206 Fat City, 200 Five Easy Pieces, 195 Flood Tide, 136 Frances Ha, 28 Fuoriscena, 91 G Grand Piano, 29 Grand Seduction, The, 30 Grazing the Sky, 107 H Habitat [Piavoli], 92 Harold and Maude, 196 Història de la meva mort, 137 Homo Homini Bisonte, 117 Hotel de l’univers, 138 House of Cards, 128 Husband, The, 31 I Ida, 32 Illusionista, L’, 173 Image manquante, L’, 108 Inserts, 204 Inside Llewyn Davis, 33 In the Traveler’s Heart, 139 Isacco, 118 CONTENTS K King of Marvin Gardens, The, 201 L Lago, Il, 93 Last Detail, The, 202 Last Picture Show, The, 197 Last Vegas, 34 Lezuo, 140 LFO, 66 Little Murders, 197 Loubia hamra, 35 Lugar de las fresas, El, 94 Lunchbox, The, 178 Lupu, 179 Luton, 141 M Mafia uccide solo d’estate, La, 9 Mahjong, 153 Männer zeigen Filme & Frauen ihre Brüste, 67 Mary Is Happy, Mary Is Happy, 180 Medium Cool, 193 Midnight Cowboy, 194 Milestones, 206 Mille soleils, 109 Mingri tianya, 162 Monica Z, 51 Mossa del pinguino, La, 52 N Neon Goddesses, 160 Neon Heartache, 142 Night Moves, 207 No More Lonely Nights, 119 Noche, 143 O Only Lovers Left Alive, 36 P Parallax View, The, 204 Parole e utopia #6 Alberto Grifi, #10 Béla Tarr, 110 Parole povere, 168 Passione di Erto, La, 95 211 INDICI/ INDICES Pat Garrett & Billy the Kid, 202 Pays barbare, 111 Pazza della porta accanto, La, 169 Pelo malo, 10 Pisa, 144 Plaga, La, 11 Plus One, 68 Portrait of a Lone Farmer, 82 Prince Avalanche, 37 R Rain People, The, 194 reCuiem, 120 Rei Inútil, 154 Repairman, The, 46 Ride the High Country, 190 Rosarno, 96 S Salvo, 181 Sanperè! - Venisse il fulmine, 97 Sao Karaoke, 12 Scarecrow, 205 Sceneries of New Beginnings, 145 Sedia della felicità, La, 20 Segreto, Il, 98 Sensô to hitori no onna, 13 Signore delle chiavi, Il, 174 Silencio en la tierra de los sueños, 146 Sisters, 203 Smile, 207 Soles de primavera, 147 Southcliffe, 129 Spell to Ward Off the Darkness, A, 83 Stag, The, 53 Sto lyko, 148 Stone Roses: Made of Stone, The, 69 Stop the Pounding Heart, 84 Striplife, 99 Stuart Hall Project, The, 112 Sud è niente, Il, 182 Sui bordi, 121 Suzanne, 38 Sweetwater, 70 Swimmer, The, 191 CONTENTS T Targets, 192 Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker, 113 Temporary Road. (una) Vita di Franco Battiato, 39 Terradentro, 122 They Shoot Horses, Don’t They?, 195 This Is Martin Bonner, 40 Thunderbolt and Lightfoot, 205 THX 1138, 198 Tin seung yan gaan, 161 Top of the Lake, 130 Treno va a Mosca, Il, 14 Trêve, 85 Trilogia dell’amore, 174 Tutte le storie di Piera, 45 Two-Lane Blacktop, 198 U Ugly, 41 Última película, La, 149 Uprising, The, 86 V V/H/S/2, 71 Vandal, 15 Vanishing Point, 199 Viaggio di Ettore, Il, 123 Vita adesso, La, 124 W Way Way Back, The, 42 Whitewash, 72 Wild Angels, The, 190 Wolf, 100 Woodstock, 196 Wrong Cops, 73 Y Yumen, 87 Yuri Esposito, 183 212 INDICI/ INDICES CONTENTS Indice dei registi/ Index to directors A Felipe Aguila, 174 Jide Tom Akinleminu, 82 John Akomfrah, 112 Horacio Alcalá, 107 Robert Altman, 203 Kyle Patrick Alvarez, 6 Claudio Amendola, 52 Lamine Ammar-Khodja, 80 Francesca Archibugi, 168 Alan Arkin, 197 Hal Ashby, 196, 202 B Neus Ballús, 11 Simon Barrett, 71 Ritesh Batra, 178 Noah Baumbach, 28 Sébastien Betbeder, 2 Giuseppe Boccassini, 140 Peter Bogdanovich, 192, 197 Penelope Bortoluzzi, 95 Leonardo Brzezicki, 143 Andrew Bujalski, 62 John Butler, 53 John Byrum, 204 C Jane Campion, 130 Valentina Carnelutti, 120 Claudio Casazza, 92 Filipa César, 104, 106 Todd Chandler, 136 J.C. Chandor, 24 Telmo Churro, 154 Michael Cimino, 205 Lorenzo Cioffi, 123 Hélier Cisterne, 15 Ethan Coen, 33 Joel Coen, 33 Francesca Cogni, 121 Francis Ford Coppola, 194 Vincenzo Core, 119 Roger Corman, 190 Stefano Cravero, 172 Armando Crispino, 65 Manuel Martín Cuenca, 61 cyop&kaf, 98 213 INDICI/ INDICES D Maite Vitoria Daneris, 94 Garth Davis, 130 Tonino De Bernardi, 138 Mauro De Fazio, 174 Greta De Lazzaris, 96 Antonietta De Lillo, 169 Brian De Palma, 203 Pierfrancesco Diliberto «Pif», 9 Mati Diop, 109 Massimo Donati, 91 John Douglas, 206 Melissa Dullius, 139 Quentin Dupieux, 73 Sean Durkin, 129 E Yukai Ebisuno, 93 Fernando Eimbcke, 7 Jason Eisener, 71 Mia Engberg, 78 Gareth Huw Evans, 71 F Alessio Fava, 183 Nat Faxon, 42 Federico Fellini, 43 Luca Ferri, 92 Federico Ferrone, 14 David Fincher, 128 Per Fly, 51 Francesca Frigo, 97 Donatello Fumarola, 110 G Sean Garrity, 25 Yervant Gianikian, 111 Claudio Giovannesi, 100 Christoph Girardet, 135 Fabio Grassadonia, 181 David Gordon Green, 37 Alberto Grifi, 103 Nicola Grignani, 99 William Guercio, 201 João Rui Guerra da Mata, 153 CONTENTS H Gregg Hale, 71 Carmit Harash, 85 Chad Hartigan, 40 Monte Hellman, 198 Nicole Holofcener, 27 Dennis Hopper, 193 Emanuel Hoss-Desmarais, 72 Huang Xiang, 87 Aran Hughes, 148 John Huston, 200 I Dennis Iliadis, 68 Junichi Inoue, 13 Stefan Ivancic, 147 J Gustavo Jahn, 139 Jim Jarmusch, 36 Alejandro Jodorowsky, 64 Lee Ju Hyoung, 5 K Anurag Kashyap, 41 Aharon Keshales, 59 Michalis Konstantatos, 141 Christina Koutsospyrou, 148 Robert Kramer, 206 Marvin Kren, 60 L Jean-Marc Lamoure, 113 Vincent Lannoo, 58 Claude Lanzmann, 105 Philippe Le Guay, 49 Alessandro Leone, 91 Danielle Lessovitz, 142 Yu Likwai, 160-164 George Lucas, 198 Davide Luchino, 172 Gym Lumbera, 102 M Christopher MacBride, 63 João Manso, 151 Miguel Manso, 151 Raffaella Mantegazza, 93 214 INDICI/ INDICES Michele Manzolini, 14 Peter Marcias, 45 Claudia Marelli, 89 Narimane Mari, 35 Raya Martin, 149 Paul Mazursky, 192 Carlo Mazzacurati, 20 Bruce McDonald, 31 Don McKellar, 30 Shane Meadows, 69 Salvatore Mereu, 124 Logan Miller, 70 Roberto Minervini, 84 Eugenio Mira, 29 Paolo Mitton, 46 Tito Molina, 146 Fabio Mollo, 182 Alberto Momo, 110 Edoardo Morabito, 90 Miguel Moraes Cabral, 79 Matthias Müller, 135 Alberto Mussolini, 99 Bogdan Musta!ă, 179 N Bill L. Norton, 200 P Alan J. Pakula, 204 Rithy Panh, 108 Navot Papushado, 59 Paweł Pawlikowski, 32 Sam Peckinpah, 190, 202 Arthur Penn, 191, 207 Mark Peranson, 149 Frank Perry, 191 Antonio Piazza, 181 Sébastien Pilote, 8 Joaquim Pinto, 81 Sydney Pollack, 195 Giuseppe Pollicelli, 39 Renato Porfido, 173 Antonio Prata, 122 Q Katell Quillévéré, 38 Jorge Quintela, 152 CONTENTS R Bob Rafelson, 195, 201 Jim Rash, 42 Angela Ricci Lucchi, 111 Rocco Riccio, 173 Dick Richards, 206 Michael Ritchie, 207 Ben Rivers, 83 João Pedro Rodrigues, 153 Mariana Rondón, 10 Ben Russell, 83 S Manuel Alejandro Salas, 144 Edúardo Sanchez, 71 Richard C. Sarafian, 199 Massimo Sarchielli, 103 Jeremy Saulnier, 4 Fabio Scacchioli, 119 Luca Scaffidi, 99 Giancarlo Scarchilli, 44 Jerry Schatzberg, 205 John Schlesinger, 194 Theresa Schwartzman, 134 Martin Scorsese, 199 Albert Serra, 137 Atsushi Shinohara, 145 Emanuele Simonelli, 117 Wojciech Smarzowski, 50 Astutillo Smeriglia, 117 J.P. Sniadecki, 87 Peter Snowdon, 86 Isabell Šuba, 67 Joe Swanberg, 26 T Mario Tani, 39 Valeria Testagrossa, 99 Nawapol Thamrongrattanarit, 180 Timo Tjahjanto, 71 Federico Tocchella, 118 Giancarlo Tovo, 175 Justine Triet, 3 Antonio Tublén, 66 Jon Turteltaub, 34 215 INDICI/ INDICES V Adriano Valerio, 116 Visra Vichit Vadakan, 12 Lucio Viglierchio, 174 W Michael Wadleigh, 196 Haskell Wexler, 193 Adam Wingard, 71 X Xu Ruotao, 87 Z Maurizio Zaccaro, 167 Andrea Zambelli, 99 CONTENTS Indice dei film per nazione/ Index to films by countries Algeria Chroniques équivoques, 80 Loubia hamra, 35 Argentina Noche, 143 Australia Top of the Lake, 130 Austria Blutgletscher, 60 Dernier des injustes, Le, 105 Belgio/Belgium Au nom du fils, 58, Caminhos de Jorge, Os, 79 Neon Goddesses, 159 Stop the Pounding Heart, 84 Uprising, The, 86 Ecuador Pisa, 144 Silencio en la tierra de los sueños, 146 Estonia Spell to Ward Off the Darkness, A, 83 Filippine/Philippines Anak araw, 102 Última película, La, 149 Cina/China Dangkou, 164 Mingri tianya, 162 Yumen, 87 Francia/France 2 automnes 3 hivers, 2 37°4 S, 116 8 ½, 43 Alceste à bicyclette, 49 Bataille de Solférino, La, 3 Caminhos de Jorge, Os, 79 Caníbal, 61 Chroniques équivoques, 80 Dernier des injustes, Le, 105 Història de la meva mort, 137 Image manquante, L’, 108 Inside Llewyn Davis, 33 Loubia hamra, 35 Lunchbox, The, 178 Mille soleils, 109 Passione di Erto, La, 95 Pays barbare, 111 Salvo, 181 Spell to Ward Off the Darkness, A, 83 Sto lyko, 148 Sud è niente, Il, 182 Sui bordi, 121 Suzanne, 38 Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker, 113 Trêve, 85 Vandal, 15 Wrong Cops, 73 Corea del Sud/South Korea Bulg-Eun Gajog, 5 Dance with Me to the End of Love, 163 Germania/Germany Cut, 135 Etrusco uccide ancora, L’, 65 Brasile/Brazil Dangkou, 163 In the Traveler’s Heart, 139 Cambogia/Cambodia Image manquante, L’, 108 Canada Blood Pressure, 25 Conspiracy, The, 63 Démantèlement, Le, 8 Grand Seduction, The, 30 Husband, The, 31 Última película, La, 149 Whitewash, 72 Cile/Chile Danza de la realidad, La, 64 216 Danimarca/Denmark LFO, 66 Portrait of a Lone Farmer, 82 Última película, La, 149 INDICI/ INDICES CONTENTS In the Traveler’s Heart, 139 Lunchbox, The, 178 Lupu, 179 Männer zeigen Filme & Frauen ihre Brüste, 67 Portrait of a Lone Farmer, 82 Giappone/Japan Dangkou, 163 Sceneries of New Beginnings, 145 Sensô to hitori no onna, 13 Grecia/Greece Luton, 141 Sto lyko, 148 Guinea-Bissau Cacheu, 104 Hong Kong Dance with Me to the End of Love, 162 Dangkou, 163 Mingri tianya, 161 Neon Goddesses, 160 Tin seung yan gaan, 161 India Lunchbox, The, 178 Ugly, 41 Irlanda/Ireland Stag, The, 53 Israele/Israel Big Bad Wolves, 59 Trêve, 85 Italia/Italy 8 ½, 43 Adelante petroleros, 167 Altro ritmo, Un, 175 Anna (Materiali espansi), 103 Bandini - Tragedia in tre atti, 172 Carmine, 172 Chasing, 173 Emmaus, 89 Essere Riccardo… e gli altri, 44 Etrusco uccide ancora, L’, 65 217 INDICI/ INDICES Fantasmi di San Berillo, I, 90 Fuoriscena, 91 Habitat [Piavoli], 92 Homo Homini Bisonte, 117 Hotel de l’univers, 138 Illusionista, L’, 173 Isacco, 118 Lago, Il, 93 Lezuo, 140 Lugar de las fresas, El, 94 Mafia uccide solo d’estate, La, 9 Mossa del pinguino, La, 52 No More Lonely Nights, 119 Parole e utopia #6 Alberto Grifi, #10 Béla Tarr, 110 Parole povere, 168 Passione di Erto, La, 95 Pazza della porta accanto, La, 169 reCuiem, 120 Repairman, The, 46 Rosarno, 96 Salvo, 181 Sanperè! - Venisse il fulmine, 97 Sedia della felicità, La, 20 Segreto, Il, 98 Signore delle chiavi, Il, 174 Stop the Pounding Heart, 84 Striplife, 99 Sud è niente, Il, 182 Sui bordi, 121 Temporary Road. (una) Vita di Franco Battiato, 39 Treno va a Mosca, Il, 14 Trilogia dell’amore, 174 Tutte le storie di Piera, 45 Viaggio di Ettore, Il, 123 Vita adesso, La, 124 Wolf, 100 Yuri Esposito, 183 Jugoslavia/Yugoslavia Etrusco uccide ancora, L’, 65 Lituania/Lithuania In the Traveler’s Heart, 139 Messico/Mexico Club Sándwich, 7 CONTENTS Grazing the Sky, 107 Última película, La, 149 Nuova Zelanda/New Zealand Top of the Lake, 130 Polonia/Poland Ida, 32, Drogówka, 50 Portogallo/Portugal Bibliografia, 151 Cacheu, 104 Caminhos de Jorge, Os, 79 Carosello, 152 E Agora? Lembra-me, 81 Embassy, The, 106 Grazing the Sky, 107 Mahjong, 153 Rei Inútil, 154 Regno Unito/UK Southcliffe, 129 Sto lyko, 148 Stone Roses: Made of Stone, The, 69 Stuart Hall Project, The, 112 Top of the Lake, 130 Uprising, The, 86 Repubblica Ceca/Czech Republic Wolf, 100 Romania Caníbal, 61 Lupu, 179 Russia Caníbal, 61 Serbia Soles de primavera, 147 Spagna/Spain Caníbal, 61 Grand Piano, 29 Grazing the Sky, 107 Història de la meva mort, 137 Plaga, La, 11 218 INDICI/ INDICES Svezia/Swedish Belleville Baby, 78 LFO, 66 Lugar de las fresas, El, 94 Monica Z, 51, Svizzera/Switzerland Terradentro, 122 Thailandia/Thailand Mary Is Happy, Mary Is Happy, 180 Sao Karaoke, 12 Usa Alligator Tears, 134 All Is Lost, 24 Anak araw, 102 Blue Ruin, 4 Bob & Carol & Ted & Alice, 192 Bonnie & Clyde, 191 Boxcar Bertha, 199 C.O.G., 6 California Split, 203 Cisco Pike, 200 Computer Chess, 62 Drinking Buddies, 26 Easy Rider, 193 Electra Glide in Blue, 201 Enough Said, 27 Farewell, My Lovely, 206 Fat City, 200 Five Easy Pieces, 195 Flood Tide, 136 Frances Ha, 28 Harold and Maude, 196 House of Cards, 128 Inserts, 204 King of Marvin Gardens, The, 201 Last Detail, The, 202 Last Picture Show, The, 197 Last Vegas, 34 Little Murders, 197 Medium Cool, 193 Midnight Cowboy, 194 Milestones, 206 Neon Heartache, 142 Night Moves, 207 Only Lovers Left Alive, 36 CONTENTS Parallax View, The, 204 Pat Garrett & Billy the Kid, 202 Plus One, 68 Prince Avalanche, 37 Rain People, The, 194 Ride the High Country, 190 Sao Karaoke, 12 Scarecrow, 205 Sisters, 203 Smile, 207 Stop the Pounding Heart, 84 Sweetwater, 70 Swimmer, The, 191 Targets, 192 They Shoot Horses, Don’t They?, 195 This Is Martin Bonner, 40 Thunderbolt and Lightfoot, 205 THX 1138, 198 Two-Lane Blacktop, 198 V/H/S/2, 71 Vanishing Point, 199 Way Way Back, The, 42 Wild Angels, The, 190 Woodstock, 196 Wrong Cops, 73 Yumen, 87 Venezuela Pelo malo, 10 219 INDICI/ INDICES F A B I O N O V E M B R E - AT E L I E R P E R S O L , N O V 2 0 1 2 . “ Creativity is a wild beast. It feeds on harmony.” Discover Atelier Persol and its artists on Persol.com PO 649 LONDON BERLIN PARIS NEW YORK ROME LOS ANGELES SHOP AT BORBONESE.COM media partners Bringing the best new films from Germany to the world … CONTENTS G R A N T U R I S M O LA NUOVA FRONTIERA DEL GRANTURISMO MASERATI GRANTURISMO SPORT. OPPOSITES ATTRACT GranTurismo Sport rappresenta l’ultima evoluzione del concetto di coupé Maserati, raggiungendo nuovi traguardi in termini di design, contenuti tecnici, maneggevolezza e prestazioni senza nulla sacrificare al comfort di bordo. Contraddistinta da un’anima duplice, nelle due versioni con cambio automatico e con cambio manuale robotizzato, la GranTurismo Sport è pensata per soddisfare i desideri della clientela più appassionata ed esigente: lusso e sportività aspettano solo di essere messi alla prova. 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